【摘要】分析现有艺术硕士教育教学培养管理模式的现状，结合我校的主流办学特色，借鉴国内及国外目前艺术硕士教育管理的先进经验，查找存在的问题，对我校艺术硕士专业学位研究生培养管理方式进行重新构建，建立与艺术硕士专业学位研究生教育相配套的具有自己特色的专业学位研究生教育管理方式，将通识教育传承发展，使我校的艺术硕士教育站在高起点上开展起来，这对提高我校艺术硕士专业学位研究生教育培养质量有重要的指导意义。
【关键词】创新型人才培养；通识教育；艺术硕士教育
一、高等艺术专业教育教学的现状
艺术硕士是2005年国务院学位委员会21次全体会议通过并批准而设置的，经过几年的发展，在规模和数量方面都有所扩展，但是相随的是艺术硕士专业学位研究生教育培养中的问题也日显突出，特别是由于教育观念、培养方式、办学条件限制等原因，导致在培养目标、课程设置、培养模式上安排不够科学、合理，影响了艺术硕士研究生的培养质量。所以说，高等教育一直重视专业教育，忽视通识教育，而且专业划分越来越细，以至于同在一个大学而在不同学院、或在同一个学院而专业不同的教师交流沟通很难。这种学科单一性，专业单一性虽然有利于深入地进行某方面的研究，但它不能解决综合性的问题。因此，对我国现行的艺术硕士研究生培养管理问题应该加以反思，对于培养目标、课程设置、质量评价等等都需要重新定位。虽然我国艺术硕士教育有了一定的发展，但是总体来看，我国艺术硕士教育起步晚，面对培养更多适应社会文化艺术发展的高层次人才的客观需要，艺术硕士研究生培养管理中问题日显突出，解决这些问题是我国艺术硕士教育健康快速发展的前提。
二、什么是通识教育
通识教育与博雅教育（LiberalEducation）紧密相连。古希腊哲学家亚里士多德（Aristotle）认为博雅教育是适合劳心者的教育。劳心者就是不做他人的奴隶，也不当工资奴隶的劳力者。博雅教育应追求自我而受教育，而非追求外在的需要而受教育。博雅教育是以训练一个有思想、文雅的人为目的。通识教育与博雅教育的概念相关而理念不同,通识教育的涵义比博雅教育更为广泛。通识教育的英语名称可译为“GeneralEducation”，早期多译为“通才教育”。它有狭义和广义之分。狭义的通识教育指的是现代通识教育。广义的通识教育既包括现代通识教育，又包含传统自由教育的基本要素，即指在高等教育阶段面向全体学生所普遍进行的基础性的语言、文化、历史、科学知识的传授，个性品质的训练、公民意识的陶冶以及不直接服务于专业教育的人所共需的一些实际能力的培养。通识教育是人文教育的一种形式，其重点在课程的建设，使学生具有丰富的知识结构，打破单一的专业人才培养模式，培养学生开阔的胸襟、宽广的视野与人文气质。就课程开设而言，通识教育就是在大学开设通识课程，使学生从不同的“理解模式”来认识现象、获得知识，使学生的视野开拓，了解与人生相关的知识与原则、方法，由人文科学的文学、哲学、史学、社会学、经济学、政治学与自然科学领域的学习中，建立共识，发展出高层次的学识，掌握与沟通信息，了解他人及社会化的能力。学生经过通识教育，其心灵将会更开放，思维更为广阔，适应能力更强，在变迁剧烈的社会，更具包容才能，从而个人的整个人生更为清新活泼并得以健全发展。
三、通识教育的研究思路
（一）加强学校特色课程与选修课程
大学是培养学生的圣地，毕业生不仅要获得专业的能力、适应社会的综合能力，还要具备创新精神。而这必须靠通识教育来完成。在长期的办学实践中，我校已经形成了“崇德、务实、求是”的办学特色,依据太行山精神，是所有师生员工和睦相处、共同学习的生动写照，是通识教育的源泉。为此，要充分借鉴国内外大学的经验，充分了解社会需求、学生需求，不断完善通识教育课程体系，为学生提供更多的选择余地，同时要加强选课引导，将我校学校特色与选修课相结合，使学生对学校及我校雄厚的历史有一个正确而客观的认识,使他们清楚作为该学校的学生应该具备哪些知识,充分体现课程的引导性作用和特色。
（二）加强通识教育课程的师资队伍建设
一方面我们要鼓励教师尤其是名师积极从事通识教育的教学研究工作，为他们提供必要的工作条件,提高课堂教学的授课质量；一方面要加强开课教师之间的联系与科研合作；此外还要积极改进教育教学方法,注意培养学生的科学思想、人文素质、综合能力；注重培养学生的自学能力；优化课堂教学过程,提倡“启发式”的教学和训练方法；注重现代教育技术手段在教学中的应用,提高课堂教学效果；重视与第二课堂的结合,重视加强各类实践教学环节、各种专业比赛对提高学生素质的作用,并以学分的形式给予肯定,使学生拥有大量的选择余地,真正实现以学生为主体、以学生发展为中心、能力与素质培养为目标的教育思想。
（三）充分重视专家教授的参与，加强通识教育的管理
倡导资深专家教授的参与，使通识教育课程建设与管理步入规范化与专业化的健康轨道。因为通识教育课程体系中,既涉及到社会科学，又涉及到自然科学等各类学科知识的融合,对课程内容、教材内容与结构的适用性、发展性和灵活性提出了更新和更高的要求。而专家教授在这方面拥有深厚的教学功底及学术智慧，他们参与通识教育的讨论到决策的整个过程，会站在全校的高度，站在高等教育的高度，科学的规划，严格的论证，并在实施过程中起模范带头作用。此外，条件许可时还可以成立一个类似于北京大学的“元培计划”、复旦大学的复旦学院等等的专门的机构来统一管理通识教育。
四、结论
依据全国艺术硕士专业学位教育指导委员会审定的参考性培养方案，结合各高校学科建设基础与特色，我们制定详实科学的课程计划，是艺术硕士教学管理工作的一项基本建设。其中涉及教学思路、教学目标、教学过程、教学内容与方法、教学队伍建设与教学管理等方方面面的工作。通识教育能够让学生获得心智的训练和提升；通过了解历史的变迁，通识教育可以引导学生对人生和社会进行充分的反思；而通过了解不同知识的内在统一性和差别性，了解不同学科的智慧境界和思考方式，所以，通识教育能够让学生对客观对象进行更高境界的把握。
作者：喻珊 卢国新 单位：河北农业大学艺术学院
一、引言
近几年来，国家加大了艺术类硕士研究生的招生力度，这支队伍不断壮大。与此相适应，艺术类硕士研究生的公共英语教学得到了发展，取得了一定的成效。艺术类硕士生在学习英语的过程中也收获颇多。但不可否认，在当前的艺术类硕士研究生的英语教学与学习中还存在一定的问题，影响了教学效果。下面就这些问题做一探讨，以求教于广大的同仁及学友。
二、艺术类硕士研究生英语教学中存在的问题
就目前来看，研究生英语教学所使用的教材各地各校都不太统一。有的学校用的是《大学英语》①及其相关辅导教材，有的用的是《新概念英语》②，还有用的是公共类硕士研究生英语教材，如《研究生英语》(上下册)③，有些学校则自编教材。而专门针对艺术类硕士研究生的英语教材目前还未出版。笔者所在的学校在教学中使用的教材是《大学英语》三四册，共学习一年。由于采用的是普通大学的公共教材，内容程度偏低，专业性不强，于是教师就很难调动起学生的学习积极性和做到因材施教，也有相当一部分学生存在厌学情绪。此外，目前市场上虽然也有一些艺术类的英语辞典，但普遍缺乏权威性，不够规范。例如《英汉汉英艺术辞典》④2、《英语音乐基础知识》⑤、《美术英语》⑥等。因此，有一些专业术语很难查得到，如广西壮族音乐中有一种体裁叫“尼的呀”，词典中根本就没有。此外，一些专业词典则不具备艺术类专业英语学习的功能，如(牛津简明音乐词典)(第四版)⑦。缺乏有效的词典工具更增加了专业英语学习的难度。
由于许多艺术院校只是近几年才开始大规模招生，所以在艺术类硕士研究生的教学当中，很多艺术院校在师资力量及相关的培训上跟不上发展的步伐。一些教师在教学时没有注意到艺术类硕士研究生的实际英语掌握情况，以及专业英语教学上的特殊之处，教学方法单一，存在着“灌输式”的简单教法，有的学生就称自己被老师当成了小学生来对待。老师在课堂上只管讲自己的课，很少注意到下面学生的学习动态，缺乏双向交流与沟通。这种僵化而保守的教学模式自然引不起研究生学习的兴趣，课堂气氛经常是沉闷而又乏味，学生学习得非常被动而吃力。同时，很多艺术院校在图书馆建设中也很容易忽视英语学习读物及英文核心期刊的配置，也给研究生的英语教学与学习带来了很多不便，他们不得不自己掏钱到外面书店购买，甚至到大城市去搜集资料，增加了学生的经济负担。
三、艺术类硕士研究生英语学习中存在的问题
艺术类硕士研究生在学习过程中也出现了一些问题。首先是学生的英语程度参差不一，普遍底子较差。为了照顾艺术类硕士研究生考生的特殊情况，国家在录取时降低了艺术类的分数线。另外，学生来源广泛，有些是应届本科毕业生，有些是工作了好几年才考取的，还有些则是没有接受正规大学教育，靠自学成材的。还有很多学生，他们已经结婚生子，年龄偏大，更增加了学习英语的难度。因此学生入学时英语普遍较差，且差别很大，听说能力也不强，要达到申请硕士学位的英语要求还存在很大的难度。笔者在本校曾进行了一次统计，2001级研究生共11人，第一个学期通过大学英语四级考试(CET4)的学生只有2人(我校要求，申请学位的条件之一是必须通过大学英语四级考试)，2002级17人中只有3个通过，2003级24个人中也只有9人，比例相当低。许多学生考了好几次才拿到四级证，甚至以前还出现过因没有四级证而拿不到硕士学位证书的情况。至于六级证，到目前为止只有一人拿到。
第二个问题是学而不致用。很多艺术类硕士研究生都感到，学习英语纯粹是为了应付，用不到自己的专业学习当中，收获不大(例如美术学中的国画专业研究生，此种情况更为明显)。为了学好英语，他们要花
大量的时间与精力，难免与专业学习相冲突。有的人甚至戏称自己要变成英语专业的学生了。为什么是这种情况?关键就在于学生的专业英语程度差，所学的英语到最后很少能用得到。长此以往，他们就很难接触并了解到当代国际最新最权威的学术成果与动态，因此也就很难跟上、甚至超越相关学术研究的步伐。
四、结语
为此，我们首先要加强艺术类硕士研究生英语教材的建设，尽快出版一批针对艺术专业特点的教材与配套辅导资料和读物，组织相关专家编纂出版一套具有权威性的艺术类英语学习辞典。第二，建议有关部门将艺术院校的英语教师集中培训，重点是改革艺术类英语教学教法，突出专业性与实用性，加强艺术院校英语教师队伍的建设和教学管理。第三，艺术类硕士研究生自己也要调整英语学习的态度与心态，认清英语在研究生学习中的重要地位，刻苦学习，学以致用。只有如此，艺术类硕士研究生英语教学与学习才能获得新的提高与发展。
目前我国基础教育课程改革正在不断深化当中，其中课堂教学作为基础教育课程改革的核心环节备受关注，而教学的艺术是提高课堂教学质量的重要因素；但就目前情况看，教学艺术的问题并未引起足够的重视，特别是艺术课程教学的教学艺术未受到重视。我们完全可以说，不具备教学艺术的艺术教学不是真正的艺术教学，因此，在艺术课程改革中解决艺术教学中教学艺术化的问题刻不容缓。
教育教学必须具备艺术性往往是许多人所忽视的，而在具体教学中对教学的艺术化问题的思考更是淡漠的。在艺术教学领域里，对于教学的艺术性问题，可能思考得多一些，但是常常有这样一个误解，想当然的认为在艺术领域中的教学由于所教授的内容是艺术本身，那么教学就自然而然、也毋庸置疑地具备了艺术性，艺术教学也就是一种艺术化的教学。这是一种片面甚至错误的理解。
艺术教学是教师向学生展示艺术美的形式、传递美的本质，并和学生一起欣赏美、感悟美的过程，因此艺术领域的教学更需要让教学遵循艺术审美特征，让教学审美化、艺术化。而艺术教学的艺术化不仅仅体现在教学的内容是艺术的，而且教学的方式、教学的理念、教学的结果等都应该是艺术化、审美化的，是符合美的规律的，教学的全过程和教学的结果都是与艺术的本质、艺术的特征息息相关的。
随着基础教育的改革和发展，近年来艺术教育取得了有目共睹的成绩，但是艺术教学的情况是不容乐观的，存在的问题亟待我们共同探讨与研究。艺术教学遵循传统的教学模式，没有突出艺术审美特征，缺乏艺术性，教学的内容艺术含量不足，教学方式缺乏艺术性都是艺术教学中存在的主要的、突出的问题。在艺术教学中，艺术的审美特征和审美本质没有完全贯通在教学的整个过程中，也没有融入在教学的细节中，教学的内容、方法，都没有得到艺术性的深化、艺术性的整合和创新，或者，即便教学的内容是艺术的，但是教学的方法却是非艺术的，艺术的审美特征和审美本质只附在教学的表层，甚至完全脱离了教学。造成这种状况的原因很多，最主要的是很多艺术教师对艺术和艺术教学本身认识不足，同时缺乏教学艺术的意识和能力，从而导致教学理念、方法陈旧：一方面体现在艺术教学遵循传统教学模式，艺术教学的教学内容、教学方式缺乏艺术性，另一方面体现在运用艺术化形式教学的能力不高。
探讨艺术教学中的艺术化的教学究竟是怎样的一种教学形式，我们必须从艺术谈起！对艺术和艺术的本质的研讨是我们阐述艺术领域中艺术化教学问题的前提和基础！
一〉艺术的审美本质和审美特征
艺术是人对真实世界审美认识、精神掌握之后的意识和表现，是一种精神生产活动和精神活动物化的结果。艺术是对世界的一种认识，艺术通过人的精神动机和精神活动认识体验世界，展示所获得的对生活的独特的审美认识后进行的创作和表现，同时将这个过程和结果物化。这种认识活动是一种能动的认识，是主体个性化的精神和情感主动作用于客体对象，同时对客体进行艺术加工、艺术提炼、艺术创造的实践过程。在这个认识过程中，认识事物的重点是事物的特征、个性和美，同时以高度概括的、具体可感的形式和形象揭示事物的本质。因此，艺术就具备了具体性、概括性、感染性等形象性的特点，同时所塑造的形象是感性和理性的统一、是主观和客观的统一。
艺术与美是密切相关的，美是艺术的灵魂，审美是艺术的核心本质。“一般地说，艺术有以下几个主要的审美特征：
1．实践性和主体性
2．合目的性和合规律性
3．形象性
4．形式美和形式感
5．创造性
6．情感性”（《艺术概论》p102页）
7．自由性
8．真实性
下面我们简单阐述艺术的审美本质
深入全面地把握艺术的本质，是我们探讨艺术教学和艺术化教学的关键所在。艺术与美是密切相关的，美是艺术的灵魂，艺术来源于现实美，又形成一种高于现实的美，这种美是需要人的意识和精神去审视、感知、体会才能重现的一种抽象的美。艺术中所蕴含的美是我们无法用具体的言语和文字能够表达的，可以说是无法翻译的，这种不可翻译性使得艺术的美必须直接面对人的鉴赏和判断。“美”的面前如果没有一双审美的眼睛，一颗审美的心和欣赏美的情感，那么“美”的价值就会大大减弱，甚至不复存在。因此，审美是艺术美存在的依托，艺术美的根本价值是审美价值。“审美的问题是贯穿在艺术理论的核心问题，艺术的认识是审美认识，艺术的创造是审美的创造，艺术的欣赏是审美的欣赏，可以说，审美是区别于其他社会事物的根本性质。”（《艺术概论》p78页）敏泽：“艺术之所以为艺术，其根本特征和价值根源在于审美。”（转引自《文学理论：回顾与展望》第72页，河南大学出版社1993年版）
杨恩寰也认为：“审美是一切艺术的审美本质，无审美也就无艺术。”（杨恩寰主编《美学引论》第161页，辽宁大学出版社1992年版。）
审美是艺术美得以形成和存在的前提条件。我们说艺术来源于现实美，又形成一种高于现实的美。现实的美如果没有审美的认识和创造，就只能永远是一种自然的、天然的美，审美先于艺术而存在，而后促使了艺术的形成，我们说审美是艺术得以产生和形成的最根本的、无可取代的条件；同时，审美也是艺术得以传承的前提条件，艺术一旦形成就以凝练、完善的形式融集了丰富的艺术文化，汇集了深远的艺术意蕴，也不同程度地聚集存留不同时期、不同文化背景的积沉，以及不同艺术家的审美经验、审美趣味、审美情感。没有创造者的审美，艺术的美将不会存在，没有欣赏者的审美，艺术中所凝聚的艺术美将不可能再现。
审美是艺术的本质。一般说来，审美是主体通过对美的物体的鉴赏和体验，从而在精神上获得愉悦和享受。那么审美具有什么样的性质，或者说审美的过程需要遵循什么样的精神原则呢？
艺术不是为了直接满足使用的需要，而是在满足人们的审美需要中，给人以精神上的影响。艺术的美是一种在情感上具有感染力的形象，给予人精神上的陶冶、愉悦和感染，这种愉悦是超功利性的，没有具体的、现实的目的。康德认为美学意义上的美是一种不受功利、概念、目的束缚的美，是一种用最纯真的眼光来看世界所发现的美，而审美也不是用日常的目光对事物进行美与丑的判断和褒贬，而是用最纯粹的眼光洞察事物本身。同时，审美是一种完全开放的状态，在审美过程中主体是自由的，是解放的；审美也是一种充满着联想想象和创造的状态，审美主体把自己投入到作品中，面对作品中最富孕育性、情感性的点，结合自己的阅历体验和价值取向进行联想和自由创造；审美还是一个饱含情感的过程，没有蕴含情感的艺术品是不可想象的，也是苍白无力的，同样，一个审美的过程没有情感也是不可想象的，只有用情感才能感受到情感，只能用情感才能感动情感。
二〉突出艺术审美本质、体现艺术审美特征的教学才是真正的艺术化教学
艺术与美有血缘般的联系，艺术和美始终是水乳交融的。美是艺术的真谛，是艺术的生命之源，艺术是按照美的规律从事创作的领域，因此说到艺术，不能不谈美，而说到艺术教学,我们更不能不谈艺术和美。我们追求艺术化教学，就是追求美化的教学，追求突出艺术审美本质和审美特征的教学。不具备教学艺术的艺术教学不是真正的艺术教学，突出艺术审美本质、体现艺术主体性、形象性、创造性、情感性、自由性等审美特征的教学才是真正的艺术化教学。
俄国著名的教育家苏霍木林斯基说：“我一千次的确信：没有一条富有诗意的、情感的和审美的清泉，就不可能有学生全面的智力发展。”同时他又强调：教育，如果没有美，没有艺术，那是不可思议的。
教学艺术是教师娴熟地运用综合的教学技能技巧、按照美的规律而进行个性化的独创性的教学实践活动，这种教学可以营造课堂教学生动鲜活的面孔和朝气蓬勃的生机，使课堂教学有了活的灵魂和永恒的生命力。教学艺术不仅将教学引入审美的境界，而且赋予教学无穷的魅力，焕发师生学习和创造的激情。艺术化的课堂教学必定是一幅“教师青春常在、学生如沐春风、课堂春意盎然”的绚丽画卷。
艺术化教学首先能够淋漓尽致的展示艺术的美和艺术的本质。艺术的东西、美的东西，如果不能用美好的方式和手段去展现，虽然内在的美本身不会被打折，但是美却不能淋漓尽致的展现出来，学生所领略到的美就不完全。其次，艺术化的教学能够提高教学质量，让教学方法达到最高层次，实现教学的最优化。教学艺术是一个不需要增加学习时间、教师数量和设备，甚至不增加教学的内容，就能优化艺术教学的效果的方法，同时实现教学的最优化。我们可以这样打个比方:教学的效果是教学内容和教学艺术的“乘积”，即便教学的内容丝毫不变，只要教学艺术化程度越高，值越大，则“乘积”（教学效果）就会（越）大。阎增武在《浅析教学过程中的审美感》中认为：“教学艺术是通过诱发和增强学生的审美感以提高教学效果的手段，这种手段的运用能使学生在有益身心健康的积极愉快的求知气氛中，获取到知识的营养和美的享受。”
勿庸置疑，教学存在美。教学的美使学生愉快、激动、向上，使教师获得成就感和满足感。因此，教学美可以使教学生动活泼，情趣盎然，教学效果也会很好！朱作仁等编写的《教育辞典》中指出：“教学艺术是能够达到最佳教育、教学效果的各种知识、条件手段和方法的综合。”
其次，艺术化教学能够做到以美引入，以情感人，情景交融，形声并茂，让学生在美好的学习气氛中，获得学习的愉悦。在艺术教学中，艺术化教学必然体现美学特征，给人以审美感受。教师通过艺术作品的生动形象和艺术感染能力，使课堂形成一种感情和艺术气氛，创造最佳效果，学生则以主动愉快的心情，在审美中接受知识，并从教师的教学艺术和感知生动的艺术形象中接受潜移默化的艺术感染和熏陶。凡是具有艺术性的东西总是具有美感的，即有非凡的魅力，能够感染人、愉悦人，能够让人倾倒、迷恋。艺术领域内的教学一旦具备了艺术性，经过教师的精雕细琢形成一种美的形象和手段，就能让学生由厌学变成好学、乐学，在课堂学习中乐此不疲，在愉悦的气氛中如沐春风。教师通过创设美的情景，酝酿美的情感，挖掘美好的感觉，置学生于一种情感激发、陶冶的气氛中，使之感动、愉悦，从而转化为强烈的学习动机，获得最佳的学习效果。
《礼学*学记》中讲：“善学者，师逸而功倍”，这就是教学艺术的体现。而在教学中，如果没有艺术的教学，学生没有置于美好的学习气氛、没有受到感染、没有得到学习的乐趣，就失去了善学与乐学的基础和前提。与此相对，在艺术化教学中，教师把自己的知、情、意融入教学中，构建创造了一个美的教学环境，使教学达到激情洋溢、生机勃勃、意象情思纷至沓来、愉快轻松的感觉不可遏止的最佳教学环境。
三〉艺术教学和教学艺术的关系
教学艺术和艺术教学是是手段和目的的关系。艺术教学的主体内容是艺术，蕴含着美的作品，艺术教学是展示美，传播美的教学，艺术教学蕴涵着丰富多彩的生动活泼的艺术元素，这些艺术元素如果没有最合适的形式，没有最佳的传播方法，就不能由教师的一端传向学生的另一端。而教学艺术是教师按照美的规律进行的教学，它用美的方式将美的内容展示得淋漓尽致，而且将教学引入审美的境界，赋予教学无穷的魅力，实现艺术教学的教学目标。可以说艺术教学和教学艺术一个是目标，一个是实现目标的有效方法和手段。艺术教学需要展示美，教学艺术的过程不仅展示了艺术的美，也展示了教学的美，艺术的美也在艺术化的教学中得到升华。
艺术教学和教学艺术的另一种关系，我们可以概括成包含与被包含的关系。艺术化教学也是一种艺术，一种教学领域中的艺术。从构词逻辑看，教学艺术，教学的艺术，教学艺术是归属艺术的。人们通常所指的艺术具有相对独立的自身形态，如文学、音乐、绘画、雕塑等。虽然教学艺术不是此种意义上的艺术，但是教学艺术同样具备艺术的特征，教学艺术是一种不能脱离审美本质的艺术，是一种具有个性、创造性、主体性等审美特征的艺术。展示教学的方式的美，本身就是一项必不可少的艺术教学的内容，而且，艺术教学中，教学若无艺术性，不但艺术的美不能展示，教学方式也就成不了艺术教学的内容。
四〉教学艺术的困境
艺术领域内的教学艺术问题是不容乐观的，主要问题一是艺术教师对艺术教学本身认识不足，二是艺术教师缺乏教学艺术的意识和能力。审美本质是教学艺术的灵魂，艺术的审美特征也必须贯穿在整个教学当中。艺术教学当中，艺术的审美性质和审美特征在教学的内容和教学的形式上都应该有所表现。而在具体的教学当中，对于艺术教学领域内的艺术化教学有许多种误解，这些误解散见在整个教学当中。比如有：误解一：想当然地认为在艺术领域中的教学由于所教授的内容是艺术本身，那么教学就自然而然、也毋庸置疑地具备了艺术性，艺术教学也就是一种艺术化的教学。即便教学的形式没有遵循美的规律、教学的形式没有贯彻审美的本质，教学的艺术性也丝毫不会有所减少。误解二：教学的内容具备了审美特征，艺术教学中的教学内容就一定实现了艺术性，就符合艺术教学艺术化的要求了。艺术教学内容的选择不需要考虑学生的艺术欣赏水平和审美心理特征，教学内容的艺术性不需要考虑整体内容的整合，也不需要考虑所选的教学内容在教学当中的最佳顺序和比例。误解三：艺术教学中必须注重艺术技能教学目标、可以忽略艺术欣赏教学目标；在艺术欣赏教学中，只需要完成对艺术形式的欣赏，不需要加强艺术精神的领略、人文知识的学习等等。
所有的教学都是以一定的教学思想和观念为基础的，如果教学思想、教学方式、教学手段和教学研究滞后，那么教学就不能适应新时代的需要，同样，艺术教学也就跟不上时代的步伐。艺术教师对艺术教学本身认识不足，对艺术教学的目标和艺术价值的片面理解，直接导致了艺术教学没有突出艺术审美特征、缺乏艺术性！其主要的、突出的问题是艺术教学中只注重艺术课程的外在价值，而忽略艺术的内在价值和本质价值——审美价值，只注重艺术非审美的体验（知识、技术、历史、思辨）而忽略审美体验（联想、想象、创造、情感），漠视艺术在开发潜能、培养创造力、完善人格、美化人生等方面所起到的不可取代的作用。同时，艺术教学依然遵循传统的教学模式、教学理念，方法陈旧，停留在“教书匠”的水平上。在艺术教学中，一些过时的、保守的、封闭式的教学观念，严重的束缚着艺术教学的手脚。我国传统教育观念陈旧、方法落后、弊病众多，在教学目标上偏重艺术知识技能的传授；在教学内容上注重单一、高深、繁难的知识技能，没有向学生提供能够拓展视野的丰富多彩的艺术文化知识；在教学形式上长期停留在单一枯燥的形式上。长期以来，教学过分地强调整齐划一，强调共性，漠视个性，强调统一，无视差异，无形之中扼杀了许多颇具创新、颇有建树的设想；教学中处处充斥着刻板的程式、机械的灌输、单调的训练。我国传统教育基本是灌注式教育，在灌注式教育中，衡量学生好坏的唯一标准是对知识的掌握。艺术教育是与灌输式教育是水火不相容的。但是由于人们缺乏正确的认识，艺术教学在一段时间内成为灌输的俘虏，教师一味要求学生掌握技巧，耗费了学生许多时间和精力，却事倍功半。这种艺术教学从根本上违背了艺术本身的精神，学生在学习中领略不到学习的乐趣，享受不到美，感觉不到愉悦，整个课堂死气沉沉，呆滞僵化，没有活力和生机。
缺乏对艺术教学的认识，同时忽略对体系中的新教学思想、教学观念和方法的研究，直接导致了艺术教学的水平停滞不前。而在具体的教学当中，运用艺术化形式教学的能力不高，也直接导致了艺术教学的非艺术化。正确把握、运用教学的方法和艺术性，是教学中至关重要的。在艺术领域内，要求艺术教育者既是教育家，同时也是艺术家，艺术教学更需要艺术教师具备艺术家和教育家的双重素质，能够将教学和艺术两者融会贯通，将艺术的手段和形式融入教学当中。
我们都知道，一个专业技能很强的演员，并不一定是一个称职的教师，因为它可能缺乏教育知识和教学能力。同样，一个具备非常丰富的教学理论的教师，如果对艺术的本质不了解，对艺术的领悟能力不高，在艺术教学中也是不会称职的。因此，一个合格的艺术教师的教学技能包括两个部分：艺术化教学的能力和艺术能力。只有在教学中将这两部分相交融和才能共同构成艺术教师的教学技能。
本论
一〉艺术教学内容的艺术性
艺术教学从本质上来讲是一种审美教学，这就在本质上决定了在艺术教学中必须以艺术为主，艺术教学的教学内容必须具有审美特征、审美价值，教学内容构成的主体应该是体现艺术审美本质和艺术精神的。艺术教学所选择的作品的内容必须是美的，只有美的内容，才能体现艺术的本质，才能让学生得到美的熏陶，才能引导学生置身美的艺术境界，才可以培养学生健康的、高尚的艺术品位，才能提高学生美的感悟能力，达到高层次的艺术鉴赏水平。
当然，并不是教学的内容具备了审美特征艺术，教学中的教学内容就一定实现了艺术性，就符合艺术教学艺术化的要求了。我们举一个非常通俗的例子：中学课堂上的艺术教学，所教授的内容是专业化程度很高的艺术知识，老师讲得津津有味，学生却听得一头雾水。这样的教学内容虽然突出了艺术的美和艺术的审美本质，但由于不符合学生的艺术欣赏水平和审美心理特征，我们就可以说这样的教学内容是不具备艺术性的。基于这样的认识，我们认为：教学内容构成的主体应该是体现艺术审美本质和艺术精神的，所选择的内容要求是艺术的，同时内容的整合和组织也要求具备艺术性。在教学中，首先要选出符合学生心理特征与艺术审美水平的艺术作为教学的内容，同时这些艺术的内容又必须经过筛选、整合。在这个过程中，必须注意内容取向的多样性和综合性，使其成为教学中适宜而经典的成份。因此，教学内容的选择和整合也必须具备艺术性。除此之外，组合这些适宜而经典的内容，让其在教学中具备最佳的顺序和比例构成也是教学内容具备艺术性的一个方面。
在艺术教学中对教学内容上的把握，艺术教师必须同时把握好下面几个方面：
第一个方面：教学内容的主题内容必须突出艺术的审美本质和艺术特征。
突出艺术的审美本质和艺术特征一方面可以来源于艺术精品，另一方面可以来源于自然和生活。
艺术教学必须充分利用中外一切优秀的、具有经典性的艺术文化遗产，把经典的艺术引进学生的课堂，选择具有代表性的经典作品。经典的艺术作品具有经典性和永恒性，在艺术形式上、技法上是优秀的，同时“它往往反映人性最深处、最本质的东西、代表了一个时代、一个民族、一个地区的最高成就，所以能经得住历史的筛选和考验”。（《艺术课程标准解读》98页）因此，其中所内涵的精神是一笔不朽的精神财富。在艺术教学中，把古今中外经典的艺术遗产融入课堂教学，并引导学生充分接触和感悟经典的艺术，细细体会，品味其中所蕴含的生命力、所凝聚的艺术魅力，学生课堂和生活就有了重要的文化养分。
艺术教学的内容，可以来源于生活，来源于大自然。把现实生活和大自然的美引进学生的学习当中，既可以让学习的艺术形式更加丰富多彩，还可以让学生更贴近艺术的源泉。十九世纪法国著名的艺术家罗丹说过：“美是到处都有的，对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现”。艺术中的美经历了人类的高度概括与提炼，融入了人类鲜活的个性和充满智慧的创造，是高于生活和自然的。但是艺术的源泉是大自然，大自然中的色彩、声响、形状甚至动态等都是艺术形成的基础，都是艺术美赖以生存和提炼的源泉。一位学者说过：“如果一个人看过蚂蚱，抓过蛐蛐，挖过蚯蚓，摸过鱼，那他对人类和大自然的感觉会完全不同”，他眼里心里的艺术形象也会更加鲜活和动人。现实生活中的美和大自然的美是艺术的有利根据和根源，在教学中引进大自然中的美，让学生扎根于艺术的源泉，学生形成的艺术感觉就会更真实、更鲜活，审美愉悦的实现就更容易做到水到渠成。
第二个方面：艺术教学尚未真正树立起“以学生发展为本”的教育理念。在课程结构和教学内容的选择上，无视学生心理与生理的需求，很少考虑学生的认知过程中的心理顺序，这是教学内容缺乏艺术性的体现。教学内容的选择必须符合学生心理特征与艺术审美发展水平，遵循学生的心理活动规律和认识规律，本着以学生发展为本的原则，从学生的兴趣、能力和需求出发，结合学生的生活经验，遵循学生生理、心理以及审美的认知规律，提供学生感受艺术、表现艺术、创造艺术以及学习艺术文化知识的机会，为学生终身学习和艺术素养的发展奠定基础。
第三个方面：教学内容选择和整合的综合性。艺术教学本身就是一种美的艺术创造实践，这种实践不是封闭的，而是开放的，不是单一的，而是多元的。艺术在自身的发展中，不断经历着分化和综合的过程。每个艺术门类以及其中的各种样式，都是一个个开放的体系，而不是各自闭关自守的领地。只要具备一定的条件，它们都会从其它艺术中吸取营养，甚至同其它艺术结合起来而创造出新的艺术品种，以丰富和发展自己，并使得整个艺术体系得到发展。（《艺术概论》186页）
艺术教学的内容的组合要注意体现综合性、融合性的原则。艺术的多元化和艺术风格的多样化，也为艺术教学追求教学手段和教学内容的多元化、多样化提出了要求，并提供了条件。而且“不同的艺术门类之所以能够相互结合在一起，首先是因为它们有着共同的本质。也就是说他们都是客观世界在人的意识领域的审美反映，都是以感性形象反映世界。这是他们共同的“基因”，是他们能够相互联系和融通的根本原因。”
美国著名的音乐教育家雷默提出了“综合审美教育”这一概念。他认为：每种艺术都有自己的主要要素，音乐中有旋律、和声、节奏，绘画中有色彩、线条、质感，诗歌中有比喻、形象、韵律，如此不一而足。每一种艺术都可以借用其他艺术的要素，再与自己的领域同化，同时许多艺术又，还可以借用非艺术的要素，艺术地加以运用，转化成表现素材。
同样在《艺术标准解读》中所说：“由于社会对具有艺术素质的综合型人才的渴求，促使艺术教育自身也不断向综合的方向发展，形成各学科之间相互交叉、渗透和综合的大趋势。不仅音乐、美术、戏剧、舞蹈、影视等不同艺术门类开始以生态的方式交叉和融合，美学、艺术批评、艺术史、艺术创造等不同领域间也开始相互渗透。”美国部分学校的艺术教育采用了把各种艺术学科结合起来的综合艺术教学形式，即利用绘画、音乐、舞蹈、刺绣以及其他不同的艺术的共同点和不同点去启发学生。
艺术教学内容上的融合可以从两个层面上把握：一个是艺术和非艺术门类之间的融合，另一个是艺术自身各要素之间的融合。艺术教学要注意发掘艺术各门类的文化内涵，加强姊妹艺术之间和其他相关文化的联系。艺术教学是一个与姊妹艺术及相关文化相互联系与渗透的教学。艺术教学可以把相关艺术门类的艺术特点结合，进行知识整合；可以把视觉艺术听觉艺术触觉艺术等融为一体。霍斯曼曾这样说过：“一个不需要增加学习时间、教师数量和设备、却能扩充艺术课程的方法”，就是使整个艺术教学课程一体化。这种教学强调所有艺术之基础的、共同的东西，即艺术的审美性、创造性、表现性的东西。艺术教学可以把视觉艺术、听觉艺术、触觉艺术等融为一体。
艺术教学可以同其他学科，或者是个艺术门类之间相互交织在一起，这样可以相互增强活力，否则艺术教学将是贫乏的。提倡艺术教学内容的融合和综合性发展，是对传统艺术教学观念的一大突破，是我国教育改革深入发展的一大成果。
著名的德国音乐家舒曼说“有教养的音乐家能够从拉斐尔的圣母像得到不少启发。同样美术家可以从莫扎特的交响乐获益匪浅。不仅如此，对于雕塑家来说，每个演员都是静止不动的雕像，而对于演员来说，雕塑家雕塑的作品又何尝不是活跃的人物？在一个美术家的心目中，诗歌却成了图画，而音乐家则善于把图画用声音体现出来。”（《舒曼论音乐与音乐家》第148页，人民音乐出版社1982年版）
在教学中，利用现有的教学内容，需要再组织一些延伸和拓展的材料，形成结构化网络化的教学知识。第四个方面：教学内容顺序和比例的合理设计。
在当前的艺术教学中，教师往往采用单一的教学手段，单线条的设置教学的程序，而并没有从多维的角度来考虑教学的目标，立体的设计教学要包含的内容。
为达此目的，教师应当具备很强的分析教材和组织教材的能力，对所选择的内容能够控制有度，既要放得开，选取丰富多样的教学内容，又要能收得拢，做到重点突出，言之有物。这样再根据内容选用恰当的教学手段，就能使课堂教学生动，特色突出，取得良好的教学效果。
同时，教学程序是教与学之间形式和内容安排的和谐组合。具备渐进性、创造性和突破性的组合，能够激发学生学习的自然性和主动性，使得学生能够由浅入深的领悟美，并能触类旁通，富有创造力。
所以好的老师，要将教学内容合理搭配，给不同深度、不同方面的教学内容分配合理的比例，并使各部分内容保持合理的出场顺序，从整体上把握教学内容的艺术性和完整性。
二．教学方式的艺术性
在艺术教学中，教学的内容应该是体现艺术审美本质的，教学的方式也应该遵循艺术的美的规律和审美特征，使得艺术教学本身艺术化、审美化，让艺术教学这一行为和过程具备艺术的美，同时也让其本身成为一种美的艺术。因此在教学实施中，艺术教学在具备各门课程教学所具备的教学艺术的同时，更应该强调艺术教学所特有的教学艺术。基于这个原因，本文从一般课程的教学艺术和艺术课程所特有的教学艺术两个方面来陈述。首先，针对一般课程所应具备的教学艺术，简单阐述了教学意境的艺术性、教学节奏的艺术性、教学空间的自由性；其次，阐述艺术教学特有的教学艺术：一方面根据艺术教育的审美规律，主要针对艺术主体性、形象性、创造性、情感性等审美特点提出了艺术教学的个性化、艺术教学的直观性、艺术教学的即兴创造性、艺术教学的情感艺术；另一方面遵循艺术美学原理，主要针对艺术审美心理特征提出艺术教学的距离美、艺术教学的移情美。
<一>教学意境的艺术性
意境是一种艺术境界，是一种在思想感情上极富感染力的艺术效果。艺术教学中教学意境的营造能将学生带入一个美的境界，让学生置身在美的情韵和诗意般的境界中。具备意境的教学是一种具有艺术魅力的教学，这种教学让学生在课堂上始终充满激情，保持愉快的心情和审美愉悦。艺术从来就是一种充满情感和美感的东西，在艺术教学中，遵循艺术的审美特征，就可以营造出艺术化的教学境界。具备艺术性的教学意境，应该是一种景真、情深、意切，情景交融的意境，这是一种以“实”情实景营造的教学意境。除此之外，在艺术中常用“艺术空白”的引导和启发下，我们以“空”代“实”，同样营造出一种高层次的教学意境。
情景交融的教学意境
情景交融的教学意境在教学中处处洋溢着美和迷人的魅力，其实现的前提首先是有“情”也有“景”，然后再实现情与景的交融，构造出景真、情深、意切，情景交融的美妙境界。
这种意境的实现，可以说是需要将视觉效果、听觉效果甚至触觉效果融合在一起方能达到。在艺术教学中，我们可以这样去促使情景交融的教学意境的形成。在教学语言上，用散文化的言语去描述对象。散文化的语言是一种美丽的、富有诗意的语言，她能真切而细腻地表达出人内心美妙而短促的思绪和情感，同时其中蕴涵的袅袅流动的韵味和激情可以将学生带入一种美的境界，让学生获得美的愉悦和情韵；在教学表示上，用美丽的画面展示对象，画面是静态的、固定的、明晰的。流动的音乐是一幅流动的风景；流动的风景以线条、色彩的形式停留下来，就构成了一幅美妙的图画。艺术的形象以图画的形式凝固，静态的图画展示着流动飞扬的情感。艺术教学把听觉艺术和视觉艺术融为一体，引发学生的审美想象和审美愉悦服务。美丽的图画、流动的风景、诗意般的言语融入着教师的情感，同时带动着学生的情感，一种情景交融的教学意境展示着美的空间和深远的意蕴，也将学生引入美的艺术境界之中。
“空白”的教学意境
空白艺术是美学史上一个重要研究范畴，“空白艺术”的渊源可以追溯到老子《道德经》中的八个大字“达音希声，大象无形。”在老子看来，无声是最美的声音，无形是最完美的形象。中国画家常常用“空白”来藏境，空白是构思立意的一部分，是集中、提炼、概括的结果，是创造意境必不可少的，它留下联想、想象的余地和空间，可以表达更多的东西。
在艺术教学中，运用“空白”来营造一种教学意境，是教学艺术化的表现。
艺术作品留下的空白，并非空无一物，它是以空显示实，由实而空，“空”正是情感充盈的艺术空间，是作品的艺术内含所在，清代袁枚在其《随园诗话》中对艺术之“空”有这样的论述：“凡诗文妙处，全在于空”。空白艺术就是对那些能够引起激发人们想象的地方进行画龙点睛的提示，通过暗示和隐语将真正艺术想象的空间及其作品所要直接表达的真正艺术内含和意蕴留给欣赏者，接受者，以最少的笔墨从侧面间接而不是直接地展示作品的艺术魅力。
在艺术领域中，空白的运用是很受青睐的。空白的运用是为了更好的表达作品的蕴涵和思想情感，驱动想象和情感的驰骋。因此，在教学当中，教师更应该尊重这种空白的存在，切不可枉自聪明地去填补。空白艺术正如道家的无为之无，这无并非空无之意，而是“无为而无不为”，突破了时局局限的“意无所制”，其范围更加广泛。在教学中运用空白营造教学的意境，以“空白”诠释“空白”，可成就一种超越的教学艺术。
有人把空白的艺术称作是“召唤”“空筐”的艺术，认为空白可以召唤学生发挥其潜在的创造力，空白为学生打开了一个个空筐，等待学生用自己的思索和想象去填充。艺术空白营造的教学意境可以让学生在空白中驰骋自己的想象，进行再创造以获得完整的美感。不同的学生完全可以“各取所需”，在艺术的想象空间创造美妙的形象，获得美的享受，而教学中的“空白”因此可能变得非常的丰富和异彩焕发。艺术化的教学意境应该有意无意的设计许多境界空灵，意趣无穷的艺术“空白”，让学生去补充和创造，让其在自己的创造中获得最大的艺术享受。
在艺术教学当中，运用空白艺术营造教学意境可以学习国画中“计白当黑”之法，音乐之空白的“休止”之法，雕塑中断臂的维纳斯雕像，诗词中“不着一字，尽得风流”的做法等等。除此之外，艺术教师还可以运用沉默来达到艺术空白美的效果，实现艺术化的教学意境。在教学中用来“布白”的沉默，不是没有内容、空洞无物的。空白，虽无，却有，似无，却又可见；沉默虽无声，却奔涌着情感。它能使人想到“象外之旨”“弦外之音”“境外之物”，它具有一种无限性。“沉默”这种无言无语的“空白”，胜过了明白直露的千言万语，富有极强的艺术感染力，正如白居易《琵琶行》中“此时无声胜有声”的境界，只可意会，不可言传。
<二>教学节奏的艺术性
节奏是自然界和社会生活中一种普遍存在的方式。音乐要有节奏，诗歌要有节奏，平仄相间，动静相间。美学家朱光潜说：“节奏是一切艺术的灵魂”。一张一弛，文武之道，是课堂教学的一大艺术。艺术教学在课堂教学中讲究教学的节奏性，体现了教学的艺术化。艺术教学节奏是指教学活动的组织富有美感的规律变化，给人以艺术的享受。
在教学中，不能不追求教学节奏的艺术性。首先，教学本身就是一门艺术，需要遵循艺术的本质和特征，因此不能不注意教学节奏的协调。艺术教学的教学过程应该像奏乐一样，按照主旋律，曲调抑扬顿挫，音节疏密相间，节奏明快相联。其次，追求教学的节奏美，让教学过程中各要素有秩序、有节拍、有动律的变化，会使教学节奏呈现出一种明快、生动的韵律之美、流动之美。这种美有利于学生学习和创造，有利于学生心理健康和身心健康的发展，又能这种美能够感染学生，让他们受到美的熏陶，也有利于师生间思维与情感的沟通交融，达到优美和谐的境界。再则，教学中要增强感染力，提高教学的效率，就不能不注意教学节奏的协调。具备节奏美的教学可以吸引学生的注意，激发学生的求知欲，促进思维发展，提高课堂效率，使课堂生机勃勃，优质高效。实践证明：凡是课堂教学效率高的教师，必定是善于控制教学节奏，或有张有弛，张弛得法；或有密有疏，疏密得法；或有高有低，错落有致；或新颖多变，起伏和谐。课堂教学能否具备鲜明的节奏感，是提高教学效率的关键之一，也是衡量教师课堂教学成功与否的重要标志。
在把握教学节奏上，最重要的是教学的节奏应该遵循学生学习中的心理特点。教师要善于根据学生的认知规律，科学地安排教学程序和时间。心理学研究认为：青少年的认知节奏和生理节奏像潮涨潮落一样呈现出波浪式状态。教师只有遵循学生生理特点和心理规律，以曲线式的节奏推进教学，设置课堂教学的若干“浪峰”“波谷”。巴甫洛夫高级神经活动学说中这样认为：人脑接受刺激引起的兴奋点如果不断转移，那么相对来说人就不容易感到疲乏，反之，某一兴奋点持续活动，就容易由兴奋转入抑制，同时抑制还可以扩散，一旦出现这种现象，人脑就会出现困倦乃至睡眠状态。教学中节奏的艺术性可以让学生解除学习的卷怠感和单调感，使学生在课堂上也能回归精神的“自然保护区”。美学大师朱光潜说：“人用他的感觉器官和运动器官去应付审美对象时，如果对象所表现的节奏符合生理的自然节奏，人就感到和谐而愉快。”
一堂课平铺直叙，没有起伏，没有跌宕是缺乏节奏艺术的表现；课堂上始终紧锣密鼓，不留一点空闲，不留一点空白实际上是一种没有节奏的课堂；课堂上教学气氛松散平淡，杂乱无章，课堂气氛压抑，沉闷也是没有节奏美的表现如此不一而足。在这样的课堂上，学生自然觉得枯燥无味而昏昏欲睡，正如）著名特级教师于漪说：“如果40分钟都是一个调子，平铺直叙，像流水般地淌，学生也会感到乏味，打不起精神。”。
那么，课堂教学中如何把握艺术化的节奏呢？在教学中，通过动静搭配、张弛交错、疏密结合、起伏有致等多种对比和转化，形成强烈的节奏感，并和学生的心理节奏像切合引起共鸣，产生美感。
动静搭配：动，应该是有控制、有节律、有针对性地对问题的研究，而不是杂乱无章、随心所欲的；静，是指教学过程中学生积极的思考，认真的钻研，而不是一潭死水般的沉寂，而是在酝酿一个成熟的见解，是一种“此时无声胜有声”的恬静美。艺术教学中，教学的节奏应该是静中有动，动中有静的和谐统一。
疏密结合：（空白）密的地方要求教学内容的容量较大，教学速度较快，用紧张的节奏要求学生集中注意力，思维敏捷，反应迅速；疏的地方要求教学的内容较少，教学的速度比较平缓，同时留给学生的空间大，自由思索的余地大。“疏可走马，则输出不是空虚，是无长物，还得有景，密不透风，换得有立锥之地，切不可让人感到窒息”，艺术教学中疏密结合要求是宽松而不涣散、严谨而不威慑的和谐统一。
张弛交错：一张一弛，文武之道。在艺术教学中，教学节奏也应该是有张有弛有起有伏的和谐统一。所谓张，就是紧张、急促；弛，就是轻松、舒展、宽松，张与弛既是对立的，又是统一的。张和弛如果没有得到有效的统一，教学中要么会显得平淡无奇要么，不能突出波澜和高潮，整堂教学就陷入没有弹性，没有张力的状况；只有有张有弛，张弛交错才会既有“大弦嘈嘈如急雨”，又有“小弦切切如私语”，相得益彰，韵味无穷。
<三>教学空间的艺术性
艺术教学需要营造艺术化的教学意境，同时也需要给学生留一个艺术化的空间，一个自主、自由的空间。
1．自主的空间
人作为独特的、精神的主体，有形成自我的本能，也一直在成为他自己的过程中表现出自主性。人的自主性表现为他可以产生自己的情感、形成自己的思维、决定自己的行为，不断地在自知自觉中把握世界、形成个人主体生命的意义，在确定自己的行为当中主动积极的形成自己、完成自我。
德国的卡西尔用“人是符号的动物”来解释人的自主性，认为人是一种能以符号的形式来解释世界的动物。艺术便是符号中最生动的一种，人类在不断地通过艺术的形式体现着人的自主性、也发展着人的自主性。艺术来源于生活，又高于生活，是因为艺术融入了主体的呼吸和生命，融入了生命主体完成自我、超越自我的行为和过程。“艺术作品之所以源于生活而又高于生活，就是因为艺术创作主体对生活原料进行了创造性的选择、提炼、想象、虚构，并在其中渗透着自己的认识和评价，从而表现出自己的意愿、情感和审美理想。因此，艺术作品融入了主体的呼吸和生命，体现了对生活的新发现和审美的独特建构；艺术创作活动是凝聚了创作主体的全部心血的、个性化的、能动的、艰辛的创造性生产过程。”（--《艺术概论》第277页）在艺术创造和艺术作品之中，艺术家都毫无例外地表现出他们的主体能动作用和主体个性。
在艺术教学中，需要留给学生自主的空间，一是由人的自主性特性所决定的，二是由艺术的主体性特征所要求的。在艺术教学中，教学的内容始终是艺术，只要有艺术存在的地方，艺术的审美本质和艺术的特征就会毋庸置疑地跟着存在。在艺术创作全过程中，艺术家这个主体起着决定性意义，在体验艺术家这个主体所释放出来的意蕴时，学生这个主体毋庸置疑同样起着决定性的作用。艺术教学可以说是主体与主体之间交流的过程，教师的主体和学生的主体、作品包含的主体和学生的主体都应该处在不断地交流和融合之中。
在艺术教学过程中，学生并非是被动的、消极的、不做任何变动的适应。人都有自己的主体性，能够主动地、创造性地接受。教学的过程实质是学生的认知过程，学生的学习是有意识、有目的的自觉行动，离开了学生的这个主体，教师的主导作用就会落空，教学内容和教学手段也就失去了存在的价值。学生认知的目标最终要依靠学生的主观能动性才能完成。在艺术学习中，学生在欣赏、创造等过程中，感受、领悟、审美都是要通过自主的活动才能完成的，离开主体的能动性，教师传递出去的知识就得不到学生的接收和内化。
教学中，应该淋漓尽致地发挥学生的主体作用，给学生以发现、探索、创造的自主发展的空间，使其充分施展个人能力，由学习的奴隶变成学习的主人，这既是我国教育改革的目标，也是我们不断追求的教学艺术。
2．自由的空间
“在艺术活动中，人们并没有在主观上带着掌握世界的功利目的，但却足以在享受到精神自由状态所带来的愉悦和惬意中掌握了世界，可见，艺术是具有自由品格的。正是艺术的这种自由品格，使得人们在艺术审美活动中，能够细腻而充分的体验自身的情感和想象，从而达到各种心理机能和谐统一的自由境界。”《艺术教育论》p3艺术是一种情感自由的、自主的表现，创造艺术、鉴赏艺术是人追求美、追求自由的象征。人在自由创造中发展了艺术，酿造了美，而美的根源也落在了人的自由创造之中，正如杨辛教授在《艺术美学原理新编》中所作出的结论：“美的最终根源在于人的自由创造”。（《美学原理新编》第19页）
艺术教学作为一种以艺术为参照对象的教学，必须体现艺术的特征，自由性是艺术的审美特征之一，也是教学所应该突出和遵循的；同时教学作为一种自由活动，与其他各种艺术活动一样，需要体现出人类的精神、意志活动的自由性，必然要以自由性为其特征的；而且对于艺术主体来说，追求精神世界的自由是最高境界，将自身从自然和社会必然性的束缚中解放出来，获得精神世界的自由，是艺术家甚至全人类的追求。庄子就是追求自由生活的典范，他不断地以自由的方式追求人的全面发展。
自由自觉的活动是人类区别于动物的最根本特性之一，也是艺术美的最终根源。康德认为，自由是艺术的精髓，各种“自由活动”或“自由游戏”均具有审美价值，美感是自由的结果，比如他认为诗是“想象力自由的游戏”，音乐是“感觉自由的游戏”，自主活动是解放人的手段，能给每个人提供全面发展和表现自己的、内在的全部能力的机会，这种自由活动本身就是一种快乐，不仅包含着丰富的艺术性，而且能给人真正的美感。20世纪西方人本主义学派的主要代表人物卡尔罗杰斯认为每个人只有在自由的气氛中，才能通过彼此真诚的自我表露实现相互的承认和接受。
在艺术教学中，审美是令人感到解放的，观照是自由的。课堂上给予学生一个自由的空间，让学生的主体能动性得到充分的发挥，让主体生命和自我得以实现。自由不是随意、任意，而是包含了一种解放，一种畅怀的宣泄。这种自由的情绪状态使人的感知、回忆、想象诸功能充分的调动起来，无障碍的运动，这种自由能够激起身理器官正常的运转。自由的环境才能让学生无尽地畅想，畅所欲言，自由的氛围才能让学生在不由自主当中解放自我，让生命的激情得以释放，让生命得以张扬。没有束缚，没有捆绑，因自由而舒畅，因自由而愉悦。因此在艺术教学中，以给予学生自由的空间来诠释、扩展艺术作品所包含的自由空间，是必然的，也是必不可少的
摘要:文章以传统民间艺术为出发点，分析了高校艺术类硕士人才培养方面面临的一些问题，进而构建艺术硕士人才培养模式。通过建立一批真正双师型教师，将传统民间艺术整合到艺术类课程体系、教学方法、民间艺术活动、研究生思想政治教育、民间艺术创业实践等环节中，培养适应社会需求的应用型艺术人才，以期为高校艺术类硕士创新教育提供参考和借鉴。
关键词:传统民间艺术;艺术类硕士;人才培养
十八大以来，同志对继承发扬中华优秀传统文化发表了一系列重要讲话，他认为“要认真汲取中华优秀传统文化的思想精华和道德精髓”、“中国传统文化博大精深，学习和掌握其中的各种思想精华，对树立正确的世界观、人生观、价值观很有益处”、“把继承传统优秀文化又弘扬时代精神、立足本国又面向世界的当代中国文化创新成果传播出去”等等。同志的讲话深刻揭示了继承和弘扬中华优秀传统文化的重要作用，它对激发学生的爱国主义情怀和弘扬社会主义核心价值观有重要的意义。近年来，随着各类新兴艺术的日新月异、飞速发展，作为一种优秀的传统文化民间艺术在时代的浪潮中被人渐渐地遗忘，没有大众关注、没有观众去欣赏而无法传承，民间艺术正遭受着严峻的考验。[1-2]因此，要真正做好优秀传统文化民间艺术的研究、保护和传承工作，高校育人是一个重要途径，从高等教育做起，将传统文化教育纳入到高校艺术类硕士人才培养体系中，用教育串起中国传统文化的珍珠，如何将传统民间艺术与人才培养体系相结合，是目前亟需研究的课题。
1构建高校艺术类硕士人才培养模式的必要性
1.1高校人才培养模式已经无法与社会发展相适应
近年来，随着全国各大高校不断扩招，我国高等教育由精英教育逐步向大众化教育发展，艺术类招生规模迅速扩大，在此背景下，一般高校人才培养存在着一些弊端，已经无法与现代社会的发展相适应，比如：人才培养体系门类比较单一、教学方式和课程设置不合理、人才培养结构与社会需求结构失衡等。[3]艺术类研究生在学习和科研的过程中表现为思维活跃、个性独特、求知欲强、想象力丰富，而在此人才培养体系下已经不能满足研究生的学习欲望与需求，逐渐表现为与社会发展不相适应，培养的毕业生素质和能力不适应社会发展的要求，毕业生就业难或者就业适应期较长，需要花费很长一段时间适应才能顺利进入工作状态。
1.2高校艺术类硕士人才培养体系中忽视传统文化教育
在中西文化大融合的背景下，我国高等艺术类硕士人才的教育和培养偏重专业知识和实践技能训练，忽视传统文化的教育。长期以来，我们对传统文化物质和非物质文化遗产缺乏科学合理的规划，不重视对中国传统文化精髓的吸收，没有清理和发掘传统文化的积极内涵。因此，要真正做好优秀传统文化的研究、保护和传承工作，这要求我们从高等教育做起，将传统文化教育纳入到高校艺术类人才培养体系中，在教学、科学研究体系中加强传统文化教育。
1.3民间艺术的传承逐渐呈现后继无人的局面
民间艺术作品的完成需要花费的时间比较长，几个月甚至几年时间，能坚持下来的人不多，尤其是一些年轻人耐不住寂寞，熬不过艰辛，等不及作品产生收益；许多人不了解艺术作品，认为手工艺品很简单的手工，民间艺术作品能带来的价值还未能得到广泛的社会认可；现有手工艺人受客观条件所限，再创作力不强，不懂得打造自己的品牌，使得民间艺术很难出精品，严重制约其长远发展。因此，民间艺术被渐渐地淹没，民间艺术的传承问题普遍存在青黄不接、后继无人的局面，大量优秀的民间艺术资源正逐渐走向衰亡，急需要青年学子担负其这一重任。近年来，由于西方文化的冲击，不少学生往往对我们传统民间艺术不屑一顾，认为民间艺术是“土”的东西，不如西方“洋”的东西，使得研究生在专业学习中注重对西方文化技能知识的学习，而不愿从传统文化中寻找带有本民族设计的源头。
2基于传统民间艺术的高校艺术类硕士人才培养模式的构建
通过建立一批真正双师型教师，将传统民间艺术整合到艺术类课程体系、教学方法、民间艺术活动、研究生思想政治教育、民间艺术创业实践等培养环节中，构建新型高校艺术类硕士人才培养体系，培养适应社会需求的应用型艺术类硕士人才。同时，利用高等教育提升并创作民间艺术作品，使民间艺术进一步发扬光大。
2.1建立一批真正双师型教师
教师是教育的关键人物，直接影响到艺术类硕士人才培养质量。由于一些历史原因，艺术类教师和其他教师相比，学历水平比较低、外语能力普遍较差，这些严重制约了艺术类人才的培养。高校要培养真正的双师型教师，不仅要求教师在思想素质上有强烈的社会责任感和职业道德，而且在技能上掌握现代的艺术类教育方法，专业知识扎实，实践经验充足。才能培养出适应社会需求的应用型艺术类硕士人才。
2.2优化课程设置体系
现代社会对大学生的文化素质和知识结构的要求越来越高，在基础知识方面具备扎实的基本功，在课外知识和交叉领域也需要广泛的涉猎和储备。所以，在人才培养体系中改革课程设置，朝着有利于学生创新能力和综合素质提高以及培养学生的社会责任感的方向发展。为了更好地优化课程设计体系，更新人才培养理念是关键，充分认识和理解在大众化教育背景下，探索课程体系以学生能力为本位的人才培养新途径。然后，通过汲取传统民间艺术精髓，增加传统民间艺术课程到学生专业基础教育中，构建合理的课程体系。
2.3丰富教学方法
课堂教学是教学的基本组成形式，学生的社会责任感、创新精神以及综合能力的培养必须渗透到教学过程中。传统的教学只重视传授知识，不注重发展能力，按照一个模式培养学生，不利于对学生进行素质教育和创新能力培养。因此，需要丰富教学方法，由于艺术类专业的个性化、独立性特点，上课方式多样，不拘于课堂，在专业学习、参加科研项目、外出调研、研究创作等培养过程中较为独立，宜采用走出去的方式，即：出外民艺考察；出外民艺实践；出外民艺调研。
2.4开展民间艺术活动
文化育人真正进入高校艺术类人才培养领域，需要最大限度地利用校内外的各种资源，让学生在校期间接受民间艺术教育，既能激发学生的爱国主义情怀，又能充分挖掘民间艺术遗产，使中国的民间艺术遗产在中国的大地上得到传承和发展。民间艺术活动主要包括民艺讲坛、民艺讲座、民艺实践、民艺创作等形式。学生受益面比较广的一种方式是在校内定期举办一系列民艺讲坛、民艺讲座，拓展学生视野，提升学生艺术欣赏能力。民艺实践是指把最基层的民间艺人请进教室，让学生参与民间艺术创作，建立学生和民间艺术直面接触的体验平台。组织学生开展专题设计创作，增强学生对民间艺术元素的专业应用能力，开展以传统文化为主题的民间艺术设计比赛，增强对承载着民族情愫、民族灵魂和民族根基的传统节日文化的关注；鼓励学生以中国优秀传统文化为内容，用专业所长参与校园文化建设，使同学们在民间艺术创作中受到艺术熏陶，在对传统民间艺术弘扬和传承中得到思想道德的启迪。
2.5民间艺术融于研究生思想政治教育
思想是行动的先导，受外部环境的熏陶而潜移默化的改变，民间艺术恰好是研究生思想政治教育的一个重要载体。它是我国优秀的民间文化，其形式具有美感，且饱含情感，同时具有很强艺术感染力，在培养研究生的社会责任感、创新精神和实践能力等方面有着积极作用。因此，将民间艺术有效地融入到高校研究生思想政治教育中，[5]有利于唤起他们对民间艺术的记忆、了解和认同，有利于培养研究生的热爱和继承传统文化的思想感情，使他们成为传承和保护中国传统文化的生力军。
2.6创建民间艺术创业实践基地
民间艺术作品是一笔宝贵的财富，为了更好的保护传统文化，让传统文化长久地存活下去，最好的办法是让更多学生去了解他们，喜欢他们，并把民间艺术作为创业就业的载体长期发展下去。作为高等院校，创建民间艺术创业实践基地，[6]帮助学生提供更多的实习、见习岗位机会，多鼓励艺术生发挥自身专业优势，以文化传承为主旨，发扬民间艺术创业实践精神，服务地区经济建设，在各自岗位上施展才华。总之，无论是传统民间艺术的保护、传承与发展，还是高校艺术类硕士人才的培养，都是一个循序渐进漫长的过程，二者相互依存相互发展。因此，将传统民间艺术纳入高校艺术类人才教育中，不仅能形成对传统民间艺术的传承与创新，同时更能形成有效的人才培养路径，这对培养艺术类研究生的社会责任感、提高创新精神和实践能力都具有非常重要的意义。正如同志所言：“中华文明绵延数千年，有其独特的价值体系。中华优秀传统文化已经成为中华民族的基因，植根在中国人内心，潜移默化影响着中国人的思想方式和行为方式。
作者:唐丹丹 张莉 单位:郑州轻工业学院
摘要：重庆师范大学以培养具有系统音乐专业知识，适应我国社会、经济、文化和音乐事业发展的高层次、应用型音乐表演、音乐创作等领域的专门人才为目标，探索出“人文综合素养+专业理论基础+艺术实践+创新创业能力”的音乐艺术硕士培养模式。为保障音乐艺术硕士培养模式的顺利实施，学院制定了有效的音乐艺术硕士招生模式，为师生搭建了校内外艺术实践与艺术科研活动平台，同时推行双导师制，校内外联合培养硕士。
关键词：地方师范院校；音乐艺术硕士培养模式；课程体系建设；双导师制
艺术硕士培养模式是指在现代艺术教育理念的指导下，为了实现艺术硕士研究生的培养目标，在培养过程中所采用的特定标准的构造样式及运行方式。艺术硕士培养模式是一个完整的系统，同时又具有泛型性，也具有一定的开放性。又因为培养模式是一个系统，所以它包含着一些固定的要素，即导向性要素（即培养目标）、组织性要素（即培养过程）、调控性要素（即培养考核）。因为培养模式具有泛型性，所以一经形成便可以为培养单位所遵循。但培养模式一经形成之后，同时也具开放性。也就是说，培养模式不是僵化不变的，培养单位应根据本单位的实际情况不断以开放和改革的态度探索适合本单位实际情况的培养模式。
一、重庆师范大学音乐艺术硕士培养模式的指导原则
重庆师范大学音乐艺术硕士培养模式的宏观指导思想是：“密切与音乐行业接轨，注重音乐艺术实践，突出音乐职业导向。”在音乐艺术硕士培养方案制定过程中坚持了以下原则：一是注重培养模式与行业标准密切接轨。学院邀请了遵义演艺集团艺术总监王小平、重庆高戈广告有限公司董事长阎旭、重庆市广播电视集团（总台）频道总监寇锦等业界精英共同制定培养方案，并参照相应行业标准设计课程模块。二是注重知识发展性与职业导向性的密切融合。艺术硕士专业学位教育具有学术性的价值取向，这是艺术硕士教育不同于一般意义的职业艺术教育的根本所在。艺术硕士教育培养的不仅仅是艺术行业精通技巧的从业者，而且是艺术实践能力和创新创业能力兼备的复合型高端人才。三是突出艺术职业岗位能力和艺术职业素养的培养。着力加强实践教学，课程设置中注重理论与实践相结合，增加实践学分权重。联合艺术创新实践基地，充分利用各基地的师资和硬件设施以及其他资源，培养学生的职业素养。
二、重庆师范大学音乐艺术硕士培养模式
音乐艺术硕士的培养目标是：培养具有系统音乐专业知识，适应我国社会、经济、文化和音乐事业发展需要的德、智、体、美全面发展的高层次、应用型音乐表演、音乐创作等领域的专门人才。音乐艺术硕士培养模式必须符合这一培养目标的需求。为了有效地实现这一培养目标，重庆师范大学音乐学院经过理论探索与教学实践，逐渐摸索出“人文综合素养+专业理论基础+艺术实践+创新创业能力”的音乐艺术硕士培养模式。在这一培养模式中，培养目标是导向性的要素，是培养工作的出发点和最终对培养工作进行检验的立足点。课程设置和教学安排是培养过程，也就是组织性要素。毕业环节则是对整个培养过程的最终考核，也就是调控性要素，通过这一环节检验所培养的学生是否达到了培养目标的要求。
（一）音乐艺术硕士培养模式的课程内容和教学安排
重庆师范大学音乐学院以音乐艺术实践能力培养为核心，基于“面向社会、服务地方需求、促进音乐事业繁荣发展”的理念，构建了“2+1”的课程体系，即理论课程、实践课程+行业实训，实践环节以课内实践、专题创作实践、作品展演、行业实训等多种不同的方式完成。根据艺术硕士教指委颁布的艺术硕士专业学位研究生指导性培养方案（2015年修订版，以下简称指导性方案），艺术硕士（音乐）的课程类别为公共课、专业必修课、实践环节、选修课。重庆师范大学艺术硕士音乐领域各类课程的学分数及所占比重可参见表1，公共课与专业必修课见表2。在重庆师范大学音乐艺术硕士课程中，马克思主义文艺理论、艺术原理、音乐艺术实践、音乐心理学、音乐美学等课程属于理论课程。专业主课、高级视唱练耳、音乐论文写作与学术规范等课程属于理论与实践相结合的课程。音乐艺术实践属于纯粹的实践性课程。学院要求这一实践性课程的考核形式为音乐会或实践性成果的展示。比如，对于声乐方向的学生，培养方案要求他们必须开两场音乐会，方能获得该门课程的学分。重庆师范大学音乐学院将音乐艺术实践类课程纳入必修课程中，并占有一定的比重，这样做主要是为了满足培养目标的需要。此处的实践课程同独立实践环节不同。独立实践环节侧重的是总结性评价，是对学生艺术实践能力的最终检验。而必修课中的艺术实践类课程侧重的是对学生艺术实践能力的形成性评价。实践类课程可以在课内进行，也可贯穿于课外活动中；可以在校内进行，也可在校外的实践基地进行。为了增强学生理解作品的能力以及在作品创意表达和风格呈现方面的能力，学院开设音乐美学、音乐心理学、音乐作品分析、视唱练耳等课程。在培养过程中，首先让学生树立正确的艺术理念和美学观念，而很多学生在本科阶段并没有接受到这方面的学习和训练。基于此，重庆师范大学音乐学院在培养方案中开设了音乐美学课程。音乐心理学类课程主要是为了让学生能够应对音乐表演中一些较为复杂的心理问题，比如，音乐创作过程中的心理问题、演出中的怯场等。开设音乐作品分析课程的目的是让学生了解和掌握不同时代、不同风格的音乐作品的分析方法。通过分析方法的掌握，使得他们能够很好地在表演中呈现作品，在创作中把握好作品的风格特质。此外，学院还开设了一门视唱练耳课程，帮助学生解决音乐表演过程中的音准问题。除了必修课程中的音乐艺术实践课程，还有独立实践环节，包括毕业实习、毕业论文、专业能力展示（毕业音乐会）三项内容。该校的培养方案要求在艺术实践基地的行业实习、实训时间不少于一年，同时学位论文（设计）须建立在艺术实践基础上。该校艺术硕士培养实行双导师制，由校内专职教师和校外兼职教师共同承担培养任务。学生修完培养方案所要求的课程，通过学位论文（设计）答辩，同时还须通过艺术行业职业资格认定，方可毕业授位。“2+1”课程体系即两种课程（理论课程、实践课程），加上行业中的实习、实训，更有利于培养目标的实现。
（二）音乐艺术硕士培养模式的实施途径
为了更好地实现音乐艺术硕士培养目标，重庆师范大学音乐学院采取了一系列的举措，以保障培养模式的顺利实施。1.探索有效的音乐艺术硕士招生模式音乐艺术硕士招生录取工作可以说是整个培养过程的起点，也是培养模式和社会大环境的中介。音乐艺术硕士培养工作的顺利开展，离不开优秀生源的选拔。经过近十年的探索实践，我国艺术硕士（音乐）考试科目的设置和考试内容的安排已基本符合培养目标的需要。重庆师范大学音乐学院也在不断探索适合本校情况的招生模式。学院在招生考试内容和细则方面做了较为细致的设计。首先是考试科目及内容的安排。初试除了英语和政治这两门国家组织命题的科目以外，还有两门学校自命题的专业科目。很多院校目前都考一门艺术学原理类的课程，有的院校考艺术概论，有的考查艺术学原理等。作为将来的实践性音乐高级人才，掌握艺术学原理是很有必要的，因此，安排在初试也比较合适。该校所设置的考试科目名称为艺术基础理论，考查的重点内容为马克思主义的文艺理论。一般地方师范院校初试环节的另外一门专业课考试往往是安排一门音乐理论课，如音乐作品分析或音乐史论课程等。笔者认为，初试环节的另外一门专业课，应该安排音乐技能面试。艺术硕士（音乐）和音乐与舞蹈学的学术型硕士的培养目标不同，前者的培养目标更侧重于音乐实践能力。在招生考试中，招生单位应该尽早地对考生的音乐技能有所了解，选择音乐技能优秀的考生通过初试，以便更好地保证生源质量。2.搭建校内外艺术实践与艺术科研活动平台学院加强原有的三春湖之韵演出季、研究生半月音乐会、缪斯讲坛、导师讲坛、研究生学术沙龙等品牌活动的建设，努力将其打造为音乐学术品牌，使其成为艺术硕士人才孵化基地和音乐艺术创新实践的平台。学院高度重视合唱团、行进管乐团、舞蹈艺术团等学院艺术团的建设工作，探索有效的乐团运行机制，吸收音乐艺术硕士加入艺术团。这些艺术实践活动和艺术实践团体为音乐艺术硕士提供了充足的校内艺术实践机会，大大提升了他们的音乐艺术实践能力。缪斯讲坛始于2012年，学院邀请校外知名教授、艺术家为学院师生在该讲坛讲授大师课或作专题讲座，迄今已经举办20届。学院组织校内导师在导师讲坛为学生作讲座，组织学生参与研究生学术沙龙的学术研讨。通过组织和鼓励学生参与这些活动，提高了学生的科研意识和从事音乐科研的积极性，使学生逐步进入研究性学习状态。为进一步密切与行业的联系，重庆师范大学音乐学院与重庆市歌舞团、重庆市歌剧院、诗仙太白集团文工团、遵义演艺集团、人民武装警察部队重庆武警总队政治部文工团、璧山县文化馆等十余家艺术企事业单位共建了艺术创新实践基地，并长期保持联系。这些基地行业认可度高、设施完善、艺术实践活动丰富，可为艺术硕士音乐领域的师生提供广阔的艺术实践空间。通过与艺术实践创新基地的合作，学院艺术硕士师生参加了多项文艺演出和艺术创作，为重庆市乃至全国的文化建设做出了突出的贡献。通过与行（企）业合作，锻炼了师资队伍，同时也提高了艺术专业学生的艺术实践能力。学院积极建设艺术实践管理制度，探索改革艺术实践活动的管理模式，努力将艺术硕士音乐领域师生的音乐艺术实践活动真正推向社会，主动参与到地方社会文化生活中，尽量满足当地人民群众的音乐文化需求，加强校外音乐艺术创新实践基地建设，使得艺术硕士的人才培养工作与服务地方社会文化生活形成良好的互动。3.推行双导师制，校内外联合培养和学术性硕士研究生培养模式不同，作为专业学位的艺术硕士研究生培养模式的另外一个重要特点就是注重学校和艺术企事业单位的联合培养，同时应该大力推进双导师制度。根据研究生教育质量报告编研组编著出版的各年度研究生教育质量报告，我国专业学位研究生校外实践和校外导师的情况并不乐观。重庆师范大学音乐学院在艺术硕士中较为广泛地推行了双导师制度，在校外艺术实践创新基地中选拔优秀的行业专家担任艺术硕士研究生的校外导师，与校内导师共同指导学生，取得了良好的效果。
作者：齐江
【摘要】环境艺术设计是一门关系到自然生态环境与人文社会环境多个层面的学科，“追本溯源”属于其中的基础性内容，也是学习和研究的关键点和难点。对传统环境营造文化的“追本溯源”对环境艺术设计专业艺术硕士的培养具有特别重要的意义。文章分析了这一基本内容的结构框架，以传统图绘作为切入点对“追本溯源”进行了相关教学实验，并总结了教学中的经验教训。
【关键词】追本溯源;环境艺术设计结构框架;营造思想;传统图绘
20世纪80年代，我国城市建设正式全面启动，短短几十年间各地就发生了翻天覆地的变化，创造了神奇的“中国速度”，极大地改善了人们的生活环境。然而，这一过程中产生的问题也较为明显：城市普遍丧失了视觉上的辨识性；乡村在城镇化的蚕食下沦为“城中村”；许多传统历史街区、古村落以保护之名，被简单粗暴地改造为喧嚣鼓噪的商业和旅游产品集散地……究其原因，一方面是西方文化的影响，另一方面，国内环境艺术设计专业教育对传统环境营造文化的忽视也负有不可推卸的责任。环境艺术设计非无源之水、无本之木，要形成对环境营造的合理价值判断和哲学思考、创造符合中国现实和特色的优秀设计作品，就必须改变设计师“知今而不知古”的局面，扎扎实实地展开对传统环境营造文化的追本溯源。
一、追本溯源是艺术硕士教育阶段的重要任务
对环境艺术设计的追本溯源，理解和探究其广博的内容和深刻的内涵，不但是一个长期、持续的过程，而且收效也较难立竿见影。与追求较高产业效益的设计机构相比，高校作为教育和科研的主要场所，应该也必须担负起这项基础性内容的教育和研究工作。追本溯源应该在艺术硕士教育阶段积极展开。根据2005年国务院学位委员会和教育部对专业设置的要求，艺术硕士的培养目标是高层次的创新型人才。显然，与本科的应用技术型教育相比，艺术硕士教育的重点应该是培养学生获取信息和处理信息的能力、专业批判的精神以及综合性、创造性地解决问题的能力。要达到这样的培养目标，就离不开对设计理论、设计模式、设计发展趋势的学习和理解，离不开对社会人文、技术发展与设计之间的关系的探究和思考，而这也正是追本溯源教育和研究的基本内容。艺术硕士也正是追本溯源基础性学术研究的生力军。一方面，与本科生相比，追本溯源研究的参与者不仅要有扎实的专业技能，并且还要具备深入观察和思辨的视野和能力。作为本科生中的佼佼者，艺术硕士已经初步拥有了这样的专业素养。另一方面，现阶段对传统环境营造文化的追本溯源研究还不够全面和深入，亟待展开全面的探索和补充，而该研究的第一个关键步骤就是对内容庞杂的传统营造资源信息的收集、梳理、统计和初步分析，以及对传统遗存进行实地踏勘和感官体验。这要求必须投入足够的人力和时间，与研究任务繁重的博士研究生相比，艺术硕士研究生可更加有效地保证该项学术研究的投入和产出。
二、研究的结构框架
对传统环境营造文化进行追本溯源的教育和研究，应具有清晰的结构框架。环境是人类进行生产和生活活动的场所，是人类生存和发展的物质基础，它是一个系统化的组织，囊括了人类生存、生活的方方面面。这些方面既各自独立，又具有某种关联性，共同构成了环境营造文化的内因系统。这一内因系统在一定程度上就是环境营造文化发展与变迁的根源。不同时期的国家和民族，由于传统文化习俗、自然环境、技术能力等条件的不同，发展出各具特色的环境营造思想。对不同时期的各个国家、民族的环境营造思想，尤其是我国传统环境营造思想的学习和思考，是追本溯源教育和研究的起点和基本路径。环境的类型多种多样，不同环境类型构成元素的配置、空间安排多具有一定的惯常性，这种惯常性构成了特定的营造模式。但是，即便是同一种环境类型，由于某些具体条件的差异，在营造细节上也很难完全一致，由此彰显出了不同的空间价值和等级。认识不同环境类型的营造模式、更为细致地分辨同一环境类型不同案例之间的差异，正是追本溯源教育和研究的主要内容和基本目标之一。教育和研究的最终目的是能深入理解和把握传统环境营造文化和营造模式，减少认知上的混乱，避免误解和过度解读，并寻找传统与当代营造的契合点，实现传统环境营造文化与城市现实空间发展的合理关联。
三、教学实验
追本溯源教育和研究的结构框架不仅涉及到建筑学、城市规划学等内容，还牵涉到地理学、经济学和社会学等，在有限的条件下，研究者很难以一己之力展开教育和研究，必须选择合适的切入点。值得注意的是，追本溯源教育和研究的结构框架具有明显的生长性和开放性。所谓生长性，指的是对于结构框架中的营造内因系统、传统环境营造思想以及种种环境类型和典型案例来说，不管是自上而下还是自下而上地进行，均可通过一般状况概括与典型案例分析并行的方法彼此促进。这就使得人们在教学和研究的过程中，选择关键的时间点、地域和一定的视角展开相关教学和研究具备可行性；而开放性指的是不同院校、不同教育和研究的主体，可以在更大的范围内搭建起开放性的协作平台，促进资源共享，逐步建设起完善的资源数据库。基于上述对追本溯源教育和研究的设想，笔者针对近年来艺术硕士呈现的特点，选择传统图绘作为研究对象展开教学实验。图绘是指一切图画和图像资料，在古物大多不存的情况下，传统图绘中包含着传统营造的相关信息，弥足珍贵。与古典文献资料相比，传统图绘能更加直观地展示出某些历史时期的真实环境（或环境片段）或当时的画家（或国家政权、特定人群）心目中的理想环境，它是人们认识和理解传统环境营造文化的重要依据。但是传统图绘描绘的内容较为丰富，为了更有效地开展教学和研究，笔者在教学中进一步限定出城市图、山水画两个专题，学生可以根据自己的兴趣选择不同的研究对象。具体教学过程分为五个步骤：第一步，广泛收集不同专题的传统图绘，进行合理选择，并完善有效图绘的相关背景，建立专题图像数据库；第二步，对有效图绘中涉及到的环境营造按照当代设计图例进行绘制，包括环境营造的平面布局、构成元素的外部形态、装饰图样及细部构造等；第三步，对上述信息进行横向和纵向的统计、比较；第四步，对某些现象、结论的深层缘由展开探求；第五步，对传统营造智慧进行探讨。教学过程中特别强调以下几个方面的重要性：一是有效图绘的判定。许多传统图绘中虽然绘有构筑物，但有些仅画了建筑的一角，有些虽然描绘有单体构筑物或建筑群体的形象，但图绘本身却很模糊，使人们很难辨别图绘中的具体环境营造特征，这些图绘就不能作为有效图绘。二是对于传统图绘尤其是山水画来说，画家出于构图、意境的表达需要竭力避免对营构物的完整刻画，在辨认时一定要把握如实原则，避免主观添加和臆断。三是对不同的图绘专题和图绘的具体内容给予适合的关注点。比如在我国传统社会，人居环境营造以院落式为主，但院落式又可以细分为墙院式、廊院式和合院式，不同的院落形式所塑造的景观意象各有不同。因此，对图绘中涉及到的建筑群，必须细析其院落样式，对于城市图不但要梳理、辨认图绘中的山水关系、街巷体系、建筑群空间布局，还要特别关注街巷构成元素的类型和数量、界面的形态和尺度。可以说，对上述几个方面的合理操作是保证教学和研究顺利进行的前提条件，其难点是对上述梳理和统计结论的缘由探索。该项教学实验中特别关注传统社会不同时期的社会生活方式对环境营造的影响，因为中国传统环境营造和建设在很多时候是制度性的活动，是造成我国传统环境营造文化与西方环境营造文化差异的主要原因之一。从传统人类生活方式的架构与变迁入手展开追本溯源式的理解和探究，更贴近中国传统环境营造文化的本质，能够引领学生更加准确地认知各类环境的价值与意义、把握环境营造的规律、弥补以往学习和探究过程中物质与情感之间的缺失，并避免学习和探究过程的过度抽象化。令人感到欣慰的是，此项教学实验普遍激发起学生的学习和研究热情，不但提升了他们的美术专业素养，而且开启了他们从环境艺术设计的角度发现和探索传统图绘价值的视野。在实验过程中，学生逐步掌握了发现信息、统计信息和分析信息的基本方法。在提交的研究成果中，城市图专题小组比较分析了三个版本的《清明上河图》，对不同时期的画家或国家政权理想中的帝都街道美学有了一定的认识；山水画专题小组通过对宋元以前图绘中的建筑布局的统计和分析，验证了在传统社会时期，廊院式是高等级建筑群惯用的院落格式，合院虽然早已存在，却一直是较为低级的建构形式，或是较低等级建构中作为廊院的一种变通形式。他们发现在唐代以前，廊院式格局及变体的使用区间较大，但宋元以后明显地出现了廊院使用区间下移和合院使用区间扩张的趋势。有些学生更是通过该项学习，开始有意识地将发现的信息与现实传统遗存进行联系和比较，在项目实践中有意识地运用掌握到的研究方法开展探索。比如一位学生在对某传统村落进行保护和景观提升设计时，对于坍塌程度不同的民居和空地，根据各自的具体条件，选择了保留或弱恢复院落格局的策略。以“片畦”为设计概念将坍塌的民居和空地转化为菜园、花园、蜂园等，既满足了当代村民、游客的需要，也表达了传统村落鸡犬相闻的景观意象。
该项教学实验以传统图绘作为切入点，改变了以往直接将环境营造本体“拿来”的教学和研究方法，符合艺术生的美术教育背景；制定明确的研究对象和研究方向，避免了学生在学习和研究的过程中以偏概全、重点模糊的弊病，收到了较好的效果。当然，在这项教学实验中也存在一些问题，比如收集到的有效传统图绘的数量较为有限，部分图绘的可靠性、完整性和系统性还有待进一步确认；对传统图绘中所包含的信息认知还需要更加深入地厘清和细致辨认；对形成某种营造模式的原因探求还停留在较浅的层面，相关探索刚刚起步。不过，也正是这些问题的存在，更加坚定了笔者在艺术硕士教育阶段长期开展对传统环境营造文化的追本溯源教育和研究的决心。
作者:宋鸣笛 单位:深圳大学艺术设计学院
一、发现问题——高校动画人才与中国动画产业的错位
1.中国动画产业的现状近几年来，中国政府开始重视动画产业，为了使产业健康发展，一系列大力扶持政策相继出台。例如，《关于发展我国影视动画产业的若干意见》等。各地政府也加大力度扶持当地动画产业，形式上推动了动画产业的发展。但是中国动画产业的观念滞后，体制瓶颈以及严重抄袭等问题尚在，现在中国动画产业的发展还不够成熟，没有形成基本的产业链。但是，不成熟的产业也同时存在着很大的机遇，如何使中国动画产业良好、迅速的发展起来，归根结底还是要依靠优秀的动画人才。
2.高校动画毕业生在动画市场中所面临的问题动画产业中，最重要的组成部分是高素质的动画应用型人才，这批人是一部动画片的核心力量，决定了一部动画片的整体水平。而中国的动画人才正在逐步的流失。据报道，动漫前期规划和创作人才缺口非常大，我国目前培养的动漫人才以低端制作人员和高端纯研究人员为主，结构严重失衡，这也使我国动漫产业发展遭遇瓶颈。
二、分析问题——高校毕业生难于适应中国动画产业
1.动画教育中存在的问题（1）原创型人才培养匮乏中国动画市场沦落为动画加工工厂的原因主要是原创型人才的匮乏，一味地模仿国外动画，并不是中国动画的成功之路。如何培养原创型人才是中国动画教育的一大问题。许多专家表示：高校只是培养了不少动漫制作、技术人才，他们的教学方式过于教条，禁锢了学生的创造性思维，就形成动漫原创型、创意型人才极度匮乏的局面。（2）教学与市场脱节中国高校动画教学的普遍问题就是教学与市场的脱节，没有真正考察过市场，而是完全遵循课本的知识进行动画实验。这种闭门造车的做法，必然会使学生毕业后面对日新月异的动画市场手足无措。实践教学是学生在校期间与社会市场实践接触的最好机会，搞好实践教学是对培养学生的学习目的、学习意识、学习方法、专业技能以及就业意识等方面具有重要意义。但大多数高校动画产业的实践教学开展的并不理想，缺少真正的与产业接轨的实践教学。
三、解决问题——如何培养出适应中国动画产业的应用型人才
1.“产学研”一体化的教学模式改革在中国动画高校教育保持独立性的前提下把产业动画的项目搬到学校里来实践。在学校成立产业教研室、工作室，可以联合多所动画高校，根据各自特长分配具体动画项目，让学生毕业之前就可以直接投入产业适应动画市场。并且与企业合作参与最新技术项目的开发与实践，确保学生具备较强的动手技能、创新的思维和广阔的视野。在达到专业制作水平后，对于在实践过程中发现的问题进行研究。对研究结论以实验短片制作的形式进行检验。最后对检验结果进行论文总结，把研究成果应用于动画实践项目中去，形成教育模式的良性循环。
2.以动画产业需求制定课程标准对于新开设的动画专业艺术硕士培养课程应该根据动画产业的要求制定一个新的课程标准，这样才能确保高学历的动画人才在以后的动画产业中发挥关键性的作用，并能够远见卓识，高瞻远瞩的思考中国动画产业的长远发展。
（1）剧本、分镜头课程标准剧本与分镜头设计，都属于动画制作的前期流程，也是一部动画片的核心灵魂。这一部分是高学历的动画专业艺术硕士必须重点掌握的课程。动画剧本的课程要求动画艺术硕士在结课时必须按照剧本特点以及动画产业对剧本的具体要求进行剧本创作，剧本要求主题明确，以小见大，通过细节深挖角色性格特点，制造合理矛盾冲突。动画分镜头是动画项目中所有工作的依据，它不仅要求学生有较强的手绘能力来表现镜头，更考验学生对影视视听语言的掌握。这一课程对于高学历的动画专业艺术硕士尤为重要。对影视动画作品的特性充分了解后，才能更好地学习进一步的专业知识。
（2）动画造型设计课程标准动画造型设计课程的标准是要求学生能够创作出符合角色性格，并遵从动画整体风格的动画造型。动画企业对动画造型设计的要求实用性高，要求每个动画造型都能流畅的按照运动规律进行表演。对于动画专业艺术硕士来说，在设计动画造型时既要按照动画企业的严格要求，又要重点围绕动画角色的性格特点来设计角色。
（3）动画制作课程标准动画制作是中国动画高校教育最为重视的一部分内容，但是由于运动规律课程的枯燥、复杂，再加上市场上的动画师大多是没有接受过科班教育的从业者，薪资待遇也并不优厚，所以多数学生很难对其产生兴趣，甚至产生逆反心理，所以这一部分也是高校教育效果最差的一部分。动画专业艺术硕士应该熟悉掌握运动规律的特点，把握好动作以及镜头的节奏感。掌握这一部分专业知识与专业技能的最好途径，就是让学生直接跟随动画项目制作，以商业标准作为课程标准，作为学生毕业后，进入动画企业的一个突破口。
（4）后期剪辑课程标准学生应该正确认识后期剪辑。剪辑与创意是相辅相成的，如果有好的创意没有过硬的剪辑手段，就无法表达出自己的创意，反之再好的剪辑离开了创意，就只能是一种毫无意义的特效手段了。该课程要求动画艺术硕士运用自己熟悉的软件对同一视频素材进行不同节奏，形式的镜头组接，并且能够表达出不同的故事与情感。这样才能全面的掌握后期剪辑，适应动画企业对后期剪辑的要求。中国动画教育如何培养出真正的动画人才，归根结底还是要立足就业，培养有专业特色的动画人才，才能弥补当前中国对动画人才需求的缺口，从而提高动画专业学生的就业实力和专业特长。在开设动画艺术硕士后，为我国培养高素质动画人才提供了一个很好的平台。定位好高端动画人才，制定科学的动画培养模式才能依靠动画人才提高国产动画的质量，带动国内动画市场。
摘要：自2005年3月，国务院学位委员会第二十一次会议审议通过了《艺术硕士专业学位设置方案》以来，我国的艺术硕士专业学位点的数量逐年提高。无论是招生规模还是培养质量上。都有实质性的发展。但是在提高和发展的过程中还存在一些问题，本文以对艺术硕士教育模式的现状为立足点，找出问题所在并对其进行反思，希望对我国艺术硕士教育模式的发展起到更好的促进作用。
关键词：艺术硕士 教育模式 实践型 应用型
一、稳步前进的中国艺术硕士教育
为繁荣和发展我国文化事业，不断满足广大人民群众日益增长的文化需求，健全和完善国家艺术专门人才培养体系，培养适应社会、经济、文化和艺术事业发展需要的高层次、应用型艺术专门人才。2005年3月，国务院学位委员会第二十一次会议审议通过了《艺术硕士专业学位设置方案》，我国32所高等院校作为首批艺术硕士试点单位，开始了招生工作。
从2005年到2009年，我国已经有102所院校招收艺术硕士专业学位研究生，至2012年，全国专业硕士招生比例已经达到30%，2015年已经超过50%，为社会培养了大量的实践型高层次专业人才。处在探索中前进的我国艺术硕士教育取得了一定的成果，艺术硕士专业学位点已经初步形成规模，招考体系愈加规范、培养体系也逐步完善。
二、中国艺术硕士教育模式存在的问题
艺术硕士教育的发展有目共睹，但是毕竟创立时间短，培养体系还不够成熟，迅速发展的过程中，存在以下几个方面的问题。
（一）院校和招生人数大量扩招，体制保障未得到相应提高
2005年，全国首批招收艺术硕士的高校为32所，经过十年的发展，到2015年全国有200余所高校设立艺术硕士学位点，招生人数也直线上升，但相应的教学质量和保障体系并未得到提升。比如专业学位的导师队伍并不十分“专业”，在艺术硕士的培养方面，思想还停留在传统的理论型教学层面，与学术型研究生的培养没有清晰的区分开。艺术硕士是以培养高层次应用型人才为目标，根据这个目标要制定相应的培养方式。校外的实践基地也必不可少，但是目前大部分高校实践基地的设立并未得到保证。在艺术硕士的教育教学管理方面，学生越来越多，而相应的学科基础、办学条件，师资力量甚至还停留在原地，成为限制艺术硕士教育发展的短板。
（二）招生选拔制度不完善，“学术”与“专业”界限模糊
艺术硕士在招生和选拔方面，应该更关注学生的实践性和创造性，要与学术型注重理论这方面相区别开。虽然现在艺术硕士和学术型硕士的考试科目如英语在初试中有了区别，但是在复试中，学术型和专业型的考试内容并没有区分开来，也没有一些规范性的复试内容库。在应试教育这个大环境中，考生们一味的追求考试分数，于是就出现了初试分数高的考生，专业却很弱，而专业水平强的考生，却因为初试分数不佳而未能被选拔进来。所以在艺术硕士招生选拔制度方面，初试和复试，都该形成规范的制度体系，将学术型和专业型考生的界限区分开来，这样才更有利于艺术硕士的选拔。
（三）培养体系不完善，管理模式陈旧
在艺术硕士培养方面，如何培育“实践性和创新性”高层次人才，与市场所需人才相匹配，是首要目标。但是目前在艺术硕士培养方面，各个院校少有形成一个适合自己的实践与教学相结合的系统性的艺术硕士培养体系。在课程设置和教学内容上，对具体专业方向的定位不清晰，专业要求不到位，课程内容空泛都是培养体系不完善的表现。在研究生管理方面，一些高校的管理模式还和本科生管理模式一样。高校艺术硕士数量上的盲目扩招使学生数大量增加，而很多高校的研究生管理人员都是兼职，缺少专职研究生教务管理人员的直接后果就是管理效率低下，这些都制约了艺术硕士的教育培养体系的发展。
三、如何改进中国艺术硕士教育模式
1.与国际接轨，学习先进的教育模式。我国的艺术硕士起步较晚。我们起步的同时，欧美一些国家，比如美国就已经形成了体系比较健全的艺术硕士培养制度，美国的大多数综合性大学都设立了艺术硕士专业学位点，对艺术硕士培养标准都有详细的制度规定。在培养方面十分注重实践性和应用性，毕业标准和学位论文中十分注重设计作品和创作过程中所体现出的创作能力。虽然目前我国艺术硕士教育评价指标体系也逐渐规范，但是在熟练的实际运用方面还有路程要走。
2.培养过程中坚持以理论指导实践，加强对专业硕士理论素质的培养。艺术硕士和学术型硕士并不是相对的，学术型硕士要求理论知识为主，但是艺术硕士也不是一味的以实践型为标准进行培养，艺术创作的长远发展离不开艺术理论的支撑和熏陶，加强艺术硕士的文化理论培养，有助于艺术硕士在专业实践的道路上越走越长远。
3.搭建实践平台，实行院校和企业合作教学，大力发展校内艺术硕士实践基地，对艺术硕士的培养空间放至校外、省外、甚至是国外。学校和导师都可以将网络媒体运用起来，让学生可以通过网络远程教学等方式学习国内外一些先进的艺术专业课程，还可以积极鼓励学生参加全国的艺术专业比赛和各种学术交流。加强与国外高校的交流与合作，创造条件让学生走出国门，感受不同文化和体制下的艺术硕士教学氛围，提高专业和实践水平。
对艺术硕士专业学位教育模式的完善，是我国研究生教育事业发展和改革的客观需要，对我国文化事业发展繁荣起到重要的促进作用，我们应该加强对艺术硕士教育模式的重视，为社会培养更多高质量高水平的实践创新应用型高层次艺术人才。
摘要：随着社会文化的繁荣发展，社会对于高层次艺术人才的需求量逐渐增长，现有的人才结构已经无法满足实际发展的需求，高级艺术人才不仅需要具有较为扎实的艺术理论知识与技能，更要有一定的实践能力。全日制艺术硕士专业学位研究生教育逐渐在发展中担起了培养复合应用型高级艺术人才的重任，并在发展探索中逐步取得了一些成绩，但是其培养模式还存在一些不足，需要及时地进行改革，从而为我国培养更多的高级艺术应用人才，推动我国艺术文化事业的发展。本文分析了全日制艺术硕士专业学位研究生培养模式的不足之处，并进一步探讨了改革全日制艺术硕士专业学位研究生培养模式的途径。
关键词：全日制艺术硕士业学位；研究生；培养模式；改革
我国研究生教育经过近几年的探索与发展，在全日制艺术硕士专业学位研究生培养方面已经取得了一些成绩，但是由于缺乏成熟理体系的指导，在培养模式方面仍旧表现出一些不足之处，影响了我国全日制艺术硕士专业学位研究生的培养质量，因此应该构建完善的培养模式，以推进全日制艺术硕士专业学位研究生教育的持续发展。
一、全日制艺术硕士专业学位研究生培养模式的不足之处
1.发展规划目标不清晰，报考的动机不纯。我国社会长期以来受传统中重学术轻实践的观念影响，导致很多考生的报考动机不纯，大多数考生报考全日制艺术硕士专业学位研究生的主要目的是为了提升自身的学历而谋求更大的发展，而只有少数的考生报考全日制艺术硕士专业学位的目的是为了提升自身的实践应用能力，这就违背了我国全日制艺术硕士专业学位设立的初衷。全日制艺术硕士专业学位研究生的发展主要是为了向社会输送大量的复合应用型的高级艺术人才，以更好的适应社会文化发展需求，但是各个培养院校并没有明确发展观念，甚至没有制定明晰合理的培养规划以及发展目标，导致全日制艺术硕士专业学位研究生培养模式发展不成熟，所培养的学生实践能力不强，很难得到文化艺术单位以及社会的认可。
2.课程设置安排缺乏科学性。全日制艺术硕士专业学位研究生培养的主要目标是为了能够为艺术领域培养更多的应用型高层次人才，而为了实现这一目标需要依靠合理安排课程设置来实现，但是在全日制艺术硕士专业学位研究生培养中其课程安排缺乏科学性。而全日制艺术硕士专业学位研究生对于我国来说属于一种新生的事物，主要是为了满足社会文化发展的实际需求而设置的学位，其目标是为社会提供复合型应用型高级艺术人才。也正是由于全日制艺术硕士专业学位研究生培养在我国设置的时间不是很长，缺少相应的培养经验，在培养过程中主要采取传统的艺术学硕士的培养模式影响，培养课程设置上与艺术学硕士课程设置出现了雷同，这不仅会使全日制艺术硕士课程设置缺乏职业特色，而且可能由于理论性课程设置较多，而使基础相对薄弱的学生很难在短时间内掌握，无法实现培养与提升学生实践能力的目的。另外在全日制艺术硕士专业学位研究生课程设计中某些课程内容未能根据学科领域的发展而及时更新，导致课程内容相对陈旧，即使掌握这些内容也无法很好地应用于实践当中，不利于学生实践能力的提升，对教学质量造成很严重的影响。
3.专业导师队伍整体水平有待提高。随着全日制艺术硕士专业学位研究生教育规模的逐渐扩大，原有的导师队伍建设已经无法满足实际发展需求，这给全日制艺术硕士专业学位研究生培养造成很大的困难，全日制艺术硕士专业学位研究生与科学学位研究生区别在于需要双导师进行辅导，既要有学术水平较高的导师辅导学生的基础理论，又需要艺术专业实践导师辅导学生的艺术实践，但是由于艺术院校导师人数不足、经费不足以及忽视对实践能力的培养等原因，学校并没有专门安排或者较少安排校外具有丰富艺术实践经验的导师，再加上校内艺术专业导师基本上是直接从学生过渡到导师，自身的实践能力不足，对于目前艺术领域的发展行情并不是很了解，因此所培养出的学生有可能由于脱离了实践而无法成为复合应用型高层次人才。
二、改革全日制艺术硕士专业学位研究生培养模式的途径
全日制艺术硕士专业学位研究生培养的主要目标是为了社会文化繁荣培养大量复合应用型高级人才，以促进社会文化的繁荣发展，因此培养的质量直接关系着社会文化繁荣发展的程度，因此要逐步改革培养模式，使培养质量得到提升。
1.明确培养的方向，确定科学的培养理念。明确全日制艺术硕士专业学位研究生培养的方向是提升培养质量的关键所在，目前全日制艺术硕士专业学位研究生所招生的主要对象是全日制应届艺术本科毕业生，这些学生的实践经验以及工作经历并不是很丰富，对于社会文化的发展认识不够，很可能无法认识到自身的专业与工作之间的必然联系，因此学生的学习目标也不是很明确，他们更加关心自身的学历与知识能够为自身今后的就业带来的实惠，针对这一情况需要培养单位明确科学的培养方向，制定科学的发展目标，既不能够偏离全日制专业学位所具有的特色，更要突出所具有职业特点。而为了达到这样的要求需要摒弃传统中的重学术轻实践的思想观念，根据艺术专业学位教育的发展规律以及市场发展需求为导向，确定发展的方向，促使培养的质量得到有效的提升，培养更多的复合应用型高级艺术人才，满足社会文化发展的需求。
2.对课程设置进行合理优化。全日制艺术硕士专业学位研究生课程设置更应该主要突出实践能力以及创新能力，因此在课程设置当中可以适当地增加艺术实践类课程，基础性课程可以根据培养目标以及学生的实际情况适当减少，对于全日制艺术硕士专业学位研究生来说其专业基础性内容已经具有相当的水平，而且学生在本科阶段课程主要是基础性课程，而实践机会相对较少，导致学生的实践能力不是很高。为了改善这一情况，在专业学位研究生攻读阶段有必要增加实践类的课程，使学生的实践能力得到有效增强，从而实现全日制艺术硕士专业学位专业设立的最终目的，培养出优秀的艺术高级人才促进社会文化得繁荣发展。
3.加大实践基地的建设力度。实践基地是学生提升实践能力、培养社会适应能力的主要场所，因此在全日制艺术硕士专业学位研究生培养中尤为重要，各培养院校可以从两个方面入手，首先要适当地增加校内实践基地建设的投入，完善校内实践基地条件，并要完善实践活动制度，为学生营造良好的职业环境氛围。其次逐步拓展校外实践基础，可以加强与校外对口行业之间的联系，学生可以在校外实践基地完成实践教学环节，比如说：音乐艺术院校可以与部级或者是省级的大剧院、音乐厅以及专业乐团乐队等建立长期合作关系，并利用演出平台增加学生锻炼实际的机会，提升他们的实践能力。另外也可以高校与高校之间共同联合共建实践基地，从而更好地发挥各自的培养特色，提升培养质量。
4.提升导师队伍整体水平。导师在全日制艺术硕士专业学位研究生培养发挥着重要作用，因此培养院校要重视提升导师队伍整体水平。培养院校要健全双导师制度，校内导师可由培养院校直接培养，校外导师可以由经验丰富或者是具有高级职称的文艺专业导师或者团体来共同指导，从而增强导师队伍的学术含量以及表演实践能力等。研究生的培养工作主要有校内导师完成，比如：研究生的基础课程、学位论文、写作答辩以及专业技能等，校外导师主要负责提升学生的实践能力，形成校内导师为主、校内外导师共同参与的局面，进而有效地提升培养质量，培养出复合应用型高级艺术人才满足社会文化发展的实际需求。
总之，全日制艺术硕士专业学位研究生培养模式改革的主要目的是为我国文化艺术的发展培养出更多的复合应用型高级艺术人才，促进我国文化艺术的繁荣，这就需要我国专业学位研究生培养院校要明确培养的方向，确定科学的培养理念，对课程设置进行合理优化，加大实践基地的建设力度，提升导师队伍整体水平，制定更加科学合理的并符合我国国情的培养模式，促使我国社会艺术文化的繁荣发展。
摘 要： 艺术硕士专业的设立，为社会各界从事艺术生产和创作的中青年艺术家搭建了理想的平台。他们冀希望在艺术院校得到更有针对性系统教育，使自己的艺术素养、审美能力、艺术理解能力、艺术创作水平有一个新的突破。
关键词: 艺术硕士；人文素质；创新
艺术硕士专业学位研究生（MFA）教育，属于高层次艺术人才培养体系，是我国艺术学学位与研究生教育改革的重要内容。这一制度的设立，为解决艺术领域内大量优秀艺术家，获得与其能力及贡献相称的文化身份，架起了一座金色的桥梁。作为文化艺术人才摇篮的艺术院校，利用其人才培养、艺术创作、艺术科研等方面的优势，开展艺术硕士教育，对教学双方来说无疑是极好的机遇。南京大学美术研究院至今已招生三届，共75名美术专业学员入学，其中雕塑、国画、油画专业人员有50多人，此外还有版画、书法、设计等相关专业的美术人员。在这批学员中从事美术教学的高校教师和文化部门专业人员占60%以上。他们有机会进入艺术殿堂接受教育，心中充满喜悦，有着非常明确的学习目的，迫切需要在理论修养、艺术实践、风格培养、艺术创新等方面得到提高和加强，努力使自己的艺术素养、审美和创作能力有一个新的突破,为今后的艺术发展之路注入新活力。
一、艺术硕士教育需要“广博至深”的人文素质
艺术硕士作为新类型的研究生教育，其所教育的对象主要是社会各界从事艺术生产和创作的中青年艺术家。他们有比较扎实的专业技能，实践性和应用性都比较强，需要多方面理论知识来滋养和充实自己。注重人文教育是大学永恒的使命。徐悲鸿先生常说：一个画家，不仅要有坚实的绘画基础，同时必须读万卷书行万里路，将胸襟开阔，以洞察万物，研究事物的奥妙细理，理解客观的规律。这样才能做到尽精刻微地表现对象，达到艺术的极致。为此，艺术院校应当注重把专业理论教育与人文教育紧密结合起来。作为一名合格的艺术硕士，必须具备综合的人文素质，包括良好的思想道德品质；高尚的理想情操；广博的理论知识；精湛的艺术才能；健康的体魄和心理。素质越高，获取和创造新知识的能力越强，抗拒挫折和失败的能力越强。19世纪英国著名教育家纽曼曾认为，受到完备的人文教育会使人“拥有受过教养的心智,精致的品位,正直、公平和冷静的头脑,以及生活行动中的高贵而又有理性的姿态”。我想每个学员都希望通过几年的学习，使自己成为“具有一种经过训练的理智，一种文雅的举止，一种高尚的和谦恭的行为，能够把自身的美好散布到周围四方”。
南京大学美术学院在培养艺术硕士上充分依托其雄厚的师资力量和深厚文学、历史、哲学背景，把人文素质教育纳入整个课程体系之中，重点培养学员的综合素养。学员入学之初，他们就比较系统地向大家介绍学校的历史、学校特色和影响，组织学员参观南京大学历史博物馆。把“诚朴雄伟，励学敦行”的百年传统与南大校训，作为入学第一课，以增强学员的认知度、荣誉感和使命感。利用南大自身的资源优势，邀请相关学科的专业导师、教授进行讲座，拓宽视野，活跃思维和创造能力。主动帮助每个学员办理图书借阅证，引导学员合理安排时间，实施有计划的阅读，使大家在阅读中陶冶情操，提升精神境界。南京大学美术研究院院长吴为山教授认为，就艺术硕士而言，不是进行单一的知识积累和技能培训，而是侧重于培养学员富有想象力和创造力。因为只有受到良好人文教育的人，思想才有超越意识,才有责任感和使命感,才能更好地发挥美术专业为社会主义服务、为人民服务的功能。
二、艺术硕士教育需要“与时俱进”的艺术实践
艺术硕士凭借多年专业岗位的炼就和成熟，他们对艺术实践的认识和理解有一定的深度，但更需要一种与时俱进的实践能力，一种在理论积累、心胸开阔、眼界拓宽后的实际运用。他们渴望借助艺术院校的平台，进一步提高自身的专业素质和技能，渴望在艺术实践中通过智慧的双手，把握和驾驭艺术之舟，创作出无愧于时代和民族的优秀作品，为社会主义文化的大繁荣大发展作出贡献。
毫无疑问，这对艺术院校本身提出了更高的要求，特别是如何在课程设置和教学方法上突出“实践性”。德国包豪斯艺术设计学校创建初期，教学上采用“双轨制教学”，即每一门课程都由一位“造型教师”和一位“技术教师”共同教授，使学生共同接受艺术与技术的双重影响。如今在高校系统出现的“理论教学”和“工作室教学”相结合的教学模式，应当说很有现实意义。南京大学美术学院在培养艺术硕士实践能力上，注重理论与实践相结合，突出艺术硕士教育的实践性，有效地将传统意义的讲授课堂，由平面的教学形式改造成立体化，打破以艺术表现的单一教学模式。一是在课程设置上紧扣专业特点，强调应用性和广泛性，合理规划核心课程、方向必修课程和选修课程。二是在教学方法上采取课堂讲授与集体训练、艺术实践等相结合的方式，把书画理论与实践融合在一起，做到有的放矢，深入浅出。授课教师不仅有校内高水平的艺术家和学术理论专家，也有在实践上有丰富经验的各艺术门类的领军人物。三是在师生关系上注重协调统一，老师个人工作室随时向学员们开放，使艺术教育更加完善、和谐和有效。学院着眼于培养高层次应用型人才的目标，千方百计地让学员们接触最新的艺术动态，把学习到的具有应用价值的新鲜技能，吸收到创作实践中。积极鼓励学员除了集中学习之外，利用工作岗位之需或节假日参与社会实践，教学成果比较显著。就读于南京大学美术研究院的艺术硕士杨振庭，出生于上世纪50年代，早已在美术教育界有了一定的名声，并且在徐州师范大学美术学院担任副院长、硕士生导师。用他的话说，“很珍惜这样一个好的学习、交流和实践的机会，不仅提高了绘画技巧，绘画理念和情感也上了一个台阶”。
三、艺术硕士教育需要“张扬个性”的风格培养
个性是艺术作品的生命，没有个性的艺术品是没有感染力的。所以，追求作品的创造性成为每个艺术家梦寐以求的目标。当前是一个开放的世界，文化的多元化极大地丰富了学员的视角。要想在艺术殿堂成长进步，学员就必须在学习老师、名家、大师的同时,又能凸显自己的个性。法国巴黎国立高等美术学院院长亨利•克劳德•古索认为，学校应该培养各种年轻艺术家，教授他们国际范围的艺术内容，让他们用自己的语言解读这些文化。最终，在共性文化圈下，年轻艺术家能更清晰地认识本土传统文化，拥有独特的文化个性。
优秀的艺术家不但能够全面地掌握绘画技术，而且在其艺术表现中有着十分鲜明独特的艺术风格。这种创作风格，往往统一于艺术作品的内容与形式、思想与艺术之中，是艺术家走向成熟的重要标志，也是衡量艺术作品在艺术上的成败、优劣的重要标准和尺度。有专家认为，在绘画艺术领域里成为一个一流的画匠很容易，成为一个真正的画家就不那么简单了。若称之为大师仅有独特的艺术风格还不够，同时还要建立起独立的艺术体系与艺术理论，这就需要画家在此基础上，还要具备深厚的文、史、哲等其他学科的知识，才有可能登上大师的台阶。现代著名中国画大师陆俨少以书法线条入画，傅抱石的散笔皴法，李可染的大胆泼墨等等，都具有鲜明的艺术个性。因此，如何才能将艺术硕士教育更好地定位于高层次的人才，必须善于发现和把握他们的个人风格特点或形成其个性特点的倾向，做到因势利导，在未来的艺术作品中创造自己的艺术语言，形成自己的艺术风格。
艺术个性是创新的起点，教学时应当尊重学员的个性，贯彻个性化教育。南京大学美术研究院针对学员来自工作一线，有一定资历和阅历的特点，在集中辅导的同时，还根据各个人不同专业、不同业绩、不同特点加以个别指导。每次集中授课都要求学员带来自己的习作，并适时进行点评，甚至启发大家共同讨论，允许各抒己见，帮助分析优势和不足，以促进其个人特色和风格的形成。
四、艺术硕士教育需要“超越自我”的创新能力
创新是所有艺术院校承担的历史责任。艺术院校要把增强自主创新能力作为艺术硕士教育的核心与源泉；把崇尚学术、勤于实践，大胆质疑、敢于批判，突出个性、勇于求新，作为新时期艺术家追求的目标。当然，最有意义的也是最难做到的是艺术家的清明意识，尤其是对自我局限性的超越。如何才能超越自我，唯一的出路在于创新。
营造创新环境。良好的创新氛围对人的精神、气质、心理、行为有着启迪和影响作用。艺术的繁荣需要文明和谐的社会条件，需要没有人为的限制和禁忌，需要各种创新思维的艺术实践能够得到包容和尊重。因此，艺术院校要努力营造一个积极向上、自由活跃、平等交流、和谐奋进、相互学习、相互激励的人文环境，引导学员坚持主流文化价值的认同、追求真善美，正确对待当前美术界出现的思想迷惘、人心浮躁、热衷炒作的现象。
培养创新思维。创新思维是人类最高层次的思维，是构成创造力的核心内容。培养和激发学员的创新能力，必须要有牢固的创新意识，这是培养服务于社会的高素质艺术人才的先决条件。“其命唯新”是傅抱石先生的毕生追求。他不仅探索形式上的“新”，而且注意表现内容上的“新”,许多反映新生活、新建设的画幅，在他笔下清新隽永，寓于时代感。当然提倡创新绝不是丢失传统，只有立足于对传统文化传承和保护基础上的创新，才具有生命力和影响力。日本东京艺术大学副校长田渊敏男说：“现在艺术界都在朝创新发展，但不保留传统怎能走向创新？就如日本的动漫，虽然世界闻名，但这些优秀的动漫作品都是传统下的产物，在这些动漫作品背后都能发现日本‘江户时代’传统的影子。”艺术需要兼收并蓄，需要面向国际，但必须有民族性和本土化特征。
探索创新方法。没有创新观念和意识，没有科学的训练方法，其创造潜力难以被充分挖掘。因此，创新必须从教学方法改革入手，将以知识灌输为主的教学方法转变为启发式、讨论式、互动式、研究式等教学方法，以启迪学生的创新思维。创新能力需要在实践中磨砺，在创作中提高。南京大学美术学院适时组织学员到大自然中去、到火热的社会生活中去进行写生创作，师生一起共同参与、共同学习、共同讨论，使学习的形式更加生动活泼、更有新鲜感、更能激发创新的智慧。
搭建创新平台。南京大学美术研究院依托江苏省美术馆、江苏省国画院等艺术单位，建立社会实践基地，让学员参加一些重大的社会服务活动。学院及时通过各种渠道通报全省、全国和国际性的书画艺术竞赛和学术交流活动，鼓励师生深入创作，以优质一流的作品积极参与。2007年，学院在江苏美术馆举行了名为“意象金陵”的教学汇报展，学员们的作品无论是在传统的继承上还是创新上，均呈现出新的气象，在江苏美术界产生了不小的影响。南京大学美术研究院院长吴为山教授深有感触地说：“艺术硕士的培养带动了学院整个研究生层次的教学，使得学院的学术气氛和实践水平都得到了提升”。
摘要：随着我国教学体制和学位制度改革的深入，一批具有特定职业背景的学科先后引入了专业学位研究生教育模式培养，2005年开始设置了该专业，其培养目标是高层次、应用型艺术专门人才，学科领域包括音乐、舞蹈、戏剧、电影等，教学水准和培养目标上都更符合学科的规律，属于我国艺术学科自身的一个硕士学位，是与国际接轨的艺术表演与创作领域的专业学位，艺术硕士学位教育使艺术类研究生教育有继续扩大的趋势。
关键词：艺术教育；音乐艺术；艺硕课程；小剧场；歌剧创作；排练；教育实践
艺术硕士声乐表演专业在欧美国家是一个发展得比较成熟的课程，在美国多数综合大学的艺术院系都有设置，课程注重以实践过程中所体现的艺术创作技能和表现技能来考察学生的综合能力，并即时修订最切合实际的教学计划使课程内容丰富多彩，毕业以作品展映和演出为主，结合演出再完成专业艺术分析总结论文给予学位。奥地利维也纳音乐表演大学和德国法兰克福大学在本专业课程设置上实践课占80％。我国从2005年开始设置艺术硕士专业，培养目标是高层次、应用型艺术专门人才，学科领域包括音乐、舞蹈、戏剧、电影等。全国各艺术院校的硕士点根据本校的软硬件设施，开设了各种不同类型的课程，培养出一批优秀的毕业生，董卿、朱军、王宏伟、孙砾等目前活跃在舞台的年轻艺术家都是艺术表演专业的首批硕七毕业生。20t0年5月，教育部在国家大剧院举行音乐院校艺术表演硕士研究生展演活动，并取得了很大反响。
2009年底，经过两年的不懈努力，河北师范大学终于成功申请了艺术表演专业硕士授于点。如何根据现有的师资力量设置一套科学创新内容丰富开展新颖的声乐表演课程体系是当务之急。
一、课程设置
本课程内容设计原则均以能反映发展方向重点为目标最大特点为领域方向课和选修课，学时量非常大。声乐方向课程中还应设立中国音乐欣赏、外国古典时期的海顿、莫扎特、贝多芬、门德尔松、舒曼、舒柏特等专家的声乐作品研究等等。
1、共同必修课。研一、研二、研三：马克思文艺理论、艺术概论、音乐表演美学、英语。2、专业必修课。研一、研二、研三：声乐技法、声乐与表演理论、声乐作品背景解析、意德法艺术歌曲演唱、中国民族歌曲演唱、音乐会的设计表演、外国声乐发展史、中国声乐发展史。3、选修课程。整场声乐演唱音乐会设计、音乐会声乐伴奏合练、声乐表演的录音录像、音乐视觉听觉研究、表演艺术化妆与服装设计、舞台形体训练。
研究生使用的专业教材为国内正式出版的权威性教材。课时安排为每学期38课时，第1、2学年主要倾向技法教学，提高其演唱能力，第3学年着重理论研究，辅导学生完成及论文写作。声乐演唱是一种文化而不仅仅是一门技术，本文希望通过各种音乐技巧包括钢琴、听觉训练、合唱、和声、复调、作品分析、配器法、中外音乐史、音乐表演与剧场，特别是对本民族的音乐特点作深刻的了解，还要求学生具备广博的文艺知识和美学修养，使理论与实践相结合以培养出合格的高层次艺术人才。
准确定位、规范管理、积极探索、稳步发展，我们培养的目标是国家经济文化社会建没需要的高层次类型、专业性演唱人才。大量设置方向性课程和丰富多彩的选修课，注重学生的专业修养和表演的训练，在以实践为主的基础上，通过对一系列课程的学习，提高个人的表现能力和创作研究能力，课程鼓励和教育学生在表演中应用创新举行不同方向的专业比赛，一些顶尖课程可聘请国际上享有高知名度的专家、学者、研究人员参与，通过对该系列课程的学习，提高学生的思考、实践和理论能力，从而对表演艺术有一个更深层次的了解。广泛搜索同内外本专业资料，整理出题纲后组织本系十位硕士生导师进行反复讨论、论证并加紧同国际、国内的同行进行交流，借鉴优秀的教学方式方法。既要保持传统的培养模式，技法实践课程占一半，又要积极进行课程开发，增加声乐作品演唱技能，创作表演和唱片录音，增加了对硕士生导师的专业教学水平的更高要求，特别是舞台表演的经验。
新课程设置的创新点在于大量设置了专业方向课程和选修方向课程，知识能力统一，音乐性与技术统一，感性与理性统一，教育过程与教学效果统一。在部分专业巾推行工作室制，增强教师教育教学，作曲、演唱、演奏、表演等能力，使培养的学生是一个优秀的音乐人才并具备扎实的专业功底和敢于创新、善于创新的素质。为了保证和提升研究生教育的质量，借鉴国外院校先进经验结合本院实际，以立足研究，强化和满足利：会人才需求的三项原则，我们定期调整完善各专业研究方向的培养方案，加大艺术实践的学分，定期聘请国内外专家来院讲学，指导排练等实践作品，定期举办研究生沙龙、给导师传授和学生自主学习提供平台，研究生的科研成果与表演奖项，要成为学分，奖励表演类导师提高理论研究水平，强化全体导师的带教责任、有效提高研究生的表演能力。以上定为艺硕教育的新导向。
二、小剧场歌剧是表演专业艺硕实践的最新途径
与传统大歌剧相比，小剧场歌剧具有一种天然的活力和亲和力，演员近在咫尺的表演能够让观众更直观体验到歌剧的魅力。打造别致的小剧场作品，也是希望为观众展现歌剧艺术的多种可能性。小剧场歌剧，顾名思义是相对于传统大剧场歌剧而言的，其特点是表演空间小，二是演员与观众接近，二三是先进性强，经典故事“摩登”演绎。
歌剧是将音乐(声乐与器乐)、戏剧(剧本与表演)、文学(涛歌)、舞蹈(民间舞与芭蕾)、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成(有时也用说白和朗诵)。大型的完整的歌剧表演生动形象地表现了歌剧的故事情节和艺术特点。使人震惊。但是，由于大型歌剧在场景布局等资金方面投入太多的局限性，使得小剧场歌剧更适合我们艺术硕士生的接触和排练。
所谓“小剧场歌剧”，是一种具有时代特色的新兴歌剧样式，它与西方的“室内歌剧”和我国的“小剧场话剧”都有着一定程度的联系。所谓“室内歌剧”，是20世纪上叶出现的、为较少演员和交响乐队而作的，适合在比大剧院气氛更亲切的小型场所演出的一种歌剧样式。它是在坚持西方传统大型歌剧的审美取向和创作原则基础上的一种变体，它和大型歌剧一样，离不开宏大叙事的话语系统，离不开复杂而具有高度戏剧表现力的音乐声响系统，且从不排除在大型场所演出。相比之下，小剧场歌剧则不然，小剧场歌剧有“角色少”、“乐队小”两个特点。剧中演员角色少，表演空间小，演员与观众近距离。在“小剧场”里，特定的狭小空间可以使舞台与坐席的界线模糊，可以使演员与观众的距离拉近。因此，对于“小剧场”关于“小”的追求，导致创作理念的深层变化，而这种变化，又将促使“小剧场”作品的戏剧结构、话语系统、音乐写法、舞台调度、演唱状态，以及服装、道具、舞美、灯光等等方面的相应变化。
艺术硕士排练小剧场歌剧表演应注意以下几个方面。
(一)演员表演上的要求。
(二)演唱表演形式。可以使用对话或旁白、或者可以彻底取消宣叙性吟唱，这样就更有利于推动故事情节展开、加快戏剧节奏、方便时空转换，使得观众可以彻底在狭小的空间里迅速适应场景的转变，理解故事情节的发展。
(三)诵者。可以加入一个特殊的角色，即“诵者”。对于“小剧场歌剧”而言，诵者这个角色不仅可以弥合情节板块交替时可能产生的“结构缝隙”，同时也给戏剧结构和舞台呈现注入了有意味的变化。诵者在舞台上可以担负双重使命：或是上舞台扮作剧中的人物，或是在台上旁白，无论他在哪个位置都始终是只说不唱。他的作用有三方面：
第一，诵者的独白或角色性对话，可使主要角色以对话代替宣叙调的做法更为合理。第二，由于有了诵者，歌剧的开展获得了极大的时空自由。各种场景的转换，仅由诵者的寥寥数语就能很好地完成，短短几句话，就可以引出一个重要的事件或意义重大的背景，可减少场景布置的投入。第三，依照剧情的开展可使诵者变换身份，给同在舞台上的乐手能适时参与剧情找出了依据。诵者在舞台上变换身份的即兴表演，可以使剧情表现、发展得更自然。
(四)音乐的处理。音乐作品要尽可能争取更广泛的听众，是大多数作曲家共同追求的一个目标。音乐在歌剧中发挥着到头生分的作用。在符合剧情内容和剧本风格的前提下，尽可能缩短音乐效果与大众审美习惯间的距离，让歌剧也能成为更多人可以且乐意欣赏的艺术。
(五)人声技巧的运用。歌剧中，特别是以独唱、重唱为主的歌剧，人声的技巧处理运用是十分重要的。人声的处理要细致，包括节奏长短、气息转换，词曲结合、调性变换、密度变化等各个方面，充分发挥声或声乐技巧，有难有易，才能更广泛地被观众接受。
小剧场歌剧演出实践的优点一是在于它与学生近，易沟通，感染性强，容易引起观众共鸣，二是学生学习压力大，小剧场话剧节奏轻松，大都选材于现代都市生活，小剧场话剧小舞台制作，小投入创作，周期短，形式活跃，检验了成果，激发了学生对歌剧的浓厚兴趣，同时对于强化学生表演综合技能与创新思维的训练，为学生未来的歌剧表演打下基础。
摘 要:对中国服装专业硕士研究生培养现状进行分析,探讨了如何加强对服装艺术设计硕士研究生创新能力培养,特别是以服装板型设计为研究方向的研究生。培养出我国服装业急需的高级复合型人才。
关键词:服装艺术设计专业;研究生教育;板型设计;创新能力
当前中国服装专业硕士研究生教育面临着研究生教育规模的扩大与研究生培养质量的提高如何与社会需求协调发展的重大问题。要提高研究生培养质量,还在于改革现有的培养制度中不适应社会生产力发展的部分,改革培养模式,推进研究生教育创新工程。研究生教育是培养高层次人才、推动先进生产力和先进文化、实现国家持续快速发展的重要力量,是当代科技和人才竞争的重要阵地。服装专业硕士研究生的培养教育要求研究生了解学科发展现状和动向,具有从事本学科领域内科学研究,教学工作、独立担负专门研究工作能力。具有较强的发现问题、分析问题、解决问题的能力,具有较强的敬业精神和开拓创新精神。既具有国际文化视野和中国传统文化底蕴,又具有扎实的专业知识和艺术理论修养,素质高、创新能力强的研究型人才。
一、中国服装艺术设计专业硕士研究生教育培养现状
在中国,服装设计专业进入大专院校是从1982年中央工艺美术学院开设了国内第一个服装短训班、1983年苏州丝绸工学院开设了服装教育的第一个本科专业开始的,她们引领了中国服装高等教育发展的进程。20多年以来中国的服装设计教育培养了一大批的服装设计师和专业技术人才。全国服装企业中出自高校服装设计专业的优秀人才比比皆是,已经形成了一支庞大的设计与技术队伍。设计教育取得了不可低估的成就,已成为服装产业迅速发展的生力军。服装专业硕士研究生的培养从起步到发展,仅仅只有几年的时间。服装专业由于受美术教育的影响较大,服装设计专业教学重视服装画及其表现手法,轻视服装板型与工艺,存在教学内容陈旧、课程内容设置与社会需求不相吻合、毕业生就业后不能直接进人生产的各个环节等一系列问题。加上研究生招生主要考核的是英语和政治,加试专业,导致所招研究生的专业水平普遍一般,专业水平相对高一点的本科学生,由于英语成绩不佳,而考不上研究生,因此失去继续深造的机会。有的学生,根本不是服装专业的本科生,由于英语考试成绩不错,居然也考上了服装专业研究生。也就是说,考上研究生的学生,并不一定是服装专业中专业水平真正拔尖的人才。在研究生三年的学习中,由于重复的多门文化课程的学习,没有能够让研究生静下心来研究专业,研究生毕业以后,还是面临就业难的问题。面对新的形势,中国服装专业硕士研究生教育与培养模式必须加快改革,打破原有的旧模式,调整课程内容,改进教学方法,强化实践教学,只有这样,才能实现其培养目标。
二、研究生板型设计与创新能力的培养
我国硕士研究生的培养目标,一是对专业知识的掌握,二是科研工作能力的培养。除了专业学习以外,全日制研究生一般都采用学术型的培养模式。学术型研究生培养的第一个目的实现一般是通过课程教学来进行。因此课程教学依然是研究生教育的重要手段之一。对服装专业研究生而言,服装结构设计是一个中间环节,具有承上启下的作用。一方面它是款式设计得以实现的结构基础,是服装立体造型的平面展开;另一方面它是服装加工制作赖以进行的物质技术条件。因此,服装结构设计的质量如何,将直接影响服装成品的品质。正是服装结构设计这种举足轻重的作用,使之被纳为服装专业的主干课程之一。服装结构设计课程的教学旨在使学生系统地学习结构设计的理论,包括对人体及其与服装关系的研究、基本纸样、省、各部位结构设计。它是一门综合性学科,涵盖了数学、力学、人体工程学、造型学、美学、传播学、材料学、市场学等。服装结构设计作为服装设计专业的三大主干课之一,它有着举足轻重的作用。它的好坏直接影响整个服装设计专业的教学质量,同时也直接影响学生动手实践能力的培养。原理、相关结构线服装结构设计作为服装工重要组成部分,它既是款式造型设计的延伸和发展,又是工艺设计的准备和基础。它要将服装造型设计所确定的立体形态的服装轮廓造型和细部造型分解成平面的结构衣片,揭示出服装各部位的形状、数量吻合关系,整体与局部吻合关系,修正款式造型设计图中的不可分解部分,设计出各处的结构合理关系,从而使服装造型趋于合理完美。可以说,结构设计的优劣直接关系到服装的品质,所以很有必要对服装结构设计的难点进行归制版师必须从中理解设计师究竟想表现些什么 ,并把它变成技术性的图纸 ,使它最终成为立体的、动态的时装。即是说 ,服装制板师的责任是将服装设计师的理念转化为可现实操作的服装样式。一个成功的设计师身边 ,必有一个与他心意相通的结构设计师。从这个意义上说 ,服装结构设计师是服装设计与生产的桥梁。服装结构设计师在当今社会里人们俗称板师。20多年以来,由于受艺术教育的影响,从教师到学生对服装设计的重视程度远远超过了对服装板型的设计,导致我国的服装业高水平的服装板师奇缺。严重制约我国服装业的发展。服装专业研究生在板型设计方面知识欠缺。因此,加强对研究生板型设计与创新能力的培养,已经成为当务之急。
三、建立适应中国服装行业人才需求的针对性教育模式
创造学的创始人美国创造工程学家奥斯本在1941年出版的《思考的方法》一书中提出创造学的主要研究内容有三点,创造力的探索;创造性思维的研究;“创造型”人才的探讨。“创造型”人才知识面广,思路敏捷,预见性强,有胆有识,不守陈规,自信心强,有责任感,坚忍不拔。有的研究者指出,“创造型”人才应有敏锐的探索问题的能力,统摄思维活动的能力,经验移位的能力,侧向思维的能力,形象思维的能力,联想的能力,博闻强记的能力,灵活思维的能力,较强的评价能力,“联结”和“反联结”的能力,科学预见的能力,运用语言的能力和善始善终的能力。服装专业研究生在读阶段一个很重要的学习手段是参加学术研讨会或学术报告,以及大量地收集和阅读与其研究方向相关的文献。鼓励研究生积极参加各种学术活动,了解前人的研究成果、接受最新服装知识,掌握国际研究前沿最新动态,研究生若能从相关的论文或专著等文献中获取和整理出系统的知识,那么研究生的综合与归纳能力必将得到极大的提高。
服装专业研究生在板型设计方面的探讨研究,首先要定位。服装分类比较细,大至分男装、女装、童装、针织服装、内衣、羽绒服等几个类别。在板型设计要求方面,是大不一样的。除此以外,即使选择针对女装板型进行研究,最好在细一点,是女上衣、还是裙装、裤子类。选题尽可能小一点,把问题研究透彻,才会有所发现、有所创新。有很多研究生由于选题过大,导致无法展开,说不清楚,最后反复改选题,浪费了很多时间。最好参与导师的科研项目进行研究。具体的研究一个问题。很多国外的著名品牌的服装,市场卖价高,除品牌本身的价值以外,那就是服装板型好,消费者穿上身效果非常好,我们应该注意这个事实。
韩国服装专业研究生培养也有我国的类似问题,但是,他们在大型服装企业的支持下,很好的解决了这个问题:经验是,第一年跟着老师学习,第二年开始参与导师的科研项目,导师根据研究生的贡献,给以适当的报酬,激发了研究生的学习热情。第三年,研究生就开始承接项目自己单独完成。研究生毕业以后,很多企业需要,有的甚至提前预定。笔者就相关问题考察过意大利、法国、德国、美国、日本等国家,在他们看来,一件衣服有十几种方法可以裁出来,用什么方法裁,能够又快又好的打出优质板型,是需要深入细致研究的。他们的经验归纳起来有六点:一是培养目标明确。二是重视实践环节。关注教学与社会的密切联系。聘请企业经理参与教学,由主讲老师给定讲课内容,企业经理则根据要求准备,他们的讲课直观,生动,形象,尤其是大量的鲜活案例和生产案例,比单纯的理论更有利于学生对理论知识的理解。在研究生学习期间,学校通过各种途径让研究生参与社会实践与企业进行联系。三是教学形式多样化。一般大课在阶梯教室授课,再进行小型的讨论,以学生发言为主体,教师做指导点评。四是互动教学与启发性教学相结合。五是强化学生的社会责任感和团队意识。六是教学规范化。
四、结语
中国服装专业硕士研究生的培养起步晚,有较多的问题需要探讨研究,对于选修方向是服装设计与板型研究的研究生而言,只有加强对研究生板型设计与创新能力的培养,引导他们少走弯路,才能更好地改变中国服装行业高级服装板师奇缺的现状。只有这样,才能提高我国服装产品的附加值,加强国际市场竞争力。
摘要：德国柏林艺术大学在MFA教育上有着鲜明的特色，在人才培养上取得了突出的成果，其在教育目标、课程设置、人才培养方案、学位授予考核等诸多方面做出了大胆的创新，成为国际MFA教育的典范。解析其在MFA教育上的成功做法，不仅可以为我国艺术硕士未来的发展提供新的思路，而且对人才培养方案的改革、学位点评估等诸多方面提供有益经验及启示。
关键词：柏林艺术大学；MFA；教育
MFA，艺术硕士专业学位，英文名称为Master of Fine Arts，简称MFA。其涵盖的范围包括音乐、舞蹈、戏剧、美术设计、电影、新媒体等诸多艺术领域。德国艺术院校协会（The College Art Association）对MFA的培养规格有着明文规定：“MFA，不仅仅是一种艺术专业硕士水平及能力的证明，在艺术教育领域，它却是一种最高学位，其含金量并不低于学术型的硕士及博士学位，因为MFA获得者不仅有扎实的理论功底，并且还具备超越常人的艺术创新能力。”[1]
德国柏林艺术大学是位于德国境内柏林州的一所标准艺术类综合性大学。虽然学校规模不大，但是办学历史悠久，最早可以追溯到公元1696年。柏林艺术大学目前涵盖了绘画、艺术设计、音乐、表演等多个艺术门类；人才培养层次较高，类型齐备；学科覆盖面广。MFA教育在德国开展最早，无论是课程设置、人才培养目标、学位授予的考核环节上都非常有特色，考察并分析它在MFA教育上的种种举措，对我国艺术硕士教育未来的发展具有重要的启示意义。
一、人才培养目标
德国柏林艺术大学对MFA的总体定位目标为“鼓励学生运用不同的艺术创作手段在艺术各个领域中发挥个性”，“结合新时期艺术潮流的发展趋势，运用新的艺术理念来分析当下的艺术现象，推动艺术创新，探索未知的艺术世界”。具体而言，其总体目标可以分解成以下3个子目标。
（一）艺术创作
学会运用各种不同的艺术创作手段，使本人的作品不仅能体现时下艺术创作新的发展趋势，而且还能体现新的观点与创作手法。如在美术设计领域，要求毕业生能够运用新的设计技术与新的制作材料，创作一些大胆新颖的艺术作品。而在音乐领域，尤其是作曲与音乐表演领域，则要求学生具备在专业音乐院校教授表演与音乐理论知识的能力，拥有编配本国及其他国家艺术作品的能力。通过三年的专业学习与研究，在表演、编配技术与音乐艺术性上都能达到职业音乐家的高度。
（二）代表作
柏林艺术大学MFA学位授予委员会规定，学员在获得MFA学位之前，必须创作出具有专业水准的个人代表作，代表作是衡量其获得学位与否的重要标准。代表作不仅仅是个人艺术观点、艺术创作理念与手法的综合体，而且还应符合柏林艺术大学的艺术学学科定位。柏林音乐学院强调MFA教育应该以“艺术个性、国际性、多层次性、实践性”等为导向，而代表作是体现其教育特色的最好载体。
（三）艺术创新能力培养
柏林艺术大学对学员艺术创新能力的培养主要体现在如下几个方面：其一，艺术洞察力的培养。如对创作的主题、理念能够进行深入探究与思考，同时能够洞察当下艺术创作中的新材料运用、新创作手法的使用、新艺术理念的传递等等，能够运用这些丰富的艺术创作手段创造符合当代及传统艺术领域中各种艺术风格、流派的艺术作品。其二，艺术批评能力及沟通能力的培养。艺术批评能力主要是培养学生是否能够坚持艺术的美学标准，理性地分析、评价各种艺术事项，包括艺术家的创作思潮、艺术发展史中历史事实的再现与分析、艺术家作品创作的新的发展趋势等等。沟通能力主要是培养学生与艺术经纪人、观众良好的沟通能力，如专业的作品展示能力，艺术领域中的学术讨论、分析能力以及跨学科的研究能力。
二、课程设置
课程设置是柏林艺术大学MFA培养的核心，其课程设置是根据人才培养目标而制定的。每门课程保持在3个学分左右，总计在为期3年的培养周期必须完成64～100的学分数，另加上毕业时的代表作，方能申请MFA学位。[2]下面以列表方式对柏林艺术大学的课程设置予以分析（见表1）。
从表1不难看出，其课程总体设计考虑了MFA学生的特殊性――作为职业艺术家应具备的基本素质与艺术修养。这些基本素质与修养不仅仅体现在学生的专业知识水平、艺术创作与表现能力，更多的是体现在其所从事艺术领域发展的新动向。整体而言，有以下几个特点。
・比较教育・德国MFA教育对我国艺术硕士培养的启示
其一，课程设置讲究与其他学科的互补关系。这点在专业限选课和专业任选课上可以体现出来。在这些课程的设置中，大多都突破了艺术门类各个领域的学科限制。从事音乐专业的MFA学员可以选修相关艺术哲学、艺术文化等相关人文素质课程，来提升自身的综合修养；而从事美术与设计的MFA学员也可以选择音乐结构类课程，可以在音乐的结构美中寻找到艺术的共同点，为自身艺术创作提供充足的素材。因此，课程设置的互通性进一步使MFA课程体系逐渐系统化、关联化，形成了较为严密、科学的课程体系。
其二，课程设置中实践类课程占据了很重的比例，同时也注重学生理论研究能力的培养与提高。从课表中可以看出，课程内容讲究理论与实践的结合。如音乐专业课程当中的声乐与器乐课程组模块，课程内容丰富，注重与专业实践相结合。每个课程考核的方式是以专案方式予以体现。这种专案一般都会让3～5名学生采取集体汇报的方式，通过集体创作的艺术作品（如作曲专业创作的作品，表演专业进行表演）提交给任课教师，作为课程考核授予学分的依据。完成专案的考核，学生则需要修毕大量的实践类课程，毕竟一个作品的完成，很大程度取决于学生在实践类课程中的学习效率。由于专案的考核大多并不是在课堂上完成，而是在大剧院、美术馆完成，考核组专家的组成不仅仅是教师，还有著名的乐评人、艺术批评家等等，对学生艺术实践能力的要求可谓相当高，这也说明了为什么柏林艺术大学非常重视实践类课程的开设。
其三，课程授课方式的灵活性与考核的规范性相结合。为了体现MFA授课的灵活性，柏林艺术大学采取多种多样的授课方式，如在专业技能课上采取的是个别课，学术研讨课程采取的是专题讨论课，而合唱类课程采用的是小组课方式。授课方式的多样化同时也使考核方式多样化，方式多样并不意味着放松考核要求，相反考核规范性得到进一步提高。如美术设计专业的MFA毕业生可以提交展览证明（含美术专栏作家的评论）、书面研究报告，而音乐专业的MFA的考核包括作品视听、专场表演音乐会、作品编配及相关乐评人对作品的评价等形式。为了使考核更加公平、公正，柏林艺术大学设有专门的考试委员会，该委员会负责对学生的课程作业、代表作、学位授予予以考核，委员会一般由7人组成，既有本校教师，也有外校教师，还有职业艺术家、艺术批评家。考核人员来源的多元化，也使考试结果更加公平。
三、MFA的质量监控与考核机制
在德国，高等教育质量考核与监控体系一般都是由高等教育专业协会、政府主管部门、市场反馈调研部门共同组成。[4]其中，高校自身及高等教育中的专业协会组织的行业、内部评估，是其培养质量保障及监控、考核的主要手段。MFA也不例外，对其培养质量的考核周期一般在2～3年左右。柏林艺术大学通常的做法是分为两个阶段。第一阶段是高校自身的内部评估，也称之为“自评”。一般都是学校邀请校内外专家对学校的办学层次、目标、课程设置、教学考核方法等诸多方面进行评估。在此基础之上，将相关评估结果生成有关评估报告提交到政府主管部门，然后要求进行第二阶段的高教专业协会的行业评估。第二阶段的主要评估内容有“教学改革与教学质量提升的措施”、“入学及毕业规定的年限、条件、学分要求”、“学生对教学质量的反馈”、“教师对考试的组织方式及教学质量的反馈”、“用人单位及市场的反馈”等等。作为第二阶段的评估主体――德国高等艺术教育评估委员会发挥着重要的作用。由于德国的高等艺术教育采取的是联邦体制，所以德国高等艺术教育评估委员会承担着高校与联邦政府信息沟通、反馈的中转作用。联邦政府、州政府、高校、专业协会在MFA质量监控与考核中担任着不同的角色，共同保障MFA的高等教育质量。[5]其中，作为最高政府机构――联邦政府主要是负责全国性的艺术教育战略和重要的法律法规文件的起草、制定与实施。如明确法律条款规定：“高校的教学、科研与人才培养必须定期进行评估，学生与教师必须参与对人才培养质量的考核工作，对学校近期的专业、行业评估应定期向全社会予以公布。” [6]而作为协作方的州政府与实施对象的高校则是主要负责评估数据整理、人才发展报告、就业及教学质量反馈等等。另外专业协会负责的是具体的办学层面评估，如教学方法的改进、人才培养目标的定位等等。专业协会评估委员来自全德该艺术领域中的精英人士，他们负责对MFA的办学质量进行评估，同时对学科的全国排名情况进行审核，在评估数据中，侧重借鉴CHE（德国高等教育发展评估中心）的分析数据，因为该数据来源较为客观，提供了较为直观的教育动态信息。
另外，在MFA入学与学位授予的审核环节，柏林艺术大学要求极其严格，把好了“出口关”与“进口关”。在入学申请审核上除了要求学生提供相应的艺术学学士证明之外，还应该提供所属MFA艺术领域中的个人作品。除此之外，还需提供本人未来几年的学习计划及著名教授的亲笔推荐信。柏林艺术大学尽量避免招生环节的“近亲繁殖”现象，尽可能招收来自于外校、不同学习背景、不同国籍的海内外学员，从而使自己的毕业生在未来就业时拥有更加广阔的艺术视野。在毕业审核环节中，除了考试委员会对代表作的投票之外，对毕业平均成绩也有一个较为严格的规定。其所修毕的课程中，平均成绩绩点不得小于2.0，一旦小于这个学分绩点，在毕业审核中将被淘汰。因此，较为完备的质量监控与考核机制确保了柏林艺术大学MFA的教育质量。
四、对我国艺术硕士教育与改革的启示
我国艺术硕士自2005年3月起，从最初的32个艺术硕士试点建设单位到如今的数百家之多的培养单位，艺术硕士发展的势头、规模在专业硕士教育中可谓是惊人的。在艺术硕士取得成绩的同时，也暴露了很多问题。如在2016年3月16日教育部公布的《国务院学位委员会关于下达2014年学位授权点专项评估结果及处理意见的通知》中显示，共有50个博士、硕士和专业学位授权点被评估为“不合格”，涉及全国42所高校，还有不少学位授权点被要求“限期整改”。其中就有众多名牌院校艺术硕士点中招，不少“985”、“211”国家重点院校的艺术硕士点甚至被责令取消招生，5年之内不得申报艺术硕士学位授予点建设工作。而对于“限期整改”的艺术硕士培养高校而言，两年之内不得招生，两年后接受评估组及艺术硕士指导委员会的评估，如果仍然达不到整改要求，则取消硕士学位培养授予权资格。[7]这是迄今为止，对艺术硕士评估最为严格的一次全国范围的检查，对不少在培养过程中暴露出问题的院校亮起了黄灯，而这些问题都有一个共同的特性，集中在人才培养目标定位、师资队伍建设、课程体系建设和实践基地建设等方面。从这次检查中，我们也看到了与国外MFA教育相比，自身的许多不足。他山之石可以攻玉，吸取以柏林艺术大学为代表的MFA教育的教育管理制度、评估认证方法，对于我国的MFA艺术教育有着重要的启示作用。
（一）人才培养目标定位清晰
人才培养目标定位是MFA教育的核心，柏林艺术大学对MFA的人才能力结构、人才就业趋势、人才的知识储备、人才的职业选择有着很明确的指向。如美术设计人才的定位是国际性的艺术家、艺术设计人才；音乐则是国际性的音乐创作、表演人才；戏剧表演是在世界各大戏剧节能够有突出表现的艺术家。因此，无论是美术设计、音乐亦或是戏剧、舞蹈都强调其培养的国际性。虽然不同艺术门类在培养目标上有所差异，但是其共性是培养出能在国际艺术界出类拔萃的艺术家。在这样的人才目标定位下，柏林艺术大学的MFA课程内容、人才核心能力培养、职业发展规划都强调了这一特色。如在音乐专业MFA课程设置上（详见表2），不仅仅有本国的艺术课程和内容，还有其他各国优秀的、代表性的课程内容，强调人才培养的国际艺术视野，这个与柏林艺术大学的人才培养目标定位是密切关联的。相比较而言，我国近期被取消或者要求整改的艺术硕士授权点都是存在着人才培养目标定位模糊的缺陷。因此，如果要在人才培养目标上体现出院校的自身特色，避免“千校一面”的发展态势，需要我们研究生教育及管理者深思。
【内容摘要】吉林艺术学院自2009年招收艺术硕士专业学位研究生（MFA）以来，在不断总结和完善现有的教学体系、课程体系的基础上，逐步形成了具有前沿性、当代性的MFA教学模式。学院主张充分发挥学生的主体性，在教学中打破原有的教学理念和培养模式，努力营造浓厚的学术环境，注重学生艺术观念的养成和创作表达方式的自我生成。在创作实践中强化学生对媒介、语言的认知和应用，形成以宽泛的文化滋养为教学背景、以促进学生艺术个性生成为目标、以培育学生艺术信念为核心的MFA培育模式。
【关键词】MFA 文化滋养 艺术实践 艺术信念
上世纪80年代，我国开始进行绘画类研究生教育。随着我国艺术硕士专业学位的设立，自2009年起，吉林艺术学院绘画专业开始招收全日制艺术硕士专业学位研究生。这期间，研究生的培养层面所开设的方向均是以架上艺术为主。研究生教育的核心培养目标之一是造就专业性和创造型的人才。就我国的艺术教育宗旨和实际社会需要来讲，这一点毋庸置疑。但是，就艺术和艺术教育本身来讲，所涉及的实际问题似乎更加具体和复杂。笔者认为，有必要对绘画类艺术硕士（MFA）研究生培养做进一步的思考。
第一，打破形式界限，宽泛的文化滋养是当代绘画类研究生应该面对的重要课题。
绘画的形式特征与艺术本质之间始终存在着特殊矛盾。以媒材和手段来划定艺术种类的界限、区分艺术家的特征，亦或以这样的方式针对研究生群体的培养，势必会造成学生艺术创造力的缺乏以及对技术、手艺的热衷。只有打破媒材的界限，突破形式特征的束缚，在技术的实践中给予文化精神更多的关怀，才会造就更为优秀的艺术家。
在学院的研究生培养方案中，有针对性地加强学生对当代绘画各种艺术形态的有效构建和综合化探索，使学生在创作中多维度地考虑到艺术与物质文明、科技文明间的流通与结合，打破原有的形式界限，实现艺术观念的充分表达。这种培养方案不仅为学生开启了更为广阔的艺术想象空间，而且使艺术创作的表现力在多媒材的综合化探索基础上，体现出更具独创性的视觉表达。艺术的独创性产生源于丰厚的文化素养，在艺术硕士专业学位研究生培养过程中，学院增加了创作实践类课程的学分，以创作实践类课程的个案研究为切入点，梳理课程改革中的教学特点和教学脉络，充实和完善现有教育教学体系的课程构架。学院在实践的过程中注重学生个性化的培养，在艺术本体理论课的基础上，适度增加文、史、哲的基础理论课，使学生在艺术创作的过程中给予文化精神更多的关怀。绘画专业的学生将最终投身于艺术市场，为了让其明确学习目标，针对中国的艺术市场有相对整体的认识，学院在课程的框架中增加了艺术市场学、艺术经济学等相关课程。通过课程的改革和置换，有效地增强学生专业的核心竞争力。
第二，彰显个性特征、寻找理性艺术实践途径是成就绘画的重要方法。
个性体现是衡量艺术家品质和特征的主要依据。这里所说的个性是艺术家在艺术实践中的一种习惯，是思维、行动和艺术表达综合在一起所表现出的艺术特质。艺术个性是文化视野、视觉智慧和娴熟技艺的总和。艺术个性的彰显表现在作品中，当作品背后人心与绘画作品的形式具有一致性才真实可信。
近年来，学院在艺术硕士研究生培养上充分注重学生的个性化特征，针对具有不同潜质的学生以“一对一”“多对一”的方式进行多方面引导，充分激发学生个体的创造力。尤其在学生入学后的第二、三、四学期，学院着重安排了系列的创作课程。学生通过对自身感兴趣的题材、主题、绘画风格等方面的借鉴和整理，进行探索研究，同时梳理了创作思路和创作手法。通过学生们对于题材选择，可以看出其更注重内在精神世界的发掘。在研究生的培养过程中，学院不仅注重学生个性化的培养，还在试图探寻一种新的理性精神，即艺术理性精神。艺术理性的自律性使得学生在不断批判、超越既定现实的同时注目未来，通过语言、概念、图像的内在转化达到审美转化的需求。感性与理性的关系是每位艺术家不可忽视的问题。重视感性与理性在艺术实践中的重要作用，对学生的成长至关重要。感性情感是构成油画丰富表现力的重要因素，是作品的血肉及灵魂；理性则是丰富情感的骨架，二者相辅相成。感性与理性情感的交织可使学生创作出具有伟大心灵感召力的艺术作品。
第三，坚持艺术信念，把握时间规律让艺术发生具有多种可能。
成就艺术的条件有很多，其中最重要的一点就是时间。任何一位艺术家的成熟都需要以时间作为代价。当然，在有限的时间里进行更多、更有效的尝试是提高品质的最佳办法。能以时间线性的考量看待自我艺术成长的艺术家，最终会获得艺术上的巨大成功。在艺术成长的道路上，任何社会体验与尝试都具有丰富自我文化经验和艺术感悟的可能。随着社会发展加快，在国家提倡文化建设的大背景下，产生了不同于以往任何时期的艺术生态。
现今，越来越多的社会机构、个人开始关注青年艺术家，这也为学生提供了更多的发展机会。通过“请进来”“走出去”的双轨并行机制，不仅在校内给学生提供了形式多样的展览、讲座、研讨等学术交流平台，还鼓励学生体验和参与各种大型展览、评选、青年扶持项目等。在此过程中，学院更多地希望学生获得扎实的专业知识，磨练艺术创作能力，积聚艺术创作能量，在社会中找到属于自己的空间和位置。不同的历史时期对青年艺术家的要求有所不同。只有那些努力表达时代气质，愿意尝试更具生命力的表达方式，并且努力学习传统，把握当下面向未来的艺术家，才能够创作出代表时代的艺术作品。
吉林艺术学院自2009年招收艺术硕士专业学位研究生（MFA）以来，在不断总结和完善现有的教学体系、课程体系的基础上，逐步形成了具有前沿性、当代性的MFA教学模式。针对艺术硕士专业学位研究生（MFA）的特殊性，学院主张在学习的过程中充分发挥学生的主体性，在专业设置上主动适应社会发展的需求，在培养方案中强化实践教学，在培养过程中注重学生的个性化培养。学生要根据培养目标正确认识自身与专业方向的差异，在夯实专业基础知识的同时制定适合自己的学习目标，在培养目标和教学大纲的指导下，制定有指向性和创新性的精学和泛学内容并付诸实践，促使学生艺术观念的养成和创作表达方式的自我生成。在创作实践中强化学生对媒介、语言的认知和应用，最终形成以宽泛的文化滋养为教学背景、以促进学生艺术个性生成为目标、以培育学生艺术信念为核心的MFA培育模式。
（注：本文为吉林省高等教育教学研究重点课题“综合艺术院校全日制艺术硕士专业学位研究生培养模式创新的研究与实践”阶段性成果）
作者单位：吉林艺术学院美术学院
〔摘要〕通过对声乐艺术硕士（MFA）专业学位人才培养模式的考察分析，指出实践性是专业硕士区别于研究型硕士的重要基点。声乐表演专业学位研究生教育的实践性主要体现在联合创新实践基地与校内导师结合的双导师师资队伍、带有研究性质的实践基地课程体系的建设、与表演实践结合的学位论文写作等方面，据此提出了加强师资队伍建设、深入实践课程体系、建立创新专业实践基地、强化实践性专业学位论文要求等创新人才培养模式的建议。
〔关键词〕声乐表演艺术硕士人才培养创新性
近年来，随着创新型社会的建设与发展，我们对人才的综合素质也有了进一步要求，培养高素质的专业人才已逐渐成为我国现阶段艺术教育的重点，而各艺术类高校只有不断地对声乐表演艺术硕士人才培养模式进行相应创新，才能达到声乐表演人才的培养符合时展的总体目标。
一、声乐表演人才培养原则
1、以行业需求为培养导向。市场经济中的一项重要发展原则是供需平衡，在声乐表演的人才培养中也应遵循这一特点，达到市场的供求平衡[1]。现阶段，我国声乐行业就业不仅局限于文艺表演演员，同时还包含高校的声乐教学教师等行业，因而，艺术高校在对其进行培养时，应按照市场经济发展需求对其进行目标结构整合，建立完善的教育体制，不断促进开放式教学的发展，不闭门造车，逐步实现市场需求与教学供应的相互结合与统一。
2、以声乐演唱为教学重点，同时注重学生创新能力的培养。声乐表演能力的培养是艺术专业培养的重点与核心，具有很强的实践性与技能性。在艺术专业教育中，声乐表演能力与实践的相互结合，不仅是教学的课程要求，还是考核和评价专业学习的重要手段。因而，专业教师在对学生进行实践课程的教学时，应注重对学生专业素养以及创新能力的培养，这样不仅可以使声乐表演专业的教学效果事半功倍[2]，同时还可以使其在其他教学活动中发挥积极效用，促进教学水平的整体提高。
3、声乐表演艺术硕士人才专业的培养目标。声乐表演专业培养目标主要是将学生培养为现代化德智体等全面发展、掌握学科专业知识内容，掌握演唱与表演专业技术，具有较强音乐认知度以及鉴赏能力的新型高素养的综合性人才。具体要求是在马克思理论的指导下进行艺术实践活动，同时具有正确的人生价值观、良好的人文素养、专业知识以及创新能力，不断提升自身的专业知识为社会主义现代化建设贡献自身的力量；具备艺术教育的基础素养，掌握艺术专业的基础理论知识，拥有基础理论实践能力[3]；具有一定的外语交流能力，使自身拥有国际学术交流的基本能力。
二、声乐表演艺术人才培养工作中存在的问题
1、人才培养标准设置的问题。现阶段我国社会发展对声乐表演专业人才培养标准具有非常大的影响，人才标准的设置随着社会的发展而不断更改。随着我国社会市场经济体制的不断完善与发展，社会中各类型事业的发展都与市场建设发展有相应的关联性，声乐表演专业的发展也逐渐由艺术性慢慢变得市场化，因而现代艺术高校在对人才进行培养时根据市场的需求对其培养标准做了相应的调整。在对专业人才进行教授的过程中不仅重视对其专职声乐表演能力的培养，还对学生的其他综合能力进行培养，将声乐表演专业人才打造为综合性人才。
2、教育培养方式及手段落后等问题。声乐表演专业教学落后首先表现在教师职业能力与教育理念的落后，教师综合能力的欠缺导致声乐表演专业教学无法与时代需求相融合，而年轻的教师虽接受新教学理念的熏陶，但却缺乏一定的教学经验，无法对学生实施高效优质的教育。同时，教师教育理念的落后往往传达给学生消极过时的教育观念，这种落后的教育观念会使学生过分崇尚外来声乐表演文化，轻视本土优秀的声乐内涵，这样不仅不利于我国声乐表演专业的发展[4]，同时还对我国声乐文化造成相应的危害。
三、声乐表演艺术硕士人才培养模式创新型研究
1、改变教学方式，增强实践能力。作为现代声乐表演艺术硕士人才的培养目标，在培养过程中不断提升学生的实践性，以及对声乐表演专业的创造性，该专业的课程培训注重其实用性以及学术性，因此在对硕士生进行培养计划的制定过程中，应该考虑知识体系的综合调配与各内容知识体系的衔接。具体教学方式如下所述：
导师在开展课程教授之前，应该对开设的研究生课程进行细心准备，同时在课程教学结束后按照相应的规定对学生的学习效果进行考评。在制定教学计划时，教师应该根据各个研究生自身的具体情况，采取因材施教的原则，制定个人培养计划。同时还可组织学生参加与专业相关的学术活动或者相关社会实践，增强学生理论知识的实际应用能力。教师在教学过程中，应该充分尊重学生的思维自主性，避免将自己的思维观点强加于学生，尊重学生在知识的探索中一步一步实现并获取正确的观点，这样有利于研究生创新思维的进一步拓展。
2、建立“双师型”教学模式。声乐表演专业教师的综合素养直接影响教学活动的开展，所以各高校应重视教师的特色发挥，提高教师团队的综合素养。因此在教学培养过程中，可以采用“双师制”形式实现对学生的综合教育，将教师与社会艺术团体相挂钩，聘请校外的资深艺术家或者其他高校的导师，外聘的教师可以主要负责学生的校外实践能力的培养教学。声乐表演艺术硕士生可以不定期地进行专业社会实践，参与演出，增强其职业经验，在实践中不断提升自身的专业素养。
3、注重学生自主创新意识的培养。对于声乐表演艺术硕士的培养，需要注重学生专业知识的层次、技能以及综合素养的培养，其中创新思维以及创新能力的培养是非常重要的环节[6]，可以不断提高学生创新思维以及解决问题能力。
现阶段，我国高校受到传统艺术教育模式的影响，在对研究生的培养中缺乏一定的创新性，教育模式基本是依照传统的本科教学模式进行教学，在课程设置方面缺乏对研究生教学内容与方法的创新，因此学生只能被动接受本科教学内容以及教学模式。在培养模式中，艺术研究生的培养模式与本科生有着本质的区别，本科生注重对艺术基础知识的学习与掌握，而艺术研究生是艺术的研究工作者，因此，应将学生的自主创新能力贯穿于整个教育过程，教师应强调专业知识的理论性与实际应用性相互结合，对学生培养计划的实施进行严格监控，注重学生之间合作能力的培养，不断培养学生对于实际问题的解决能力以及创新意识，体现自身的创新理念。
同时，教师应该将创新能力的培养置于专业的重点培养计划中，在教学中尽量避免传统硬性的教学方式，加强与学生之间的互动，对于教学中产生的问题与学生进行相互探讨，这样可以激发和引导学生对新观点的探究，掌握最新的艺术发展趋向。学校还应将促进该地区的文化经济发展作为学生的培养基点，在对学生进行招生调控与培养时，都应将地方文化经济作为发展重心，并在此大的发展环境下制定研究生的培养计划，不断促进艺术专业教学质量的提升。
4、企业研究生研究工作站的建立。大学企业研究生工作站主要是学校与企业之间达成协议、共同合作建立的学生实践基地，该基地的建立有利于研究生艺术专业能力的提高与创新，实现对研究生研究能力的不断提升，不断满足社会对综合人才的需求。艺术高校的全日制研究生在完成课程学分之后对企业工作站的相应职位与工作进行申请，之后在企业内开展工作并在完成基础工作的基础之上获得相应的学分，同时，研究生在完成自身的基础工作时，还可以对相关学位论文以及声乐表演专业展开研究。
结语
现阶段，声乐表演人才的培养是我国艺术教育的重要任务，我国声乐表演艺术硕士人才的培养在课程设置以及教学模式上还存在着一定的缺陷，导致人才培养的质量还不够高。因此，我国各艺术高校应该对其进行不断的探究，完善课程设置、对教学模式进行相应改革，在培养学生专业能力的基础之上，注重对学生的实践教学，这样才能促进我国声乐表演艺术硕士人才培养质量不断提高。（责任编辑：杨建）
摘 要： 艺术硕士（MFA）专业学位不同于学术型硕士学位，需建立科学有效的人才培养模式。本文从培养目标、课程设置、教学方式方法及艺术硕士的毕业评价等方面对民办高校艺术硕士培养模式进行探析。
关键词： 民办高校 艺术硕士 培养模式
2011年10月，包括河北传媒学院在内的五所民办高校通过教育部审批，正式获得研究生招生资格，这是我国民办高校首次获得研究生教育资格，打破了过去研究生招生由公办高校垄断的局面。相对于公办院校来说，民办高校获此招研资格，既是机遇又是挑战，机遇在于学校开始有资格培养高层次人才，这是对学校实力的肯定；挑战则不言而喻，民办高校的研究生培养是否正规，教育质量能否保证，就业前景如何，这些都需要用事实去证明，而建立科学有效的培养模式则是抓住机遇、应对挑战、走向成功的必经之路。
一、关于培养目标
在美国、英国、加拿大等西方国家，艺术硕士专业学位已经有了较长发展历史，如在美国，艺术硕士的教育宗旨一是强调实践性和应用性，二是强调艺术素养和专业理论知识的培养。与此相关，其艺术硕士学位授予的标准主要在于对学生的创作技能和艺术想象力的全面评估①。
我国目前艺术类高层次人才培养分为学术型研究生和应用型研究生两类，后者即我们所说的艺术硕士专业学位研究生。学术型研究生在修学期间更多地学习一些理论课程和专业研究方法，最后疲于应付毕业论文的写作和答辩，客观来说，用于艺术创作和实践的机会和时间相对很少。为了加速培养适应社会需求的艺术类人才，国务院学位委员会批准于2005年起开始在我国建立艺术硕士（MFA）专业学位，并在《关于的说明》中明确指出：“加快培养大批高层次、应用性艺术专门人才是我们文化事业繁荣和发展的关键，是满足人民群众日益增长的文化需求的根本保证。”其中培养“高层次、应用性艺术专门人才”即是艺术硕士的培养目标。
对于首次获得招研资格的民办高校来说，应该深入思考本校专业学位研究生的培养目标。以河北传媒学院来说，MFA的培养目标要在深刻理解国家关于艺术硕士培养目标界定的基础上，将“高层次、应用性”的特点加以深化和升华。河北传媒学院将招收广播电视领域的艺术硕士专业学位研究生，旨在培养出在广电领域既精通本专业理论知识又精通实际操作流程，既具有本专业需要的综合能力又熟悉相关领域知识，能够在广电行业驾驭整套制作过程的高端广电人才。
二、关于课程设置
《专业学位设置审批暂行办法》明确指出：“专业学位作为具有职业背景的一种学位，为培养特定职业高层次专门人才而设置。”艺术硕士专业学位作为专业学位中的一种，应该以此为出发点，根据与艺术类学术型硕士即文学硕士招生对象的不同和前边所述培养目标的区别确定具体的教学内容和课程。艺术硕士专业学位培养目标（高层次、应用型人才）的实现也取决于教学内容的选择，与课程设置直接相关。民办高校应加强专业学位硕士的课程建设，这是保证教学质量的关键环节。
首先，不可忽视理论核心课的重要作用。艺术人才的专业成才周期长，相对来说文化底子普遍薄弱，这也是在进入工作岗位后专业层次不易提高的重要原因。艺术硕士研究生阶段的学习应该为他们提供学理论知识的机会，提高理论修养，“提高他们理解作品、表现作品和把握作品风格的能力”②。由于已具有一定工作经验，学生在进行理论学习的同时更容易自觉结合自身以往经验进行整合，加深对理论知识的理解和掌握，进而指导实践，形成良性循环。
第二，为艺术硕士研究生提供实际案例操作课程。实际案例课程也可称之为专题课程，导师带领学生结合以往实际工作经验，吸取鲜活的教育素材，开发诸如案例分析、完成实际作品等实践课程、活动课程，就广播电视领域的实际案例进行专项研究。学生不仅解决了问题，更深化了对理论知识的理解，拓宽了艺术创作视野。
第三，加强通识课程建设，培养高素质的艺术专业人才。艺术硕士涵盖音乐、戏剧、戏曲、电影、舞蹈、广播电视、艺术设计、美术等学科领域，每个学科并不是孤立存在的，尤其是河北传媒学院招收的广播电视专业，与其他几门学科关系十分密切，存在共性层面，也有不同之处，学生需要全方位了解相关学科知识，精通一两门相近学科专业。另外，对于攻读艺术硕士的研究生来说，入学前大部分忙于实际工作，缺乏高层次文化素养提升的机会，遇到问题不能融会贯通，这也要求我们不能忽视通识课程的建设。“学识修养能帮助艺术家从整体提高创作的境界，文化素养直接影响艺术的表现力”③。艺术硕士阶段的通识课程与本科阶段的通识课程是以艺术为主体，对本专业门类外的其他相关专业进行学习和研究的课程，旨在提升艺术硕士研究生在艺术视野、自身文化素养等方面的综合素质。
通识课程可作为专业选修课进行设置，学生根据自身特点选择感兴趣的一两门其他专业门类的课程进行学习和研究，扩大艺术视野，与本专业融会贯通，为今后的创作开阔思路。
三、关于教学方式和方法
根据培养目标和课程设置的要求，艺术硕士教育的教学方式和方法应围绕理论和实践相结合而展开。课堂讲授法虽然不再是当代教学唯一的模式，但是仍有自身优势，对于理论教学，还需要安排有造诣的名师进行系统讲解，学生通过参与讨论，与实际工作经验相结合，提高自身理论修养。
对于专题类案例类课程，学生的参与尤为重要。艺术硕士专业学位的教学应加强开放性和实践性，强化社会实践、科研实践等培养环节。可以采取双导师制，如可聘请校外知名的高职称高职务的广电行业专业人士担任实践课程教师或顾问，为研究生提供典型案例，指导学生进行操作。另外，应鼓励学生参与各类课题的研究，在研究过程中掌握广电领域各类工作的知识和流程。
在培养方式上，可以考虑采取校企合作的方式。河北传媒学院招收的是广播电视领域的艺术硕士研究生，这些学生大多来自省内广电行业，学校可与相关广电单位建立合作培养的关系，一方面学校为广电行业培养高层次专业人才，另一方面广电行业为我校MFA研究生提供实践基地，使他们有机会走进行业第一线，切实动手参与工作流程，双方达到共赢的目的。
四、关于毕业评价
艺术硕士研究生的毕业论文（设计）是学生通过两到三年的学习后，其专业实践能力和分析总结能力的专门展示。艺术硕士研究生的毕业评价需要建立起以提升职业能力为导向的考核体系和评价标准，即必须有实际作品，毕业论文要以作品为基础进行撰写，在论文中对实践操作中的诸多问题进行归纳总结，达到理论指导实践的目的。同时，在论文指导和答辩过程中，导师应积极发现好的作品，推广到社会中转化为生产力，增强艺术硕士在专业领域内的竞争力和影响力。
