从艺术创作的共性来看，创作素描基础教学的范围，不应是单纯的基础教学。绘画制作表现基础、画面构成表现与设计、专业理论基础等，都应该纳入基础教学的范畴里来。因此创作素描在教学内容上主要分为理论基础教学、创作思维训练、表现技法训练、综合材料运用努力训练、思维表达陈述训练、作品归纳与展示训练共六个方面。其具体要求与课时如下。
1.第一单元课题：理论基础教学
创作需要一定时间的经验积累，这包括理论、技法与感受。创作素描作为艺术专业创作的前期课程，艺术创作理论基础更不仅仅限制于，作画经验与步骤之间的讲解。教学目标为：通过一定的思维训练、技法训练等方式将学生逐渐从，基础训练带入到创作思维训练中。这就要求我们将基础课中那些单纯的基础训练转变为在艺术思维指导下创作训练，通过观赏、讲授一些经典的艺术作品；通过剖析一定成功艺术家创作思路的例证；建立起学生将生活中的体验以速写的方式进行归纳、整理、改编等一些创作练习的理论指导依据，激发学生创作表现的欲望和习惯，为进入以后的专业创作打下坚实的基础。理论基础教学是一个长期的过程，这取决于当代学生所具有的特性（强烈的时代性、思维敏捷、易接受新鲜事物、求知欲望强等）所决定的。而对与学院所开设的文化理论选修课虽然起到一定的作用，但对于艺术学院的学生作为从事创作的理论积累又似乎显得苍白无力。具有深层的文化修养不一定就能画出高品质的艺术作品。但却能一些其创作的品格。
2.第二单元课题：创作思维训练
创作思维训练它是以区别传统素描对物象的透视、解剖、质感、结构等因素的如实表现，以追求描绘再现和塑造能力而提出的。创作思维训练的出发点是：解放学生的观察力，从自己的兴起点入手，发现并引用物象在画面里的图式结构，用结构的、设计的、意象的造型方式引入想法，并且在这些图式的实验中提炼种种造型因素和可能性，启发学生的思想主动性，在自己对传统写实性素描的基础上“分娩”出自己对物象独特的理解方式和观点。在创作思维训练的课程中，每一副作品都是下一副画的实验延续和造型暗示，即每一件作品都是大造型意象框架内的一部分。只是承担的造型因素和分解方式各自不同，这种思维的连续性训练，是学生在过程中随时检验自己的思想方法和问题。如蒙德里安对“树”的研究方式，毕加索对“牛”的造型系列分析，都能看出画家如何从自然物象的客观形态中提纯出形式语言和符号内容，他们把对物象的自然观察融入一种形而上的超越客观物象本身规律的一种观念。
3.第三单元课题：表现技法训练
对于创作素描训练课程中的表现技法训练单元，首先本人想引用一句话“功夫在画外”。我们经常听到一些人在说，“画画的人基础要扎实，功底要厚重。”但对于什么样的基础才叫“扎实”却一直没有一个很好的定论，因为我们不能将从事写实与抽象表现绘画的人放在一个标准上出评价。本人认为对于审美修养的培养，应更甚于对技巧的偏好，毕竟只有“眼高手低”的前提，才可能在绘画艺术中更具创造与思维能力。吴冠中先生说过“无情时努力画画，有情时奋力画画”，这就是说做画时对“有感觉”和“没感觉”两种状态的处理方式。因此在该个单元的训练中，教师因结合理论单元的课程对学生进行初步的人文审美意识培养，以培养他们在今后的学习过程中有主见，有思考，有兴趣的进行多种尝试。再则并是探索与分析各专业表现技法的特性与同性找与自我表现最融洽的方式。当然，学生的资质不同，在几周课里不可能解决他们的每一个技术上的问题，更谈不上运用自如，但至少给了他们一个方向，提供了一种可能，这对他们树立学术理想也是很重要的。
4.第四单元课题：综合材料运用训练
本单元训练的要求即是，打破学生对素描表现媒介转换的意识。要积极鼓励学生打破常规，突破素描仅仅是作为基础训练的概念，将其上升到作为“架上绘画”的范畴里。这一阶段，学生将要运用的材料多样，有色粉、丙烯、水墨、水彩、水粉、油画棒、麻、沙子、石膏、旧画报等。这些材料在丰富他们的想法和兴趣的同时，提高和增强了他们实验的积极性，但很多同学在操作的过程中出现了非常混乱与不和谐的画面，这恰恰说明学生们对于他们自身在处理想法、造型的手段以及与材料的结合上出现问题。还需要在对于材料的运用和画面的把握还有整体想法贯彻上都要进行认真推敲和思考。通过这个阶段的学习主要是让学生从早就培养关注材料，鼓励学生尝试用不同的材料与手段去艺术的表现自己的想法。
5.第五单元课题：思维表达陈述训练
从素质教育来讲，培养美术工作者，就是培养学生的艺术鉴赏力、理解力、创作力、与表达力。全面提高他不同于常人的艺术修养。在创作素描教学中教师应多鼓励学生之间，学生与教师之间多交流、探讨各自在实践过程中甚至在思考过程中的想法与心得，并都以文字的方式记录下来，从中吸取精华，以培养我们的学生多思考、善于表达、敢于表达自身的想法的好习惯以最终为培养能画、能写、能说的艺术家而做好前期工作。
6.第六单元课题：作品归纳与展示训练
俗话说“三分长像，七分打扮、三分画，七分裱”，对于如何整体、系统的将自己的作品呈现出来这也成为创作素描课中要涉及到的课程。在该课程中，学生依据自身的喜好，通过一定时期的实验尝试不同的题材与表现方式，慢慢的沉淀下来最终发现在一定时间里自己所要的“东西”或者说真正感兴趣的东西，由一个“点”不断的发展成为一根“线”最后成为一个“面”的创作思维发展的过程。在该课程快结束的时间里，引导学生将自己画的作品整理、调整从具有“思维延续性”与“发展性”的系列作品，让学生明白一个道理“再精彩的作品，它的精神文化承载量是有限的，有时间宽度的系列作品的信息量是巨大的”。
二、结语
素描作为造型艺术的基础。要让学生在较短时间内学好素描，一是教师自身应具备良好的专业技能，二是应有科学的教学方法，使技法和理论有机地融合在一起。
一、素描教学是基础教学，应以培养学生掌握好基础知识和技能为目的
不管什么风格的基础素描，它的基本要求是一致的，只是对素描造型诸要素各有不同的侧重而已。我认为在基础素描教学中应本着现实主义的原则，要求用写实的手法表现对物象的真实感受。作品应以客观物象为依据，在教师的指导下，让学生根据对物象的认识和感受，艺术地表现一定环境与光影下的具体物象。学生的主观感受应依据客现物象并受制于客观物象，所谓”艺术地表现”是指概括、取舍、加强、减弱等艺术处理。
素描教学训练要以培养学生对物象的认识能力、观察能力、表现能力和审美能力为目的，即要达到基础训练所必须具备的各项要求，掌握好基础知识和技能。同时，又应指导学生以客观物象为依据，表现物象的真实，以写实的手法表现对物象的真实感受。我不主张在素描基础练习上，采用变形的手法，在打基础的阶段，”变形”容易养成主观随意的习惯。但并不因此反对有些素描对物象的结构进行一定程度的强调乃至合理的夸张。在教学过程中，教师的指导作用是主要的，但学生的主观感受在素描作品的表现力方面也具有非常重要的作用。主观感受是来源于客观物象的，关键是教师要正确引导学生学会正确地观察物象和处理画面。
二、在素描基础教学上应抓住两个主要环节，保证学生不脱离严格训练的轨道
这两个环节是：轮廓准确和注意整体。要求轮廓准确是克服造型似是而非的主要办法，造型似是而非是初学者最普遍的毛玻要求轮廓准确，可以培养学生在学习上严格的作风和求实的态度。这里所说的轮廓准确并不是说要在素描的第一阶段就细抠轮廓。我认为第一阶段打轮廓时能做到构图恰当，比例准确，要点鲜明，形象明了，就应该说是轮廓准确了。
在素描训练过程中，应当要求学生在每一阶段都不断使轮廓更精确，特别是要求学生不要迁就轮廓的错误，那种明知有错而凑合了事的态度是非常有害的。如果在基础训练中老是犯轮廓不准的毛病，就不能获得物象结构的知识，就会造成不善于敏锐准确地表现物象特征的缺陷。
注意整体是观察物象和处理画面的一种方法，这个方法掌握得是否恰当直接影响作品的质量。因此，教师在向学生传授技法时，更要重视引导学生学会正确观察物象的方法，它与学习成绩的优劣和进度的快慢有着直接的联系。
三、应本着”由浅入深，由表及里，由简到繁，循序渐进”的原则进行素描训练
不仅要有长远的总目标，而且要有分段实现的具体目标和要求。在不断循序渐进和适当重复的过程中，才能牢固掌握造型规律及其有关知识和技能，才能得心应手地表现各种环境下的复杂事物。为了打好坚实的基础，习作应以长期作业为主，这样便于领会教师的指导，便于深入理解，反复校正和进行探索。教学上的严格要求也主要体现在长期作业中。教师要向学生说明长期作业的重要性，对各种不良倾向要及时加以纠正。同时，也要布置一些短期作业作为辅助，使写生与构图相结合，记忆、想象和速写相结合，以避免学生在长期作业中容易出现的观察力迟钝以及画面板、腻的缺点。
习作的优劣还取决于观察事物的深度和知识面的广度，取决于艺术修养和技术水平的高低。因此，教师对学生的”画外功夫”要正确引导，鼓励学生多掌握一些课外知识，如：文学、美学、历史等方面的知识，使他们多了解不同素描流派产生和发展的过程，以及它们的主张和特点。这样能够使学生扩大知识面，开扩眼界，有助于提高绘画水平。在基础未打好之时，对于那种专门追求风格、流派的做法，教师要适当地加以引导和纠正。要让学生认识到：没有浑厚的基本功作基础，单纯地去追求某些风格、流派的做法是有害无益的。因为学生不仅要具备照着物象摹写的能力，更重要的是要培养自己的理解、记忆和想象能力。这样，才能真正具备全面的造型能力。
四、在教学中，教师应要求学生善始善终
有的学生开始画的时候积极性很高，新鲜感强，观察力也比较敏锐，但经过一段时间后，观察力多少有些迟钝，不能保持一种清醒和整体的感觉来检查画面的表现效果。有些学生则急于求成，时间一长就有种画烦了的感觉。这时，教师应及时提醒学生，不要轻易地把调整修改这一步看做是作业结束时的修饰，而应认真对待，感到有不妥当的地方，一定要找出原因，下决心把它修改过来。调整修改应本着整体的原则，反复分析研究，反复比较，理解形与神的关系。要用第一眼看到物象时那种新鲜强烈的感觉来检查画面效果，找出画面与物象之间的差距，检查物象与物象之间的组织结构、形体比例是否准确，质量、空间关系是否恰当，主次虚实是否有序。这些因素的调整，主要是想通过反复的校对和比较，能够更深入地研究对象和表现对象。
五、在素描训练中，要注意培养学生的表现能力
学生需要按照这四个步骤，还要对物象具有强烈的整体感，整体感即对整体绘画中各种关系的敏锐感觉。素描和速写在美术教学中是两种不同的绘画方法，有着各自明确的训练方法和要求。素描和速写这两种素描方法通常会分开进行，以素描为主，速写为辅。素描要求有正确的步骤与顺序，整体而深入，是为正式创作打下基础。素描的训练目标是培养学生整体的观察力、整体的表现力、理解能力。速写则是作为积累形象素材的一种有效手段，要求快而简练，速写的训练目标是培养学生的观察力、感受力、表现力。
“五四”运动之后，以徐悲鸿为代表的老一代艺术教育家的欧洲素描认识与教学方法对中国素描教学产生了极其深远的影响。随后，素描教学的风向标转向以契斯恰柯夫素描教学法为代表的苏派素描。徐悲鸿素描教学体系和契斯恰柯夫素描教学体系都遵循着现实主义写实原则,对我国高等美术教育产生深远影响。两者之间的不同之处主要表现在三个方面：（1）形成体系过程中的社会环境不同；（2）素描训练针对的创作目的不同；（3）审美趣味的不同。通过比较和,可从中透视近百年来中国美术教育的发展历程。
（一）现代素描教学的要求现代视觉艺术，用多元化的形式充斥人类眼睛，让我们的视觉神经处于紧张状态，无法松懈。摄影、绘画、建筑、多媒体等艺术形式使艺术世界不断扩大，伴随着当代艺术在中国的发展，美术高校中素描教学该如何进行，越来越成为专业界讨论的话题。
（二）素描教学“创造思维”能力培养现代设计教育的目标是以学以致用为出发点的，更有利于学生成长的途径便是在现存的教育体制内摸索探究，素描教学研究本就应该有自己独特的、清晰的基本思路，其基本思路便是以创新主体性课题设计为主题。高校素描教学站在社会文化发展的前沿，密切洞察着社会发展的趋势和要求，为社会美术发展培养出高水平、高品位的美术人材而做出努力。素描课程教学作为美术教育的基础课程，在这方面承担着不可推卸的重任。素描教学作为美术教育的基础课程，理应有着严谨扎实的写实角度，从了解进而理解物象的原型开始，逐渐的从生活到艺术进行由浅至深的转换，在保留物象的原型的基础之上，由客观到主观、感性到理性，从而引导学生慢慢达到主观上的理想化和个性化，使自然形态的关系被不断的分解再重构，产生新的理想化的形态与样式，以此来培养学生的创造性思维能力，并能将复杂抽象的思想理念进行视觉化和理想化，来传播表达自己的思想情感，为自己今后在艺术之路打下坚实的基础。素描是一门基础课，在教学过程一般是以对物象的实际关系表现为主，以“写生”为主。如何在教学过程中提倡创新精神，必然会受到一定程度上制约，例如学生对于素描基础的掌握程度不够。在这一方面，我们并不鼓励学生盲目的推崇创新而忽略了素描的基础掌握程度，尤其是在初中级美术院校，切不可盲目提倡。中外美术教学案例中都证明有着卓越艺术成就的画家们都是有着扎实的素描基本功的。没有练好扎实的基本功，想要在美术界成就一番事业，只是妄想。不仅写实派如此，抽象派也是一样。绘画类是这样，设计专业也不例外。著名画家倪贴德先生对素描教学的理解是：一方面强调素描要画得浑厚坚实，只有这样才能打好扎实的素描基础，另一方面是感觉素描不仅仅是要正确的体现，而且还要艺术的体现。不只是形式上的吸收，其主要是吸收其精神。这两方面从一定程度上表达了高校素描教学的继承与创新之间的辩证关系，要在继承素描绘画的基础上不断发展创新，从而满足社会对于素描教学的要求。
目前，对于设计艺术基础教学的认识和具体的教学实践上还存在一些问题。有的学校简单地将设计艺术基础课程等同于纯艺术的造型基础课程；有的学校认为可以取消设计艺术的基础课程；还有的学校则完全改变了基础教学应有的教学内容，所谓的基础课程等同于设计艺术其他的一些课程，如构成课、图形创意课。基于以往的美术教育传统，一些教师把设计基础教学简单地等同于纯艺术的造型基础教学，忽视了两者教学目的的根本差异，忽视了基础教学自身固有的特点，抹杀了基础课程与专业课程以及其他课程之间的区别，忽视了学生入学前所受的教育与训练，扼杀了将学生具有的能力进行转化的可能。
二、基础课合理的、科学的课程设置
设计艺术基础与纯艺术基础以及其他课程之间具有差异性，应该注意到基础教学与专业学习间的逻辑关系。以素描课程为例，素描教学过程应该分为两个教学阶段。
1.第一阶段（客观再现）
以静物、石膏、人物、场景等作为训练内容，并辅以系统的素描理论讲解。目标要求以写实性语言为主，以训练学生的客观再现能力为主要要求，包括光影与结构两种语言样式。学生具备较好的客观再现能力是很有必要的，尽管学生在入学前接受过训练，但不够系统，良莠不齐，并且缺乏应有的理论基础。在训练再现能力的同时，培养学生在艺术学习中应该具备的、共通的审美能力，如对对称、均衡、虚实、层次、节奏、韵律等一般审美因素的感受。设计是一门综合性艺术，每一种造型样式、造型语言学生都应该有所了解与掌握，通过这一阶段的训练为下一阶段学习一些必要的技法与审美意识做好准备。
2.第二阶段（主观构想）
内容分为两部分。第一部分，以静物、石膏、人物的实物或相应的图片资料为视觉元素，引导学生进行形式与意义的创意与联想，手法不限。第二部分，进行一些专项练习，如材料练习、肌理练习、质感转换练习、黑白构成练习、线条练习等。这里需要说明，在实际的操作过程中，第二阶段的这两部分内容可以合而为一。如，学生在以静物或人物为视觉元素进行形式或意义的创意时，可揉入材料、肌理等方面的练习，将多种练习形式整合，在一幅作品中以完整的面貌呈现，并附上简短的使其表达意图更明确的文字说明。练习方式的具体情况教师可酌情而定，不以技法训练为目的，着重于开发学生创造性的视觉思维能力，培养学生对形式语言的理解，引导学生由一些常见之物进行新的意义的联想以及新的形态的创造，帮助学生初步确立设计理念，从而为学生今后的专业学习打下良好的基础。素描的第二阶段是由基础课向专业课的过渡阶段，因此，在课程设置时，应考虑其桥梁作用，在内容与目标上仔细考量，这不仅关系到基础课的教学效果，对学生今后的专业学习也具有重要的作用。如，对于部分教学内容可以有意识地使它与第一阶段的学习在内容上重叠，但要求学生改变视觉常性，从一个全新的视角去观察与表现。形式语言、全新的意义联想与形态创造，材料、肌理、黑白构成等内容无疑具有典型的设计性质，如此，第二阶段承上启下的作用便能很好地体现出来。
三、结语
关键词；美术；教学：设想
这几年来，我一直从事中等美术教学，上素描和色彩课时，往往被一种现象困扰着：学生中有相当一部分人连素描色彩最基本的东西没弄清楚。这到底是怎么回事呢?我觉得是美术教材中欠缺一套完整的、科学的，行之有效的基础方法。我们知道，艺术是能“教”的，而技术是可教会的。但是，我们的课本很少谈到技法问题，因而上课老师也不能很好地把这些技法传授给学生，帮助他们在美术领域里向前走，都是过而忘之。
我毕业实习前，老师给我们放一组幻灯片，感触很深的是：片中有一组上课时的学生习作，约十几张。第一张是副非常写实的水粉风景，然后逐渐过渡到色彩和形的分离，到最后一张已经面目全非，成为其它的系列作业。从中我们清楚地看到其教学的科学性，他们通过一系列精心安排的教材，把笼统的、复杂的、虚的艺术问题分解为一连串较简单的、看得见摸得着的、实实在在的课程，每个单元都有具体明确的目的要求，学生在学校学完这些课程以后，能较好地掌握习作的基本方法，达到预期的教学目的、教学方法。也就是说，没有明确地把素描这门复杂的课程分解为一个个具体的单元，把构成素描的各种因素单抽出来，并设计相应的作业，由易到难，循序渐进，使教师和学生能逐一解决。我们现在的素描教学，虽然也是按循序渐进的原则安排的，但课程基本上是按所画对象的简与繁、易与难进行设置。
当然，现在有不少教师自觉或不自觉地在教学中采用了分解难题的办法。但是，在大多数情况下，无论是一年级还是二年级，学生都是在教室里照着书画，让学生照着画时去“悟”。Www.133229.COm悟性高的学生，遇到了好老师，可能也没有能掌握最基本的要领。再不就是只讲哪儿长、哪儿短、哪儿亮、哪儿暗，弄得学生不知所措。从一开始就用全因素的标准要求学生，而没让他们象学徒那样从每一具基本的技法性问题入手，从每一个最简单的要求做起。
有一句老话“先学会走，再学跑”。但我们的教材教学使相当一部分学生永远只会“走”，只会跟着老师画，被动临摹；而学生又性急，一开始就想“跑”。我们的教学技法，应该让学生“走”的时候想到“跑”，为了“跑”得更快而学会一步一步的“走”。要目的明确，分阶段逐步达到。
另外，在绘画色彩教学教材的相当范围内，还继续着师傅带徒弟的作风。这有好的一面，就是说老师的风范及对艺术探索之精神会无形中传给学生。也有不好的一面，由于教师的知识量及艺术趣味的限度，容易使学生思路狭隘，不利于学生发展。
所以，我们的色彩教学，应该怎样教，才能更有利于教学，怎样做才能更好地引导学生，为他们走向艺术打下坚实的基础，的确是我们应该认真思考的、刻不容缓的问题。
我在多年教学工作中，时常反思以往的学习，并认真学习了当今色彩教学的动向，待静下来后，却感到一片茫然。现在的教学与几年前的老师教学相比，并没有什么变化。当然，我认为并非变就好，不变就不好。只是觉得，目前，在中师色彩教材中存在随意谈谈形象、明暗、冷暖等，仅从词义上简单讲讲，却不去研究色彩自身的客观规律的现象。而在我国艺术蓬勃发展，众多思潮循环往复的今天，就更难得有谁系统谈谈色彩规律及教学问题了。
省师范科成立了美术课改中心组，以写实或抽象等面貌特点相互区别，但是不管做什么，在对色彩的认识与处理原则上，却都是有共同规律的。而我们是不是引导学生去研究这些具有普遍意义的问题。现在，一些教师对学生色彩教学做了一些改革，比如，上学生参与课题布置，专门学习色彩构成等等，但这还远不能令人满意。因为构成规律是从规律当中提出的规律，普遍性过强，个性不足，未免有些远离自然，略有生硬之感。如果放任学生自己安排课题，只重个性，又觉得有些草率。参与本身虽然可以刺激学生作画的主动性，但学生仅仅是画了一张自己认为有趣的画，并没有在课题中发现，理解和系统地解决什么。这又过于自由，失去了教学的严谨性。
我们不能仅仅把学生培养成照虎画虎，照猫画猫，或是东抹西抹，似乎就是前卫，别的什么也不学不管的人。这对学生是不负责任的，只会助长学生的惰性，压抑了学生的创造性和对各种风格与表现方法的探求精神。我想，如果让学生的才华得到真正的自由发展，真正地把他们的创造力激发出来，就必须引导他们走一条科学、严谨的治学之路。为今后走上美术教育打下坚实的基础。
我们暂时抛开学校教学不谈，回顾一下以往的大师们没有哪一个不是认真研究自然，从自然中发现规律，并在自己的艺术实践中充分体现的。文艺复兴盛期时大师达，芬奇就是认真研究了15世纪大师的色彩与构图之后，一改以往的线性透视中所追求的用平面来排列，而用以中心点出发的透视方法。也就是我们现在所用的焦点透视法。在色彩上也改变了以往平板、单纯的色相对比，而把明暗对比的全部色域引入他的作品中。如在《岩洞圣母》与《施洗者约翰》等作品中，都是从明暗处理的角度抑制了色彩的对比效果，突出了明暗效果，从而扩展了明度领域。这个巧妙变异的技巧，成了今天的明暗对比法。由此可见，历代的大师没有哪一个不认真研究前辈大师及艺术规律的。正是由于他们的苦心经营，人类的文化艺术史才有了今天的背景，给艺术研究与发展创造了各种可能性。这也是我们今天要加以研究，加以继承与发展的东西。
色彩教育，应该从学习那天起，就让受教育者认识艺术规律及自然规律，并在科学、系统的指导下，对色彩学的系列问题进行认真练习。教师的责任则是系统、明晰地引导学生研究训练这些课题。从而使他们通过对色彩的学习，领悟色彩艺术的真谛。可是在中师的色彩教材中，欠缺系统的理论，教师多凭自身的经验(有的是不合格的经验)来教学，因此，教学的效果并不那么理想。
色彩教学，应该着重训练色彩自身的艺术规律，把色彩系列对比及美学理论等课题逐个加以解决，在色彩对比的课题中，我们是否可以从色相对比与绘画的角度开始研究呢?
也许，我们可以从色相的明度上开始学习。色相在改变了明度之后，会有什么样的表现力?是否会在某种程度上改变原有的性质?黑白在色相对比中的意义是什么?黑白是否能改变色彩的明度?它们在色彩构图中有什么特殊地位?类似的许多问题，都需要在教室中，经过大量的色彩训练与分析之后才能解决。而我们在教学中往往过分提示学生注重形状、画线、填色，很少研究色域及每块色彩的特色及力度，这对学生是十分有害的。
首先要培养快速的造型能力。平面设计素描与传统的素描对造型的要求是一致的，但表现的形式与练习的方法却有所不同。在表现方法上，要鼓励学生多去探索一些形式。工具上可以是铅笔、炭笔、钢笔、毛笔、蜡笔等等；纸张上可以是不同材质、不同肌理、不同颜色；表现方法上可以涂、抹、擦、贴、烙、撕、涂鸦等。不同的手法与工具会产生不同的视觉效果，往往会产生意想不到的视觉美感；在作画的时间上，平面设计素描则需要练习者在很短的时间内，有目的有重点地去把握或者记录事物的特征。要培养这种敏锐的观察能力和快速表现的能力就需要平时多观察，特别是要多画一些速写提高自己的造型能力。把自己在生活中的经历与体验等记录下来，才能积累自己丰富的视觉语言和视觉表达能力。
其次，在观察方法上也要打破以往传统素描的束缚。传统素描教学在作画时，往往是布置好光源，选好一个好的角度，固定一个位置，对一个形体进行观察写生。平面设计素描则要打破这种模式，在对物体的观察方法上要更加灵活，多视点、多角度、全方位的进行观察。同样老师在布置物体的时候，也可以形式多样。如倾斜、倒置、包扎等多种形式随意摆放，甚至在移动中、剖析中、破碎中去理解、寻找、分析物体的内部结构特征。让学生在绘画时自己组织画面，融入自己的思维观念，主动探索学习，准确把握事物之间的内部关系与结构，准确把握事物的特征，再进一步对这种特征进行提炼，力求“标新立异”。因此，只有与众不同的视角，才会出现意料之外、情理之中的创意。
再次，在积累了较多的视觉素材，造型能力也有了很大提高的时候，就要对这些视觉元素进行加工、提炼，力争用最简单的形式来表达最感人的画面。并以美的侧面去表现形态的特征，以人的知觉和视觉规律表现形态的美感。这种提炼可以在画素描时参考实物进行创作，也可以在完成素描后，根据自己的设计要求进行加工。对自己素描作品进行的处理方式是传统素描与平面设计素描最大的差异。素描的目的是不一样的，处理的方式也不一样。
最后，还要强调的就是，平面设计素描不仅是一门专业课程更是我们积累视觉元素的一种方式。这就需要我们对自己平时积累的视觉元素进行有效的记忆。只有把视觉元素储存在自己的大脑里面，在设计的时候才能淋漓尽致地发挥出来，表现自己的设计风格，传递自己的设计信息与理念。
总之，平面设计素描对平面设计有十分重要的意义，在教学上也有别于传统的素描教学，认真的探索素描与平面设计之间的关系，使之更有效地为平面设计服务，这也是我们学习平面设计的第一步。
摘要：素描是造型艺术的基础，也是设计的基础之一，但并非所有的造型艺术只有一种素描基础。平面设计素描就是要探索素描如何更好地与平面设计结合起来，为平面设计所服务。
关键词：设计素描平面设计创造力
参考文献：
[1]【美】阿恩海姆，滕守尧、朱疆源译.艺术与视知觉.成都：四川人民出版社.1998年版.
当绘画者真正进入到个人素描绘画建构时期，他们经历的是一个“减法”的个人艺术创作过程。所谓“艺术来源于生活，而高于生活”，“高”恰恰是对生活繁琐表面的一种简化，纯粹遗留在画面上的应当是艺术家对生活情感和绘画语言个人选择下的精神体验，在素描绘画中也正是如此。“因为从学习素描的一般意义上讲我们只有在诸多素描元素中提取符合个人感受最深的某些元素，画面才能具有个性化的特点”［2］，如果面面俱到的话就会使画面显得平庸而缺乏生动感。美国华盛顿大学的素描教学专家巴尔·夏克曼(BarrySchactman)在教学中就特别指出过:“对于一个教员来说，在素描绘画中对某个领域中走的更远和深刻要比那种‘事事都行’的杂家更有利于教学和对有价值的艺术传统的继承。”［3］这是素描教学中单因素深入化的一种肯定和对教师在教学活动中对学生素描造型个性化语言元素的一种提倡，而且这也符合作为艺术素描的视觉规律，就象当我们以艺术的目光停留在一幅素描绘画上时，我们首先是被绘画者在画面上提供给观众的一种个性化绘画语言特点所感染，然后我们才会对作品中艺术家作品中的技法和材料进行探索与研究，而这两个方面在画面中的结合正是绘画者个人情感下的独特艺术语言形式的建构，这种认识思维方式就是一个“减法”过程。
2素描教学中“建构”的重要作用
通过对前面建构理论的了解，我们知道素描基础学习的最终目的是为了帮助我们达到个性化绘画语言的意义建构，它重在培养绘画者对造型语言的一种个人独特的认知方法，这种独特的思维认识方式必定会促进绘画者在素描绘画中个人造型语言和艺术风格的独特形成。
2．1“建构”促进绘画者形成个性化素描语言
人的活动总是在一定认识基础上展开的社会行为，在素描绘画中个人的素描艺术创作活动都是个人对素描绘画语言认识下的精神产品，我们知道个性化绘画语言是艺术家在长期绘画过程中个人对事物的感知和认识，并运用一定的艺术语言和技能将自己的生活体验与思想感情化为具体感官的艺术图式。它是艺术家在创作活动中通过大脑对已有的感性和理性认识的整理将自己的审美意识形态转化为艺术作品。在当代的艺术教学中，对怎样形成个人艺术感知的个性化绘画的注重已经尤为重要，很多教师和学生开始对素描基础学习中怎样更有利于建构绘画者个人的造型语言进行思考，并且已经普遍认识到它的重要性，简单地说也就是我们常常提到的要注重自己的素描绘画语言特点。这种素描中的个性化语言从某种形式上讲，也意味着个人素描绘画语言的“单因素”性，它是绘画者在素描绘画中对素描造型语言如线条、形体、调子等的个别强化。比如在印象派画家修拉的素描中他喜欢淡弱线条的轮廓线，在画面中非常注重强化事物的明暗调子层次，这种弱化线条通过明暗方式表达的手法反而更强化了画面的生活气息，这位艺术大师的作品正反映出“单因素”素描绘画带给我们的内心震撼和视觉享受。而在当代学院艺术的素描教学中，大多是从“全因素”角度出发开始综合训练绘画者的素描造型语言能力，这种训练方式正是帮助绘画者大量获取素描知识的一种“加法”体验过程，它并不是弱化“单因素”即“个性化"素描语言的发展，而是为了使绘画者更好地从全因素的认识当中提炼出个人喜好的单因素素描绘画语言，因为只有在通过对素描造型语言的全方位的学习和了解的情形下我们才能在全因素认识结构中选择真正符合个人艺术感知的素描元素，并且在今后长期绘画过程中我们不会由于认知方式的单一而在处理各类不同的画面时显得束手无策。从前面丢勒和修拉的素描中我们可以看出，对一种单因素的强化并不是排斥其他元素的介入，只是对其他元素的一种淡化，这种淡化的视觉效果是为了更好地增添画面中的画家个性情绪语言的表达。因此，学习“全因素”素描的认知过程是为了更好地帮助绘画者在诸多素描元素中认识和寻找到适合个人素描艺术建构的绘画语言元素。
2．2“建构”赋予艺术作品独特的魅力
艺术作品是艺术家在画面上经营的绘画图式，并能带给观众视觉和精神的享受。从绘画本身角度出发，素描艺术作品是由绘画者个性化的素描语言和其所选择的素描绘画材料组合而成，这是绘画者对画面的一种“经营”。“经营”是绘画者依据自己的艺术感知，对画面形象和造型语言元素进行安排，使其达到体现绘画者个人感性的意图，实现素描成为艺术品的过程［3］。它贯穿于整个作品创作的所有环节中。我们知道从素描绘画的单线构图开始就附带了绘画者的表现意图，在整个围绕以绘画者思想表达为中心而展开的描绘过程里，绘画者都是依据个人艺术感知对造型语言和绘画材料进行选择和运用从而逐步达到艺术形象的具体化，最终停留在画面视觉效果中的是绘画者对素描造型语言个人艺术建构下的认知成果，它正反映出绘画者对素描知识的一种个人体验，并且这种体验在每一个社会的变革中总是呈现不同的精神状态。通过欣赏众多形式的素描绘画作品，我们可以感受到当代艺术家与传统艺术大师的不同，他们不单单满足于以还原对象的“镜像”为目的的传统素描绘画，而更多地关注以个人感受力为主的创作性素描，因为它在打破传统的镜像绘画的单一形式上更能赋予画面个人的情绪化和绘画语言的纯粹性，比如在德国当代艺术家赫伦韦恩(Helnwein)的素描作品中，画家在素描材料上突破传统材质的单一，大胆应用彩色铅笔创作出一幅幅色彩单纯的素描景象，这与当代油画艺术的简约与色彩单纯不谋而合，至此，这位画家在素描语言的纯粹性和绘画新材料的应用中分别赋予了当代素描新的形式与内涵。
3结论
所有教学的改革，都要将自身的教学理念在根本上加以转变。教师在课程改革中要做的是，对素描教学的思想加以明确，明确了思想，才有前进的方向。因此，将原有素描教学的课程理念进行重新设计是非常有必要的。教师在实际教学中应该本着以学生为主体的思想来进行相关教学。将激发学生创造性思维放在首要位置。在根本上将学生的审美能力加以提高。另外身为教师应该清楚的认识到：纯素描教学和设计素描教学是有差异性存在的。前者重视学生的基本功训练，后者对学生的思维灵活性提出了一定要求。设计素描是利用相关的设计概念作为先导。学生在进行素描训练的根本原因就是将脑海中的设计方案进行具体化。教师在进行素描训练的时候，要将原有的教学理念加以转变。要注重学生们的体验过程。对学生的发展做出评价，将学生们的创作激情加以激发，令学生们拥有创作的悟性以及能力，而不是仅凭学生们一段时间的表现在判定该学生的综合能力。在进行教学中，学生们的审美和教师难免会出现一些偏差，教师要和学生进行及时沟通，积极引导学生，将学生设计素描的激情在根本上加以激发。
二、对素描教学内容进行合理规划
教师在对学生进行素描教学的时候，要利用循序渐进的方式对学生进行教学，不能在教学过程中操之过急。让学生们有步骤的去学习相关教学内容，随着时间的推移，学生们的相关能力也会得到提高。由此可见，素描教学内容进行合理规划是非常有必要的。
（一）强化创意能力拓展现代美术教学的核心内容就是创意。实现核心内容的方式就是对学生的创意能力进行全面强化。这种创意并非空想，创意是根植于学生的造型的能力和语言之上的。在以往的教学方式中，教师们过于注重学生的观察能力，进行素描教学的过程中也采用了利用写生为主的方式进行训练。对于学生观察方面的相关训练，艺术院校教师们取得了一定的成就，但对于学生的创造性思维开发，教师们却没有进行足够的重视。这种现象的出现在很大程度上抑制了学生们的自我表现欲。教师要想令素描教学在真正意义上实现改革，就要将学生创意能力方面的训练强化处理。对学生进行必要训练的基础上，让学生换一个视角去观察事物，进而得到新的感受，从而在脑海中迸发出创作的灵感3。另外，教师在对学生展开实际教学的时候，要告诉学生，临摹的过程不仅仅是对客观景象的反映，更是自己主观对事物的感受，在临摹的过程中体会到大自然的美。利用各种素描技巧，将客观景物赋予情感。在教学中，教师要积极鼓励学生发现客观事物中存在的能量，将个人感受景物之相关能力在根本上加以提高。
（二）对造型能力进行全面强化强化学生们的造型能力是非常必要的。教师在进行实际教学过程中，要引导学生对整体事物进行全面观察。利用光影，空间，色彩等相关处理手段，将客观事物进行完美展现。教师在对学生进行造型能力训练的时候，告诉学生们利用远近的不同，光线的变化来增加图面的立体感，对学生的造型能力进行全面强化，能够有效提高学生们观察事物的相关能力，在根本上实现手与眼的协调。令学生们能够将自己的想法，更加形象地展现在别人眼中。
（三）对质感写真和材料的感觉进行强化为了加强学生对物质材料能有更为感性的认识，关于该项内容的训练可以在以下两个方面来进行。一方面利用物体的具体变化，将物象形体变化和光影之间的关系进行客观展现。令学生对不同材料的物体进行客观化描述。进而将空间领悟的相关能力以及色差的变化在根本上加以领会。另一方面，教师要利用行之有效的方式，鼓励学生自觉体验不同物体材料的效果，经过不同的艺术处理手段，将事物的视觉效果在根本上加以展现，由此可见，加强学生对写真和材料的感觉变化，能够取得更为满意的写真效果。
三、将传统素描教学方式
在根本上加以改革现如今，人们对美的需要越来越迫切，对美术作品的质量要求也越来越高。为了迎合人们的审美眼光，相关院校要将自身的素描教学方式在根本上加以转变。
（一）开展现场教学教师可以积极联系校外活动基地，组织学生到这些地方去参观学习，在参观的过程中，教师要对相关知识进行必要的讲解，令学生拥有更为感性的认识，同时也在最大程度上对素描教学的形式加以丰富，在根本上激发学生学习素描的兴趣，令他们的学习有了更加明确的目标。
（二）将传统教学中“教和学”的模式加以转变在素描课堂中，教师们往往利用举例说明和亲身示范的方式，对学生们讲解相关知识。这种方式能够使学生在最短时间内学会素描的基本技巧，但从激发学生学习素描的主观能动性来讲，该种方式有着非常大的局限性。学生在学习素描的过程中，容易走进模式化困境中，令原本有趣的素描教学黯然失色，学生学习素描变得被动，进而厌烦学习素描。所以说，教师在对学生进行素描教学的时候，应该扮演一个“引导者”，而不是一个“统治者”。在课堂教学中在真正意义上做到以学生为主体，尊重学生的个性，鼓励学生主动提问，使他们的独立思考的能力加以提高。
（三）利用多媒体设备对学生展开相关教学现如今，多媒体已经成了艺术院校各专业教学中必不可少的教学设备。随着高校教学资源的信息化，影像教学已经成了高校素描教学中的主流方式。因此，教师在教学过程中，应该利用多媒体教学设备对学生进行相关教学，通过这样的方式，能够使素描教学变得更加有趣和直观。