发布时间：2023-03-20 16:15:54
序言：写作是分享个人见解和探索未知领域的桥梁，我们为您精选了8篇的艺术欣赏论文样本，期待这些样本能够为您提供丰富的参考和启发，请尽情阅读。
关键词：音乐欣赏感情体验基本要求
音乐是一种善于表现和激发感情的艺术，可以说，音乐欣赏的过程就是感情体验的过程，它既是欣赏者对音乐的感情内涵进行体验的过程，同时也是欣赏者自己的感情和音乐中表现的感情相互交融、发生共鸣的过程。无论是对于普通的音乐听众，还是对于音乐的专门家来说，感情体验都是在进行音乐欣赏时不可缺少的一种心理要素。对于音乐的专门家来说，假如在欣赏音乐时只注意技巧、技术手法、结构形式等方面，而在感情上却无动于衷，那么他对音乐的欣赏也只?quot;觇其文而未见其心，见其表而未见其里"，并不能完整地感受与领会音乐的美。一位有经验的英国音乐教育家曾告诫说："不要允许你的批评性的敏捷聪明窒息你的情绪反应。那些专家们经常把他们的注意力局限在技巧上。"①他还说："除非你也重新抓住了激动过贝多芬写这一作品（指Waldstein）钢琴奏鸣曲--引者注）的同样感觉，或是认为你也有这种情感，你才有权利说你欣赏他。"②音乐是一种善于抒情的艺术，音乐中有着丰富而深刻的感情内涵，只有当音乐欣赏者的感情活动与音乐作品蕴涵的感情基本相吻合的时候，才能称之为正确的音乐欣赏。因此，准确、深刻和细致地体验音乐作品中的感情内涵，是音乐欣赏中感情体验的基本要求。对音乐作品感情内涵的体验，首先表现为感性上的直接体验。比如，我们在听到一首乐曲的时候，对这首乐曲所表达的感情（它或是快乐的，或是悲哀的，或是慷慨激昂的、、、、、、等等），凭借自己的感性经验，自然地产生出一种体验。这种伴随着音乐感知而自然产生的感情体验，就是我们所说的感性上的直接体验。
例如，我们听到这样一个音乐主题：
例3快速地
郑路、马洪业：《北京喜讯到边寨》
①布克（P.C.Buck）：《音乐家心理学》，中译本，第107页。
②同上书，第104页。
我们自然会从这个由弦乐器和木管乐器奏出的快速而又活跃的音乐主题中，获得一种欢乐和喜悦的感情体验。
而当我们听到下面这个缓慢的、如泣如诉的音乐主题时，一种悲苦、凄凉的感情会不由自主地在我们的心头涌起：
例4
慢速地
《江河水》
当在钢琴上响起了下面这个在左手持续不断地上下滚动的音型衬托下，由右手奏出的号角般铿锵有力的音乐动机时：
例5
肖邦：《c小调练习曲》
音乐中所表达的那种激昂悲愤的感情波涛，会把我们深深地打动。
欣赏者从音乐中获得的这种感情体验，并不是由于标题或文字说明等所引起的，而是一种感性上的直接体验。当然，欣赏者能够在自己的意识中，把从听觉感受到的音乐音响转化为感情的体验，是要以正确的音乐感知为前提的，而当欣赏者对某种音乐音响及其艺术风格不熟悉，不能正确地进行音乐感知的时候，那他就不可能获得正确的感情体验。我在为学生讲课的过程中所做的课堂实验表明，学生们对于他们熟悉的音乐风格，尽管预先并不清楚听的是什么乐曲，但还是能够大体上正确地体验到乐曲的感情性质。例如，在对乐曲不作任何说明的情况下，我为学生们放了一段德沃扎克的《大提琴协奏曲》中第一乐章副部主题在展开部的变奏段落的录音，然后让学生们写出自己的感情体验，五个学生的回答分别是：
（1）回忆的、欲以挣脱某种纠缠。
（2）悲哀的、带有哭泣的主题音调。
（3）充满深沉的情绪。
（4）悲哀、哀怨。
（5）远方的倾诉。
五个学生的答案用语虽然不同，但他们的感情体验在性质上却比较接近，而且与原作的感情内涵基本上是吻合的。德沃扎克在这首乐曲中所抒发的对祖国的深切思念与身在异乡所感到的孤寂与愁苦的感情，学生们感性的直觉也是能够有所体验的。
然而，学生们对具有他们所不熟悉的音乐音响与艺术风格的乐曲，在感情体验上却表现出明显的差异。例如，我在课堂上放了宋代郭楚望的古琴曲《潇湘水云》的主题呈示段落的录音之后，照例让学生们写出自己的感情体验，五个学生却作出了各种不同的回答：1）叙述某种痛苦。
（2）忧郁而充满一种力量。
（3）典雅而明快的情绪。
（4）喜悦。
（5）酒狂。
这里之所以会产生如此之大的差异，甚至是截然相反的感情体验，主要原因是有些学生很少接触古琴音乐，对古琴音乐还不能正确地进行感知，因此也就不能正确地体验乐曲的感情内涵。
我们上面所讲的欣赏者对音乐的感性的或者说是直感式的感情体验，是音乐欣赏中感情体验的基本方式。然而，它毕竟是对音乐作品感情内涵的一种初步体验。如果欣赏者仅凭直感去进行体验，虽然有可能体验到乐曲的基本感情，但却往往会局限于喜怒哀乐的感情类型的体验上面，而不能更深入地体验乐曲感情的内在含义。因此，对音乐欣赏中感情体验的进一步要求就是要有理解认识的参与，即欣赏者要从各个方面去研究和了解乐曲感情的内在含义。只有在对乐曲感情赖以产生的思想和生活基础有了比较明确的认识之后，才有可能更深刻、更准确地领会音乐作品的感情内涵。这正如同志在他的哲学著作中所说?quot;我们的实践证明：感觉到了的东西，我们不能立刻理解它，只有理解了的东西才更深刻地感觉它。"①
当然，我们这里是指对那些的确表现了深刻的感情内涵的音乐作品的欣赏而言。而我们之所以对音乐欣赏中的感情体验提出这种进一步的要求，是因为音乐中所表现的感情既不是一种与人的思想没有什么联系的神秘莫测的东西，也不是没有生活基础的主观自生的东西。相反，音乐中的感情内涵是由一定的社会生活所引起，并且是和一定的思想相联系的。正如我国古典音乐论著《乐记》所说?quot;凡音之起，由人心生也，人心之动，物使之然也"②。但是由于
①：《实践论》，《选集》四卷本，第263页。
②见《乐记》中的《乐本篇》。
音乐表现手段的特殊性，使得它在表现感情的同时，却不能把感情所赖以产生的思想和生活基础同样明确地表现出来，这就要求欣赏者在对音乐中的感情内涵凭借感性进行体验的同时，也能够有意识地运用理解因素，深入体验乐曲感情表现的内涵。
由于音乐中的感情内涵常常可以在音乐以外的因素中找到理解的根据，例如在声乐作品中可以在标题和文字说明中找到根；在标题音乐中可以在标题和文字说明中找到根据，因此，在对声乐作品与标题器乐作品的感情体验中，对这些非音乐因素予以充分注意是完全必要的。如果对这些非音乐因素不予注意，而仅凭感性体验是很难深刻领会乐曲的感情内涵，特别是它的社会意义的。音乐是一种表现生活的艺术，为了避免音响材料的局限性，更好地进行艺术表现,它往往需要和其他艺术相结合，这种做法早在音乐发展的原始时代的歌、舞、诗三位一体的形式中就已经开始了。由于这些非音乐因素已经和音乐紧密地融合一个有机的艺术整体，欣赏者在对音乐进行感情体验时，就需要运用理解认识这一心理要素去对这个艺术整体加以研究，从而加深对音乐的感情内涵的体验。
有些无标题音乐作品，并没有综合运用非音乐因素，但是却并不意味着这些音乐中的感情表现就没有它们的生活和思想基础。为了更深入地体验这类乐曲的感情内涵，欣赏者一方面要通过对音乐本身的反复倾听，凭借直感更准确、更细致地去体验乐曲的感情表现，另一方面也要从更广阔的方面，特别是从乐曲产生的社会环境、作曲家的生活经历、创作意图、艺术风格等各个方面去进行研究和了解，以求得对乐曲感情内涵的正确把握。例如我们前面提到的德沃扎克的《大提琴协奏曲》，如果学生们通过理解认识的作用，了解到这部协奏曲是捷克作曲家德沃扎克晚年旅居美国时写的作品，作者通过这部作品倾诉了他对远隔重洋的祖国和亲人的深切怀念，那么，学生们在欣赏过程中就会对这部作品的感情内涵获得更深刻的体验。又如，对贝多芬的《爱格蒙特》所写的十段配乐中的序曲，不了解这部戏剧的主人公爱格蒙特是十六世纪荷兰人民所崇敬的英雄，对他所领导的荷兰人民反抗西班牙统治和争取独立的斗争也毫无所知，那么也就很难体验到这部序曲中戏剧性的感情变化：痛苦的、激烈的反抗、悲壮的颂歌和胜利的狂欢。如果欣赏者能够充分发挥理解认时的作用，对这部戏剧的内容和人物形象有比较深刻的理解，那也必然会对乐曲的感情内涵有更深刻的体验，而这是单凭感性体验所不可能做到的。但是，对感情体验的这种进一步的要求，却并不是每一个音乐欣赏者都能够作到的。对音乐家和音乐作品创作情况的了解也不是每一个音乐欣赏者都有条件进行的。而且，有许多无标题的器乐作品，作者在创作他们时往往没有留下什么有关记述，作品本身也并没有表现什么深刻的社会内容，而只是某种情绪的表现。在这样的情况下，就很难对乐曲做出进一步的解释，而只能凭借音响感知和对作者总的创作个性和风格的把握来体验乐曲的感情。因此，我们必须正视这样一个现实，那就是对于绝大多数音乐欣赏者来说。音乐欣赏中的感情体验更多地还是以感受性的直观形式进行的。象通常所说，欣赏者是处于一?quot;只可意会，不可言传"的心理状态之中，更何况音乐中所表达的感情，在很多情况下的确是"只可意会，不可言传"的呢！这样判断一个欣赏者是否能够借助于某种概念把体验到的感情表达出来，而是要看要看欣赏者是否对音乐中表现的感情真正从内心里有所体验，欣赏者的感情是否能够在欣赏的过程中随着音乐的进行而起伏、变化，如果做到了这一点，那就可以说是对音乐中所表现的感受情有所体验了。当然，我们这样说也并不是否认理解认识对音乐欣赏中感情体验的重要作用，而是要说明，这种理解认识只有融注于感受性的体验之中，才能真正有助于音乐欣赏。
综上所述，我认为欣赏者在欣赏音乐的过程中，首先对音乐表现为感性上的直接体验，其次欣赏者要从各个方面去研究和了解乐曲感情的内在含义。换句话说，欣赏者要准确、深刻和细致地体验音乐作品中的感情内涵，这是欣赏者在音乐欣赏中感情体验的基本要求。当然，我又认为问题还有另外一个方面，那就是音乐欣赏者的欣赏能力各不相同，而且每个欣赏者都只能根据自己的不同生活经验来体验乐曲所表达的感情，因此，我们可以再从另外的角度去论证音乐欣赏活动是一种欣赏者的主体活动，欣赏者意识中的乐曲，必然渗透着他自己的主观色彩，而不可能和作者创作这首乐曲时的感情体验完全一样。也就是说，音乐欣赏活动中主体与客体（欣赏者与被欣赏的乐曲）的关系是既一致又不完全一致的辨证统一的关系。希望大家能对我提出的问题感兴趣，能同我一起探讨。本篇论文的写作，我得到了郭星辰老师与郗力红老师的帮助，在此，对他们表示感谢！
主要参考文献：
[1]布克（P.C.Buck）.《音乐家心理学》[M].104-107.
美术欣赏是一个观察、体验、品味艺术作品的过程，在这个过程中，人们进行感受、体验、分析、判断，从而获得审美享受以及一定的美学知识。通过不断的欣赏学习可以提高人们的审美趣味，陶冶人们的高尚情操，直接或间接地接受教育，从而发挥其社会功能。普通高校加强和实施美术欣赏教育，是抓好学生素质教育的重要环节。一般来讲，素质不单单是专业知识的技能，还包括很多直面人生的能力和各方面的修养，如道德素质、生存能力、应变能力、潜在能力、动手能力、审美能力、艺术修养等等。特别是在心理素质方面的能力的培养，在感觉、知觉、记忆、思想、想象等心理活动中所体现出来的各种能力的倾向，如逆反、好奇、注意力、兴趣、情感、动机、意志等这些将构成心理素质的总体，而这些又直接影响着创造力的发挥。
人的视觉认识是从自然主义开始的，尽管一个立体的自然场景不像是一幅图画，而一幅平面的图画都被看作是一个真实的世界，公众要求艺术家在一块想象的舞台上把生活的故事表现得栩栩如生。教师经常听到学生说：“我看懂了这幅画”，或是“我看不懂这幅画”，他们也许是仅限于理解了画的表面画了些什么内容，而不会欣赏画面内在的表现手法和含义。在这种认识方法中，丝毫没有审美气息。WWW.133229.coM艺术是以感知为基础的，人们认识美、发现美、鉴别美、创造美都离不开感觉，这种感觉决不是依靠某些逻辑推理或者数字计算，比如对画面物体和人物的比例关系的把握就是如此，比例本来是数字形态的东西，我们可以依据数理逻辑变换出多种方案，但是，只有使数字形态视觉化以后，才能靠感觉来比较、推敲、判断出美与不美。而对艺术的感受力的加强，就会迅速找到它的美的所在，再从色彩上来分析，色彩的构成要素十分复杂，色彩的生理效应更为微妙，色彩美感的个性特征更强，尽管有着十分详尽的色彩理论，有着各种色表，色立体和各种配色宝典的工具手册，也只能对色彩的学习与使用起一定的指导作用，最后如不能落实到视觉感觉上来，总是不行的。正如音乐家对乐感的感受、舞蹈家对肢体语言的感受、书法家对笔墨挥毫的感受一样，他们无一不是凭借着一种强烈的艺术感觉来实现着艺术的升华。
具体到普通高校的美术欣赏课，教师要通过审美教育来丰富与开阔学生的审美天地，让学生感受到全面与完善的艺术教育，对于非艺术专业的学生来说，并不要求他们了解太多的绘画技能，通过美术欣赏课的教学使其学会一些美术常识及学会如何欣赏。如通过中国美术史论的欣赏，懂得各门类画种的美感特征与技法特点，懂得其透视上的高远、平远、深远和散点的运用，用墨上的浓、淡、干、湿、焦所产生的艺术魅力和创境达意的艺术手法。美术作品及美术现象的种类繁多，比如从种类上分：油画、中国画、水彩水粉画、版画、雕塑、建筑、民间美术、现代美术等；从时间上分，外国美术有：原始与古希腊、古罗马美术……欧洲文艺复兴时期的美术……18、19世纪欧洲美术直至现代抽象艺术等，中国美术有：新旧石器时代的美术、商代青铜器、秦汉石雕、魏晋壁画以及唐以后的绘画；从作品的内容上分：人物、风景、静物、风俗画、宗教画、装饰画等；从艺术流派上分：西方古典主义、浪漫主义、现实主义……以及后面的印象派、野兽派和立体主义、超越现实主义等；中国画中顾恺之的《传神阿睹》，吴道子的《吴带当风》，范宽、郭熙的《高山仰止》……这些美术欣赏的内容，可自成体系，但也有局限，教师要将这些内容有机地联系起来，寻找切入口，达到最佳效果。
首先，教师应引导学生从各种角度建立“真实”的概念。在不同的时代、不同的文化背景下，人们对真实有不同的理解。米开朗基罗的“大卫”，安格尔的“古典主义”，毕加索的“立体主义”，以及非洲的木雕，中国的农民画等等，于创作者来说，都是真实的。因为每位艺术家都以自己内心中的“真实”的尺度来描绘对象。但是它们之间在观念上、风格上的差异却是相当大的。同样，作为欣赏者来讲，每个人也会因修养、知识、性格的不同而对“真实”的体系标准做出不同的判断。那么我们教师应该教给学生什么呢？
英国的艺术家和批评家艾瑞克·牛顿曾十分形象地将艺术品比作一层层剥开的洋葱，表皮是“再现层”，表皮之下一层为“诠释层”，再往里一层称为“审美层”，也就是讲，看一幅画，首先我们看到的是画面表现的内容：人物、场景或是一些抽象的符号。其次，再看一看画家是用何种方法来表现，如构图、线条、色彩、笔触以及总体的表现符号等等。最后，综合以上两点，想一想作品给你一种何样的意境，强烈程度如何，是否领悟到了一种以语言、文字所不能表达的体验，如果有了，那应该是基本上看懂了。
现在我们拿达·芬奇的《蒙娜丽莎》来作为欣赏对象，第一眼的印象是一个安详、温和、完美的女性形象，然后知道艺术家在应用了科学的方法在绘画观念、技能上采用的独特方法。然后，将其和以“神”为主导的中世纪作品相比较，《蒙娜丽莎》那传神的眼睛和会心的微笑，是对人生的充分肯定，是对人性的赞扬，从而表达了作者的人文主义思想。类似的表现技法，在今天屡见不鲜，但在那个年代，那个历史环境下有如此成果，确实是相当有艺术价值的。
我们再以毕加索的现代作品《格尔尼卡》来欣赏，画面中的各种奇怪造型令初见者费解，然而那种具有张力的感觉是每个人都感受得到的。接下来，如果我们了解了牛头是残暴与黑暗的象征，马是民众的象征，孩子的哭号挣扎的形象以及立体主义的基本造型方法与法则，那我们就会知道毕加索在画中表现了人民受到各种苦难而造成的暴烈恐怖的气氛，画家用犀利的笔触表达了他对法西斯的仇恨与宣泄，而立体主义就是他观察、表达事物的一种表现方法。
在美术欣赏课中教师在教学中要让学生懂得，美是具有多样性的，但又有一定的内在联系。艺术的价值并非在于精确地摹写事物的表象，而在于表现出事物的本质以及传达作者对事物的理解和情感。艺术史告诉我们，艺术的发展有一个从低级到高级、从外部世界向内心精神状态发展的过程。从每个时代所留下的作品中可以看出，他们对前人的成就都有所发展，有所创新并和时代紧密结合在一起。仅看懂一幅作品或是几幅作品并无太大的意义，只有通过大量的、不同风格的作品欣赏，并且使这些作品在脑子里串起来，形成一定的概念和框架，逐步建立起学生自己的审美价值系统，这才算真正地学会了欣赏。
美术是一门与千家万户息息相关的艺术，非艺术专业的美术欣赏教学又是人生感知美术审美教育和美术技能教育的重要阶段。让美术从美术家的小天地中解放出来，“飞入寻常百姓家”，让大学的美育教学工作立足于审美能力的培养，激发学生广泛地参与审美活动，从被动地接受美育变为主动地需要美育。逐步形成健康的审美观念，使学生在审美活动中实现自身精神意识的升华，对造就一代人的高尚情操和社会风气也是大有益处的。
参考文献：
[1]《中国美术史》 高等教育出版社
1、管理更加规范化
学校成立了由校长、主管副校长、主任、校艺术骨干教师等人员组成的领导小组，积极落实艺术各项工作要求，分工明确、责任落实到人。本学期创造性地开创了“艺动空间”网络博客，形成了与时俱进的网络模式，并做到求真、求实、求细、科学创新，加大了艺术教师之间的联系与交流。。
2、教研科研方面：我们组经常进行美术、音乐理论学习，了解最新的教学动态，交流艺术教育的教学方法，摸索可行之处。每周都要进行教学研讨、科研交流。在不断的学习研究实践的过程中，教师的素质都得到了稳步的提高。
3、这学期三对两组一歌等小组，通过音美教师的不断探索，自编教材、保证课时等有力手段，学生的美术素养和音乐鉴赏能力都得到了提高，并能积极地参与到各项比赛中，取得了优异的成绩。
4、加强校园文化建设，渲染育人氛围。
（1）本学期在吴校长的带领下，美术教师全新布置了学校的楼廊文化：一楼的风范长廊、二楼风雅长廊、三楼的风姿长廊、四楼的风韵长廊、风雅壁、还有美术老师亲手制作的爱心墙、
智慧果园
等宣传区的建立，形成了丰富多彩特色鲜明的校园艺术教育环境。师生校园生活照片、剪纸艺术、鱼皮画、剪影艺术分别在楼廊中呈现，每一面墙壁都能给人以美的感染，艺术的熏陶，使学生感受到健康向上，奋发进取的力量，也使其精神得到净化。在校领导的大力支持下，学校新购置了塑封机，美术教师把一千多幅学生的卡纸画和学生课堂作业中的优秀作品塑封，分别以“学生课堂作业展”、
“家乡夜景”
“美丽的花纹”
“走进动慢”、“废旧画报剪贴画”为题目在一楼二楼三楼展出，既美化了学校环境，又增强了学生学习美术的自信心。恰逢学校迎接标准化学校验收，得到了领导们的一致好评和认可。
（2）艺术活动方面：在全校举办了“同心同力同行”为主题的千人绘画比赛、
“引路点拨品评”
为主题的千人手抄报比赛，并把获奖作品在一楼展出。以此激励学生进一步加强对美术学习的热爱之情。各个班级开辟风格别致的艺术长廊、宣传窗，为学生提供艺术展示的舞台，不定期地展出学生的书画作品。
（3）、每周三的艺术欣赏，通过校园音响系统，向学生介绍一些名家、名曲、艺术欣赏知识和方法等富有儿童特色的艺术欣赏活动，陶冶学生情操，净化学生心灵。
5、论文、课题方面：在本学期陈玉凤、刘佳敏和孙博老师上交了市级论文。本学期音美组五位年轻教师都参与到了学校承担的课题研究中，并积极地书写阶段小结，和全校老师进行交流。
下学期，我们将积极探索艺术教育新路，拓宽艺术教育时空，充分调动艺术教师的积极性，使学校的艺术教育工作更上一层楼。
2010—2011学年度上学期艺术工作总结相关文章：
[论文摘要]通过解析一次大班幼儿美术欣赏活动，笔者认为，接受美学中几个重要理论可以解释这次活动之所以取得成功的原因：“读者第一性”理论启示教师要让幼儿成为艺术欣赏活动的中心；“期待视野”理论启示教师要充分调动幼儿的原有经验：“读者参与作品”理论则启示教师要为幼儿提供创造性表现的机会。
接受美学又称接受理论，是20世纪60年代德国康士坦茨大学教授姚斯、伊瑟尔等美学理论家创立的一个美学派别。他们以解释学和现象学美学为理论基础，从研究文学史人手。打破传统的文学理论，将美学实践中读者、作者和文本的地位和功能重新定位，提出了“读者中心”的思想。姚斯认为，不同时代的读者对作品的理解是不一样的，作品的价值由读者的理解而定，作者在创作时应考虑读者。接受美学在上世纪80年代传入我国，并对我国的美学研究和发展产生了重大影响。此后，随着人们对它认识的深入，它又给我国的教育理论和教育实践以诸多有益的启示。
美术欣赏是幼儿园目前较为常见和十分重要的一种艺术教育活动，其主要目的是发展幼儿的审美能力，即感知美、体验美和创造美的能力。与文学接受一样，幼儿美术欣赏也是一个艺术接受的过程，其中“读者”即幼儿，“作者”即美术作品创作者，“文本”即美术作品。所不同的是，这里的“读者”身心尚未发展完善，他们的接受需要在教师的引导下才能更好地进行。那么，如果将接受理论的主要思想纳入幼儿美术欣赏活动中，我们能否获得更好的教育效果，让幼儿更好地感知美、体验美和创造美呢?以下案例呈现的是某幼儿园大班的一次美术欣赏活动，它将给予我们一些启示。
大班美术欣赏活动：凡·高的油画《向日葵》
活动背景介绍：此次活动之前，该班幼儿在很长一段时间里都在探索“用油画棒表现不同质感的物体”。长期的单一探索使幼儿创作兴趣逐渐降低，他们只求用油画棒表现物体奇特的质感，不求造型、配色和构图上的整体美感，画面也严重脱离现实。
活动过程：第一部分是欣赏与讨论，教师首先引导幼儿谈谈对该油画的整体感受。接着由整体到局部分别讨论油画的颜色、造型、构图和质感。第二部分是临摹与创作，教师鼓励锄儿用油画棒临摹或者创作一幅《向日葵》。整个活动持续了50分钟，教师语言流畅生动、富有激情，幼儿始终保持着兴趣盎然的专注状态。
这次活动虽然持续时间较长，但各个环节的衔接自然紧凑，教师、幼儿和作品间的顺利互动成就了幼儿专注而愉悦的审美体验，可以说这是一次成功的艺术教育活动。究其成功的原因，笔者认为，接受美学中几个重要理论的运用也许就是关键。
一、运用“读者第一性”理论。让幼儿成为艺术欣赏活动的中心
接受美学的倡导者强调读者在阅读活动中的地位，即读者是第一性的，他们承认读者的能动创造，提出“一干个读者就有一千个哈姆雷特”，同时反对文学文本具有决定性的观点，倡导文学史应该成为读者的历史。在美术欣赏过程中，欣赏者也是能动的，他们有不同的生活背景和审美经验，可以对同样的艺术作品作个性化的诠释和创造性的想象。正是因为这种能动性所导致的不确定性，才使得欣赏者的中心地位得以凸显。因此，欣赏者之于创作者和美术作品也应该处于中心位置，而只有具有欣赏者的解读和参与的艺术欣赏才算是真正的欣赏。
在这次以凡·高的油画《向日葵》为对象的美术欣赏活动中，教师并不像以往那样只是灌输给幼儿有关油画创作者的背景知识，然后告诉幼儿别人怎样评价这幅作品。教9币已经意识到“审美活动对于儿童的最重要的价值在于儿童在审美过程中的体验”，因此留给幼儿比较多的自由感知、解读和想象的空间，从而确立了幼儿在活动中的中心地位。
在活动第一部分，教师首先让幼儿仔细看看这幅画，然后说说自己看到了什么，有什么样的感受。这一问题的提出立即使幼儿进入认真欣赏的状态。由于问题简单而感性，幼儿回答起来没有压力。可以畅所欲言。有人说：“这是一盆花，感觉很温柔，很好看，比我们画得好。”也有人说：“是一盆，我看着心里很高兴、很快乐。他画得很漂亮。”还有人说：“是向日葵吧，看着心里很舒服，一点也不乱七八糟的。”……教师仔细倾听，频频点头，幼儿的答案越来越丰富多彩，每个人都为自己的表达而感到自豪，谁也不能否定他们的所见和感受。在活动一开始安排这种开放式的话题讨论，幼儿迅速体验到了自由欣赏和表达的乐趣，很快对活动产生了兴趣并专注于欣赏和表达，这使得整个活动有了一个良好的开端。
整体欣赏之后，教师很自然地将幼儿引向对作品的局部欣赏。在这一环节，教师的几个追问又一次让幼儿充分表达出自己对美的解读和体验。在讨论画面颜色时，幼儿发现了一对“好朋友颜色”——深绿色和淡青色(“好朋友颜色”是该班幼儿对近似色的生动的称谓，这是他们先前就掌握的概念)，他们非常兴奋。教师捕捉到这一契机，紧接着提出几个问题：“看看还有哪里用了好朋友颜色?为什么你一下子就先找到了绿色的好朋友颜色?画家为什么要用好朋友颜色?”三个问题层层深入，对幼儿提出视觉、想象和情感上的挑战，激发幼儿主动地思考，因此换来了幼儿下面精彩的解读。在回答“为什么一下子就先找到了绿色的好朋友颜色”时，有幼儿说“绿色显得很有生命力，所以我先看到了它”。还有幼儿说“绿色很清爽，让我很高兴”，等等。而在回答“画家为什么要在这里用好朋友颜色”时，有幼儿说“花瓣和花蕊是好朋友，所以要用近似色”。也有幼儿说“这样显得颜色更漂亮了”，还有幼儿说“它们像家人一样，显得很舒服”。由此，幼儿加深了对近似色的审美体验，不仅仅停留于对近似色进行辨识。同样，在欣赏画面的造型时，教师也将理解和感受的空间留给了幼儿。以下是他们的部分对话：
教师：你们看，这朵花是正面的，那朵是侧面的。还有什么样子的啊?
幼儿A：有的高，有的低；有的是靠在一起的，所以有地方挡住了，看不到。
幼儿B：有的花瓣看得很清楚，毛毛的；还有的花瓣是向上长的。
教师：为什么会向上长呢?
幼儿C：花是活的，长得很好。
幼儿D：它们长得很有劲，很快乐。
幼儿E：花茎有长有短，有的是直的，有的是弯曲的。
教师：直的花茎和弯的花茎给你什么感觉?
幼儿F：弯的花茎上的花也是活的。
幼儿G：直的茎显得很高，弯的显得很有力气。
在这个过程中，幼儿不仅关注到作品在造型上的多样性，而且体验了由造型多样性所产生的各种美感。尤其是对这幅画中生命力的感知，有些成人尚且很难把握，幼儿却能领会，我们不得不感叹，艺术欣赏活动的确不该剥夺幼儿体验与表达的机会。
幼儿是能动的独立的个体，他们对一切事物的感知、理解和想象未必会因为年龄小而绝对受到限制。教师在引导幼儿进行艺术欣赏时应该撇开成人对作品固定的解释，运用教育机智给幼儿自由体验和表达的空间，让他们处于艺术欣赏的中心。
二、运用“期待视野”理论。充分调动幼儿已有经验
“期待视野”是接受美学的又一个重要理论。在姚斯的理论里，“期待视野”是指在文学接受活动中由读者原先的各种经验、趣味、素养、理想等综合形成的对文学作品的一种欣赏要求和欣赏水平，在集体阅读中表现为一种潜在的审美期待。“期待视野”一方面影响了阅读者的接受效果，即能否接受，另一方面也影响了阅读者的提升，即能否创造性地接受。
对于幼儿来说，期待视野是指“由原先的生活经验和审美经验等综合形成的一种潜在的审美尺度”。而这里的审美经验表现为“他从以往的审美活动中获得的经验以及所形成的审美情趣和对艺术史、艺术类型、艺术语言、主体、形式等方面的熟悉、领悟与认识等等”。
在这次欣赏活动中，首先是教师选择的教学内容激发了幼儿的“期待视野”，调动了他们的已有经验。从前文介绍的活动背景可以看出。正是由于幼儿厌倦了对油画棒技能的单一探索和重复表现，教师才认识到，幼儿当前需要的是更丰富、更高级的刺激：一方面要拓宽幼儿的视野，让他们认识到油画棒技能的可迁移性，另一方面要使幼儿认识到油画棒可以表现出充满美感的画面。在这样的思考下，凡·高的油画《向日葵》很快进入教师的视野。《向日葵》这幅作品色彩对比强烈，笔触粗重，作品中的向日葵造型各异，花朵沉甸甸而富有质感，整个画面鲜亮明快而简洁。如果把这样一幅艺术作品拿来欣赏，正好可以满足幼儿当前的实际需要，即迁移已有的油画棒技能经验，获得更丰富的视觉感受，切实体验作品中的美感。
在活动过程中，尤其是在欣赏和讨论画面质感时，幼儿的表现验证了教师对幼儿“期待视野”的分析。教师先提问：“不同的花朵摸上去会是什么样的感受?”有的说“毛毛的”，有的说“硬硬的”，还有的说“可能蛮重的”，这让幼儿对质感有了最初的感受。接着教师进一步追问：“如果是你，你会用什么样的方法画出这样的感觉来?”由于有了先前的关于油画棒技能的经验。幼儿争先恐后地说出自己的画法，有的说“用笔的侧面用力擦，画出花蕊，再滚一圈”，有的说“可以用一提一提的方法画出毛毛的感觉来”，有的说“可以用重重的点画出黑黑的瓜子来”，也有的说“用短的油画棒一圈一圈地滚，多滚几次，就会是重重的了”，还有的幼儿甚至跃跃欲试，想要到黑板上画给大家看。正是这一提问，充分调动了幼儿已有的技能经验，使他们表现出对油画棒技能从未有过的激情和创新，他们不仅更好地体验了质感，而且创造性地迁移了已有的绘画经验，。即产生了新的“期待视野”。
此外，幼儿从欣喜地发现近似色到能够进一步加深对近似色的审美感受，同样也是因为教师的提问和引导切合了幼儿的“期待视野”。教师考虑到在幼儿已有的审美经验里已经有了近似色的概念，而且幼儿还亲切地称它们为“好朋友颜色”，因此才在幼儿发现了一组近似色的基础上进一步让幼儿寻找其他近似色，甚至去体验和想象为什么要使用近似色。这既调动了幼儿的已有经验，也进一步巩固了幼儿对近似色的认识，同时还使幼儿获得了新经验，即对近似色的美感体验。
“期待视野”可以有效参与到幼儿获得更高层次经验的过程中，因此熟悉幼儿、了解幼儿已有的各种经验以及他们当前的兴趣和需要，并在此基础上选择教育内容，采取有效策略充分调动幼儿的已有经验，这将帮助幼儿形成更高层次上的“期待视野”。
三、运用“读者参与作品”理论。让幼儿进行创造性表现
【关键词】 应用本科院校；人文素质教育；教学改革
中图分类号：G64文献标识码：A文章编号：1006-0278(2012)03-140-02
教育部《关于加强大学生文化素质教育的若干意见》明确指出，加强文化素质教育，对于促进教育思想和教育观念的转变，推动高等学校人才培养模式、课程体系和教学内容的改革，培养适应21世纪需要的高质量人才，具有重要意义。人文素质教育是文化素质教育的重要组成部分。当前在本科阶段实行的人文素质教育，比较集中地开设在大学一、二年级。主要以中文类课程为基础，开设的科目一般为《大学语文》、《应用写作》、《演讲与口才》、《公关礼仪》、《职业道德与修养》以及一些通识课程等等。和两课、公共外语、体育等基础课程比较起来，人文素质课课时少、学分低、学生重视程度也不高。体现在教学实践过程中，主要存在的问题有：
1、教学安排统筹不够，课程体系缺乏合理设计。
目前的人文素质课程之间缺少明确的联系，没有很好地与学生的培养目标、专业的培养计划、学生的职业能力等相结合，也没有对师资进行合理的安排与整合，总体而言人文素质课程处于无序状态，体系不完整，内容不合理。
2、课程缺乏连贯性，未能贯穿高等教育始终。
人文素质教育应该贯穿高等教育的始终，但是囿于课时和学分的限制，绝大多数的高等院校都仅在大一开设人文素质课，大二开设的较少，大三基本没有人文素质课程。这样的设置方式使人文素质教育必然产生脱节，在学生的学习过程中形成断层。
3、教学内容单一，教学效果不明显。
多数人文素质课程内容都比较单一，或者《大学语文》，或者《应用写作》，而且教学内容陈旧、近似于“高四语文”，难以达到提高学生人文素质的目标。
4、教学方法简单，学生积极性不高。
目前的人文素质课程中，由于课堂人数多，教学方法往往是简单的“灌输式”、“讲座式”，没有很好的调动学生的参与性和热情，导致学生对课程缺乏兴趣。
5、过于求博求全，精深程度不够。
在目前的人文素质课程中，教学内容过于求全求广，而忽视了对作品、对例文、对案例的深度挖掘。课程讲授虽然面面俱到，但是很可能没给学生留下任何深刻的印象，也没有切实提高学生的综合运用能力，起不到教学应有的效果。
6、课内课外联系不大，未能指导学生课外运用。
人文素质教育的重要成果就是对学生的课外活动、社团活动发生明显的促进作用。但是目前的人文素质课程往往局限于课堂教学，对学生的课外活动、社团活动缺少指导，久而久之课堂上传授的知识并未真正转化为学生的实际能力。
针对此种情况，我校自2009年起在我校国际贸易专业学生开展“人文素质平台”的教学改革，具体内容如下：
一、“人文素质平台”包含的课程体系及目标能力分析：
1、《经典导读》——对经典的阅读、体会、感受、结合现实进行思考的能力。
2、《文学欣赏》——掌握文学作品欣赏的技巧、方法，鉴赏文学作品的能力。
3、《艺术欣赏》——掌握对艺术作品的鉴赏能力。
4、《实用口才训练》——具备良好的交际口才、与人沟通的能力。
5、《应用写作》——流畅的书面表达能力、常用文章写作能力。
6、《礼仪与沟通》——公关交际中的礼仪和人际沟通能力。
二、具体课程安排：
三、教学内容：
1、《经典导读》：结合学生专业，选取与专业相关的文学、哲学、历史、社会学、艺术、科学等名著经典进行导读，重在引导学生自行阅读，培养学生阅读兴趣和阅读习惯。
2、《文学欣赏》：选取有代表性的文学作品进行赏析，结合作者、时代、心理、文学母题、文化等角度进行深度剖析，帮助学生提高对文学的鉴赏水平。
3、《艺术欣赏》：选取音乐、绘画、影视、雕塑等方面的代表作品，进行赏析、讲解，并启发学生发表自己的见解。
4、《实用口才训练》：结合学生兴趣和实际应用需要，选取常用的口头交际方法进行讲解，组织学生进行口才训练，强化口语技能。
5、《应用写作》：选取最常用的写作文体进行讲解，指导学生写作训练。
6、《礼仪与沟通》：根据人际日常交往的特点选取与学生专业、应聘、工作有关的礼仪常识和人际沟通常识进行讲解。
四、教学方法：
教师讲课和学生参与式教学的比例在1：1，教师的教学方法以启发式为主，主要引导学生通过课内和课外阅读、调研、讨论、写作等合作式学习方法完成教学任务。
五、课外活动：
在课堂教学之外授课教师还应承担起与人文素质教育有关的学生活动的指导工作，例如文学社、话剧社、口才协会、辩论赛、演讲比赛等，指导学生将课堂所学融入课外活动中。
六、考核方式：
根据不同课程内容和特点组织考试。《经典导读》、《文学欣赏》、《艺术欣赏》可以以写作论文的方式考试，《口才训练》以口试为主，《应用写作》可以采用“申论”的方式考试。
七、授课特点：
以例文、例题、案例精讲的方式授课，不求全求广，强调讲深讲透，使学生能够举一反三。通过布置课外阅读的作业和书目，促进学生大量阅读。
八、改革的主要成效：
1、对教学目标的统一认识：
（1）基本语言能力：包括语言的书面、口头运用；文字的阅读、理解、编辑、概括能力；
摘要：爱德华・布洛提出的“心理距离说”对现代美学和文艺学有着重要的影响。“心理距离”这一概念具有丰富的涵义，本文审美态度和审美经验两个方面对“心理距离”的内涵进行分析。
关键词：心理距离；审美态度；审美经验；距离的内在矛盾
在《作为艺术因素和审美原则的“心理距离说”》[1]一文中，爱德华・布洛提出了“心理距离”概念，对美学和文艺学产生了重要影响。布洛认为“心理距离”作为重要的艺术因素和审美原则，揭示了审美意识的本质特点，但文中“心理距离”内涵丰富，作者多次在不同意义上使用“心理距离”的概念，却没有明确的加以区分，容易造成意义的混淆而影响读者的理解与使用，因此本文选取两个方面对“心理距离”的内涵进行分析。
一、审美态度差异：功利性与非功利性的距离
论文最初提出“心理距离”，主要是从审美态度角度强调了审美活动中功利性与非功利性的距离。布洛举了一个著名的“雾海航船”的例子：航船在海上遇到大雾，通常会引起人们的不安，“那种特殊的，充满希冀而又缄默无言的焦急之情和紧张状态，一切都使这场大雾变成了海上的一场大恐怖”这种看不见的危险影响着乘客的神经，造成心理恐惧。但是“海上的雾也能够成为浓郁的趣味与快乐的源泉”，只要你能够忘掉海雾的危险性和它带来的忧闷，把乳白色的雾幕作为一种离奇而神秘的景象，则会形成一种独特的经历，“这种经历把宁静与恐怖离奇的糅合在一起，人们可以从中尝到一种浓烈的痛楚与欢快混同起来的滋味”。二者的差异，就是“由于距离从中作梗”。（353-354页）
上面的例子中，布洛把这两种对比强烈的不同感受归因于我们对待海雾的不同态度：前者采用了日常的、实用的、现实的态度看待大雾；而后者能化恐惧为美感，则是因为拉开了与日常现实态度的距离，以非实用的态度“静观”大雾。换句话说，前者以日常现实的功利性态度看待大雾而产生对潜在危险的恐惧心理，后者则通过超越日常现实的非功利性态度克服了恐惧，领略了海雾的美妙。这里的“心理距离”可见是指欣赏者在审美活动中与日常功利性态度拉开距离，代之以非功利性的方式欣赏对象，“使现象超脱了我们个人需要和目的的牵涉”，解除欣赏者与欣赏对象之间的利害关系，达到对客体真正“客观地”看待。这样一来，我们就可以跳出通常情况下看到的事物的功利性侧面，而看到它审美的、非功利性的、能够真正打动我们的另一个侧面，而“人们平常看不到的事物背面的形象一旦突然出现就会成为对人的一种启示，确切的说，这就是艺术的启示”，所以布洛说“距离乃是一切艺术的共同因素”（354页）。
二、经验差异：审美经验与日常经验的距离
“心理距离”还具有审美活动中审美者的审美经验与日常经验的距离的涵义。布洛认为心理距离虽然强调对事物的非功利“静观”，但是“距离并不意味着非人情的纯理性关系。恰恰相反，它所描述的是人情的关系，并且带有浓厚的感彩”（356页），这种“有人情但又有距离的关系”，就是布洛所谓的“距离的内在矛盾”（357页）。由于“距离的内在矛盾”，一方面我们在欣赏对象时，对艺术作品特有的感受能力越强，它感动我们的程度就越深，审美感受就越强烈；另一方面，如果审美经验与日常经验“距离太近”或者“距离太远”，超过了“距离极限”就会使对象失去美感。因此布洛提出“无论是在艺术欣赏的领域，还是在艺术生产之中，最受欢迎的境界乃是把距离最大限度的缩小，而又不至于使其消失的境界。”（359页）
对于“距离的内在矛盾”对艺术欣赏和艺术生产的影响，可通过两个小例子进行简单说明：在艺术欣赏领域，根据矛盾的第一个方面，如果一个认为自己被妻子背叛的善妒的丈夫在观看《奥赛罗》，当他自己的情感与经历同奥赛罗的情感与经历愈加吻合时，他对奥赛罗的处境、行为和性格的领会应该愈加完美，但实际情况是，可能正因为他的日常经验与戏剧中表现的审美经验的完美吻合使他忘记了自己是在看戏，而只注意到自己现实处境，因而更加剧了自己的善妒心，这就是“距离太近”超了过“距离极限”的后果。艺术生产领域也是如此，“作家只有塑造出高度个性化的经验来才能产生最大的艺术效果。但是他又只有与他纯个人经验分离开来，才能在艺术上塑造出高度个性化的经验来。”（358-359页）纯粹、空洞的普适概念和枯燥无味的“纯自然主义”之所以不能引起人们的审美兴趣、带来审美享受，就是因为未能把握好审美经验与日常经验之间的距离。
因此我们说艺术既需要制造距离，又需要控制距离，艺术对象和观赏者之间存在着一个“最大距离”和“最小距离”的区间，艺术就在两极之间摆动，而不能超出这两极，越过“距离极限”，否则就会破坏审美享受，最好能够尽量缩小经验距离，同时保持非功利的审美态度。
但是布洛并未将审美经验与日常经验截然分开，他指出审美经验是被距离过滤后的日常经验。这种过滤首先拉开了现实与艺术之间的距离，使我们能够摆脱现实的利害关系，看到事物审美方面的独特吸引力，进入审美状态。其次，它又给艺术留下了能像日常经验中的真人真事那样感动我们的机会，使我们能在欣赏活动中找到与日常生活相类似的情感共鸣，带来审美享受。就是说审美活动过滤了日常经验中功利性的部分，留下非功利性的情感体验和审美经验，审美经验与日常经验既有不同又有相关性。
由于上述过滤现象和“距离的内在矛盾”的存在，因此要使欣赏者在审美时既保持与现实功利性的心理距离，又能尽可能与审美对象所蕴含的审美内涵达到完美契合，就要求艺术一方面要与现实拉开距离，在艺术品和现实对象之间制造“距离”，另一方面又不能完全脱离日常经验，而要以日常经验为源泉，形成具有独特吸引力的、具有个性特色的艺术品。这种既与现实保持距离又与日常经验相吻合的艺术创造就获得了自身的艺术性、审美性，这就是作为“审美原则”的“心理距离”。（作者单位：山东大学文学与新闻传播学院）
关键词：篆刻艺术；平面设计；中国审美和思想；审美价值
艺术创作的民族化与本土化，是本世纪中国艺术创作的主要命题。在这一命题之下，众多充满中国风情、华夏情感的艺术作品应运而生。如平面设计艺术，从对西方艺术的模仿中解脱出来，由中国古老的传统文化中汲取营养，以中国独有的审美思想、艺术形式展现在世人眼中。
本文以我国传统艺术形式——篆刻艺术为切入点，以对篆刻艺术的历史渊源、审美趋向的梳理为基础，结合对当下平面设计中以篆刻艺术为载体的优秀平面设计作品的细致分析，指出传统篆刻艺术与当代平面设计之间存在着形式相似性与内涵趋同性，以平面设计的视角发掘篆刻艺术中诸多表现形式参与设计创作的重要价值。以期为当下与未来的中国平面设计之发展，奠定有力的理论基础。
一、刀落石化之境——中国篆刻艺术概述
“中国传统篆刻艺术历史悠久，内涵丰富，跟其他文化因素一致，作为一种‘缩龙成寸的艺术形式’”[1]，篆刻艺术的诞生和发展正对应着中华民族独特的审美趋向、文化思想、历史传承等，更与传承千余年的书法艺术、绘画艺术、金石学等等息息相关。换而言之，作为中国传统文化的重要组成，篆刻艺术与其他艺术门类之间有着千丝万缕的关系；而作为一种独立的艺术种类，它在表现的形式、传递的视觉信息等方面又有着独特之处，深远影响着其他艺术种类、乃至中国传统文化、艺术的发展方向，是中华民族千年来文化、艺术、思想等的伟大结晶。
（一）、篆刻艺术的发展溯源
篆刻是书法艺术、雕刻艺术的集合体，它以印章的形式表现自身魅力，因而有人说“篆刻是集文字书法美与章法排列美、刀法展现美及金石自然美于一体的表现性艺术”[2]。在二千余年的发展历史中，篆刻艺术由古代印章发展而来，分为实用性为主的官私印章与以艺术欣赏为主的文人印章两大类。而在经历的十多个朝代中，又出现了两次高度发展的历史阶段：一是战国、秦汉及魏晋六朝时代，以玉石、金等为材料，被称为“古代篆刻艺术时期”，以实用为主；二是明清以后，以艺术欣赏为主要功能的文人印历经唐、宋时期的积淀而在此时呈现高度发展的状态，篆刻艺术走向异彩纷呈的繁荣之势。
可以说，古印章独特的表现性和实用艺术表现功能，在历经千余年、无数工匠文人的探索中获得了系统化、完整化的发展，这为篆刻艺术的发展和延续奠定了深厚的基础。其方寸间表现的美学思想、章法境界等更始终吸引着人们的目光，成为中华文化不可割裂的重要组成部分。
（二）、篆刻艺术的审美价值
篆刻不同于书法、绘画，它的审美价值与其实用相关，而又超越实用性走向实用艺术性。当然，这也可能就是篆刻艺术能够独立成为一种艺术门类，而没有隶属于书法、绘画或雕刻艺术的缘故。
首先，篆刻艺术以篆书字体为根骨，文体在方寸间展现的结构组成、形态变化等，无不昭示着对应的时代审美需求。自然，不同时代的篆刻字体都各具特色，但与中国画相通的是，笔法、形式、材质等的改变只是外在形式方面的丰富多样，而内在追求的精神境界却从不曾更变。如制作的工艺技巧方面，虽历代都有不同，却始终坚持庄重劲朗、韧力俊秀的审美追求，着重体现文字的古拙、典雅之气。
其次，篆刻艺术以刀，彰显字体充满美感的线条和结构，并由此组合成深具魅力各类章法，体现其审美价值。进而言之，创意的刀工必然带来风格迥异的字体，这些字体紧凑组合在印章上，又呈现出不同的整体视觉效果，从而得到独特的意蕴和境界。诚如清代文人高阜描述的“约千言于数字，缩寻文于半圭，不越径寸之中，而尽乎碑版铭刻、赋诗乐志之胜”[3]。可见，将千篇万言，缩刻在径寸之中，其浓缩的不仅是历史、文化与文字，也浓缩着思想、审美趋向和创作者个人所追求的情趣意境。“文人篆刻不仅力求印章文字、章法、刀法各方面符合传统审美原则，同时努力将作者个人的修养和追求贯注其中，在作品中创造出意想，情趣和意象融而为一，令篆刻的审美价值更加丰富和具体，从而真正成为一门纯粹的艺术形式。”[4]
二、刀落石化境的生命延续——平面设计中篆刻元素的运用
古老的篆刻艺术，通过对字体形态的改变及字体与字体之间的布局，于小小方寸间构建出一个个或厚重古拙、或娟秀轻盈、或大气雄浑的艺术世界，“为现代平面设计开了厚重、古拙之风”[5]。所以说，篆刻的美在于文字自身的精美设计、在于印面上文字之间的章法布置、在于文字内容蕴藏的意境、在于印章表面散发的厚重金石之味，在径寸之间选择着的、安排着的、表现着的、传递着的没有一丝一毫的“任意妄为”，而全部是传递思想、情感和信息所必须的。这种对印面文字与文字之间的组成关系（章法）所做的精心设计和经营正是篆刻艺术之美的重要手段，更是其设计倾向的重要体现。本文仅从文字设计之美与章法经营之妙两方面谈篆刻艺术在当代平面设计中的运用，以展示其古老生命在当代平面艺术中延续与发展的必然性与重要意义。
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开放的演播空间
作者：admin2008-5-2619:13:17
开放的演播空间秦建伟改革开放二十年以来的中国电视业经过发展，竞争日趋白热化，电视以全新的姿态走进千家万户，不论高度时效性的新闻类节目，还是综艺娱乐性节目......优秀的制作与精美的包装，再加及节目主持人充满智慧的语言都对节目的收视率有非常大的影响。一档优秀的电视节目需要制片人(导演)主持人(演员)
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开放的演播空间
秦建伟
改革开放二十年以来的中国电视业经过发展，竞争日趋白热化，电视以全新的姿态走进千家万户，不论高度时效性的新闻类节目，还是综艺娱乐性节目......优秀的制作与精美的包装，再加及节目主持人充满智慧的语言都对节目的收视率有非常大的影响。一档优秀的电视节目需要制片人(导演)主持人(演员)摄像灯光美术设计音响编辑技术等方方面面的通力合作，才能更有效地完成整个片子的制作，演播室空间美术设计也是其中人非常重要的一环。
美术创作人员在得到一个演播室空间美术设计的任务时，酝酿最初的想法和形象化的概括，抓住对设计的独特理解，逐步形成它所塑造的演播空间外部形象的具体想法和意向.意在笔先,避免机械地按照节目规定的空间提供一般化地环境设计，才能提炼与节目有内在联系的造型因素，使空间成为一种潜在的语言,创造出仅靠人物语言动作无法充分表达的深遂意蕴。
在这里，我暂把演播室空间的设计分为六个角度进行分析:
一假定的空间
假定性系美学概念之一，假定性是一切艺术创作所共具的属性，空间艺术中以抽象象征虚拟引喻，间接表现艺术的时空感。
演播室的空间也可以是一个假定的空间场景，通过不确定空间的指定性，体现节目风格，例如：凤凰卫视的“杨澜工作室”，是一档以讲述历史长河中种种发人深省的故事、轰动的事件、才子佳人的传奇，回顾历史,给人以启迪的栏目.,整个节目开始摄像机由上自下，由右向左缓缓移动，象征历史文化的罗马石柱屹立在运动着的蓝天白云下，每一个柱子的中间都有一个电视屏幕，不断播放着珍贵的历史资料，主持人从柱子间慢慢走进镜头讲述一幕幕动人的传奇故事，这个假定的空间定位在一个变化的历史长廊中，把一个古老的历史废墟景象搬到演播室，在这样一个时空交错的环境中，让观众能更好地去了解过去的各种历史。
二情感空间
不同类型的节目体现出来的感情基调是不相同的，一般节目的开始往往通过一段音乐，几组画面，几行字幕，就可以让观众了解整个节目的风格，环境的设计同样也从背景到环境空间道具无不体现出某种特定的情感用语。亚洲卫视的[V]频道，几乎所有演播室的空间设计，都采用极度夸张的色彩，奇异的道具，再加上主持人新潮的发型及服装，体现出先锋音乐的存在空间，在这样的气氛中，肯定不会有严肃的故事发生。
三交互式的空间
谈话式的节目中,演播室的空间设计目的是让主持人与观众在一个开放的空间里迅速沟通，调动情绪，让更多的观众融与节目中进行参与。“实话实说”栏目，演播室为圆型空间，观众嘉宾主持人三者在同一对等空间，摄像分布其中，主持人在观众嘉宾中来回穿插，打破了空间的两面或三面的传统组成结构.这种开放的空间构架,能更加轻易地调动观众的参与情绪，让主持人有更多的发挥余地。
从这一点来说，演播室空间的美术设计，已不是简单地独立出现的，它是通过空间这个媒介与节目结合在一起.这就是为什么搞装饰装修的设计人员，在搞电视演播室的空间设计时,为什么显得有时力不从心了。失败的设计只能体现在独立的空间变化，独立的背景空间，与节目本身相差甚远。
四空的空间(通用性演播空间)
一些演播室不需要一个特殊的环境场所，关键是画面的整体和清晰，再配置简单的道具，这种布景也称为通用性演播，常用中景和近景，全景仅仅起到穿插作用。例如：凤凰卫视的“铿铿三人行”栏目，整个演播室只用了一个非常简单的幕布，以此体现“人生大舞台”“幕后休息室”的意象，以再简单不过的背景突出节目调侃诨谐的风格，是典型的后现代舞台风格，把三个人物放在一个简单的中性背景中，人物和人物之间的性格更加突出，这种空的空间设计可以使观众唤起某种形象感触，也就是所谓的形象联想，形象联想也就是设计创作中不可缺少的契机，是塑造形象的基准。
五装饰性空间
如果是中性节目，不需要表明人物的特定环境，只需要有一个优美的背景来提高画面的艺术欣赏性，比如：音乐舞蹈节目杂技表演节目就需要在通用性的空间背景基础上，给予特意的精心设计，这也称为装饰性布景。这种装饰性空间场景,要考虑演员上下场的变化，利用色彩空间的变化，传统或现代的图形变化使节目本身更加充实漂亮，甚至可以利用机械装置增加演播室的空间变化，让节目更有可看性。
六虚拟空间
电视的发展总是伴
