关键词：水墨人物画；造型
1、线性造型
中国画，首先是线的艺术，不是体面的艺术、色彩的艺术。
纵观中国的绘画史，中国绘画的线性造型特征自古有之。《人物御龙帛画》和《人物御龙帛画》是我国在战国时期出现的楚帛画，为最早的独幅绘画，这两幅作品的出现就已经标志着以线描作为造型的主要手段已经形成。画面人物采用采用单线勾勒的手法，人物形象简炼，形体比例正确。随着时代的发展，后世画家对线的体悟和运用更是精彩而独到。唐代画家吴道子"莼菜条"式的描法，用线错落有致，波折起伏，所画的衣袖、飘带，生动自然，具有迎风起舞的动势，线条极具表现力，故有"吴带当风"之称。北宋人物画家李公麟被称作"白描大师"。李公麟的"铁线描"显示了独特风格。
中国水墨人物画历来强调线性特征，这也是对中国传统意象造型观念的继承和发展。之所以说是对中国传统意象造型观念的继承合发展，是因为"线性"特征不仅仅指的是"线条"，而具有了更为宽泛的涵义。线的出现从一开始就不是简单的对客观物象的模仿，而是一种经过了描绘者头脑过滤、提炼、概括出来的产物，带有描绘者情感的烙印，因而具有极强的表现力和概括性。我们看见的"线"只是表现形式，"性"则放映了思想和情感。去伪存真，"线性"特征才是中国画最本质、最稳定不变的东西。
2、"以书入画"
"以书入画"，"书画同源"都体现了中国绘画与书法的密切联系。代张彦远《历代名画记·叙画之源流》中说，"颉有四目，仰观垂象。因俪鸟龟之迹，遂定书字之形，造化不能藏其秘，故天雨粟；灵怪不能遁其形，故鬼夜哭。是时也，书画同体而未分，象制肇始而犹略。无以传其意，故有书；无以见其形，故有画。"张彦远最早提出了"书画同源"的概念。元代的赵孟钜蔡岢隽讼嗤墓鄣阃晟屏苏叛逶兜腬"书画同源"之说，"石如飞白木如籀，写竹还应八分通；若也有人能会此，方知书画本来同"。赵孟畋救艘彩榛娉ぃ笫朗髁⒘艘榉ㄈ牖ǖ牡浞丁?br />
从起源方面来看，图画和文字都有相同的起源。从远古人类的结绳记事到以图记事，并最终导致了文字的出现。中国最古老的文字甲骨文就是一种高度概括的图画符号。商周时期流传下来的甲骨文就大量图画文字的存在。这些图画文字经过时间的沉淀和历展，逐渐由图案化演变为由线条构成的文字，并在此基础上产生了书法艺术。因而以图画和文字为基础的中国绘画和书法自然也应有相同的起源了。
从表现形式方面来看，中国绘画和书法在笔墨运用上具有共同的规律。唐代张彦远在其《历代名画记·叙画之源流》中说："书之体势，一笔而成，气脉通连，隔行不断，维王子敬明其深旨。故行首之字，往往既其前行，世上谓之一笔书。其后陆探微亦作一笔画，连绵不断，故知书画用笔同法。"。中国文人画对笔墨的追求，突出用笔用墨本身的独立审美价值更是与中国书法艺术重视用笔不谋而合，可以这样说中国绘画的用笔正是来源于书法用笔的灵感。
从艺术意境方面来看，中国绘画和书法具有相同的神髓、意境之源。传统中国绘画是"以形写神"、"妙在似与不似之间"、"遗貌取神"的意象造型观，追求的重点不在形也不在貌，而在神韵之上。因而中国绘画对于艺术意境的追求最具有东方的表现特色。而中国的书法在进行艺术在创作时也往往要借物象以创意，并最终以一些抽象的形来表达--笔划的变化、章法的布局、间距结构的变化。
3、"传神写照"
"传神"作为人物画的创作理论被明确的使用并加以系统论述的当属东晋顾恺之。相传顾长康画人，或数年不点目精（睛）。人问其故，顾曰："四体妍蚩，本无关于妙处，传神写照，正在阿堵中"。"传神"指的是表现对象的神韵和精神内涵，并作为品评一幅画的第一标准，而"写照"一词源于佛学，代表着主体的感知能力。"传神写照"的意思是说人的美丑与形体没有关系，形体与人物的神韵、精神也没有关系，要做到传神关键在于对人物眼睛的刻画。
"写意"是对中国水墨人物画总的要求。早起画家对绘画的追求多以形为贵，唐、宋画家就有许多在客观对象的造型的准确性方面下了很大的功夫，追求逼真的效果。宋徽宗赵佶在绘画创作中一直力求形似，所作作品大多精工细丽，鸟的每一片羽毛都描绘精细。宋代苏轼提出"论画以形似，见于儿童邻"，事物的形包涵了画家精神洗礼以后成为了意像之形，逐渐出现了"不求形似"的观点。这种改变是以画家的主观感受为主，不求形似，所刻画的形象都是对物象本质的概括和提炼。古人所说的"有似而不似，不似而似之意"，"妙在似与不似之间"等，都是对意象造型观念精辟的阐释。
4、语言的程式化
中国画渊源流传，历经数百年的积累与发展，经过长时间的沉淀与无数伟大画家的积累逐步形成了一套完整的技法体系和审美标准，并最终形成了一定的程式化。中国传统的绘画不论笔墨、着色、构图都有自己的程式化原则，带有着特定的哲学思想指向和民族文化烙印。
程式化具有相对的稳定性特征，简洁而有规律。有利亦有弊，它指的是画家经过长时间对生活的积累和提炼，总结升华创造出来的一种艺术符号和艺术语言。程式化的艺术符号是绘画艺术发展成熟的一个具体标志。程式化的造型是再现也表现的结合，画家不仅可以运用程式化的造型语言去表现熟悉的生活并且还可以在不断的表现中去创造新的程式。程式化符号首先是具体的，象形的，体现了具体对象的造型特征，其次又是符号化的，象征性的，规律性的，是对具体对象高度概括和提炼出来的典型形象。
在中国的人物画中，程式化的表现很多。比如"秀骨清象"--陆探微，"吴带当风"--吴道子等等都是经历时间的洗礼而总结出来的程式化艺术语言符号。作为传达人的情绪、感觉而创造的一种媒介，它并不是再现人物的外形的真实，而着重于画家感情的真实。
中国人物画的程式化语言符号如果一味的简单效仿，势必造成中国人物画的衰落，需要创新与发展。南宋的水墨人物画大家梁楷开大写意人物画先河，开创了新的笔墨程式，后世人物画家争先效法着众多，以至形成一味玩弄笔墨的倾向却忽视了人物本身，结果笔墨成了空架子。因而，当代画家对传统笔墨的学习需要积极探索，把握传统与当代的时空结构差异，深刻反思传人物画传统的继承与时代性融入的矛盾体系。
参考文献：
王林旭．中国美术史纲．北京：文化艺术出版社，2003：36．
关键词:艺术设计传统文化应用
中国是四大文明古国之一,有深厚的文化底蕴。但由于政治、经济的原因在近200多年以来在文化艺术方面几乎停滞不前以至于与整个时代有很大的差距。而由于近年来我国的改革开放和经济发展对艺术设计方面的需求却是空前的。在我们设计发展的初期只能是在借鉴外来文化的基础上建立的,这是发展的必然阶段。
在当代社会人类的物质文明和科技水平都达到了一个空前的水平,而中国作为一个自强不息的大国在各个方面都不甘落后于人,在艺术设计领域尤其需要新的创新和突破,这不仅仅是民族自尊心的作用,最重要的还是经济、政治和文化等多方面的需求。
一、中国传统文化的特点:
传统不是落后和过时,它像流水一样,是民族自身演变的过程。中国是个历史悠久、民族众多的国家,同样她的传统文化也是最复杂和深厚的。地域的广博造成了文化的多样性,但悠久的历史又促成了其文化的兼容性。这些纷繁、复杂、厚重的传统文化才是我国艺术设计者取之不尽,用之不竭的宝库。
目前很多文艺工作者发表自己的观点,反对中国的传统思想,认为造成中国目前现状(主要指对目前中国在世界上的政治、经济和军事地位不满意)的主要罪魁祸首就是“儒家”思想,认为正是其造就了中国的“农耕文化”和“羊”的精神。这一观点在去年最流行的小说《狼图腾》中得到了较完整的阐述和论证。我完全赞同他们的观点,5000年的封建文化曾使中国在300多年前就站在世界之巅(中国在乾隆年间的国民生产总值占当时世界整个生产总值的一半还多)。但又恰恰是这种最为完善统治制度阻碍了中国近代的发展。但我们同样应该认识到“农耕文化”被“狼文化”取代,“野蛮人”打败“文明人”其实不仅仅在中国历史上是定理,而应该说这是放之四海而皆准的公理。在全世界的人类历史上都是这样: “希腊人”赶走“爱琴海人”(特洛伊被希腊人摧毁);“罗马人”取代“希腊人”,“英国人”打败了“西班牙人”,而最终“日不落帝国”的霸权又拱手让给“山姆大叔”,历史从来都是这样,但是谁又能说希腊文明应该抛弃呢?“罗马神话”恰恰是全面抄袭了“希腊神话”,就象“宙斯”和“朱庇特”的关系。就是现在谁会认为英国人在文化艺术上的成就逊于美利坚国。“胜则为王败则寇”仅仅是在政治和经济方面,而艺术上却恰恰相反。如果将成吉思汗与赵佶在艺术领域上的成就进行比较,宋徽宗虽是亡国之君但其在书画方面的造诣是一代天骄骑着“汗血宝马”都追不上的。任何文化都有正面和负面的影响,就象殖民地文化的最大好处是当地人的外语(入侵民族的语言)基础有着得天独厚的条件一样,中国长期的腐化和奢靡的封建社会生活习气恰恰成了滋生民族传统文化的温床。可以概括的说,中国的传统文化包罗万象,其涉及面十分广博,艺术设计工作者应从中吸取相应的文化元素将之融汇贯通加以利用,其实“古为今用”在当今中国艺术设计领域里比“洋为中用”还管用。
二、传统文化在艺术设计中的应用
直接应用---主要是针对不同的载体,在中国传统文化元素中慎重的选取相应的图案或符号,发挥其原有的图形信息。但这种直接使用在使用时应注意使用环境和材质。这种使用实际上最为简单和实用,初学者往往愿意使用但一定要注意在组合上不能是简单的堆砌,而要注意其融合。否则直接罗列和附着会给人一种突兀或牵强附会之感。这方面的成功作品中以大连金石滩的“万福鼎”最为典型。该鼎高5.6米(代表中华56个民族),宽4.8米(代表四面八方),其四面由8888个小福字组成。寓意深远的数字构成与应运而生的吉祥个数,囊括了其能够祈福呈祥的所有含义。
扩展使用---在充分理解传统文化的基础上延其“意”传其“神”,其实这是一种转化。这需要设计者有深厚的文化基础和和很高的艺术修养。例如中国书法的精髓在现代园林景观设计中应用最为广泛,汉字书法的构成不外乎章法、线条和结构,同样好的景观作品不外乎追求自然、和谐和超凡脱俗,其布局的合理与正确是最重要的,这一点设计者可以吸取书法中布局的特点,但其各部分组成和功能模块的架构也是相当的重要,好的作品“随形就势”如行云流水般的自然,尽量减少人工的斧琢痕迹是优秀设计师的追求。让人们在隐藏的技巧中看出艺术的智慧来,这才是最为出色的作品。
关键词：传统工艺美术；现代设计；应用探究
传统工艺美术作为中华民族文化艺术的关键组成，在现代设计中的恰当引用，既有助于促进现代设计理念的不断更新，也能够在现代艺术中将民族文化风采展示出来，更能够为中华民族传统艺术的创新、传承创造更多契机。且在进行现代艺术作品设计过程中，设计师也能够从传统美术作品中获得灵感，进而使得艺术作品展现出的艺术情趣更加浓厚，也能够进一步发扬民族传统文化，为传统现代艺术作品走向世界提供有力支持。
1在现代设计中引用传统工艺美术的必要性
经过上千年的发展，传统工艺美术拥有的种类、内涵也越来越丰富，主要包括染织、服装、陶艺及喷漆等工艺。手工艺对从业者的技术要求较高，在长期的工艺实践中，一个合格的工匠必须经年累月训练手艺技法，让技艺转化为身体意识，这也在一定程度上给技术与艺术的有机融合带来了积极的促进作用，能够展现出更强的人文思想观念。现代设计主要涉及到产品设计、室内设计以及平面广告设计等，是科学与艺术的有机整合。设计工作大多是以工艺产品为主，可以将现代设计理念更充分的表达出来，例如，工艺产品、现代设计在具体设计中，通常都是按照一定的造型原则来进行，可以进一步突显设计工作的立体形态美，可以通过象征、对比以及夸张等手法的巧妙引用，将一个形体分割成多个单个形体。若能够实现这两种艺术形式的有机融合，能够使得现代设计中展现出更浓厚的文化内涵，以及更鲜明的民族特色。另外，通过将传统工艺美术设计形式恰当融入到现代设计中，也能够为人们营造出更浓烈、质朴的现代生活气息，可以使得现代设计更富有张力。这样在满足大众对现代设计提出的各项要求的基础上，也能够为现代设计工作的健康持续发展带来积极的促进作用[1]。
2传统工艺美术给现代设计带来的影响
首先，在造型方面。在现代设计中，设计师可以从中国传统工艺美术作品中获得新的灵感。例如，拥有悠久历史的图腾文化，以及不同类型的优美文字艺术等，都可以为现代设计师提供新的启发。且在现代工艺作品设计中，通过将传统工艺美术恰当融入其中，也能够更好的进行古典美风格的展示。我国传统工艺美术作品中，大多都引用了黄金分割的构图方式，就目前来看，这一构图方式在我国现代设计中的引用也非常广泛[2]。其次，在色彩方面。传统美术作品除了在造型上为人们提供了美的享受之外，在色彩上给人们带来的视觉冲击也是不容忽视的，且很多传统工艺美术作品中都汇集了我国劳动人民的智慧与血汗，能够将中华民族具有的民族性、传统精神更好的展现出来。对于传统工艺美术作品来讲，其在色彩的配置上一般都比较重视调和性，简单来讲，就是色彩之间的配合、协调。绿色、蓝色及紫色的搭配都是比较常见的。通过不同色彩的巧妙搭配可以呈现出更独特的，具有民族风格特征的艺术感，可以更鲜明的进行特殊民族精神的展现。当前，很多现代作品设计中都重视起了中华民族传统工艺美术色彩方式的灵活引用，希望能够以此来使作品内涵得到不断的丰富。
3传统工艺美术在现代设计中的创新运用
3.1产品设计方面的引用
作为一门较为特殊的艺术类学科，人机工程学、伦理学与美学，属于多学科综合交叉形成的学科，因此，在具体进行工业创新设计过程中，应对上述各学科的相关理论知识以及人们的审美需求做出充分考虑。从本质上来讲，产品设计属于艺术设计回归生活的一种渠道，积极探索其与时展的契合点。但是就目前来看，我国产品设计的创新力度有待提升，还难以将科学和艺术的精神充分展现出来，往往无法很好的协调功能与装饰之间的关系，或是纯粹为艺术而设计，或是纯粹为市场而设计，经常会出现对西方发达国家现行产品设计的照搬，未重视起我国文化特色、民族精神的展现。基于此，为了在产品创新设计中取得一定的突破，应注重传统工艺美术的恰当引用[3]。在具体设计中，产品设计师可以尝试基于项目显示特点、个人偏好来将传统工艺美术在色彩或是造型方面的特色融入到产品设计当中，以此来展现更具有活力的色彩。还可以对中国传统工艺美术知识做出更深层次的挖掘，通过对其内在本质的分析、把握，来将其设计成可以代表我国文化的一种符号。我国奥运会祥云火炬的设计就是比较典型的案例，真正做到了传统工艺美术与现代设计的有机整合。云在我国传统文化中拥有着吉祥如意的美好寓意，在火炬设计中恰当引入祥云的图案，可以让火炬带有更美好的祝愿，这样既有助于中国特色的突显，也有助于中国文化的传承与发扬。民间手工艺雕塑艺术是产品设计中重要组成之一，因此需要做好民间手工艺雕塑艺术研究工作。可以说产品设计的成功是需要加强技术与艺术之间的协调的。在新时期发展下，现代设计得到了快速的发展，为了实现长远发展目标，就需要从做好传统工艺美术与现代设计融合入手，在做好二者结合的基础上来提升艺术作品的丰富程度与饱满性，以此来得到社会各界的认可。在现代雕塑设计中，需要坚持从合理、适宜等方面出发，在做好借鉴工作的基础上进行创新，展现传统工艺美术的生命力，在挖掘适合内容的基础上实现对现代雕塑设计的补充与完善。
3.2室内设计中的引用
随着人们生活水平的不断提升，对居住环境的要求也越来越高，尤其是室内设计，很多人都非常重视，除了要满足人们使用功能性，还要加强对其舒适性的关注，确保室内设计可以满足人们的审美需求。因此，室内设计也是一种要求相对苛刻的设计种类。对此，为了推动室内设计的创新发展，在具体设计中，可以尝试将传统工艺美术的特征融入，以此来将工艺美术在造型、色彩方面的魅力充分展现出来，从而形成一定的对比，使得我国传统文化的特点、民族色彩得到进一步突显[4]。另外，在室内设计过程中，设计师还要实现对房屋结构特征、造型特点的准确把握，基于此，再结合实际需求来将传统工艺美术中的符号语言恰当融入其中。之后，再针对现代装修设计来给予进一步凝练、优化，这样既有助于促进现代室内设计时代感、艺术感的显著增强，也能够将民族文化、地域文化特点充分展现出来。同时，在进行传统节庆的空间装置设计过程中，可以适当的引用工艺美术的技术，合理营造公共空间的传统文化氛围。例如，家具的购买，可以选择原木的坐具配以传统印花织品，在满足实际需求的基础上，实现与空间整体风格的巧妙搭配。比如可以尝试木板雕绘这类比较有代表性的传统工艺美术作品来作为室内墙壁的装饰物，既可以优化现代室内设计，也能够使得室内装修方面的整体民族氛围得到不断强化。亦或是尝试引用陶瓷等一系列传统装饰元素来优化室内装饰设计，在有效提升装饰本身技巧、丰富种类的基础上，不断强化房屋整体的艺术氛围效果，在充分满足住户提出的功能性要求基础上，展现出更高的审美价值，以此来进一步优化现代设计与传统工艺美术的有机整合。且通过在室内设计中恰当引用传统工艺美术中的精华，也能够进一步突显现代设计、传统元素之间的差异，可以促进室内设计冲突性的显著提升，进而使得室内设计的现代感更强。
3.3包装设计中的引用
包装设计是美术设计中的关键组成，且与人们的日常生活有着密切联系。但因为我国包装设计起步相对较晚，尤其是在相应的人才培养，还有设计上与西方发达国家还存在较大差距。而对于包装设计工作与传统工艺美术的有机整合来讲，应重视中华民族特点、地域特点的充分展示，还要注重传统文化魅力的充分展现。在包装设计中，若能够实现对传统工艺美术设计的恰当引用，一定能够为包装设计提供更新颖、丰富的灵感和素材。传统工艺美术是基于精神需求、物质增长的前提下逐渐发展起来的，与人们的审美理想相符，且在新时代高速发展带动下，审美形式也随之不断发展变化。传统工艺美术与包装设计理念具有较强的一致性，能够促进包装设计效果的显著提升，使得包装设计可以展现出更高的实用性、审美性以及艺术性。例如，玉石、壁画以及剪纸等素材在包装设计工作中都得到了广泛引用，且其设计理念也给包装设计工作的进一步发展带来了直接影响。例如，在中秋节的月饼包装上，经常会看到一些突显传统风格的包装。通过将中国红与可以代表传统文化的京剧脸谱有机整合，可以快速吸引人们的注意力，从而使其在激烈的市场竞争中脱颖而出[5]。
4传统工艺美术的创新发展路径
为了进一步提升传统工艺美术的生命力，为传统工艺美术拓展出更理想的发展前景，应加强对传统工艺美术的创新探索，拓展出更新颖、多样化的发展路径。传统工艺美术除了要注重新艺术的融入之外，还要重视表现力的提升。要结合不同人群的不同需求来进行不同艺术风格的恰当融入。例如，针对高端人群，传统工艺要注重高端元素的融入，以此来促进现代设计艺术价值、审美价值的显著提升。而针对普通人群，则要尽可能的贴近人们的日常生活，要坚持以实用性、外观美观为设计重点。由此可见，通过进一步优化传统工艺美术与现代元素的有机整合，既可以提升可接受度，也能够提升时尚感。对于传统工艺美术来讲，也要重视对现代艺术中优点、新颖之处的吸收，及时去除不适合应用在现代设计中的因素，也只有联系实际需求，不断的优化新风格的融入才能够保持良好的生命力。另外，对于和国外艺术的有机融合也要做出充分考虑，要紧跟时展步伐，全面适应不同需求，从而更好的发扬传统工艺美术[6]。
单说“学院派”一词的出现，绝不是中国传统文化的衍生物，“学院派”的出现源于画派，始于十六世纪末意大利，十七、十八世纪在英、法、俄等国流行。当时的“学院派”受到政府的重视，并形成自己的规范和特点，也就是我们传统意义上的程式流派过于传统、过于“正规”、过于“保守”，但是如何才能走正道，在“学院派”看来就是重视传统，向传统学习，因而“学院派”反对所有的改革，这些特点给画派带来的影响是正反两方面的，所以是否符合紫砂“学院派”的特点我们继续探讨。紫砂“学院派”何时产生，没有特定的时间，大约出现在十九世纪末、二十世纪初的“紫砂界”，她的出现没有特定的定义，没有形成大规模的艺术创作形态。业界笼统的定义为：“指以高等院校相关艺术专业出身或具备高校相关专业背景的艺术家为主体，具有较强理论先导性和作品创新性，富有浓郁学院艺术风格和文化特色的紫砂流派。”所以，反过来讲紫砂“学院派”的创新性完全打破十六世纪意大利所谓“学院派”，变成了具有渊博的理论指导、精深的学识素养、新颖的创新性的流派，“上接仙气，下接地气”，这正是具有中国特色的文化艺术传承发展方式及特点。紫砂“学院派”的作品创作及艺术特点既与文人紫砂一脉相承，又兼具现代文化艺术大胆、自由、开放的精神，不能说标新立异，而是独树一帜。
2“学院派”的形成及发展新
中国成立以前，在紫砂界没有“学院派”一词，传统的紫砂壶艺是以严格的家传、师承关系传承发展的传统手工技艺，在小范围内交流切磋，具有一定的“保守性”和“局限性”。1933年宜兴成立江苏省立宜兴陶瓷初级职业学校，新中国成立后，全国相关地区成立陶瓷艺术学院，1956年国务院批准成立中央工艺美术学院，1958年组建江苏省宜兴陶瓷工业学校，隶属于江苏省轻化工业厅……自此，紫砂壶艺作为陶瓷艺术的重要组成部分，成为具有一定专业特性的研究、创作、交流的“科班”背景，逐渐形成了具有科研创新、科学制具、技法共享、心得交流的组织形式，“学院派”算是有了雏形。随着艺术学院的升级、全国文化艺术工作的开展、网络媒体等传播方式的升级，新的文化艺术发展时代促使“学院派”开始为人所提及、理解、熟知。伴随着紫砂文化艺术的繁荣，全国各大艺术学院专家、教授、研究学者的参与，新老紫砂艺人的思想变革，“学院派”有了目前的地位。
3“学院派”的特点
（1）传承性。无论是传统匠人，还是现代陶艺创作者，都必须是站在前人的肩膀上，师古而不泥古，汲取传统手工技艺的精妙。
（2）理论性。对于传统紫砂艺人，“学院派”以大、中、专院校陶瓷艺术专业为基础，具有一定的理论基础，且具有一定的系统教育背景。
（3）创新性。“学院派”在传统的思想之中脱颖而出，不只是一种“标新”，而是有了突破传统的思想，有了积极开放的平台，有了发散思维积极交流的机会，其作品特点新颖，打破固有的创作题材、创作技法、创作形式。
（4）文人性。一脉相承的紫砂文化艺术，自有了文人士大夫的参与才有了破“土”成“金”的文人气息。“学院派”首有“文脉”，后有“实践”，个性之外，内涵修养之中。
（5）无我性。在讲求经济效应的收藏时代，“学院派”不贪图功利化，继承传统又创新研制出具有时代特征的艺术作品。
4结语
【关键词】传统艺术形式；艺术设计
我国的传统文化不仅影响着我们日常生活的方方面面，而且也是现代艺术设计的精神支柱，在一定程度上促进了我国现代艺术设计的发展，把中国的艺术文化有效的融入到现代艺术设计当中，已然是目前社会发展的一种潮流，因此，在进行现代艺术设计过程中，通过对传统艺术文化的借鉴，既有助于中国传统艺术的传承，同时也赋予了现代设计的灵魂。
一、我国传统艺术的设计理念对艺术设计的影响
我国传统艺术文化的形成，都是经过了几千年的发展历史一步步创造积累而成，不仅是一个民族精神文化的真实体现，同时也蕴含着人民的凝聚力与智慧。早在一万八千年以前，古人已经开始对装饰有了一定的认知，当到了夏商时代时，人们已然 可以熟练的掌握很多传统艺术的制作技术，例如著名的唐三彩，从明代的苏绣到清代的家具，以及中国绘画中丰富的构图与笔墨技术，无不体现着中华民族深厚的传统文化底蕴，同时也被有效的运用到了现代艺术设计当中，从而形成新的艺术之美，这些丰富的传统艺术资源对我国现代设计产生了极大的影响。中国传统艺术的表现形式，主要是表现于有着时代气息的民间流传的手工艺品，极具有一股浓浓的民族风，这种传统的艺术形式，对于现代艺术设计可以是一笔宝贵的财富，在这些传统艺术手工品之中，不仅有着很长时间的实践经验，同时也有着一定的理论技巧，成为了我国现代设计中必不可少的一部分。
二、我国传统艺术中装饰纹案对艺术设计的影响
我国传统艺术中的装饰纹案在陶器方面表现的非常明显，陶器在历史的发展过程中，无论是造型的设计，还是装饰纹案与色彩等方面，都在不断的创新与改变，以仰韶文化为例如，彩陶作为一种非常重要的标志，最初是以实用功能为主，同时并给人以美的感受，但随后到了商周时期，青铜期的出现，在制作与造型等的设计方面与彩陶有了很多方面的不同，并以独特的造型与装饰纹案体现出当时的物质观与精神观。这些装饰的纹案其实都源自于我们日常生活中灵感，这种古典式的装饰纹案对我国的民族风格的设计有着潜移默化的影响。例如古典的建筑、蓝印花布、脸谱文化等，这些中国传统的艺术图饰都能够体现出中国特有的艺术形式，同时也蕴含了中国的文化内涵。并被广泛的运用于现代设计当中，例如香港凤凰卫视的台徽，就是对中国装饰纹案的一种运用，通过对中国传统艺术中的喜相逢图案的运用，传达出了圆满、吉祥的美好愿望。除此之外，在世博会的中国馆设计当中，也有效的对中国传统艺术进行了运用，并融入了中国元素，由此可见，中国传统艺术形式已然浸透到了现代艺术的设计之中。
三、我国传统镂空艺术对艺术设计的影响
镂空艺术是我国传统艺术形式当中最具表现力的一种，而且还有着非常强的装饰性，通常情况下是以剪纸、皮影、木雕等形式，表达出传统艺术特有的觉效果。镂空艺术分为了阳线镂空与阴线镂空，在艺术表现形式上给人以透空的感觉，与此同时，还强调出了传统艺术作品的轮廓特点。中国传统的镂空艺术典型代表就是剪纸艺术，除了具有非常悠久的历史之外，还有着非常高的装饰性，通过其特殊的手法，使得镂空艺术作品表现出很强的审美性。我国镂空艺术对现代艺术设计的影响具体表现在以下几个方面。
（一）镂空造型对艺术设计的影响
我国的镂空艺术对造型的设计通常表达出圆满、美好等内在的气质 ，并传达出人们对吉祥、幸福的美好祝愿。并在创作过程中采用了简单的几何图形把所要刻画的形象突出，从而使得镂空艺术呈现出拙而不俗、古朴大气的审美观，体现出了镂空艺术中所讲究的神形毕肖、简练传神的特点。非常值得我们在现代艺术设计中借鉴。例如《香港纪念邮票》作品，就是对中国镂空艺术的一种运用，采用简单、抽象的线条勾勒出兔子的造型，并运用了装饰性与黑白虚实的关系，为这幅作品增添了吉祥与祥和的深厚文化底蕴。
（二）传统镂空艺术的视觉特点对艺术设计的影响
对于我国的传统镂空艺术形式，不仅有着非常鲜明的造型特点，而且给人的视觉也非常的独特。通过对画面中虚实的设计，给人以一种精彩的视觉美感。与此同时，在这独特的视觉背后，蕴含着中国传统文化中的虚实意境，通过丰富的造型结构，呈现出众多的视觉效果，从而达到一种艺术形式之美。这种镂空的艺术视觉之美对于现代的包装设计有着非常重要的影响，把镂空设计运用于现代的包装设计当中，不仅可以使得包装产品的造型给人直观印象，而且还赋予了产品艺术之美感。例如在2007年的陈家祠堂中礼品设计，就是采用了镂空技法，运用透视、虚空以及夸张的手法，把中国十二生肖的剪纸造型运用到礼盒的结构设计之中，使得作品极具民族特色，成为了设计中的精品。
除此之外，中国传统的镂空艺术对于室内的装饰也有着非常重要的影响，能够通过视觉的物质给人以视觉空间上的扩展，特别是对于空间比较狭小的环境中，通过在隔断、屏风中运用一些简单的镂空艺术设计，不仅能够增房间内的结构功能性，而且还能够增加一定的生活艺术与审美，带给我们不一样的艺术感受。
四、我国传统艺术的色彩观对艺术设计的影响
传统艺术色彩观作为一种丰富的而又珍贵的文化遗产，通过对其的合理利用，有效的运用于现代艺术设计中，当然，只有对传统艺术的色彩观有了充分的认识与理解，才能够对其进行正确的运用。
（一）原始色彩观对艺术设计的影响
红色在古代有着非常一般的意义，红色象征着崇高与生命的价值，在中国几千年的发展历史中，这种原始的色彩保持着经久不衰，直到今天依然备受人们的欢迎。因而红色成为了中国民族传统文化中使用频率较同的颜色，并带给我们红红火火般的感觉。
（二）五色体系对艺术设计的影响
尽管在现代设计中有着非常多的色彩，但仔细分析，众多的色彩都是由五色演变而成，因而五色体系在艺术的设计过程中有着非常重要的作用，同时五色体系在一定程度上呈现着中华民族的风格，从古至今，五色体系被无运用于各式各样的设计当中，例如在2008年的奥运会标志中，整个作品就体现出了红、绿、黑、黄、蓝等五色体系，体现出了民族独风格的同时，带给我们一种强烈的现代感。
五、我国传统艺术对艺术设计的具体影响
中国传统艺术对现代设计有着潜移默化的影响，特别是对现代设计的思想，中华五千年的发展历史所积淀下业的文化成为了我国独有风采。艺术讲究的是一种内在的延续，由于艺术形式的产生，需要在一个特定的历史文化背景之下，当然包括一个民族的文化、生活方式、习俗以及审美等，并形成了潜在的深层次文化结构，扎根于民族的精神文化之中，并对这个民族的文化发展与外来的文化介入起着一定的调节与制约的重要作用。面对现如今经济全球一体化的发展环境下，面对外业文化不断冲击的情况下，更加需要在现代设计中融入我国的传统艺术，从而促进传统艺术得以有效的传承与保护。
（一）我国传统艺术对招贴广告的影响
中国传统艺术的美学观，在一定程度上能够为艺术设计者提供大量的原创元素与想法。相对于西方的传统艺术，基本上是以几何学空间的观点，着重从模拟化的生活现象入手，以此来表达出艺术创作者的思想，而中国传统的艺术创作者，则是根据选择的侧重点，以“不似之似”为艺术追求的胜境，在中国的传统艺术设计中基本上不会出现如实的描写与逼真的再现等情况，当然，也没有人会对山水画中不符合焦点透视的情形进行指责，其主要原因是由于我们对中国传统的艺术有着一个固定的观念，即通过在抽象的形式美，在造型艺术中的重要价值。在中国的传统艺术形式中，对形神兼备非常的有讲究，分别体现于艺术的概括与内涵两个方面。例如著名画家齐白石“画虾几十年才得其神”，其实就是一件艺术作品在经过不断的概括与不断深入的过程，并通过最终通过对虾次要部位的放弃，而突出了虾的主要特征，才使得母虾的形象在齐白石笔下的画中显得更加完美与生动。
（二）我国传统艺术对标志设计的影响
以2008年北京奥运会的申奥标志为例，就能够充分的体现出在现代艺术设计当中，我国传统艺术形式对其的深远影响。虽然2008年奥运会的整个标志造型没有对中国传统艺术形式进行直接的借鉴，但却对中国的“似而不似”的写意手法进行了充分的运用，并通过“中国结”与“运动员”这两个意象恰到好处的向我们传达出了中国传统的民间工艺品。而且2008年奥运地的标志图案，整体给人以行云流水般的感觉，并呈现出和谐生动的景象，体现出特有的运动之感，同时还表达出世界人民团结、协作、交流与发展的意义，并把奥林匹克更快、更高、更强的精神融入到了整个标志LOGO中。除此之外，2008年奥运会的会徽是以印章为主体的表现形式，在“中国印-舞动北京”的奥运会会徽中，既有中国传统的印章，又有书法的艺术表现形式，同时又与运动特点相结合，采用了艺术设计中夸张、变形的手法，巧妙的设计出一个幻化般的向前奔跑、舞动迎接胜利的人形，而人形却又与“京”字非常的相似，从而使得2008年奥运会的会徽呈现浓重的中国韵味，无论是2008年的奥运会标志还是会徽，都体现出了中国传统文化有的审美意韵，与此同时，也是中国文化的直接体现，代表了中国现代的人文精神面貌，在一定程度上促进了中国传统艺术文化在全世界的宣扬。
（三）我国传统艺术对动画设计的影响
1、我国传统艺术元素对动画设计主题的影响
对于每一部动画作品而言，主题不仅体现着动画作品中的内容，更是动画 作品的灵魂，因而好的动画作品，除了具有很高的观赏性之我，还需要有符合于大审美，例如在《三个和尚》的动画作品中，通过对中国传统文化元素的运用，以寓教于乐的形式体现出了我国传统文化的价值取向。
2、对动画艺术设计的表现手法
在很多的动画作品中，其艺术的设计的手法往往都是借鉴了中国传统艺术形式，例如在《山水情》《小蝌蚪找妈妈》等这些动画作品中，有效的结合了中国水墨文化，从而使得在动画作品中体现出民族特有的艺术风格。
3、对动画艺术造型设计的影响
面对现如今动画走向产业化的环境下，动画艺术的造型设计成为了动画作品成功的关键等量关系，例如我国《大闹天宫》这部具有代表性的动画作品，对了孙悟空的设计就是采用了四大名著中《西游记》中孙悟空的造型，而面部的形态则是对我国京剧戏曲艺术中脸谱的借鉴。
4、对动画音乐设计的影响
在动画作品中，音乐对于整部作品有着烘托气氛、推动故事发展的作用，由此可见，音乐为整部动画故事服务，而在动画的表达手法、造型设计等方面都受到了中国传统文化元素的设计，例如《大闹天宫》中的主旋律就是京剧锣鼓点，并且贯穿了整部动画作品，使得动画作品体现出了浓厚的中国韵味。
六、我国传统艺术形式与现代艺术设计融合的发展趋势
我国的传统艺术形式与现代艺术设计已然成为了一个整体，两者呈现出渐渐融合的发展趋势，中国传统艺术文化为现代设计提供了丰富的艺术资源，既是中华五千年发展历史中积淀的一种文化，同时也是我国民族文化的素材。随着全球一体化快速发展的环境，我国的现代艺术更加需要回归到传统化与本土化，并紧跟时代的发展，同世界接轨，与此同时，把中国的传统艺术发扬，真正的把传统艺术融入到现代艺术当中。只是在融入过程中需要对传统文化有着深入的理解，而不是简单的对传统艺术形式进行照搬，需要与传统艺术所蕴含的精髓、灵魂相融合，从而才够使得本土化的设计体现出民族的艺术本质与审美特征，才能够创造出更多的艺术作品。
艺术作为一个开放的系统，面对互联网信息技术与全球一体的发展环境，传统艺术在不断的受到新技术与新观念的冲击，传统艺术作为中华民族的宝贵财富，是其他艺术形式所无法代替的，因而我们在现代术的设计过程中，应当在对传统艺术形式充分理解的基础之上，有效的把传统艺术形式融入到现代设计当中，从而是创作出具有中国传统艺术之美的现代设计作品。
参考文献：
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关键词：著作权；民族传统艺术传承人；知识产权
引言
我国是一个多民族的国家，少数民族传统艺术文化绚丽多彩。然而，随着现代社会的发展，少数民族传统艺术传承者正面临着难以为继的危机，亟待通过知识产权保护的手段来保护其利益。我国的《著作权法》主要是对艺术、舞蹈、文学书籍、音乐作品等相关作品权利保护的法律，在保护少数民族传统艺术传承人的知识产权方面也发挥着作用。然而，由于少数民族传统艺术的特殊性，《著作权法》在保护少数民族传统艺术传承人的知识产权方面依然存在一些短缺，有待于进一步完善相关立法。本文旨在从《著作权法》的角度探讨少数民族传统艺术传承人的知识产权的保护，为我国加强少数民族传统艺术传承者的知识产权保护提供理论参考。
一、当前少数民族传统艺术传承人的生存困境及原因
随着我国改革开放的不断深入，中西方文化交流日益密切，传统文化日益受到外来文化的冲击。在当前的环境下，少数民族传统艺术传承者的生存、发展环境日益恶化，少数民族传统艺术传承者正濒临难以生存的困境，原因主要有以下三个方面。
（一）新时代传承者的经济压力过大
在生存压力不断增大的今天，少数民族传统艺术传承者面临的经济压力也明显加大。自改革开放以来，人民的生产生活方式发生了巨大的改变，人们的传统观念也有了新的变化。在追求物质和经济生活的思潮下，传承少数民族传统艺术的劳动者的社会地位不断下降，传承活动的影响力日渐减弱。传承者难以依靠传承活动获得经济收入，以至于物质生活过于贫苦。因此，出生于新时代的年轻人，不得不背井离乡，去寻求更好的经济收入和家庭生活，从而放弃学习优秀的民族传统文化。
（二）依赖于口耳相传的项目缺乏传承人
在全球化时代，随着多元文化兴起，传统文化遇到挑战。相对于长久生存在偏远山区的群众而言，由于许久没有接触过新事物，在突然接触到除本民族文化以外的文化时，难免会心生兴趣，转而抛弃民族传统文化，选择学习新事物、新文化。由此给少数民族传统艺术的生存沃土带来不良影响。新时代的年轻人在接触过新鲜多元文化后，面对本地区的传统技艺，则逐渐丧失兴趣，使得依赖于口耳相传的传统文化走入暮年。
（三）商业化运作对民族传统艺术带来负面影响
随着我国文化旅游业的不断发展，部分少数民族传统艺术被大规模地开发，进行各种目的的商业包装，谋取经济利益。尤其是我国加入《保护非物质文化遗产公约》后，进行商业包装、谋取经济利益的开发活动愈演愈烈，在巨大的经济利益面前，很少有人会考虑这种大规模的商业化运作会给少数民族传统技艺带来何等影响，所以在开发的时候，并没有从原则上对少数民族传统技艺进行保护。在经济利益和传统技艺面前，显然没有做到均衡，没有做好如何正确处理开发和保护之间的关系，没有做到以开发促保护。更有甚者，为了压缩成本，在商业演出中，随意使用少数民族传统技艺，不考虑实际场景且不支付费用给技艺的传承者。在商业化的影响下，一切都必须为商业服务，少数民族传统技艺不再是简单的民族精髓，更像是一个用来谋取利益的工具，成为一种商品。
二、著作权视野下少数民族传统艺术传承人的知识产权保护现状及存在的问题
我国现行的《著作权法》法律制度框架中，少数民族传统艺术传承人在一定程度上得到了《著作权法》的保护。但是，由于少数民族传统艺术及其传承人的特殊性，《著作权法》中的一些条款难以满足其知识产权保护的需求，这主要表现在以下三个方面。
（一）难以根据《著作权法》清晰地界定少数民族传统艺术传承者的独创性
由于我国少数民族众多，在历史发展中，形成了多种姿态的传统技艺，而当前的《著作权法》并不能完全适用部分动态传承的少数民族传统艺术。在《著作权法》的第三条中，对作品的含义进行了明确。少数民族传统艺术发源于人民群众，是群体智慧的结晶，并不符合作品独创性的相关要求，而且也不能与可复制性这一规定相契合。而关于作品独创性的规定划分，我国尚未明确。这就使得传承人在传承活动中，自己对传统艺术项目进行改进或创新时，所获成果难以被法律承认和保护。从概念层面而言，少数民族传统艺术作品归属于少数民族传统艺术。进一步说，就是作品是以少数民族传统艺术为源泉进行创作的，是在传统艺术的基础上进行改造创新的。新的作品完全保留和继承了少数民族传统艺术的文化精髓。在众多传承人当中，人的传承能力因本身素养而千差万别，所以其独创性也极具个人特色。例如：传承人以少数民族传统艺术为基础，通过改编和加入新内容，进而形成了新的少数民族传统艺术作品。但是，由于法律不完善等原因，这种形式的创作作品是难以受到法律保护的。
（二）少数民族传统艺术的传承者不符合《著作权法》中界定的权利主体特征要想确认少数民族传统艺术传承人的法律权利，那么必须优先明确主体
在现行的《著作权法》中，明确指出著作权属于作者。而著作权的主体可以是自然人、组织或者国家。由于历史等原因，少数民族传统艺术技艺的作者并不明确，且查实难度很大。少数民族传统艺术的精神权利被视为一种集体权利，所以在明确主体方面，我们可以从传承人的民族性、传承习惯等方面入手。但是在实际中，这种权利因太过抽象以至于难以真正实现。但是又难以保证权利不受侵犯，所以一旦发生侵权，在维权的过程中，谁是诉讼主体就成了首先应该回答的问题。而对于少数民族传统艺术项目，由于其原型作者难以明确，创作者是谁的问题难以回答，所以法律对于这种衍生作品并未予以保护。另一方面，由于大多数少数民族缺乏文字，所以在历史中，诸多民族传统艺术在传承上主要是依赖人们之间的口耳相传，并没有条件去做书面记载。关于当前所见到的传统艺术的书面记载，绝大部分都是后人整理而来的。比如民间文学和民间音乐，一部作品的出炉，需要经过传承人口述、记录者记录，而后还需要整理者统一整理，由于涉及环节很多，涉及的人数也很多，所以在发表权、修改权等方面，由于法律没有进行明确，所以权利属于谁尚无定论。比如：由于古时缺少文字，少数民族传统艺术难以通过书面形式进行记录传承，使其拥有不可复制性，与法律规定相违背，致使其权利难以受到法律的承认和保护。另外，少数民族传统艺术在创作时，具有群体性，这就决定了其权利主体不是属于个人，而是属于集体，显然不符合《著作权法》的相关规定。除了上述内容之外，还有一点就是少数民族传统艺术在传承过程中并非是一成不变的，而是一个加工改进的过程，具有传承和变异的特点。因此，少数民族传统艺术传承人并不符合《著作权法》中对权利主体的规定要求，因而难以确定和保护。
（三）《著作权法》中对保护期限的规定与少数民族传统艺术需要长久保护的特点不符
在当前的法律规定中，我国对于作品的保护采用的是自动保护原则。具体来说，当作品完成后，只要符合法律有关作品的属性定义，那么作者无需采取其他申请措施，法律自动对作品进行保护。著作权的获得十分简单，但是在保护时间上，则有着较为明确和严格的限制。在《著作权法》中的第二十、二十一两条中，就权利的有效时间进行了明确说明。在少数民族传统艺术方面，由于传统艺术的特殊属性，其时间十分长远，这一点则与法律规定相悖。按照现行的著作权有关规定，少数民族传统艺术的传承人并不能受到充分保护，尤其是涉及民间的文学作品时，法律上的不完善就会更加凸显。对于传承人而言，著作权保护时间过短，显然对其有着十分不利的不良影响，不仅会对其创造性产生负面作用，而且也不利于少数民族传统艺术的弘扬和传承。比如，文学作品的创作，大多都是站在前人的基础上进行创作而来的，如果传承的创作成果被创作人占为己用，无疑会对文学作品的创作发展产生极为消极的负面作用。少数民族传统艺术作为一种非物质文化遗产，其本身价值随着时间的流逝而逐渐上升，即历史越久远，其价值便越高，对其进行保护期限的有关设置，显然不利于长远保护。再者，在多元文化的影响下，少数民族传统艺术的生存发展空间被进一步压缩，如果不能做到保护弘扬，终究会被其它文化所吞噬。所以，在著作权法中，设置保护期限的有关做法显然与少数民族传统艺术的长久保护理念相违背。综上所述，《著作权法》与实际的少数民族传统艺术传承人所需要的保护还相差较远，虽然在一定程度上能够对传承人起到保护的作用，但是由于传承人本身的特殊性，如何继续完善《著作权法》，给予传承人更好的保护，是当前应当努力的方向。
三、《著作权法》框架下完善少数民族传统艺术传承人知识产权保护的策略和建议制定
《著作权法》的主要目的就是为了更好的保护文学、音乐、舞蹈等作品的权利。从上述内容可以知道，在《著作权法》的现行框架下，由于难以确定独创性标准、著作权主体以及保护期限较短等问题，导致少数民族传统艺术传承人知识产权保护未得到有效的保护。针对这些问题，笔者在《著作权法》框架内提出以下策略和建议。
（一）根据传承者对少数民族传统艺术的创新情况来确定独创性标准在独创性方面可以从传承者在少数民族传统艺术中的创新情况来进行界定，以确定独创性标准
我国是一个历史悠久的文明古国，少数民族传统艺术在经历千年的历史变幻中始终流传，依靠的正是一代又一代传承人的努力，在传承的过程中，传承人又会根据所处时代的特点和特色进行更新和创造，使得少数民族传统艺术能够不断注入新鲜血液，从而使其在发展中传承、在传承中创造。比如：“苗绣”，这是一种广泛流传于贵州地区的民俗，“苗绣”在不同的人手中所展现的特点也是不同的，在创作中，作者对其赋予自身的理解和审美，通过结合自己所处环境中的时尚元素，进行“苗绣”创作。不同于原来一层不变的传承，这种传承不断加入新的时代元素，不断在艺术风格上进行创新，那么就可以说这种传承就具有独创性，而这类传承人所创新的作品就理应受到著作权的保护。
（二）在《著作权法》中明确少数民族传统艺术传承者是权利主体在著作权的获得方面，最重要的一点就是作者权利的明确
著作权的主要目的就是为了保护创作者的合法权利不被侵犯。通过上文的阐述，可以知道少数民族传统艺术指的就是某个民族的历史遗产，其创作者属于某个人或者民族全体，因此少数民族传统艺术的权利主体可以为个人或者整个民族，按照法律规定，国家亦可作为权利主体。国家版权局在2014年起草的《民间文学艺术作品著作权保护条例(征求意见稿)》中第2条就民间文学艺术作品的定义进行了明确。此外还说明了基于民间艺术而进行二次创作（如改编、翻译等）的作品，那么创作者对所创新的部分是拥有著作权的。比如白秀娥剪纸案，在这场案件中，就白秀娥在剪纸中加入的创新部分是否应该受到著作权的保护进行讨论，北京市高院做出了终审判决。该案件向外界传达传承人亦可以成为著作权的保护对象，同时也给从事少数民族传统艺术的传承人应如何解决这类问题提供了参考。不得不说，传承人在传承和弘扬民族历史文化方面发挥了重要的作用，正是因为他们的付出，民族文化才能传承至今。因此，如何更好地保护传承人的权益，使得传承人更好地开展传承活动，是当前理应探讨和解决的一个问题。只有承认传承人的主体资格，才能更好地推动和激励传承人进行传承活动。
（三）根据少数民族传统艺术的特点，延长《著作权法》中的保护期限在保护期限方面，著作权明确指出，保护期限指的是作者终生及其逝世后的五十年，只要过了这个期限，所创作的作品便可进入公共领域
少数民族传统艺术由于是民族历史的产物，在传承过程中，有的早已流传和公布于世，如果也将年限的保护简单套用在少数民族传统艺术的保护方面，显然是不妥当的。在笔者看来，根据少数民族传统艺术的属性特点，实事求是，具体问题具体分析，少数民族传统艺术只要有传承人进行传承，那么在对其保护方面，应当获得《著作权法》的保护，并且不设定保护期限。
四、结束语
综上所述，少数民族传统艺术传承人的生存环境日益严峻，亟待通过知识产权方面的手段保护自己的利益。从《著作权法》对少数民族传统艺术的保护来看，当前《著作权法》难以清晰地界定少数民族传统艺术传承者的独创性，而且少数民族传统艺术的传承者不符合《著作权法》中界定的权利主体特征。《著作权法》对保护期限的规定与少数民族传统艺术需要长久保护的特点不符。这就需要我国法律制定者考虑少数民族传统艺术及其传承者的特点，对《著作权法》进行改进，明确少数民族传统艺术独创性标注，将少数民族传统艺术传承者明确纳入《著作权法》中规定的权利主体，并延长《著作权法》中的少数民族传统艺术的保护期限.
参考文献：
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关键词：传统木雕;材料;装置艺术;材料的结合
中国传统木雕的发展历史悠久，传统木雕的魅力无穷，除了图案设计严谨，丰富多样的木雕雕刻图案更赋予了强大的生命力，使之更具艺术性观赏性。经过历史的发展，也产生了很多分支。现在通常的分类是按照地域的划分而形成的。中国木雕，分布极广，此衰彼兴，潮起潮落。由于各地的民俗、文化和资源条件，取材不一，工艺不同，形成了诸多具有浓郁地方特色、各有千秋的流派。在我国，目前的木雕流派大多是以地域来区分的。例如：东阳木雕，乐清黄杨木雕，广东潮州金漆木雕，福建龙眼木雕，北京宫灯，台湾木雕，宁波朱金木雕，云南剑川木雕，湖北木雕船，曲阜楷木雕刻，苏州红木雕刻，上海红木雕，南京仿古木雕，江苏泰州彩绘木雕，辽宁永陵桦木雕，贵州苗族龙舟雕、江西傩面具雕，湖北通山木雕、咸浦邦木雕，天津木雕，东山海柳雕等等。
然而传统木雕发展至今，已经遇到了诸多的发展瓶颈，优秀的传统技艺的流失，传统木雕盲目的商业化，技术化，很多时候传统木雕已经不再让人觉得是一件艺术品，而更像是一件商业品。这对传统木雕的发展是一个很大制约。而装置艺术作为一个新兴的艺术，通过把人们已消费或者未消费的物质文化实体，进行艺术性的结合，重组，而演绎出新的展示个体或者丰富群体的精神文化意蕴的新艺术形态。当把传统木雕与新型材料相结合时可以很大限度上的让传统木雕走向一个新的方向，得到一个新的发展。
想要用传统木雕来结合装置艺术进行创作，首先要了解装置艺术①。所谓装置艺术是指艺术家在特定的时空环境里，将人类日常生活中的已消费或未消费过的物质文化实体、进行艺术性地有效选择、利用、改造、组合，以令其演绎出新的展示个体或群体丰富的精神文化意蕴的艺术形态。简单地讲，装置艺术，就是“场地+材料+情感”的综合展示艺术②。装置艺术的发展如同其它艺术发展的景况一样，都是受当下多种单一与复合的观念所左右的，也受其自身发展经验的积累所促动.装置艺术日渐在内容关注，题材选择，文化指向，艺术到位，价值定位，情感流向，操作方法等方面，都呈现出多元繁复的状态.但从其总体来看，装置艺术的固有特征并没有朝令夕改。装置艺术始于60年代，也称为环境艺术.作为一种艺术，它与六七十年代的波普艺术;极少主义;观念艺术;等有联系.在短短几十年中，装置艺术已经成为当代艺术中的时髦。所以抓住装置艺术这个艺术形式来表现中国的传统木雕是一个打破传统木雕发展瓶颈的一条新路②。
想要更好的结合传统木雕与新材料创作装置艺术，就必须了解传统木雕与一些新兴材料的特性。木材，是一种天然的材料，它具有大自然最原始最自然的气息，因为地域的不同因为气候的不同，导致了木种的不同，木种的不同又带来了木材密度上的不同，即使是同一种的木种，也会因为各方面的原因产生不同的木纹不同的品相。木材还有很好的可塑性，通过雕琢可以创造出各种各样的形态。所以自古以来木材都是古人非常推崇的一种材料，尤其一些非常名贵稀少的木材例如红木、紫檀木、黄花梨木等更是众人追捧的对象。
在科技的发展今天，尤其在近几十年间出现了很多新兴的材料，这些材料在工业生活中起到了举足轻重的地位，并且这些材料也成为了众多艺术家开辟新思路新创作的好材料。比如不锈钢，硅胶，PVC，等材料都是一些新兴的材料，这些材料都有着不一样的特性。以中国园林山石为原型，通过对观念、装置、行为、影像等一系列艺术形式运用了不锈钢特有的艺术语言，很好的表现了他对当代艺术对装置艺术的理解，同时将不锈钢这种新材料运用的十分得当，也给我们以后的创作提供了很好的出发点。那么我们从不锈钢出发，当把不锈钢与中国的传统木雕想结合在一起，从材质到形态都将产生强烈的对比，运用这两个材料进行装置艺术一定能更好的表现传统木雕的魅力。当代的一些不锈钢作品基本都是以抽象的形式出现，而中国传统木雕很多都是具象的，传统木雕与不锈钢的结合也是抽象与具象艺术的一种碰撞。
硅胶也是一种新型的化学材料，它在工业，医疗等领域都有很好的表现。它有很多特性，比如具有透明以及不透明的特性，而且可塑性也很强，而且也可以有不同的强度。这样的材料运用到艺术创作中也将会是一种新的表现形式。例如80后新锐艺术家黄成创作的一系列经典作品鼠猪类雕塑很好的把硅胶的特性表现了出来。
他运用超写实雕塑的方式来变现他对当下浮躁社会的批判，在欣赏作品艺术表现的同时带给了我们一些信息，如何更好的运用这个材料。在创作中如果能把硅胶与传统的木雕相结合，利用两种材料共有可塑性强的特点，可以创作一些具象写实甚至超写实或者意象但追求细节的作品。然而硅胶又有其透光性并且强度也可以改变，这又与木材形成了对比。又突出了木雕的的特性。这样的结合必然也会产生很多新意。还有PVC也是一种新型的材料，它很好的被运用到了工业中去，它是一种通用型合成树脂。根据添加增塑剂的不同，可分为硬质和软质聚氯乙烯两类。PVC也有很好的可塑性，并且有很好的耐腐蚀性，亦有一定的可拉伸性，这些特性也具备了艺术创作的一些特点。
这些新材料所表现出的新特性已经慢慢被很多艺术家所运用并创新，而想要表现传统木雕并把它结合到装置艺术中去就必须打破单纯木雕的表现形式，用另一种与其不同的材料与之结合，让另一种材料通过自身的特性来更好的衬托出木质材料的魅力，进而更好衬托出传统木雕工艺的魅力。除去木材，传统的一些材料还有石材，铁，铜，布料，陶泥等一些材料。而从古至今乃至现在的当代艺术中，已经有很多将这些材质运用到了木材中去。但很少有艺术家将其他的一些材料与中国的传统木雕相结合去创作，结合当今的这些新材料与中国传统木雕相结合的更是少之又少。所以将传统木雕与新型材料相结合的装置艺术是一种很好表现传统木雕的方式。
传统木雕是一项很具有艺术价值的技艺，从古至今有很有优秀的作品以及高超的技艺流传至今，所以发展和传承这项技艺是我们的责任，而从装置艺术为出发点，用传统木雕以及新型材料相结合的方式来表现可以体现传统木雕的艺术性并且可以把传统木雕带到当代艺术中去，让其有更好的发展。（作者单位：西安美术学院）
注解：
①百度百科，
②《装置艺术》，人民美术出版社，2003年1月第1版，第1页
参考文献：
[1]李飞.《中国传统木雕艺术鉴赏》：浙江大学出版社，2006年1月第1版
关键词：传统民间艺术；视觉传达艺术教学；应用
民间艺术是中国传统艺术领域的一大分支，是一种劳动者为了满足生活或审美要求而创造的一门艺术。不同地区的民间艺术有不同的特色，所以目前社会上的民间艺术具有多元性，这种多元性就使得视觉文化有了新的生机和张力。由于民间艺术多元化，内容丰富，内涵深厚，众多艺术家都在民间艺术中寻找视觉传达设计的灵感，将民间艺术融入在视觉传达设计中，两者相得益彰，广受社会一致好评。
一、民间艺术应用到视觉传达设计教学的意义
1.有益于传承民间艺术
传统民间艺术是中华文明一代代积累下来的财富，是中华民族劳动人民世世代代的结晶，民间艺术深入到中华人民的各方各面，潜移默化地影响着人们的审美观，价值观。传统民间艺术内容丰富，灵活多变，蕴含了中华传统艺术的博大精深，也彰显了传统民间艺术的独特魅力。然而随着社会经济迅速发展，快节奏生活往往容易使大城市人群遗忘掉这些宝贵财富。因此教师在视觉传达艺术教学中应承担起传承传统民间艺术的重任，弘扬传统民间艺术的文化，教育学生积极学习传统民间艺术。
2.有益于视觉传达艺术设计的教学
在世界全球化大背景下，视觉传达艺术教学要积极的融入传统民间艺术，将传统民间艺术作为作品导向，在设计作品过程中不断创新与发展，探索出更好的民间传统艺术与视觉传达艺术设计相融合的方式。这样不仅能将民间艺术的内涵在世界面前彰显出来，还能丰富视觉传达艺术设计作品，使作品更有历史文化底蕴，更具有民族特色美感，避免视觉传达艺术作品单一化。
二、民间艺术在视觉传达设计中的应用
1.民间艺术表现形式的应用
民间艺术表现形式多种多样，丰富而不失美感，这种多元化的表现形式带给视觉传达艺术设计了无穷尽的灵感。这些表现形式应用到视觉传达设计中一方面能给予作品冲击力，另一方面能激发学生学习过程中的创新。例如，黑龙江民间艺术的表现形式常通过夸张手法，象征意义来表达作品灵魂，具有典型的萨满文化的特点。将黑龙江民间艺术的夸张用于视觉传达设计中，浮夸式的作品往往受到大众青睐。
2.民间艺术造型手法的应用
学生设计作品时往往不知道如何下手，对作品结构没有很清晰的轮廓感。在教学中，让学生们学会从民间艺术中汲取灵感，运用民间艺术的独特性从而设计出丰富而完整的较原始的富含中国本土文化特色的作品。例如，在教学中，首先让学生们先欣赏《万花开》，《福寿禄》等绘画作品，分析探讨出这些作品的特点和艺术造型手法，再让他们试着将这些艺术造型手法运用到自己的设计中去，将蝙蝠寓意为福，将鱼寓意为余等。这些象征手法，夸张手法等都对学生设计过程具有指导性意义，可以使他们拓宽自己的思维方式，掌握一些表达艺术技巧。
3.民间艺术图案的应用
大众欣赏和审美感知的最直接的艺术形式是图案，在视觉传达艺术设计教学中图案设计是最基础的内容，图案能够直接完整地表现出所要传达的信息内容。在视觉传达艺术设计专业课中，《基础图案》是一门基础课，这些基础课目的是教会学生熟练掌握图案基础理论，学会多种表现艺术技巧，使他们熟悉如何设计图案造型和色彩，以及如何运用规律来表现艺术。例如，在教学中，首先使学生们仔细观摩一些民间剪纸画后，尝试拷贝出剪纸画中的图案，让他们对剪纸画中的图案有初步的理解认知，如植物，人物，事物等。在不断揣摩后，学生们对图案设计有了自己的独特见解，这时让他们尝试对这些剪纸画中的图案进行变化，比方说变化图案结构或者图案主色调等，让他们在作品中表达出自己的独特观点。这一种教学方式可以提高学生设计能力，运用色彩能力，表现自我能力，更深程度地使视觉传达艺术设计教学达到更好的教学效果。
4.民间艺术内涵精神的应用
视觉传达艺术设计对于学生来说的一大难题是学生很难找到作品的灵魂，难以设计出有灵性的作品。对于艺术设计来说，如果能通过作品传达出一种情感，使观赏者能在作品中找到共鸣，那么这件作品就是处于较高境界的作品。“艺术的成功在于有根”，有根的作品往往从情感基石中萌发。视觉传达设计的根源在于传统民间艺术，这种传统艺术始终处于大众物质文化和精神文化没有分离开的状态，富含独特的韵味与灵感。这种“母形文化”给予视觉传达艺术设计者以原始精神内涵。只有富含情感的作品才是能打动人的作品。例如，祥和是民间传统艺术的一大内涵，这种人与自然，人与人之间的安宁表现出团圆，平安等内容，这些精神都是现代社会所追求的，符合社会主义核心价值观，因此也是艺术作品永恒不变的主题。如慈母绣衣图中，慈祥的母亲手中一针一线密密麻麻地落在即将远行的儿子的衣服上，这一针一线不仅给了儿子安全感，更是给了儿子情感上的冲击，可谓“慈母手中线，游子身上衣。临行密密缝，意恐迟迟归。谁言寸草心，报得三春晖。”可见，将情感赋予在作品中，能使作品具有强烈感染力，使作品不仅仅是一个作品，更是表达情感的一个桥梁。
5.民间艺术“意象”的应用
视觉传达设计虽要融入民间艺术，但仍要真实反映传统艺术元素感，真实地将意念化为物像。学生们往往对“平面意象”把握不精准，只能做到简单的模仿，这就需要学生们深入挖掘传统民间艺术的内涵，创作方法，设计理念。例如，利用剪纸的阴阳对比，泥玩具色彩对比，皮影人的结构特点来变现“平面意象”。
三、结束语
社会发展迅速的同时我们对中国本土文化的传承应与经济发展相匹配，追求精神和物质上的共同发展。中国传统民间艺术源远流长，内涵丰富，形式多样，视觉传达艺术设计的学生应学习如何将民间艺术恰如其分地融入到视觉传达设计中，学会借鉴民间艺术的精华，并将民间艺术发扬光大，设计出具有中国特色的优秀作品。在教学中，教师应引导学生积极寻找民俗文化素材，从多角度剖析作品，利用优秀的传统民间艺术创新自己的思维。
参考文献：
[1]杜华清.视觉传达设计教学中民间艺术的实践应用分析[J].长江丛刊，2016（28）：81.
[2]陆岚.民间艺术在视觉传达设计教学中的实践应用[J].艺术科技，2016，29（1）：78.
