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为了真实了解新课改以来我省高中音乐教学的基本情况，省教研室在全省13个省辖市组织了2011年普通高中音乐教学情况调研。调研的重点是课程和教师队伍的发展状况，主要采用问卷方式，并通过召开座谈会、课堂听课、重点调研、组织专家研讨等方式，力求对我省高中的课程规范发展以及教师的师德表现、教学理念与能力、教学研究和专业进修等情况有一个较为全面的客观的认识。
一、师资
江苏省现有普通高中781所，在校学生数153.12万人。校平均拥有音乐教师1.81人，每个教师任课3-10个班不等。据13个省辖市2012年上报数据统计，我省高中音乐教师总人数为1421余人，其中女教师901人，男教师520人；研究生学历40人，本科学历1343人；特级教师和教授级中学高级教师共12人（含退休）。本科以上学历占97.2%。无论是教师数量和教师学历水平，可以说基本满足教学需要，并已形成了以特级教师、教授级中学高级教师和学科带头人为领军人物的骨干教师队伍。
二、课程开设
音乐课程作为高中学生的必修学科，由必修模块与选修模块两部分组成。其中，必修模块是必须统一开设的课程，选修模块表现为课程的可选择性，学校可根据音乐教师自身的专业特长和教学条件，在五个选修模块中选择1-2个适合的模块开课，学生再根据自己的爱好和基础，选修相应的内容模块。
依据普通高中音乐课程标准的规定，音乐学科应修满3学分，其中《音乐鉴赏》必修2学分，一般是在高一年级全年开设，每周一节，学时为36课时。《演奏》《歌唱》《音乐与舞蹈》《音乐与戏剧表演》《创作》，学生可选择其中任一个模块学习18课时，获得1学分，一般安排在高二第一学期开设，或者高二全年与美术选修，隔周开设。
全省基本上已经做到按计划开设。必修模块《音乐鉴赏》的开设已形成常规，选修以《歌唱》模块为多。其余选修模块，也都在探索、研究和总结经验的过程中。教研部门、学校和教师个体正在为扩展开课领域，完善开课机制做着努力。如江苏省教研室组织了高中音乐模块录像课评比，有些学校结合地方戏曲开设了《音乐与戏剧表演》模块，特级教师郑文千和青年教师刘晓丹老师正致力于《创作》模块教学的探索，等等。
以常州市为例，全市共有30所高中，81名高中音乐教师，除极个别辖县（市、区）的民办学校高二不能开足课程外（教育行政部门已责令其整改），所有高中学校均能开齐、开足并开好音乐课程。
常州高一年级全部开设《音乐鉴赏》模块，每周一课时。高二年级有两种模式：每周一课时，开设一个学期；或隔周一课时开设二个学期（一个学年）。2013年高二选修模块开设最多的是《歌唱》模块，有30所学校，其中市区有5所学校，高二开设了两个选修模块（《歌唱》+《舞蹈》或《歌唱》+《音乐与戏剧表演》）。
三、教材选用
根据教材选用的有关规定，目前在我省13个大市使用的教材共有两种，一种是人民音乐出版社出版的高中《音乐鉴赏》，必修教材和与之相配套的选修模块教材；另一种是湖南文艺出版社的高中《音乐鉴赏》，必修教材和与之相配套的选修模块教材。
必修模块教材是学校为所有学生统一征订的教材，选修模块的教材则根据学校、教师教学和学生选修的实际情况选定，既要满足教学需要，又能减少浪费。
四、课堂教学
一是凸显“以音乐审美为核心，培养兴趣爱好”的基本理念。能关注音乐教学的核心目标，注重教学过程与方法，强调学生对音乐的聆听与感受，在学生感受与体验音乐美的过程中，积累相关音乐文化，提高音乐审美素养，形成音乐审美能力。二是在体现教师为主导的同时强调学生的主体性，力求建立一种新型的和谐与民主的师生关系。课堂上，教师敢于放手让学生通过多种途径获得知识和经验，并提供机会让学生相互分享，有时候走下讲台，和学生一起演唱、一起演奏、共同体验、共同交流与探讨，彰显了教师和学生之间朋友式的关系。三是注重音乐实践。或精心设计提问，引导学生赏析音乐，或设计参与活动，让学生参与音乐实践，加深对音乐的体验与感受。四是加强现代信息技术在音乐教学中的运用。大多数教师能熟练制作和使用多媒体教学课件，并在整合教材内容的基础上精心选择声音和图像资料，与时俱进，提高教学实效。
五、教研活动
教育主管和研究部门都非常重视学科活动，希望凭借开展卓有成效的音乐活动来全面促进学科建设和教师成长。
省教研室一方面研究、下发了《江苏省普通高中音乐学科教学要求》，明确了教学实践研究的方向。一方面以省级重点课题《普通高中音乐课程实施评价模式研究》为抓手，组织南京、常州、镇江、盐城等市，积极探索课程评价方面的有效策略。南京市相关研究成果专著已正式出版。同时，优质课评选、基本功比赛、专题观摩研讨、优秀教学论文评选、名师论坛、名师课堂展播研讨、新课程骨干教师培训等多样、专题化的学科教研活动丰富了教研氛围，有效促进了全省普通高中音乐教研、教改的深入发展。
通过调查了解了我省普通高中音乐课程实施的一些基本情况，看到了新课程改革以来高中音乐教学取得的巨大进步，也发现了存在的一些问题。笔者认为，调查虽然是区域性的，然而调查中所了解的情况和发现的问题则具有普遍性，它在一定程度上如实地反映了目前我国普通高中音乐课程改革的基本现状。现将调查的部分结果作一浅显分析并提出一些改进的初步设想，以期为广大高中音乐教师和教研员研究普通高中音乐课程改革提供一些参考。
一、音乐教师配备情况
被调查的307所高中音乐教师配备总数为629人，平均约为每校两名，按人均周课时量16节计算，基本能够满足中等规模学校音乐课的正常开设。
从学历达标情况看，本科以上学历达到95.38%，其中音乐专业毕业占99.04%，确保了高中音乐课的专业性。但从了解到的教师专业结构来看，目前音乐教师的专业主要集中在声乐、钢琴和舞蹈三个领域，而能够担当选修模块中的戏剧表演、创作或其他乐器专业教学的比较少，导致目前高中学校普遍存在不缺教师缺专业的现象。
如何改变目前音乐教师专业结构单一的现状？我认为，一方面要加强在职教师培训，使教师能一专多能，胜任不同模块教学的需要。同时学校在招聘音乐教师时也要考虑本校音乐教师的专业结构，合理调配教师。另一方面是改革师范教育，音乐师范院校要根据课程改革和一线教学的实际需要调整专业和课程设置，在学好声乐、钢琴这两个基础专业的同时鼓励学生选学其他专业，以满足高中音乐课程内容多样化的需求。第三方面是在具备一定条件的学校提倡教师或学生走班上课，甚至可以让区域之间的音乐教师实行跨校兼课，或者聘请社会上的音乐专业人士到校兼课，以弥补本校师资的不足，落实高中音乐课程的教学工作。
二、音乐课程开设情况
《普通高中音乐课程标准（实验）》中提出了高中音乐课程内容由六个模块组成，供学生自主选择学习。这六个模块是：音乐鉴赏、歌唱、演奏、创作、音乐与舞蹈、音乐与戏剧表演。依照《普通高中课程方案（实验）》规定，学生在音乐课上每完成18学时的学习任务，通过考试或考查评价，可获得1学分。每个高中学生须在音乐课中获得的必修学分为3学分（54课时）。
各校音乐开设总课时数及模块选择情况见下表：
从以上统计结果来看，能按规定开足54课时的学校占被调查的307所高中的20.52%，有61.88%的学校开设总课时为36课时。各校选学的模块主要集中在“音乐鉴赏”和“歌唱”这两个模块，另外几个模块开设的相对比较少。这表明，目前高中音乐课尚未得到足够的重视，课时不足，选学模块单一，离国家音乐课程标准的要求尚有一定差距。
普通高中音乐课程的内容体现了普通高中新课程体系对课程内容应具有时代性、基础性和选择性的要求，是为了全面实现高中音乐课程目标，满足学生对音乐的不同兴趣爱好和特长需求而设定的。因此，学校要树立以人为本的教育观念，把握课程标准，开齐开足音乐课程。在开齐开足必修模块（音乐鉴赏）的同时，根据学生的个性需求和学校的师资力量，加快推进选修模块的开发与开设。
浙江省于2012年9月开始实施《浙江省深化普通高中课程改革方案》，按照“调结构、减总量、优方法、改评价、创条件”的总体思路，加快选修课程建设，促进高中多样化、特色化，实现学生在共同基础上有个性的发展。根据该方案，我省普通高中课程的必修学分从116学分减少到96学分，选修学分从28学分提高到48学分，为学校开设音乐选修课程提供了更多的时间。
同时，我们也可以基于目前的现状，积极探索高中音乐教学的新模式、新方法，促进高中音乐课程的多样化发展。我省广大音乐教师在这方面也做了一些积极有益的尝试。如：对教材内容进行优化重组，发挥教材在教学中的最大效能和价值（详见《中国音乐教育》2011第1期《高中“音乐鉴赏”教材重组策略探究》）；对音乐教学模块进行整合教学（详见《中国音乐教育》2012第6期《以鉴赏为基础的多模块整合教学》）；开展高中音乐教学的分模块小班化教学，即将一个班的学生分成两个组，由两位教师在同一时间内实施不同的模块教学；国家课程校本化，我省许多高中学校根据学校的实际情况以及教师专业特点，对歌唱、演奏、创作、音乐与戏剧表演、音乐与舞蹈等模块进行了拓展与二度开发，形成了学校的校本课程；地方课程“国标”化，根据国家音乐课程标准，结合当地的音乐资源开发地方课程，这些地方课程一方面能够体现国家课程标准的要求，另一方面传承和发展了当地的音乐文化，学生的学习兴趣也比较浓厚。
三、音乐教材配备与使用情况
调查的教师中完全按教材上课的占10%左右，基本按教材上课的约占71.3%，只上教材中的部分内容的占18.6%。学生用书的配发率达到86%左右，还有少部分学校补充使用自编校本教材，以满足不同学生的需求。
在问卷和访谈中我们了解到，造成教师只上教材中的部分内容或者在选择与处理教学内容方面比较随意的主要原因是：学校的音乐课时数少而教材内容比较多，让教师在选择教学内容时难以取舍；教师自身对教材不能很好地理解和应用；教材中学生比较熟悉或感兴趣的内容比较少；选修模块的教学参考资料较少，教师拿到这些教材感到有些无所适从；学生音乐基础参差不齐，按教材要求实施教学有一定难度等，导致教学的系统性受到一定影响。
我们也对音乐教材的满意度进行了测评，结果如下图：
调查表明：广大音乐教师对目前普遍使用的人音版高中音乐教材认同度总体比较好，很满意率为7%，基本满意率达到57%，不满意仅占了5%。
不少音乐老师在调查中对教材也提出了一些修改建议，如：增加学生感兴趣和易于理解、学习的内容，不至于过于专业和深奥；教材应该编写得更精练，符合当前音乐课时的实际需求；要从目前我国高中学生的现有音乐基础出发，重视城乡和地区差异，不能一刀切；多选一些学生熟悉的经典的名家名作编入教材；增加中国传统的经典曲目欣赏，加强传统音乐文化教学资源的开发和利用；多一些贴近现实生活，顺应时代潮流的学习内容，多一些现代的元素，适当增添近代创作的优秀作品……
四、学生音乐学业评价情况
依照《普通高中课程方案（实验）》规定，对学生的音乐学业成绩评价实行学分制，我省《普通高中学生综合素质评价实施指导意见（试行）》对学生音乐学业评价也做出了明确的规定。调查的具体情况见下表：
调查结果显示多数学校是由音乐教师自行组织评价的，评价内容以“音乐鉴赏”和“歌唱”居多，评价方式多为书面测试与现场表演。在访谈中我们也了解到一些学校对音乐学科的学分认定工作还不够重视，对评价的标准、内容、方式等都缺少明确的要求，一些教育主管部门对这项工作也缺乏指导和监管，导致目前大多数学校对学生音乐学业的评价流于形式，随意评价、随意送分现象普遍存在。因此，我们需要加快研究小学、初中和高中的音乐学业评价标准和评价方法，并建立系统科学的音乐学业评价机制，使学生音乐素养的发展在一个科学体系中得到全面的体现，提高学校音乐教育的质量。同时各级教研部门和学校也要成立学生学业评价领导小组或其他专门的组织加强对学生音乐学业评价的指导和管理。高中音乐教师更要本着认真、负责的态度重视这项工作，在实践中不断探索高中音乐学业评价的方式、方法，如采用现场表演、听音乐答题、问卷调查、论文、报告、出勤率和课堂表现、小组活动、课堂陈述等多样化的评价形式，而不仅仅是单一的表演或书面测试。要重在对学生音乐学习过程的评价，而不能简单地以学生艺术竞赛结果或参与学校艺术活动情况来代替音乐学业评价。
五、学校音乐室配备情况
从各校音乐室配备情况来看，具有一类配备标准音乐室的学校有207所，约占67.42%，基本能满足音乐教学的需要。随着教学改革的发展，对音乐教室硬件配置要求也更高了，特别是对于选修模块所需的专用教室需求更迫切，但从数据显示来看，选修模块教学所需要的舞蹈室、乐器排练室或琴房、数字音乐教室的数量还是比较少的。
为此，建议各级教育行政主管部门和学校要积极争取资金，加大对艺术教育的投入，不断改善教学条件，满足基本的教学所需。有条件的学校还要为开设音乐学科选修模块提供专用教室，提供网络服务等，为学生创设良好的音乐学习环境。
六、音乐教师的职业幸福感
在调查时，我们也就音乐教师的职业幸福感与老师们进行了交流。据我们了解到大部分音乐教师比较喜欢自己的职业，工作压力相比于其他高考学科要轻，但老师普遍感到在学校的待遇和地位不如其他学科教师。一些老师在问卷中这样反映：因为要高考，学校、家长和学生一切以高考科目为主，像音乐学科这些不需要参加高考的学科就普遍得不到重视，教好教坏一个样；还有的学校对艺术教育只看重比赛结果，不重视平时课堂教学；学校其他老师对音乐课以及艺术活动或比赛不理解、不支持的也比较多，一些学生也抱着学好学坏无所谓的态度等等。因此在工作量计算、课时津贴发放、绩效工资分配等方面，音乐教师明显低于其他学科教师。
[关键词]民间音乐；音乐地理学；音乐人类学；传统音乐
[中图分类号]J60 [文献标识码]A [文章编号]1004－518X(2012)05－0243－03
尹勋锋(1973－)，女，江西科技师范大学音乐学院副教授，主要研究方向为艺术学、舞台表演。(江西南昌 330013)
一、传统音乐类非物质文化研究的学科向度
传统音乐类非物质文化遗产是，“在现实生活中，人们将自己创造的文化通过口耳相传巩固和传承下来，展示了一个民族特有的生存方式、思维方式和文化意识，成为民族赖以生存的精神基石和文化生命的重要标识”。美国民族音乐学家梅里亚姆仅对“音乐”研究的方法界定就历经了15年的研究时间，先后提出了三次方案。先从“在文化中的音乐研究”开始，发展到“作为文化的音乐研究”，再延伸至“音乐就是文化，音乐学者所做的就是社会研究”。在方法论中不断地论证文化的重要性。他认为：“音乐不仅是声音，人类行为是产生声音的先决条件。音乐不可能脱离人的控制和行为孤立存在……音乐是由构成其文化的人们的价值观、态度和信念形成的人类行为过程的结果。”英国民族音乐学家斯托克斯也指出：地域或地点是社会活动具体的地理背景，其中，音乐事件展示了地域内涵，反过来，通过音乐也可以构筑地域，涉及差异和社会界限。人们可以用音乐来为自己定位，从音乐中认识自身所拥有的身份标识和自我。中国著名地理学家吴传钧也曾将“人地关系”和“区域”这两个人文地理学研究的基本单位有机地结合起来，提出了“人地关系地域系统”的概念和思想，对人文地理学的理论研究起到了积极作用。由此可见，任何形式的音乐艺术，与其产生地域的地理和人文环境都有着密切的联系。
江西的传统音乐类非物质文化遗产众多，以其浓郁的乡土风格与独特的艺术魅力，在江西省内已流传千百年，成为当地人民经济生产与文化生活不可缺少的重要组成部分。笔者在研究中发现，江西省的音乐学者对本土民间音乐的研究，至今仍较多地停留在田野考察的初级阶段，使用归纳、总结的方法记录乐谱或记述表演过程。虽然这些研究手法是民族音乐研究的必经之路，但对待现有的已发掘的本土音乐文化，只满足于把流动的声音和表演画面用文本的形式来“翻译”和“解释”，并以录制音像的形式来留存，已不能适应深入开展音乐学研究的需要。因此，笔者结合前期的研究心得，主要以研究部级传统音乐类非物质文化遗产“武宁打鼓歌”为例，对江西本土音乐文化的研究方法做一个梳理和总结，以期抛砖引玉，期待更多的专家学者，关心江西的传统音乐类非物质文化遗产研究。
对待本土音乐文化的研究，应当转向音乐地理学和音乐人类学这两个学科向度，把以往单一的音乐形态研究纳入与之相关的社会学科内进行交叉研究，才能更加贴切地理解、运用和发展本土音乐文化。
二、音乐地理学和音乐人类学的综合运用
音乐地理学是研究音乐与自然环境和人文环境的关系。研究“音乐－地貌－人类文化”这三者之间的关系。学者可以运用这一学科的观念和方法研究“音乐区域”，分析音乐的演化过程及地域扩散的特点，明确区域文化的特征。
音乐人类学主要关注的则是人类的音乐行为方式。将音乐的概念延伸到与“人”的行为和观念相关的文化范畴，阐释“观念－行为－音乐声音”三者之间的相互关系。重视“人”的行为，提倡用科学的方法进行田野考察，在实地考察时所要关注和采录的，不仅仅是狭义的音乐形态。人类音乐学所倡导的“音乐本体”是“声音本体”和“行为本体”。
如果说“人”与“音乐”的关系，决定了音乐之本身的一切属性，那么，地理因素就决定了人类的生存环境，从而影响到人类的体征特点和性格，并直接作用于音乐的风格特点。“地貌”与“人”的行为相辅相成，它们共同决定了音乐的性质。在音乐地理学和音乐人类学两种研究方法之间，所关注的音乐学问题有许多交叉重叠的方面，但音乐研究视角各不相同。值得注意的是，学术界在以往的音乐风格区域划分中已经具有音乐地理学地域空间分布研究的性质，但初期的研究多从音乐形态(旋法、结构等)方面进行“定性”描述，较少探讨音乐风格区域形成过程中的地理环境要素。在音乐区域的空间分布、音乐体裁、音乐形态、方言音调上，严格地按照地理学和人类学的方法和观念研究音乐文化，却是后现代民族音乐研究的新模式。它们有两个不同的学科研究重点。音乐地理学侧重于区域音乐文化的研究；而音乐人类学侧重于“人”的观念与行为。如果能对它们之间进行互补运用，可以合理地弥补对本土民间音乐文化的研究不足。因此，要使音乐研究向更深层的知识构架迈进，必须要求音乐研究者具备广泛的人文知识和修养，善于敏锐地捕捉音乐文化的本质——“人”与“地域”，“观念”与“行为”的多重关系。它们唇齿相依，缺一不可。
三、以音乐地理学方法研究区域音乐文化
俗话说，“一方水土养育一方人”，将地方志、族谱、史书、类书等现存的文化典藏综合起来，搜集、整理相关的历史文献，可使研究具备明确的音乐地理学学科特征。下面以江西为例进行分析：
关键词：高等音乐院校；音乐教育；创新人才；培养体系
音乐教育是高师教育的重要组成部分，作为培养高素质专门人才的重要手段。时代在发展的同时，音乐教师师资人才要根据岗位的变化，发生相应的变化。
一、分析人才培养目标体系研究与现状
目前，存在的问题主要有：用人单对基础音乐教育岗位具有较大的需求；针对这种巨大的需求变化，高师音乐人才培训体系并没有进行有效的调整，满足不了岗位的需求；高师音乐传授课程和基础音乐教育改革课程不能有效衔接，使得绝大多数课程和教育观念无法更新。积极依照中央和各级领导对教育工作的指示，将课程改革作为切入点，积极需求改革方案，按照一定顺序开展课程改革工作。合理设置学科门类，调整课程结构，使教学内容具体化，减少学科门类，丰富音乐专业内容，强化课程的综合性和实践性。学术研究机构分析了高师音乐教育存在的问题，学术研究讨论会指出，高等师范院校对人员音乐人才的培训体系并未形成正确的认识，也就不能突出前瞻性，缺乏音乐人才的系统化培养。对出现的这些问题，进行分析，首先是没有为基础音乐教育，担负起前瞻性教育服务的理念和责任。其次，依然使用以往的音乐学院培养目标，并没有制定适应当前教学和岗位需求的岗位。再次，对基础音乐教育的就业市场，并没有进行深入的分析，没有落实到位对学生在基础音乐教育岗位上综合技能的培养。四是并没有重视到用人单位对人才的实际需求，导致培养的师资队伍无法适应实际岗位的需求。
二、剖析问题原因
高等师范院校对音乐人才培养主多是满足用人单位的需求，分析市场中的供求关系：也即是“缺乏市场核心竞争力”。在培养目标上，多重视技巧的演示和表演。然而，在课程教学中，学生总结撰写论文稿需要付出一定的努力，让音乐人才了解演出，然而并不擅长总结，不能有效进行系统性思维。依据“两个决定”的指示精神要求，根据实际情况，在课程改革调整中，凸显学生的个性，由于每个学生的个性不同，学习方式和兴趣爱好也不尽相同，采取相应的教学方式，使培养的学生发挥自身的特长，让他们有效施展自己的才能。依托基础音乐课标，定制专业培养方案；调整教学门类，满足岗位需求。在音乐课上，音乐教师最起码要具有一定的歌唱功底，让学生多欣赏经典性的片段，对演员的心理变化进行捕捉，同时掌握乐器伴奏技巧，强化艺术嗓音训练，结合歌唱技巧和理论实际，为后续音乐课的调整做准备。
三、改变音乐考试制度制定评价标准
改革工作务一定要根据学生教务管理系统的需求，对教学内容进行认真修改。调整后，变化体现在三个层面：不应将“音乐技巧课”的考试成绩作为评价学生的唯一标准。在考试内容中，将其它方面的音乐知识添加进去。打破原来的只重视核查学生对基础理论知识的把握，还要纠错器乐演奏、声乐演唱和音乐鉴赏。将钢琴即兴弹唱划入考试的范畴。和基层学校挂钩，安排学生顶岗实习，磨练学生的教学能力。总之，要想让学生成为优秀的舞台表演者，强调课堂教学的理论水平，应善于总结理论经验。
四、改革措施
（一）创新教育观念
改变“学生喜欢音乐但不喜欢音乐课”的尴尬局面，实现音乐教育改革创新。教育观念的创新是对旧教育观念的摒弃，构建新的现代化教育体系，满足时展的需要，也是满足创新理念的需要。高等音乐院校主要包括表演专业与理论作曲专业，专业知识结构和其他专业存在联系，音乐教育专业可以利用多种形式，如参加丰富多彩的选修课和专业教学观摩课等，以此来强化音乐教育专业学生专业技能水平，提升学生的音乐理论水平。当前，高等音乐院校设置的音乐教育专业在教学内容和引导方向上，还停留在培养专职演员的教学模式上，围绕继承性人才的培养，是一种单项的专业教学模式，这就使得专业划分趋于精细，专业口径变得更为狭窄，无法拓宽人才音乐基础理论知识，培养的人才便不具有较高的文化素养，要适应社会将变得十分困难，高等音乐院校音乐教育专业要制定新的目标，在发挥专业优势的基础上，增强师范性，教学和音乐实践活动的开展，使学生更加热爱音乐教育事业，产生了厚重的情感体验，陶冶情操，较好地胜任学校的晋升工作，具备教学和指导其它中等专业学校音乐的能力。
（二）创新课程体系
我国人民在长期的生产、生活斗争中创造了绚丽多彩的民族民间音乐文化。21世纪，社会要想发展必须以人才为保障，所以，要使培养的人才有明确的理想，担负一定的社会责任感，养成良好的思想道德修养和素质，具备学习知识的能力，满足创新人才的需求，使构建的人才培养模式以学生为中心，这就对高等音乐院校音乐教育专业教学提出了较高要求，然而，课程体系的建构要在人才培养的基础上进行。为了使培养的音乐教育专业人才具有扎实的基础和良好的发展，建立基础雄厚、相互支撑的“金字塔”型课程框架体系。金字塔最顶端是专业主科课程；接着是专业主干课程；第三层是公共基础课程和专业基础课程；最底层是选修课程；两侧是实践教学。在“金字塔”型的课程体系中，教学要处理好学习和能力培养的关系，知识的传授是教学培养学生创新能力最主要的方式。教学要重视实践，把学生的知识转变成他们的能力，这些都需要通过实践来获得。
（三）革新教学模式
高等音乐教育教学中原有的单一、僵化的教育体制已经不能适应时展的要求，需要改革，要结合培养目标的多元化、音乐教育的个性化，结合刚性和柔性制定教学计划，有效落实“学分制”，为创新能力的培养提供理论依据。音乐教育教学本身具有特殊性，和其它教学门类相比自身具有特殊性，教学模式运用到课堂教学中，根据学生和所学内容的实际，表现为下述特征：实践性与开放性。美国教育家杜威倡导，教育应在做中学习，在问题中学习，学习不仅是单向知识传授的过程，更为主要的是教授学生获得学习知识的方法，发散他们的思维，集互动性和娱乐性为一体，培养他们的创造力，构建创新教学模式，鼓励学生参与其中，快乐学习，快乐探究，勤于操作，分享创新经验，调动学习者的积极主动性，改变单一的教学，所以，活跃课堂气氛能保障教学具有较高的的娱乐性和艺术性，展现学生的认知和探究心理，体验快乐，有助于音乐创新人才的培养。
（四）多媒体辅助教学
高等音乐院校普遍使用了多媒体技术，如多媒体教室、视听教室和录音棚等。这些先进的教学手段的配置对创新型人才的培养十分有利。由于音乐教学引入了多媒体教学技术，促使音乐专业教学运用这些先进的教学手段，学生学习先进的现代知识，极大提升了学生的创新能力。音乐教学使用“Autorware”，提升了学生的学习兴趣，提高了教学效率。从这些年多媒体教学来看，许多歌曲环节的展示，因为一些音乐作品网上都有下载，获取比较方便；此外，结合大量与音乐作品内容相关的图片应用到音乐教学中，让学生的学习变得更为直观，同时也提升了他们的学习兴趣。一时间，多媒体教学就好像是营造一个氛围的工具。教学使用“Au-torware”软件制作两条反复标记性的符号和反复跳跃记号的旋律，随着旋律的变化，乐谱会有序的变换颜色，“Autorware”的动画功能让学生更加直观地了解到这种符号的相同和不同之处，使“易意会，难言传”的音乐理论知识通过动静结合的形式变得更加理解。“Autorware”的应用使提升了学生的学习兴趣，同时也加快了教学节奏，增强了学生学习的主动性。“音乐大师”软件，带动二声部训练，让学生大胆地进行音乐的创设，在往期的音乐授课中，二声部教学是一个非常复杂的问题，学生因音准的差异性在这个环节的学习会表现出不同的困难。一般情况下，教师只有通过录音机进行声部带隅。有了“音乐大师”后，作品修改变得十分简单，修改前后作品的对比将音乐的审美较好地体现出来。“音乐大师”使音乐创作不仅生动而且形象，又直接及时。因为能得到反馈，修改也变得十分及时，学生提升了参与的积极性，也越来越敢于创作作品了。音乐网页的制作，延伸了校外音乐学习，让学生养成了自学的习惯。学校音乐教育并不局限于音乐课堂中。教学不能依靠每周两节音乐课，更需要在音乐课堂教学展现广阔的应用前景。音乐教师需要逐渐提升自己相关素养，了解并积累多媒体教学信息，尝试使用新软件的教学，希望学校也能在这方面做出一些成就。
（五）创新评价标准
在音乐作品审美品格和接受者的多重层次的基础上，音乐作品评价标准也是不断发展的历史概念而无论古今中外。美国现代教育家布鲁姆认为：“评价为学生水平和教学有效性的获取提供依据。多年实践发现，音乐教育专业要想在短期内获得显著的教学效果是十分困难的，此外，一定要将培养的方向放到提高学生综合素质培养的轨道上来。依照国家比赛模式，设置五项全能，也就是钢琴、声乐、理论等。结合学校的实际情况，在每学期的期中添加一句有关班风和学风的评语，此外，还能确保学生具有更高的艺术实践能力，更重要的是转变传统高等音乐院校音乐教育专业只看重成绩而忽视能力。要培养出创新型人才，就要求学生敢于实践，以创新为目标，应改革学生的评价方式。在评价内容上，综合评价学生的素质，着重突出创新意识和实践能力的考核；在评价主体上，教师要明确评价的主体是学生，把学生互评作为辅助手段；在评价的手段上，主要使用笔测的方式，同时结合动手和动口的方式；在评价的依据上，主要是学生的成绩和成长记录等，将主观评价作为辅助手段，将过程性评价和终结性评价结合起来；在评价的功能上，重在突出激励，消弱等级和分数。
五、结语
师范院校要加强师资队伍配比，将切入点定位在教材选编与课程修订等，重视总结理论并探索实际，逐渐完善，汇集各种层面的知识信息，利用生源素质的优势，提升教学思维理念，实现21世纪对音乐人才的培养需求。基础音乐人才岗位发展的需求，面临工作挑战。今后的一段时间将是高校音乐教师，提升音乐人才教育改革，部署并研究课题。师范院校音乐教育人才培养体系的构建还是一个十分漫长的过程，因为受限于各种条件的限制，还需有效开展起来，方能构成较好的人才培养体系。
作者:张刚 单位:阿坝师范学院
参考文献：
[1]蒋薇.教师专业化视野下的高师音乐教育实习模式研究[D].长沙：湖南师范大学,2014年.
[2]王雪峰.义务教育阶段音乐创新教育理论研究[D].武汉：华中师范大学,2013年.
关键词:音色;表现空间;技巧
中图分类号:G652 文献标识码:A 文章编号:1003-2851(2010)09-0226-01
音乐艺术创作的目的是要获得它的艺术审美价值和社会意义,这种目的的获得是以人类听觉为基础的。钢琴艺术是表现人类情感的听觉艺术。对于钢琴演奏者来说,运用广博的文艺修养,深入研究并理解作品,使用科学合理的练琴方法,弹奏出美妙感人的旋律,使欣赏者和演奏者本身从中感受到愉悦,并引发有关生活经验产生音乐想象,从而感悟到作曲家在音乐中蕴含的世界观和人生哲理,达到陶冶情操的目的。而要达到这样的目的,只有演奏者利用成熟的演奏技巧,把作品的艺术价值在钢琴上通过独特而优美的音色表现出来。
一、 了解钢琴独特的音色美
钢琴这种乐器是最理智的,弹奏时脑海里总是浮现各种更感性的、更具体的声音形象。因此钢琴演奏者不需要任何人的帮助,一个人就可以单独在钢琴上塑造出绝对完整的形象。从钢琴弹奏的原理上看,钢琴是键盘乐器,是通过琴槌击弦发出声音的,因此颗粒性声音是钢琴的特色和所长。而钢琴的音量音色是可以由钢琴演奏者的指触来发生变化的,所以要训练好手指,使其独立、灵活;使弹奏的声音清晰、流畅,这对展现出钢琴所长是关键性的步骤。
二、 从作品发掘艺术表现空间
(一)分析音乐背景。通过对作曲家音乐背景材料的分析,使演奏者接近作曲家的心态,领悟到作品的真谛,并用恰当的方式表达其音乐思想。钢琴教育家赵晓生在《钢琴演奏之道》一书中,强调:“演奏者必须研究作曲家与社会的联系;作曲家的总的音乐风格及风格演变――作品在音乐史、钢琴史、作曲家本人作品、同类作品中的地位”,只有通过这一系列的问题才能深刻体会音乐蕴含的内容。从这些文史资料中汲取表现音乐的能力,使演奏者更具感染力、震撼力。
(二)研读谱面,分析旋律分句,弄懂旋律走向。认真研读谱面,通过分析作品创作手法,利用唱旋律、听和声等方法熟悉乐谱,加强对音乐作品的认识。谱面是作曲家通过对现实生活的感悟以音符的形式记录他的思想。弹奏者在摸谱之前,应先认真解读作曲家标示在谱面的所有记号,并掌握乐曲的曲式结构、旋律和声、调式调性等。钢琴音乐作品有很多的情绪表达,如同说话时的语气变化,它们也有一个变化的过程,这种过程就是旋律的走向。乐段和乐段之间、乐句与乐句之间都会有一定的呼应和对比。懂得了旋律的走向,才能很好地表现作曲家的意图。
(三)发挥想象力,为作品想故事。乐感的好坏,固然有天赋和才能的区别,但多半需要靠生活成长过程去补充,要多听、多看,不断拓宽自己的知识面,丰富自己的想象力。就是在弹奏音阶的时候,也可以加入自己的想象和感受。例如在弹奏音阶时,可以提示学生体会其中的美。如:我们用放松整个胳膊和肩部的重量去弹奏每一个音,让学生体会均匀安静的音阶美。我们用重量贯通到键上,手指触键动作快速放松地弹奏,就能让学生体会清脆饱满的音阶美。我们要求学生在每次弹奏时都带着一种情节去练琴,首先自己就不会觉得枯燥,弹奏的声音也就不会苍白干枯,就能使钢琴歌唱起来。
三、 钢琴声音艺术表现的演奏技巧
在技术方面,好听的声音是不同力度、各种时值声音的相互结合、相互对比、极为复杂的过程。
(一)正确的触键方法是音色获得的必须保证 。良好音色的获得与手指尖的触键方法直接有关。与其相关的因素包括:手掌的形状、手距离键盘的高度和角度、手指触键的力度与速度等。掌指关节是手指发力的关键,而手掌的形状应该服从音乐的需要,除常用的手掌拱起手形外,有时还要用到手掌平铺的手形。总之触键方法必须依据乐曲的风格要求不断调整。
(二)演奏者的动作和力度。演奏者的动作和力度是否合理和科学,决定所弹作品的总体力度感和声音效果。良好音色的获得与触键时手臂运动部位的状况直接有关。掌关节、腕关节与肘关节乃至肩关节的放松、弹性与爆发力,是产生良好音色的基本前提。手掌作为力量的支持点,是保证声音质量的关键部位;手腕必须是放松的、弹性的;肘部对于乐句的连贯、力量的传递等均有极大影响;大臂的作用应贯穿演奏,它是强大的发力源。
(三)踏板的运用。良好音色的获得与踏板的运用直接有关。使用不同的踏板或不同的方法可以产生明暗、断连、强弱等不同的声音。首先,应随着和声的变换而变换踏板,否则就会造成声音混乱,破坏演奏效果;其次,节奏影响着乐曲所要表达的情绪,而踏板作为传递乐曲情绪的工具必须基于节奏的需要来考虑; 最后,选择踏板时如果不考虑作品的风格那将是致命的错误。
(四)演奏动作 。演奏动作对钢琴演奏的整体效果也起着很重要的作用。声音与演奏的动作密切相关,如,猛敲猛砸的动作产生刺耳的声音,软弱无力的动作产生虚浮的声音,轻抚琴键的动作产生缥缈的声音,弹性的动作产生跳跃的声音等等。因此,提高声音质量的关键在于不断修正动作方式,使动作与音乐效果密切地统一起来,一切音乐表现都需相应的动作体现。
四、 加强思想文化修养,提高演奏者的艺术表现能力
技巧是表现音乐的手段,刻苦练习技巧是获得艺术表现能力的必经之路,但关键是应该时刻不忘用技巧表现音乐内容,时刻注意技巧与音乐表现并举同进。因为音乐表现才是钢琴演奏的目的,一个热爱音乐的人,才有极大的动力练习技术,一个被音乐激动的人,才会将技术和音乐表现融为一体。所以说,技巧不是孤立的,它与演奏者的整体修养和素质密不可分。
学习钢琴,除了要对音乐非常之热爱,同时注重对生活的体验、丰富自己的阅历和提高思想修养是钢琴学习过程中不可缺少的内容。广泛地吸取各方面的知识,提高思想和艺术修养,诸如美术、文学、戏剧等等,对学习钢琴都有着重要的作用。例如那些严肃的古典作品,每首作品都包含着作曲家对当时社会生活的体验,反映着深层的思想内容,钢琴学习者如果没有一定的艺术和思想文化修养,没有审美能力和思想修养,即便技术全面,也不能把技巧化为有感情的音乐,也弹不出作品的深层含义。
参考文献
[1]论钢琴表演艺术(苏)涅高兹著,人民音乐出版社
【关键词】 音乐教学 合作交流 校本教研
音乐课程是小学阶段的一门必修课。校本教研是引领教师走进新课程的主渠道，是全面促进教师专业化成长的有效途径。我校的音乐校本教研立足于学校、教师和学生，以教与学过程中呈现出的问题为核心进行研究，提高了教师的综合素质和学生的艺术修养，促进了学校艺术教育水平的提高。
一、开展音乐校本教研的意义
音乐学科具有很强的实践性。根据这一特点，音乐学科校本教研，应以研究教与学的最佳结合为目标，以提高师生的综合素质为目的，从而推进音乐学科课程的改革。
1.开展音乐校本教研是音乐课程改革的需要。音乐校本教研的研究主体是音乐教师，这就要求教师必须遵循教学规律，运用科学的研究方法，关注现实，开拓、探索新形势下的音乐教学。
2.开展音乐校本教研是解决教学实际问题的需要。面对新的课程标准、课程设置、新教材、新问题，更需要扎实地开展教研活动，以科学的理念和方法解决问题。
3.开展音乐校本教研是教师专业化成长的需要。教师在教研活动中，通过教学心得交流，多方面信息的搜集，把握艺术教育方向，能提升整体素质、音乐校本教研水平，能更好地服务音乐教学。
二、开展音乐校本教研的做法
我校音乐校本教研，是遵循发展规律，从音乐学科发展、教学实际出发，根据音乐学科特点及教师特长，采用全新的教学理念，有自己特色、风格的音乐校本教研。
1.重视教研组建设，充分发挥教研功能和团队合作优势。随着新教材课程改革的全面实施，准确把握教材、全面落实新课标要求，成了每一位教师面临的困难和问题。教研组是学校进行教研活动的最基层单位，解决“理解教材”“驾驭课堂”的最有效的办法就是在教研组实施校本教研活动。抓好教研组建设和校本教研活动，是提高教师队伍专业化水平、提高教学质量的有效措施。
2.提高研究能力，促进音乐校本教研的开展。
（1）研究怎样用好教材。研究教材的设计思路和编排体系，领会教材意图，是合理使用教材的关键。我们在研究教材编排体系时，根据我校学生的实际情况，因地制宜整合教材。例如，为了使学生更系统了解歌曲内涵，把握演唱风格，我们调整了教材顺序整合了课时，把第二册三课《手拉手》、四课《长鼻子》等四首以小动物为题材的歌曲整合为一个单元利用6课时实施教学，使学生在系列化的学唱过程中受到艺术及品德教育。
（2）研究教法与学法。教学本身就是师生双向的互动过程。在进行音乐校本教研和具体教学过程中，我校根据音乐学科、教材、学生等特点，以学定教，克服程序化模式。树立以学生为本的思想，围绕学生的发展进行教学，把教与学的重点放在“学”上，在教法上着眼于“导”，理顺了“学”与“导”的关系。
（3）研究教学设计，把课例做成精品。音乐新课程的基本理念是通过“教学设计”形成一条明晰的教学思路。我校坚持多年的“三上两备”课例式备课，使“独角戏”变为 “大合唱”。基本流程是：“一上”是以学科组为单位，精选一个课例，在集体研究形成一定共识的基础上，由第一人执教供大家观摩，之后以“一上”为课例进行首次评议，重点放在对问题的研究上；然后进入“二上”，即第二人进行课堂教学实践，大家再次进行集体观摩，随后以“二上”为课例，再次进行研究，修改教案；由第三个教师第三次上课；课后再评，看修改后的教学策略在课堂上的呈现效果，又出现了什么新情况，下一步怎样修正，在此基础上形成精品教案。
3.开拓教师艺术视野，提高音乐教学水平。在充分挖掘教师自身潜力，提高校本课程教研的同时，我校非常注重开阔音乐教师的视野。为开拓音乐教师的艺术视野，进一步提高音乐教师的教研水平，学校加强了与周边兄弟学校的联系，一方面，在音乐教研网上相互交流获取信息；另一方面，采取面对面的交流方式，同时还组织骨干教师外出参观、学习，加强与文化馆、剧团等文化部门的联系，拜专家为师，开发乡土教材……通过这些活动，拓宽了音乐教师的艺术视野，激发了音乐教师开展教研活动的积极性，提高了音乐教师的教研水平，极大地促进了我校音乐校本课程改革。
4.开展主题教学活动，为校本教研搭建平台。
（1）为尽快提高音乐教师的教学水平，提高学校教学质量，我们定期举办教学基本功大赛、“青蓝工程”结对帮扶活动、“远航杯”教学大赛活动。通过竞赛活动，青年教师找到了差距，培养了团队意识，促进了相互学习，提高了整体素质。
（2）根据学校实际，音乐校本教研从多种渠道为音乐教师创造施展才华的空间。对于音乐课程来说，其教育效应不在于知识和技能的习得，而是体现在熏陶、净化、顿悟等情感的培养。优美的琴声、形象的表演、声情并茂的歌唱，使孩子们感受到音乐之美，产生“蓬生麻中不扶自直”的效果。
三、开展音乐校本教研的收获与体会
1.目标明确，任务落实。目标明确，就是要使全体音乐教师明确问题的总体目标，以集体智慧全面设计音乐教学思想、教学设计流程及具体教学方法。任务落实，即分别给教研组长、备课组长和其他教师合情合理分配任务，调动所有教师的积极性，大胆提出解决问题的思路与建议。
2.理论学习，源头活水。教育思想是校本教研的的指南与灵魂，对校本教研起着引导、评判、修正的作用。教学理论是支撑教育教学实践活动的的基础。我们在教研过程中，十分注重理论的学习和积累。理论是校本教研的源头活水。
3.同伴互助，共同提高。同伴互助，是教师与同行的对话，是校本研究的标志和灵魂。音乐校本教研坚持集体备课、自我反思的同时，要求开放自己，加强教师之间的专业切磋、协调和合作，分享经验、彼此扶持、共同成长。
4.学科特点，突出强调。音乐教学必须突出听觉体验、情感体验，强调以审美为核心；注意音乐教学各领域之间的有机联系；体现面向全体学生、贯彻因材施教原则，建立民主、平等、和谐的师生互动关系；合理运用多媒体等辅助教学手段，实行“开放式”音乐教育。
5.自我反思，专业发展。反思不是一般意义上的“回顾”，而是反醒、思考、探索和解决教学过程中各个方面存在的问题。自我反思被认为是“教师专业发展和自我成长的核心因素”。教师要在教学理念的层面上解说教学设计；在教学动态生成性的层面上，叙述教学过程中师生之间的互动以及教师内心的真实体会与感受；还要反思教学中存在的问题，并提出具体改进的设想。
总之，音乐校本教研，能让每一位音乐教师成为主动的研究者、探索者；能提高音乐教研的效果和备课的质量；能促进师生的艺术修养。音乐校本教研一定会成为音乐学科课程改革的强有力的手段。
参考文献：
[1] 王国安，吴斌.音乐课程标准解读.
[2] 孙立春，唐淑华.中小学教学研究.
【关键词】艺术；音乐美学；音响美学；情感美学
一、音乐美学的主要内容
音乐美学（Aesthetic of music）美学和音乐学的一个重要分支 。在音乐学领域中，它是体系的音乐学中的一个领先学科。18世纪末，德国音乐理论家、作曲家舒巴特（D・Schubart，1973～1991）首次提出“音乐美学”这个概念，但它真正作为一门学科是从19世纪下半叶起在欧洲逐步建立起来。顾名思义，这是一门研究音乐的美和审美特性及极其特殊规律的学科。艺术是人类的审美意识的集中体现，音乐作为一门艺术，它的美不仅体现在音结构本身，而且体现在寓于音结构中的内容，体现在音乐的内容与形式的完美结合之中。为此，要弄清音乐的美和审美的本质和规律，首先就要研究音乐与现实美的关系、音乐的内容与形式的特殊性、音乐美的结构形态等问题；其次，无论是音乐创作、表演还是欣赏都是一系列的审美心理过程，研究它的特殊规律是近代音乐美学的核心；最后，音乐是社会的人所创造的精神产品，不是一种孤立的偶尔现象，它总是与一定的时代、民族、阶级的社会生活与文化背景相联系，从而具有一定的社会性和社会功能。从社会学角度研究音乐艺术，在音乐美学领域中具有悠久的历史。当然，音乐是由音响构成的是通过特定的音结构来体现内容与形式的美，虽然音乐美学的研究对象和范围至今尚无定论，但是也有不少学者还从声学、数学、生物学等角度进行研究。本文将从音乐美学的两个不同观念上来进行阐述和分析。
二、音乐美学的两个观点
虽然音乐美学的研究是从19世纪下半叶开始的，但是真正音乐美学的自律（Autonomic-aesthetik）和他律（Heteronomic-aesthetik）这两个概念却直到1929年才由德国音乐学家菲力科斯・卡茨（F.Katz）在他编写的《音乐美学的主要流派》一书中第一次使用 。这两种音乐美学观念的对立不是当时才出现的，它们的对立有着极为久远的历史渊源。这种对立与争论不仅存在于西方，而且也见之于中国古代音乐美学思想中。下面将这两种音乐美学观念的基本内容和研究对象作以阐述和比较。
1.自律美学
自律美学认为：制约着音乐的法则和规律不是来自音乐之外，而是在音乐自身之中；音乐的本质只能从音乐结构本身去理解和把握。音乐的内容不是外来的，不是独立于音乐之外的什么东西，既不是情感，也不是某种语言、映像、譬喻、象征、符号，它的内容只能是音乐自身。因此音乐是完全自律的。这种美学否认内容与形式的二元性，认为两者是同一的，音响结构就是一切。奥地利学者汉斯立克是西方近代自律美学这一学术流派的最早和最极端的代表人物，他的著作《论音乐的美――音乐美学的修改新议》是他的美学观点的最集中的体现。他给音乐的内容所辖的一个经典型的定义是：“音乐的内容就是乐音的运动形式。”
其中在我国古代音乐美学思想中最典型的要数具有深远意义的《声无哀乐论》。美学家嵇康的这篇《声无哀乐论》，通篇的批驳音乐可以表达感情的观点，认为音乐对人的思想和社会观念是没有任何作用的。声音和味道一样，无论世界和社会怎么改变，酸甜苦辣不会因为人的心情的改变而改变，音乐的好与不好的本性是同样不会改变的。声音的本体只具有自然的属性，爱憎不能改变它，哀乐也不能。嵇康的《声无哀乐论》虽称不上是完备的“自律论”，但是在它前后，直到19世纪奥地利音乐学家汉斯立克的著作《论音乐的美――音乐美学的修改新议》问世之前，再没有比它更完备的“自律轮”了。
2.他律美学
他律美学认为：制约着音乐的法则和规律是来自音乐之外的，即认为音乐是由某种外在的规律决定的。正因为如此，音乐是他律的。这是因为音乐本身体现着某些外界的客观实在，即音乐重视标志着纯音响现象之外的某些东西，它们主要是人类的情感，也就是音乐所表现的主要内容。正是这些内容的性质决定着音乐作品的音响结构、整体发展，决定着音乐的“形式”，故此也可以将它称作是“内容美学”。
强调音乐要表现情感的浪漫主义音乐思想，总的看来可以说是集中体现了他律的理论观点。既是作曲家又是评论家的舒曼、柏辽兹和李斯特的创作与评论都反映出他们强调音乐的他律性的倾向。其中李斯特把这种美学理论推向了极端，他在写于1850年前后的论文《柏辽兹和他的》中说：“感情在音乐中独立存在，放射光芒，既不凭借比喻的外壳，也不依靠情节和思想媒介。 ”他甚至认为音乐无时不是在“表现”情感，音乐本身简直就是情感的“化身”（Inkarnation），他使用“化身”这个借用自宗教的词汇，从而使他的“情感美学”蒙上了一层神秘主义的色彩。
三、对音乐美学中两个观点的结合
音乐是能表达思想感情的，这一点无论嵇康怎么批驳也是否定不了的 。同时，《声无哀乐论》又从另一个方面强调了音乐的科学性，把音乐自身的特点的科学性揭示出来，对人们更深入地认识音乐艺术，是完全必要的。人们应该把音乐能够表达感情这种科学性与音乐自身的特点的科学性结合起来，把音乐的“情感”与音乐的“形态”结合起来，才能更深刻地认识音乐艺术。这种结合，在明代著名琴家徐上瀛的《山琴况》中体现的更加完美。他认为“音与意合”，乐音和思想感情特别是和意境完美结合，是美学的总则。用尽可能完美的乐音去体现深远微妙的意境，“音从意转，意先乎音，意随乎音，将众妙归焉。故欲用其意，必先练其音，练其音，而后能洽其意”，这正是重视音乐表达思想感情与重视音声的自然这两种科学性认识的结合。而音乐中的感情是包含在音乐之中而不是游离与音乐之外的，它与音乐的运动着的旋律、节奏、调性、力度、速度、音色等所有表现因素融合在一起，并作为乐曲的整体出现在听众面前。
如果我们从哲学、心理学、社会学以及自然科学、数学等角度研究音乐艺术，会发现其间存在着深刻的内在联系，但这些不是音乐美学研究的终点。只有在以上研究的基础上进行综合、扬弃、统一和概括，才可能从整体上认识和把握音乐美和审美的本质和规律，从而指出音乐之所以不同于其他艺术的特殊性。
关键词：音乐教育专业、音乐类非物质文化遗产、传承
音乐教育专业主要是培养中小学音乐师资，他们肩负着培养祖国未来人才的重担。音乐教育专业培养的学生的素质直接决定了我国中小学音乐教师素质。音乐类非物质文化遗产概念是随着国际上对于各国音乐类文化遗产保护运动兴起的而提出，人们已经意识到对于音乐类非物质文化遗产的教育传承。所以说，音乐类非物质文化遗产与音乐教育专业之间有着紧密的关系。可以说音乐教育专业是音乐类非物质文化遗产教育传承的重要途径。
一 、音乐教育专业具有传承音乐类非物质文化遗产的学科责任
大学作为人类文化(遗产)的传习地，应当倡导更加开放、平等、民主，更具世界文化交融、竞争和创新活力的教育理念。大学现行教育知识体系中应当反映出本土非物质文化遗产的丰富性和文化价值 。有关我国高等音乐教育中培养音乐师资的音乐教育专业是否在自身的教育体系当中反映了本土音乐类非物质文化遗产的丰富性和文化价值，并且能否承担起音乐类非物质文化遗产传承教育的责任，还需要进行研究。基于音乐类非物质文化遗产在音乐教育专业中传承时，音乐教育专业的学科责任，本研究从以下两个方面进行阐述。
1 、对我国音乐教育专业的培养目标的分析
培养目标是学科专业发展的方向，只有确立明确的目标才能据此采取具体的措施以达到培养目标的实现。我国音乐教育专业从始创阶段就以“中学及师范音乐师资”的培养为目标。早在1952年7月国家教育部颁发试行的《关于高等师范学校的规定(草案)》对全国高等师范的办学方向做了统一规定，规定以培养中等学校的音乐师资为主。
1987年5月，国家教委在天津召开“高等师范院校本科专业目录审订会”。会议对原有的22个基本专业目录进行了修订，修订后的“高师音乐专业”改名为“音乐教育专业” 。这次会议使得音乐教育专业这一名称以首次确立，也对这一专业的培养目标作了更为明确的规定。这一方向规定了它从课程设置到日常的政治思想教育工作，都必须确保培养既掌握与时俱进的音乐专业知识、技能技巧，又掌握基本教育理论和音乐学科教学法的毕业生。这是音乐教育专业有别于音乐表演专业人才培养的主要标志。
2004年12月29日教育部印发了《全国普通高等学校音乐学(教师教育)本科专业课程指导方案》的通知，在该通知中进一步明确了音乐教育专业的培养目标：本专业培养德智体美全面发展，掌握音乐教育基础理论、基础知识、基本技能，具有创新精神、实践能力和一定教育教学研究能力的高素质的音乐教育工作者。总之，我国音乐教育专业的教育目标就是要培养高中、初中、小学及幼儿的音乐教育师资。
2、对我国音乐教育专业课程设置的分析
我国音乐教育专业的课程设置结构及学时、学分分配要求方面，要求：各类课程的课内总学时为2600—2800学时，其中公共课程约720学时（按教育部有关规定执行）；专业课程为1900—2100学时，按110—115学分安排。其中专业课程由必修课、选修课及地方和学校课程组成。
就如教育部教体艺[2004]12号，《全国普通高等学校音乐学（教师教育）本科专业课程指导方案》中所表达的：这种专业课程设置除了设置必修课和选修课课程之外，突出的强调了“地方和学校课程”。可见教育部明确了音乐教育专业“增大学校课程设置的自由度。基本思路为：必修课程学科化，选修课程类型化，地方和学校课程特色化。 各校可参照《课程方案》中建议的科目开设选修课，也可根据各自的资源和特长开设相应类别的选修课，以充分发挥本校优势和地域优势，办出各自的特色。”（见教育部教体艺[2004]12号，《全国普通高等学校音乐学（教师教育）本科专业课程指导方案》说明）。
二、音乐类非物质文化遗产的多样性需要各高校音乐教育专业的参与
音乐类非物质文化遗产的抢救、整理、保护与传承是系统工程,它需要全社会的支持,需要多方的合作和参与,高等院校担负教学科研的双重任务,在音乐类非物质文化遗产的研究、传承、发展方面有着不可替代的作用。我们深信，教育在提高民族文化素质、塑造民族性格、开放民族胸怀、提升民族理想、推动民族文化创新方面，具有不可替代的重要文化作用。我国各个民族的文化生成背景及音乐构造特征的不同，也决定了音乐类非物质文化遗产传承的内容、形式、方法、途径有所不同。我国的各个省份都有本地区的师范院校，这些院校一般都开设有音乐教育专业。在研究本地区的音乐类非物质文化遗产方面，他们具有得天独厚的条件，同时也是他们培养本地区音乐教育师资的使命。
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