关键词：本体个性意识感性理性
钢琴演奏是音乐实践三大环节的中间环节，它是美的艺术。钢琴演奏中包含着丰富而宝贵的美学思想，本文将从钢琴演奏艺术其中的几个侧面，对其美学因素、原则作一些初步的探讨。
本体：从美学意义上看，通常认为乐音及乐音运动形式就是钢琴音乐的本体，乐谱是音乐本体的载体，而钢琴演奏是基于作品文本理解和原创理解的二度创作，因为演奏者的每一次演奏都重新创造了音乐本文（乐谱），从而也创造出了钢琴艺术的本体。
钢琴演奏对于演奏者来说是一种二度创作，而对欣赏者来说，它恰恰是一种本体的展示，并且为欣赏者提供了一个鲜活的音乐本体。展现音乐本体，就要求演奏者不断练习，不断对音乐本体进行正确的审美体验，而这种体验却是一种更高层次的完全不同于听众侧重于听觉欣赏，而是一种二度创作的、带有强烈主观色彩的精神创作体验。这便要求演奏者要赋予音乐的想象力和创造力，也只有扎根于体验和创作的钢琴艺术，才符合钢琴演奏本体的客观要求。
个性与共性：由于我们不可能对钢琴音乐作品的演奏进行绝对明确的规定，因此也会各自表现出音乐审美理解中的个性化倾向，不同的演奏者对同一作品往往会引起不同的共鸣。任何人的理解都是站在自己所处的特定立场上，把作品作为一种多层次性、多风格性的东西来理解。每位演奏家的演奏都有着不可替代性，这种不可替代的东西就是个性。个性的形成是演奏家自身不断积累的结果，是演奏家艺术独创性形成的过程，所以个性必须与众不同，具有创新精神。
与个性对立的是共性的问题，我们说共性寓于个性之中，钢琴演奏当中也同样如此，脱离了个性的共性是不存在的。共性就是所有演奏者演奏同一作品的共同基本特点。这是因为受作品本身的约束和限制，我们知道在浩瀚的钢琴艺术海洋里，蕴含着各种各样的风格作品，一位作曲家就是一种风格，一位作曲家的不同创作时期也代表了不同的风格，这些个性汇成了一种共有的风格。所以在发挥个性处理的同时，还是不能逾越基本风格的限制。例如：迄今为止，很多演奏家都灌制、演奏过贝多芬钢琴奏鸣曲全集，他们在一些细微的个性处理上都各有不同，但不论怎么变化，他们都是要表达具有“典型贝多芬”风格的总的精神特征。一句话，我们在发挥个性的同时，首先要尊重一度创作，尊重作曲家的基本创作情绪，更要发挥自身主观能动。这是因为追求独特的个性、创新风格恰恰是艺术发展的规律，也是钢琴艺术发展的生命。
存在和意识：任何物质形式，它都有一种存在方式，钢琴音乐艺术的存在方式是人的精神创造的超越性存在。
乐谱只是一种纯粹的书面物质载体，它们从听觉角度来看没有意义，只有当它们被指向、被演奏，才具有意义。所以钢琴音乐作品的真正存在表现在它被接受之中，只有当它被演奏之后，它才可能和社会意识发生关系，才能产生影响，才能转化为现实的存在，才能将作品文本从静态的符号中解放出来，将其具化为活生生的音乐。
另一方面，存在决定意识，意识是存在的反映。只有在有了钢琴音乐艺术美的存在，才可能有音乐的审美意识。审美意识作为演奏者的一种主体能力，需要演奏者不断实践，不断对钢琴演奏艺术进行探索，反复吟味；只有具备这样的审美素质和能力，才有可能真正表现钢琴演奏美的存在，只有在“那一瞬间”，我们才真正感受到了这份音乐的存在。总之，意识寓于存在之中，存在是意识的先决条件，但在钢琴演奏艺术世界里，意识的主体作用又显得尤为重要。从这个意义上讲，钢琴音乐作品并不是一种独立的存在，它是意识的一部分，只有当作品呈现在我们意识中的时候才真正存在了。
感性与理性:钢琴音乐具有感情特点，它可以唤起听众的情感反应和审美意境，而演奏者自始自终也脱离不开感性的体验。情感的能动性活动在钢琴演奏创造中是头等大事，每一位演奏者的音乐感性反应都是不一样的，都具有各自感受美、创造美的能力。
这里还要谈论一下与钢琴演奏感性相对立的、理性的存在和作用。钢琴演奏理性的突出表现首先是技术。技术是一种纯理性的产物，对于一首作品的诠释与演奏，如果没有技术或在一些环节上欠缺技术，那便根本谈不到理解作品和表现作品。理性在这里又一突出表现和作用是在钢琴演奏过程中，这里需要演奏者具备非常到位的理性把握。这首先是由钢琴的特殊构造（打击乐性质）决定的，钢琴演奏者对于改变已奏出的声音是无能为力的，演奏者总是在内心中提前听到那些将要奏响的音响，以便调整准备自己的动作。
理性固然重要，但在钢琴演奏中如果把理性绝对化、片面化，脱离感性的想象空间，那么钢琴演奏美也就失去了它自身富于表现力的美学意义了。所以我们说，钢琴演奏不单是理性的，而且也是感性的，甚至是超理性的。也只有将理性的把握和感性的表达内在而完美的融合，才能真正掌握钢琴演奏的艺术精髓。
上述四点只是对钢琴演奏艺术的几点最基本的探讨，但这也是构筑整个钢琴演奏艺术的最重要的几个部分环节。可以这样认为，钢琴演奏艺术本身就具有多侧面性、变化性、多义性，而以演奏者的内在尺度去把握钢琴演奏的本质，通过强化个性来表现共性，通过情感相联系理性，就能发现作曲家本身的创作意图与潜在的没有发掘的深刻意义，这也是被称作二度创作的钢琴演奏实践的最本质的要求和内在的含义。
参考文献：
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关键词：钢琴音色表现力演奏技巧
音色是由发音体的性质、形态以及其产生泛音数目的不同而呈现出的不同声音，即音的色彩和特征。优美的音色是音乐表演者必须持续不断追求的目标。只有演奏出优美的音色才能打动听众的心，实现音乐感人肺腑之功能。著名钢琴教育家涅高兹说“钢琴的艺术也是声音的艺术，通过弹奏音色的变化产生的音响可以表现出愤怒的狂号、疾风骤雨、雄伟悲壮、奔腾豪放、果断刚烈等强烈的情感，也可以表达低声倾诉、喃喃细语、安慰、、叹息、抽泣、甜蜜、微笑、幸福、爱情等内心的复杂情感，也可以表达空谷回声、黄昏钟声、高山流水、粼粼水波等大自然的奇观美景以及阳光、月色、云彩、微风等看得见摸不着的物体。总之，所有称之为音乐的东西都可以在钢琴上弹奏出来，而音色的变化使音乐的表现具有广阔的想象空间和表现范围。
一、钢琴独特的音色美
在辽阔的音乐世界，乐器的品种类别数以千百，但人们却对钢琴情有独钟，那是因为钢琴本身所具有的独特性能和审美价值。钢琴的气势宏大，没有哪件乐器可以与之相比。它既有辽亮辉煌的音响，又有绚丽多彩极具丰富的音色。钢琴音域广达6-7个八度，力度变化从最弱到最强，体现了大幅度、多层次音响特征，其丰富的表现力可以与一个交响乐队媲美。通过弹奏等技术处理又可以使音乐变化多彩……钢琴这种乐器在笔者的印象中是最理智的，弹奏时脑海里总是浮现各种更感性的、更具体的声音形象，包括人声和世界上所有乐器所表现出来的各种各样的色彩。因此钢琴演奏者不需要任何人的帮助，一个人就可以单独在钢琴上塑造出绝对完整的形象，创造出某种完整和完美的钢琴作品。
钢琴有它独特的音色美，有它的“自我”，无法与其他东西混淆。我们应当了解并喜爱钢琴独特的“自我”，从而彻底理解它、掌握它。音色美给人以官能上的，这种源于物理属性的生理反应，是一种初级的灵感。但从键盘上流淌出来的音乐,却蕴涵着丰富的音乐美的内涵，这种有旋律、和声、调式、调性、肢体、曲式、速度、力度等音乐表现要素交织在一起所构成的音响美，不仅给人以情绪的感染和精神的愉悦，而且还具有一定的启迪智慧、完善品格的效应。只有当你在钢琴上弹出不可能的东西时，你才能弹出钢琴上一切可能表现的东西。心理学家认为，概念、想象、愿望是可以跑在实际的东西前面的。贝多芬耳聋后创作了他听不见的钢琴音响并且预示了钢琴在数十年后的发展。作曲家的创作精神为钢琴音响探索出了新的规律，而钢琴就逐渐地适应了这些规律。
从钢琴弹奏的原理上看，钢琴是键盘乐器，是通过琴槌击弦发出声音的，因此颗粒性声音是钢琴的特色和所长。弹跳音、弹连奏就特别能显示钢琴的优势。在弹奏运指的同时，自肩起贯通至臂腕部，力量从上至下，无阻隔的传递到指间，这需要学生上部身躯各个部位能够相互协调并运用自如。尤其是臂腕部尽量放松，整体投入、上通下点、手指站立，这样所发出的音响通透亮丽，松弛而有弹性，富有光泽。在节奏旋律上有脉动感，有活力，更有清澈的颗粒性。所谓“大珠小珠落玉盘”就是钢琴效果的精妙写照。要训练好手指，使其独立、主动、灵活；使弹奏的声音清晰、流畅、均匀。这对展现出钢琴所长是关键性的步骤。
二、正确的触键方式是获得良好音色的前提
一些业余钢琴爱好者，他们有良好的钢琴演奏技能，但由于他们只知道触感是演奏艺术完美的保证，而忽略了触键方式，致使强奏时声音生硬、死板，弱奏时声音“虚”。因此在技术方面，要弹出“好听的”声音，必须具备非常灵活柔顺的双手（但不是软弱无力）和“放松的重量”，即从肩部和背部起，直到接触键盘的指尖（全部的准确性都集中在指尖）为止，整个手臂都是放松的；还必须有把握地、合理地控制这种重量，从弹疾速轻巧的音所要求的飞掠而过的触键起，到弹宏大的音量而用大力度用力弹键为止，都必须如此。
好听的声音是不同力度、各种时值声音的相互结合、相互对比、极为复杂的过程。声音练习只有在练习作品、练习音乐及其基本要素的时候才是实际有效的。而这种练习也不能和一般的技术练习分割开来。
钢琴上的音不能像别的乐器上的音那样延续，所以为了清楚地表达所演奏乐曲的音调，不但旋律线条的强弱变化，就连经过句的强弱变化也应当比别的乐器更丰富更灵活。当然，也有要求其平均的、没有强弱变化声音的地方。
根据查阅的相关国内外资料可知，为提高钢琴演奏的音色,我们可从以下几方面着手:
1.改变手指的触键部位
从用指尖触键到用指面部位触键,每一变化层次都可以产生细微的音色变化,因为手指越立起,琴键受力越直接,音色越明亮。而指面平坦会形成一种受力的缓冲,从而对音质产生影响,使声音柔润。
2.改变手指的触键高度
提高手指触键对下键的速度有重要作用,如要得到明亮的颗粒性声音,常需手指的提高。而对声音柔美的连奏则不需提高手指,要求以平稳的贴键方式触键。
3.改变手指的触键速度
缓慢的触键速度是创造柔和歌唱性声音的关键因素。一方面触键速度影响着声音的强弱,触键速度越快声音越强,反之则越弱。另一方面,触键速度还影响着声音的明暗、刚柔等。
4.改变手指第一关节或第三关节的牢度
从第一、第三关节较柔顺到较坚挺可以改变手指传力的支撑强度,也可以使音色产生变化。
5.改变指尖的坚度
从相对放松的指尖到相对牢固的指尖,每一层变化也都可以改变键盘动作速度和击弦速度,对声音的变化产生影响。
6.改变触键的用力形式
钢琴触键的用力形式一般包括:垂直方向用力和水平方向用力。像连贯柔和的连奏就需要以水平方向的用力形式触键,这种方式可以使琴键以一种缓冲的方式受力。
通过上述几条练习，掌握正确的触键方式并养成良好的弹奏习惯，就可以减少肌肉的动作，轻松自如的演奏出正确美妙的声音。
三、良好的音色的获得与踏板的运用有直接的关系
世界著名的钢琴大师安东·鲁宾什坦有一句名言：“踏板是钢琴的灵魂”。它为丰富钢琴的演奏音色与和声起到了非凡的作用。在钢琴音乐中，踏板虽然不是作为单独的技术而存在，但是它是作为对音响与音色的最高境界的追求而存在的。不论是水平粗浅的初学者，还是蜚声海内的钢琴大家，在演奏中无一不会不使用到踏板，所以演奏者演奏时应正确运用踏板，力图去感受和声，这样才能弹奏出好的效果来，使音乐达到最完美的境界。踏板是具有魔法般的调色板，触键的好帮手，踏板的用法是综合性，并是多种多样的，但也是非常有个性的，要根据演奏的变化而变化，自成风格，并没有相同的用法。即使是同一个人的演奏，每一遍都会略有不同，要根据音乐的表现，用严格的、敏锐的听觉确定踏板的运用。当然踏板的运用还会受作品艺术风格的影响，不同音乐时期、不同风格、不同作曲家使用踏板的要求都是不同的，弹奏巴洛克时期和古典音乐时期的作品时，踏板要少用些，而演奏浪漫派以后的作品时，踏板可适当的多用些；同一个和弦，在低音区踩得要少些，在高音区踩得要多些；琶音上行可多踩些踏板，下行时稍微要少踩些；还用就是在练习曲中可少用或不用，以保证每个音的清晰……根据演奏场地的音响条件也要调整踏板的运用；不同品牌的钢琴性能不同，踏板的运用也会不同；要随着演奏者演奏瞬间情绪的变化而变化踏板的用法。延音踏板可以产生连贯浓厚的声音；弱音踏板则可创造出朦胧、纤细的效果；而踏板踩动的深度对音色也会产生不同的音响；抖动踏板又可获得洪亮且不混浊的强奏音色。当然这一切都必须以“倾听我们的演奏为前提”，它是“使用踏板的坚固基石”。
综上所述，对演奏实践进行理论性研究，阐述理论性原则，应该说比弹奏容易得多；掌握演奏技巧，用每一项技术手段创造丰富的钢琴音色变化却不是一件容易的事。在当今日新月异、高速发展的高科技时代，钢琴演奏技术也不断地向更高层次发展。在钢琴演奏中，要获得优美的音色除了掌握基本原则和方法以外，还要了解不同时期、不同作曲家作品的不同音色及触键要求等原理，在掌握一定钢琴演奏的技术手段外，还要根据对音乐的理解和音响效果的需要，灵活地运用踏板，不断练习，不断琢磨，才能创造出变化无穷、气象万千、令人心醉神迷的艺术世界。
参考文献：
优秀的钢琴作品蕴含着动人的情感，演奏者对作品的演绎过程就是进行二度创作的过程，其中所蕴含的情感也会随着音乐内容发生变化，因而人体也会发生一系列的生理变化，当然钢琴演奏者的情感发生变化，必定会影响到呼吸的形态。在钢琴演奏的实践过程中，演奏者运用的呼吸节奏、情感表现与作品所诠释的内容一致时，听众所欣赏到的乐曲音响效果是趋于完美的，因此在高校钢琴音乐教学的过程中要注重对学生演奏呼吸的调控，培养学生在演奏时的呼吸调整意识，尽量在教学的过程中使得学生更好地把作品情感与呼吸融为一体。在授课或者实践的过程中，当学生的情绪低落时，呼吸就会加深加快，直接影响演奏的效果；还有当演奏的音乐作品出现比较惊惧的乐段时，会让演奏者紧张，从而使得演奏呼吸中断，所以在平时的练习过程中就要注意呼吸经验的积累。比如在演奏莫扎特的音乐作品时，教师要不断地强调音乐作品中情绪、情感与呼吸状态的关系，甚至两个音的小连线的语气都必须表达出来，让学生在演奏的过程中深刻地体会到莫扎特作品的细腻性。有时可以让学生在作品的谱面上做定性符号，固定其演奏的速度、力度等细节因素，使其更加灵活地对音乐作品的情绪与情感多做出正确的处理。
二、钢琴演奏呼吸与乐句划分的关系
许多优秀的钢琴音乐作品，会有十分丰富的情感蕴含其中，当然所要表现的内容也并非单一，在交错复杂的情感交织中呈现出不同的内容，所以在演奏这些音乐作品时，要不断地深层次地分析和体验音乐作品的深层内涵，在挖掘音乐作品内涵的过程中提升演奏水平。在演奏作品前要做―系列的准备，我们要对音乐作品的风格进行分析，对时代背景、创作特点、表现内容、思想意蕴进行全方位的把握，然后对谱面进行乐句、乐段的划分，根据音乐的特点及其情绪的变化进一步对演奏的呼吸作出调整，要准确地把握呼吸的缓促、强弱，通过正确的呼吸去带动演奏的情绪，在呼吸变化的过程中进行二度创作，更加准确地反映音乐作品蕴含的深层内蕴。在高校钢琴音乐教学的过程中，学生的演奏大部分是以自然乐句为气口，或者在演奏中无意识地随意呼吸，这样就使得演奏的音乐作品缺乏生命力，当然也就不能够对音乐作品进行演奏呼吸的二度创作了，所以教师应该注重学生呼吸方法的掌握，教会学生用心地进行演奏呼吸的二度创作，使得演奏的音乐作品与乐曲所体现的内容吻合。学生要用心体会，要让自己的演奏呼吸变化与音乐作品乐句的情绪相匹配，教师在学生的演奏过程中要强调乐句末、乐段结束和音乐进行中的呼吸。从学生演奏时的弹奏发音的方法、演奏时发出的声音到配合呼吸的形体动作等等，都要充分表达音乐作品的内容、情绪、情感，尽可能地做到演奏者的呼吸与听众的呼吸协调在一起，让呼吸的静态起到“无声胜有声”的作用。
三、钢琴演奏呼吸与演奏速度的关系
【关键词】心理因素；艺术调节；钢琴演奏
中图分类号：J624.1 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）05-0102-01
演奏者较强的心理调控能力和娴熟的钢琴演奏技术，是达到良好的钢琴演奏效果的前提。如何在演奏过程中保持稳定的心理状态，运用视觉、听觉和触觉，对情感进行完整表达，使演奏水平达到最佳？这是每一位钢琴演奏者需要认真思考的问题。
一、心理因素对钢琴演奏的影响
（一）钢琴演奏的关键是保持良好的心态。要想使钢琴演奏顺利完成，既需要演奏者具有高超的演奏水平，同时，还要具备良好的心态。如果在演奏过程中，演奏者没有保持适度的情绪，或是情绪烦躁，则不能充分发挥自身的演奏水平。由此可见，钢琴演奏的关键，是演奏者拥有良好的心态。
（二）激发演奏者二度创作的是良好的心理因素。一个高水平的演奏者，不仅要深刻理解曲目所蕴含的思想，还要对曲目的基本指法熟练掌握，同时还应具有创新意识，能根据自身的理解，做好音乐作品的二度创作。独特的演奏风格，是一名优秀的钢琴演奏者必须具备的条件，能为观众留下深刻的印象。作为钢琴演奏者，应具有良好的心理素质，能有效调节自己的心态，这样才能对钢琴曲目进行全新演绎。
二、钢琴演奏心理素质的艺术调节策略
长时间坚持不懈的练习，是演奏者获取高水平演奏技艺的必备条件。而良好的心理素质的获得，也需要经过长期的培养和调节。本文从以下几个方面，探讨了培养钢琴演奏者良好心理素质的策略。
（一）具备过硬的演奏技艺和扎实的理论知识。一个出色的钢琴演奏者，手指、手臂与脚之间能密切配合，具备有效协调能力，不仅理论知识扎实，同时演奏技艺过硬。钢琴演奏成功的基础，是对钢琴演奏技艺的熟练掌握。只有演奏者具备过硬的演奏水平，在演奏过程中才能以平和的心态，充分展现自身的演奏技艺。同时，演奏者还要对难点段落以及每一个技巧、音色进行认真练习。
（二）能够熟练掌握所要演奏的曲目。通常情况下，钢琴曲目能展现时代和地域特点，类型广泛。对钢琴曲目的准确把握，是演奏成功的关键。首先，钢琴演奏者应充分了解所要演奏曲目的风格，将曲目的每一个段落记熟。和平时的练习相比，现场演奏气氛比较紧张，如果演奏者心理素质不强，会经常发生忘记演奏章节的情况。演奏者只有熟练掌握了钢琴曲目，才能有相对轻松的心态。
（三）对演奏过程中的心理状态进行适时调节。若要对钢琴演奏曲目进行完美表达，需要钢琴演奏者将自身多个器官有效调动起来，同时配合密切。钢琴演奏的关键，就是演奏者要保持良好的心理状态。如果在演奏过程中，演奏者情绪出现波动，则一定会影响到整体的协调性。为了避免出现这种状况，演奏者应对乐曲的美感和意义深入体会，在演出过程中，注意力集中，尽量消除紧张感。同时还需要做好心理保养，稳定情绪，进而有效调节和控制大脑及身体的各个部位。
有机会和条件的演奏者，应尽可能熟悉演奏厅的情况，认真对待每一场演出。对自身的演奏结果不要过于看重，以免干扰心态，不能发挥出真实的演奏水平。
（四）注重在平时积累舞台演奏经验。良好的钢琴演奏心理素质，需要经过长期的培养和调节。演奏者通过具体的钢琴演奏活动，体现其艺术实践。钢琴演奏者提高心理素质的必要条件，是具备丰富的表演经验。在钢琴曲目的表现力上，具有丰富表演经验的演奏者能更好地发挥水平。因此，培养演奏者良好的心理素质、提高演奏者演奏水平的不可或缺的途径，就是增强艺术实践。所以，钢琴演奏者在平时要重视舞台表演经验的积累，不断提高自身的心理调节能力。
此外，合理的训练方法，是提高演奏水平的关键。演奏者要合理制定训练计划，使技艺发挥到极致。
三、结语
演奏者拥有良好的心理因素，是钢琴演奏取得成功的关键。每一位钢琴演奏者应在平时注重对演奏心理进行剖析，通过调节，使心理自控能力逐渐提升，避免在钢琴演奏过程中出现各种差错。同时，演奏者还要对各种有效的训练方法进行积累和探索，尽可能地消除影响钢琴演奏效果的心理因素，遵循科学规律进行自我心理调节，逐步提高钢琴演奏水平。
参考文献：
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[2]蒲熠.试析李斯特第二波兰舞曲之演奏技法[J].大众文艺，2015（4）.
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【关键词】钢琴伴奏；声乐演唱；探讨与分析
中图分类号：J624.1 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）04-0110-01
一、钢琴伴奏的概念
音乐，能够陶冶情操，在音乐的熏陶下，人们能够获得不一样的快乐。声乐伴奏在音乐中是非常重要的，而钢琴伴奏在声乐伴奏占有十分重要的地位。钢琴具有对一无二的音乐表现力，在伴奏时能够单独使用。作为中国人，我们熟悉的钢琴大师郎朗，他在春晚上的精彩绝伦的钢琴弹奏，吸引了无数观众的掌声，仅仅使用一台钢琴就能够弹奏出优美的乐章。钢琴历史悠久，在文艺复兴时期，人们就用钢琴进行伴奏，人们熟知的《圣母颂》，其中就有很多的低音部分使用钢琴进行伴奏，从而创造出了既简单又优美的音乐篇章。钢琴的存在，是巴洛克时期人们进行音乐创作的基础。钢琴不仅仅是伴奏乐器，也是一门独立的艺术学科，人们对钢琴的研究，以及对钢琴艺术的探讨贯穿于整个人类艺术发展的历史中，通过钢琴独奏，能够完美表达出创作者的内心思想，在聆听者的内心深处深深地留下烙印。
二、钢琴伴奏对于声乐演唱者的引导作用
声乐演唱中音准是非常重要的，它是声乐演唱是否成功的关键，而钢琴伴奏所起到的作用就是在演唱者对乐谱进行演唱时，能够对演唱者的音准进行调节，使得演唱者的音准能够准确地表达出乐谱创作者的情感。而且由于钢琴所具有的特点，能够对节奏和演唱的节拍进行保证。每一个声乐作品的风格和演唱节奏，可以在钢琴的调节下，将速度、幅度保持在一个有序的节奏上，保证了演唱者避免出现节奏不稳的问题，让声乐演唱者按照节奏，完整地进行作品的演唱。
三、钢琴伴奏在声乐演唱艺术中所起到的重要作用
进行声乐演唱表演时，钢琴能够起到非常关键的作用。声乐演唱的开始，由钢琴演奏进行整场情绪的引导，让收听者在钢琴音乐的引导下，进入声乐演唱艺术的氛围中，然后演唱者再进行演唱。每一场声乐演唱中，都会有各种氛围的切换，引导、平淡、高潮、低落、结尾等。这些节奏中，有快有慢，有张有弛，钢琴伴奏则能够在其中起到引导、烘托的作用。其中情绪的转变，是声乐演唱关键的部分，而钢琴伴奏则能够引导情绪的变化。演唱者演唱结束后，以钢琴伴奏的方式结尾，能够完美地表达整场声乐演唱的思想感情。这是钢琴伴奏在声乐演唱的框架中所起到的支撑作用。而音乐情绪的表达，也离不开钢琴伴奏，钢琴伴奏能够将演唱者与艺术作品完美地结合在一起，让人与音乐完美地融为一体。在钢琴伴奏的衬托下，烘托出声乐演唱者优美的嗓音，让演唱者跟随钢琴的节奏，在钢琴伴奏下演唱出令人喜欢的声乐艺术。
四、钢琴伴奏在声乐演唱艺术中的应变作用
钢琴伴奏是由钢琴弹奏者在声乐演唱中，根据实时情况进行节奏的带动，与常见的音乐伴奏不同，钢琴伴奏具有一定的主动性。伴奏时，能够与演唱者进行配合，对节奏和速度有一定的控制作用，当声乐演唱者由于个人原因出现小瑕疵时，钢琴伴奏能够实时地改变音调，对声乐演唱者进行提醒。钢琴伴奏对突发状况的调节作用，在声乐演唱艺术中起到了十分关键的作用。举一个简单的例子，在进行声乐演唱时，演唱者可能会由于紧张或者身体不适，在一些节点上出现忘谱的情况，这时钢琴伴奏者则通过乐谱弹奏，对演唱者起到一个引导的作用。同时钢琴伴奏还能够对演唱者起到激励的作用，使演唱者能够在短时间内进入状态，不仅仅是完成演唱，而且能够充分地进行感情的表达，感染每一位聆听者，充分发挥出音乐艺术的魅力。
五、结语
钢琴伴奏与演唱者完美结合，使得声乐演唱艺术充满了色彩。本文对钢琴伴奏概念进行了介绍，着重阐述了钢琴伴奏在声乐演唱表演中对演唱者起到的重要作用，并对钢琴伴奏在声乐演唱艺术中所起到的重要作用进行了分析。作为声乐演唱伴奏中最重要的一部分，钢琴伴奏让声乐表演变得更加完整。目前，由于钢琴伴奏的重要作用，钢琴伴奏已经成为一门独立的艺术学科。对钢琴演奏进行研究与创新，并且与声乐演唱相结合，让钢琴的美与人声的美融合在一起，不仅能够完整表达出乐谱创作者的思想，更能够引起听的关注，使听众在具有魅力的音乐中，获得心灵上的享受。
参考文献：
[1]刘华军.浅谈钢琴伴奏在声乐演唱中的重要性[J].音乐论坛，2012，（10）：77-78.
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【关键词】浪漫主义时期；钢琴演奏；技法；演进
中图分类号：J624.1 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）05-0107-01
钢琴从诞生到现在已经过去了近三个世纪的时间，在其发展初期，钢琴这种键盘乐器并不受重视。[1]浪漫主义时期的思潮慢慢影响了欧洲文艺界，也进一步渗透到音乐艺术中，这种注重个人思想感情的新风潮让老式键盘乐器渐渐退出，钢琴凭借它优秀的表现力，在18世纪成为主流键盘乐器。经过一个世纪的发展演变，大量钢琴大师的出现将钢琴发展推向高潮。韦伯、门德尔松、舒伯特、舒曼等浪漫主义时期的音乐家继承了古典主义的基础，通过结合同时期的文化作品，在演奏技法上发生了改变。[2]
一、浪漫主义时期之前的钢琴演奏技法分析
在浪漫主义时期之前，主流键盘乐器以管风琴，楔槌键琴、羽管键琴为主，其中，管风琴是键盘乐器的始祖。[3]管风琴初期担任着乐队低音部分的演奏，其演奏速度慢，技巧简单，容易掌握。巴洛克时期的巴赫、亨德尔、斯卡拉蒂等音乐巨擘创作了大量的键盘乐器作品，其中大部分作品不仅可以通过管风琴演奏，也可以在其他键盘乐器上演奏，这为钢琴演奏技法的演变和革新打下了基础。
在钢琴诞生初期，其演奏技巧来源于其他主流键盘乐器，但其琴键与其他主流键盘乐器不同，比较沉重，演奏时间过长容易让演奏者手腕和手指感到疲劳，于是，人们尝试用抬高手指或垫高椅子等方法来解决这个问题，使钢琴通过前臂发力的演奏原则得到了发展。但是古钢琴的音色并不好听，直到18世纪80年代后期，钢琴的音色才逐渐发展成熟。
二、浪漫主义时期的钢琴演奏技法分析
（一）浪漫主义时期钢琴材质、音域的演变
经过一个世纪的演变，浪漫主义时期的钢琴与早期的钢琴相比，发生了极大的改变。这一时期的钢琴基本样式已经得到统一，主要形式以斯托达特在16世纪70年代末发明的三角钢琴和梅拉在16世纪30年代末发明的立式钢琴为主。在演奏技法上继承了楔槌键琴、羽管键琴的演奏技法，在材质和音域上也都发生了重大改变，如楔槌键琴、羽管键琴的材质以织物和木材为主，而钢琴加入了黄铜、皮革、毛毡等材料；击弦机构改为连动装置，音域上由楔槌键琴、羽管键琴的21/2八度、51/2八度改为51/2―7八度或6―7八度。
（二）浪漫主义时期音乐作品创作
在音乐作品上，浪漫主义时期的钢琴演奏更注重个人思想感情的表达，反对保守，崇尚英雄主义，情感表达夸张，想象力丰富。这样的浪漫思潮为音乐创作提供了完美的环境和氛围，让原本只为宫廷和典礼创作的作曲者解放了思想，借鉴丰富多彩的文学作品创作出更加丰富的音乐作品。这一时期的钢琴曲作者为了表达更加丰富的感情，不断挖掘新的钢琴演奏技法，进一步促进了浪漫主义时期钢琴演奏技法的进步和发展。
（三）浪漫主义时期钢琴演奏技法音乐性的改进
从浪漫主义时期钢琴演奏技法音乐性来看，它在许多方面都产生了变化。就颤音的表达来看，楔槌键琴、羽管键琴和现代钢琴三者在技术上没有太大变化，都是使用双手手指交替来回按键。但是到了浪漫主义时期，因曲作者借鉴了丰富的文学作品，创作出丰富的音乐作品，为了表达更加丰富的感情，在钢琴演奏中开始将颤音音程范围扩大，由二度变成了三度到八度。
原本在钢琴演奏中使用颤音，是为了突出音乐的华丽感或表达欢快的气氛，但是，这种情况到了浪漫主义时期就发生了变化，颤音的使用开始拓展到了低音区部分，例如舒伯特《奏鸣曲》D960第一乐章中的第1―11小节（如图1），右手旋律中的低音区颤音与作品本身产生了反差。
三、结语
随着浪漫主义时期注重个人思想感情新风潮的诞生，老式的键盘乐器已不能满足听众的需求，钢琴凭借其秀的表现力，在18世纪成为主流键盘乐器。本文首先对浪漫主义时期之前的钢琴演奏技法进行了分析，认为巴洛克时期的巴赫、亨德尔、斯卡拉蒂等音乐巨擘创作的大量作品推动了浪漫主义时期钢琴演奏技法的发展。其次通过对浪漫主义时期钢琴演奏技法的分析，介绍了这一时期钢琴在材质、音域，以及作品创作、演奏技法音乐性方面的改进。
参考文献：
[1]吉海燕.谈钢琴演奏艺术的文化意蕴[J].音乐时空（理论版），2015，（15）：91.
[2]叶茵.论外国钢琴练习曲的生命力[D].厦门大学，2009.
[3]陈燕.论巴赫键盘作品装饰音的演奏[D].东北师范大学，2015.
【关键词】钢琴演奏心理；培养方式；意义；途径
中D分类号：G42 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）08-0221-01
在进行钢琴演奏的过程中，演奏者除了具备娴熟的演奏技巧和演奏能力之外，还要学会控制心态与情绪，避免因心情紧张而影响钢琴演奏的整体效果。对此，在进行钢琴教学的过程中，教师要加强学生心理训练，培养和提高学生正确的演奏心理，以从容淡定的态度进行钢琴演奏，进而达到钢琴演奏的最佳效果，实现钢琴教学的最终目的。所以，探究钢琴演奏心理的培养方式与意义具有非常重要的现实意义。
一、钢琴演奏心理的培养意义
在钢琴演奏过程中，为了达到最佳演奏效果，演奏者要将平时练习和掌握的演奏技巧充分发挥出来。在此过程中，演奏者具有情感控制、动机记忆以及欲望想象等心理活动，而演奏者的心理状态直接关系到演奏技巧的发挥和演奏效果的呈现。钢琴作为具有音乐魅力的乐器之一，其演奏效果可以与交响乐队相比较，但是在实际演奏过程中，无论平时练得多么熟练，演奏水平始终得不到发挥，进而影响钢琴演奏效果。造成这种现象的主要原因是演奏者存在心理问题，心理素质水平是决定钢琴演奏效果的关键因素。对此，在进行钢琴教学的过程中，教师要重视学生心理素养的提升，不断完善和优化钢琴演奏心理培养体系。从这一层面上看，钢琴演奏心理的培训和锻炼对钢琴演奏整体效果的呈现具有非常重要的意义。
二、钢琴演奏心理的培养方式
（一）培养坚定意志。意志主要对人的意识起到能动作用，是为了达到某种目的而产生的心理状态。对于钢琴演奏者而言，面对观众与评判，强烈的意志力可以鼓励和引导其进行专心演奏，进而保证钢琴演奏效果。对此，钢琴演奏者要培养和提升自身的坚定意志，正确认识自我，了解自己的真实水平和演奏能力，事先对演奏效果进行预期评判，做好充分的心理准备，控制好情感与情绪，通过顽强的意志力克服心理问题，进而为钢琴演奏打下坚实的心理基础。
（二）强化心理训练。心理训练即指利用理性态度进行弹琴想象，在演奏者脑海中重复钢琴弹奏的情景。也就是说，针对钢琴演奏者而言，心理训练属于一种想象练习，打破实践中的时间与空间限制，不会对钢琴演奏者形成疲劳感，在提高钢琴演奏者弹奏技巧的基础上，帮助其对身心进行有效调整，并将注意力转移到弹奏技术与作品理解方面，消除钢琴演奏者的心理障碍，进而达到钢琴演奏心理的培养目的。
（三）强化注意力训练。在钢琴演奏者登台表演的过程中，很容易受外界环境的影响，从而造成注意力无法集中的情况，对此，在日常训练的过程中，钢琴演奏者要重视对注意力的训练，在演奏时身心保持放松状态，将全部精力和思想落实在乐曲上，提高对乐曲的熟练程度和运用能力，进而控制注意力。除此之外，教师要对演奏者进行抗干扰训练，在同学们面前进行演奏表演，模仿现场，应对现场突发状况，培养和提高自身应变能力，进而实现对钢琴演奏者注意力的控制。
（四）锻炼心理承受能力。在进行钢琴演奏训练时，教师要加强与学生之间的沟通，避免自我封闭的情况发生，在实际教学过程中，教师要给予学生足够的关心与关注，尽量在学生演奏时发挥监督和引导的作用，做学生忠实的观众，同时也让学生逐渐适应钢琴弹奏过程。但在此过程中，教师要控制好尺度，避免学生对教师过于依赖，及时发现练琴过程中出现的问题，并沟通解决。在解决完问题后学生要学会独立思考，明确自身优势和缺失，并进行自我优化和自我完善，选择合适的演奏曲目，形成自身的演奏特色，提高钢琴演奏能力。
另外，除了师生间的沟通之外，教师要强化学生之间的沟通，定期组织钢琴弹奏活动和交流会，促进学生间的沟通，取长补短，相互学习和帮助，发现自身的缺点，促进自我完善。
三、结语
本文对钢琴演奏心理的培养方式与意义进行了阐述，在分析钢琴演奏心理培养意义的基础上，提出了培养坚定意志、强化心理训练、强化注意力训练以及锻炼心理承受能力等有效措施，不断完善和优化钢琴演奏心理培养体系，进而实现钢琴演奏者心理素养的提升。
参考文献：
[1]李梅.融会和整合――浅谈心理研究与钢琴演奏的关系[J].南京艺术学院学报（音乐与表演版），2015，（01）：100-102.
[2]蒲熠.浅谈钢琴演奏在舞台实践中的心理操控[J].黄河之声，2016，（19）：85-86.
[3]刘青.论钢琴演奏者的演奏准备及舞台演奏中的心理素质问题[D].西安音乐学院，2016.
关键词： 钢琴 即兴 伴奏 意义 有谱 无谱
钢琴即兴伴奏是钢琴伴奏中的一种重要而又特殊的形式，也是钢琴演奏艺术必不可少的技艺。研究钢琴即兴伴奏的意义与特点、方法，不仅有助于钢琴即兴伴奏本身的提升，而且有助于钢琴艺术水准的提升。为此，本文结合笔者个人多年来钢琴演奏与钢琴教学的具体实践与理性思考，专门就钢琴即兴伴奏这一重要艺术课题发表几点拙见，以与广大钢琴人共同切磋，共同讨论。
具体而言，钢琴即兴伴奏可以分解为以下三大层面予以解读。
一、钢琴即兴伴奏的重要意义
钢琴即兴伴奏在整个钢琴艺术中，具有重要意义，因此历来被古今中外的许多钢琴家和钢琴教育家所看重，无论是在理论研究上，还是在伴奏实践上，都积累了十分丰富而又宝贵的艺术经验。仅在中国，就出版了许多关于钢琴即兴伴奏的理论专著，其中主要有：刘聪、韩冬著的《钢琴即兴伴奏教程》，葛世杰著的《钢琴即兴伴奏简明教程》，孙维权、巢志钰著的《钢琴即兴伴奏指南》，冯德刚编著的《歌曲钢琴即兴伴奏》，高天康著的《实用钢琴即兴伴奏配器法》等等。
所谓“即兴伴奏”，要点在“即兴”二字，指的是事先未经准备与练习、排练，而临时根据需要所进行的钢琴伴奏，既可以为声乐（独唱、重唱、合唱等）即兴伴奏，也可以为各种器乐（独奏、重奏、合奏、协奏等）即兴伴奏。
从本质上考量，钢琴即兴伴奏是“知识转化为能力、应试转化为素质的桥梁，也是演奏转化为编创的桥梁。而从钢琴演奏本身而论，它又是练奏和一般伴奏转化为演奏的桥梁。”①
由此可见，钢琴即兴伴奏的重要意义，是不可争议的。
二、有谱即兴伴奏
有谱即兴伴奏是钢琴即兴伴奏之一种，它指的是临时把乐谱交给钢琴伴奏者，并无练奏时间，有的时候因为时间很紧，甚至连视奏时间也没有，即一次性地即兴伴奏。
有谱即兴伴奏要求钢琴伴奏者必须具备过硬的视奏能力与全面的演奏技巧，并具备全面的音乐表现能力与音乐创造能力。其中主要是音乐形象的塑能力、音乐情感的表现能力、音乐风格的展现能力等等。
与此同时，有谱即兴伴奏还要求钢琴伴奏者必须具备随机应变能力与临场发挥能力。必须把眼中的乐谱迅速准确地化为心中的乐谱，再由心中的乐谱化为手中的乐曲，即做到眼、心、手、耳四位一体，同步运用。既要“眼观六路”、“耳听八方”，又要“心游万仞”、“神驰千里”，把乐谱的调性、旋律、节奏、和声、织体、速度、力度、节拍、表情等各要素通过伴奏具体、全面、精准地表现出来。
尤须注意的是，要与被伴奏者和谐一致，强化一个“伴”字，为被伴奏者起到烘托，陪衬、助推作用，而不能喧宾夺主。
三、无谱即兴伴奏
无谱即兴伴奏是钢琴即兴伴奏的另一种，它更难，要求也更高。
无谱即兴伴奏，顾名思义，指的是没有乐谱所进行的钢琴即兴伴奏。很显然，这种无谱即兴伴奏不仅要求钢琴伴奏者必须具备过硬的钢琴演奏的技术技巧和全面的音乐表现能力与音乐创造能力，而且要具备一定的作曲能力与配器能力，并把这两种能力与现场伴奏能力相结合，完美地为被伴奏者服务。
要做到这一点，要从两方面入手：
一个方面是要有大量的乐谱积累，头脑中要有一个古今中外钢琴名曲的“数据库”，而且要背得滚瓜烂熟。这样，当临时即兴伴奏正好是自己所熟知的曲目时，便可以立刻“调出”，达到“胸有成竹”、“有备无患”的效果，使无谱即兴伴奏变为有谱即兴伴奏。正因为如此，古今中外的许多钢琴家，都是背谱高手。
另一个方面，要多做无谱即兴伴奏的模拟训练，就像戏剧演员进行小品训练一样，练得多了，能力自然就增强了，达到“熟能生巧”的效果。
总而言之，钢琴即兴伴奏也是一种重要的演奏形式，古今中外许多钢琴家，在走向独奏之前，都是即兴伴奏的名家，许多钢琴即兴伴奏曲，至今仍是流传世界的钢琴名曲。
参考文献：
