发布时间：2023-08-16 17:13:30
序言：写作是分享个人见解和探索未知领域的桥梁，我们为您精选了8篇的艺术审美的特点样本，期待这些样本能够为您提供丰富的参考和启发，请尽情阅读。
关键词:大地艺术;时空;静观;游;融合
中图分类号:J01文献标识码:A 文章编号:1005-5312(2010)05-0023-02
大地艺术的美学特色在许多都市趣味的后现代艺术中独树一帜,与西方传统艺术、现代艺术也有诸多不同。在现在这个生态危机加重、人与自然疏离的年代,大地艺术的艺术取向和审美趣味是很有现实意义的。本文主要从观众欣赏的角度对大地艺术的生态审美特点进行分析。
一、从有限时空到无限时空
大地艺术与纪念碑建筑、室外雕塑这些室外艺术作品有本质上的不同,用大地艺术的代表人物罗伯特・史密森的话来概括其特点最恰当不过:“大地艺术不是把艺术放入某处实地,而是把某处实地放入艺术。”
大地艺术一般都位于人迹罕至的自然大地,如沙漠、荒野、高山、岛屿等,人们在欣赏大地艺术的作品时,不得不走出狭隘的画室、展览馆,从而放弃人为环境中的小尺度,把对待艺术的欣赏心态从一个有限的空间推向一个无限的空间。
大地艺术所处的自然环境,使它不会受到场所的限制,有的作品为了追求一种与自然大地的壮阔美感相匹配的美学风格,更是大到了令人惊叹的程度。
面对大地艺术的磅礴气势,人会不自觉的产生一种被大地艺术作品所倾轧、所压倒的感觉,“心情不只是被吸引着,同时又不断地反复地被拒绝着……不只是含着积极的快乐,更多的是惊叹和崇敬”, 即康德所说的崇高感。
同时,大地艺术强调艺术的“瞬时性”。时间维度的介入颠覆了艺术原有的静态思维。比如奥本海姆的作品《取消的收成》,在一大片麦田中犁出一个极大的Χ型。随着麦子的生长成熟,Χ型的颜色由青变黄的变化并慢慢消散。有的作品看起来是静态不动的,但都无一例外地参与到自然界的大循环中,长的可以维持几年、几个月,短的不过几天、几个小时。曾经给予人们美好感受的螺旋型防波堤现在因为湖水的上涨,已经静悄悄地躺在了碧绿的湖水下面,成为关于时间与变化的诤言。
大地艺术把大地上生命体的成长,无生命物的腐变、风化、瓦解等自然过程纳入艺术的范畴,以艺术的方式使人们直面对时间的思考。人们对大地艺术的欣赏体验过程,也就是对匆匆奔流的时间的体验过程。人以局限的、渺小的、有死的人的尺度与浩瀚、博大、无垠的天地的尺度面对面,早已超越了对艺术美感的感知与触动,升腾而起的是人生在世独自面对宇宙洪荒的存在体验。
二、从静观到游观
大地艺术中,特别强调欣赏者的“场所感”。由于大地艺术作品尺码巨大,往往可以走进作品当中。人在游走过程中,采取的是“散点透视”的方法,视点不断变换,感受焦点不断激活。比如霍尔特的作品《太阳隧道》,由四个水平着相对放置的巨型混凝土圆柱隧道构成, 隧道壁上钻出星座图样的小洞。至日时,人们可以在作品外部正对着太阳起落的圆柱开口感受到太阳升起和落下的巨大力量,也可以走进隧道中,追逐洞孔洒落的斑斑点点的阳光。
在大地艺术中,人们超越了在审美静观中只用眼睛观看的单一感受渠道,全方位、多感官并用地感受作品。他们不仅用眼睛去看,还用耳朵去听,用鼻子去嗅,用手指去摸,用身体去触,用整个的心灵去感受。人在大地艺术作品中的审美经验超越了传统艺术“静观”中对艺术家的表现手法、技巧、作品逼真程度等形式因素的关注,而进入一个更加宏大、更加深远的境界――“游”。
庄子在《逍遥游》中对“游”表述:“若夫乘天地之正,而御六气之辩,以游无穷者,彼且恶乎待哉!” “游”的精神实质,是没有任何外在目的、随心所欲、自由奔放的精神游历。正是在这样的精神的高度自由感中,人们获得一种至美至乐的审美体验和生命体验,也就是康德美学所揭示的审美的自由本质。
同时,“游”还是一个本真的人与自然万物交融相通的生命体验过程。在大地艺术中,人抛开社会历史赋予他的一切重负,回复为一个简单快适的生命体。这时,不管是动物,植物,还是荒漠海洋,潮汐云雨,都被他视为会倾听、可倾述的生命伙伴。大地艺术的欣赏过程,就是人作为自然生命的一员与其他自然生命平等交流的对话过程,是以人的整个生命去感悟、体慰其他生命的过程,是人与大地嬉闹游戏的过程。席勒指出:“只有当人在充分意义上是人的时候,他才游戏;只有当人游戏的时候,他才是完整的人。” 意识到自己是自然之子,大地之子,人才能重拾天性中所有敏感,细腻的感性力量和洞察力,成为一个游戏中的完整的人。他不再是天地间一个孤单、偶然的生命分子,而汇入到自然生命的洪流中去分享幸福。
三、从艺术生活两分到融合的诗意栖居
“为画廊制造”是坚守艺术自律性的现代艺术的特点。艺术上的自律性与西方现代美学上的“审美现代性” ―即美学的自律是一致的。实用主义美学家杜威尖锐批评西方现代美学将审美和艺术从日常生活中孤立出来的主张。他反对把艺术移交给一个独立的领域――博物馆、剧院、音乐厅等,并将这种把艺术与真实生活严格区分的审美意识形容为“具有讽刺意义的错乱”,主张将艺术与生活联系起来,恢复审美经验同生活正常过程之间的连续性。
大地艺术摆脱了博物馆、画廊等场所对艺术的“框架束缚”,把艺术发生的场所直接放入人们生存其中、生活其上的自然大地。在大地艺术这个艺术与生活交融同构的同一时空中,人门对大地艺术的欣赏和体验也成为对自己的生活空间的全新体验。大地艺术以对自然稍加改造、润饰的方式呈现自然大地。欣赏者眼中的大地,既是原来的大地,又是“陌生化了”的大地。原本平淡无奇,熟视无睹的大地焕发出一种神奇、灵性的色彩。面对重新焕发魔力的大地,人们不由自主地会产生一种震惊的体验,并产生一种想投身其中、与之契合的审美感受。
海德格尔把这种震惊的经验称为“惊异”,“惊异是存在者的存在在其中敞开和为之而敞开的心境”,正是“在惊异中,最平常的事物本身变成最不平常的”。 人们日常生活中,往往采取主客的关系看待事物,把事物看成是对立于自己之外的客体,只有在“人与存在契合”的时候,事物才从平常被人的意识人为分割的东西,变成一种新奇的东西被带入存在者的整体。这种新奇的状态其实是事物的本然状态,而这种震惊的体验也是人们人生在世的原初体验。
本来,人们都有这种看待世界的本然目光。可是,在现代社会中,作为碎片式的、无所归依的“单面人”,人在失去丰富感受性的时候,也失去了看待世界的本然目光。大地艺术唤起的正是这种纯净的本然目光。拥有这种本然目光的人同时获得一颗远离俗世污染的赤子之心。用这样的本然目光和赤子之心去看、去经历我们生活其上的自然大地,就会发现艺术与生活本来就是一致交融的,而美感经验也还原为日常经验本身。
审美经验是人生在世的本然经验,这也是现象学美学的基本主张。其实,日常生活与艺术合一的理想状态并不是一种永远难以企及的、空想的理念,席勒认为古希腊人的日常生活本身就是一种审美的、艺术的人生。正是这种艺术与生活合一的理想状态使他们具备了健康积极的完美人性。
大地艺术把艺术带入生活空间,超越了人们去艺术场所中寻求短暂审美解放的“不解渴”的方式。大地艺术家相信,艺术就是生活,生活也可以成为艺术。只要人们在生活中保持一颗生命本真的“赤子之心”,就可以在艺术与生活相融同构的时空中快乐的生活,实现在大地上的“诗意的栖居”。
注释:
①王瑞芸.20世纪美国美术 [M]. 北京:文化艺术出版社.1997.第185页.
②【德】康德,邓晓芒译.判断力批判.[M]. 北京:商务印书馆.1964年版.第 84页.
〔关键词〕古典艺术 审美特征 稳健 庄重
沃尔夫林以“古典艺术”一词来表征盛期文艺复兴艺术，也即 16 世纪艺术。与之相对应，他以“古风艺术”一词来表征早期文艺复兴艺术，也即 15 世纪艺术。“古风艺术”和“古典艺术”是借自温克尔曼在《古代艺术史》中发展而来的艺术史分期概念，沃尔夫林也籍此表明他所坚持的论点：文艺复兴时期，尤其是文艺复兴盛期是艺术发展的巅峰期，其独一无二的价值可以与古希腊艺术比拟。这种观念是与人类长久以来的普适价值观相联系的，它反映了人类自古以来最习以为常的观看世界的方式。
沃尔夫林认为，“古风艺术”拙朴天真，富于生活气息，于描绘中显现出对生活的热情，其表达是远未完备的，但又预示了在巴洛克艺术中将要展现出来的东西：运动。而“古典艺术”精炼集中，于理想化的艺术形象之中反映成为“完美的人”的生活理想和相应的审美理想，平静而高贵，庄严而持重。古典艺术的完美性源自对文艺复兴时期社会精英人士的生活理想的认识，而社会精英人士的代表就是拉斐尔、卡斯蒂利奥内伯爵等。
沃尔夫林在盛期文艺复兴――古典艺术中，不仅发现了“新的形式”，也发现了“新的理想”和“新型的美”。 ①他认为，相对于 15 世纪的早期文艺复兴艺术，这样的美更为平静、厚实、宽阔，所描绘的空间和其间所布置的物体间建立起新的关系，坚实的刻画形成鲜明的体量感，庄严持重。他从以下几个方面入手，诠释了堪称完美的“古典艺术”相较于文艺复兴早期“古风艺术”所表现出的不同审美体验。
一、古典艺术的审美特征
1、稳健简单的尊严美。与15世纪将人物动作处理得优雅、矫饰以及过分讲究不同，16世纪艺术体现的是一种稳健、简单体现人的尊严的审美风格，在绘画中，“人物的姿势越发稳重，那些过度装饰、生硬造作和立脚不稳的缺点已被克服。”②除此之外，16世纪的艺术恢复了古典艺术中对“体现坚强气质的有力动态的兴趣”③，在艺术表现中注重力量和生命力的表现。
《自画像》是拉斐尔作于 1506 年的一幅作品，是他早期创作的典型风格。与其他几幅成熟期的肖像画相比，这幅作品轮廓线缺乏变化，尤其是肩膀、帽子、脖子，不能很好地形成圆润过渡，略嫌生硬单薄。而其成熟期的《一个妇人的肖像》，通过强烈的明暗对照，形成了鲜明的视觉焦点，这个焦点就是眉宇和鼻梁的明暗转折处，我们可以感觉到，寥寥数笔就能将眼窝和鼻梁连接起来。在 16 世纪，这样的连接所形成的强烈对照总是得到强调，艺术家将表情线索汇聚于一个单纯的整体，这或许就是 16 世纪艺术稳健风格的秘密所在。沃尔夫林指出，这种美是以人的尊严观念为基础的。
2、丰满厚重的成熟美。在16世纪，丰满、厚重成为新的审美理想。15世纪，人们崇尚纤细、轮廓清晰的青春美，而到了16世纪，从前那些纤细处理的部分，被更丰满、更强壮的表现手法所替代。沃尔夫林认为，15世纪艺术体现的是青春美、而16世纪艺术则是一种成熟美的表现。这个时期，“美见于体现古想的丰满躯干的宽大臀部上，而且视觉追寻的宽大而统一的各个面。”④
16 世纪的意大利艺术开始发展比之 15 世纪艺术更纯粹、更强有力的表现，在这个过程中，主体形象的鲜明突出和空间延伸是同步展开的，对于 16 世纪的艺术家来说，其画笔仿佛就是最小的“光圈”，其画布就是最大的“景深”。人们偏爱紧凑、坚实、厚重之美，这并不与雄浑开阔的图像空间的要求相抵触，因为重要的是表现得充实，而不是题材的实际面积如何广大。
15 世纪的趣味是画得“漂亮”，16 世纪的趣味是画得“结实”。而且，主体形象之间开始更为紧密地联结，形成统一的整体。譬如拉斐尔的《圣母和圣子》，画面的水平线被压低，三个人物间形成一个三角形的团块，其充盈的体量感，通过与波拉约洛《圣塞巴斯蒂安的殉教》纸片一般的人物相比可以一目了然。
3、稳重庄严的细节美。在细节的处理上，16世纪绘画在对人物的细节的刻画上，相较于15世纪而言更为工整，给人一种稳重庄严的审美感受。比如在对人物的发饰的处理上，15世纪时期“趋于划隔分股的发型和细致的装饰倾向”，以及“改变前额的自然框架，超出原来的发际线而扩大前额的面积”，而16世纪则“更喜欢单一体块的简单发式的欣赏趣味”，“头发表现为梳得光滑服帖、有条不紊的体块”，并“以清晰的水平线作为前额与发型的分界线” ⑤，这两种不同的处理方式，就造成了前者娇揉而后者自然的视觉感受。在16世纪，艺术家在创作时追求“重量感和节奏感”，15世纪人物画中修长的颈脖，在这个时期由戴有沉甸甸的项链的粗壮脖子所替代，而原本那些“编织复杂图案的衣料”则变成了“具有重量感的能产生大效果而不必近观细察的衣料”，由此来凸显人物尊严而高贵的神采。
4、简朴庄重的空间美。古典艺术对垂直和水平轴向的强调是始终如一的，它赋予图像空间构成以稳定感、重量感和毋庸置疑的明确视域，引导欣赏者仅从一个唯一被作者确定好的角度去观看最能够反映形体常态的效果。
藏于乌菲齐美术馆的委罗基奥的《基督受洗》，是具有代表性的15世纪艺术，人物和各部分的景物都像剪纸一样，整个图像空间像是拼贴出来的，尤其是背景，就是一块紧贴在人物背后的幕布。右边中景那棵树，下半部像是和远处的山石紧挨在一起，而其上半部分由于刻画得过于清楚，似乎已经跑到前景里来了。主体人物刻画得筋脉毕露，近乎平面装饰图案。而左边的残垣断壁又压在人物背上，再次令人物嵌入背景之中。一个开阔的场景，由于缺乏有秩序的表现而显得平板拥塞。同时，人物的动作也过于局促，慌慌张张，尤其是耶稣基督被表现得像是凡人，他的身体几乎是在瑟瑟发抖，画家似乎仅是粗略地将日常生活中的行为举止排列在一起而已。
而在拉斐尔的《圣母子与小圣让・巴蒂斯特》中，远景的白云与天空融为一体，自然地向后伸展。前景圣母子和圣约翰的轮廓总的来说是清晰的，但在阴影旁边的部分相对会模糊些，使形体与气氛融合。同样，相对锐利的边缘也并非象刀刻出来的那样，而是有一个巧妙的圆转过渡，仿佛形体沐浴着空气，在委罗基奥《基督受洗》中的生硬效果被避免了。在形体与形体相接的地方，相互交搭的线条总是穿插避让，形成多种变化。其中最基本的变化就是刻画靠下、靠后形体的线条在即将与压在其上的线条相交时，会稍稍变淡，隐去刻露的痕迹，并形成图像空间局部近实远虚的空间推移。形体绷紧的一侧，边缘轮廓清晰光滑；形体松弛的一侧，边缘柔和微妙。在拉斐尔的作品中，有了明确的前景、中景、近景划分，色调对比、形体刻画的清晰程度也相应逐层递减，使形体自近处的平面向远方伸展，这样，平静与开阔联系在一起，简朴庄重的空间美感油然而生。
结语
肯尼斯・麦克利什曾说：“尽管古代社会可能是专横的，但它所提供的典范作品的情感丰富性和风格多样性，常常使它成为一个生气勃勃的社会。这种丰富性和多样性，在艺术中表现得格外强烈，因为它们所反映并使之不朽的文明的宏伟成就，赋予它们内在的生命。”⑥因此，人们总是对“古典艺术”表现出趋之若鹜的向往情怀。
沃尔夫林对于文艺复兴时期艺术的研究，不仅仅是关于艺术风格的，也是关于我们如何观看这个世界的。通过沃尔夫林的古典艺术理论，我们将清晰地意识到科学作为一个文化过程，既负载了人类对真理的永恒追求，也负载了人类永无止息的批判精神。
如果把文艺复兴艺术的全过程归纳为一个观看造型艺术历史发展的基本图式，那么通过上文的分析，可以这样说，艺术的进程既是连续变化的，又是循环发展的，在连续变化中，存在草创期、成熟期的渐次发展。无论如何，无论是15世纪早期优雅、轻盈、娇柔的艺术表现，还是16世纪盛期庄严、稳重、厚重的艺术形式，对于今天的我们而言，都是珍贵的艺术体验。
注释：
①沃尔夫林，潘耀昌译.古典艺术[M].北京：中国人民大学，2004 ：2.
②同上：第270页. ③同上：第275页. ④同上：第281页. ⑤同上：第312页.
⑥[英]肯尼斯・麦克利什，查常平等译.人类思想的主要观点――形成世界的观念（上）[M].北京：新华出版社，2004：71.
参考文献：
[1]曹意强.时代的肖像：意大利文艺复兴艺术巡礼.[M].北京：文物出版社，2006.
关键词：声乐；表演艺术；艺术姿态；审美特点
中图分类号：J616 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）06-0119-01
生活中自然呼吸是与你的生活状态及思想、情绪、情感全然一体的，是无意识的。歌唱虽是有意识的强呼吸，但必遵循其自然性，训练歌唱呼吸为的是加强呼吸肌力量，使其在自然基础上有更强更自如的适应性如。呼吸与歌唱形成一种关系运动，这种关系便是呼吸支持歌唱，而歌唱又锻炼了呼吸，歌唱中锻炼出来的呼吸状态才是真正自然的行之有效的歌唱呼吸状态。不能为呼吸而呼吸为气而气，单纯练气是气功学的事而歌唱锻炼呼吸是歌者要确立的思想。根据对自然呼吸的体验，歌唱呼吸要始终注意以下基本点。
一、十分明确地将呼吸主动部位放在肋下的横脯膜部位
膈膜主动既可扩充胸下围，又可促动腰腹，这是一种最自然而没有强制的呼吸。腰腹横膈膜而动的这种呼吸方法不是局部着力，它能使整个身躯呈现出下稳上松的歌唱状态，身躯舒展，重心稳定，能有效地防止气浮气浅气短。
二、吐字发音和声音延续要保持吸气状志
吐字发音和声音延续要保持吸气状志，像吹唢呐，声音延续很长，鼻腔却一直在吸气。有人说吸着唱，吸着唱是控制气息的好方法。
三、要把声音负荷的支撑力放在横膈膜的腰肌部位
把音管松开，把肩松开，把胸松开，气是贴着松弛的发音部位与共鸣腔件流动的。这就是人们说的“贴开”唱法。歌唱的气力像划船，船身投放水上，船的负荷山水承受，而不是出撑船者承受，撑船者的力量在于划浆，在于船桨对于水的拨动。这是声音放在气上保持在气中的感觉。
四、气息是声音运动的动力线
支配呼吸为的是歌唱，因此气息受歌唱的吐字发音和声音延续、扩充、通达意念的支配。这与生活中的劳动、体育运动自然支配呼吸的感觉一样，只有树立以字、声、气、情、腔融合的意识支配歌唱呼吸，才能促使呼吸与歌唱的协调统一。才能使气息运作有明确的目的性。
五、歌唱呼吸训练主要是对吸气肌肉群
以膈膜为主动的深吸气时被拉紧的肌肉训练，准确的歌唱呼吸概念，应该是呼气和吸气状态的保持。没有吸气肌肉群的充分运动，空气就不会充分进入，因而就不会有充裕的气量：没有吸气肌肉张力的稳定和保持，就不舍有与呼气肌内收缩排气相抗衡的力量，呼与吸是一对矛盾，但吸是矛盾的主导方面。吸气状态稳定是肘呼气的牵制，气由此变长。储存腰腹，吐字发音只用很小的气量，吸气的充分，用气的节省就是一种歌唱技巧。发音咬字的部位是气的出口，在出口处支配气流是最合理、最节省，也是最灵活的控制呼吸的方法。口咽咬字吐字的阻抗力与喉头向下的挡气是对歌唱呼吸控制的方法，气的储存与有效的支配与控制是歌唱状态内在动力、活力。下方储存，上方使用，储存与使用的部位要垂直对应。
六、低音撑起，高音放松
唱低音时，往往松懈，唱高音时又往往过于紧张，这两种倾向都会导致喉头逼紧和声腔不开，为此，唱低音气要撑得起撑得住，唱高音时要有意松弛，松弛为了缓冲，缓冲会更有气力。歌唱呼吸是长久训练过程，是以歌唱锻炼的过程。歌者要始终把握三点：一是膈膜这个基础部位的主动性、灵活性、坚定性：二是要注重以膈膜为推动力的腰胆扩充向下的动作；三是把握气息下沉腹底，上贯额眉的通达感觉。
共鸣腔及其使用：一个物体震动引起近旁其他物件或本物体内部空间震动，它物体和本物件空间震动又加强了原物体蛙动，这种现象叫共鸣，也称“肋振”。共鸣的条件是物件之间基音或泛音的震动频率相同或互为倍数。这就是共鸣的原理。我们追求共鸣声音效果时必须遵从这一原理。根据实践的体会，无论是高音还是中低音，均要以高音焦点加以控制，有了高音焦点牵制，中低音就不会脱落散落，尤其是声音由高至低的行进时更要注意头腔焦点不要失掉。歌唱共鸣有高、中、低三个层位，高音明亮穿透，中音刚强有力，低音浑厚宽广。
决定音管调控的关键部位是喉口和咽腔，即喉头后上方发音的管口，这个部位伸缩扩张调控着整个的发音和批鸣机制，牢牢把握这个部位，锻炼这个部位肌肉的灵活和坚韧性是非常重要的。这个管口的肌肉是括约肌，它可以伸张很大，也可以收缩很小，对声音需求有极大的适应性。
综上所述，只有在正确艺术理论与实践的过程中，才使得艺术的科学的方法得到检验，我们的艺术文化事业才能融合发展和不断提高。才能得到群众的认可，更好的为人民服务，更好的与世界人民沟通。
关键词： 职业学校 美术教学 审美教育
一、审美教育和职业学校美术教学的关系
审美教育和艺术教育之间的关系非常密切，两者既有相同的地方，又有很大的不同。在职业美术教学中，要重视审美教育的发展，发挥审美教育对美术教学的作用，区分两者的区别，不能将美教育简单地等同于审美教育。
1.审美教育的特点。
审美教育的重要性是不言而喻的，它是教育活动的重要组织部分。审美教育的目的在于不仅能够促进我们的鉴赏能力和美的感受能力的提升，而且能够使我们的情感和精神力量之间达到一种和谐的状态。审美教育对于一个人的全面发展有着不可取代的作用。通过审美教育能够以情感来感染个体，构造出个体比较高尚和健康的情感世界。审美教育存在于生活的个人方面，是人们完善其人格的一个主要方面。审美教育是一种强调情感作用的教育活动。这种情感是人们对外界事物的一种比较直观的感受，是比较复杂的一种心理体验，能够推动人们进一步展开审美活动。由此可见，审美教育的一个主要功能是能够激发起个体的情感体验，培养个体的美好品格。
2.美术教学的特点。
美术作为人类文化活动的重要形式，以它独特的活动方式来表达着人类的情感。美术新兴行业的兴起，对于美术教育的人才提出了新的要求，推动了职业教育中的美术教育的发展。美术教育的特点在于通过审美活动来培养学生的情感，增强他们对美的感受。学生在美术教学活动中对历史文化有一个更好的深刻的认识，更加充分地认识到艺术在社会生活中的重要作用，从而培养起正确的艺术观，提升自身的审美能力。［1］而且美术教育对学生创造力和想象力的培养是非常重要的。当然，通过创造力的培养和想象力的发挥对学生的美术专业学习也有很广泛的意义。
3.审美教育和美术教学的关系分析。
审美教育和美术教育都强调人们对于美的情感体验，这种美的感受都是通过对事物的体验而来的。审美教育能够提升学生的鉴赏美的能力，而这种美的鉴赏能力正是美术教学中不可缺少的部分。因此，审美教育在美术教学中有着很重要的作用。但是要明确审美教育不等同于美术教学活动，前者的抽象性更高，后者涉及的内容更多。美术教育还具备一系列和美术相关的活动，要坚持在中职美术教育中加强学生审美能力的培养，以促进学生美术能力的全面发展。
二、审美教育在职业学校美术教学中的作用
审美教育作为美术教学活动的重要组成部分，在中职学校美术教学中有着广泛的应用。
1.审美教育在美术教学中具有多种不同的形式。
美术教育是一种创造力极强的活动，美术鉴赏的过程就是一个再创造的过程。在美术教育活动中到处都渗透着审美教育，从鉴赏开始，这种鉴赏的创造力就来自于学生自己独特的审美眼观。每个学生的审美能力不同，对美术鉴赏表现出的艺术情感是不一样的，进行鉴赏创造力活动也会取得不同的效果。在美术教学活动中要充分认识到审美教育形式的多样性，关注审美教育活动的重要作用，让学生感受不同的美，培养审美能力，进而充分应用到美术教育活动中。当然这种多样化的审美活动也可以体现在小组之间的美术创造活动中。在小组的美术活动中进行审美教育活动，进行审美感受的分享，有助于学生加深对审美教育的认识，更加注重对审美的培养。而且美术活动的内容比较广泛，包括绘画、作品鉴赏等，每一项活动都是离不开审美教育的。审美教育在术教学中以多种不同的形式存在，对美术教育有着重要的作用。
2.美术教学中审美教育具有继承性特点。
职业学校中的美术教育活动更多地体现出一种对审美文化的继承。每一种艺术的产生都和一定时期人们的审美活动有着密切的关系。美术作为一种不可缺少的艺术表达，是各个时代的审美继承性的体现。在职业美术教学活动中，审美始终是美术教育一个重要的组成部分。让学生通过美术作品中的美的展现来了解美术创作的基本方式，把握中国美术创作的术语和主要风格，这样才能够站在更高的高度上进行美术的鉴赏和交流。［2］审美教育的这种继承性作用对美术教育有着非常大的影响作用，能够帮助学生系统把握住美术中的审美关键内容，进行审美艺术的培养，同时学生在美术的学习中还能够增强对传统审美的感受，有利于学生美术创作的发挥。
3.审美教育对美术教学活动的重要意义。
审美活动既包括对自然美的感受，又包括对人类美好情感的感受。自然活动中的艺术审美以强烈的感染力激发着学生的创造力，让他们在这种审美的感受中得到充分的熏陶，培养起一种美好的艺术能力。美术活动这种通过色彩和线条来表达艺术形象的活动，它带给人们美的感受是不一样的。审美教育能够培养出美的鉴赏能力，并且将这种能力和美术活动结合起来。活跃学生的思维，丰富学生的情感体验，有助于学生进一步的美术创作活动的开展。审美教育对美术教育活动有着广泛而重要的意义。
参考文献：
［1］王雯.基于素质教育的职业美术教学方法的创新［J］.天津市经理学院学报，2008.06.
[关键词] 毕加索 分解重构 丑 共生 多元化
毕加索作为西方20世纪重要画家之一,有着很高的艺术地位。中外的美术理论家、评论家对毕加索的作品有着很深的认识与评价,并且有着独到的分析。他们多数从绘画特点、绘画题材,或者就毕加索的生平等方面对画家进行了说明与论述。
在世界美术史上,审美文化以审美为主要特点。当今社会,随着政治经济的发展,审美文化呈现出多元化倾向,历史发展到今天,有着不同的渊源:东方文化,西方文化,中西方文化的融合。在西方美术史中探究其原因,现代派画家毕加索在世界美术史上起到了至关重要的作用。毕加索在立体主义时期的主要绘画特点是分解重构造型。
一、前无古人的分解重构
“我要与众不同,我要打破以往”这是在毕加索心中反复出现的念头。他内心世界不停的斗争,他不想只做一个驯服于天命的艺术家,他要颠覆以往的历史,破坏陈规陋习。在探索绘画的各个时期,他运用夸张、变形、分解重构、几何化、结构性、直线化的手法对绘画进行不断地组合――以分解重构造型为特点的绘画。他把原有的完整结构加以整理,使用双目镜透视和多点透视,在平面上表现出物体多个面的不同形象。分解重构造型为特点的绘画成为立体主义的主要特点,毕加索以此为基础创作了大量作品。他的作品给未来主义、达达主义等现代派画家带来了新的灵感,他的分解重构的造型观念引发了现代艺术的革新,现代工艺美术装饰美术建筑美术等注重形式美的实用艺术领域都不同程度的受其影响。
这种艺术的转型使他奠定了自己在特定历史时期的艺术地位。在学习前人绘画同时,毕加索发现,沿袭古代的古典画法很难有新的进展,于是,他决意改变。
二、丑的产生
历数西方美术史中重要画家,不论是达芬奇,拉斐尔,还是梵高,塞尚,雷诺阿,都始终是在表现美的题材中对艺术手法进行不断的探索。
毕加索打破了这种传统。他在艺术自律性的范围内进行了大胆的改变,他通过分解重构的方式,创造了一种新的审美――丑的诞生。在这一点上,毕加索用绘画明确的体现出来,在《亚威农少女》中,他大胆地表现了生活中上不了台面的题材,他放弃了用传统写实的古典方法表现唯美的女性,而用自己的方式表现特殊的主题:赤身红灯区的。在这幅画中,毕加索不断推敲探索,采用分解重构的手法进行了创作。这幅作品在当时引起了不小的轰动与争议。在以往的西方绘画史中,能进入展厅的这种题材的绘画是从来没有的。而正是这幅画,使毕加索成为前无古人的画家。从美术史的发展来看,分解重构手法的出现不是偶然的,而是历史的必然。
德国思想家阿多诺认为:“丑的事物的确是一个历史的和中介的范畴。该范畴或许是在古风艺术向后古风艺术过渡时期出现的……原始崇拜对象的面具与画脸所体现出来的古代丑,是对恐怖的实体性模仿,一般散布在忏悔的形式之中。随着神秘的恐怖性逐渐淡化与主观性的相应加强,古代艺术中丑的特征变为禁忌的目标(尽管这些特征原本作为强化禁忌的载体)继主体及其自由感形成之后,和解的思想随之产生,丑也随之展露出自己。”
毕加索在不断探索艺术表现手法的过程中发现了丑,展现了美,他用艺术实践了美丑,他的作品使人们感受到:艺术中丑的存在完全可能。
毕加索艺术的自律范围内用夸张、变形、分解重构、几何化、结构性、直线化不断表现丑,发现美。1907年的《亚威农少女》的出现预示着立体主义的实验的发轫,为他不断探索美,发现丑作了重要铺垫。在该幅作品中,少女们的脸都已变形,他企图把几何形体化了的人物和封闭背景的几何形体结合起来。这幅作品的艺术地位是前无古人的,毕加索的《亚威农少女》使后来的艺术家们发现,人类对艺术总是追求新鲜感,表现丑的题材可以与表现美的题材共生。用现在的话说,美的东西不是唯一,再美的东西时间久了也会审美疲劳。
丑的诞生,颠覆了传统审美观念。毕加索出现后,人们发现,只有丑,才有特点。从文艺复兴时期到毕加索出现之前,美的东西已不令人惊奇。毕加索用充满激情的分解重构改变了这个平淡无奇的世界,现代艺术的特点就是“丑”。
毕加索绘画中丑的诞生是历史发展的结果,是艺术自律性范围的活动,它为人类的审美增添了一种新的趣味。在毕加索表现情人的主题中,他采用变形,分解重构,夸张等特点,使画面变得不再唯美,线条,色彩,光感,不再是毕加索笔下的重要规则,他改变了规则,他用创造性的手法教给人们如何看待传统绘画,他教给后来的画家弃传统而用变换的思维去观察和分析问题。表现“丑”成为毕加索一生中的重要艺术创造活动的一部分。它的出现使人们的审美观念向着多元化方向发展:现实世界中不仅美的东西可以存在,丑的现象允许共生,而且成为了艺术文化中不可缺少的一部分。他的这一举动引发了新的审美情趣,传统意义上的审美不再是唯一,丑也成了艺术表现的重要组成部分。
毕加索的分解重构影响了现代艺术,他创造了有意味的形式,他使丑的诞生成为了新的审美趣味。古典画家用古典的模式影响了后辈人,而毕加索用不断变化的艺术创造手法阐释了自己对艺术的理解。他的每一个变化都引起了公众的极大关注。他的变化手法如此之丰富,反映了画家非凡的创造力。这种绘画的创造力使人们对美的认识在现实中也向着多元化方向发展。比如,在公众人物方面,人们的喜好呈现多种多样:浓眉大眼、一脸正气的朱时茂与长着一双小眼睛却显得足智多谋又沉稳的孙红雷,反叛传统、标新立异一脸男孩相的李宇春与长发妩媚的舒淇,瓜子脸大眼睛的关之琳与国际名模中的小眼睛貌不惊人的吕燕,此种风格变化,随着时代的发展与当代文化的冲击,人们的审美不再有统一的标准,出现了百家争鸣,各有千秋的局面。
艺术多元化应该是雄伟的、燃烧的、流畅的、坚硬的、有棱有角的、野性的、丰满的、微妙的、五彩的、欲望的、艳丽的、梦幻的、诱惑的、悸动的……
参考文献:
关键词：歌剧艺术；美育功能；培养模式
中图分类号：J614.92 文献标识码：A 文章编号：2095-4115（2013）07-85-2
美育是个体在对艺术、自然和社会的鉴赏过程中，通过艺术体验感受，判断和选择来达到对审美的对象的审美认同，达到纯净感情，陶冶道德，精神升华的作用。歌剧艺术作为一种高雅文化形态，大众的艺术素养提升决定了歌剧文化对美育提升具有独特的作用。当今社会多元化的文化价值取向和文化需求，以及大众的欣赏层次和选择标准决定了歌剧艺术发展的文化特征。现代歌剧作品的丰富内容和表现形式满足了不同阶层的文化诉求，通过歌剧审美教育，从音乐艺术视角观察世界，要使大众审美以歌剧这种高雅艺术来自于生活，又高于生活的艺术再现，更加真实、集中、凝练、深刻地将外部世界的各种感性形式所蕴含和表现的事物生命的本质韵律进行表达和体验。歌剧艺术审美教育所特有的艺术形式去感受和展现艺术本质，进而提升社会审美水平和品位素养。随着现代社会文化的变化，我们对歌剧的美育教育内涵、功能进行深入分析，有利于更好利用歌剧艺术的审美艺术特点，通过审美活动中的种种创新，有效地培养人的创新创造能力和综合道德素质。
一、歌剧艺术提升高雅文化的欣赏品格
艺术是一种“有灵魂的语言”，它能潜在地支持和影响其他素质和能力的发展与提高，古典歌剧呈现的一种人文、自由和净化等审美效应，古典歌剧的特征具有布局宏伟、细节雕琢、表现热情、色彩华丽、气势雄浑，充满着激情的色彩，是一种激情的艺术。歌剧艺术家的想象力，用理性的宁静与和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，在追求广博与深远的同时，喜好艺术上的精致与华丽，既具有宗教的特色，充满着动感的形象和刻意夸张的结构，关注歌剧作品的空间感与立体感的鲜明特色。当今社会，歌剧艺术文化不再只是像它的高贵出身，在西方被用来显示精神优越和智力优越，用来张扬高贵的人格力量和悲剧精神，当下对经济利益的狂热，造成大众文化对人文精英精神的疏离和大众文化品位的低俗。但是，现代人不仅有物质生活需要，而且功利和价值追求上获得满足，同时人对的本能追求向有意识地追求高雅美的审美需要，并向有意识地创造感性与心灵享受相统一的具有形式美的对象过渡，大众的审美能力和创造美的要求不断提高。大众文化对歌剧经典的渴望，使得歌剧可以作为消费品从高雅文化、精英文化圈走向大众，成为供大众欣赏的审美对象，又是一种使人愉快和轻松的独特的源泉，它为人们提供发现美的过程中不断惊奇，使我们用新的艺术方式看待艺术，在更深的层次把握对艺术的领悟，发现并更新着艺术想象。音乐审美教育本身就是追求舒展、愉快、自由、和谐。在潜移默化中，受教者被熏陶、感化和教育。因此，歌剧艺术的审美品性创新了人的独立思考，对现代美育创新培养的艺术美学范式具有独特作用。
二、歌剧艺术提升人文修养的精神内涵
荀子说“金石丝竹，所以道德也”、“美善相乐”。音乐美育活动是用艺术自由去寻求自由的一种方式，能够令人获得精神解放，是靠美的事物本身所具有的独特气质和魅力感染打动人，它不是单纯的思想灌输，更不带有任何的强制性，受教育者在美育过程中是自觉自愿积极主动的。古典歌剧推崇人的自由个性，肯定人的自我价值，表现了人的本质属性，人文主义是古典歌剧永恒的题材。音乐艺术是生命创造活动的形象体现，真正的音乐是融进生命本质的声音，以人文意识为触动点，展示人文本质和心态，与人合为一体。歌剧更加关注独立的道德思维，独立的人文信仰的观点和看法。传统优秀民族文化介入是现代歌剧人文精神建构的必由路径之一。在人类音乐审美教育的实践活动中，歌剧艺术家在剧目创造实践中具有的歌剧审美对象和审美意识，必定会赋予人文精神一次次的感悟、创造和发展，观众在获得了歌剧音乐美的体验、音乐美的感受、音乐美的享受和音乐美的满足的同时，能更深刻、细致地体会和确证自己生命力量的真正涵义。歌剧在悠久的发展历史进程中，有着丰厚的人文精神积淀，奠立了以求真、向善、尚美为取向的人文价值基座，具有自身民族艺术审美生存与发展的自律机制，构建了当代中国文化艺术的稳固内涵。从歌剧艺术独特的审美来看，歌剧艺术美育特点表现为自由思想、独立人格、悲悯精神等，歌剧的这些艺术品质连同文化传统的道义承担的独特作用，构成了推进大众美育的创新提升。
三、歌剧艺术消弭消费文化的浮躁心理
商业时代的高节奏，高竞争社会的现代人类更多的是充斥提供快餐式的心里慰藉，是一种望梅止渴的消费文化快餐。它使大众在繁忙和充满欲望的心灵从中得到象征性的精英化满足，在一定程度上缓解了人们在现实生活中的心理文化饥渴和焦虑。大众媒介的应用拓展了歌剧文化的公共领域和大众文化的对象、范围。国内外歌剧舞台经典，普通大众过去无法亲临现场观看，现今则在现代传媒中随处可见。正因为大众媒介信息量大、受众人数多，现代传媒通过流程化生产和批量复制形成文化产业，进而以一种潜移默化的方式，给受众输送着大量的信息，造就了现代媒体的更大的影响力，以快餐制作与快适伦理文化审美趋向占据意识形态的主流。舞台虚幻的技术掩饰了生活真像的影像文化，这种更为严重的后果是往往陷入娱乐透支后的精神虚空，形象的欲望满足取代了高雅文化的意义追索。
当代歌剧文化与大众传媒关系密切。现代传媒无疑对艺术传播起到了推波助澜的作用，大众媒介对人们审美情趣、审美观念，甚至日常生活形态进行影响、干涉和塑造已达到了相当的程度。现代媒体使得文化产品生产速度加快，制作周期缩短，生产成本降低，这就大大提高了文化生产的效率和经济效益。但歌剧文化生产毕竟不同于物质生产，精神性远大于物质性，不能以生产的速度和效率以及经济效益来衡量。作为精品艺术，现代原创歌剧必须具有独创性，表现出与众不同的个性和风格，而模式化、批量化的生产方式无法达到这一目标。面对当代艺术和审美过度娱乐性的特点，消除现代原创艺术的急功近利色彩，拒斥艺术实践中的短期行为，确立高贵的艺术趣味和审美趣味，借助现代美学技术向人的日常生活进行全方位审美关照，进而取得人文的美学话语权，商业市场对歌剧艺术的和谐推广，使现代原创歌剧具有更加大众、持久、深远的审美价值。通过教育贯通音乐世界与人的世界的作用，能真正得到人的心灵在艺术方式的引导下，领悟人生真谛，宣泄焦虑，消解烦恼，达到生命的终极体验的感受。
参考文献：
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1语文教学内容具有丰富的审美因素
审美对象包括自然美、生活美和艺术美。这些审美因素在语文课文中都有生动鲜明的反映和表现。比如：朱自清的《春》生动地描绘出春天草、花、风、雨等自然物象；峻青《海滨仲夏夜》描写了夏日海滨的夕阳、晚霞、星光、海水、沙滩、月亮；老舍的《济南的冬天》则写出冬天济南的温情天气和如画的景色。这一幅幅表现自然景物的美妙图画带给学生无限的自然美感，使他们从中领略大自然的美，获得美的享 受。
语文教材中表现出的思想美，人物美，正是社会生活美的反映，比如《驿路梨花》、《生命的意义》、《同志的信任》等，都能使学生感受到社会生活的美并从中受到教益。
艺术美是自然美、生活美的集中体现。文学本身就是语言的艺术，学生通过对课文中文学作品的学习，可以体味到优美的文学意境，巧妙的艺术构思，精湛的写作技巧和生动的语言形象，受到语言艺术美的熏陶。
2审美教育是一种形象教育
语文教学中的美育是一种以审美为方式的语文教学活动，它兼有语文教学和审美活动的特点。它是以形感人，是通过语言这一中介，调动人们的生活经验，并依赖人们的艺术修养，在联想和想象中去感受它的美。鲁迅先生《故乡》中，对少年闰土的描写：“这时候，我的脑里忽然闪出一幅神异的图画来。深蓝的天空中挂着一轮金黄的圆月，下面是海边的沙地，都种着一望无际的碧绿的西瓜，其间有一个十一二岁的少年，项戴银圈，手捏一柄钢叉，向一匹猹尽力地刺去，那猹却将身一扭，反从他的胯下逃走了。这便是闰土。”作者在这里从人物的外貌、性格特点、环境等方面，把少年闰土这个形象描绘得栩栩如生，活灵活现，使我们真切感受到景物色彩明
快、艳丽，人物英俊、活泼，从而产生喜爱、愉悦之情。
3以情动人是语文教学中审美教育一个显著特点
美育以情感为动力和中介，打开学生心灵的大门，以美的事物和形象，引起学生情感上的共鸣，使学生在兴奋和激动中怡情养性，最终获得精神上的和满足。因而，教师在向学生进行审美教育时，要引导学生感知作品中景物形象的描绘，更要引导学生用身心去感受浸泡在这些景与物中的作者的审美情感。比如学习茅盾的《白杨礼赞》，教师首先要引导学生感知象征着民族解放斗争中所不可缺的质朴、坚强、力求上进的精神的白杨树。这样才能充分调动学生积极的想象与联想，从而对白杨树这一感性形象产生深刻的理解和真切的感受，情感活动得到升华。
关键词：舞蹈；创作；审美
中图分类号：J704 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2011）29-0135-01
舞蹈创作是一种审美创作活动，必须遵循舞蹈艺术之规律，在此基础上创作出具有强烈艺术生命力的舞蹈作品，使之发挥一定的社会影响，给人们以审美感染方面的精神享受。研究舞蹈创作审美规范就是要依据舞蹈创作的艺术规律，遵循其基本原则，采用科学的方法，发挥创作者独特的创造精神，创作出优秀的舞蹈作品。
一、创作类型的分析
总的来看，舞蹈创作的过程就是舞蹈家主观情感与客观生活相结合，并使之统一在艺术形式之中的一种审美规范，进而创造出具有舞艺形象艺术作品的一种审美活动。因此，在创作者体验、感受生活阶段、对素材进行提炼阶段、择定题材阶段以及艺术构思和舞蹈形象诞生阶段都受到舞蹈表现手段的制约，这些阶段都要符合舞蹈艺术形式的相关审美规范。我们通常把舞蹈分为三大类，即：抒情性舞蹈、叙事性舞蹈和戏剧性舞蹈，下面就其特点进行简要的分析。
（一）抒情性舞蹈的艺术特点
这一类舞蹈不具有情节，是为了表现一种情绪、抒发一定的情感，抒情性舞蹈还可以分为情绪型、意境型、技巧型这三种类型。一是情绪型舞蹈的审美特点。这种舞蹈直接以舞蹈来抒发舞者的情感，多以舞蹈动作节奏的对比变化表现和描绘舞者不同的情感以及精神风貌。二是意境型舞蹈的审美特点。这种抒情舞蹈以舞蹈的情景交融所创造出的某种艺术境界来抒发和表现舞者的情感和精神风貌，不强调舞蹈动作节奏强烈的对比变化，通常以连续不断的舞蹈动作，结合舞蹈队形画面的发展变化，创造出一种深邃的意境。三是技巧型舞蹈的审美特点。技巧型抒情舞蹈是以舞蹈技巧动作表现出一种概括情绪的舞蹈，通常以高难度的舞蹈技巧、统一整齐的造型动作构成舞蹈情绪的。
（二）叙事性舞蹈的艺术特点
叙事性舞蹈通常以情节、事件的发展反映生活的内容或者表现人物的某种思想感情。这种舞蹈结构的形式规范可以分为时空顺序式结构、时空交错式结构这两种。这两种结构形式各有所长，在舞蹈创作中，我们可以根据表现内容的需要或不同的舞蹈表现形式和表现方法有针对性地进行选择。时空顺序式的情节舞蹈主要是根据客观事物自然次序的先后来安排舞蹈中人物的动作和情节，其结构特点是形式脉络比较清晰、线索非常明确，通俗易懂，易于人们所接受和理解。时空交错式结构的叙事舞蹈打破了时空中的一些次序，将生活内容的本来面目打乱了，主要是为了描绘和展现更加丰富、复杂的人物内心世界，可以调动观众的艺术想象力。因此，在扩大舞蹈题材范围、增加作品容量和丰富表现手段、加强艺术表现能力等方面都具有十分积极的一面。
（三）戏剧性舞蹈的艺术特点
戏剧性舞蹈的艺术形式对舞蹈艺术有了更高的发展，它综合吸收了多种艺术形式的表现手法，从戏剧性舞蹈的审美形式看，可以将它分为戏剧性舞剧、交响性舞剧、戏剧响性相结合舞剧这几个类型。一是戏剧性舞剧的艺术特点。戏剧性舞剧主要是依据戏剧的艺术特性创作出来的舞蹈，这种舞蹈具有完整的故事情节，在舞蹈中可以通过各种矛盾冲突刻画不同类型的人物个性，是舞剧史上最主要的审美形式之一，这种类型的舞剧也被称为“传统式舞剧”。这种舞蹈注重逻辑的贯穿，多采用时空顺序式结构。二是交响性舞剧的艺术特点。这种舞剧是按照交响乐的艺术特性进行创作的，运用交响乐的写作原则、结构和形式特点进行舞剧的构思和表现。这种舞蹈不具有完整的故事情节，主要是以概括和抽象的形式通过对人物感情的渲染和描绘来展现所要表达的内容，比较强调与音乐的紧密结合，反对自然形态的生活模拟动作手势，追求高度的舞蹈化。三是戏剧响性相结合舞剧的艺术特点。这种舞剧综合了戏剧性舞剧、交响性舞剧的优点，不仅发挥了舞蹈艺术表现手段的特长，而且有比较完整的戏剧情节和鲜明人物形象，戏剧响性相结合的舞剧，在我国还处起步阶段，舞蹈家在创作中都有各自的特点，不同的作品在戏剧性和交响性方面各有侧重。
二、舞蹈创作的审美分析
（一）生活与舞蹈的审美分析
我们这里所说的生活包罗万象，包括人们的物质生活和精神生活方面的全部内容，其内容丰富多彩，犹如璀璨的万花筒。这么庞大复杂的一个体系，其中的内容不可能都是某一个特定舞蹈创作者的素材，只有那些当从事舞蹈创作的人遇到了能够在情感上引起共震、让他们产生共鸣的事物才可能成为进行舞蹈艺术创作的题材。不同的舞蹈创作者对生活中的事物有着不同的看法和理解，他们选择的素材也各不相同，但是，从总体上来讲，舞蹈的素材是来源于生活的，舞蹈是在生活中原有事物的基础上、添加具体的思想感情、经过创作者的艺术加工而形成的能够给人带来精神审美享受的一种特有艺术形式。
（二）舞蹈创作表现范围的审美分析
舞蹈作品在表现和反映社会生活方面既有特长又有局限，这也是舞蹈艺术所具有的客观的艺术规律，是我们必须面对的。我们究竟应该怎样理解舞蹈在表现和反映生活的特长和局限呢？曾经有人总是过多地强调舞蹈表现和反映社会生活内容方面的局限性，也有人试图定义某种生活内容是可以用舞蹈表现的，而哪一类的生活内容是不能用舞蹈这种艺术形式表现的，久而久之，这种所谓的条条框框便在一定范围内流传，成为不成文的规定。实践证明，这些论调是不符合现实的，是不符合舞蹈这种艺术本身特点的。比如曾经流行一时的 “艺术分工论”就是比较典型的谬论，是对舞蹈本身艺术特点的片面化理解，是在没有充分认识舞蹈艺术表现能力巨大潜力的基础上提出来的。人是舞蹈创作的主体和核心，只有以人的本体为手段直接表现人本身的情感和思想才是舞蹈艺术的真谛和本质所在。因此，表现人的情感、表现人的思想，是舞蹈艺术大有用武之地的领域，也是我们创作多种题材、多种形式、多种风格舞蹈作品所应遵循的审美创造规范。
（三）舞蹈创作构思的审美分析
舞蹈创作过程中的构思阶段是创作者捕捉和寻求心中最理想的舞蹈形象必须的历程，也是编导展开舞蹈艺术想象非常艰辛的过程。依据舞蹈艺术的特点，在范围十分广泛的生活当中，用舞蹈的视角、舞蹈的思维进行题材选择、加工和提炼，是舞蹈创作最关键的一步，在此基础上，进入舞蹈形象的艺术构思阶段。当然，在构思阶段也要遵循舞蹈美的规范，其构思就是从舞蹈审美的角度进行舞蹈艺术创作的理性构思活动。不同的舞蹈创作者对同一个题材可以有不同的观点、表现角度和艺术构思，进而形成具有个性的舞蹈形象。
三、结语
舞蹈创作具有非常广阔的空间，并没有固定的格式和方法，作为一种审美的创造活动，必须遵循舞蹈艺术发展的规律，才能创作出具有艺术生命力的作品。
参考文献：
