关键词：动画短片；多元智能；生活创意；发现；发想
中图分类号：J90文献标识码：A文章编号：1003-2738（2012）04-0134-02
曾经，我们都是有创意的小孩，在受教育的过程中，有多少这样的特质被鼓励或保留下来，就将决定一个成年人的创意有多少。2011年的暑假有幸走访并对台湾的文化创意产业进行了深度的调研与交流学习，激励着自己用新的思维反省自身，并探索以新的角度去拓展影视动画教育的更多可能。
课堂上接触的大部分学生都有着应试教育的种种缺点。如缺乏扎实的专业基础；麻木的追求软件操作技术，不能进行独立的思考；缺少显性的创造力；而能把创造力与专业相连接的领悟能力更难以实现。
但是创造力并非单一的智能。哈佛大学心理学家霍华•迦纳(Howard Gardner)在1983年就曾提出多重智能发展（Multiple intelligence）的理念。这个多重智能包括：语言智能，数理逻辑分析智能，音乐思维智能，肢体动作智能，空间概念智能，自我内在理解智能，人际关系智能。语言智能和数理逻辑分析这两项智能是目前学校教育最为重视并且能得到落实的环节，对其他智能的共同开发却没能同步训练甚至忽略其存在。我们的动画创作正恰恰需要上述被忽略的五种智能的综合训练与灵活运用。在迦纳的理论里便一再提到艺术对教育的重要性。而这个理念也给我们的影视动画的教学与研究带来很好的理论与实践导向。因为动画是一个多媒体复合创作的领域，需要的不仅仅是懂得语言表达或数字计算能力。一部成功的动画短片作品，能够带给人们的不仅仅是直白的语言或图片信息，更多的是既优美又奇妙的音乐感受，神秘而梦幻的空间沉浸。如奥斯卡最佳短片《积木之家》（如图一）①和《失物招领》②（如图二）
这两部短片作品，都尝试着用一种忧伤的情绪在诉说着这个时代人们内心深处对于童真遗失的祭奠。淡淡的灵动的音乐加上怀旧的画面色彩，奇妙的生活场景与精彩纷呈的角色造型相互辉映。让人在观影的沉浸过程中不断回忆与思索，昔日的纯真期盼与今日遗失的梦想。而这些感人作品的成功再现，并非仅仅通过语言和数字就能够传达的。其实，在我们身边的每个人都拥有多元智能的潜能。我们的教育工作应当以开放的姿态去接受与包容学生们的不同智能并思考如何去激发和引导其潜在的创造力。
最基本的出发点是兴趣先导，让学生找到并明确自己的爱好。这一点对于学生的发展是非常重要的。乔布斯③05年在斯坦福大学对即将毕业的大学生们进行演讲时便分享过“我很清楚唯一使我一直走下去的，就是我做的事情令我无比钟爱。你需要去找到你所爱的东西。对于工作是如此, 对于你的爱人也是如此。你的工作将会占据生活中很大的一部分。你只有相信自己所做的是伟大的工作, 你才能怡然自得。如果你现在还没有找到, 那么继续找、不要停下来、全心全意的去找, 当你找到的时候你就会知道的。就像任何真诚的关系, 随着岁月的流逝只会越来越紧密。所以继续找，直到你找到它，不要停下来！ ”
有了这样一种发自内心的爱作为基础，我们的教与学才有更为耀眼的前程。尊重并激发学生的课内学习与课外兴趣的相互融合是作为新时代的教师应该思考的维度。一个模子培养出来的学生，将很难适应这个瞬息万变的多媒体时代。在早前的台湾参访学习中，发现当地的学生在学习中并没有太多的障碍，因为课堂教的不只是书本知识，在课堂的互动学习中我们能够感受到什么是热情，这对动画的创意研发有着很大的帮助。在台南昆山科技大学的曾惠青老师的创意思考课程训练中，仅用一幅小朋友的简单而充满热情的绘画便让我更深入的体会到艺术作品的导入与发散思考对我们的动画创意发想带来的无限可能。
在2011级的新生交流会上，我尝试让初次见面的学生相互之间画一张肖像画，这当中的大部分学生都缺乏扎实的绘画功底。而我却发现一个有趣的现象。很多同学都会用相似的审美标准去断定对方的拙略画工把自己丑化了。其实，在我们的动画创作领域，对影像的评判应该有着不一样的标准。学生在接触专业学习前所画的第一幅作品是最能够体现其原有的创意维度。因为没有太多的条条框框，如果能在学生本我的意识体现上寻找到其独特的发光点再结合日后的专业训练进行引导，学生的创作能力将会得到提升。而不仅仅停留在简单的模仿和让作品看起来很美却毫无生命力的状态。大家所熟悉的老顽童——毕加索就曾说过“我曾经可以画得像拉斐尔，但我花了一辈子的时间，学习如何画得像孩子。”虽然，我们不一定能够成为下一个毕加索，但我们要具有不断挑战个人思考弹性的勇气。并把它运用到动画这一种富含生命力的图像再造中。
会思考的学生每一分钟都可以学习，不一定要坐在教室。有创意的人大部分都具有高度的观察力，并且能透过观察，刺激出新的想法。这一点在动画设计制作中的角色人物动作的设定与表现上尤为突出。奥斯卡的另外一部优秀短篇《商标世界》④（如图三）
就利用我们熟悉的商业世界的商标元素作为角色和场景设计，展开一段精彩绝伦的2012品牌之间的角逐战。该片的剧情虽然荒诞无味，但是却让观众惊艳于创作团队对于我们所熟悉的图像语言的创新设想。每一个出场的LOGO都在短片里被注入了人类独有的行为与欲望。这个短片的成功在很大程度上需要模拟现实生活中物件的行为动态，并且以不使用真实的图像的方式，谨以模仿动态来暗示出动物或物件的形象。例如我们要制作一段小短片表现蚂蚁的行为（如图四）
我们不一定只是单纯画出蚂蚁的造型，让它活动。而是利用其他的图形元素（如文字）来赋予它蚂蚁的行为动态。利用这样一个设计的限制条件来启发学生多元思考的能力，在有限的条件中如何清楚的传达动态，并且达到设计者本身对于作品的预期目标。这样的动态模拟训练让学生能够把心、眼、手相互结合起来培养各自对生活细节的观察力。这样一种观察力训练的重点被还原到生活中，再设定一些开放式的命题让学生去主动发现生活。让学生自己的发现来充实并发想自己的动画创意。
要真正将知识转化为自己的能力，最好的方法就是在生活中去发现，去积累，生活就是最好的老师，生活就是创意的源泉。⑤ 我们的动画创作不应该仅仅停留在技术的疯狂追逐当中。而应当回归最初最原始给予作品灵魂的创意中来。
应该让学生从好奇心开始，让自己成为生活创意的发现者。在这个过程中的任务就是去观察周围的世界，用发现的眼睛去记录生活的创意，对所熟悉的事物宛如前所未见的进行观察。在旅途中（或行走中）注意收集点点滴滴，并把他们一一记录，就像写日记一样。留意各种图案，将其复制、描摹，一次只认认真真记住一样。总之，把自己变成一个生活创意的发现者，记录下一切可以吸引你的事物。我们可以从收集开始，接着摆弄材料和对象，用各种不同的形式去组织他们，做出新的组合，在这个过程中，什么都可以尝试，然后观察我们所做的新的排列。因为创造力是来源于我们从不同角度对事物的观察。我们对事物的理解会因为不同的观察视角而完全改变的。正如我们绘制动画分镜头台本。同样一棵树，当我们在远处和近处观察它时，给人的感觉是完全不同的。如果我们再从不同的部分来研究它：树叶、树干、树根、生长形态等等。你也可以去观察和分析他在环境中的功能（如，把它想象成是一个约会的地点），或者是一件逸闻趣事——生活在它周围的人有什么样的故事？是谁种了它？它会发出怎样的声音？它周边的环境与空间是什么样的？树是由什么组成的？一棵树，它在一天、一年中会有怎样的变化？从这样一种极为细致的观察中，我们便创造了属于自己的故事。或许，这个故事就是你下一部动画的创意来源。
正如《玩具总动员》、《机器人瓦力》、《飞屋环游记》、《神奇的飞书》等欧美成功的动画作品，都是人们通过对生活的仔细观察以及天马行空的发想得到的。因此，何不从现在开始，从你坐着的地方开始记录你当前的心情，隔壁同学的表情，或想象出几种记录时光流逝的方法。
并没有一种绝对“正确的”方式可以去帮助我们理解事物。对于动画的创意发现与发想，我们都应当用自己的方式去摸索与理解而后适时分享。创意本身是跨领域融合的产物，应当时刻保持随时观察周围的习惯，并记录与分析，在真实的生活当中找到自我的存在才能为动画创作累积充足的养分。而作为教育一线的我们更应该用一种具有前瞻性的态度去引导与发掘更多的创意灵感并把这种创意与热诚运用在课堂上。
参考文献：
[1]《动画笔记》 余为政编著 京华出版社 2010年1月.
[2]《带上“我”找创意》【美】凯瑞.史密斯(编著) 徐捷（译）人民美术出版社 2010年2月.
[3]《手绘的奇思妙想——49位设计师的创意速写簿》丹尼•格雷戈里（编著）姒一（译）2010年1月.
注释：
①《积木之家》导演: 加藤久仁生； 本片荣获2009年奥斯卡金像奖最佳动画短片奖。
②《失物招领》导演: 安德鲁•鲁赫曼 / 陈志勇编剧: 陈志勇 ；本片由华裔漫画家陈志勇根据自己的同名绘本制作而成，并荣获2010年安锡动画影展最佳短片奖和2010年第83届奥斯卡最佳动画短片奖。
③乔布斯（Steve Paul Jobs）苹果计算机公司CEO；
④《商标的世界》本片由法国一家名为H5的工作室制作，影片中囊括了两百多个世界知名商标。该片荣获2009年斯德哥尔摩电影节最佳短片奖和2010年奥斯卡最佳动画短奖。
在影视广告的动画创作过程中，其剧本的创作过程是实现动画创意的重要阶段。在实际的创作过程中必须注意以下的两点内容。一是实现其故事的展现。对于动画影视广告剧本的创作而言，利用动画形式对创意故事进行具体的细化，将其故事性充分的展现出来，使其可以实现动画的制作要求是剧本创作的重要内容。二是突出产品宣传特点。与一般的动画剧本创作不同的是，广告动画剧本在创作中必须注意对宣传产品的位置的突出，起到广告宣传的实际效果。这是动画影响广告制作的目的性决定的。在完成了剧本的创作后，下一个创作工作就是分镜头剧本的制作。这个制作过程就是动画导演根据剧本要求完成自身的创作过程后，利用绘制分镜头剧本的方式将自己对剧本的理解和动画绘制的要求体现出来的一种方式。
（二）动画设计工作
在完成了动画剧本创作后，下一个主要的动画制作过程就是动画人物形象、服饰，整体背景、固定画面的设计工作。其主要的工作包括了以下的三点。一是形象的设计工作。在动画形象的设计过程中，我们需要根据剧本的设计要求进行设计工作，实现创意和剧本的设计要求。在动画广告的制作过程中，对于形象的设计我们还需要考虑其形象是否与宣传产品的整体风格搭配，是否会对产品的宣传起到正面的促进作用。二是动画运动的设计工作。在动画设计的过程中，我们必须做好动画运动方式和轨迹的设计工作。在这个过程中，我们需要对动画的运动方式和轨迹进行充分的还原，使其真实性得以展现。最后是背景和固定画面的设计。在动画影视广告设计中，背景设计是否合理可以很好地保证创意的实现。同时对于产品的宣传而言，良好的背景设计可以衬托出产品的特点和优点。
（三）动画广告的绘制工作
作为动画制作的最重要的阶段，动画影视广告的绘制工作包括了以下的内容：一是动画的绘制。在动画影视广告的绘制过程中，动画形象的绘制是实现剧本和人物设计的主要过程。在实际的绘制过程中必须根据动画设计原稿进行详细的绘制工作，同时在绘制的过程中必须防止出现穿帮镜头的出现。二是背景和固定画面的绘制。在动画影视广告的绘制过程中，与动画绘制过程同步的是背景和固定画面的绘制工作。在这个过程中我们除了做好详细的绘制工作外，还可以利用画稿的复制和重复利用工作简化动画的绘制过程，利用这种手段进行的绘画工作可以很好地降低动画影视广告制作的成本，同时提高了绘制的工作质量。三是完成绘制的上色工作。在完成了以上的绘制工作后，下一步就是动画和背景的上色工作。在这个过程中主要的工作就是实现对于剧本色彩要求的实现。同时对于影视广告的可视性而言，上色过程中的质量要求是实现的重要保证。
（四）动画后期制作
在动画影视广告绘制完成后，最后一个制作的环节就是其后期的制作工作。在实际的制作过程中，这一环节包括了以下的主要内容：一是音乐及音效的配置。对于动画广告的制作过程而言，作品音乐、音效和配音的制作和添加是动画制作的重要流程。在这一流程完成后，动画广告的制作基本上就完成了。二是特效的添加。对于剧本要求在动画广告中添加的特效部分，我们需要在后期制作上进行实现。
（五）结束语
在动画片创作中，原画师设计的表演是通过银幕或屏幕间接地传达给观众，原画设计师的表演需要经逐帧的画面处理和导演运用蒙太奇剪辑手段才能完成。因此要求原画设计师的表演创作分解到24分之1秒（或25分之1秒）的画面单位。
动画片表演节奏的时间把握通常略快于普通影视剧作品。动画表演常借鉴喜剧影视片或音乐歌舞片中的表演，吸取舞蹈、杂技、哑剧等的表演技巧，通过对人物造型、表情及动作加以漫画式的夸张表演，以构思奇妙、节奏明快、动作夸张优美而见长。表演特点是善于运用灵活生动的形体动作。这种动画表演的艺术夸张基于对现实生活细致的观察和精心提炼，需要符合人物心理的逻辑发展；同时要求动画表演也具有一定得可信性或真实感。
表演是由演员扮演角色，通过演员的表演或人体动作、表情来塑造形象、传达情绪、情感从而表现故事情节的技巧。演员作为一个创作者，需要以自己的认识水平去分析与认识角色，以自己的创作方法和专业技巧去塑造人物，并且在整个创作的过程中把握着创作的方向。影视演员需要掌握和磨练自身的外部表现工具--形体、五官、声音、语言以及各种技能，并掌握一整套表达人物思想情感、内部心理活动表现的技巧，演员依据剧本，在导演指导下进行二度创作，将人的艺术形象从剧本体现到银屏上。
表演艺术的创作主要表现在独特的再体现和鲜明的性格化，又能形象而生动地表现出隐藏在剧本字里行间的深邃的作者意念，并对剧作的人物形象作有个性的补充和体现。这种再创作，就要求影视演员有一定的思想水平和较高的文化和艺术修养，只有这样具以较深的理解力，丰富的想象力和形象的表现力，从而达到演员与角色、生活与艺术的统一，体验（即内部）与体现（即外部）的统一。
在动画片制作中，原画设计师根据导演和画面分镜头剧本的指导，来了解分析动画角色，不但是为了使动作更流畅而参照自己的表演动作，更通过对角色的理解，通过设计师想象力体现出角色的生存形态，使动画角色性格特征层次丰富，不再简单、死板。
动画制作之前就规划出了角色性格特点和行为模式，编剧，导演，配音演员、原画设计师或是动画设计师都会对角色的塑造起一定程度的作用。而原画设计师是使角色“活”起来的直接创作者。
受创作手段的限制，即使动作设计再精细的动画片也无法达到像真人一样丰富细腻的表情动作，所以动画片中的表情动作是有一定程式的，是对人类真实表情与动作的高度提炼，同时经过夸张处理，使每种表情都有所区分，区分越细化表情就越丰富。比如动画制作中很重视角色面部动作的表情性，面部表情与言语表情的动作配合。人体的各个部位的肢体语言都能表达情感，而最重要的情感表达部位还是面部。面部五官表情虽然经过简化，归纳为喜怒哀乐四大类，但其组合变化微妙丰富。不同的情感，都能够通过面部的五官细微变化中准确地传达出来。原画设计师只有熟悉了其动作规律和变化特征才能展开角色表演情感的创作。
动画工作者仅仅掌握动画基本运动规律，创作出的角色动作符合运动法则，还谈不上是在创造表演。一个动画角色能活动起来，并不代表角色已经“活”了。要想动画片里的角色“鲜活生动”起来，关键在于角色的动作看起来具有自己的生命力，即使角色的动作看起来是受他自身意识得约束控制的行为，就是要通过塑造角色动作表演来体现其情感和思想意识活动。只有创作的角色动作中包含了根据角色性格和剧情需要的表演成分才能算是有了动画表演。
事实上再简单的角色动作，在运动过程首先都是思维意识的活动体现。比如，角色思想意识活动，外在最先表现出来的往往是目光和眼神，在处理动作时就要把握交待好眼神的变化，即视线的变化，这就是角色动作的心理暗示，角色的肢体动作都与眼神相配合。眼神的表现在动画表演中很重要，因为眼睛是心灵的窗户。再比如现实生活中的真实人物眨眼的方式和动画角色的眨眼动作完全不不同，动画中角色眨眼都是为了表演效果的需要。只有设计动作时有意识的塑造角色“心（意识）”到，才能“神“（眼神）到，然后动作才能到（位）。而经验不足的原画设计师往往容易忽略表现和交代这类重要细节的表演，容易把动作设计的类似机械式无意识的感觉。
奇麟笔认为在创作动画角色的动作表演中分两个层次：第一个层次把握好角色自然的物理性的动作原理，第二个层次是把握好角色内在主观的活动的反应。而后者经常被初学者忽略。
目前国内的3D动画往往最缺乏的就是“动画表演”的成分，经常把重点都集中在三维动画制作的人物模型、材质、灯光等效果设计上，或陷入“调动作”的误区，在角色动作表现上死板僵硬、很不自然。不懂动画表演，忽视动画创作的表演艺术特性，动画角色就如行尸走肉，失去了“灵魂”。
像把“挤压、拉长、预备动作、缓冲动作”等这些动画基本动作原理与“坐、卧、走、跑、跳”等这些运动规律做好的动画，只能算是动作顺畅的动画。要做到角色表演精彩的动画，就需要原画设计师仔细的挖掘角色性格和内心世界。动画片中的角色就是由动画师操控着的演员，演出着各种不同的悲欢喜忧。所以，做动画的人一定要先融入角色，通过揣摩出角色的心理情绪变化和动作差异，再将这种变化应用在对角色动作的设计中，这就是动画的表演。
动画属于影视艺术，原画设计师承担其实就是角色表演者的任务。动画的表演力就是赋予假定角色或虚拟模型以生命与灵魂，使它们像真实存在的一样鲜活和自然。这也是动画师的主要设计绘制工作。而动画表演的优势还在于能表现出真人无法表演的美感与效果，这也是动画创作很吸引人的地方。动画创作也是源于生活而高于于生活。动画表演以生活化为基础，并加以戏剧化的夸张美化及镜头处理等综合手段，将形体动态与感情传达给观众。动画设计师不仅须要有技术能力去控制动画角色的形态，还必须有关于把握动画角色运动节奏与时间的敏锐感觉和艺术表现力。
比如学习动画中基本的走、跑、跳是运动规律，在现实中由真实演员人表演不会有走、跑等的运动动态错误的情况出现。而动画来创作走、跑、跳就复杂多了，绘制者要具备有表现角色型态的美术造型能力，还要有了解运动规律，正确表现出连贯的动态的能力。奇麟笔在平时带片指导原画和教授原画课时发现，初学者和经验少的原画设计者往往把注意力集中在处理动作流畅与动作规律正确上，而容易忽视了动画角色特点、性格、运动动机、情节及环境影响表演层面的表现上。很多国产动画片不论角色男女老幼、高矮胖瘦，一旦走、跑、跳等运动起来，动作很明显都如出一辙，都是统一的教科书式的标准运动规律姿势模式。这都是由于绘制者不注意观察生活，缺乏生活体验，不去研究动画角色特点，忽略或不会善于动画角色表演的结果。
对动画表演的学习应该从学习动画创作之初就给予足够的重视。并将表演课程作为独立的学习内容纳入日常创作学习中。从模仿开始，多看多学，仔细揣摩角色性格与动作特征，逐渐摸索并体验动画表演的表现手法。动画设计师“表演”水平的高低，虽然部份取决于个人天赋，但更多的还是依靠后天的勤奋努力，平时留心观察，勤加训练，对自己的动画表演能力不断提出更高的追求目标，就可以通过动画表演水平的提升，提升动画片的整体表现力，为动画角色注入更多的活力。
对动作运动规律的理解与掌握只是动画师的基础必修课，真正的目标是如何将角色塑造绘制的有血有肉、有情，性格鲜明的展现给观众。做优秀的原画设计师也要具备文学、美术、电影、音乐、舞蹈、历史、地理、自然生物等多方面的文化修养和生活底蕴。这些对于动画创作来说都具有重要的作用。
作为动画设计师，业余时间应该多观摩各种优秀的电影、电视剧、舞台剧，参考学习知名演员的表演技巧，还要在日常生活中注意观察周围人群，不同年龄、不同性别、不同阅历的人群行走坐卧的姿态、说话的表情，行为动作的细节，都各不相同，要多多观察并切身体会。生活是创作的源泉，生活阅历越丰富，文化修养月深厚，将会对动画师的创作和发展带来很大的帮助和支持。
优秀原画设计师应该是出色的演技派表演展示才能，因为动画明星们的表情、动作、甚至对白语气都来自原画设计师的表演才能发挥。原画设计师们在创作前，往往要预先将动画人物的动作反复亲身预演多遍。找到动画表演中的感觉，在体验过程中体会、分析、把握动画表演中角色的情感、动机以及动作。而镜子就是原画设计师们观察自我表演的最便捷实用的工具。当遇到不易把握的动作和表情时，原画设计师会在镜子面前自我反复演绎多遍（奇麟笔在平时创作动画的过程中一直借助镜子做观查工具，也一直强调学生和跟片的原画设计使用镜子），以便于更真切地体会把握动画角色的表情和动作。还有一点要切记的是，原画设计师的表演也要有度，避免沉迷于自我表演情绪中不能自拔，反而忽略了动画表演对观众的感受。也还要注意动画角色人物性格的前后统一性，行为举止的一致性。
[关键词] 动画角色；内在精神；想象；情感分析
动画角色形象设计是动画艺术创作的重要环节之一，其目的是创作生动感人的动画角色艺术形象。笔者认为，动画专业角色造型设计不仅要重视动画角色设计表现技巧，同时设计者还应对动画角色内在的精神情感进行深入剖析与探究，从而塑造出有生命力的动画角色形象。
一、了解动画角色
什么是动画角色呢？动画角色即是动画影视作品中情节内容的表演者，它是由动画艺术家创造出来的、虚拟的角色形象。动画角色不同于真人演员，它的形象塑造及其演绎的故事情节是通过动画艺术家的艺术创作来实现和完成的。演员是表演艺术的创造者、创作主体，没有他们便没有表演艺术的存在，他们创造了故事的角色形象，并完成了故事情节的演绎。表演动画影视作品的演员即是动画角色，但在动画影视创作中，真正的角色是动画角色形象的设计者，是他们真正演绎着动画作品内容，他们实际是动画作品真正的表演者和创造者。
二、动画角色的重要性
动画影视作品为什么能够强烈吸引众多的观赏者？除了其自身的故事情节及艺术风格因素外，主要得益于动画角色形象的塑造及其艺术魅力。例如，国产优秀动画影片《大闹天宫》中动画角色孙悟空的形象设计；美国动画片《猫与老鼠》中的Tom与Jerry形象设计；日本宫崎骏《龙猫》中天真可爱的小女孩形象，等等，都说明和印证了动画角色形象的重要性。
动画角色形象设计是一部动画影视作品创作的基础，从某种意义上讲，它决定了整个作品艺术创作的成败。我们大家都知道形象是艺术反映生活的一种手段，任何一种造型艺术形式都离不开形象的塑造，没有形象即没有表现艺术作品与生活内容的角色，没有好的角色形象就难以产生伟大的艺术作品。动画作品的故事情节需要动画角色来演绎，动画角色形象设计的成功与否会直接影响到故事情节的叙事广度和深度，会直接影响到整个动画作品的视觉效果，会影响到欣赏者的情感变化以及他们与动画角色之间的互动，得到观众的理解与认同并与其产生思想意识和审美层面的沟通交流。成功的动画角色形象设计决定了动画影视作品的影响力和其艺术价值的实现。生活中有时我们已经淡忘了一些动画影视作品中的故事情节，但是很难忘却片中那些生动活泼可爱的动画角色形象，它们就像明星一样使人终身难忘，这就是动画角色形象的艺术魅力。
三、分析动画角色
人们认识事物的过程是经过第一印象中无意识状态的感觉阶段后而进入观察分析的过程，由浅入深、由表面到实质。斯坦尼斯拉夫斯基说：“我们的创作和大部分的认识、分析都是直觉的初读后，得到的新鲜的处女的印象，较之其他更为直接、直觉。很显然，利用它们首先应当为了分析的目的。”对动画角色进行分析研究的过程是认识动画角色的重要阶段，分析、研究对动画角色形成的第一印象，其目的就是能够正确认识和理解动画作品中的角色形象，这是动画角色创造的基础。在这个过程中，动画角色设计者要根据剧本提供角色的各个方面素材进行能动的分析、研究，完成对动画角色的整体认知，要从动画角色的表象探寻其实质，分析动画角色的内在精神和隐藏着的有价值的东西，真正做到与动画角色在精神层面上的沟通无碍。
（一）分析动画文字剧本
为了保持动画角色形象的统一性、完整性，保持动画角色思想、感情、性格的连续性和独特的个性，要求动画角色设计者在创造角色形象之前必须深入分析、研究文字剧本，通过分析、研究、把握角色的心理、感情、性格及其发展、变化，掌握动画角色的外在形体特征和内在的心理活动。只有这样才能够将动画角色分析透彻，才能够真实、贴切地还原动画角色形象。姜文说：“演员应该是有头脑的思想家，演技只是演员的基本功，演员更应具备的是理解力和分析能力。分析剧本、人生及世界，要有自己的独特看法，如果观众不能从你所理解的角色中得到一些启发和同感，你是不可能征服观众的。”我们可以从这些话语中知道认识、理解能力的重要性。对动画角色形象创造者来说，一个思想家要比一个熟练的艺匠要有价值得多。
（二）了解分析动画角色背景资料
动画角色形象设计者在认识分析角色的过程中还需了解动画角色所处的时代背景、文化背景等资料。要将所设计的动画角色放到剧本指定的动画角色的生活中去，其生活的特定时代背景和文化背景都需要通盘考虑和认知。大家都知道，人的思想意识、价值观念、文化情趣、行为准则、情感性格和审美趋向都受时代、民族、环境、宗教、风俗等因素和条件的影响和制约。就艺术而言——在每一个时代，一个社会、一个民族中都会产生相应的独特风格、面貌的角色艺术形象，而且这种角色艺术形象是随时代、社会和文化的发展和变革而发生演变的。动画角色形象同样具有这种属性，它也是时代、民族、环境和文化等发展变革的产物。在分析动画角色背景资料的过程中设计者要明确这种意识并把握不同时代、不同地理环境、不同民族和文化，不同宗教和风俗等因素对动画角色内在的精神世界和外在的行为状态的影响和作用，以及在这种背景下所产生的比较流行并占主导地位的形式与角色形象表现的关系。只有如此，才能够真实、完整地还原动画角色和成功塑造动画角色艺术形象，经过感知和分析的阶段后，我们开始认识动画角色本身的实质性。斯坦尼斯拉夫斯基认为：“在分析的阶段是依靠理性在进行工作，但是通过理性加工所分析出来的材料大多枯燥、乏味、缺少生气，只是剧本和角色生活的规定情境的记录，而不是热情的真实，不是情感的逼真。”
由于动画角色的生活背景、生活习惯、社会地位、文化修养等不同，设计者要成功地塑造动画角色形象，就需要将所获得文字材料生动化，并需借助自己的理解、想象使动画角色形象充满活力。“何为想象？”朱光潜先生说：“就是在心里唤起意象。”何为想象？“艺术创造出来未经传达之前，只是想象。就字面说，想象就是在心中眼中见到一种意象。意象是知觉的事物在心中所印的影子。” 何为艺术想象？艺术想象是艺术家在艺术创作过程中表现出来的以塑造艺术形象为目的的一种特殊想象，是一种在过去积累的映像（表象）的基础上创造新的表象的心理反映过程。
艺术想象有几个特点：（1）艺术想象具有高度的思维自由性。它不受时间、空间、人物、事物的制约，只需要根据主题做任意的联想、幻想和推想，可以在万里长空中解放自我性灵而自由驰骋。（2）艺术想象的过程是对固有意象的整合过程。艺术想象离不开平时积累起来的表象材料，并随时对其进行分析和组合，成为新的具体的生动的意象。（3）艺术想象往往伴随着艺术情感的参与。正是这种艺术情感唤起艺术家的各种记忆，又推动着艺术想象的展开，使其创造出富有感染力的艺术作品。
艺术想象要从现实生活出发，在情感的作用下，创造出超越生活的艺术形象，情感伴随着主观体验发挥着能力的作用。艺术情感是艺术心理的一种，在心理学范畴中，情感反映的是人对客观事物能否满足自己需要所产生的态度体验。人在艺术创作和艺术欣赏中的态度体验就是艺术情感。艺术情感在人们的学习、生活和工作别是在艺术创作和接受中都具有重要的意义和作用，突出表现在艺术给人带来的情感补偿和情感宣泄方面，即情感的可调节性和养生性。（1）艺术作品具有情感补偿性，艺术作品的情感补偿作用指的是在艺术创作和欣赏中，人们得到现实社会中无法得到的体验，使自我感觉在艺术的世界中得到满足。比如爱情的失意可以在饱含深情的爱情电影中得到暂时的补偿；事业上的挫败可以在昂扬奋进的音乐中重拾斗志和勇气，等等。艺术具有调节精神情绪的功能。（2）艺术作品的情感宣泄，当人们被充满美感的艺术所吸引时，必然经过自我内心的创造，实现情感上主客观的统一结合，在这种结合中达到了与艺术作品中的角色同悲同喜，使自己的情感得到了宣泄。
想象作为人的一种创造性心理活动是伴随着语言和意识的产生而形成和发展起来的，并在人的创造活动中起着重大作用，特别是在艺术创造活动中，人们通过在记忆中感知表象的认识发挥艺术想象，依据审美态度和审美情感创造性地加工处理素材，才最终完成了艺术创作的过程。高尔基：“艺术靠想象而生存。”通过艺术想象，艺术家可以从生活出发，再创造出超越生活的理想艺术形象。所以说艺术想象是艺术家进行艺术思维的主要手段和途径。爱因斯坦曾经说过：“想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力概括着世界上的一切，推动着进步，并且是知识的源泉。严格地说，想象力是科学研究的实在因素。”
对于动画角色形象设计来说，没有想象就没有动画角色艺术形象。对于普通人而言，每天生活在想象中是不切实际的表现，而对于动画艺术创造者来说缺少艺术想象是不行的。奥夫相尼柯夫拉姆内依认为：“艺术想象指创造艺术形象的能力以及这一过程本身的结果。这种对艺术形象的创造是通过在过去的感触、感知、表象、感觉、印象作为广泛概括和典型化的过程，是创作活动一切阶段所持有的。”换言之，想象贯穿于动画艺术创作的整个过程中。斯坦尼斯拉夫斯基：“只有想象或演员幻想的引诱力才能够激起活生生的创作意向，激起那些来自心灵的隐秘深处的活生生的演员激情。一个角色如果没有通过演员想象的氛围，就不可能具有引诱力。演员应该善于根据任何题材去幻想。他应该根据任何规定材料在想象中创造出活生生的生活。演员应该像小孩那样能够去玩任何一种玩具，并且从这种玩耍中找到兴趣。”设计者在认知动画角色和创造动画角色的过程中，想象和想象力是创造的重要前提。只有具备了这种能力，才能创造出具有生命活力的动画角色形象。设计者完成创造动画角色想象过程，即是动画角色形象的认知过程。
所以，现代动画专业角色造型设计不仅仅要重视动画角色设计表现技巧训练，同时还应加强对动画角色内在特质的深入分析及认识，同时提高动画角色设计者的审美素质及个人艺术创作修养，从而塑造出有生命力，深受观众喜爱的动画角色形象。
[参考文献]
[1][俄]斯坦尼斯拉夫斯基.演员创造角色[M].郑雪来，译.北京：中国电影出版社，2006.
[2]朱光潜.谈美[M].北京：北京大学出版社，2011.
关键词：教育动画；教学设计；动画创作；融合
中图分类号：G434 文献标志码：B 文章编号：1673-8454（2014）22-0058-03
一、 问题的提出
本世纪初，我国政府接连出台了许多优惠政策来鼓励和扶持国内艺术界发展动画产业，并计划我国动漫产业在此后5-10年间，产值必须达到1%GDP目标。即便如此，在未来2000亿以上规模的整个动画产业市场中，也只占不到一成。
教育动画是动画艺术中的一个重要组成部分，也是动画产业市场具有强大的潜在市场竞争力的艺术化产业，其发展潜力巨大。然而教育动画的发展现状却不尽如人意，到目前为止，教育动画仍然处在“过分追求教育性、说教成分太多、有教无乐；亦或是过分追求娱乐性，忽略知识性、教育性”的批评声中。
在教育动画面临着前所未有的机遇与挑战的境遇下，教育技术学界要及时肩负起研究教育动画的使命。本文基于儿童英语类教育动画《规范幼儿英语》的设计实践，从教学设计与动画创作融合的维度探讨实现“娱教平衡”的策略，通过抛砖引玉，以期引起更多同仁的关注和深入探讨。
教育动画概念有广义与狭义之分。广义的教育动画指具有教育意义的一切动画；狭义的教育动画指根据课程教学大纲和培养目标要求，运用动画形象、故事情节等动画元素呈现教学内容，以传递教育信息为目的的动画形式。本文所探讨的教育动画为狭义的教育动画。
二、 儿童英语教育动画设计
“问渠哪得清如许？为有源头活水来。”要解决教育动画“娱教失衡”问题，必须从“设计”的角度切入。教育动画的设计工作主要包括两大模块：教学设计与动画创作，这两大模块的脱节是教育动画产生“娱教失衡”问题的根源。因此，教学设计与动画创作相互融合，将教学设计与动画设计作为一个系统，以系统观指导整个教育动画的设计与制作过程， 使整个系统科学有序地运行，可以确保“娱教平衡”。
1.教学设计
教学设计，指的是科学地运用系统的方法研究和探讨教学目标、教学难点、教学重点等，设计达成教学目标、解决教学难点和教学重点的步骤与方法，并对教学效果做出科学的、合理的绩效考核。
教育动画的教学设计与一般意义的教学设计有所差异：教育动画必须与动画规律相吻合，并成为动画创作的一部分。
教学设计包括下列内容：教学目标、教学内容探讨、学习者特征分析、学习情境设计、学习策略设计与学习活动设计等。
①学习目标分析。分析与确立教学目标，是教育动画设计过程中的首要任务。教学动画中的学习内容筛选、画面呈现方式等都要以教学目标为依据展开。教学动画的设计，必须以教学目标为依据，具体分析在动画中展现哪些知识和技能，选择怎样的动画形式。
②学习者特征分析。幼儿在其初始的认知阶段中，主要凭借直觉来感知和认识事物。幼儿认知事物，主要源于对事物具体形象的感知以及情境的生动再现。动画形象的设计普遍具有秩序化、条理化的形状特征，易于儿童感知识别，便于幼儿形成概念。利用教育动画进行幼儿英语教学，能够立体地展示学习内容，激发幼儿的学习兴趣，促进幼儿理解与记忆学习内容。
③学习策略设计。幼儿的注意力集中时间较短，动画片语境幼儿英语教学，可以结合幼儿的学习兴趣和思维特点采用多样的教学形式开展教学活动，如“认事物、讲故事、做游戏、听音乐”等，形象、生动、动态化的学习内容容易引起他们的兴趣，并保持比较持久的注意力。
④学习情境设计。语言学习是基于社会情境的一种活动，而不是一个抽象具体的对象。儿童学习语言的过程是个体与环境的一种交互过程。学习情境的一端连接着知识，另一端连接着生活。
⑤学习活动设计。儿童的知识大都来源于日常生活活动，所以每设计一个活动，都要尽量贴近儿童的生活。如此，儿童的学习兴趣会贯穿整个学习活动中，儿童会在活动中感受到学习英语的乐趣，从而自觉地建构知识。
如下图所示，《规范幼儿英语》设计了本集介绍、动画时间、内容回顾、音乐殿堂以及认识字母五大版块。
2.动画创作
日本动画专家冰川认为，在表达细腻纯真的感情时，动画是最佳的表达方式。动画中具有浓厚的情感色彩，能引导孩子体验情感。利用教育动画对孩子进行语言教学，发挥视听觉双通道输入语言刺激的优势，对孩子提供语言信息及诸如音乐、图画等大量的非语言信息和诸如声调、动作等辅助语言信息，可以促进孩子对语言的认知和记忆。
动画创作主要分为两个阶段：设计阶段与创作阶段。
设计阶段包括：创作文学剧本与分镜头剧本、确定角色、确定场景、确定道具、选定色彩及确定色彩搭配方案；
创作阶段主要包括：原画设计、动画设计、声效处理、声画合成，经过反复的细节修订最后作品。
3.教学设计与动画创作融合
为实现“娱教平衡”，需将教学设计与动画设计作为一个系统，以系统观理论指导教育动画的整个设计过程与整个制作过程。教学设计需要将动画与“教育教学”问题有机结合起来，重视动画的基本构成要素，并将教学设计贯穿于教育动画创作的整个流程中，实现教学设计与动画创作相融合的目的。教学设计与动画创作的融合关键在于剧本情节与学习活动设计、学习情境设计、策略设计的有机融合。
（1）学习情境与剧本故事情节融合
关键词 动画制作 视觉设计原则 动画场景 角色设计
中图分类号：J9 文献标识码：A
1 影视动画制作中的视觉设计原则
1.1影视动画制作视觉设计原则及定义
动画视觉设计原则是一个宏观概念，包括角色设计、背景设计、场景设计以及分镜头台本设计视觉所及的一切内容。视觉设计原则贯穿于整个影视动画片的制作，是动画创作成功与否的基础与前提。视觉设计风格不仅包含了导演对于整部作品的创意，更包含了视觉设计者的才华与情感。视觉设计者通过采用多种绘画元素，创作出别出心裁的动画作品，从而满足观众的审美情趣。动画视觉设计风格即是动画视觉设计的整体表现与传达，简而言之就是动画作品整体画面的风格。一部在多元的世界动画产业中脱颖而出的优秀动画作品，必须拥有独树一帜的动画视觉设计风格。
1.2视觉设计原则在动画制作中的基本要素
视觉设计原则要素对动画作品的质量有着重大影响，影响着动画作品的最终视觉效果。在动画制作中视觉设计原则的基本要素包括造型与绘画能力、图形语言表达能力和镜头语言。造型艺术是视觉设计的源泉，美术基础在视觉设计中尤为关键，视觉设计原则的基本要素必然包括视觉设计者的造型与绘画能力。视觉设计原则的基本要素更涵盖视觉设计者的图形语言表达能力，重在强调他们是否能将绘画能力通过创意思维将作品具体化、视觉化，表达出生动形象的作品。镜头语言是视觉设计中又一重要基础。动画作为电影的一部分，必不可少的需要运用到镜头语言来讲故事。因此，深入了解镜头语言对于动画视觉设计而言是必不可少的部分。
1.3视觉设计原则在运动着的影视动画制作中的作用
影视动画是一门在造型艺术和影视艺术的交叉点上产生并发展起来的独特的艺术形式。动画视觉设计从根本上讲就是造型设计艺术，但又不同于“绘画、雕塑等美术手段”的传统概念，是一种运动着的造型艺术而不是描述某一瞬间的静态造型艺术，是通过动画片总体造型设定，人物造型、场景空间造型、以及在画面造型、音画结合的造型语言来表达情感的艺术。动画视觉设计的根本任务是组织动画片中空间结构、色彩、气氛、效果之间的构成关系。
2视觉设计原则之于角色设计
2.1角色设计的定义
动画片中的角色造型就是在该部动画片中出现的所有角色形象的长相、服装、配饰、道具等能体现角色性格的特征，这些特征塑造出角色的个性，体现动画影片的设计风格，是角色性格、时代环境、思想品德、意志情感的综合体现。
2.2视觉设计原则在角色设计中的地位
视觉设计的创作过程是一个由抽象到具象的过程，设计者首先得通过自身所学与逻辑思维理解剧本并将其进行分析与定位，然后通过形象思维中和剧本及其生活中的相关角色进行全面的影像空间的总体造型设计，从而以某种视觉元素表达对情节、角色的认知与理解并演绎出作品的整体风格。同时动画是一种文化传播艺术，艺术作为精神上层建筑的一部分必须符合当今社会的主流价值观即符合当今社会的审美标准。
3 视觉设计原则之于场景设计
3.1场景设计的定义
动画影片中的场景设计就是除动画角色以外交代环境的造型设计。场景是动画片中故事发生、展开的必要空间环境，与剧本是密切联系的，它通过艺术再现故事发生的环境，让观众把潜意识里的个人经历补充进剧情的发展之中，通过观众自身的再创造，赋予动画剧情更丰富的精神内核。场景的艺术再现具有选择性特征，是对现实生活中人们纯粹的自然表现的加工修补，从中提炼并抽象真正能够反映该自然表现最本质的元素，并运用动画语言产生强大的感染力呈现给观众。
3.2视觉设计原则在场景设计中的地位
场景的造型语言在影片中具有强大的叙事性、表意性和抒情性的辅助作用。动画片的场景不仅能够体现出那些直接产生与现实的东西，而且能体现出那些只存在于艺术家幻想中的东西，同时还可以运用夸张的手法、意象的造型，自由地强调和突出了片中的内容和形式，创作出奇思妙想的艺术效果。
关键词：动漫；设计；过程
一 引言
动漫产业，是一种以“创意”为核心内容，以动画及漫画为基础的动态手段作为表现形式的一种文化产业形式，随着我国文化事业建设的不断推进，我国动漫行业取得了长足的发展，出现了很多动漫的爱好者以及职业动漫设计师，在漫画产业不断推进和发展的过程当中，收到了地区政府及相应组织机构的大力扶持，并且为城市文化建设提供了重要的推动力。本文立足于MV动漫，分析并探讨了动漫的设计过程，并对其中涉及到的相关内容进行了论述和探讨，得出相关结论。
二 MV动漫创意
创意，是动漫设计的灵魂，是动漫设计的原始出发点。在动漫的设计过程当中，创意的确立是一个严谨且专业的设计过程，在动漫的创意阶段需要重点考虑以下几个方面的内容：
1、意境。同艺术作品在意境上的追求一样，动漫创意在意境上的追求也是决定该动漫能否成为一个独特、巧妙、极具内涵及感染力的动漫作品的前提。一个动漫作品，如果缺乏意境，则无论它的画面多么华丽、人物造型多么精巧、色彩使用多么巧妙、动作设计多么精准，都会给人一种空洞乏味、毫无感知力及辨识度的失败作品。相反一个优秀的动漫作品，一定会具备一个极其优美的意境，在意境的烘托之下，让整个动漫具备了极强的感染力与辨识度，能够让观众在情感与心灵上产生联想及共鸣。
2、浓缩。动漫作品是一种集艺术及技术手段于一身的艺术表现形式，在一些动漫设计或者动漫应用的环境当中，需要构建一个片头动漫来在短时间内让观众对于动漫作品或者节目的内容、定位与基调有个整体的认识和把握，需要在几分钟甚至几十秒的时间维度内，将故事背景及内容高度概括其中，将整个故事浓缩到极短时间内的动态描述当中。
3、设计思想。一个动漫的创意设计当中，需要时刻围绕设计主题进行动漫进程设计，譬如在某些节目的片头动画设计当中，需要动画内容在极短的时间之内表述及体现出节目的风格、定位及类型等因素，因此，在创意设计当中，需要遵循统一的设计思想，如同散文一样，让动漫创意时钟围绕同一主题，散而不乱，任何出现的画面都要与主题相关联，避免在创作当中随性堆砌一些缺乏主题思想、杂乱无章的视觉元素。
4、感染力。动漫是一种借助绘画等静态艺术手段去实现动态表现的一种艺术形式，但凡是艺术表现形式，就一定要求其具备极强的作品感染力，对于动漫而言也不例外。在当今的动漫应用背景当中，很多动画被用来作为节目或者宣传的片头来使用，这就要求动漫要在第一时间抓住观众的眼球，其设计重点就是要求动漫作品具备感染力，满足观众的视觉及心理需求，短时间内引发观众的联想与共鸣。
5、可观赏性。没有观众的节目就不是一个节目，作为动漫作品，其首要功能就是供人观看，因此，在创意设计的环节中，需要重点考虑可视性的原则，要使动漫作品本身具备极强的观赏性，并且要有深刻的寓意与深度，作为一项经典吸引人们反复观看。
另外，在动漫设计的创意环节，需要将动漫的整体艺术风格及技术手段全部考虑在内，根据应用背景确定动漫的表现形式。综合以上因素考虑之下，就可以完成动漫设计的最初步骤，即动漫创意剧本的设计。
三 MV动漫流程
有了一个具体的动漫创意，接下来就可以进入到动漫的具体环节设计过程当中，其基本流程分为以下几个方面：
角色设计。动漫作为一种极具创意性与观赏性的艺术形式，是一种集多方面手段为一体的综合表现形式，动漫设计在动漫创意的基础之上的一个重要环节就是塑造动画角色，需要动画设计师具备深厚的视觉表现技术以及丰富的设计经验，同时，还需要将影视学、表演学、解剖学等相关领域的知识融入到角色人物的设计当中。动漫角色的制作主要包括：人物动画、电影角色动画、3D游戏角色动画、广告角色动画。对于动漫角色的设计内容主要包括：角色及场景设计；按照创意剧本对于角色进行分镜头绘制；按照剧本要求设计出不同场景下的角色道具模型；依照剧本为角色人物设计不同场景环境下的表情及动作；依据分镜头故事版在每一个分镜头故事环境下来为角色人物制作表演动画。
渲染。渲染是一种根据故事场景，给予环境中的物品以及角色设置适合的材质、灯光等环境因素。对于三维动画而言，其设计及制作必须借助渲染的手段进行输出，通常渲染的动作是由专业动漫设计工具当中的渲染器来完成的。
后期合成。三维动画当中的后期合成主要包括将前期的分镜头动画片段、声音、背景音乐的素材依照动漫创意剧本当中的设计，采用专业软件工具（如非线性编辑软件）的编辑处理，最终合成并输出完整的动画作品文件。
四 动漫设计过程中常用的技术手段
动漫设计是以创意为基础，运用绘画手段，借助软件工具来逐步完成的一个层次性很强的设计工作，其中除了要求动漫设计师具备深厚的绘画功底之外，还需要设计师能够熟练应用专业的动漫设计与制作工具软件，并借助其中的技术手段来对动漫作品做更为生动形象的设计。随着科技的不断进步和发展，动漫设计当中所借助的技术手段越来越丰富，其中，在目前的三维动漫设计当中，应用最为有效且广泛的技术手段主要有粒子系统及动力学。其中，粒子系统能够帮助动漫设计者在动漫中实现更为逼真的视觉效果，譬如缓缓下落的水流、星系碰撞等场景；而动力学能够精确的模拟真实世界当中的某些譬如重力、风以及摩擦力等作用力的效果。
五 结语
本文针对动漫设计过程进行了探讨和分析，从动漫创意设计出发，逐步介绍并分析了动漫设计的整体流程，包括人物设计、环境渲染以及后期制作等流程，并且介绍了动漫设计环节当中经常应用的一些有效技术手段，并对其作用进行了论述。希望本文能够对于动漫设计行业的相关人士以及动漫设计的爱好者提供一些参考，为我国的动漫事业发展贡献绵薄之力。
参考文献：
【关键词】动画素描 动画教学
一、素描是绘画艺术创作的基础
素描的本质是以简单的工具进行单色描绘对象的轮廓、体积、结构、空间、光线、质感等基本造型要素的绘画方法，也是奠定动画片是否成功的硬件条件之一。现今有些学生没有意识到基础课的重要性，误以为疯狂地学习电脑动画软件可以带来意想不到的效果，殊不知真正对创作与设计起到事半功倍效果的正是动画专业素描基础。
二、动画素描与传统素描的关系
“动画素描”概念的提出来源于上世纪兴起的“设计素描”。动画素描的一点一滴都建立在普通素描的基础上，其比普通素描更加任由画者进行构思和想象，再加以设计和变形，其更多地讲究设计感或者画者表达的情感；而普通素描则着重被画物体本身、光影以及线条表现。也就是说动画素描注重表达，更具灵活性；而普通素描更着重素描特性，更加具有相对性。动画素描是以普通素描为基点，从中衍生出来的另一种素描形态，严格地从专业上来说，目前国内大部分的动画素描可以归在速写的范畴，可以说是比较精致且带有设计感的速写。
三、动画素描在影视动漫专业中的应用
无论是影视还是动漫，各个环节都要依靠素描基础，通过造型、色彩、背景、动态、绘画形式、表现技法和科技手段来实现动画画面的艺术效果。动画片与影视片同样属于一门综合的艺术，但其如果去掉其他元素，如声音、色彩、光怪陆离的视听效果等，最终还是属于视觉艺术范围。一切的审美原则，不论是结构之间的关系，还是颜色氛围，都来自于绘画。而影视片里面经常出现的推、拉、摇、移等镜头技巧被用来表现素描中的透视基本原理和构图的技巧。
作为一名动漫设计师，要有能力抓住运动中角色的姿势、体态，还应有能力捕捉到人物动作之外的精神状态。由于动态、人物的精神状态是通过人物的结构、瞬息变化的表情等表达出来，要力求概括简练，不刻意追求画面完整，尽量生动真实地展现出来。因此，动画素描要很好地理解对象和人体解剖结构及运动规律，而这些也是在动画素描基础的范畴之内。
在动画制作过程中，整个动画项目里，制作人员必须具备很强的审美能力以及基础扎实的手绘能力来驾驭动画片里的造型设计和场景设计等工作。因为它们的质量直接决定动画的质量。动画素描基础不牢固，就谈不上根据主体风格要求来完成任务。
四、动画素描训练的目的
素描是在动画设计中使设计者实现把自己的构思想法具象化，记录创意构思的重要手段。因此，在教学中应该让学生尽情地从生活和自然界感受情感，在客观世界里积累经验，从而不断提高审美意识，这样才能在平凡的生活中体会到与众不同的艺术感觉，创造出动画设计者在创作设计中独辟蹊径的艺术形象。
根据影视与动画专业方面的要求，目的一：能让学生把自己见过的、想过的动作、形象、场景运用绘画手段呈现到最简单的媒介里，而这种呈现方式是靠生活积累和主观意识相结合所产生的一种独特的艺术思维。目的二：能让学生把现实生活中的点点滴滴作为自己今后创作设计的第一手资料，即描绘与收集周边事物、动物、景物的细节，潜心观察创作中自己的喜好，挖掘自己擅长的创作内容和绘画风格。尽管动画中有很多细节都经过了艺术化的想象与夸张，但更多的灵感都来自于最平凡、最本质的生活中。
在绘画创作当中，画家（非动画创作者）可以依据自己的思想、习惯、思维方式来随意进行创作和表现，但作为一名动画设计者，由于剧本、故事题材、样式、年代风格等约束，会在创作中不同于画家，会一直不停地直面各种各样的新课题。这就要求动画专业学生能够在绘画技巧方面变成一名多面手，描绘手段层出不穷，并能博采众长。同时也要求动画专业的学生应更具备丰富的绘画潜能和专业修养及创造能力，不但对人物（包括表情、动作），还要对飞禽走兽的习惯特点、风卷残云等自然现象的运动规律有深刻、仔细的观察和研究。要肯画、爱画，才能熟能生巧，从而为将来的动画设计与创作服务。
五、动画素描训练的任务
以某电影学院教学为例，美术设计课程分为素描、速写、造型基础。其中，造型基础占更大比例，其又分为静态造型基础和动态造型基础两部分。这就说明其任务首先是要攻克造型问题，人体比例、结构、中心、转面等造型特征是需要着重掌握的，色彩、光影等暂且不论。在教学中，由于学生的学习时间有限，因此学习方法尤为重要。首先要教会学生在短时间迅速抓住形象结构本质，然后回忆、推理、想象整个环境的造型空间，加强速写训练，简单、概括、生动、真实的特点比较适合动画教学的要求。当然，速写不能图快，更要善于总结规律，能够完全把脑海里呈现的形象和空间合理地、符合客观规律地表现出来，这才是进行这一训练的真正目的。
另外，由于动画片的独特魅力以及题材和内容方面的特殊性，有的人物动作量太多、太大，不能完全照搬真人，过分追求写实；很多场景也无法依据真实场面，所以也要增强学生的创造力。在现实的基础上与动画设计结合起来，通过自己的想象赋予其真实有趣的动作过程。
结语
当前，我国动漫游戏人才或爱好者队伍的质量和数量离产业的需求还有相当大的差距，人才培养成为了极具难度的课题，而现今，动画专业的学生陷入了本末倒置的“炫技”误区。优秀的创意和想象力离不开扎实的素描基础，动画专业学生素描基本功的好坏直接影响其设计思维的培养。
