关键词：艺术设计；对接；益阳；工艺美术；创意设计；策略；实践
0前言
艺术设计必须与时俱进，其审美是由设计者决定的，为消费者服务的。因此，益阳工艺美术创意设计园打造的项目以独特的艺术工艺为主。它包含的艺术种类多样，但是对于独特的益阳工艺美术，更需要通过艺术设计向人们展现益阳的湖湘文化。益阳工艺美术创意设计园就像一块璞玉，只有经过艺术设计的雕刻后才能创造更高的价值。
1艺术设计对接益阳工艺美术创意设计的重要性
1.1促进益阳工艺美术创意设计发展
艺术设计对接益阳工艺美术创意设计可以加强益阳工艺形式美感，可以更好地被大众接受，能促进益阳工艺美术创意设计的发展。益阳竹林矗立、风景秀丽、湖水聚集，湖湘文化特色突出。在古代，益阳对于工艺的要求就非常高，有别具一格的文化特色，包括书院文化、梅山文化、湖湘文化、竹文化。益阳人会读书、爱读书正是源于其浓郁的书院文化。书院文化重视对人才的培养，提倡学以致用。益阳地区有自己独有的——梅山教。形成了特有的梅山文化，它让益阳人变得重视英雄气概，倡导资源共享。梅山文化也正是原始的共产主义。益阳有鱼米之乡——南洞庭，人们傍湖而居，形成了湖湘文化。湖湘文化的田园牧歌式的浪漫是农耕文化的另一面，人们在农作的时候都会唱上几首号子。另外，最具代表性的是益阳的竹文化。益阳的竹林占地面积较广，所以益阳当地人将竹子应用到了各个领域。独特的益阳文化得到了众人的欣赏与认可，艺术设计对接益阳工艺美术创意设计可以将独特的益阳文化融入包装设计、工艺品设计、装饰设计中，让益阳文化符合大众的审美、时代的诉求。通过这种形式不仅能弘扬地方的文化特色，令其被众人熟知，还能促进当地工艺美术创意设计水平的提升与发展。
1.2有利于对湖湘文化的宣传
艺术设计对接益阳工艺美术创意设计可以将益阳独特的湖湘文化以全新的形式展现出来，加强对湖湘文化的宣传。湖湘文化在发展的过程中受到了自然环境、人文环境和历史环境的影响。湖南是中国南方的一个省，有浩渺的洞庭湖，还有湘江这条湖南最大的河流。在古代，湖南就被称为“湖湘”，湖湘文化就此产生。自古以来，湖南就是炮火连天的地区，战火的历史铸就了湖南人坚毅的性格和彪悍的民风，湖湘文化正是在此背景下逐渐形成的。湖湘地区的历史内涵非常厚重，在著名的爱国词人辛弃疾任湖南安抚使期间，几乎所有的学者都来过湖南地区探讨学术，对中国社会的发展产生了重要的影响。随着文化多元化时代的来临，我们应该大力弘扬湖湘文化的优秀传统。艺术设计对接益阳工艺美术创意设计能将独特的湖湘文化通过实际形式表现出来，将湖湘文化随着产品传播到五湖四海，湖湘文化凭借自身的独特魅力必然能在当今时代续写新的篇章。
1.3加强益阳地区经济发展
益阳地区的经济发展与本土文化有直接的联系，艺术设计对接益阳工艺美术创意设计可以对本土文化进行挖掘并进行创新、融合，给当地文化注入新的活力，促进益阳地区经济水平的大力发展。文化益阳正在崛起，“十二五”期间，益阳文化得到了大力发展，加强了文化产业的改革创新，通过艺术设计对接益阳文化创新，加强益阳文化与当代技术的融合，通过高新技术对益阳独特的文化进行全方位解读。经济与文化是不可分割的，文化发展可以促进经济的发展，经济的发展也能促进文化创新。建设文化益阳，通过艺术设计对接益阳工艺美术创意设计可以对益阳文化进行创新，使益阳文化特色与时俱进，有利于促进益阳地区的经济进一步发展。
2艺术设计对接益阳工艺美术创意设计的实践应用
2.1加强校企联合，培养艺术设计人才
为了加快艺术设计对接益阳工艺美术创意设计，益阳地区需要加强“政校企”联合，培养高素质的艺术设计专业人才。在市场经济的背景下，当前社会竞争激烈。想要发展文化益阳，就必须加强对艺术人才的培养。加强艺术设计对接益阳工艺美术创意设计需要从校企合作入手，当地学院与企业建立的一种合作模式可以对人才进行针对性的培养。艺术设计专业人才需要具备创新能力及实践操作能力，校企联合可以为学院艺术设计专业提供实践场地以及实践设备。企业可以从学校挑选高素质艺术设计专业人才加强企业创新发展，并且通过校企联合发展大量的艺术设计专业人才可以加快艺术设计对接益阳工艺美术创意设计的进程。所以，益阳应该加强“政校企”联合，三方联动实现共赢目标。
2.2建设益阳工艺美术创意设计园
想要实现艺术设计对接益阳工艺美术创意设计需要提供对接环境，建设创意园可以加强益阳地区“政校企”联合，加快艺术设计对接益阳工艺美术创意设计的进程。2013年，益阳工艺美术创意设计园君临上海湾项目正式启动，该创意园吸纳了许多文化创意企业和艺术人才，对创意园周边院校和企业起到了非常良好的促进作用。可以说，创意园将成为振兴湖湘文化的产业。所以，益阳工艺美术创意设计园的建设能够加快艺术设计对接，益阳地区可以根据以往的经验建立一些小型工艺美术创意设计园，促进周边发展，培养艺术型专业人才。这样一来，艺术设计专业人才可以对周边的建设进行反哺，并且应用新的教学理念可以培养出实践型设计人才。这些人才可以加强益阳美术工艺的建设，帮助益阳工艺美术创意设计实现艺术设计对接。
2.3完善益阳工艺美术创意设计体系
益阳工艺美术创意设计体系还处于起步和萌芽阶段，制度建设、教学理念和设计走向等方面还不够系统、完善，要想实现艺术设计对接益阳工艺美术创意设计必须完善创意设计体系。加强益阳地区对设计人才的需求，引进全新的教学理念，注重对设计专业人才的实践能力培养，增加设计专业人才的实践经验。这样才能在真正意义上加强“政校企”联合，促进益阳地区经济和技术的发展。艺术设计专业人才的培养可以为艺术设计创新提供动力，促进艺术设计对接益阳工艺美术创意设计，从而完善工艺美术创意设计体系。
3结语
艺术设计对接益阳工艺美术创意设计需要良好的外部环境，需要加强益阳地区“政校企”联合，建设益阳工艺美术创意设计园，培养大量的艺术设计专业人才，运用新的教学理念来加强艺术设计人才的职业核心能力，为艺术设计对接益阳工艺美术创意设计提供动力，加快工艺美术创意设计体系建设，才能达到促进益阳地区的社会发展的目标。
参考文献：
我们面临的社会是激烈竞争的社会。知识不断地更新，科学飞速的发展。经济全球化，势必要求人才标准和高等教育国际化，这是一个必然的发展趋势。从全球角度来看，在全球市场经济的价格竞争质量竞争设计竞争的发展趋势下，以综合化设计服务市场已经形成。即以产品的开发与设计楔入，产品注册商标标志，产品包装及cIs企业识别系统设计，广告策划设计、产品展示设计等综合。
二、教学模式探究
1、以往教学模式的利弊
以往典型的设计教学模式是“三段式”，即造型基础、设计基础、专业设计三大块，计了若干自成体系的课程，具有相当的完整性，教学方便易行。但当社会经济发展到今天，设计重新走向综合时，这种教学模式已成为培养具有综合性创造人才的严重障碍。
2、提倡综合化教学模式
为了实施设计教育综合化教学模式，先前以教材为基础的分门别类的课程教学方法，已难以实现教学目的。只有以课题教学来代替课程教学，即以一个个由易渐难的课题，有机地将系统设计所需的知识，通过教学课题系统地教授给学生，并使其在课题的推进过程中得以消化和吸收，才有可能实现培养专业创造力的教学目的，适应综合性教育发展趋势，建立综合性的设计教学模式，强调的是以设计为中心。
由于综合性的设计教育模式是建立在多科学系统知识基础之上的，因此，它能够为学生创造力的发挥提供良好的空间，为创造设计的成功奠定坚实的基础。
3、提倡实践化，开展艺术设计业务市场操作教学模式
设计是一种社会行为，因此设计教育必须结合大量的社会实践课题。设计教育的社会实践不仅是消化知识的过程，更重要的是它起到了弥补课堂教育不足，整合专业知识，并使之更加系统化，增强应用性的作用，具体来讲，要想参与艺术设计业务活动行为就必定会经历四个阶段：
第一阶段：收集艺术创作、艺术设计市场的相关业务信息。要想把这一阶段的工作做好信息渠道、信息网络的建设就显得十分突出。建设好信息渠道、信息网络的关键在于从业人员在诚信的基础上是否有着广泛而良好的人际关系和交际社会活动能力。
第二阶段，艺术设计项目承接与洽谈。通过信息渠道、信息网络得到相关业务信息后着手与对方联络洽谈，通过有效的联络和洽谈从对方承接到项目。这就要求从业人员自身有着大方得体的言谈举止，广阔的知识面，并且具备良好的语言表达能力以及应变能力。
第三阶段：项目的策划与创作设计。通过第二阶段的工作承接到项目后进入到项目的策划与创作设计这一阶段，这时从业人员在校期间所学习和掌握的专业知识、专业技能才有了用武之地，才有了展示的平台，这一点我们应该不难理解。
第四阶段，设计方案通过，项目的具体实施。这个阶段要求更多的从业人员实际动手能力和操作能力，同时是否具备丰富的社会实践经验、组织管理能力、协调能力以及对市场、对材料的熟悉程度均至关重要。同时对于项目的预、结算方面的知识同样是从业人员必须认真学习和掌握的两个重要环节。
由于这些社会化的方式培养了他们适应社会的能力，同时也不免在很大程度上压抑了他们的创造力。但是，我们不可能因为社会消磨掉创造力而废除社会化，我们能做到的只能是建议在社会化基础上更加做好设计教学，把创造力引导到有用的地方去。
三、建立以综合化设计人才培养为核心的教与学
由于设计教学模式变革，从而教学单位可摒弃一些传统的教学模式而创新。创新的指导思想应该是针对当今、往后艺术设计这一职业岗位的主要特点，在课程设置的整体框架、结构上为之服务。使学生实实在在的学到和掌握这一职业岗位所需要具备的知识结构、技术能力。可以说是轻视了育人的重要性，轻视了对学生各个方面综合素质的培养。
未来社会的发展加之艺术专业职业岗位的特征，要求学生成为在竞争中有创业的精神，积极进取开拓创新的能力，适应角色变换和高新技术发展的能力，可持续发展能力，勇于挑战等全方位高素质人才，培养这种全方位的高素质人才，起码应该从以下四个方面着手：
1、“德为才之本，成才先成人”学做人
做一个以诚信为本正直的好人。同学们在日常生活和学习中，有目的地培养自身良好的个性品质，健康的个性心理，以及提高组织能力，独立办事能力和与人团结协作的团队精神，锻炼培养自身果断、忍耐、勇气、信心、守信、持之以恒、责任感等气质，同时使自身养成良好的仪表仪态、言谈举止，养成博爱和包容他人的良好心态、将来是一笔巨大的无形财富。
2、语言表达能力的培养
言语活动是人与人之间相互交流思想感情和传递信息的重要方式。作为艺术设计专业学生以后所从事的职业特点而言，口语表达流利，能说会道也同样是一笔巨大的财富、语言的技巧、口语表达流利，能让你的设计创意思维以及设计方案得到客户的认识。
3、社交能力的培养，提高与人团结协作的精神
作为艺术创作艺术设计专业的学生，今后从事的工作特点而言，人与人之间的交往非常重要。人际关系从本质上说是人与人在情感上的联系，而移情是沟通人们内心世界的情感纽带。移情是站在别人的立场上，设身处地为别人着想，用别人的眼睛来看问题、发现问题、解决问题、只有这样才能把自己和他人拉得更近，才能取得他人的信任。
4、专业知识、专业技能的学习培养
近几年在教学过程中发现，艺术设计专业的学生中普遍存在一个突出的问题，那就是学生对组成本专业的知识结构认识模糊，在艺术创作艺术设计这个大专业里片面狭隘的针对自已的小专业，在小专业里学习又急于求成。如服装设计专业的学生认为只有学习好服装制作才是关键，计算机美术设计专业的学生不顾一切急于学习软件操作。
关键词：设计 艺术基础课程 艺术内涵
关于艺术设计专业中艺术基础课程的讨论，重点在其与设计专业课和设计学科本身的适应性方面。这种对课程设置、课程内容以及完成课程方法的探讨基于一个基本的前提，就是把艺术设计这个专业视为应该具有正确体系的学科。实际上，设计是一个特殊的学科，一个极富运用性的学科，其特殊性就在于，它的体系应该事实上也正是随着社会需求的发展在不断变化。因此，对其中艺术基础课程的探讨应首先认识到艺术与设计关系的发展与变化，从中找到规律，在此基础上更为灵活地设置、实施和调整课程的内容。
一、现代设计形成过程中对艺术的态度
从设计的视角来看艺术，这两个东西总是相伴的。现代的设计概念应该从工业革命以后开始形成，最具起始意义的当是莫里斯倡导的“工艺美术运动”。佩夫斯纳在《现代设计的先驱者》一书中把莫里斯称为现代设计运动之父，其理由是他提出了一个“决定我们世纪艺术命运的大问题”，那就是“人人都能享受艺术”“一个普通人的住屋再度成为建筑师设计思想的有价值的对象，一把椅子或一个花瓶再度成为艺术家驰骋想象力的用武之地。”[1]从这里可以看到，莫里斯对现代设计的推进以及对现代设计概念形成的作用有两点值得关注：一是对设计的再度设计，这显然是对传统设计的反思；二是设计涉及每一个人，这种广泛性正是工业生产及其时代的特性。这两点都与艺术相关，因为莫里斯的主张是以恢复过去时代手工艺中的艺术性为出发点的，他为艺术下的定义就是“人们在劳动中获得乐趣的表现”。所以，对于第二点是他不愿看到的，因为这就必然重新引出机器生产的概念，从而违背了从中获得乐趣的艺术原则。
莫里斯处于一个生产力和整个社会生活的转变时期，而他的倒退性正体现了一种从设计概念到设计实践的调整。这一点说明了完全脱离艺术的设计是不现实且不能成立的，设计是对人们生活和行为方式的塑造，从广义上具有“美化”的内涵，即使设计中的“功能主义”，也应理解为一个审美范畴，即以功能为审美的基础。因此，设计观念的彻底转变需要一定的时间来过渡和完善。莫里斯本人后期的思想也有所改变，认为我们应该尝试成为“机器的主人”，把机器用作“改善我们生活条件的一项工具”。[2]
佩夫斯纳认为，现代运动的真正的先驱是那些从一开始就支持机器艺术的人。一方面，实际上这种状况是由一系列的理论逐步达到的；[3]另一方面，也说明了，就设计而言，机器生产仍然具有艺术内涵。事实上，在现代设计的先驱者的理论与实践中都是把艺术置于重要的位置，只是对艺术本身的解释在变化着。穆泰苏斯认为只有机器制品是按照时代的经济性质制造出来的，应该探讨一种“机器风格”，摒弃一切外在的装饰完全按照其使用要求选择形式，但目的仍然是要得到一种“从适用性和简洁性而来的干干静静的优美和雅致”，并通过“标准化”达到一种“人们所普遍接受的、确实可靠的艺术趣味”。[4]
最早的包豪斯宣言和纲领就明确地提出“建筑师、雕塑家、画家，我们都必须回到手工艺”，显然是继承了莫里斯的理想。[5]包豪斯的初期主要宣扬的还是手工艺为造型活动的中心，在其早期的《纲领》中称，包豪斯的目标是“向着统一一切艺术创造的目标而努力，向着新建筑，以及作为它不可分割的组成部分――雕塑、绘画、工艺、手工劳动重新统一的目标而努力” [6]，只是在1923年才提出了“艺术与技术的新统一”。这种新统一的具体演讲内容已无法见到，但这里的技术显然已不再仅仅是手工艺的技术，主要是指作为现代技术的机械技术，也包括现代的科学。这个思想在同期发表的《包豪斯的理论与组织》一文中有所体现，其中贯穿的是整体和集体协作的观念。文章的开始便提到，“旧的二元世界对立的概念已经迅速衰落。代之而起的是整体的概念，在其中所有对立的力量都以绝对平衡的状态存在。”[7]整体与统一包括多方面的内容，如精神与物质、个体与集体、机器与手工、设计与艺术等等，“脑子想象有关数和维度的数学空间，手通过工具和机械的帮助用工艺技巧来掌握物质。真正创造性的作品只有被那些掌握静力学、动力学的物理定律知识，用光学、声学装备自己的人来完成，这些条件将生命和形状注入他们内在的视觉。在一件艺术作品中，物理世界、智力世界和精神世界的各种定律在同时发挥功能并表达出来。”[8]这就是“新统一”的基本含义，这种含义与莫里斯和早期包豪斯对设计艺术内涵的表述完全不同，不再是利用过去的艺术形式和内涵来装饰、充实设计，而是将新的科学技术结合在设计程序本身，从而创造新的艺术内涵。传统设计向现代设计发展的基本逻辑是达到完全的功能主义，在设计中抹掉艺术的影子。包豪斯后期的领导者迈尔就是彻底的功能主义的信奉者，坚决排斥在产品形成上的美的艺术要素。认为“一切生活都是功能，所以是非艺术的”但是他并非无条件地否定艺术，而是认为艺术是秩序，是被全体人类限定的、新的、客观的秩序，他只是否定脱离生活与功能的几何学的形象。[9]
现代设计从源起到形成是一个有着重大转变的过程，是设计领域的根本性变革，也是在设计领域对传统艺术逐步清理的最为显著的时期，整体上设计是从装饰走向功能。但是可以看出，这个过程非但没有从设计中驱逐艺术，反之正是包含现代设计所做的工作在内的社会进展，扩展和充实了艺术本身的领域和内涵，艺术一直是设计本体的一个重要方面。
二、从设计的视角看艺术
从社会分工和学科划分方面来看，设计不同于艺术，但是设计与艺术有特殊的联系，这就是设计一定包含了艺术的内涵，不仅从现代设计的形成和发展过程中，而且从人类的设计性本身都可以看到这一点。简单说，设计与艺术源于人类同一种本质的实现过程，即人类具有的审美特性，正如莫里斯指出的，是“人们在劳动中获得乐趣的表现”。尽管这句话作为艺术或设计的定义都显得过于简陋，却是事实，因为劳动中的乐趣无疑是人的本质确证的情绪表达，这是设计性赖以存在和发展的一个基础，其外在形式就是艺术的雏形。这就是为什么莫里斯甚至格罗皮乌斯都会把设计的艺术内涵与手工操作和手工技艺联系起来，以致格罗皮乌斯在文章中说：“机械的作品是无生命的，仅仅适合无生命的机器。然而，只要机器―经济仍然以自身为目的，而不是作为把智力从机械的劳作中解脱出来的手段，个体就仍然受到奴役约束，社会就仍然混乱。解决的办法依赖于个体对劳作的态度的变化，而不依赖于其外部环境状况的改良，对这种新原则的接受对于创造性劳动来说具有决定的重要性。”[10]当然，格罗皮乌斯与莫里斯的处境不同，他已经理解机器生产的先进性及其对设计带来的冲击，他所说的创造性劳动自然已不再是指手工业式的个体劳动的全面性，而是集体的协作性和知识背景的广泛性。显然，这种新型的劳动所产生的美不再可能是手工业时代雕琢、附加的装饰性。所以，现代设计的先驱们反对装饰，去除“艺术”的主张就容易理解了，他们去除的艺术并非设计中的艺术内涵，而是作为过去式的艺术形式。
在艺术与设计的关系中，如果说艺术是审美的集中表现，设计就是一般活动中审美原创性的集中表现，这种活动也包含了对现成艺术成果的利用。所以，从理论上说，设计对美的创造总是走在艺术前面的，从设计的视角可以较清楚地看到这一点。莫里斯倡导的工艺美术运动的局限性或倒退性不在于是把艺术成果运用于设计，而在于它的结合方式。实际上，莫里斯的设计质朴清新，讲究统一而合理的章法和仔细观察大自然欣欣向荣的生态，所采用的是中世纪的手法，与当时的矫揉造作的设计之风是完全不同的。[11]但是从设计作为审美原创性集中表现的角度，设计中的艺术内涵不应该是艺术的现成形式，而是新的艺术得以形成的基础，由于这一点，设计的艺术内涵需要排除的正是艺术的形式。一旦把艺术的现成形式结合到设计作品或设计训练中，就违背了设计的发展原则，而受到艺术封闭性的制约。正是在这一点上包豪斯及其以后的现代设计实践具有显著的进步性，现代设计承认机器的优越性，排斥艺术，但并没有否定设计的艺术内涵。这主要体现在设计和艺术的结合方式上，包豪斯的“新统一”便是如此。格罗皮乌斯指出，“包豪斯导引性的原则是这样的概念，通过把多种‘艺术’和运动结合（welding）在一起创造一个新的统一体：一个具有人本身以及作为生命有机体意义上的基础的统一体”。[12]应该注意格罗皮乌斯在这里用的是welding一词，这个词实际是“焊接”的意思，也就是说，新统一不是把艺术作为一种现成形式附加式地结合到设计作品中，而是把各种因素融合到设计过程中，创造一种新的形式。艺术内涵从莫里斯和早期包豪斯的机械相加到有机融合，艺术这一概念或内涵已经完全不同于原来了，是结合了机器生产带来的所有因素，是通过设计而实现的一种全新的审美观念为基础的活动和形式。
现代设计与传统的艺术形式越来越远，因而创造了新的形式和新的审美方式，并直接影响到艺术本身的发展，在很多情况下，现代的艺术与设计更难以区分。同时，设计中的艺术内涵也会推动设计本身的发展，设计需要艺术人才，正如格罗皮乌斯展望的，“现代绘画，突破了旧的传统，释放了无限的可能性，这些都等待着实践世界的运用。但是在未来，当那些感知了新的创造价值的艺术家在工业社会经过实践训练以后，他们就会立即拥有自己实现这些价值的方法。他们会强制工业服务于他们的观念，工业会选择并利用他们广泛性的训练”。[13]
设计的艺术内涵不是指艺术本身的内容，而是结合社会发展各个因素的统一体所体现的艺术特性和素质，这是设计不可缺少的，也是设计教育不能忽视的。从上世纪50年代到80年代之间，我国的设计教育以工艺美术命名。80年代开始是一个迅速发展的时期，从原来的“工艺美术”逐渐向更具现代内涵的“设计”转变。这不能简单地认为是对现代设计以及设计教育的认识问题，而是与我国的生产力和社会发展相适应的状况，“工艺美术”更能满足当时的“设计”需求。这都说明，设计中的艺术内涵在不断推动设计发展。
三、从基础课程看设计的艺术内涵
尽管设计专业分别开设在艺术院校（包括综合院校）和工科院校，其课程结构也不一样，但总体上艺术设计仍然属于一种艺术，只是不要狭义地理解成纯艺术。设计中包含的艺术内涵使设计活动，不管是外表形式的设计还是涉及使用功能的构造设计，都在一种具有艺术性质的协调一致中来完成，这是其他工作所不能替代的。格罗皮乌斯就曾提出，所有预备阶段课程的作业包含着艺术品质，任何引导的和逻辑的发展出来的个体表现，只要服务于奠定创造性规律基础的都可称为艺术。[14]因此艺术设计专业的课程，尤其是艺术基础课程，不能对其采取完全实用的对应态度。随着对设计的认识逐渐深入，注重设计学科自身规律的意识逐减加强，但同时也带来这样的倾向，把设计与艺术逐渐划分开来，而忽略了设计本身所包含的艺术内涵。例如，目前对绘画基础课的设置和方法等方面存在不同的观点，有的观点认为绘画能力的培养与设计关系不大。实际上，我们很难证明绘画基础课对设计能力到底有用还是没有用，因为设计需要一个综合的能力，设计本身就是一种创造性活动，它需要调动的知识和能力是无法量化的。进一步来说，就如格罗皮乌斯提出的，要寻求发现以及对个体表现手法的合适评价，因为个体的创造可能性是多变的。因此，包豪斯的课程体系强调“集体教育的基础必须是充分宽泛的，来适应每一种才能的发展。因为对于发现才能完全通用的方法是不存在的，个体必须在这个课程中为自己找到最适合其发展的领域”。[15]所以格罗皮乌斯提出，包豪斯的信条是：努力协调一切创造性的成就，在建筑方面达到全部艺术与设计训练的统一。包豪斯的最终目的是集合的艺术作品――建筑――在其中结构与装饰艺术之间没有障碍。[16]艺术设计，包括工业设计，从整体上不同于一般的工程设计，它所包含的艺术品质是不能忽视的。
在考虑基础课，尤其是艺术类基础课时，不应功利地看其对设计有什么具体作用，因为这种联系是曲折的，仅从课程设置和教学方法的角度难以看出其间的联系。所以，认识到设计的艺术内涵很重要，从这一点来说，设计中的艺术性正是设计的创造性所在，使设计不同于一般的计划和安排，而是包含了人类特有的审美发展的成果，这一点是不能用基础和专业的简单对应性来概括的。
从本文的观点设计是创造艺术的基础之一来看，艺术具有一定的封闭性，因为艺术是审美的集中表现，一旦艺术具有特定的形式，就成为审美的过去时态。但这是把艺术作为固定形式来理解时出现的情况，如“工艺美术运动”所具有的局限性就有这种特点。理解设计中的艺术内涵，正是在于把其中的艺术性理解成动态的、原创的审美创造，而不是对艺术形式的借用。就像包豪斯所做的那样，动态的、原创的审美创造能力需要各方面的基础课程来支撑，而不是直接发挥所谓的创造力。反之，过于强调设计中的创意成分，把其作为设计自身规律的基础，也会使设计形成封闭而失去其设计性。例如，简单地把绘画基础课程直接联系设计的创意性，而忽略其通过再现手法达到的对自然多样性的理解，就有可能限制学生通过个性化的观察和表达而获得无限可能性的机会，从而抑制了学生的创造能力。再如，为了与设计有更紧密的联系，主张在构成课程中采用更先进的创意方法，而不去反复做那些逻辑的推算。事实上构成课程的实质及其开放性正在于它的非创意性，在于它通过逻辑方法而达到的难以用形象思维捕捉的意外的视觉效果，因此“创意”反而封闭了创意的可能。这一点也说明了，设计中的艺术内涵不是艺术的形式，而是设计性所特有的在任何活动中都能创造美的这种开放精神和广阔的自由度。
前面提到，一旦把艺术的现成形式结合到设计作品或设计训练中，就违背了设计的原则；同样，把基础课尤其是艺术类的基础课简单地、直接地与设计连接起来也会违背设计的原则和设计教学的规律。这是因为，这种考虑没有真正看到设计的艺术内涵，只把基础课程当作简单的实用训练。
结语
本文认为，不管怎样强调设计作为一个独立的学科，设计仍是一种艺术，这是因为尽管设计本身发生了很大的变化，尤其是现代设计的形成和发展使设计达到了完全的独立，但有一个基本因素一直伴随着它，这就是其中的艺术内涵。艺术内涵不是艺术形式，而是多方面的综合性与原创性，也是创造艺术的基础之一。
设计的内涵随社会发展不断改变，我国的设计教育从工艺美术到艺术设计的命名并非认识方面的深化，而是设计与社会之间关系的变化，其中没有改变的应该是设计包含着艺术内涵。
设计专业的艺术基础课应该担负维护设计艺术内涵的任务，使设计保持其原创性的品质。同时也应该认识到，艺术基础课不应理解为对学生艺术素质的培养，而是设计本身的重要内容，这就是设计中的艺术内涵。
本文提出设计的艺术内涵，并没有解决艺术基础课本身的问题，但在解决这些问题时考虑到这一点应该是有益的。
参考文献：
[1][2][3][4][11]佩夫斯纳.现代设计的先驱者――从威廉・莫里斯到格罗皮乌斯[M].王申祜，译.北京：中国建筑工业出版社，1987.
[5][6][9]利光功.包豪斯――现代工业设计运动的摇篮[M].刘树信，译.北京：轻工业出版社，1988：3-12，4，120―121.
关键词：设计；艺术；审美意识；联系
在人类发展历史上，伴随着社会生产力的不断发展，艺术和设计在其各自的领域也得到了不同的发展，与此同时，它们两者之间的关系也相当的微妙；设计从最早对时期的有意识、有目的的加工，慢慢演变为当今包含人类审美需要和功能需要的创造性活动。笔者认为就此演变而来的人类对美的需求，也就是今天所说的艺术了。
设计与艺术两者之间是有联系的，想要很好地理解“设计与艺术”的概念，对于首要了解设计这一概念是非常有必要的，即使设计随着人类历史发展的不同而有着不同的含义，但设计终究会升华成为艺术。
1 设计的解释
“设计”这个词起源于古罗马，并可以追溯到拉丁语的“designare”，它的含义有很多，比如说追溯、标记、描绘、计划、和做事；1548年，对于“设计”的解释首次出现在《牛津英语词典》中，这时的设计还是动词，与“指出、制定”的含义等同；1588年，它又身兼了名词的意思，意思是指“目的、目标和意图”；几年以后，对于它的名词的解释变得更加精确即“做一件事之前的计划，行动之前的打算”。这些比较原始的关于设计的含义一直沿用至今，随后新的含义也在不断地出现，有些解释则比较笼统，有些解释则比较精确。
笔者认为，设计可以简而言之的这样去定义，设计就是令人意想不到的东西，设计就是符合自然的客观规律，一切在“以人为本”的前提下进行创作的，同时设计出来的东西要满足人们的物质需求和精神需求，让人类的生活变得更加的和谐，更加的丰富多彩；更进一步来说，设计就是将平凡变得不平凡。
假如你从来没有见过智能手机，当你第一次接触到它的时候，先不看它的外形，怎样才能猜出它的用途呢？如果光是盯着它看，当然无济于事。你完全无法从这个玻璃、塑料、金属材料的组合中得到丁点的暗示：它到底是用来干什么用的？它该怎样使用？使用它对我们有什么影响？……你无法想象到这样如此小的玩意居然比一辆推土机还要厉害，这样一个小型的数码装备居然容纳了相当大的内存容量，单从它的外形来看，你怎会发现它既可以当电话、相机、浏览器、家庭数码管理系统、播放器、游戏机、音响、电视机、闹钟、日记本、笔记本、地址簿、计算器、气压计、导航仪、指南针等等这些设备。这如此厉害的数码设备最早产生于20世纪50年代，具备足够勇气、想象力、知识和技术的科学家对晶体管进行发明，使得数据的传输成为可能，将其进一步的压缩使它越来越小，当百万个晶体管同时存在于一部手机里的时候，就形成了我们所惊叹的这一部数码设备。假想，如果没有设计，科学家的劳动成果将永远停留在实验的范畴之内，则更不可能改变人类的生活，无法满足人们的物质需求和精神需求。当人们谈论到手机以及其他物品的设计时，往往只停留在设计物品的外表上，但是物品的外形设计只是设计的一个部分，实际上，设计指的是分析事物、视觉化实现、计划以及执行的过程。设计创造了许许多多人类意想不到的不平凡的东西，这些设计使得科技不断地发展，使得科学技术融入我们的生活之中，使得人类的生活变得更加的方便，更加的丰富多彩。
2 艺术的解释
曾经在课堂上就听老师说过“艺术是生活的反映，不反映社会生活的艺术是不存在的。”所谓的艺术就是指人类根据社会生活的方方面面，在遵循审美和反审美规律的前提下运用一定的物质文化手段，创造出富有极大的美学特征的精神文化的创造。以往以来，人们对于“艺术”并没有固定的解释，在西方，“艺术”一词源于古罗马的拉丁文“art”，原义是指相对于“自然造化”的“人工技艺”，泛指各种用手工制作的艺术品以及文学、戏剧等。从广义的范围上来说，“艺术”还包括医学、科学等方面的技艺，其概念与技术大致相同。官方则从它的社会学、认识论和审美三个层次来进行定义：第一，从社会学方面来说，艺术是注重意识形态和精神的生产，它的目的是生产艺术品；第二，从认识论方面来说，它着重寻求真理、靠近真理以及获得真理；第三，从审美方面来说，艺术着重其审美性，它的目的是生产出具有审美性的艺术作品。艺术不仅包括物质产品和精神产品，同时也包括精神与物质结合的产品。
3 设计与艺术的关系
对于设计与艺术的关系解释，笔者最喜欢的是美国杰出的家具与室内设计大师查尔斯・伊姆斯的做法，当有人问到他，设计是否是“一种艺术性的表达”时，他是这样回答的：“我更愿意说设计是一种有目的的表达，它可能（如果它足够好的话）在之后会被当成艺术。”
艺术与设计有着密切的联系，他们之间许多相似之处，同时它们之间又存在着区别。设计的实用性和艺术的审美性在以前的原始社会内原始人类打制石器的行为中就得以体现，随着人类社会的不断发展，人们的审美意识不断的提高以及造物范围的不断扩展，促使了艺术与设计更加紧密的结合在了一起。设计是一种把计划、规划、设想通过视觉的形式表现出来的活动过程，最主要的创造活动是造物；而艺术是一种人类创造的一种具有审美的、创造性的意识形态和生产形态。随着人们的审美意识不断提高，设计也在不断地发展，自然而然地生产出“好的设计”，与此同时“好的设计”也影响着艺术的发展。因此，设计与艺术之间相互促进，相互影响。
4 结语
以上的内容是笔者关于设计、艺术以及两者之间关系的一个理解，本文着重对设计进行分析来深入探讨艺术与设计的内容。关于设计笔者还需强调几点：
第一，设计的开放性是其中之一。在这个资源开放的时代，就保密来说，它变得不再诱人，因此设计应该放下偏见，敞开胸怀，寻求与其他科学的合作。第二，设计要更具有人性化。设计需要更善解人意，更好地注意到我们生活中的经常出现的小问题，虽然这些问题不能用理性进行解决，但是它却影响着我们生活中的方方面面。第三，设计需要大胆和谦逊的态度。设计师如果想要在工作上有所进步，这两种特质是他们必须具备的。他们必须要勇敢地接受设计的局限性。第四，设计应更有策略。设计师是设计的沟通者，在设计的过程中，设计师不仅要认真地完成设计，还需要练就一些传播的技巧，以便进行有必要的宣传。
参考文献：
[1] 江黎.椅子的变异[M].人民美术出版社，2004.
[2] 杨硕.人类理性与设计科学[M].辽宁人民出版社，1998.
现代社会人类的一切生存空间、物质和生活方式，都需要经过精心而富有创意的设计，艺术设计是设计科学的一个重要部分，是一种物质生产活动，既是物质的又是精神的，艺术设计与现代科学技术的结合创造社会的物质文明和精神文明，推动社会进步与发展。
艺术设计的社会价值
艺术设计作为人类创造活动的一种重要形式，在当今社会经济高度发展的时代，已与国家的经济命运、资源的开发、国家建设发展、社会的物质文明与精神文明建设密切相关，是一项重大的战略问题。从艺术设计本身的发展来看，设计的起源有两个显著特征，其一是劳动的分工，其二是生产工艺的改进使得大规模生产和低消耗成为可能。设计的每一次飞跃和进步，都处在因社会分工而造成的社会经济高度发达的时期。首先，因为社会经济发达，社会需求加大、人类文明和审美情趣的提高，为艺术设计提出了更高的要求并提供了雄厚的物质基础。其次，社会经济高度发达时期也是社会观念大变革、大解放时期，为艺术设计的应用和发展提供了广阔的思想和思维空间。
当代社会设计已渗透到经济生活的方方面面，艺术设计也已成为提高经济效益和市场竞争的根本战略和有效途径，作为经济的载体，设计是国家和企业发展最有效的手段。重视与推进设计产业和设计教育，已成为关系一个国家发展的重要任务，因此许多经济发达国家都把发展设计产业和设计教育作为一项基本国策，放在国家发展战略的高度上来把握。以人为本的智能化生存方式已经逐渐改变了我们以往习惯的学习和工作模式，人性化设计是对这种生存意义的物化诠释。WwW.133229.cOM好的艺术设计往往体现了科技人性的一种外化与内涵，因此，科学与艺术的合作与对话就有其更重要的意义。充分认识设计的重要社会价值，从艺术设计是生产力的角度予以关注和扶植，艺术设计就能够推动国家经济的发展。
艺术设计的经济价值
艺术设计的价值必须投入到社会经济活动中得以实现，社会经济是基础，艺术设计要为发展社会经济服务。21世纪是一个“知识经济”也是一个“循环经济”时代，所谓的“循环经济”是一种以资源高效率利用和循环利用为核心，以“减量化，再利用、资源化”为原则；以低消耗、低排放，高效率为基本特征，符合可持续发展理念的经济增长模式，其中资源高效利用除物质方面的还有知识方面的资源的整合与利用，而不断地创新设计正是企业可持续发展的重要组成部分，也是新的经济增长方式内容之一。
设计是科学与应用、技术与生活、企业与市场、生产与消费之间的桥梁，是促进经济增长的工具。在当今世界经济中，制造业和服务业占有重要的地位，而在这两个部门的市场竞争中，需要生产、设计和销售三个环节的紧密配合，而设计便是平衡、协调各种制约因素，使消费者与生产者的利益达到一个均衡的整体，将我们生活环境按照美和机能的统一进行造物的活动。市场经济的建立及发展和科学技术水平的巨大进步，提供了批量化生产的可能性和必要性，与之相适应的社会结构也发生了很大的变化。商品的制造者是生产厂家，它们的目的很明确：产品必须具有市场竞争力，对于新商品而言还必须有巨大的市场，不管是设计的还是制造者，驱动他们开发新产品、提高设计质量的最终目的都是经济效益，而实现经济效益的惟一途径，就是市场。
艺术设计发展的原动力在于人们对美的不懈追求。这种追求是自发的、与生俱来的。正是这种对美好事物的向往与追求，成为推动社会经济发展的强大动力。我们说科学技术是生产力，就在于它能推动社会经济的发展。艺术设计能够促进社会经济的发展，主要表现在它不仅满足了人们不断增长的物质需求，也满足了人们的精神需求。艺术设计是把预期目的和观念具体化、实体化的手段，是人们进行经济建设活动的先期过程。它的本质是人们对将要进行的经济建设活动做出艺术化的设想和筹划。总体来看，这种设想和筹划是进步的，发展的，甚至是超前的，从这个角度来说，“艺术设计也是一种生产力”、“设计就是经济效益”的说法明确了艺术设计是一种推动社会发展的动力。
艺术设计作为生产力与市场的关系
科学技术是第一生产力，生产工具的改进和创新，新的劳动对象的发现和利用，新的工艺流程的设计以及生产管理水平的提高等，均须依赖科学技术的发展。生产力的发展是生产力的各个要素相互作用的结果，艺术设计具有科学的属性，作为生产力的内在要素，渗透在生产力的其他要素之中，它的变化必然引发其他要素的变化，从而引起生产力整体的变化，推动生产力水平的提高。
艺术设计，是随着市场经济在中国的兴起而兴起的，是为了适应市场经济的需要而产生的。应该说，在中国，艺术设计从诞生的那天起，就与市场经济发生了割不断的联系。艺术设计的发展是伴随着现代市场的增大则发展的。艺术设计作为一门融技术学科、美学、经济学、环境学、人文科学、销售学、市场学、人体工程学、创造学以及社会学、社会心理学、人类学等为一体的综合性边缘学科，艺术设计的主要功能和使命决定了艺术设计同社会与市场紧密联系，艺术设计必须面向市场需求，科技、艺术和市场的结合点在设计。
市场原理认为，市场是商品经济的范畴。哪里有商品生产，哪里就有市场。市场是人类社会劳动商品生产发展到一定阶段的产物，艺术设计与商品的生产一直是密切联系在一起的。商品的设计质量、生产质量的好坏都可以通过市场得到检验；市场及市场需求在一定意义上成为了艺术设计的一处重要基础和衡量设计成功与否的尺度；艺术设计与市场的关系实际上是设计与消费者的关系。艺术设计推动市场竞争，联结技术和市场，创造好的商品和媒介，拉开商品的差别，创造高附加值，创造新市场，促进市场的细分，降低成本。现在意义上的产品创新是全方位全层次的，不再局限在技术创新，形象创新上，而是进入了设计创新的时代。谁把握住了设计潮流，谁就掌握了市场，市场的竞争也就是设计的竞争，设计力就是竞争力，是一种新型的社会生产力。
艺术设计满足消费者不断增长的物质需求和精神需求
艺术设计是高新技术与日常生活的桥梁，是企业与消费者联系的纽带。在全球化经济日益激烈的竞争中，设计正在成为企业经营的重要资源。未来的发展趋势是设计人员将越来越成为构成利润链不可缺的一部分，好的设计工作越来越被认为是市场中产品的区分者。市场竞争中单单凭借质量取胜已经不够，还要加上出色的设计，设计能够成为企业重要的资源，促进社会经济的发展，主要表现在它满足了消费者不断增长的物质需求和精神需求。
关键词：艺术灯具；设计；研究
目前，人们正处于快节奏的生活模式中，工业化商品随处可见，使人们的生活环境缺乏艺术色彩。而家永远是大众群体最为温馨的港湾，回家开灯这已经使晚间回家人们的习惯，一件具有艺术色彩的灯具能够营造出美妙的家具环境同时提升人们的艺术情调。可见，灯具设计工作的有效落实，一方面发挥了自身实用价值，另一方面起到了装饰的效果，当然也是人们情感与艺术修养追求方向的体现形式。针对目前灯具行业的市场存在灯具产品外观设计单调、创新性不显著以及设计技术相对滞后等现实问题，积极的对现代灯具艺术设计的形式进行研究愈发重要[1]。
1 产品的设计方法
1.1 市场调查和分析
有调研人员做出了如下的《照明与灯具市场考察报告》：吸顶灯作为设计在屋顶天花板上常见灯饰，色温一般采用暖白光，功率在30W左右，大多数选用水晶作为灯罩的材质，照射的面积在15～30m2；而灯具行业市场最常见的吊灯（垂吊下来的灯具）类型为水晶吊灯以及中式吊灯，而时尚吊灯更为彰显现代人的生活情调，其光源类型多为灯珠，功率在10W左右；壁灯作为室内装饰的灯具，在设计之时一般用乳白色薄利对其加以笼罩，光线淡雅和谐，从将家居环境点缀得富有韵味与情调，在市场调研中最为常见的为变色壁灯、床头壁灯、镜前壁灯。
1.2 解析艺术灯具设计要素与相关概念
概括的说，艺术灯具与传统灯具相比较[2]，在设计之时应该重点把握好实用性、装饰性、多样化以及风格化等要素。具体是指在实用目标落实的基础上使其富有创意，那么材质上的创新是上述目标落实的基础，灯具材料的发展本身就可以看作为材料实现科学加工目标以及加工技术实现改良的依托。金属、布艺、树脂以及其他复合型材料的应用，填充了艺术灯具市场；对树脂材料实施新工艺的做法，不仅简化了工序，而且使艺术灯具造型更富有多样性，强化了灯具的透光性能。
1.3 艺术灯具的造型设计
在对现代艺术灯具的造型进行设计之时，应该合理的对我国优秀的传统文化进行借鉴，完美的再创出具有现代特色的艺术灯具设计风格。也就是说在新型观念以及思维方式不断渗入的产品设计领域中，灯具设计者必须对传统的文化观念进行多维度的思索，将新技术与新材料不断的应用与艺术灯具造型的设计进程中。众所周知，古代灯具设计是我国传统物质文化和精神文化聚合的产物，那么在对当今时代艺术灯具造型进行设计之中，应该对其特质化的造型语言、别致的构造美感、特色的民族韵味进行借鉴，使艺术灯具造型设计彰显耐人回味的审美意境。此外，在对艺术灯具造型进行设计之时，设计师务必明确的是产品功能上的达标是最为基本的设计标准，艺术灯具不仅仅是一种消费品或者是工具，更是民族文化内涵以及人民审美情趣的外在体现形式。因此灯具设计师在对其造型进行创造之时，有效的借鉴传统元素，达到传达中式风格神韵这一目标是设计的根本，此时传统文化自然就成为艺术灯具设计的创意点与启迪点，为具有生命活力的中国现代艺术灯具作品的诞生奠定基础。
2 艺术灯具的实践应用
结合人的意念以及环境的特点：
例如，布灯在安置于室内环境中时，应该对室内照明用光时长重点的考虑，以使用光卫生有所保障，也达到维护视力的效果。在对布灯安设之时，对线路安放的合理性、安全性以及稳固性给予高度的重视，同时开关位置应该具有便捷性与合理性并存的特点。若室内空间较高则适宜安置吊灯，此时空间的顶端也具有一定的亮度，给人们带来开阔的心理环境，降低压抑感产生的几率，在角落处可以布置一些地灯与壁灯这类辅助光源，以达到填充空间层次感的效果。而吸顶灯一般适用于空间较低的环境，营造温馨的环境同时凸显现代感的韵味。
3 艺术灯具产品的设计
3.1 概念
灯具是各类照明器具的统称，照明是其最为基本的功能，灯具还具备对家居环境装饰与美化的功能。专用型照明灯具的研制与应用，其富含一定的形态语境，具体是在象征语境中将人与环境、人与自然之间的和谐性以及交互性等特征展现出来。而艺术灯具的设计与现代社会背景存在着密切的关联性，时代的发展推动着艺术产品的设计风格不断的改良与创新，也就是说新材料、新工艺和新技术的发展推动着艺术灯具设计的工作进程。
3.2 方案的列举以及深度的探讨
作者认为，LED将成为现代艺术灯具行业发展的必然趋向，因为LED灯具应用的是低压电源，供电电压在6～24V的范围之内，根据产品之间的差异性，其应用的为高压电源相对更安全的电源，所以无论是在公共场合还是在家居场所，LED灯具均表现出极强的适应性；并且其与普通的、具有相同光效的白炽灯相比较，至少要少消耗80%的能量，凭借自身体积相对较小，每单元LED小片为3-5mm的正方形，因此可以被O计成形态各异的器件，在易于变化的幻境中表现出极强的适应性；此外，LED灯具稳定性能较强，使用寿命一般在10万小时以上，光衰是最初的50%；另外，LED灯具的响应时间不是毫秒级而是纳秒级；不含有有害金属贡污染；LED灯具借助调整电流的形式去达到变色的目标，对发光二极管采取化学修饰的手段，可以将材料调成为能带结构与带隙，此时LED灯具可以发出红黄绿蓝橙等多种光源。由此可以推断的是LED灯具将会把传统照明光源所取代。其具有以下几点应用的优势：一是耐用性能高、达到节能降排环保的功效；二是低压驱动模式的启用，使其反应迅速；三是安全系数高；四是该类型艺术灯具的造型进行设计之时采用的是固体化封装形式，使其具有抵抗震动的功能，体积相对较小，为装备组合带来了便捷性；五是LED灯具的可见光区内灯光色彩全系列化，色温、色纯、显色性能以及光指向性能优良，在照明以及组合上体现出一定的应用价值；六是LED这一艺术灯具采用的是直流驱动的设计原理，因此不会出现频闪的现象，这不仅仅提升了对室内照明的效果，也起到了对人眼视力保护的作用。
4 结束语
总之，不论是哪种类型的现代化灯具的设计原理均是由自身的实用价值以及科学价值决定的，而正是因为这种科学价值使灯具成为了采购者达到便捷化生活方式的一种实用性家居工具。而灯具的艺术性特征又可以被看成民族美学价值的媒介[3]，优美精致的艺术造型使灯具彰显了独具特色的艺术情调，将具有永恒性质的美学价值与时代特色传承与发扬下去，成为了现代器具设计理念的灵感源泉。
参考文献
[1]赵鹏.室内灯具设计研究[D].西安理工大学，2009.
【关键词】室内环境 陈设艺术 艺术设计
近年来人们的生活质量水平不断提高，对于室内环境艺术设计的要求也日益提高，陈设品作为室内环境装饰的必需品在室内环境艺术设计中的地位逐渐攀升，陈设艺术设计水准已经成为判断室内环境设计品位的一种重要标志。陈设艺术品一定要融入室内环境，但是也不能被室内环境压制，只有这样才可以在室内营造一种良好的景观效果，为室内环境艺术设计锦上添花。
1 当前室内陈设设计的主要问题
目前室内环境的陈设艺术中都存在一味地强调空间规划，忽略室内空间界面处理的问题，很少或者基本没有将陈设艺术归纳为室内环境艺术设计的内容，导致出现过于强调室内装饰装修，忽视陈设设计的情况。如果设计师没有精心、仔细地设计陈设品摆放的位置、大小，将陈设品随意摆放，可能会使整个室内环境视觉效果受到严重破坏，降低室内设计的格调。室内设计的内容主要包括室内陈设设计、室内装修设计以及室内空间设计等三大模块。其中室内空间设计是室内设计的首要要素，其主要负责改造室内空间的比例、大小、格局，调整室内空间形态尺度设计，使室内空间能够满足人们的使用需求。陈设设计也被称为“软装饰”，主要是合理搭配绿色植物、灯具、家具以及布艺等，丰富室内空间设计风格。
2 室内环境艺术设计中应用陈设艺术的几点建议
室内环境艺术主要是完成建筑主体结构后，结合建筑使用功能、性质等各方面要求后深入设计室内空间，对室内界面进行装修设计，然后再合理搭配应用各种艺术陈设品，在室内设计出二次空间。陈设设计水平对于室内环境的舒适度、精美度都有直接的影响，因此应该妥善处理好室内陈设设计和室内环境设计之间的关系，设计出更完美的室内环境布局。为此，笔者有以下几点建议。
2.1 突出室内空间的个性特点，提高空间价值
室内空间应该具备美观性、舒适性，空间特殊的话也应该具有自身独特的内涵。室内环境中的任何装饰物以及陈设品都应该和室内环境设计风格保持协调一致，完全融入室内空间环境中，这样才可以突出室内设计风格，使整个室内空间环境看起来更加意境。设计室内环境陈设的过程中，允许装饰物以及陈设物风格和室内风格存在些许的差异，通过对比设计手法也可以给人们一种强烈的视觉冲击感，如果能够合理应用对比，势必可以设计出一种独特、新奇的室内空间环境。这就要求设计师在室内环境陈设设计的过程中，应该注意控制和整体空间设计风格存在差异的陈设品数量，数量不宜过多，只需要能够起到点缀效果就可以。
2.2 加强地域性空间环境设计，突出个性化
我国传统文化非常推崇“天人合一、回归自然”的理念，主张温文儒雅、端庄、对称的文化艺术，在陈设设计中的审美品质非常高。室内设计中常常会应用一些具有鲜明的民族文化物品，比如屏风、字画等，设计材料也是以沉重、有灵性的石头，流光感较强的金属以及朴素的木质等为主。通过一些华丽、富贵的施工工艺，可以使陈设设计体现出独特的风格，也可以彰显出我国独特的民族文化。
2.3 确保陈设设计和室内环境设计艺术的整体性
为了满足室内环境设计的装饰性以及功能性需求，体现室内环境设计的独特风格，一定要合理把握色彩、造型、空间以及管线之间的衬托和虚实关系，而且应该努力协调好装饰物、家用电器、家具和器皿之间的内在关系，通过空间这个载体突出陈设品的层次变化，比如家具就是一个非常重要的室内空间陈设品。一般家具主要包括观赏性家具和实用性家具两种类型，其中观赏性家具主要包括陈设架、屏风等，而实用性家具主要包括床、柜子、沙发等储存性以及坐卧性家具等。家具不仅仅具有较强的实用功能，同时也具有组织、分割空间的作用，使空间形成独特的风格。例如，如果将室内环境艺术设计成中式风格，可以利用屏风以及博古架将客厅以及前厅的空间进行分割，这样不仅可以满足其功能需求，也可以起到装饰的作用。陈设设计的过程中，最首要的原则是使用性，其次才是装饰性，在选择家具的质地、比例、装饰效果、尺寸以及质地的过程中，一定要考虑整体空间环境的形式美，确保室内环境和整体设计风格保持统一。
参考文献
我在高等艺术院校搞教学工作，从学生时期就与广告、装演、印刷设计等行业密切接触，课余时间一直为当地一些知名企业服务，深谙包装、设计、印刷的各个环节与操作流程，加之长期的学习和积累，摸索了一点切实可行的教学方法。有关装满设计的许多方面更新特快，往往我们刚接触到一种新的设计理念、新的制作方法、或新材料、新工艺等，却同时已经被更发达更超前的国家或地区淘汰或视为落伍，因此，我们更应该多交流经验，多沟通信息，为提高我们的高等艺术设计教育共同努力。以下是我对装演设计教学的一点感受和探索，分别从三个方面来谈。
1树立明确的学习目标、激发强烈的学习热情
据悉，国家经贸委批准在我国筹建亚洲包装中心，加强国内外包装企业的合资与合作，促进中国包装业加快整合，增强竞争力，为我国包装业走向国际市场，获得国际信息，参与国际竞争，融人世界经济搭建平台。在这种大环境之下，我们的装演设计教学也要顺应经济全球化的趋势，突出专业技术特色、提高应用能力、加强设计文化的积累。教师首先有明确的培养方向，才能给学生指明学习目标。让学生明确，装演设计行业可为我国商品经济的可持续发展及生态环境保护提供强大的精神动力和智力支持。我国经济的发展需要装演设计贡献一份力量。设计师，越来越受到人们的尊敬。这是一个令人自豪、让人羡慕的行业，充满了挑战性和创造性。包装设计已经为我们的生活带来很多便捷和舒适。那些贴近消费者和市场的优秀设计，为人民生活和国家经济建设做出很大的贡献。为了提高我们的装演设计整体实力，为赶超发达国家的包装设计水平而学习，为广大消费者的需求和欲望而设计，创造新的消费概念，引导社会消费方向，提高大众的消费水平，是物质文明和精神文明的建设者之一。
通过激发自豪感和责任感，学生明确了学习目的和肩负的重任，学习的积极性和主动性会更强，创意的灵感会不断涌现。有了远大的目标、再给予科学的指导，教学目的能够达到，教学质量显著提高。
2理论结合实践.培养创新型实用人才
目前，国内设计院校装演专业所设置的课程，都能结合实践进行学习，许多优秀设计作品都是由最基础的构成演变而成。基础课结合实案例扎扎实实系统学习，在课堂上，运用各种教学媒体充分展示优秀作品，分析画面设计构成、解剖包装结构、研究印刷工艺和制作方法，进行量化生产的效率如何?包装材料的选择搭配、再生材料的使用率、对环保的影响、消费者接受程度、销售的目标对象，以及包装、宣传所能达到的效果等，都要综合考虑以培养学生整合优势资源的能力;启发学生从不同角度观察事物，尝试传统包装材料在新领域的应用，明确绿色环保设计、健康设计及人性化设计的概念，不断寻求创新和突破，加强原创能力的培养，着重提高学生的创新思维能力。良好的职业习惯也不容忽视，克服艺术设计专业的学生自由、散漫的特点。利用课余时间带领学生与当地企业接触，发动学生积极主动与周边企业联系，鼓励他们树立自信心和服务意识，热情、真诚地与客户合作，不怕退稿、改稿、不要斤斤计较，亲身参与到商业之中，在服务商业和市场的过程中学习、提高，了解专业性质特点及理论和实践的差距，强化动手能力，感受商业竞争的激烈和残酷。当有些学生的设计作品被商家采纳、被媒体公开发表，会对其他学生很大促进;形成良好的学风，提高学院的社会声誉，提升学生就业质量。所以，我们不能停留在教学、研究阶段，甚至对商业性太强的设计作品持否定态度。许多没有深人生活的作品，设计者自己感觉非常满意，投放市场后效果并不理想，甚至被客户否决。这就要求我们必须先了解市场，了解企业文化，熟悉产品的性能，关注商业发展的状况，掌握市场潮流与消费者的接受程度。其实，多数学生也想与深人生活参与项目设计，老师的引导十分重要，直接关系到学生应用所学知识与市场链接的成功与否。
为此，我在授课过程中穿插很多开展业务的细节问题，分析成功的经验和失败的教训，使理论与实践自然结合起来。真实、生动、有趣，让学生体验从寻找信息、联系谈判、市场调研、创意构思、确定设计方案、发排打样、印刷加工全过程。以及如何通过法律手段保护自己的知识产权，讨回自己的劳动所得，以免掉进不规范的市场陷阱等等。以专业的工作模式规范学生，发现不足及时调整。通过多次强化训练，学生的应用能力快速提高，自信心倍增。平时强调除专业能力外，高度的责任心、合作能力、沟通能力、诚实礼貌、吃苦耐劳等等，都是设计师必须具备的素质和能力，只有经过实践才切身感受到它们的重要性。几本教科书无法给学生提供全面、实用的知识和技能，要带给学生经过市场检验的、被商家认可的、受消费者喜爱的好设计。在德、英、美、日等高等设计教育发达的国家，设计院校专业老师必须有二年在企业的工作经验，很多教师长年为企业、机构组织服务，社会实践经验丰富，教学水平高，深受学生爱戴、甚至长期追随。早在1919年德国包豪斯就已经在教学方法和课程设置中强调，它之所以能影响全世界的设计教育，就因为他们不脱离社会，并要求学生参加社会实践活动，这种双轨制教学，使培养的学生既有艺术素养，又有科学技术和实用头脑。在解决实际问题中学习、成长。欧美等发达国家艺术设计教育，在很多方面都值得我们参照和借鉴。
3与时俱进，做学生真正的导师
