浅谈语文教学中多媒体技术的应用:多媒体技术在高中语文教学中的利弊 摘要:将多媒体技术与高中语文课堂教学有机整合,能充分发挥其在语文教学中的作用,以创设情境感染学生来激发学生学习兴趣,提高学生的学习积极性;但同时也要关注到多媒体使用过度造成的弊端。 关键词:多媒体 语文教学 优势 过犹不及 语文学习更多的注重以真情感染学生,以形象唤起美感,以意境领悟主旨,以培养语言意识和语文习惯为目标。多媒体极大满足了学生感官需求,激发了学生的兴趣,缩短学生从形象思维到抽象思维的距离,达到“启其所感,导其所难”的目的。因此,要在语文教学中要合理地运用多媒体。 1 多媒体教学在高中语文教学中的优势:音形结合,辅助理解 教育心理学研究表明:人获取的外界信息中,83%来自视 觉,11%来自听觉,而多媒体技术正好为学生提供了大量的视觉和听觉方面的资料,使课堂显得生机勃勃,充满激情。 1.1利用多媒体优化教学情景,激发学生的学习兴趣 多媒体集图片、声音、动画于一体,可以化静为动,这种有声有色的多媒体资料能够吸引学生的注意力,培养学习兴趣。在语文课堂中,我们充分地利用图片、声音、动画,激发学生的情感,和文章产生共鸣,达到事半功倍的效果。 讲《项羽本纪》前,给学生播放《霸王别姬》这部历史剧。如此学生们对项羽这个人物有了直观感,能很容易理解司马迁笔下的项羽,更甚至可以由此迁移理解许多写项羽和楚汉战争的诗词。因此,课堂上老师只需要组织学生自己讨论,发表观点,整理知识点,但却能受到意想不到的效果。 1.2利用多媒体再现画面,突破教学难点提高效率 学生对自己了解的内容,学习兴趣就会浓厚些,但是在语文课本中经常会出现一些学生较难理解的知识,而多媒体能模拟仿真,化抽象为形象,将学生带进形象、生动、色彩缤纷的教学情境之中,触动学生思维神经,加深对事物的理解。可以充分地利用多媒体的这些特点,来突破教学内容的重难点,从而提高教学教效率。 当学生们捧着《唐诗宋词选读》 ,情不自禁地翻着、读着时,可以感受到他们对中国古典文化的崇拜。但当我们真正去开始讲授这些诗词不久之后,就出现老师讲的很累,学生听得稀里糊涂,并且那份对古典诗词的崇拜感也在逐渐消失。 如此以来,利用多媒体通过图像、声音色彩和动画,传递教学信息,解决了由于时间和空间的限制造成的教学难点,使学习内容变得容易被理解和掌握,培养并发展了学生莸取信息、分析信息和处理信息的能力,并为以后的背诵奠定了基础。 1.3利用多媒体呈现声音文本,指导学生朗读 口语表达在语文学科中所占的重要地位。并且古人也有云:书读百遍,其义自见。能读好一篇文章的学生,对文章也定能理解。但是大多数学生都是埋头题海,忽略了口语表达,回答问题都磕磕巴巴,语不成句,更不要说朗读。所以利用多媒体提供的声音功能,给学生提供示范,这些对学生朗读指导起着重要作用。 古典诗词,历来都比较注重诵读。在选修《唐诗宋词选读》时,每个星期都要抽出一定时间,选几首即将上的诗词,利用多媒体播放。让学生模仿朗读,感受诗词中的情感,为日后的学习打基础。在不断的收听和模仿后,学生的朗读能力得到了提高,久而久之语言表达能力也得到了相应的提高。 2 多媒体教学在高中语文教学中误区:过犹不及 多媒体应用于语文教学,通过再现形象和声音,不仅激发了学生的学习兴趣,更能化难为简,化抽象为具体,帮助学生突破难点,提高学习效率。但任何事物都是具有两面性,多媒体的应用也不例外。看到它有益的一面,也不忽视它的弊端。 2.1多媒体的过度使用,剥夺了学生对文本的二度创作 《红楼梦》被两度翻拍。但对于看过87版《红楼梦》的人,再看新翻拍的,就觉得里面的人物不对味。这说明直观的形象给人的印象十分深刻的,这虽然有它的好处,但它也限制了人们的思考和想象能力。这是多媒体的形象再现对人们的思维和想象力的限制。 传统的语文教学中抽象的文字虽不能像直观的图像那样给学生视、听觉享受,却给学生留下了想象、创造的空间,可以使学生获得间接的享受。 2.2多媒体的过度使用,使教师基本功的训练被淡化 现在评价一堂课的好坏的标准之一,似乎之关系多媒体。导致许多老师开课必用多媒体,整堂课下来黑板空空一片。多媒体能完全代替黑板吗?教师在黑板上板书,其一是为了给学生提供书写的示范,其二黑板上的板书是课文的精髓,在课堂上学生随时能看到。而播放课件更多时候会即播即过,无法让学生回顾,不能做到前后的有效勾连。 长期依赖课件,老师的基本功就会被淡化,甚至是消失。老师除了传授知识之外,还要有榜样的力量。你的个人魅力如何体现,我想一手漂亮的粉笔字,一堂深情并茂的课,就是你魅力的最好体现,而这一切都是多媒体课件所无法取代。 2.3多媒体的过度使用,喧宾夺主,分散了学生注意力 多媒体教学手段的运用,虽有助于创设生动的教学情境,再现声形,增强直观性。但如果为了追求与众不同的效果,为了迎合学生的口味,将课件制作的十分的花哨、夸张,与教学内容不融洽和谐,这势必会造成学生注意力分散,给课堂教学带来负面影响。 现在许多公开课,只是简单的文字加图片,再配上音乐、动画等元素。课堂上学生兴趣盎然,但热热闹闹的一节课过去后,学生似乎什么也没有留下。这就是多媒体课件泛滥的危害。 语文教学也是一门艺术,传统的语文教学中抽象的文字虽不能像直观的图像那样给学生视、听觉的享受,却给学生留下了想象、创造的空间,可以使学生获得间接的享受。 3 多媒体技术教学手段的运用策略:扬长避短,合理运用 因为如此,在现代技术日益发达,多媒体教学进课堂已成为趋势的今天,我们更应该强调要合理地运用多媒体技术,为我们的语文教学服务。 浅谈语文教学中多媒体技术的应用:浅谈多媒体技术在高中语文教学中的应用 摘 要:伴随着信息技术的快速发展,高中语文教学中使用多媒体的频率越来越高,并得到了教师和学生的广泛好评。多媒体技术是一种全新的教学工具,能够带给学生和教师更加直观的感受,其具有的独特优势对语文教学具有重要意义。多媒体教学中的影像和声音克服了传统教学的弊端,使学生更好地进行情感体验。 关键词:高中语文教学;多媒体技术;教学应用 多媒体教学凭借其巨大的优势,带给学生更大的帮助,使学生更好地培养综合素质,促进了学生的全方面发展。然而,在当前的高中语文教学中,多媒体技术的应用与教学改革仍不能完美地结合,存在着一些问题需要解决。 一、多媒体的使用应遵循实用性原则 科学研究表明,新鲜事物能够更好地激发学生的学习兴趣,因此,新鲜的教学方法能够更好地吸引学生的注意力,从而提高学生的学习积极性。然而,一些教师在进行高中语文教学时,认为多媒体使用的次数越多,学生将能够学习得更好,这是个错误的认识。一些教师在教学时,过于依赖多媒体,无论是视频资料还是讲课内容,都通过多媒体让学生学习,最后再转换到课本上,这样频繁的交换,使学生很难将学到的知识进行充分的理解,得不偿失。语文教学中,教师的教学语言和板书等资料是教学的根本,对课堂的教学效果具有决定性作用,而多媒体应努力配合教师本身的教学方法进行使用,通过两者的完美结合,发挥出教师自身的教学特色,提高教学效率。 二、多媒体的使用策略 首先要将课题导入。在进行新课的教学时,良好的导入很大程度上能够决定课程的教学效果。将多媒体技术合理地运用到课堂教学中,能够很好地吸引学生,同时使其更好地感受文章中作者的感情。高中语文教学中,教师可以通过创设合适的教学情境,在视觉和听觉上给予学生更加强烈的冲击,更好地抓住学生的好奇心,激发学生的学习兴趣。例如,在讲授《我有一个梦想》时,可以将作者的演讲视频播放给学生,得到学生的情感共鸣,从而使学生更好地学习。 然后,介绍作者生活的时代背景,包括作品反映的时代背景以及作者写作的时代背景,使学生更好地理清文章思路。例如,在讲述《面朝大海,春暖花开》时,教师可以将作者的生平资料通过多媒体展示给学生,同时介绍作者的生平故事。 总之,多媒体教学的引进具有两面性,因此,教师应充分认识到多媒体教学的实质,通过有效的方法克服多媒体教学中的缺点,将多媒体教学和传统的教学完美地结合,实现高中语文教学的现代化。 浅谈语文教学中多媒体技术的应用:多媒体技术在高中语文教学中的利弊分析 【摘要】随着科学技术的飞速发展和人们生活水平的提高,多媒体技术在高中语文教学中的应用逐渐被人们重视起来。多媒体语文教法学法在一定程度上提高了高中语文教学的教学效率,并使学生能在课堂上对课本知识加以了解。教师在课堂中运用多媒体教学法进行语文教学,可以在提高学生学习效率的同时也使学生的综合实践能力以及知识感知能力都有所提升。本文针对当下高中语文多媒体教学中的教学现状,对多媒体技术在高中语文教学中的利弊关系进行仔细的分析和阐述,希望为我国教育事业发展贡献出一份力量。 【关键词】高中语文 多媒体教学法 利弊关系分析 众所周知,传统语文教学方法较为老套,其一般还是以教师为课堂主体进行相关语文教学工作的。但是,随着科学技术的飞速发展以及素质教育改革的不断完善,多媒体教学技术已经被广泛的应用到高中语文教学中。其在激发高中生学习兴趣的同时,也在一定程度上提高了高中生的学习效率。与此同时,运用多媒体教学法进行高中语文教学,还可以使教师在进行教学的过程中方便快捷的列出相应教学提纲。运用多媒体教学法进行教学也有一定的缺陷和不足,本文针对上述情况对多媒体技术在语文教学中的利弊关系进行详细阐述。 一、相对优势 1.提升高中生学习语文的兴趣。根据相关调查报告显示,语文学科是高中生最不感兴趣的学科之一。就高中语文学科的学科特点而言,语文学科有着一定的生动性,但是往往却不受学生关注。在将多媒体技术运用到高中语文教学中时,其在一定程度上提升了高中生学习语文的兴趣,因为在运用多媒体教学法进行高中语文教学的过程中,多媒体教学中的图像和声音以及视频都一应俱全,其迎合了高中生年龄段的学习特点,将直观动感且内容丰富的语文教学内容展现在广大高中生面前。例如在讲解诗词时运用多媒体教学法进行高中语文教学,运用多媒体设备将生平事迹以及相关作品生动的展现出来,让学生在对课堂知识感兴趣的同时也牢牢的记住了所学知识。多媒体教学法将多媒体教学内容与课本知识进行有机融合,使得高中生的学习情趣和学习效率得以增强。教师应该在应用多媒体教学法进行高中语文教学的同时,也应该注意对学生学习兴趣的培养,因为只有培养学生学习兴趣,才能在一定程度上提高学生的学习效率以及学生的综合素质。 2.提高了学习效率。随着科学技术飞速发展以及多媒体技术在语文教学中的广泛应用,传统语文教学模式的缺陷和不足显而易见,只有利用现代化多媒体技术进行高中语文辅助教学,才能提高学生的整体素质和综合实践能力。较为传统的语文教学方法是以教师为主要教学核心的,并只是凭借口授和笔受进行语文教学,这样的教学方法使得学生对知识消化起来十分吃力,所以我们应该合理的应用多媒体教学法进行高中语文教学,这样就使学生在学习课本的过程中也对课本以外的知识加以了解,在一定程度上提高了高中生的语文学习效率。运用多媒体教学进行高中语文教学,其在节省板书规划和知识重复方面做了相应的科学调整,使传输等量知识的时间得到缩减,并相应的提高了学习效率。 3.锻炼高中生的学习能力。运用多媒体技术进行教学,期间会有一定的听说练习,多媒体教学法可以将听说练习内容进行有机整合,然后在此基础上指导学生以正确的朗读方式进行朗读,能在一定程度上达到预期的语文教学目的及教学效果。多媒体教学法可以将相应的朗读内容进行反复播报,方便学生对学文知识进行巩固和深一步了解。使用正确的多媒体技术进行语文朗读训练,其可以在提升高中生学习效率的同时也锻炼了学生学习能力。需要强调的是,在高中语文教学中,朗读训练只是语文教学中一部分,阅读训练也是语文教学中的重中之重,而在运用多媒体技术进行阅读教学时,其可以促使学生在方便快捷阅读的基础上提高阅读精读的能力。在进行作文教学的过程中,必要的时候可以使用WORD和PPT进行作文教学,其也会达到意想不到的学习效果。 4.优化复习及优化考察。在进行相关学习提问和课堂检测的过程中,语文教师可以通过多媒体教学法将所要考察的知识体现在多媒体教学课堂上,并在此过程中要求学生必须短时间内回答教师所拟问题,这样的教学方式可以使教师在快速度回答学生问题反馈的同时也使得教师对教学内容能够做出及时调整,使得所教授的语文知识能够以正确的方式和手段得以传递,其不仅可以对学生学习成果进行评估,还能在一定程度上优化整个教学评估过程。 二、相对劣势 1.忽视教学基础。众所周知,听说读写是当前多媒体语文教学过程中的必备功课,但是一些教师在进行高中语文教学的过程中却忽视了四者的重要性,在进行语文朗读教学时,教师脱离了教学整体,使课堂成了看图听录音的课堂,将课堂知识的基本重难点都展现在屏幕上,使学生对课堂笔记的填写不认真,也因此忽略了语文文字教学的重要性含义,学生将教材内容和语文基础规律都搁置一旁。 2.限制学生学习思维,阻碍综合能力拓展。创造力对学生的重要性不言而喻,创造力是使学生产生创新思维和创造能力的基础保证。运用多媒体技术进行高中语文教学,虽然其能够将教学知识直观形象的传授给学生,但是这种画面图式教学方法却不能时时刻刻都运用到高中语文教学当中。因为当前高中语文教学的主要教学任务是拓展和培养学生的多向性思维,在我们所熟知的文学审美中,多媒体高中语文教学法只是起着一定的辅助作用,并不能在语文教学过程中完全依赖多媒体技术,多媒体技术直观教学会在一定程度上阻碍学生综合能力的发展。 3.无法达到预期学习效果。一些教师在运用多媒体教学法进行高中语文教学时,无论什么样种类和形式的教学内容,其都会运用多媒体技术进行语文教学,将教师本身从教学整体中移除出去,这样的做法往往达不到预期的语文教学效果。因为在具体的教学过程中,课件演示可以完全代替板书制定,那么何须费力进行言传身教。显然,这种观点是错误的。 4.制作困难。运用多媒体技术进行语文教学,在进行教学前其要求要有相应的课件准备。但是,一个符合课堂标准的课件制作是需要从视频、声音以及图像等各方面进行选取制作的。高中教师的软件应用水平有限且合适的相关多媒体教学素材也较为难寻。市场上多数语文教学课件都不能在一定程度上与教学规律以及学生现状进行有机配合,上述情况都限制了多媒体技术在高中语文教学中的应用。 三、相对措施 1.课堂关系的科学处理。广义而言,高中语文教学并不是学生对知识进行简单认知的过程,其是情感活动相对丰富的一类学科。在进行具体语文教学的过程中,应该处理好多媒体和教师以及学生三者之间的关系,在协调三者关系的基础上突出语文教学中的情感表现。在处理接收器和屏幕图像的关系上,三者之间的关系则是相互交流和影响的,所以我们应该在具体语文教学中加强三者关系的协调以促进教学效果提升。 2.感性认知与理性认知结合。对多媒体声像进行有机结合,可以使信息传递更加快捷。但是这种情况却不利于语文本身文学性的发挥,同时也使学生对语文知识的理性思考能力降低,并在一定程度上降低了学生的综合实践能力。文字表现能力思维是没有限度的,但是多媒体声像表现力却是相对有限的,因为多媒体在转载信息时会产生信息遗漏。我们只有对感性认知和理性认知进行科学处理,才可以提高学生分析问题和解决问题的能力,也提高了学生在整个学习体系中的主体地位。 3.培养自学习惯。无论是教师还是学生,都不应该对多媒体教学产生一定的依赖性,所以我们应该适当培养自身的自学能力,在看书的同时也要学会思考,在思考的同时予以实践,在实践中检验真理。需要注意的是,教师应该在语文教学的过程中培养学生的自学能力,对学生进行有步骤的引导以及训练。使学生真正意识到自主学习的重要性。 综上所述,我们在运用多媒体技术进行高中语文教学时,应该权衡好多媒体教学法在高中语文教学应用中的利弊关系,通过对其发展趋势以及相关特点进行综合考虑,在自学的基础上以多媒体技术为辅助教学手段,处理好教师和多媒体以及学生三者之间的关系,使学生的综合实践能力和整体素质都有所稳步提升,并达到预期的教学目的。 浅谈语文教学中多媒体技术的应用:浅析在初中语文教学中运用多媒体技术 初中语文教学的任务,一方面是让学生快速准确地获得运用语言文字的能力,正确理解和熟练运用语言文字进行生活、交流、实践和创造;另一方面,要起到陶冶情操,激发灵感,培养想象力和创新力,发展健康个性,形成健全人格,提高人文综合素质的作用。然而传统的教学活动使语文教学长期处于尴尬的境地,导致语文教学效果低下。多媒体技术的引入可以使教学得到很大的改善,对提高语文教学效率有着显著作用。 首先是信息载体的多元化,它可以通过多种媒体如文字、图形、声音、数据、动画和视频(图、文、声、像)等对信息进行统一的数字化处理和交互化处理。其次是接受形式的多元化,这使得语文课堂由单一的以耳闻为主的接受方式变为以视听等多方位的接受方式,并且使信息的获取数量和速度都有了很大的提高。 兴趣是最好的老师,有了兴趣,学生注意力才会集中,思维才会活跃,才能充分发挥学生听说训练的积极性、主动性和自觉性。利用多媒体演示再现课文中用文字描写的情境,容易引发真情实感,使学生产生联想、想象。 一、运用视频资料再现情境,激发学生的学习兴趣 大自然是个绚丽多彩的世界,是个变化无穷的“万花筒”,它的美千姿百态,中学教材中有关自然景物的优美描写,有河流山川的壮丽美,有花草树木的生机美、秀丽美,还有名胜古迹的神奇美,等等。正如叶圣陶先生所说的:“只要动手去采,随时会发现晶莹的宝石。”但是大自然虽有取之不尽,用之不竭的美的源泉,有些却在千里万里之遥,又不可能让学生随时身临其境,亲睹之景,这时,多媒体可以助一臂之力。通过优美的风景录像再现课文景物。让学生感到美景即在眼前,并进入其景可观、其物可赏、其声可闻的境地,受到美的熏陶,进一步激发了学生的学习兴趣。 如教学名著之《鲁提辖拳打镇关西》,可以把电视剧《水浒传》中鲁提辖拳打镇关西、大闹五台山、倒拔垂杨柳、大闹野猪林、占据二龙山等片断剪辑下来,应用到教学中。同时引导学生了解鲁智深,会讲述他的故事。还要指导学生观察鲁智深的言行举止乃至神态变化,分析思考、讨论鲁智深的形象特征。教师又可以利用多媒体播放《好汉歌》等电视剧中的歌曲,并链接后人对鲁智深的评价;还可以同《水浒》中其他人物进行比较阅读。这样既丰富了教学资源,拓宽了学生的阅读视野,增加了语文课堂的教学容量;又为学生的课外阅读指明了方向,调动了学生的学习兴趣,减轻了学生语文学习的负担。 二、运用动画资料再现情境,激发学生的学习兴趣 例如我在教学《斑羚飞渡》一课中最激动人心的场景:老斑羚要用自己的身体为小斑羚做“踏板”,这是以牺牲生命为代价的飞渡,是课文中关键的情节。在组织学生阅读的基础上,可以从网上下载用Flash制作的课件,动画式展示了斑羚飞渡这悲壮一幕。 小斑羚顺利飞渡之时,正是老斑羚跌落深谷的那一刻,小斑羚连续不断的成功飞渡伴随着老斑羚令人心碎的咩咩声,令学生惋惜不已,他们的心灵为老斑羚们无私的牺牲精神所震撼。这种惊心动魄的效果是单纯用口头语言描述所无法得到的。 三、运用图像资料再现情境,激发学生的学习兴趣 我在讲《春》时,就用录像来再现课文中的画面,表现春草图、春花图、春风图、春雨图和迎春图。在教学这篇课文时,我们播放描绘春天的录像。教学中,学生从屏幕上见到小草偷偷地从土里钻出来,嫩嫩地、绿绿地;风吹杨柳,柳条摆动;桃树、杏树、梨树你不让我,我不让你竞相开放;连绵的细雨滋润着农田,农民披着蓑,戴着笠在辛勤地劳作;快乐的孩子们欢跳着,风筝在天空中尽情地飞舞……学生全神贯注地看着屏幕,尽情地品味“一碧千里”、“流水淙淙”的美丽内涵,书面文字在学生头脑中形成了活生生的画面,使学生深刻地理解了春的美景,体会出作者写作本文的意图。 《看云识天气》是一篇科普说明文,文章介绍了多种云的形态及其可能带来的天气变化。文章虽然较生动形象地描述了各种云的形态,但是对于生活阅历不够丰富,抽象思维能力不强的中学生来说,那一个个生疏的气象名词,那一种种差别不大的云,着实让很多学生望而却步。这时,该是多媒体大显身手的时候了。我通过多种途径查找到相应的云的图片,配以简要的介绍文字,使学生对每种云都有了直观的认识,在此基础上再阅读文章,对文章的写法有了更深刻的理解和认识。这样本课的教学难点就突破了。 四、运用音响营造氛围,激发学生的学习兴趣 再现情境是运用多媒体将语言文字所描绘的情境直接通过听觉或视觉进行信息传输,然而,有些情况下的情境是难以再现的,于是我们可通过多媒体营造相似相近的氛围,以调动情绪,激发兴趣。 古诗教学难是人所共识的。它不仅难在作品的时代、人物的思想与当今有一定的差距,而且难在诗意储蓄上。而运用音响渲染情境,可达到良好的教学效果。一首悦耳动听的乐曲,配以色彩鲜明生动的画面,同时辅助于丰富的语言描绘,不仅使学生产生了如见其人,如闻其声之感,沉浸于诗人所描绘的诗境之中,而且能从中领悟到诗人的思想感情,受到美的熏陶。 我在教《送元二史安西》一诗时,配以委婉的古曲《阳关三叠》,再加上教师的范读,一种凄凉的情调似乎在向学生诉说诗人王维在送友人离去时那种依依不舍。这样,有效地激发了学生的兴趣。 在教学曹操的乐府诗《观沧海》时,在课件中引入一段曹操东临大海,即兴赋诗影像。学生完全陶醉在那浩瀚的沧海,那雄浑的声音,那博大的胸怀之中。学生们进入到多媒体课件所带入的情境中去了,他们兴趣浓厚,思维活跃,主动探求,为下一步的学习营造了良好的氛围。不用老师苦口婆心的讲解,学生对诗歌所体现的诗人豪迈的襟怀已经完全感受到了。此时此刻,让学生带着这样的感情朗读课文,就自然而然地再次入情入境。学生在有感情地朗读中会进一步受到感染,情感的陶冶就落到了实处。 总之,单一的语言、文字信息容易造成学生学习兴趣下降,注意力疲劳,而运用多媒体创设情境,营造氛围则容易给学生带来新鲜感,激发学生学习的兴趣。 浅谈语文教学中多媒体技术的应用:浅谈多媒体技术在高中语文教学中的运用 《新课程标准》中要求教师“应拓宽语文学习和运用的领域,注重跨学科的学习和现代科技手段的运用,使学生在不同内容和方法的相互交叉、渗透和整合中开阔视野,提高学习效率,初步获得现代社会所需要的语文实践能力”。高中语文新教材中,有不少语言精练、意境优美的好篇目,但由于学生的生活阅历浅、知识面窄、学习兴趣不够浓等,对其中的背景、人物思想、风土人情等难免会感到生疏。如果在语文教学中,利用多媒体这一现代教学技术的特殊功能,把抽象的难以理解的知识,用生动活泼的视觉语言、文字音像具体化、实物化,使“静”的变成“动”的,就可以调动学生学习语文的积极性,增强对语文的理解能力,感受语文饱含的生命之美,进而激活语文课堂的灵魂,为高中语文课堂开辟一片新天地。下面就结合多媒体技术与高中语文教学谈一谈对多媒体教学的几点认识。 一、创设情境,激发学习兴趣 现代化的多媒体教学集“声、色、画、乐”于一体,能充分调动学生的感官,让他们对所学的知识兴趣盎然。正如孔子所言:“知之者不如好之者,好之者不如乐之者”就从侧面反映了兴趣的重要性。那么在高中语文课堂教学中,利用信息技术来巧妙的创设情境,激发学生的学习兴趣,在愉快和谐的情景中,学生的智力能得到充分的展示,自然而然地就会迸发出学习的积极性和主动性,增强课堂活力,提高教学效率。如在教学《滕王阁序》一文时,古文本身就单调乏味,学生预习全文后,由于生疏的文字,不能让他们感受文章所描写的美。针对这种情况,笔者便在课前下载有关滕王阁的视频,收集关于滕王阁的图片,通过多媒体让学生观看滕王阁的壮丽景色,学生的兴趣被大大地激发起来,优美壮观的画面,使得学生的所有细胞都被调动起来,在播放视频的过程中,笔者还穿插了配乐朗诵,让学生观其景,闻其声,深深地沉浸于视听盛宴中,引起了他们的审美情趣,并获得审美的愉悦。在这样的情形下,他们会产生很大的兴趣去背诵体会,并能主动结合试听去加深理解课文。创设视听情境,调动了学生的视听感官,激发了学生的学习兴趣和求知欲望,代替了教师枯燥乏味的口授,营造了学生主动学习的良好氛围,使师生仿佛身临其境,提高了学生的学习效率,收到了事半功倍的效果。 二、有效交流,提高合作能力 新课标要求“学生在个人钻研的基础上,积极参与讨论及其他学习活动,善于倾听、吸纳他人的意见,学会宽容和沟通,学会协作和分享”。多媒体信息技术的有效利用,可以通过局域网及小组合作交流来提高合作学习能力。如在教学《人民英雄永垂不朽》一文时,笔者利用多媒体和校园网络建构了“人民英雄永垂不朽网页”。搜集有关人民英雄纪念碑的照片,有关抗日战争、解放战争中英勇就义的英雄们的文字材料,人民英雄纪念碑的设计思想和建筑特点,有关文章字词句研究的内容,并配以多媒体的图文声像,对课文内容进行补充。这些内容共同组成了一个大课堂,增加了课堂的容量,为学生的认识能力、个好创设了发展的空间。学生通过教师的引导,共同阅读、思考参考资料,发表自己的见解,进行讨论交流。通过这样的自主学习和合作探索,他们的思维智慧得到交流与共享,大家都可在众多不同的看法认识中,获得相关的历史和人文环境知识。这样使得学生的合作探究能力得到淋漓尽致的发挥。 三、增加容量,扩大学生视野 多媒体教学的特点是能把课程资源显现在学生面前,它与传统的教学方法相比,在知识传递中表现出特有的优势,它不仅资源丰富,课堂信息容量大、而且生动形象、直观、接收面广、参与性强,扩大了学生的视野,给传统的语文教学注入了新的活力。譬如高三的语文复习与多媒体相结合,大大扩充了课堂容量,提高了学生的复习效果。比如讲授《高考备考之病句专题》时,笔者在一节课内将近五年来的本省高考病句题展示给学生,同时还利用网络链接了其它省份近年来的高考病句题,并认真作了分析,明析高效,学生收获较多,他们直接从屏幕上获取比较全面、直观的知识,这样既增加了课堂教学容量,扩大学生的视野,提高了教学效率,也极大地调动了学生学习的积极性。 总之,经过近年来的不断摸索,笔者深刻认识到:多媒体教学有利也有弊,它的优越性是主要的,运用得当可以使我们的语文课堂教学锦上添花,大放异彩;运用不当则事与愿违。如果盲目地依赖于多媒体技术,把所有的教学内容、教学环节全部使用多媒体演示手段再现出来,那么整节课教师就只起到了解说员和放映员的作用,而起不到应有的主导作用。因此在运用多媒体技术进行高中语文教学时,我们要抓住信息技术的优势,以更新的思考精神和更具有创造性的教学活动,去精心搜集整理、选择适合的教材内容,符合学生特点的信息媒体,选择适当的教学时机,灵活运用信息手段,来优化我们的高中语文教学过程,充分调动学生的主观能动性,让学生在积极参与、努力探索中学到知识,提高能力,激发强烈的学习兴趣,从而让多媒体技术真正开辟语文课堂的新天地! (李斌 江苏省淮安中学 223200)
学术期刊封面设计创新探讨:学术期刊封面设计原则的分析与探索 摘要:阅读封面是读者接触期刊的第一步。期刊封面能否在第一时间吸引读者,并且直观地反映期刊的主旨,对于它的发展是至关重要的。现如今,简单的封面设计已经渐渐不能满足读者对于文化和审美的需求。单一的形式不能达到让人眼前一亮的视觉效果,从而影响着读者对于期刊的期待。本文通过对我国部分学术期刊封面设计的现状分析,提出学术期刊封面设计的几点设计原则。 关键词:学术期刊;封面设计;设计原则 一、我国学术期刊封面设计现状及意义 人们对一个刊物评价的高低,不仅同登载的文章有关,还同它各方面的设计有很大的关系。其中,封面设计的好坏是很重要的一个环节。封面设计需要同文章的内容、每一期的主旨或者和期刊的定位保持一致。这样,读者在没有阅读内容之前,便能从封面传播的信息中,对这期的内容进行一番判断。并且封面的设计,也会激发读者的好奇心,进而产生阅读欲望。学术期刊在分类广泛、五花八门的期刊中,属于理性、权威的刊物。刊登在其中的文章都是深奥有远见的,蕴涵大量的知识,有着浓厚的学术氛围。这是大众对于学术期刊的一个良好的印象,但同时这种印象也让很多人对学术期刊望而却步。为什么大众会产生这样的想法呢?除了文章本身的专业性之外,很大一部分原因也取决于其封面带给人们的严肃甚至于无趣的感觉。 在国外期刊装帧印刷日趋精美,我国出书人也已认识到“没有装帧,就没有出版”,开始将装帧设计看作书籍出版战略的重要环节时,学术期刊却仍旧致力于证明文章的质量是否过关,才是检验好坏的唯一标准。因此,现如今的封面设计往往还是被看作次要工程,只要封面保持规范、低调和儒雅的气质就可以了。并且因为学术期刊内容综合性强,包含学科广泛,难以找到文章的共同点,因此很多编辑工作者便以简单的形式来做设计。这样的理念持续了很长时间,但社会发展至今,此理念则显得过于呆板和沉重,以至于让大众对于学术期刊产生了敬而远之的心理。通过对一些高校学术期刊封面的研究发现,他们的封面大都存在着模式化、单一化、轻艺术的特征。构图简单但无新意和特色;颜色单一或者为了方便,直接放一个建筑物的照片。这种无装饰或者少装饰的理念并没有带来庄重严谨的效果,反而让人产生过于严肃和呆板的印象,而且也没有让读者第一时间抓住主旨,只是单纯地作为一个封面存在着。学术类的书籍,里面虚的部分很少,没有花哨的图像来吸引读者的视线,所以封面作为读者阅读期刊的第一视觉点,便应该承担相应的责任。 近几年来,我国学术期刊在数量和质量上都有了飞跃。根据全国高校资料中心的统计,1977年,中国高校学报大概只有150家,30年后的2007年,高校文科学报数量就已达到1130多家。到目前,国内大约有9230多种综合期刊与专业特色期刊。在内容上,学术期刊的定位已经非常明确且可变动的方面很小。但是,在期刊的封面设计上,我们仍有很多工作和想法可以实践。这对于期刊的工作者来讲,是一个对于自我的挑战;对于读者来说,可以更容易地理解一本期刊的办刊宗旨,并且提高他们对封发表在一本用心制作的期刊上,是对他们的一种肯定与鼓励。因此,学术期刊的封面设计是一种精神的回馈,学术期刊封面设计的自我提高、自我完善、自我发展,对全面提升我国学术期刊质量,有着十分重要和深远的意义。 二、国外学术期刊封面设计现状 国外很多学术期刊工作者,一直在不断地进行期刊的探索和突破。和我国期刊工作者稍有不同的是,国外大部分期刊不仅要求提高稿源质量,同时要求在期刊封面设计上也要与时俱进。不管何时,科学与人文的融合是科学家与哲学家长期以来的追求,共同关注的话题。一些著名的学术期刊,封面采用一幅或者多幅精美的图片,图片除了蕴含着大量有关刊物的内容、除了体现了学科背景之外,精美的图片还能够从视觉上陶冶读者的情操。久而久之,这样的封面构成了一系列图片作品、串起了一整个故事以及一期刊的历史。这种插图式的封面设计广受国外学术期刊读者的喜爱。因此,“可视化”作为近几年重要的传播手段,备受影响因子较高的国外顶级学术期刊的重视。 可视化的传播运用图像、插画等形式,在推动科学、文化发展的进程中,发挥了重要的作用。能有如此好的效果,其原因在于它可利用的艺术形式的多样性。它可以运用中国的水墨艺术形式、日本浮世绘的风格、简洁明快的线条、甚至可以是卡通的形式,随着内容和主题的变化,表达的形式也随之变化。这对于打破传统、枯燥、古板的学术期刊封面样式,带来了新的途径和发展。如2016年8月刊出的Cell杂志封面,针对里约奥运会而策划设计的运动相关研究成果的主题封面,封面图片描绘了中间体对NAD+支持肌肉功能,将奥运热点与抽象的科研成果进行完美结合;国际材料学科知名期刊《Journal of Materials Research》,2016年第6期封面的照片揭示了其中一篇有关复合材料在拉伸过程中失效裂纹的起源,并为该材料的增强机理――载荷传递提供了证据。 随着席卷全球的数字化、网络化的发展,国外一些顶级学术期刊开始将其封面动态化。据调查,动态化在国外顶级学术期刊封面中的应用高达80%。利用电脑渲染等方式,将读者不能很好理解的封面主题,在不影响学科准确性的前提下,结合艺术的处理手法将其制作成动态的形式,有助于更好地理解和诠释一些科学类期刊抽象的研究主题,并且充满了人文科学的味道。 三、基本设计原则 (一)科学性原则 1.规范性原则 无规矩不成方圆,在出版界同样如此,每种类型的刊物都有它相对应的规范,学术期刊作为学术和权威的代表,更要符合标准。仅就封面而言,公开出版发行的学报包含诸多项目:(1)中文刊名(2)汉语拼音刊名(3)国际通用文种(如英文或拉丁文)刊名(4)中国标准刊号(包括国内统一刊号及国际标准刊号)(5)出版年份、卷次、期次(6)分版分科学报的学科属类(7)条形码(8)主办学校全称(刊名已反映主办学校全称者可不标)。不仅如此,在字符的使用方面也有很多讲究。在期刊封面设计中,期刊的刊名是很重要的一个设计因素。对于文字的选择,要从字体和字号以及期刊的类型和主题来考虑,要选择合适的字体和字号强调并突出刊名,避免用花体或者异体等不符合规范以及学术期刊的严谨性的字体。 2.连续性原则 与通俗类刊物和独立出版的书籍不同,学术期刊的封面设计是连续统一的。所谓连续统一性,是指以时间为单位,要求确定这一时期内,每一期刊物封面设计的一个走向和趋势,让读者可以清晰地察觉出,在此时间段内整体的学术氛围特点。而通俗类的刊物和独立出版的书籍则没有这样的要求,他们的封面设计是求新求异的,要最大限度地表现每一期的特点和优势,要充分地自我展示,尽量打破以前的模式。我们可以把这类刊物比作是单独的个体,而学术期刊是存在于集体环境中的,要遵循集体环境的纪律,展现出集体的气质和面貌。在这里需要强调的是,虽然学术期刊具有“集体性”,但是每一期期刊也是作为个体存在的。很多设计者会将连续性等同于一成不变,这是认知上的一个误区。连续性是要寻找每一期期刊之间的相同点并且延续下去,而不是给他们都穿上相同的外衣,彼此之间就像是克隆体一样。那么,设计者应该如何去确保连续性呢?首先,连续性的想法可以看做是封面设计的一个前提,设计者要讨论出整体表达的意境氛围;然后,将这种集体的意识贯穿在每一期的设计中,确立版面的布局、图形图案、颜色等其中一个或者几个要素。比如,我们可以保持颜色和字体的统一来确保“集体性”,通过变换每一期的排版和图形表达个体语言,这样既保证了连续性的原则,又展现了每一期的“个体性”,风格统一又充满变化。 3.统一性原则 学术期刊是学术权威的象征,在期刊的封面设计上也要充满知识性,要避免同休闲类或者生活类型等刊物混为一谈。编辑人员要充分了解学术期刊的定位,从期刊面向的读者群体出发,要符合学者、技术人员、喜好专业知识的读者的品味,竭力营造学术氛围的同时,结合艺术的表现手法,设计出,简洁、大方、严谨的期刊封面。这就是我们所说的形式与内容的统一。 在封面美术设计中,不管是具体还是抽象或隐喻的表现手法都必须紧密贴近刊物的性质和内容,切不可把一些与刊物内容不相及的图像生搬硬套于封面,否则会削弱刊物的主旨,给读者造成误导。不掌握期刊的本质,是无法实现和创造出好的封面的。学术期刊内容和封面的恰当定位,可为期刊巩固其在学术领域的地位注入强大的力量。封面设计是对多种信息整合浓缩并释放的一个过程,要求设计者具有较高的整合信息的能力并且懂得如何用设计语言将这些信息表达出来。例如《河南师范大学学报》自然科学版,从封面提供给我们的信息当中,我们很容易就可以总结出这是有关自然、环境、科学等信息的刊物,这样的设计很简单直观又能充分表达出期刊的科学性;同样属于科技类学术期刊,《航天器环境工程》,其封面背景也以地球为主,但是通过航天器卫星运行的轨道以及背景颜色所展现的深邃遥远的感觉,让人很直接地联想到了太空航天等内容。 (二)个性化原则 现今出版发行的书籍刊物数量庞大、种类繁多,除却内容之外,想要从中脱颖而出,第一时间吸引读者的视线,便要求书籍刊物具有独特的个性。个性对于人而言是非常重要的,一个人缺少个性会稍显平庸,淡化他在其他人心中的印象,不过普通对于人来说并不是一个缺点,但是对于设计来说,没有特点、无印象的设计却是致命的。从这个方面来看,梳理封面的个性化就显得尤为重要了。很多人认为,对于学术期刊来说,封面是没有必要彰显个性的。这种看法很容易误导人们的想法――学术期刊是无个性的、无趣的。其实,学术期刊正是因为它的学术性,因此才在各类刊物中成为一个特别的存在。所以,在封面设计时,也不应该抹掉它的特别与个性。就像衣服之于人一样,人的内在固然重要,但是好的形象在人物评价时会起到加分作用,正所谓是“内外兼修”。但是“个性”,并不是为了彰显特别而做出一些不符合自身特点的事,而是最大限度地体现和发展自身的特点。清楚这一点后,在设计时就可以避免很多故意而为之的行为。比如:运用五花八门的、和文章内容或是期刊自身特点不相关的奇怪图形;或者运用卡通漫画形式的封面都是不适合的。虽然在视觉上很突出,但与期刊本身并没有什么关系,更称不上是符合个性化的原则了。 个性化的封面设计,所达到的效果不只是第一时间汇聚x者的视觉焦点,学术期刊个性化的封面设计也是具有“品牌价值”的,它能够直观地、快速地让人掌握一本期刊的“品牌特征”:它的普及度、行业地位、美誉度等。想要快速地掌握这些,通过阅读几篇文章是做不到的。然而个性化的封面设计是一本期刊内在的融合与释放,是一本期刊的“代言人”。因此封面就成为了建立“品牌价值”对话的平台。 学术期刊因其具有学术性和严谨性,在封面设计上会有诸多限制,常常会造成多个期刊封面似曾相识的感觉,形成独特的个性,是在设计时需要着重考虑的问题。《船舶与海洋工程》的封面设计,仔细观察可发现,设计者在设计时是极为用心的,颜色、图像的运用都十分有技巧。整个封面以蓝色为主,背景利用曲线形成一道道波纹,中心是一座帆船的剪影,每一处都同船舶与海洋紧密相连,但又不落俗套,独具匠心;《科学信号》的封面很有趣味性和科学性,像是被解构的分子或是细胞,又像是一个人在冲读者招手。这样的封面不仅体现了形式和内容统一的原则,符合规范又具有特色。 个性化的设计往往是具有艺术美学性的。设计时要充分掌握期刊的精神,并且利用各种元素――图形、线条等,各种表现手法――具象、抽象等,掌握各种表现语言并融合各种美学特征,这就是个性化设计的关键,这一过程也是艺术创作的过程。因此我们可以说,学术期刊的封面设计中,个性化的原则和艺术美学性的原则是不可分割的。在下文,我们将会具体分析艺术美学性的原则。 (三)艺术美学性原则 美学适用于各行各业,因为它是从人的角度出发,寻找万物与人审美的和谐统一。从实用性角度来考虑,设计作为实用性美术,最为贴近大众的审美,因为设计的主旨是服务于大众的,可以帮助达到功能的实现。一个成功的期刊封面设计是具有“引力”的特点,它可以引起读者的注意,提高阅读的兴趣,从而促进销量,让更多的人阅读;从精神角度来考虑,期刊的封面设计是具有艺术性的。设计师从整合内容、主旨,到提取关键要素,解构再创造的过程是艺术创作的过程。读者从欣赏封面的装饰效果出发,这种效果带给读者视觉上的冲击并引起共鸣的过程,是艺术欣赏的过程。并且由于封面的设计融合了整本刊物的核心思想,是期刊精神的浓缩,随着每一期刊物的出版,期刊封面也阐述着不同时间段的精神,它是具有时代感的。好的封面会让期刊不仅仅是一本刊物,当它充分体现出人文艺术特征的时候,便有了收藏价值。所以,在期刊封面设计中,美学的设计原则是不可或缺的。 1.简约的构图排版设计 现代主义建筑大师密斯・凡・德罗的一个非常重要的设计思想就是“少即是多”。人们在经历了各种美术运动后,开始重新审视装饰和艺术,反对维多利亚时期过度装饰的风格,提倡简单的、抓住精髓的、具有实用主义的设计,不画蛇添足,反而能够带给人们更多的感受和思考。极简的设计会带来精神上的放松,让人们从复杂的生活跳脱到一片干净、宁静的世界,这也是充满禅意的设计风格。简约的设计原则不仅对建筑设计有重要影响,而且也深入各个设计学科,国外很多优秀经典的刊物、书籍封面设计都遵循着这个原则。 简约的设计不代表“零设计”“无设计”,而是简单大方,排除杂乱的排版、减少花哨的颜色和繁琐杂乱的图形、图案,使封面更加直观和清晰,更有秩序美。学术期刊代表着严谨的态度,过于复杂繁琐的封面会破坏这种知识带给人们的美感。简约的设计不仅符合学术期刊的精神风格,也符合美学的表现形式。像绘画中强调的“留白”,即以少许胜多许,留下相当多的空白,让读者品味有意味的形式,产生无限想象力。 学术期刊封面的构图元素包括色块、符号、线条、图形以及其他装饰等。应用这些元素设计,既可以表达期刊的核心、定位、内容,也容易满足学术期刊简约的设计原则。如国外教育类期刊,封面设计简洁、高端,将刊名置于中心,第一时间锁定视线,黑色的背景,彩色的线条,除此之外没有过多的装饰,但是却会让人思索良久;《编辑学报》同样也是利用简单的色彩和线条来表达简约的设计原则,其设计的高明之处在于用三条线将整个封面做了切割,并且比例协调,像是黄金分割一样有一种理性美。左侧的空白让整个封面空间得到了升华,充满了张弛有力的味道。 2.色彩的运用 色彩在视觉传达中有着优先于图形与文字的优势,是视觉传达中最活跃的因素。色彩是人类情感的直接体现也是最具有感情的表达方式,能够直观地体现出人的审美和品位。色彩总是在不知不觉中发生作用,左右我们的情绪。著名书籍设计家吕敬人说:“不同的色彩传递给我们的情绪是不同的,在阅读过程中,读者是用心灵去体会颜色的姿态,对颜色产生情感的共鸣,恰当到位的色彩运用,对读者来说是一次美感体验。”在视觉传达中,不同色彩所带给我们的心理感受是迥然相异的,色彩表达了情感从而产生色彩心理。例如,在距离相等的情况下,不同的色彩所产生的距离感是不同的,这就是色彩的前进感和后退感;对比强烈的色彩给人突出的感觉,温和的色彩给人圆滑的感觉;密集的色彩给人丰满的感觉,疏松的色彩给人简洁的感觉,等等。封面设计中的字体与色彩语言也是有一定联系的,文字的清晰程度即文字的识别性往往可以通过颜色表达出来,亮色相比暗色的字更能刺激人的视觉。例如《南水北调与水利科技》,在图左边的设计中,刊名采用亮色衬于深色的背景上,既是深色面积较小,仍然在视觉上突出了刊名;右边的图中,刊名虽然与刊名背景做了对比,但下方的深色图像背景更加抢夺视线,所以淡化了刊名的清晰度。 学术期刊的封面能否吸引读者,在成功的版面设计下,色彩有着锦上添花的作用。色彩是一种静态的语言,每一种颜色都有它自己的特点,再配合图案、文字,体现刊物的气质和格调,展现出很多不同的动态效果。设计时,可以选用黑白灰这种常用的组合方式,体现素雅和沉稳,彰显其深厚的底蕴。也可以打破常规,运用对比色、亮色与暗色、冷色与暖色等各种对比关系来获得色彩美的效果,w现出层次感,跳出以往学术期刊给人留下的比较沉重的印象,使读者眼前一亮。封面色彩的设计不能单一地看某一个颜色,多个颜色配合所产生的效果和象征性才能形成整体性。但从学术期刊的严谨性、严肃性、专业性考虑,用色种类不应太多,色彩的搭配不可运用得过分艳丽、浮夸、轻狂。相对其他的期刊,学术期刊颜色的选择应当贴合期刊的主题并且要符合期刊的性质,才能与相关领域内阅读者的审美情趣相符合。稳重、优雅的学术期刊封面色彩设计,会使学术氛围更加的厚重。颜色确实可以赋予一本期刊更多的生命力,但是它是从属于期刊的,不能跳脱出期刊的内容和风格,它是具有表象意义的。比如儿童阅读的刊物就不能用过于晦暗的颜色;男性阅读的刊物常用黑色,黑色显示刚毅的特征;学术期刊具有一定的权威感,封面忌用颜色的堆积,哗众取宠。《重庆电子工程职业学院学报》和《航空学报》都没有多余的装饰,仅仅是利用颜色就有强烈的视觉感。图5中颜色的变化和选取都极为柔和不夸张,仿佛电子云一样的效果,证明了电子工程也是充满美的学科;《航空学报》在颜色选取上极为简单,蓝色和白色象征着天空,版面干净又有张力,将有限的封面空间无限扩大。 3.图像的应用 图像在视觉上,具有强烈的认知感。当人类还没有发明文字的时候,远古时期的人们是用画图的方式记录并传播文明的。经过岁月的变迁,人们发明了象形文字代替复杂的图形,又经历了一系列的演变到我们现在使用的文字。因此,我们可以将文字看作是图形的一种,它们都是传达思想和内容的主要形式。图像之于表达外,它的艺术性是不能忽视的。当我们谈到可视的艺术时,是离不开图像的。现今的学术期刊封面设计中,图像的应用很广泛,但是却往往丢掉了其艺术的特点。目前我国很多高校学报的封面设计,相较于国外某些学术期刊,图像应用还处于初级阶段,常用的方法是把学校的背景图直接放到封面上,或者直接截取某篇文章中的图片放到封面上,这样的图像运用是缺少思想的,而《湖南城市学报》在这一点上相对做得比较好。它用手绘线条的方式将建筑物的外观呈现出来,这是一种艺术的变形,不但达到了使用建筑图像的目的,而且使封面更为简洁大方;而《现代职业教育》这种方式则逊色很多。除了上述例举的固定图形之外,系列化的图像应用,可以更好地做到增加阅读兴趣和利于收藏的效果。系列化不但保证了每一期刊物的独立性、个性,更是对每一阶段登载文章主旨变化的总结和表现。在具体设计时,我们可以将图像分为具象和抽象的两种形式,配合一些形式上的变化,就可以达到很好的效果。像医学期刊或者工学技术类期刊,因其内容往往比较抽象,可以通过提取主要内容并通过抽象化的图形进行表达。 (四)创新的原则 现在,纸介质的传播方式逐渐受到新媒体网络融合时代的阻碍和考验。人们对于新媒体传播方式的接受度之高,阅读纸介质期刊人数的不断下降,应该引起每一位编辑同仁的关注。唯有创新,才能够迎合时展的脚步。就学术期刊封面设计来说,仅仅将做好的封面以电子化的形式放于网络上,是不够的。国外顶级学术期刊,已经将可视动态化作为封面设计的新思路和设计发展的关键。动态化的封面可以就某期主题做分析演变,使读者对这期主题有更形象、更直观地了解,从静态思考到动态分析,不仅达到了阅读的趣味性,也是对阅读理解的一个升级。因此,我国学术期刊封面设计者也应加入、加快对动态化封面制作和设计的学习研究中,把握好时展方向, 四、结论 每本书都有自己的声音和色彩。翻书有声、设计有声,这些声音交汇在一起,才能形成一幅幅画面和故事。封面作为书籍刊物的门脸,是读者阅读的第一步,它应该是肩负着重要责任的。尽管学术期刊是严谨的,但是它也有自己的声音和故事。在设计学术期刊的封面时,设计者要遵循好的传统并且不断致力于打破学术期刊封面设计死板的模式,时刻关注时代的发展趋势,把握好设计的几个原则,重新塑造读者对于学术期刊的印象。 学术期刊封面设计创新探讨:学术期刊封面设计的美学审视 封面是学术期刊的重要组成部分,它体现着期刊的办刊特色、学术层级、价值判断和审美情趣。随着人们物质文化生活水平和美学修养的普遍提高,学术期刊在努力提高办刊总体水平的同时,也应当注重期刊的艺术表现力,讲究期刊的封面设计和装帧,使其达到庄重、简朴、美观、大方的视觉审美效果。 学术期刊封面设计的美学原则 审美性原则。学术期刊的内在内容主要是指一些有学术价值的研究论文或研究报告,外在形式则指封面的装帧、版式设计等。提升学术期刊刊物层次不仅要严把选题、组稿、审稿、编辑等质量关,还应当抓好封面装帧设计这一重要环节。努力做到学术期刊既有编辑内容美,又有编辑形式美;既有具体美,又有抽象美。因此,学术期刊编辑应当学会用现代编辑美学知识,加强审美意识,充分挖掘期刊蕴涵在学术气质、个性特色、文化意蕴、科技氛围中的美学因素,把握好装帧艺术的设计理念,诱发读者的审美情趣,使学术期刊封面有淳厚的审美力度。 学术性原则。学术期刊是传播科学知识,弘扬学术精神的前沿阵地,是促进教学科研成果转化的重要基地。学术性永远是学术期刊的第一要务。这一本质属性不仅体现在学术期刊刊载的具体内容上,也体现在学术期刊对封面形式的美学追求上。因此,任何偏离或违背学术性原则的期刊,其封面设计都是不成功的。 个性化原则。学术期刊内容的学术性决定了其形式的严肃性,但它不同于通俗文艺期刊和科普类期刊,个性特征明显,主要表现在能够让读者感知、接受和认同期刊的风格定位上。在对学术期刊进行封面设计时,应兼顾其环境文化和个性特征,既注重统一规范,又不能设计单调;既强调美观新颖,又要防止“市俗化”、“花哨化”偏向;既突出实用性,又要不落俗套,以致失去个性。只有这样,学术期刊才能在有限的版面资源中,无限地彰显其个性特征和独特创意。 稳定性原则。学术性期刊与通俗性刊物在封面设计风格方面明显不同。一般来说,通俗性刊物注重时尚性,求新求美,其封面设计的主题元素呈现出多元性和易变性的特征;而学术期刊讲究严肃活泼,不落俗套,其封面、装帧、版式设计严格按照国家标准(GB)和国际标准(ISO)的条文规范执行,具有较强的稳定性。 学术期刊封面设计中的美学体现 学术期刊的形式美。在标志色设计方面,学术期刊的表现往往过于保守,表现在构图简单,色彩暗淡,在封面层次设计上也比较单一,严肃单调、缺乏活力,很久以来都是学术期刊封面设计的主旋律。其实,从编辑美学角度来看,灰色调和呆板的构图不一定就是学术期刊的主要元素,学术期刊不是天生的“灰姑娘”。在具体封面设计中要注重标志色的选择。一般来说,彩色标志较灰白色标志具有更强的视觉冲击力。据了解,有些学术期刊在选定标志色时一般通年一色,也有经常变化的。凡此种种,各有利弊:不变化给人以单调感,变化频率过快又使人难以捉摸。因此,学术期刊在选择封面的标志颜色时应遵循有变化,但变化不宜过多的原则。很多学术期刊将一年列为一卷,以卷为周期,在一卷之内进行色调更换,既有新鲜感,又有规律性。按季出版的学术期刊,可依四季之景的不同来选用标志色。例如:第一季度选用绿色,象征着春天的勃勃生机,第二季度选用蓝色,象征着夏季的万木葱茏;第三季度选用黄色,象征着金秋的累累硕果;第四季度选用褚色,象征着寒冬的深沉凝重。双月刊的学术期刊,第一期选用橙色,第二期选用绿色,第三期选用蓝色,第四期选用黄色,第五期选用灰色,第六期选用褚色。有些学术期刊在封面的四分之三以下的位置,用一条反白线分开,以破为活,有的在封面上放一幅风景照。只要选用合适,达到学术期刊整体和谐的审美效果,也是可取的。另外,为了体现学术期刊的严肃性,封面的标志色一般不宜超过三种。在对学术期刊封面所选用的图案、文字和色彩进行设计时要遵循简洁大方的原则,如果线条、色彩过分繁琐,其审美效果反而会适得其反。《陕西师范大学学报(哲学社会科学版)》在设计其封面时便十分注重这一方面,其封面设计图案简洁、线条明快,看起来醒目大气,富有活力。 作为学术期刊封面信息中的首要元素,刊名应置于封面的突出位置上,一般来说,刊名要放在封面的上部或者下部大约l/3的位置处,这是比较醒目的位置。刊名文字可以横排或竖排,为了达到良好的视觉效果,还可以在刊名的周围加上线条、花边或者底纹等图案进行修饰。对于封面上的其他信息,比如英文刊名、条形码、卷、期、国际刊号和国内刊号等,可以选择采用黄金分割法等方法,运用对称、统一以及视感错觉等构图原理,巧妙布局,使期刊封面各构成要素排列有序、重点突出,达到学术期刊封面设计的视觉美感。为体现学术期刊的学术性和严肃性,在不影响期刊封面美感的前提下,封面上的其他文字信息也可以采用正规的印刷体,但字号一定要小于刊名文字的字号,不能喧宾夺主。 学术期刊封面图形设计形式多样,一般可分为写实图形、写意图形、抽象图形和意象图形等。封面设计时应对必须标注的如刊名、刊号、卷期号、责任者的文字、符号等信息要素在规范许可的范围内进行艺术加工,但必须体现期刊的学科特点和定位,用最具有表现力和个性化的构图方式,力求用简洁、抽象而又寓意深刻的构图和画面凸显主题,构建风格独特的封面图案。可综合运用形象、图案、色彩、文字等艺术手段,使各要素之间互为衬托。有时,也可以用写实或写意的手法凸显需要表达主题、展现封面这一作品的艺术内涵。 学术期刊个性美。受刊物定位的影响,学报的个性也呈现出多姿多彩的个性化倾向。如专业特色、地方特色等。如何运用艺术的手段将学术期刊的内在特色表现出来,也是编辑美学需要解决的问题。笔者认为,学术期刊可通过特定的色块、标准字、图案和徽标等元素凝练特色,展现期刊封面的个性美。 利用色块来展现刊物的特色。如,为强化“航空”院校特色,《郑州航空工业管理学院学报》在进行封面设计时大胆使用了大面积的天蓝色板块,让人耳目一新,使人在阅读时能够自然联想到刊物的风格和特色。 选择特定的标准字凸显刊物特色。学术期刊的封面文字也不一定全部采用正规的印刷体,有时为了反映特定的刊物内容,可以对封面文字进行技术处理,使其能够准确反映一定的内容。例如《天津纺织工学院高教学报》的封面刊名在经过技术处理后,采用了类似针织形状的文字,别开生面,其行业特色与专业特色一目了然。 使用具有代表性的图案或者徽标表达刊物特色。某些学术期刊在设计封面时独具匠心,大胆采用一些有代表性的图案和标志,以此加深阅读者对刊物的认知程度,使人过目不忘。 学术期刊整体和谐美。学术期刊的整体和谐美体现在多方面,如构思独特、富有创意、排列有序、变化有章、色彩和谐、基调分明。学术期刊在进行封面设计时必须努力做到以下“三个统一”。 封面外在形式与表现内容相统一。封面设计是期刊刊载内容的表现形式,两者是有机统一的一个整体,并不互相矛盾。因此,在进行学术期刊的封面设计时,要充分考虑期刊刊载的内容,反映期刊的内容。由于期刊内容的丰富多样性,封面设计形式也应做到活泼多样;又由于学术期刊所刊载的是科学知识和论证严谨的学术论文,所以在表现形式上也应严谨求实,避免选用一些过于花哨、低俗、怪异的表现形式。 封面的各种构成要素相统一。期刊封面设计的主要元素包括文字、图案、线条、色块等。在进行期刊封面设计时,要将封面的整体美作为第一要务,努力将几种要素协调统一起米,力争做到整体构图工整协调,色彩选择赏心悦目,字体字号搭配错落有致。 封面设计做到每期风格的连贯统一。在日常出刊过程中,要保证期刊每期封面设计的相对稳定性。如果必须对期刊设计作出部分调整,也要保证前后各期封面设计风格的一致性和封面主题元素的连续性。举例来说,在确定学术期刊封面版式设计后,为有效体现灵活性与连续性的统一,可以在每期封面的线条、文字、图形固定不变的前提下,适时变换封面的颜色、色块,也可使用相同的线条、色块、标准字,仅仅变换封面固定板块上的图片。 总之,学术期刊的编辑工作者不仅担负着传播科学文化知识的任务,同时编辑工作本身也是将审美理念和审美追求传递给读者的过程,它使广大读者在获取知识营养的同时也得到独特审美的体验。学术期刊编辑在提高自身专业水平的同时也应当注重编辑审美学的学习与运用,将学术期刊真正打造成为具有一定学术价值和审美价值的品牌期刊。 (作者单位:郑州航空工业管理学院学报编辑部) 学术期刊封面设计创新探讨:院校学术期刊封面设计革新 封面设计是如今书籍装帧中一个最重要的项目,人们对书籍的第一印象便来源于封面的设计,其美丑直接决定了读者对该书籍的取舍。多年来,高校学术期刊与学报的封面设计大多没有得到重视,很多高校学术期刊在早年的创刊初期并没有“封面设计”这一概念。而近年来,由于网络与计算机的兴起,电子版书籍逐渐取代实体书籍,而高校学术期刊很大程度上成为为作者服务的目的性刊物,从而忽视了学术期刊的封面,使得其不仅不具有艺术性,更谈不上“设计”之说。本文就如何更好的讲高校学术期刊的封面设计创新展开问题探讨与研究。 一、高校学术期刊封面设计的特点与内容 (一)学术期刊封面的构成元素 学术期刊的封面,从大体来说,主要以稳重、朴素、严肃等为特点,着重突出学术的理论性,不讲究花哨的风格,这与高校注重学术研究的特点相辅相成。大部分的高校学术期刊封面,大致上分为两大类,一类是以简单的色块和文字构成,没有太多的图案等元素,以文字的排列为主,色块与线条为辅;另一类是将本校的标志性建筑艺术化处理之后放置于封面上,直接作为封面的主要元素呈现于公众眼前。 (二)学术期刊封面的色彩运用 为了体现学术的庄重,严肃的特点,绝大部分高校学术期刊的色彩采用了单色或加套色底纹[1],并运用了蓝色、绿色、暗红色、米黄色等安静沉稳的色彩。也有小部分期刊运用了渐变色,这就使得稳重中略带一点活泼,打破了整体一色的单调、沉闷。也有部分期刊使用两种不同的色块的搭配,这样就显得醒目,并带有一定的装饰性。 (三)学术期刊封面的文字安排 将本校的校名原字体照搬上期刊封面,是绝大多数学术期刊的选择,这样便直接反应了本校的校名特点;另外还有的期刊使用手写体,如名人题字;而标准字体则是除上述两种选择之外的最佳选择了。在高校学术期刊的封面文字安排上,一般有标准中文名,标准英文名,国内与国际刊号,年卷期号,各方收录等信息,一目了然。 (四)学术期刊封面的构图 一般来说,期刊名称在封面上方的比例在学术期刊的封面设计中占比较大的比例,其次的就是在侧面。在构图上来说,人们的阅读习惯为从上到下,所以首先要知道这是什么刊物,最先映入眼帘的就是刊物名称。而在中国的学术期刊中,英文名称很大程度上成为一个装饰性的文字,有不少学报将英文名称刻意的放大,成为装饰封面的一部分。在背景的选择上,纯色的背景占大部分,有的则以抽象的图形辅助文字。 二、高校学术期刊封面设计应遵循的原则 (一)学术性 无论怎么改革高校学术期刊的封面,首先最基本的是不能跳脱其学术性的原则。学术期刊与一般的文艺杂志,时尚杂志不同,在封面设计上要遵循庄重、严肃的规律,整个设计要文雅、大方,流露出一种书卷气[2]。从这一点来说,就要求设计者把握好设计的“度”,从学术的角度出发,营造特有的学术氛围。 (二)现代感 学术论文的研究,需要与时俱进,及时研究当下社会问题。同样,高校学术期刊的封面设计也是如此,要具有时代感,现代感。在设计过程中,可以利用比较流畅的曲线,代表飞速发达的时代元素,也可以运用类似光束的效果,或者是利落的几何体、点阵等。这类简单抽象的元素在设计中,往往代表的就是现代感。 (三)特色化 形成特色,突出风格。学术期刊的封面不必常常更换,这是与时尚生活期刊的不同之处,所以在特色风格的形象上较之其他刊物有所削弱。而一个好的封面设计,可以给高校的学术期刊带来强烈的存在感,结合该校的特质,或地方的特色,体现刊物的宗旨,有创新,有突破。 (四)主题化 很多高校的学术期刊,有文理版之分,为了区分,往往只会在封面整体颜色上做出改动,而封面内容不变。这种区分方式只有对该期刊熟悉的读者,才会从颜色上进行分辨。社哲版在封面图案上,可以运用中国传统的图案、特有的纹样、或是篆书体等古文体作为底纹;自科版则可以将数字符号、公式等艺术化处理后作为底纹。这样就能让读者对不同的刊期进行快速的区别。 (五)艺术性 目前,在市面上的书籍装帧中,封面设计的表现手法,强烈的艺术感占据了半壁江山,各种抽象的,超现实的,简单的,强烈的手法使设计达到很好的效果。虽然强调独特的艺术性手法,但是由于学报的特殊性质,局限了很多好的设计形式,设计者在体现艺术性和形式感的同时,必须注重内容和形式的完美统一。 三、高校学术期刊封面设计应遵循的艺术设计要求 (一)合理布局在众多的高校学术期刊中,封面设计的布局大多分为左右布局和上下布局。刊名作为最主要的部分,设计者往往在这方面做设计变动。由于中文刊名常常用到比较规范的字体,设计者可将英文刊名夸张艺术化,如首字母放大并占比较大的面积,在版面设计中,字体设计在一个规矩的框架中,不同的文字,词组有大有小,这就让人感觉既活泼又统一。但同时需要注意的是不能喧宾夺主。 (二)色彩搭配单一用色是大多数高校学术期刊封面设计的选择,单一用色能很大程度上避免多色彩太过华丽的装饰性。一般来说,学术期刊封面的色彩不宜过多,三套色以下为佳,但极小面积的使用多彩色,反而能达到醒目的作用。在用色上,尽量避免对比色的出现,多使用同色系,尽量选择温和、安静的色彩搭配。如果希望刊物的封面醒目些,可以考虑使用较亮眼的淡色系来多色搭配;如需使用灰色系,要注意灰彩色容易显“脏”的特质,并且不建议使用满黑来作为学术期刊的封面色彩。 (三)体现质感好的封面设计要搭配好的纸张和印刷技术,纸张的选择从另一个方面突出了刊物的质量。由于高校学术期刊的严肃性,庄重性,选择一种有质感的纸张作为封面,便大大的提高了刊物的整体水平。另外,建议摈弃粗糙的印刷方式,选择相对精美的印刷,由于封面设计对于一本刊物来说是至关重要的第一印象,粗糙的印刷将直接影响到读者的对这本刊物的看法。 (四)特殊工艺如今在印刷手段上,已经有越来越多的工艺能体现出设计者的设计意愿,例如凹印、凸印、烫金、植绒等等手段。设计者在这些工艺的选择上,针对高校学术期刊的特点,可以小范围的应用,比如刊名使用凸印,会显得比较精美,但有些工艺却不宜大面积使用,比如烫金字,这就需要设计者把握这个度。与其他期刊相比,学术期刊的封面设计需要相对低调,相对朴素,而太复杂的印刷工艺成本略高,这对于高校的编辑部来说,是一笔并不需要的开支。 (五)整体配合除了封面的设计,还有书脊、封底等部分的设计,期刊的封底有刊物的一些详细信息[3],在编排版式上也需要设计者注意美感,对字号的选择,排列的方式,都应该与封面的设计协调,整体,统一,首尾呼应。其他部分的设计,也是高校学术期刊封面设计不可或缺的一份子。 四、结语 高校学术期刊,是高校中比较特别的一部分。其封面设计,是相对独立的艺术创作,更是体现高校综合素养的展现过程,但往往容易遭遇忽视。封面的设计,只有确定了设计理念,才能出色的设计出既符合学术期刊的内涵,又体现艺术特色的作品。作为学术前沿的大学校园,学术刊物在一定时候可以直接反映该校的文化素质,并且具有一定的社会影响力,这就要求不论是期刊编辑,还是从事学术刊物封面设计的业务人员,都需要有一定的美学修养和艺术眼光。好的封面不仅能给读者留下好的印象,并给予读者美的享受,而且能树立良好的社会形象,是不可忽略的艺术价值。
小学美术有效教学策略篇1 美术教学可帮助学生提高美化生活方面的技能。美术源于生活,因此美术教学必须结合生活实际展开,在生活中进行,最终将所学运用到生活中。《美术课程标准》中明确指出:应将美术课程内容与学生的生活经验紧密联系在一起,强调知识技能帮助学生美化生活方面的作用,使学生在实际生活中领悟美术的独特价值。作为美术教师,应该充分把握学生的“喜新”心态,结合课程内容开展课内外教学活动,让学生对美术产生兴趣,培养学生的基本艺术修养,进而鼓励某些有兴趣的孩子继续在美术学习的道路上前行,将美术作为一种爱好。近年来,我们在美术教学生活化方面进行了探究,努力打造更加贴近学生生活的美术课堂,让美术变成学生热爱的一种生活方式。 一、开“源”建“库”,找寻生活之美 杜威先生和陶行知先生都说过:“生活即教育。”可见教育和生活之间有着密不可分的关系。在美术教材上,生动精美的图片和充满童趣的“导言”随处可见,这些有趣的文字和精致的图例,对学生思路的开启、视野的扩展和创作欲望的唤醒有极大的帮助。同时,教材在一定程度上留下了很多可进一步发挥的空间,教师要把握机会,创造性地使用教材。教学课堂不能只局限于教室,教师应带领学生在保证安全的条件下走进大自然,融入到社会中,通过开“源”建“库”的方式,让学生切身感受生活的美丽,体验生活带来的快乐,并用自己的真情实感对生活加以描述。比如,“四季•美术”是一个较为宽泛的主题,包含了自然和社会两种内容。就自然而言,大自然中的山川草木、花鸟鱼虫、河流瀑布随着季节的变迁呈现出不同的风格特色,这一直是中外艺术家们的创作素材之一。就社会层面而言,人和自然之间是一种和谐统一的关系,两者互相影响,互相牵制。四季不仅贴近生活实际,而且对学生的影响较大,所以以此为主题进行美术教学有一定的积极作用。在教学过程中,可以通过春季“校园美景刻画”、夏季“陶艺、泥塑”、秋季“用落叶创作艺术”、冬季“雪地画”等形式丰富课堂内容。当春天到来时,可以进行《春天来了》的课程安排,在上课前,先让学生充分利用课余时间观察春天大自然的变化,欣赏春季美景,培养学生的观察能力和对自然的热爱。在课堂上,伴随着《春天在哪里》的音乐,教师可询问学生在何处找到了春天,当学生说完时,对学生的回答进行总结,并要求学生将自己的所见所感通过绘画的方式表达出来。 二、“活化”情境,体验快乐课堂 艺术创作源于真实又美好的生活。为了深化学生对生活的认知和感受,教师应把生动活泼的活动场景和生活内容,结合特定的情境,在课堂上展示出来,通过让学生参与到其中的方式让其切身感受到其中的乐趣,调动学生学习积极性。英国实用主义教育家、哲学家斯宾塞在《什么是最有价值的知识》中指出:“每门学科必须以纯粹经验为之先导,等到积累了丰富的材料后,创造才能开始。”因此在教学过程中,教师应在了解学生兴趣爱好的基础上,对不同学段的学生创建不同的生活化教学情境:第一学段的小学生刚进入小学,在喜好上偏向于植物动物、童话和寓言故事,所以主要以游戏活动来创设情境,促其学习;第二学段的学生对卡通人物和生活中的新奇事物充满好奇,可采用活动性和合作学习的方式;第三学年段的学生对社区和未知世界有一定的兴趣,所以以探究性活动为主。在创设情景时有以下几点值得注意:1.生活情境要求在极大程度上贴近学生的年龄和认知;2.生活情境要与课程内容产生有机联系;3.生活情境题材要新颖,可吸引学生并提高学生的参与性;第四,生活情境的创设要从学生身边的事物入手。 三、心灵留言,创建人文课堂 教育改革的真正意义在于回归生活、回归人本。美术虽然是一种视觉艺术,但其表达的情感和含义跨越了很多其他层面。新课程强调回归学生生活,充分将课程内容和学生的生活实际相联系,在课堂上做到以生为主,以师为辅。在美术课堂的每一个环节中都融入“人在世界中,人在他人中”的理念,帮助学生通过和他人的交流沟通,完善自我认知,构建自己的生活方式,形成自我审美。然而在只有40分钟的教学课堂上,教师需要用15分钟左右的时间教授新的知识,如果将剩余的时间平均分给每个学生,显然是不足够的。为了解决这个问题,可开设“心灵留言”的环节,让学生在自己的作品背面写下自己在创作时遇到的问题和感受,教师可在课后认真阅读,解答孩子们的疑惑,从而加深对学生的理解,促进了师生感情交流,也在一定程度上显示出教学过程中的人本建构。 四、跨界融合,品味美术独到之处 美术中有点线面、色彩、质感,音乐中有音符、音程、和弦等,这些概念都可相互借鉴。教师可以利用这一特点,培养学生的同感能力。比如在《千变万化的线》的教学过程中,进行“听音画线”的游戏环节,分别播放《高山流水》、《月光》、《命运交响曲》这三种风格不同的乐曲,让学生在聆听过程中拿笔自由画线,再分析结果,谈论不同情感、节奏的音乐用什么线型表示。语文和美术在一定程度上也是融汇贯通的,对文字的描述可通过绘画的方式呈现,对美术作品可进行赏析,并用文字记录。这样在一定程度上培养了学生在其它学科的学习能力。 五、活动常新,在生活中创造美 爱玩是孩子的天性,教师可利用这一点,开展教学活动,让学生在游戏中学习,在学习中玩耍,为学生创建一个能够暂时放下繁重的课业并完全放松的学习空间,从而加强学生对美术的热爱。在平时的教学过程中可收集优秀的学生作品,举办校园美术展览,同时可让学生报名参加,投稿自己喜欢的原创美术作品,让每一个孩子的作品都有登展的机会。还可鼓励学生创作美术日记,将发生的趣事通过图文结合的方式记录下来,从而提高学生的美育情操。综上所述,美术课堂的确需要贴近生活实际,因此在教学过程中,美术教师应努力将生活和美术合理结合,在此基础上不断提升美术教学水平,积极贯彻开“源”建“库”、“活化”情境、心灵留言、跨界融合、活动常新的教学策略,从而让学生领略艺术和生活的魅力,陶冶学生的艺术情操,让学生创造出更多优秀的美术作品,激发学生对美好生活的热爱,为学生未来发展奠定良好的基础。 作者:刘根选 单位:甘肃省庆阳市镇原县庙渠乡原头小学 小学美术有效教学策略篇2 审美教学注重培养学生对周围事物的审美眼光和鉴赏能力。美术能丰富学生的心灵,激活学生热爱生活的情感,并升华其生活品质。美术就是与美相关的艺术,在生活中处处都有美术的影子。在教师的指导和帮助下,要引导学生观察生活中的美,并学会欣赏,还要多开展美术实践活动,调动学生自觉发现美好事物的好奇心,唤起美术意识,净化学生的心灵,使其积极地面对生活。 1生活化教学在小学美术教学中的重要性 随着核心素养教育越来越受人们重视,小学美术教师也在积极探索生活化教学方法。生活化教学就是设定情境,在具体实施中,以生活情境为主线,将生活化教学的作用发挥到最大,最终实现教学与生活相融合的教学目的。在小学美术教学中选择贴近学生生活的素材,能够使教学内容更加丰富和多样,在人、事物、大自然的生活元素中,使学生建立更敏锐的观察视角。教学与生活相结合的思维模式,使美术教学更具有趣味性和逻辑性。富有灵活性和系统性。学生在学习中逐渐掌握学习美术的方法和技巧,对学生具有很强的启示性。通过生活化情境的创设,学生很容易走进情境中,因为他们对熟悉的环境会产生安全感,能够有效培养学生的艺术素养和审美能力。因此,生活化教学在小学美术教学中具有非常重要的作用,有利于培养学生独特的观察能力和洞察力,使其在生活中提升审美和鉴赏的能力。有效改善学生对美术学习的印象,使学生从中发现生活中的美好事物,学会用乐观积极的态度享受生活和体会生活,有利于提高学生的美术综合素养。 2小学美术在生活化视角下存在的问题 2.1美术课堂注重教材教学,忽视生活素材 当前,在许多小学美术课堂中,教师过于依赖教材内容,严格按照教材内容进行授课,导致教学效果单调乏味,无法吸引学生目光。教师在教学过程中急于完成教学任务,填鸭式的教学习惯逐渐让学生产生厌学和抵触心理。因此,美术课堂教学效率低下,学生的学习也缺乏热情,很难调动课堂气氛。对于小学生而言,潜在的美术意识尚未被挖掘,无法将已学的美术知识运用到生活中,而更多的是在课堂中进行模仿,思想是禁锢的。而小学美术一旦脱离了生活,就失去了教学的意义。 2.2美术课堂缺乏对学生的引导和思考 大多数教师在美术教学中强调的是锻炼学生的动手能力,而忽视了对学生思想上的引导,未起到锻炼学生美术思维的作用。课堂内容就是剪纸和绘画,简单直接,没有过多介绍剪纸的文化背景,导致学习的思维受到限制。教师未将教材内容延伸到生活之中,没有将美术文化背景很好地融入教学当中,使得学生只是机械地完成课堂任务,没有投入情感,导致课堂学习成为无效学习,学生体会不到美术学习的乐趣。小学阶段是培养学生核心素养的重要阶段,但是小学生的创作思维受到美术课堂的限制,无法接触到丰富的自然生活资源,导致学生的创作意识未能得到激发。所做的美术手工,都缺乏创新性和情感思维。对于学生能力的培养是一种抑制,学生无法将美术知识内化。 2.3忽视美术教学的重要性 由于受到传统教学思想的影响,很多学校忽视美术教学的意义,仍然沿用传统的教学理念,不重视学生素质水平的发展,只重视学生的成绩。新课改的推行,要求全面发展学生的综合能力,因此,传统美术教学方法存在的问题日益暴露出来,阻碍了学生美术能力的发展,严重打击了学生学习的自信心,让学生在学习中无法寓教于乐,无法享受探究和创造的乐趣,很难提升学生的美术素质和审美能力。 3生活化视角下小学美术有效教学的策略 3.1丰富教学内容,紧贴生活元素 莎士比亚曾经说过,一千个人眼中有一千个哈姆雷特。这可以理解为每个人的审美眼光和表达方式都不相同。每个人都可以联想到不同的事物,有不同的见解。因此,美术教学的意义就是要激发学生对美好事物的想象,使他们丰富自己的内心世界。由此,小学美术的授课成功与否,与教学内容息息相关,不能离开生活元素。生活场景是小学生非常熟悉的环境,教师利用好生活元素,可以很好地调动学生的潜在意识,让学生更容易展现其独特的个性,引领学生在美术学习中体会生活,感知生活,从而提高学生的创造力和想象力,使其更有激情地融入美术学习当中。激发学生学习美术的兴趣,打开学生探索美术世界的大门,使学生更加深刻地体会到美术教学内容中想要表达的意义,增加自身的美术底蕴,提高参与课堂的积极性,从而提高课堂教学质量,活跃教学氛围。例如,以学习色彩知识为例。在小学阶段的学生可以认识更多的颜色,但是对颜色具体的区分还是模棱两可。教师可以从认识三原色和三间色开始,引入生活中的元素,让学生大胆地运用喜爱的颜色,掌握颜色的原理和关系。教师可以在课前准备一个一次性的杯子和一些颜料,提问学生:“同学们,在雨过天晴后,你们在天空中看见过彩虹吗?”学生踊跃回答后,教师会引入彩虹形成的原因——“光学现象”,通过阳光对空气中的雨滴的折射形成不同的颜色。“这些颜色都是什么颜色呢,同学们回想一下。”学生纷纷说出不同的颜色。教师通过生活图片的展示,让学生学习和了解到色彩的知识,不仅有彩虹,还有美食、服装搭配、班级板报,等等。举例说出生活中哪些事物是红色的、黄色的、蓝色的。学生会联想到红苹果、香蕉、蓝莓等水果,又会联想到太阳、落日、蓝天等。充分调动学生的想象力,并给予学生开放的思考空间,让学生在美术氛围中感受颜色的内涵和变化。学生大胆地利用颜料的搭配,在一次性杯子中调出不同的颜色,逐渐得到所要的颜色。教师逐渐引入生活中的元素,然后利用颜色的搭配和排序,让学生感受到不同颜色组合给人的不同感受,强烈的颜色对比更会让人感到兴奋和愉悦,进而调动学生的情感思维,让学生领悟到颜色既可以代表一种表象,也可以代表一种情感的输出。从生活中的元素出发,丰富教学内容,使学生更快地理解美术知识的含义和特点,进而开启学生对美术知识的运用,在学习和欣赏中,有利于学生培养逻辑思维和想象力。 3.2美术实践活动注重生活化,引导学生无限想象 随着新课改和“双减”政策的落实,很多学校已经意识到美术教学的重要性。美术教师要深入分析和研究科学的教学思维,设计生活化的教学方式,正确引导学生融入美术课堂当中。改变传统的教学思维,使得教学内容多元化,更加贴近生活,以生活环境为拓展内容,促使课堂气氛活跃,使得教学内容对比更加强烈。通过创设生活情境,从根本上改进教学模式,对教学效果起到了积极的促进作用。让学生在生活中学会使用美术知识观察社会事物,着重培养学生的生活实践能力。从锻炼动手能力开始,积极引导学生发挥主观能动性,提供自由和开放的空间进行创作。也使学生意识到生活中存在很多美术的身影,从而培养学生的美术鉴赏能力和表达能力,建立自己独特的审美标准。例如,以环保为主题的班级板报制作为例,美术教师可以让学生在生活中通过观察找到合适的主题进行板报创作。板报可以分为艺术类、科技类、情感类等,题材要以生活为主题,为学生创造一个可以发挥自我美术水平的机会。在制作和设计板报的过程中,学生自由选择美术作品,可以是绘画也可以是手工作品。在课上教师可以进行指导和帮助,让学生理解教师想要通过板报表达的意思。学生通过观察生活中的场景,从中感悟生活中的情感和道理,通过艺术的形式记录下生活中美好的瞬间。例如,学生想要倡导低碳节能的思想,发现私家车大量排放出汽车尾气会污染大气。学生发挥想象力,在作品中加入汽车元素,用将排出的污染气体拟人化的方法,强行融入空气当中,把空气“哭泣”的样子描绘出来,利用鲜明的颜色对比出不同的情感特点,从而编织出又漂亮又体现低碳生活的设计图案。例如,不使用一次性筷子、塑料袋,及时拔掉不使用的电器插头等,都可以通过绘画的形式表现出来。学生在制作板报的过程中,一边创作一边体会到爱护环境、保护地球的重要意义。珍爱生活中的每寸土地,珍惜生态资源,让保护环境,低碳减排从生活的小事做起,从而让学生树立环保意识,用审美的眼光去提高生活质量,维护生活的美好。 3.3利用信息技术,激发学生的学习兴趣 随着信息技术的蓬勃发展,现代教学也借助了信息技术的优势。利用新型教学手段,在小学美术教学领域中受到了大多数学生的喜爱。信息技术将生活化的元素生动地展现在学生面前,更加直观地刺激学生的感官,并且调动学生的情绪,让学生仿佛身临其境般地在美术课堂中感受艺术的氛围;利用可视化的功能,提升课堂学习内容的趣味性,以鲜明和强对比度的色彩呈现,让学生看到以真实的生活场景为依托的图片和视频;有利于吸引学生的注意力,锻炼其专注力和思维能力,并且让学生意识到艺术源于生活,生活中有很多美好的事物有待学生去挖掘。教师可以利用多媒体平台,加入丰富的网络资源,形象地展示给学生,让其观察和学习。适当扩展课外内容,并且集中或者吸收更多的知识,开阔学生的视野,有利于培养学生的想象力和创造力。教师还可以利用多媒体,上传学生的绘画作品或者手工作品的图片,让全校师生在校园网中欣赏学生的作品,由此让学生建立美术学习的自信心,产生成就感。另外,教师还可以开通校内交流群,让学生在交流群中进行沟通和交流,相互分享美术创作心得,让学生在闲暇时间不受空间和时间限制地与教师进行沟通,共同探讨美术问题,继而为学生找到一个新的学习美术的渠道,加强师生之间的情感交流,有利于提高学生的艺术造诣和美术绘画功底。例如,以设计生活标识为例,教师在互联网中搜集了很多不同类型的生活标识,并且根据生活标识的造型特点和色彩,让学生分析其所代表的含义。教师可以利用多媒体把标识放大,学生能更加清晰地看清标识的设计。例如,视频中展示的是在交通道路中,学生会看到单行线和禁止右转的交通标识牌,如果不仔细观察标识牌的区别,很容易发生交通事故。动画中展示的是春天到了,学生结伴出游,发现河岸边立放着一块“此处水深”的生活标识牌。学生发现后会注意远离危险地带。生活中有很多施工路段等较为危险的地方,都需要生活标识提醒人们注意安全。并且让学生在欣赏不同类型生活标识的同时,理解它的设计理念和方法,以及生活标识在生活中起到的作用。通过多媒体生动、醒目地体现生活标识的特点,学生还会根据明确的寓意,试着设计生活标识,通过图形语言生动地提醒他人。教师利用信息技术,将生活标识更加直观地展现在学生眼前,让学生清楚地明白生活标识的含义,也激发了学生动手设计标识的欲望。学生在设计的过程中联想到在多媒体教具中观察到的标识,然后会在创作中加入自己的理解和想法。通过信息技术引导学生运用正确的美术知识思考和表达创意,在理解和学习美术的过程中,提升自身的美术涵养,从而在生活中注意个人行为,培养良好的行为习惯。 3.4提高教师的教学能力,引导学生体验生活美 小学美术的教学效果离不开教师的能力,教师要不断提升自己的教学能力,同时也要保持热爱生活,接触生活的良好心态,以身作则地带动学生的发展,并且要求学生多观察和体验生活。充分发挥教师的作用,用教学的激情去感化学生。利用美术课堂,为学生设计实践活动,激发学生的学习动力,优化教学质量。鼓励学生自觉地绘画和创作,针对学生的不足,提供合理的建议,解决学生在生活中遇到的美术问题,提高学生学习美术的效率。利用学校中的美术室和展览馆,为学生提供展示自己美术作品的机会,为学生开辟一个美术的舞台。用科学的方法引导学生学会用发现的眼光看待这个世界,提升学生的审美能力和鉴赏能力。通过美术学习,让学生与美术产生共鸣,感受美术中传达的情感,思考和感悟人的内心世界,从而开发智力,拓宽视野。小学美术教学要结合实际生活内容,运用科学的教学方法,设计生活化的情境,让学生在熟悉的生活环境中发现美、感悟美。在学习美术知识的同时,打开视野,发展创造思维和想象思维。教师还应当不断提升自身的综合能力,设计更多更新颖的教学方案。吸引学生的注意力,加强学生的个人创造力,并在美术实践活动中锻炼动手能力和专注力,从而将学生自身的情感融入生活中,使其更加热爱生活,并与赖以生存的环境融洽相处。 作者:杨晓东 单位:临夏市逸夫第一小学 小学美术有效教学策略篇3 生活中随处可见美术的痕迹,与生活各方面有着千丝万缕的关系,因此我们常说美术来源生活,又高于生活。在小学教学中,美术是与众不同的,美术教学更侧重于美的艺术,教学方式要多样化,更需注重将美术与生活实际相结合,使学生能够在生活中领悟美术的独特魅力及价值。生活化视界下的美术教学是将多姿多彩的生活融入抽象的美术,从学生的生活出发开展教学,用绘画的方式表达自己的感受,感知生活,提升美术素养,促进全面发展。 一、善于观察发现美 小学阶段的学生,对新鲜事物充满了好奇心,喜欢探索。为了满足小学生的这一需求,美术教材中大都引用了丰富多彩的图片和富有童趣的导语,打开了学生的视野,激发了学生探索的欲望。观察让学生的思维更加细腻,了解生活的细微之处,获取各类知识,从而认识世界。在美术教学中,同样离不开观察。传统教学模式下,大多采用“照猫画虎”“照葫芦画瓢”的形式教学,不仅限制了学生发散思维,也让学生逐渐丧失学习美术的兴趣和积极性。教师可以以学生的好奇心为中心展开教学,引导学生观察生活,让学生发现生活的美丽,品味生活的快乐,并且将生活与美术紧紧关联在一起。例如《走进四季》的教学中,教师可以引导学生走进大自然,融入社会。四季的变化牵引着自然界花草树木的变化。春季,正是花草树木发芽的季节,教师可以组织学生对花卉等进行写生;夏季,泥土的芬芳让人流连忘返,教师可以组织学生“陶艺、泥塑”等活动;秋季,凋零的落叶是美丽的点缀,教师可以组织学生“落叶拼接”的活动;冬季,白雪皑皑为大地换上了新衣服,教师可以组织学生画雪景、剪窗花等活动。贴近生活的美术课,能够让学生切身实际地感受到四季的变换,掌握观察能力,加深对色彩的感受。 二、创设生活化情境 美术创作离不开生活情境,更依托于生活情境。情境结合的教学模式被广泛应用在各个学科的教学,美术教学亦是如此。小学美术教师可以采用创设情境的教学方式,展现出生活的多姿多彩,引导学生发现生活的乐趣,激发学生学习美术的主观能动性,促进教学工作的开展。在美术教学中,教师应以学生的多元化发展为核心,并依据学生年龄、接受能力等创设符合学生年龄和认知的生活化情境,让学生身临其境地感受美术的独特魅力。创设的生活化情境应注意结合教材内容并符合教学目标。创设的生活化情境也应别具一格,能够吸引学生的注意力,激发学生的好奇心。教师也可从熟悉的生活化情境入手,让学生能够更快地融入美术教学。例如在《设计生活标志》的教学中,教师可以使用多媒体设备向学生展示各类标识,教师并向学生提问“这些标识有什么作用?出现在哪些场合呢?”。这时课堂的氛围较为活跃,每位同学都争先恐后地回答,有的同学说在学校的楼道内见过“安全出口”的标识,有的同学说在上学的路上见过“禁止鸣喇叭”的标识,也有的学生说在家里的箱子上见过“易碎”的标识。教师也可让学生自由发言,与大家分享在何地见过的其他标识。创设教学情境能够让学生深切地感受到美术创作来源于生活,有效地促进生活化教学水平的提升。 三、注重感知能力的培养 小学阶段的学生,在理解能力、认知能力上有很多的不足之处,因此想要在小学美术教学采取生活化教学具有一定的机遇和挑战。小学美术教学中,教师要注重对学生感知能力的培养,引导学生留意生活中的每个瞬间,并习惯用画笔记录每一个细节。在传统的美术教学中,大多以学生模仿、临摹为主,教师将教学内容讲解完毕后,学生依据课本自行绘画,指定的绘画对象束缚了学生的想象力,限制发散思维。小学美术教学的目标不仅是培养学生的美感,也是对学生心灵的熏陶,因此,教师在教学过程中要创新教学手段,避免学生的激情及兴趣被消磨殆尽。例如,在《古代传说中的艺术形象》的教学中,教师可以组织学生到多媒体教师观看《哪吒闹海》《女娲》等影片,生动的动画能够让学生在观影过程中感受中国传统文化的源远流长及魅力,通过观影也能够让学生对色彩、服饰等时尚元素有所了解,提升小学美术生活化教学。 四、采用小组合作学习法 小组合作学习的教学模式逐渐走进课堂,也可运用在小学美术教学中。小组合作学习是以合作学习小组为基本形式,在课堂上与学生互动,促进学生学习,以团体的成绩为评价标准,共同达成教学目标的教学活动。在课堂上教师以小组为重要的推动性,让小组成员相互协调、配合完成目标。这样的教学模式将传统的师生间的单向交流转变为教师与小组间的交流、团体与团体间的交流,组内的协作交流,有利于培养学生的自主性和独立性,让学生能够积极融入班级活动,培养学生的团队协作精神从而促进学生的全面发展。小学美术教学中采用小组合作学习时,教师可以设定特定的主题,让学生在小组间进行讨论,积极发言,相互分享掌握美术知识的技巧,提升美术素养,以期达到共同进步的目的。例如在《贴画》的教学中,教师可以为学生提出一个主题,让学生分成小组讨论,利用废弃的报纸、书籍等创作符合主题的作品,引导学生在小组中发散思维、想象与讨论,形成集体意识和团队协作意识,完成教学目标。 五、在生活中创造美 在小学美术教学中,教师应以学生的需求为核心创设出相应的生活化教学活动,为学生创设出与生活息息相关的情境,使学生能够在愉快的氛围中学习美术、感受美术。教师可以定期开展生活化的教学活动。例如可以每学年举办一次美术展览大会,设定主题让学生自由创作,作品不限于水彩画、书法、剪纸等,教师对每个作品进行点评并集中在校园内展览,学生能够借鉴别人的作品,提升自己的美术技能。画本是美术课的必备工具,教师可以展开封面设计的活动,让学生自由设计画本封面,以此激发学生创新能力、审美能力。小学生活有很多的美好回忆,教师也可让学生画“美术日记”,通过画笔记录一天中有趣、有意义的事情,培养学生认识世界的能力,用妙趣横生的美术日记丰富学生的情感,提升美术技能。在本次探讨中,我们以生活化视界下的小学美术教学为核心,探讨了展开小学美术教学的有效策略。教师应引导学生善于发现生活中的美,创设符合学生实际的生活化情境,促进小学美术教学的有效开展。在教学过程中也应注意对学生感知能力的培养,运用小组合作学习法,效果也会事半功倍。积极地开展生活化活动,也有利于提升学生的美术技能。小学美术教学与生活息息相关,有效结合有利于美术教学工作的开展。生活化的美术教学,引导学生热爱生活、感知生活、描绘生活,让学生将自己的体会及感受与美术融合起来,提高美术素养,促进学生的全面发展。 参考文献: [1]蒋志春.生活化视界下的小学美术有效教学策略探究[J].课程教育研究,2018(30). [2]吴章新.生活化视界下的小学美术有效教学策略探微[J].教育实践与研究(A),2012(1):62-64. [3]罗维宁.生活化视界下的美术有效教学策略研究[J].成才之路,2015(25):86. 作者:陈秀环
大学美术论文:大学美术教育的水彩画教学创新 作为一名高校美术专业教师,自从事色彩基础课教学以来,我一直在思考一个问题,即美术专业的色彩课到底应该怎样去教,应当教给学生什么?当然,自古即有“授之以鱼不如授之以渔”的古训,而每位教师也都具有其个性化的一面,各自拥有独具魅力的教学方式。但是不论何种教学方式都应以激发学生潜力为主要目的,应当尊重学生的艺术个性,“授之以渔”也不应机械单一地理解为简单传授给学生绘画技能和技法。应积极地寻找每个学生的“闪光点”,帮助学生寻找更为适合自身个性的绘画语言,调动学生学习兴趣,促进其实现自己内在个性与绘画技法的对接,从而更好地适应当代艺术的发展,满足社会对艺术人才的需要。 国内高校美术学专业长期为社会培养艺术工作者,通过系统的学习可以逐步调动学生的激情,启发学生想象力,帮助学生树立艺术理想,培养出有艺术独立个性的个体。学院式系统教学首先对学生的造型基础有着严格的要求,选择在大学一年级开设色彩基础课程,可以提高学生运用色彩造型的能力。其中,色彩写生训练是学习色彩知识的重要训练手段,可以培养学生的色彩观察与感受能力,提高色彩的表现能力,丰富学生的色彩语言,为专业课的学习打下良好的基础。而水彩画是一种适用范围广、艺术性强的画种,十分适宜研究色彩的基本规律,因此被国内很多高校列为美术专业的色彩基础课。通过对我本人历年来的基础教学的回顾以及同学院基础教研室各位教师的交流,我总结出美术学专业水彩画这门基础课程的教学经验,形成文字以供同仁共同研究探讨。 一、通过水彩画临摹使学生技法得到快速积累 临摹是学习绘画的有效方法之一,对于水彩画的传统,我们一贯主张学其精华,充分掌握吸收后进行变通与创新。因此,临摹在水彩画学习最初阶段有着不可替代的作用。有很多人曾经质疑水彩画初学阶段临摹的必要性,认为过多注重水彩画循规蹈矩的临摹,会导致学习目的过于盲目而不能起到有效的教学作用。艺术史研究者对于传统继承的问题也一直争论不休,冈布里奇在他的著作《艺术与幻觉》中谈到“程式与经验”时曾说过:“没有一种媒介,没有一种可以摹制和修正的预成图示,任何艺术家都不能模仿现实。”[1]在他的同一著作中,探讨艺术心理这一问题时,他提到艺术理论家克里斯曾指出:“长期以来我们逐渐认识到,艺术不是产生于虚空,没有哪个艺术家与前辈和样式毫无关系”[2]众所周知,绘画需具备创造精神,然而绘画亦不是无根之木,需从继承传统的基础上发展而来,“传统技法既可以成为推陈出新的基础,又可成为推陈出新的障碍,关键是你如何对待它。”[3] 凡是好的作品都会引起观者的共鸣,并且容易为人所理解。继承水彩画传统仅靠观看、研读水彩画论是不能够完全领略其内涵的,必须要经过临摹实践这一过程。要善于学师的水彩画表现技巧,汲取大师的艺术语言,用以形成高层次的审美意识,开拓视野,拓宽思路,尽量使画面表现得纯真而自然,从中得到更多的启发和色彩感受,掌握更多的表现技法。这一训练需要学生对临摹过程有足够的重视,对临摹的学习要十分严格。要通过教师的指导,选取自己喜欢并且适合临摹的范本,比如名家的代表作品,由浅入深,由易到难,逐步深入,可以整体临摹,也可以局部学习,切不可急躁。通过一边临摹一边揣摩绘画步骤、绘画意图,最后做到心领神会。教师在对学生的讲授中要针对画家和其作品作详细介绍,指出范本作品的特点,示范该画的作画步骤和描绘程序,引导学生迅速掌握临摹要领、临摹目的,做到有的放矢。简而言之,水彩画临摹的主要目的是形成初步的表现模式和规范,以及在头脑中预先的图式。这在于借古知今,它为我用,是初学者的捷径。临摹并不是终极目的,只有经过这一积累,初步获得把握自然的方法,学习前人水彩画创作的精髓,才会为更进一步的学习做好铺垫。 二、通过水彩画作品赏析以开拓学生视野 经过初步的水彩画临摹学习,学生掌握了基本的水彩绘画技能技法,对中外优秀水彩画作品赏析以及水彩画基本理论知识的了解是第二阶段学习的重点。“色彩大师是在他生存的那个时代最充分实现色彩本质丰富性的人”[4],对大师画作最直观的感受可以形成最初的绘画意识与艺术创造动力。抽象表现主义的发起者之一纽曼(BarnettNewman1905-1970)阐述艺术教育的时候这样说:“我的艺术教育既不是来源于对图片和幻灯的细察观审,也不是来源于老师,而是自己所面对的真实的东西。”[5]博物馆、画廊、收藏展、拍卖会是他真正的启蒙老师,真实的体验对于学习绘画的人来说是至为宝贵的。 这一阶段的学习通过教师引导,可以加深学生对水彩画史的进一步认识,了解国内外水彩画沿革,提高学生学习兴趣。水彩画用水作为媒介来调色,通过水和色的相互作用,画面具有透明轻快、滋润流畅的特点,具有特殊韵味,人们经常将优美的水彩画比作抒情诗,观看大师的作品无疑等同于“朗诵”抒情诗。毫无疑问,水彩画大师的作品能最为深刻反映水彩画特质,是水彩画史各个发展时段的代表。只有对水彩画大师作品全方位多角度赏析,多观看水彩画相关画展,才能更深入了解水彩画的特点特色。近年来国内的小幅水彩画展览、两年一度的水彩水粉画展、水彩人物展、百年水彩展等等一系列水彩画展,都为初学者提供了良好的学习机会,所以应鼓励学生多参加这样的画展,通过直接视觉接触、感性认识以及理性分析来提高学生对水彩画的全面认识。 三、通过水彩画教学实验使学生实现写生到创作表现的升华 写生类画作是诠释事物状态的最佳代表。陈师曾将“画是一样甚么东西”定义为“表示人类的意思的一种符号”,是“人类要表示事物状态的一种方法”[6]。在很多大师的水彩画作品中,其创作和写生也有着极其紧密的联系,他们假借风景、静物和人物这些写生常见的题材抒情写意,比如当代国内水彩画大家王肇民、关维兴、黄铁山、奥迪、龚玉等等。在教学中,水彩写生课程的意义在于可以帮助学生掌握正确的观察方法,锻炼其把握事物全面的关系,通过比较学会用水彩颜料塑造形体,通过反复的写生训练构图,训练从色彩的角度观察和塑造形象的能力,达到画面色块协调,准确地再现客观对象。色彩的形体塑造方法是多种多样的,水彩颜料特有的明丽以及作画中的偶然性等等都会令学生充满新奇感。利用相对稳定的光源和环境,采用多种形式和各种色调进行水彩画基础训练,使学生加深对色彩规律的认识,强化对色彩的控制和对绘画材料的驾驭能力。 水彩画教学的最终目的是培养出具有独立创作意识、独特水彩绘画语言和独立思维方式的艺术人才。它包含的是一个从写生到表现的升华过程。写生多遵从自然反映客观现实,表现则掺入了绘画者的创造成分,作品中有强烈的个人诉求和绘者独特的绘画语言。实现从写生到创作的转换,也就是观念方法的转变,是水彩画教学的关键环节,对此我总结出三点教学经验:第一、进行短期阶段性图片训练;第二、有目的性的水彩小构图实验;第三、水彩画综合材料技法实验。 阶段性图片训练要求学生参考图片和照片,进行四开至二开大小的水彩画实验。图片和照片需要来自于个人生活,要有感而发。创作水彩画作品要着眼于所搜集图片的绘画性,实验过程要求学生注意对图片的截取和组合,从图片中提纯有绘画性的信息,要求画面中采用主观色彩。水彩小构图实验要求有强烈的主观性,训练目的性较强,要求针对同一题材,按照构图的各个要素绘制出多个不同的方案,附以不同色调,尺幅在20×30公分之内。水彩画的技法较多也很有趣味性,纸张、颜料和笔触都会影响画面效果,通过辅助材料实验、制作底色、各种媒介的综合运用实验,了解掌握水彩的特色技法,是实现成熟创作水彩画作品的又一前提。经过短期实验性教学,学生可以实现从水彩画写生到个人独立思考创作的过渡,最终实现写生到创作表现的升华。 综上所述,针对高校美术教育专业水彩画基础课教学,教师应积极拓展教学基本内容,根据实际教学情况不断调整教学内容。不应墨守成规,应逐渐完善水彩这门课程的教学结构,遵循科学的、循序渐进的教学过程,使学生在教师的引导下实现对水彩画绘画技巧的提高,对颜料纸张工具的控制能力的掌握,对用色彩造型能力、处理能力的提高,对色彩语言运用水平的提升,并使学生最终具备运用水彩颜料进行创作的绘画能力。 大学美术论文:大学美术教育的泛与专研讨 一、“专”是现代美术应用的必须 现代社会是一个商业化高度集中的社会,也是一个紧密连接的社会,任何环节的问题都会导致连锁反应,任何事业的成功都和每一个环节的“专”程度有直接的关系。现代企业都在加强团队合作精神的同时寻求“专”的极致,也唯有如此才能在不断的社会苛求下生存下去。因此“专业”是学校教育的主要内容。但是作为教育行业我们更应该看到社会需求的“专”是一个非常“泛”的专,社会行业中和美术相关的行业成千上万,但是学校教育专业何止有这么多,面对这种差别,美术教育当中的“专”是一个非常值得思考的问题,我们不能简单的要求学生统一在一个专业领域深究,因为我们需要学生面临社会时不是广泛的彷徨。 譬如现代政府主导的动漫产业。如果要把动漫产业做好,那就不是单纯动画专业的事情。想要开发好的片子,必须拥有好的剧本、导演、角色设定、场景设定、模型师、灯光师、动画师、剪辑人员、音乐、发行等等,也只有这些环节的专业极致才能保证策划的整体成功,那么剧本人员必须创作出好的本,他可以不了解制作,角色设定可以不熟悉发行,但是必须设计出让导演满意的造型,模型师必须顺利完成设定角色的空间转换,动画师要能够完成满足情节所需要的各种动作语言等等,所有这些都离不开各环节制作人员的专业化程度。想想流行天下的美国动画片《马达加斯加》、《冰河世纪》、《玩具总动员》等等,其中数以百计的动画明星伴随着动漫周边产业的繁荣被人们广泛接受,他们的成功塑造离不开编剧、导演、美工、动画、音乐的专业挖掘,而这些专业在学校的动画专业中又能体现多少?剧本是文学专业、造型美术学专业有很大优势、配乐又需要音乐专业的专业理解,因此学生的专业和社会的需要要有合理的调节。 又比如环境艺术设计专业在学校的划分也仅仅存在室内设计和室外设计,更何况现在环艺专业基本上是室内设计一家独大,学生毕业后蜂拥进入家装行业,就业就存在畸形特征。但是在装饰行业中分工特别明确,即使同样是室内设计,存在中式设计公司和欧式设计公司等,家装和工装差距也非常巨大,并且还存在大量的单纯设计公司,他们不参与工程的操作,就公司而言,单纯的从事一个方面,有利于自身在这个方面的深度提高,从而可以把服务质量做的更为全面。因此学生在学习室内设计时,也要考虑这个特征,对具体学习做出调整,以便能够更顺利的适应社会的需求。 二、教育思想的调整 在目前的教育活动中,老师的主导优势普遍比较大。这一方面是中国教育传统的延续,另一面也是学生的角色定位并没有摆正,从而导致学生在教学活动中非常的被动———但是通过多年的教学实践,我发现大部分学生很是适应这种状态,想让他们主动思考是很困难的。当然我们不能一味的怪罪学生的独立性,其实从艺术教育一开始,作为教师的一方已经完全把自己定位到“教”的位置,作为教师我们从心理上不愿意承认学生的某种优势,他们永远是被教授者,因此在话语权的分化中,学生慢慢适应了从属的地位,老师也慢慢适应了主导的地位,换句话说也就是“老师永远是对的”。在目前我们国家教育人事制度下,从业的教师80%或者更多是直接从学校毕业后立即进入教学岗位的,社会的真实面目在他们那里是空白,因此想让他们告诉学生社会是什么,他们在学校应该怎样学习、应该学习哪些内容就是妄谈。记得2011年12月份贵州卫视龙永图先生主持的“论道”节目谈到了教育改革问题,其中一个企业家讲的非常好———那就是教育不再单纯是教育家的问题。教育内容应该由教育家和企业家共同制定,企业应该参与教育政策的制定当中。 在以前,社会分工并不十分丰富的情况下,教育什么不是问题,但是在现代商业社会繁荣的情况下,教育就不能再是孤立的教育了,教育要为社会提供更直接的人才培养,因此社会的需要是学校教育首要考虑的内容,不了解社会企业的具体需要只能导致自己的学生缺失明确的竞争实力。也正因为如此,现在沿海地区的许多高校要求自己的教师必须参与社会生产活动,或者直接从社会各行业中聘请设计师、主管、经理来学校讲学、举办各种论坛,虽然社会中的许多人并没有教学经验,但是他们对社会准确的定义表达将非常有助于学生的定位,当学生明白生活的道理时,我认为其他的都不再那么重要了。 三、教育结构的改变 传统的美术教育结构从来都是和传统的教育思想挂钩的。当然在前边我并没有否定教育内容的规定,但是对教育结构的改变将有助于发挥教育内容的正确价值。怎样才能发挥教育内容的有效价值?这就是让教育和社会需求属性挂钩。学校的美术专业不可能划分的太多:国画专业、油画、版画、雕塑、动画、环艺、视传不可能再细分多少,但是社会的需求是非常细腻的,并且很多美术行业的操作并不单纯是一个专业所能,所以为了满足这种状况,学校必须把学生的主动权放大,缩小教师的主导权,改变每个教师对专业课程的垄断,把众多的专业课程改为选修课程,使得学生在选修课程的选择中找到自己的定位点,所有和自己定位点无关或没有太大关系的课程不再成为自己学习的障碍,抑或是调整学习的时间结构,使他们可以按照自己的统筹进行。 当现代美术教育面对现代社会细腻的美术需求时,所有的美术传统教育思想和方式都显得力不从心,在这种环境中的美术学生面对社会时也显得力不从心,为了保证美术教育的教化特征,我们不能放弃美术教育“泛”的属性,但是也为了确保美术教育的直接服务性,现代美术教育必须在宽泛的教学内容中确定每一个同学的“专业”个性。 作者:于明刚单位:商丘师范学院美术学院 大学美术论文:心理素养对大学美术教育的影响 一、心理素质的培养对美术教育的重要性 英国艺术评论家赫伯特•里德在1937年著的《艺术与社会》一书中讲:“我们认为,某些天生素质对艺术家来说十分重要,只有拥有这种素质的儿童才有可能成为艺术家。”所以美术教育与其他学科的教学有着显著的不同,它不以传授知识为主,而更注重发掘学习者的精神世界,积极激发学习者的创造灵感,鼓励其用心感受周围的环境,并以其美学思维对这些环境进行再现与挖掘。 通过对美术上述特性的分析,可以感知创造能力对美术学的重要作用。美术是以灵感型的独特创造为原本,追求极度想象之后的美的视觉实现。柏拉图认为:“艺术是对情感和我们本质中不受约束部分的表现。”在大学美术教育中培养学生的创新素质,启迪诱发学生独有的美术灵感,帮助学生摆脱僵化的思维模式,进行大胆的美术创新实践,在现实生活的小事中感悟美,发现美,以独到的最具感染力的形式加以表现。由此可见,心理素质中的创新能力对大学美术教育有着至关重要的影响。 大学美术的教育也包括技术部分,对色彩的处理,对各种技法的掌握,对各种客观事物的细心观察等等都要求学生良好心理素质的配合。在前期的美术作品创作过程中,创作者要寻求现实或理想生活中的客观素材,并采取适当技法对其加以良好的展现。在这一过程中,不可避免的会面临一些创作瓶颈或问题。创作者如果不能正确应对,以积极的心态促进这些问题的解决,甚至自暴自弃,自哀自怨,美术创作最终是不能正常运行的,即使前期的创作灵感多么独特与优异,也只能半途而废。 此外,随着经济的发展和市场观念的渗透,美术的商业化趋势日趋明显。人们基本的物质生活需要得到满足之后,对精神文化享受的要求也逐渐提高。这促进了美术事业的发展,也给纯粹化的美术观念带来冲击。大学生如何应对市场化的挑战,端正自己的创作动机,坚持自己的创作原则和宗旨,在作品的市场价值与艺术价值之间做出权衡与抉择,这就是一个涉及大学生心理素质的问题。不少创作者片面追求经济利益,创作出大量的短期速成品,最终在艺术上难有建树,这是值得美术教育领域反思的。另外,不少大学生之后要走上就业岗位,将面临各种各样的问题。 如果面对客户对作品的否定与质问,大学生美术创作者如何平衡内心的失落感。美术创作是艺术化的个人构想,不同的人其审美理念,心灵境界,知识水平,情感体验等的不同都影响着其对美术作品的理解与评价。美术创作者必须拥有强大的心理素质,在关于美术作品的外界辩驳与评价中,获得心里的平衡与适应感,保持内心的价值意义认同感。在创作获得好评时,如何不为名利所困,在不断总结与反思中,创作更好的作品,追求更高的艺术目标,这都需要良好的心理素质做铺垫。 二、结语: 在美术教育中,促进学生心理素质的提高与优化,对美术教育有着极大的影响。而当前的美术教育对学生的心理素质培养并未提到其该有的重视程度与水平上。我们的教育工作者应该反思,并在实践中加以改正与优化。 作者:王姗姗单位:河北传媒学院 大学美术论文:大学美术团学期总结 学期就要结束了,时间如此流逝,让人不得不感叹万千!通过美术社团全体社员的共同努力,社团发展了,壮大了,也更为优秀了。 说到这里,不由想起学期刚开始的时候,也是我刚刚成为社团负责人的时候,社团只有十五个人,其中有美术基础的连我在内也只有两人。社团刚刚起步,没有什么基础,也没有做什么宣传工作。按照社团工作计划学习了两个星期之后,社团的成员也逐渐增多,其中大多为现有的成员介绍而来,同时,一些问题也渐渐浮出了水面,一些社员过于散漫,迟到旷课,缺乏时间观念及纪律性。针对此点我成立了纪检组,专门负责社团的纪律,在之后的一个星期里和纪检组长丁泉皓共同制定了社团的规章制度。社团成员有进的当然也有退的,我分析了社员退社的原因大致可以分为两类,其一,虽然喜欢美术,但是却不适应学习美术的方式,缺乏耐心;其二,适应不了社团的管理方式,如在社团说普通话,不得迟到早退等。三月末左右,迎来了社团的第一次活动——承办团委记者站的以《与青春相关的日子》为主题的橱窗制作工作,为此我又成立了宣传组和活动组。学习了一个月后,社团原有的画纸、铅笔等材料相继用完,这些耗材只能我们自己解决,为此我又成立了财务组,负责材料费的收集及绘画材料的购买及保存工作,社团的学习、管理也逐步进入正轨。 为了尽快的使更多的人具备不错的美术基础,我和四个组长以及学习进度不错的几名社员,在我们的指导老师张老师的帮助下,利用更多的课余时间,进行了补课,这不仅使我们的绘画水平快速的提升,而且也形成了一种边学边教的社团教学模式,从而解决了社团的教学问题。但是有一个问题一直困扰着我们,或者说是困扰着整个社团——画室问题。我们的画室在实训楼502,是一间计算机机房,同时也是张老师的一个班学习美术的教室。其一,机房里放满了电脑,可用空间小,三十多人,便已显得拥挤,这也是为什么我们一直没有面向全校招收社员的原因之一;其二,与其它班级共用画室,使得我们的材料安全得不到保障,时常出现画好的作品被破坏以及一些绘画物品缺少的情况;其三,画室的门锁时常被破坏,我们修好之后,没过两天又会坏。可以说我们的学习环境还是不够好的,但是没有人抱怨,更没有人因为这些原因而退出社团,我们就在这样的环境下,迅速的成长着。 五月中旬,我们看到了机会,届毕业生皆已离校,学校有了一些空余的教室,我们向团委孙达孙老师申请,经批准后可暂时使用主楼507、508两个教室作为临时画室,一直困扰我们的问题得到了初步解决。我们制作了两个门牌,507是“美术社团绘画室”,508是“美术社团室内设计工作室”。借此良机,我们社团首次面向全校招收社员,取得了不错的反响,报名参加社团的同学,第一天晚上就达到120多人。经面试后,社团吸纳了70多名同学,现在我们社团有92名社员,并且一直有同学有意愿加入我们社团,我们在面试后,择优录取。但愿下学期我们能继续拥有属于我们自己的画室,呵呵,还请团委老师多多帮忙啊! 现在已是六月中旬,回想一下,我们社团先后承办了记者站、日语社团、团委的橱窗海报制作工作,举办了一次绘画比赛,一次画展,进行了两次考试,社团在全校的知名度及信誉度都有很大的提高。经过一个学期的学习,社团已有五人可独立教学,四名组长都具备了独当一面的能力。纵观整体,社团在成长,在进步,但是也有一些不足之处,我也有些许困惑…… 其一,由于最近招收了大批的新社员,从整体来看,社团的凝聚力不够;其二,大批社员毫无美术基础,且缺乏自学能力;其三,一些社团成员的集体观念、纪律意识淡薄…… 以上几点,都将是我们下学期工作的重点。我主要的困惑就是,我是否对于社团成员、对于几位组长的要求过于严格?我是否对于他们的能力定位、期望等有所偏差?经过思考之后,我认为这些都是不可避免的,不以规矩,无以成方圆,享受权利,自然要付出更多的努力,承担相应的责任。但是不得不承认,一些时候我的表达方式不够成熟,思考问题也不够全面,这些都是我需要反省,需要改进的地方。 在此,感谢我们的指导老张老师对我们辛勤的教授,无私的奉献,感谢团委各位老师对于我们社团工作的辅导、支持,虽然社团的成员看不见,但我还是很想说一句,这一学期大家辛苦了!谢谢大家! 大学美术论文:试议大学美术教学的问题及对策 一、提高大学美术教学质量的对策分析 首先,充分利用多媒体教学,丰富课堂教学内容。在以往的美术教学中,教师大都是通过在课堂上展示图片、示范绘画的形式进行教学,但是这种教学方式不仅效率较低,而且整个课堂的教学氛围较为枯燥。为此,大学美术教师可以充分利用多媒体技术进行教学,通过制作幻灯片的形式将需要展示的图片在课件中进行编排,按照不同的类别播放。在图片的选择上不要局限于课本教材,而是通过互联网搜集更多的典型图画,拓宽学生的学习范围,让学生更好地理解不同图片中的艺术语言。在绘画演示方面,教师可以将绘画步骤通过计算机进行分步播放,让学生在学习过程中可以充分理解绘画的细节,与此同时,教师还应该结合自己的现场示范作画,以便让学生更好地理解和掌握绘画技巧。 其次,大学美术教学作为一门旨在提高大学生审美能力的学科,面向的是全体大学生。而不同的学生往往有不同的专业基础,他们不同于美术专业学生对美术作品有较高的理解。为此,大学美术教师在讲课时,还要注意结合不同专业学生的学习特点,加强不同学科之间的整合。美术教育本身就与很多学科教育存在交叉,文艺复兴时期的代表人物达·芬奇之所以在艺术创作上取得那么高的成就,为后人所知晓,在很大程度上是因为他把美术与科学进行了有效的结合,利用自己的创新思维创造出了令世人称赞的作品。所以,大学美术教师也应该不断创新自己的教学理念,注意探究,注重艺术与科学之间的整合,让学生在学习美术的过程中不仅可以实现审美价值观的提高,而且可以将美术与自身所学的专业进行联系,提升在专业学习、人文素养、观念等方面的技能。如,教师在引导学生理解作品《麦田与收割者》《向日葵》时,可以让学生先从自身的角度去感知和理解,从作品的构图、颜色等方面获得理解,并让学生在课堂上积极发言,之后教师再针对学生的理解加以讲解,提高学生的创造J陛思维能力。再次,美术教师必须注意改进美术教学方式,明确美术教学与其他学科教学的差异性。科学技术的不断发展进步使得现阶段的教学手法和考核方式越来越多,大学美术教师要想不断提高大学美术教学质量,提高大学生的审美素养,就必须不断完善自己的教学模式,理解美术教学与其他学科教学存在的差异性,注意掌握美术教学的独特性。在教学过程中尊重和鼓励学生积极创作、自由发挥想象力,让学生理解美术学习的方法和技巧,与学生加强课堂交流互动,活跃课堂教学气氛,让学生在愉快的课堂学习氛围中理解和掌握所学美术知识,进而在学习中逐渐提高自身的美术素养。此外,在对大学生的美术学习效果进行考查时,也应该采用灵活有效的方式,利用理论考试与课下实践等多种考查方式相结合的考核方法,激发学生美术学习的积极J陛。 最后,大学美术教师在课堂教学过程中,一定要改变灌输式的教学模式,改进教学手法,将课堂理论教学与实际生活相结合,培养大学生美术学习的兴趣。“兴趣是最好的老师”,教师在课堂教学中可以通过幽默生动的讲解、设置有趣的问题,引导大学生参与课堂教学。为了避免学生在学习中无法理解课堂教学的重点和难点的状况,美术教师可以在每节课之前和结束讲课之后,对上节课和本节课的教学重点进行强调,引导学生回想所学内容。这一方面可以加深学生对所学知识的理解和记忆,另一方面可以让学生对所学的重点和难点有所把握,在以后的学习中有的放矢地学习,提高美术学习效率。大学生对美术学习的积极性和主动性的提高,将在很大程度上提高大学美术教学的成效。如,在国画教学的课堂上对线描勾线进行讲解,就可以结合简笔画让学生理解如何把握笔画的节奏变化。 二、结语 大学美术教学是高等学校为培养和提高大学生的审美能力而专门设置的课程,美术的学习可以提高大学生的综合素质。但是,在现阶段的大学美术教学中,由于美术教师的教学方法不适合、学校对教师和学生的评价考核体系不完善、学生美术学习积极性不高等原因,大学美术教学质量不高。为此,各大高校应该积极做好学校美术教学的现状调查,并针对教学中的问题,立足于学生的学习特点,积极采取有效措施改进大学美术教师的教学质量,使得大学美术教学真正发挥其提高大学生审美能力和创造能力的作用,从而为社会培养高素质的综合性人才。 作者:张鹏单位:太原工业学院 大学美术论文:大学美术教育的缺陷与革新建议 一、改善我国高校美术教育中弊端的创新策略 1、改善传统教学模式,合理进行课程设置 随着我国教育模式的不断发展,特长生的教育受到社会各界的广泛关注。这几年受高校扩招政策的影响,美术院校也逐渐扩大了招生比例,这使得更多的人关注特长生的教育领域状况。我国受传统教育模式的影响,教学体制和教学模式比较单一,专业的分类、设置以及招生制度也比较单一,这与艺术发展规律背道而驰,从而限制了学生个人才能的展示和潜力的挖掘。在美术专业的学习中,高校应注意培养学生的创新思维能力,改善传统教学模式,不断采用新的教学体制来培养学生,科学合理的进行专业课程设置,不断为学生综合素质的提高创造条件,不断深化高校美术教育体制的改革。 绘画技巧只是提高绘画技艺的一种工具,而美术课程应以激发学生的想象力和创造力为核心,美术方面的创造性思维和个人的文化涵养才是高校美术专业教学的目标。高校应该根据学生自身的发展特点,依据社会的发展需要来引导学生,使之建立正确的人生观、价值观,培养学生树立正确的艺术观。如果高校美术教学不能使学生得到全面发展,反而与外界隔离,这样的教育会事倍功半。美术院校在教学过程中,要不断拓展学生的知识面,提升学生的综合素质,使学生的自身发展与社会发展需求相结合。要使学生通过其它课程的学习提高个人素质和文化涵养,以帮助他们去更深的理解文化艺术的内涵,也能更好地激发他们去探索世界,开拓思维。 2、注意结合课堂教学与社会实践 信息大爆炸时代来临,通过网络人们越来越容易获得艺术感受。而美术教育实践活动作为艺术教育重要的组成部分,却日益受到忽略。因此,在高校美术教育中,将课堂教学与社会实践相结合是不容忽视的一种教学方式。我们要在教学活动中积极培养学生的实践意识,对不同群体开展不同的实践教学活动,竭尽所能激发学生对艺术的探索意识,使实践成为学生提升艺术技能的手段,让学生在实践中认知艺术,升华艺术,获得艺术的核心理念。 3、明确根据社会需要确定培养目标 现在诸多高校的很多做法都与国家对美术事业的培养目标相违背,国家初衷本是为了培养可以从事美术事业的高水平人才,但是美术教育中存在的种种弊端成为了大多美术院校毕业生成为一个美术方面优秀人才的障碍。高校的美术教育目标并不是要培养学生成为著名画家,而是培养学生的审美与创新能力,开阔学生的视野。因此,我们需要加大对学生文化素质培养力度,提高学生综合素质,以达到学生全面发展的目的,此外,还应加大对学生的自主创造力的培养力度和学生的职业能力、职业素质的训练强度。 二、总结 在如今经济全球化的大背景下,我国高校的美术教育面临着很大的挑战。 只有通过不断改革与创新,高校才能跟上时代的步伐。高校美术教育的管理者应摒弃教育中存在的糟粕,探索美术教育的新形式,用先进的教学理论指导实践工作,积极改变传统模式,以适应新的社会形势需求。高校的美术教育要做到尊重学生、引导学生并积极鼓励学生,只有这样才能培养出具有创新性思维的高素质人才。 作者:张国芬单位:晋中职业技术学院 大学美术论文:运用影视教育资源优化大学美术欣赏课教学 [摘要]影视教育资源,就是指在教育教学上可应用的影视信息资源。美术欣赏教学是对学生进行美育的重要形式,在学生中开设美术欣赏课,让学生在欣赏名家作品的过程中,欣赏美,感受美、认识美、适应美术教育的要求。影视教育资源在大学美术欣赏教学中的运用,具有传统教学方式不可比拟的优势。在大学美术欣赏课教学中运用影视教育资源,可以大大激发了学生学习的积极性,优化大学美术欣赏课教学。 [关键词]运用影视教育资源;优化;大学美术欣赏课教学 一、影视教育资源与美术欣赏课 所谓资源,就是资产的来源,一般指自然资源。教育资源则是指各级各类教育部门进行教育活动,谋求教育发展的基础。影视教育资源,就是指在教育教学上可运用的影视信息资源,有直接应用价值和潜在应用价值之分。所谓直接应用价值是指那些专门为各学科教育教学而创作的影视作品,可以直接应用于教育教学实践之中,有很强的教育教学针对性。所谓潜在应用价值,是指那些不是特意为各学科教育教学创作的,没有明显教学意图的影视作品,但经过教师的悉心挖掘和巧妙设计,同样可以应用于学科教学并能够产生教育功效。 美术欣赏是一种视觉心理活动。它从视觉对作品的直观感觉开始,通过知觉与联觉、统觉而变成情感和意识的过程。美术欣赏课是对学生进行美育的重要形式,美术欣赏课教学通过对学生进行审美教育,不断提高学生的思想素质和文化素质。它是培养学生良好的思想品德,陶冶学生高尚的情操,提高学生的观察能力、审美能力和创造力的积极手段。它和绘画及工艺教学组成完整的教学体系。 当前,素质教育对于人才的培养提出了新的要求,高素质的人才不仅要具备丰富的知识、创新的能力,而且要有美的心灵、美的品质。在学生中开设美术欣赏课,让学生在欣赏名家作品的过程中,欣赏美、感受美、认识美,适应美术教育的要求。大学开设美术欣赏课的目的,除了对名画名作进行专业技术层面的了解与探讨之外,更重要的是要着眼于学生全面素质和艺术品位的提高。通过美术欣赏课,提高学生的审美趣味和艺术敏感性。 二、影视资源教学方式优于传统教学方式 在人类进入信息社会以后,教学观念已发生了根本的转变,在这种情况下,如何激发学生思维,调动学生的学习兴趣,培养其创新能力,设计出适合其综合素质发展的课堂环境就显得更为重要。影视无疑是当今世界最具魅力的综合艺术,它利用独特的影视语言,表现生活,表达情感;它融文学、戏剧、绘画、音乐、舞蹈、雕塑、摄影等艺术精华于一体;它是一门最现代化的、最有群众性的、最受青少年欢迎的艺术形式。影视是一种雅俗共赏的大众化艺术,其题材的广泛性、形式的多样性和观赏的灵活性,使得影视自然地向学科教育延伸,改变了单调、沉闷的传统教学模式。影视作品所具有的动感画面和可剪辑的特点,在一定程度上体现了变学生被动接受为主动探究的学习方式,客观上适应了学生生理与心理发展的需要。突破传统的、说教式的课堂教学模式,把影视教育资源有意识地引入大学美术欣赏课教学,不仅能充分调动学生的学习热情,发挥学生在学习中的主体性,而且还可以使学生在潜移默化中提高其审美鉴赏能力。 当前,视听语言像传统的文学语言一样已经渗透到大众生活的方方面面,成为人们学习、阅读和娱乐的重要媒介,电影、电视等视听作品对人们思想观念的影响也越来越大,影视已经成为人们生活的一个重要组成部分。影视作品常常以优美的语言、生动的画面、美好的情感、鲜明的人物形象、独特的艺术风格、高雅的审美趣味和深厚的人文关怀来吸引人、感染人、震撼人。当代大学生思想活跃,对新生事物感受力较强,对影视也更为敏感和关注。把影视运用到美术欣赏课教学中去,可以改变传统的教学方式,激发学生学习的兴趣,培养学生的审美情趣。运用影视易于营造立体的欣赏教学氛围,可以创造出生动、活泼、愉悦、高效的课堂学习氛围,引导学生对美术知识产生强烈的求知欲,进入最佳的学习状态,从而优化教学过程,提高教育、教学效果和质量,因此说,影视教育资源在大学美术欣赏课教学中的应用,具有传统教学方式不可比拟的优势。 三、运用影视教育资源优化美术欣赏课教学 大学美术欣赏课教学离不开情境创设,巧妙的情境创设不仅能激发学生的学习兴趣,激发学生已有的生活体验,而且能创造浓厚的课堂教学氛围,实现教学内容、学生生活体验与教学活动的有机结合。使学生在轻松、愉快、和谐的环境中积极主动地学习。运用影视教育资源创设大学美术欣赏课教学情境,可以充分利用影视的独特魅力,凭借影视的自身优势,优化大学美术欣赏课教学在大学美术欣赏课教学中,名作鉴赏是一个重要环节。在传统的美术欣赏课教学中,教师一本正经的说教,难以激发现在大学生的学习兴趣,课堂常常死气沉沉,气氛不活跃。著名教育家赫尔巴特曾说过:“教育应当贯穿在学生的兴趣当中,使学生的兴趣在教学的每阶段都能连贯地表现为注意、等待、探究和行动。兴趣既是教学的手段,又是教学的目的。”从这里我们可以看出兴趣对于课堂教学的重要性。大学生,青春洋溢,思维活跃,充满活力,情感丰富而细腻,好奇好胜的心理使他们不满足于单一模式的学习方式。影视正是以其独有的光、电、声、像的直观性、形象性和生动性的特点来刺激学生的感官。运用声、像、景、情并茂的立体式影视教学,能大大提高学生的学习兴趣,促进学生的思维活动,使学生兴致盎然地吸收与课文相关的美术知识,改变“一潭死水”的大学美术欣赏课状况。 在引导学生进行艺术作品赏析时,教师运用影视教育资源,将作品及其相关信息展示给学生。学生直接受到作品的感染,丰富自身的情感体验,既提高了审美能力,又掌握了作品的相关知识。例如:讲威尼斯画派时,可以播放有关15世纪末威尼斯的影视镜头,如《威尼斯商人》等,让学生感受15世纪末威尼斯风光秀丽、景色宜人的自然风光;感受15世纪末威尼斯女人爱穿漂亮衣服、染金发、过着舒适豪华的生活以及当时威尼斯经济发达、国力强盛、社会安宁,人们过着自由、富裕和平静的生活等等。通过直观感受,学生就可以轻松地掌握威尼斯的风土人情、自然风光和人文景观,了解威尼斯画派产生的时代背景。之后引导学生关注威尼斯画派主要画家作品的内容、画面形式、表现技法、艺术风格等。如乔尔乔纳的《沉睡的维纳斯女神》、提香的《天上的爱与人间的爱》、《花神》等。通过对作品的欣赏和分析学生更能感受到威尼斯画派画家作品漂亮而丰富的色彩,感受到画面体态丰润、衣着华贵、皮肤细腻洁白、积极乐观、健康向上的优美形象。又如讲美国抽象表现主义时,播放影片《波洛克》。影片《波洛克》是以美国画家波洛克本人的生活为原型,对他生活状态、时代背景、创作方式、思想、情感多方面展示。通过影片《波洛克》的观看,学生可以直观感受波洛克作画的场面,思考波洛克追求的艺术精神和这种艺术有何意义,获得对美国抽象表现主义绘画的充分认识,获得对美国战后昂扬的精神状态以及美国知识界在高度工业化社会中的某些狂躁、忧虑和焦灼不安精神的深刻了解。运用影视教育资源创设课堂情境,学生的情绪高涨,课堂情趣横溢。精彩的影视镜头与精美的课文巧妙配合,大大激发了学生学习的积极性,从而优化大学美术欣赏课教学。 大学美术论文:北京师范大学美术专业本科生创业心理调研 【摘 要】作为国内首次以北京师范大学美术专业本科生的创业心理为研究对象的学术文献,该研究的创新之处在于具体的调查并总结了师范类美术专业本科生与非师范类艺术院校美术专业本科生创业心理的不同之处,在此基础上为北师大美术专业本科生创业心理教育提出了具体可行的对策建议,对提高北师大乃至我国其他非艺术类师范院校的美术专业本科生创业心理与实践水平具有较大的参考价值。 【关键词】北京师范大学 美术专业本科生 创业心理 目前,国内外专家学者对“创业”的表述有所不同, 但是对创业本质的理解还是有着一致的看法。他们都认为,创业是一个创造的过程,在这个过程中要付出努力、承担风险、最终创造价值,并会给创业者带来物质和精神上的满足等。 创业心理主要研究在创业行为的发展过程中,创业者这一主体的心理现象以及行为规律。本文的研究对象就是创业者中极其特殊的一个群体――北京师范大学美术专业本科生。 目前,自主创业已经成为美术专业本科生就业的有效且重要途径之一。事实上,美术专业本科生的自主创业历史由来已久,这与其独特的个性与思维模式有着密切关联。美术专业本科生追求个性,崇尚自由,不愿意接受过多的约束与管制,注重追求个人价值的实现。所有这些特点,造成了美术专业本科生不愿意选择朝九晚五的上班族生活模式,而选择进行自我挑战的自主创业之路。 与其他专业大学生相比,美术专业本科生表现出不同的特点。一些美术专业本科生对文化课学习较为轻视。但在专业学习上,他们的学习方式更具自主性。由于美术专业对技能有很高的要求,他们的创新精神和实践能力较强。此外,美术专业本科生的思想开放、思维活跃,容易接受新观念。但他们也显得比较自由散漫,喜欢彰显个性,那这些特点会对其创业有哪些影响呢? 北京师范大学是一所典型的综合性师范类大学,那么,该校美术专业本科生在创业心理方面具有怎样的特点呢?作为一所师范类百年名校,北师大美术专业本科生和其他艺术类院校美术专业本科生的创业心理有哪些不同呢?本文采用问卷调查等方法,以北京师范大学、中央美术学院、中央音乐学院、北京舞蹈学院三所艺术类院校为例,考查美术专业本科生创业心理的特点, 通过比较师范类与非师范类美术专业本科生创业心理通过整合分析得出结论,为北师大美术专业本科生创业心理教育提出了具体可行的对策建议。 一、 问卷调研部分 1.问卷的发放 发放时间:2013年3月―2013年7月 发放地点:北京师范大学、中央美术学院、中央音乐学院、北京舞蹈学院 发放数量:200份,每份两张,实收有效问卷200张 发放对象:北京师范大学、中央美术学院、中央音乐学院、北京舞蹈学院美术专业本科生 具体说明:问卷分三大部分,分别为基本信息部分、对美术专业本科生创业心理的认知部分、创业心理测试部分,每份40题,其中每个学校各占50份;男生127人,女生73人;大一学年14人,大二学年32人,大三学年58人,大四学年80人,刚毕业为16人。最后采用Likert式5点计分法,从“非常不符合”到“非常符合”。经检验,该问卷具有较好的信度和效度。 2.数据结果与分析 (1)美术专业本科生创业心理的总体特点 将所得到的数据进行描述性统计分析可以发现,包括北师大在内的所有被调研创业心理调查问卷各个维度及平均分上的得分当中,相对比较低分别有人际关系、职业探索和自我认知。其中自我认知的得分最低,平均分为2.25;自我提升的得分最高,平均分为3.06。这表明美术专业本科生对自我的认知还不够清楚明了,缺乏一定的对创业的探索,应多注意提高人际交往能力。从总体上来看,各维度和平均分的得分都不是很高,这表明美术专业本科生的创业心理有待进一步加强。 (2)北京师范大学与艺术类院校美术专业本科生创业心理特点的差异比较 将调查对象按师范类综合大学和非师范类艺术学院进行划分,对北京师范大学与其他三个艺术类院校美术专业本科生创业心理的数据进行t检验并进行了比较。可以得出,北京师范大学与艺术类院校美术专业本科生创业心理在不同方面都存在较大差异。其中“对创业的自信心”与“敢于面对创业失败和接受挑战”都很大程度上低于其他艺术类院校。这表明北师大美术专业本科生要克服自身和环境的限制,正视自己的优劣势,化劣势为优势,增强自主创业的自信心,锻炼自己敢于面对创业失败和接受挑战,提高自己的创业心理素质。 进一步分析发现,北师大美术专业本科生更倾向于从事美术教育创业方向,这也是和其他艺术类院校一大不同。其中有大一部分都报考过教师资格证,这说明他们对从事美术教育工作是感兴趣并充满自信与把握的,这也与北师大这所充满教育气息的师范类综合大学学习环境的影响有关。他们中有80%的同学都修过《教育心理学》等课程 ,甚至有美术和教育学双学位 ,这些都使其很从容地选择美术教育这条路。而他们又具有和其他美术专业本科生一样追求个性,崇尚自由,不愿意接受过多的约束与管制,注重追求个人价值的性格特点,不愿意选择朝九晚五的上班族生活模式,从而选择进行自我挑战的美术教育自主创业之路。(如建立艺考美术培训基地、投资创建少儿美术培训中心等)再加上北师大教育体制中一直贯穿给每位同学“学为人师,行为示范”的校训精神,对北师大美术专业本科生教育事业具有强烈的责任心,他们都很希望通过创业为国家的美术教育尽一份力。这个结论将成为今后北师大美术专业本科生创业方向的一个重要参考。 再次,数据表明北师大美术专业本科生在创业方面的创业训练与实践锻炼方面和其他艺术类院校美术专业本科生相比比较缺乏。有效地创业实践与锻炼对很少涉及美术创业的北师大美术专业本科生来说是非常有必要的,这会帮助在校生们了解美术创业的特点与要领,发现自己在创业心理方面的缺陷与不足,使他们以后在进行美术创业时更得心应手。 美术创业不同于其他领域的创业,北师大美术专业本科生在创业时面临的心理困惑更为特殊,具有很多特殊性与不确定性。目前,大多数美术专业本科生认为学校缺乏对其美术创业心理的辅导与培养。学校应努力为美术专业同学提供诸如美术创业心理咨询与互动平台、美术创业讲座、提供创业锻炼基地等活动与实践项目,以提升其创业心理素质,鼓励美术专业本科生理性且大胆地创业。 二、结论分析与相应措施 1.结论分析 (1)美术专业本科生对美术类创业的认知还不够清楚明确,缺乏一定的对美术类创业的探索,应多注意提高人际交往能力。总体来说,美术专业本科生的创业心理有待进一步加强。 (2)就北师大美术专业本科生的创业心理来说,北京师范大学作为非艺术类师范大学的典型代表,其美术专业本科生80%以上倾向于选择美术教育方向(如建立艺考美术培训基地)的创业途径,愿意通过创业为社会和国家作贡献;相对与其他专业艺术类院校的美术专业本科生,北师大美术专业本科生对自己在美术方面的创业信心不足甚至有自卑和焦虑心理,沟通与交流能力较为缺乏,在面对创业失败与挑战时不够从容,缺乏美术创业实践;希望学校可以提供美术专业本科生创业心理理论性教育与咨询平台美术创业讲座、提供创业锻炼基地等活动与实践项目。 2.相应措施 针对北师大美术专业本科生的创业心理的特点,拟制定了一套北京师范大学美术专业本科生专属的美术创业心理咨询互动系统。 三、研究意义 本研究具有以下四点意义: (1)本文是国内首次以北京师范大学美术专业本科生创业心理为研究对象进行研究得出的数据与理论的文献。有助于正确认识和把握师范类院校美术专业本科生的创业心理,完善了我国当前对大学生创业心理的结构体系和理论框架。有效揭示了师范类院校美术专业本科生的创业心理教育规律,有助于充实艺术类美术专业本科生创业心理的实证研究资料,丰富了我国美术专业大学生创业心理教育理论内涵。 (2)加强师范类高校美术专业本科生创业心理研究是促进经济发展、完善就业体系的重要力量,对推动创新型国家建设具有十分重要的意义。 (3)加强师范类美术专业本科生创业心理研究是师范类高校创业心理教育的重要保障,对于推动北师大等师范类高校的创新型人才培养、改进美术专业本科生创业心理理论性教育与咨询系统起到指导性作用。 (4)加强师范类美术专业本科生创业心理研究是广大师范类高校美术专业本科生了解创业心理的现实需求,对促进其实现人生价值意义重大。 大学美术论文:国内外综合类大学美术与设计学科教育模式比较研究 摘 要:本文以国内外几个知名综合类大学所设置的美术与设计学科的教育模式作为研究对象,综合比较其各自的申报条件及毕业条件、人才培养目标及课程结构设置、文化研究及对外活动等方面的内容。深入探讨目前我国与国际发达国家相关领域之间的差异,了解自己的优势和不足之处。旨在为我国综合类大学美术与设计学科探寻到更加合理、更加先进的教育模式,培养出适应当代社会需求的高质量人才。 关键词:教育模式;比较研究 人类发展的脚步步入21世纪之后,后工业文明的发展进程空前加速,随着社会及教育的高度发展,传统的制造业面临着巨大的挑战,信息及服务或娱乐性产业已经开始成为现代国家的经济支柱。世界各国对创意产业大力支持,相关行业发展迅速,整个社会对美术及设计学科的人才需要不仅仅体现在数量上,更体现在质量上。近十几年,国内综合类大学纷纷设置美术与设计学科,每年向社会输送数以万计的毕业生,但其中有相当一部分人在进入社会后并不能适应当代社会和市场的需求而不得不转行。原因有很多,单从教育模式的角度对国内外综合类大学的美术与设计学科作以比较和分析,可以发现我国现行的教育模式既有很多优势,同时又存在很多不足,具体体现在以下几个方面: 1 申报条件及毕业条件之比较 1.1 国内综合类大学美术与设计学科的申报条件及毕业条件 国内综合类大学(也包括艺术专业院校)的美术与设计学科目前仍将高考作为唯一的招生评定标准。按照教育部的规定,学生只有在语(数)、外、政治三门文化课成绩合格的基础上才能获得专业课的评审资格,任何一门文化课不及格或者未能达到某些院校针对某门课程单独设立的合格分数便意味着考取无望。高考如此,考研考博亦如此。在上述三门文化课程中外语是重中之重,很多院校特别是高级别的专业院校都将外语成绩作为招生的重点考察项目,级别越高的院校其所单独设定的外语合格分数越高,要求也越严格。在这种以外语作为艺术生招考先决条件的政策推行了数十年后,我们在具体的教育工作中发现了很多问题,有利也有弊。好的一方面是学生熟练掌握外语相当于多了一项学习工具,可以比其他人获得更宽泛的知识,同时有可能把握住更多的机遇;坏的一方面是有相当一部分真正热爱艺术、真正有艺术天赋的人才因外语不过关而无法进入大学继续深造,我们的国家也因此失去了这些宝贵的人力资源,取而代之的是一些文化基础不扎实,无法考取其他门类专业的学生在“高考美术培训班”里疯狂临摹历届考题数月,又恰好赶上扩招政策的“速成”的“幸运儿”们。这类学生进入大学之后也未必能对艺术培养起兴趣,他们学得累老师教得更累。老师们几年辛苦化为泡影,真正心痛!在艺术界有这样一个极具讽刺性的例子:陈丹青留美归来应聘中央美院,他心目中的一个艺术苗子年年都因外语不过关而无缘收为弟子,而恰恰是这个外语极烂的差生却考取了国外的艺术院校!陈丹青因此愤然辞职。以外语作为本国艺术生招考先决条件的政策为我国独有,其弊远远超过其利,对此工作在艺术教育一线的老师们体会尤为深刻。近几年来,媒体上多有艺术界、教育界先辈呼吁教育部针对上述问题做出改革和调整,真心希望早日得以关注和解决。 就毕业条件方面,目前国内综合类大学的美术与设计学科规定基本类似:在毕业学年之初由学生选定指导教师,经双方商定后确立毕业创作的内容,教师向学生下达“开题报告”撰写任务。“开题报告”审核或答辩合格之后学生方可正式着手写论文,且论文的内容必须与其毕业创作有一定的关联性。论文或者作品只要有一项不合格则不能如期毕业以及获得学位,一般来讲学校会给这部分学生一个“补考”的机会。 1.2 国外综合类大学美术与设计学科的申报条件及毕业条件 我们以伦敦艺术大学中央圣马丁学院的本科珠宝设计专业方向,切尔西艺术与设计学院的本科平面设计专业方向、本科美术专业方向、本科室内与空间设计专业方向、本科纺织品设计专业方向、本科室内与空间设计专业方向、硕士艺术评论与策展实践专业方向为例,上述院校与我国综合类大学美术与设计学科的申报条件相比,前者有几个显著的区别:第一,高中毕业生需完成所报考大学的预科课程。第二,完成大学二年级以上相关课程的在读本科生或本科毕业生可插读研究生。第三,参加面试,面试时要求携带个人作品集(作品集要求25幅~50幅,将作品分类整理并标注说明,设计作品应包含创作灵感来源、草稿图、设计调研过程、效果图、照片等)及相关申请材料(学历证明、成绩单、个人陈述、推荐信及根据专业要求应提供的其他材料)。 其中第一项和第三项是特别值得国内同行学习和借鉴的:有相当数量的国内学生进入大学后对自己报考的专业方向一无所知,学习了一段时间后也提不起兴趣或者对其他专业方向感兴趣却因无法调整专业而遗憾不已。让高中毕业生参加所报考大学的预科课程有利于学生深入了解该校的专业培养方向,可以让学生们明白哪所学校更适合他?在众多专业方向中哪一个方向更适合他?参加面试并提交作品集是极好的选择艺术人才的办法。这种面对面的方式不仅可以让老师非常直观的解读作品,更可以通过交谈深入了解创作者的艺术主张甚至人品(所谓做事先做人)。个人陈述也很重要,国内很多高校教师都在教学工作中发现了这样一个问题,学生与老师之间以及同学之间缺乏沟通,不懂得积极主动地向他人获取知识,或者无法对其创作思想进行全面的、详尽的陈述。要知道无论是做什么事情,只有学生讲出来老师才能了解学生需要什么,才能给予正确的指导和帮助。 就毕业条件方面,我们以哈佛大学设计学院建筑艺术史专业方向为例,毕业班的学生会在毕业季的前一学期学习一门名为艺术与建筑史的课程,该课程重点讲述建筑史的研究方法和技巧。老师会将学生分为若干个小组,小组成员每周一次会谈设计方案并针对所研究主题进行阅读以及写作训练。学期末必须完成一篇论文,未完成者需重新提交论文或者设计作品后才可获得相应的学分,得分符合要求者才能获得撰写毕业论文的资格。由此可见他们在毕业前一学期的论文就相当于国内的开题报告,这篇论文是计入学分的,而学分的取得是可以在设计作品和论文之间二选一的,这一点与我国综合类大学美术与设计学科的毕业条件有所区别。 2 人才培养目标及课程结构设置之比较 2.1 国内综合类大学美术与设计学科的人才培养目标及课程结构设置 以下列大学的某项专业方向为例: (1)西安文理学院艺术学院陶瓷艺术方向的人才培养目标为:以培养具有创新精神和实践能力,有陶瓷产品设计、制作能力的复合型应用型人才。学生应具备根据陶瓷产品市场的需求所进行的产品研发及制作能力,学习陶瓷艺术设计及陶瓷工业制作相关的课程,掌握陶瓷的艺术设计以及充分利用陶瓷材料的特征进行艺术创作,在积极探索陶瓷艺术作品创作的同时,根据市场发展的需求,研发具有时代特征的陶瓷产品,做到产、学、研相融合,使陶瓷艺术创作与陶瓷产品开发设计互为补充,并逐步形成自己独特的陶瓷艺术风格。毕业后胜任在陶瓷工艺美术研究部门、陶瓷工厂从事设计和创作陶瓷艺术品设计工作,在艺术院校从事本专业教学工作。该专业的课程设置结构为:通识教育平台49学分;专识教育平台53学分,总学时为820学时(讲授学时512学时,实践学时308学时);集中实践26学分;第二课堂8学分。毕业最低学分164学分。 (2)攀枝花学院艺术设计专业环艺方向的人才培养目标为:适应艺术专业设计、施工管理等第一线需要的,德智体美诸方面全面发展的高等艺术设计专业应用性专门人才。在具有必备的基础理论知识和专业知识的基础上,重点掌握从事本专业领域实际工作的基本能力和基本技能;具备较快适应艺术专业设计、施工管理第一线岗位需要的实际工作能力和素质;具有创新精神、良好的职业道德和健全的体魄。该专业的课程设置结构为:按照理论、实践、技能实训三结合的原则,实施学分制模块式教学,分公共课、公共专业基础课、选修课、专业方向课。专业课程中实践教学环节占总学时的2/3。实践技能教学强调课堂教学与市场教学相结合、课程设计与社会实践相结合、专业教学与技能实训相结合。 2.2 国外综合类大学美术与设计学科的人才培养目标及课程结构设置 以下列大学的某项专业方向为例: (1)哈佛大学设计学院建筑艺术史专业的人才培养目标为:注重创造性思维、实践认识以及社会运用的综合性培养。不仅要了解建筑材料,更要了解人类的行为模式。传统的课堂教学结合供实践操作的工作室,从理论和视觉模式两方面深入探索技术和人文两大领域。该专业的课程设置结构为三年制:初级课程;指定领域的导论课程(指针对某一专题课外深入研究分析);高级课程(导师单独辅导的课程,以小组形式研究艺术史的某个特殊领域,小组成员每周一次会谈设计方案并针对所研究主题进行阅读以及写作训练)。 (2)耶鲁大学艺术学院的人才培养目标为:通过各类媒介培养学生对于视觉艺术以及文科知识的综合运用能力,为进一步深造以及踏上专业工作道路作以铺垫。其专业的课程设置结构为:大一的课程均为实践课;大二既开设实践课也开设艺术史课;从大三开始与导师合作,大三除开设实践课外还开设初级专业研讨或者工作室批评理论;大四除开设实践课外还包含高级项目研讨。 通过上述内容我们可以发现国内外综合类大学美术与设计学科在人才培养目标方面基本类似,可以归纳为:注重应用性;为社会服务;关注文化传承。而在课程结构设置方面则稍有区别,主要体现在以下两点:第一,国外综合类大学的美术与设计学科特别注重培养学生之间的团队合作意识。与纯艺术专业方向不同,设计项目需要团队成员之间合作完成,以分组形式布置课题和将合作机制引入课堂教学,有利于学生尽早了解设计工作的特点,对他们毕业后顺利开展设计工作大有裨益。第二,国外综合类大学的美术与设计学科特别注重培养学生与老师之间的交流,通过前文中的事例可知国外院校是将教师与学生之间的交流作为必修科目的,且相关课程的开设时间较早(大三)。相比之下国内综合类大学美术与设计学科师生之间的交流更多集中在毕业创作及论文撰写阶段,在此之前的课程更多体现为老师对学生的单方面知识传播(虽有互动但绝大多数情况下仅存在于相对热爱专业、个性外向的学生与教师之间)。尽早地让学生与教师交流有助于教师及时发现学生在表述创意观点时存在的问题,并及时给予指导和帮助,这对他们撰写高质量的毕业论文、设计说明书甚至日后从事设计工作时能向甲方清晰表达自己观点大有裨益。上述两点都是值得我们借鉴和学习的。 3 文化研究及对外活动之比较 3.1 国内综合类大学美术与设计学科的文化研究及对外活动 以西安文理学院公共艺术设计专业陶艺方向为例: 全院规模的文化研究集中在大一和大四两个阶段,学生会在大一时到中国南部古村落(四川、重庆、安徽)写生或者到中西部文化古迹(龙门石窟、莫高窟)考察。大四时到景德镇、宜兴、德化、龙泉、富平等陶瓷产区毕业采风。非全院规模的文化研究包括以某门课程、某个课题为主的陕西当地陶瓷产区、博物馆参观学习以及不定期的邀请本行业国内外知名艺术家、学者来校讲学。 其对外活动包括:陶艺工作室与陕西多家文化公司联合建立产学研实习基地,设计、制作陶瓷产品和艺术品。与画廊等销售界的人士合作,使学生在出售作品的同时深入了解市场需求。与相关艺术门类的公司、工厂、艺术家交流互访。节假日对国内外各界人士开放。鼓励学生参加国内外陶瓷艺术展览、比赛。 3.2 国内综合类大学美术与设计学科的文化研究及对外活动 以伦敦艺术大学中央圣马丁学院本科珠宝设计专业方向为例: 其文化研究包括:大一阶段,学生将要参加一系列的以理论学习为主的讲座,包括具体文化现象,以及大众文化,艺术及设计方面。该文化研究项目可使学生接触到学校研讨班的其他专业方向的学生,并且可以一起探讨文化问题。个人和专业发展为学生的就业和事业发展做充分准备,并且为他们提供各类自学技巧。珠宝设计课程的核心还在于帮助学生掌握更多的变通技巧,这将在学生今后专业职业与创造性实践活动中起到关键性作用。个人专业提高课程是整个课程中必不可少的一部分,其中穿插着很多影像和文化研究项目的众多方面。个人专业提高参与到整个课程的各个阶段,它着眼于提高学生对于如何学习以及学习什么知识的理解,帮助学生查看、计划以及为自己的研究负责。在全院背景下开设这门课程为学生提供了数目可观的,具有广阔价值的技巧,而这些技巧也同样适用于其他领域。熟练掌握通用技能的学生更容易受到用人单位的器重。 其对外活动包括:在大一阶段有一个去阿姆斯特丹的研究访问,大二阶段会有关于国际贸易的学习访问,这些都将是宝贵的学习经验,它能使学生对于珠宝设计及其相关领域具有艺术和商业双方面的了解。EC ONE画廊是珠宝设计专业方向的赞助商,学生从大一时起就为该画廊提供作品以及参加展览的必要的文字材料。学院还与GOLDSMITHS公司共同开办了一系列的赛事和交流,鼓励大一学生参加每年一届的英国艺术表彰大赛。除此之外,学院还与众多知名公司合作现场项目。 通过上述内容我们可以发现国内外综合类大学美术与设计学科在文化研究方面基本类似,都是通过实地考察或者以讲座形式深入了解本专业或与本专业相关的本土以及国外文化发展情况。而在对外活动方面则稍有区别,主要体现在以下方面:国内综合类大学的美术与设计学科秉承的是3+1模式(或2+2模式),即大一阶段(或大一、大二阶段)为专业基础学习阶段,学习的重点仍是绘画以及构成等基础科目,即便是外出写生、考察内容也不涉及学生日后所学的专业方向。这就意味着虽然学生在校期间有两次对外活动,而实际上只有最后一次活动才与他们的本专业有着实际的联系(大一时的写生多为风景绘画,而考察更像是旅游)。在这一点上,我们完全可以借鉴国外同行的做法:根据学生的专业方向选择写生或考察的区域,并制定出相应的、可以为其专业起到更多实际帮助意义的写生或考察内容。 通过对比我们不难发现国内外综合类大学所设置的美术与设计学科在申报条件及毕业条件、人才培养目标及课程结构设置、文化研究及对外活动等方面的教育模式存在一定的差异,我国与国际发达国家相关领域相比尚存在不足之处。希望本文能对战斗在我国综合类大学美术与设计学科一线的教学工作者们起到一定的启示作用,希望我们可以制定出更加合理、更加先进的教育模式,培养出适应当代社会需求的高质量人才。 大学美术论文:影视教育资源应用于大学美术欣赏课教学优化的策略分析 摘 要:影视教育资源的含义就是在教学的过程中运用影视信息资源。美术欣赏教学对学生的美育起到至关重要的作用,面向大学生开放美术欣赏课,可使学生在欣赏优秀影视作品的同时真正的感受到美、认识美,从而达到美术欣赏教学的目的。影视教育资源的广泛应用取缔了传统教学方式,大幅度增加了大学生对美术欣赏课的学习积极性,因此其优化的过程和策略需要广大教育机构以及教师的重点关注。 关键词:影视教育资源;大学美术欣赏;优化;策略分析 随着科技迅速发展,大学生逐渐成为网民的主体,经过调查研究得知,许多大学生在上网的过程中会看电影、电视。因此,如果在大学美术欣赏课上运用影视教育资源,想必会起到事半功倍的效果,不仅可以激发学生浓厚的学习兴趣,还会大大提高美术欣赏的教学质量,使这门学科更加丰富多彩。如何将这一教学手段进行优化,真正地为学生的学习服务,是每名教育工作者的职责和义务,也是新教育体制至关重要的因素。 一、影视教育资源的优势 网络在社会和人民中的应用已经越来越普及,其中包络数字电视、手机上网等,大学生这一集体势必会紧跟时代的潮流。经调查显示,约有六成的大学生在上网的过程中会选择看电影、电视。影视艺术,作为群众最容易接受的文化知识传播形式,它对学生的综合感知能力的提升以及审美修养的优化都有着很大的帮助。优秀的影视作品能为大学生带来教育和鼓舞上的启迪,使大学生更直观的感受真、善、美,引导学生培养正确的感情和理想追求。美术欣赏课上引用优秀的影视作品还会使学生对审美和艺术进行重新定位,达到新的高度,自然而然的就会去杜绝那些不健康的影视作品。如果没有正确认真的影视教育引导,学生则可能不会形成正确的审美观点,而会觉得热闹、激烈的电影就是优秀影视作品,对于那些经典的不那么刺激的好片子漠不关心,而且国外进口大片的不断涌入,使学生纷纷追捧,盲目的崇拜。因此,可以说影视教育资源的应用离不开正确的理论指导。就大学生美术欣赏课而言,可以充分利用学生对影视作品的热情,将优秀的影视资源的优势发挥在美术欣赏的教学中,激发学生的学习兴趣,全面提升美术欣赏课的教学质量。 二、影视资源与大学美术欣赏课的结合 美术欣赏课是大学美术教育的重要组成部分,肩负着对学生进行美育教育的重任,但是受到传统教学方式的影响,学生对美术欣赏这门学科普遍存在抵触的心理,因此在日常教学过程中很难完成教学任务,没有达到预期的教学目标。调动起学生的学习兴趣是改善这一现象的前提,了解学生真正喜欢的是什么,将学生感兴趣的东西与美术欣赏课结合起来,就可以使这一枯燥学科变得丰富多彩。影视资源的介入无疑是最好的选择。其中,最主要的过程就是在优秀的影视作品中挖掘出美术元素,比如构图、意境等,通过对这些元素的分析,来提升学生的审美观点和欣赏水平。 电影艺术创作的手段多种多样,其中以形写神是最常用的方法,对学生讲授以形写神的要领及欣赏时,教师可以播放优秀的以形写神电影作品片段,比如詹姆斯卡梅隆导演的《泰坦尼克号》中男主人公在船头紧紧拥抱着女主人公迎着海风张开臂膀的片段,该片段为观众留下了不可磨灭的印象和震撼力,根本就在于电影中的画面和语义调动起了观众的情感。引用这类影片,为学生呈现一个生动的以形写神的片段,使学生感受到电影创作艺术的无线魅力。 电影作品在刻画人物性格特点以及展现矛盾冲突方面会使用构图这一美术元素。为学生展示具有构图运用典范的优秀电影作品,使构图这一美术欣赏元素在学生心中生动形象、根深蒂固。优秀的作品如希区柯克导演的《精神病患者》等,通过此类作品为学生展示震撼的情节之余,锻炼学生美术欣赏的能力。 电影作品中所谓的意境就是创作者能够将个人的思想情感和剧情中的人物命运以及所创造的景物环境紧密的结合在一起,从而达到了情与景密切融合的艺术境界。这种艺术境界对观众的影响十分深远,会使观众产生较深的情感,从而引发联想和回味,对电影意境的挖掘和理解,可以大大改善学生的审美观点。为观众创造优秀的意境电影作品有陈凯歌导演的《黄土地》等。 三、运用影视资源应注意的问题 (一)影视资源的选择要有针对性。影视教育资源的宗旨是为美术欣赏教学服务,是一种辅助教学的手段,教师应该切合教学主题和实际情况,合理的选择影视作品。脱离教学主题,使学生觉得美术欣赏课就是看电影课这一现象非常普遍,所以教师不应一味的调动学生的兴趣而忽略教学的目的。教师选择影视材料必须要切合教材的内容,而且以经典影片为主,将教学的目标和趣味性紧密联系起来,从而达到优化美术欣赏教学的目的。 (二)符合大学生实际生活。影视教学资源的选择要求,不仅要考虑到影片的思想、艺术是否可以对学生起到引导作用,还要根据大学生的实际生活,选择大学生感兴趣的、能引起广泛关注的“大片”。例如,在对学生讲授电影作品色彩内容这一重要组成部分时,可以引用著名导演张艺谋的《红高粱》等。学生的关注程度直接影响教学的效果,所以在影视教学资源的选择上教师要格外的重视。 (三)适度运用影视资源。始终明确影视教学资源只是辅助教学手段,切不可过多的引用影视资源,这样反而会影响美术欣赏的教学质量。教师需要根据教学的内容选择最直观、最简单的媒体方式,不仅可以吸引学生的注意力,还可以最大限度的保障影视教学资源的实效性,使得影视教育资源发挥最大作用。 四、影视资源在大学美术欣赏课的优化策略 (一)创建影视资料库。在美术欣赏教学中,很多课题都可以使用影视教育资源进行教学,可以根据课题的不同内容整理起来,建立影视资料库。这个工作对教师的要求很高且非常复杂,不仅需要长期的积累,还需要教师对教学资源进行分类和整理,但这是这一教学体制优化的必要过程,建设全面有序的影视资料库可以为美术欣赏教学的发展提供便利。 (二)制作教学课件。有效的利用影视教学资源的最重要环节就是根据教学内容选择合适的影片,教师在选择和制作课件的过程中不能一味的使用这种教学手段,要将影视资源与教学内容充分结合为根本,否则会影响整个教学,进一步影响学生对美术欣赏教学内容的理解。 (三)在教学过程中的应用。影视教学资源的使用时机可以根据课堂上的实际情况选择,没有固定的时间和限制,教师可以在课前进行提问然后使学生在观看影片的过程中找到答案,也可以在教学的过程中引用影视片段进行与教学内容相对应的分析,还可以布置观影任务,这样不仅可以丰富学生的课余生活还可以锻炼学生自主欣赏电影的能力,从根本上提高教学质量,但无论选择何时使用,都要以解决教学问题为根本,以提高学生美术欣赏能力为目的。 (四)课后的讨论总结。影视教育资源这一辅助教学手段还在初级阶段,并没有完善的应用策略,所以学生课后的谈论和总结也是非常必要的。可以使教师了解学生对美术鉴赏教学内容的掌握情况,还可以根据具体问题对影视教育资源的利用进行优化和改良,并能够促进师生之间的交流,培养学生的语言表达能力。 五、总结 影视教育资源在大学美术欣赏的应用仍然处在初级阶段,还需要不断地完善和优化,这需要广大教师及教育机构的共同努力。相信通过不懈的努力,影视教育资源的利用会在大学美术欣赏教学中大放光彩,真正地提高美术欣赏的教学质量。 大学美术论文:浅析我国大学美术基础教育所存在的问题及意义 摘 要:大学美术教育对于美术人才的培养具有非常重要的意义,良好的大学美术教育手段对于学生的成长也有着非常大的帮助,因此,必需要加强大学美术教育工作,促进我国教育事业的综合发展。本文就我国先进大学美术教育开展分析,指出其中的问题和不足,对有针对性的提出了相关改善建议,希望对于我国教育教育事业的发展起到一定的推动性作用。 关键词:大学美术教育;问题;策略;措施 一、大学美术教育的意义 (一)提高学生的审美能力 通过对艺术作品的解读和诠释,大学美术教育能够培养学生正确的审美能力,塑造学生正确的人生观和价值观。通过大学美术教育,教师能够有效培养学生正确的审美能力,懂得什么才是真正的美,真正的有意义。 (二)培养学生的创造性思维 艺术在人们的生活中无处不在,艺术来源于生活,而高于生活,生活中的建筑建设、产品设计都是美术艺术的一种具体表现。因此,良好的美术教育,能够教给学生如何去利用艺术,发觉艺术,通过对艺术的延伸和迁移从而创造出更加优秀的作品。 (三)提高学生情感交流能力 通过美术教育,能够帮助学生掌握正确的情感交流方式,帮助学生懂得如何认识欣赏他人,懂得如何评价和欣赏自己,这样,对于沟通交流活动来说具有非常积极的作用。 二、大学美术基础教育存在的问题 (一)学校追求就业率与招生效益,不具备条件,匆忙开设课程 近几年,设计类专业比较受欢迎,而美术教育的市场需要趋于饱和。因此,许多学校不顾多年教学特色,纷纷改专业,美术教育学生与纯艺术类学生,也迫于就业压力,按捺不住,纷纷改行,大大挫伤了这类学生的积极性。此外,由于匆忙上马,有些具有职业教育性质的专业,因缺少实践的机会,如同纸上谈兵。 (二)教师教学观念落后,不具时代性 能否正确认识与领会大学美术教育的目标,与本专业本学科特色,直接决定着教师的教学观念,进而影响了教师的教学。学校虽然开设了新专业,但设置的课程却没有大的变动,只是简单的进行了删减。课程的内容,与教学的方法一如既往,没有因为新专业的开设而有重有轻。 (三)不能与社会需求相协调 大学美术教育在社会主义各阶段分别有着不同的历史使命。如今,生产力逐渐提高,物质丰富,艺术也不同程度的走进人们的生活,因此,我们对艺术、艺术教育又提出了新的要求,即紧抓时代的脉搏,让艺术使我们的生活越来越美好。 三、改善我国大学美术教育的策略和措施 (一)根据社会需求确立合理的人才培养目标 学校应及时掌握社会需求动向,在掌握社会对美术人才需求状况的前提下,灵活制定学校培养目标并且对专业课程进行相应调整。针对学生的不同特质对学生进行职业培养和人生规划。只有通过高校美术教育的转变,才能够使美术专业的学生既具有美术修养又能拥有优秀的综合素质,成为社会需要的高素质人才。 (二)改进传统教学体制,完善课程设置 在日常学习中,应注重对学生自由思维能力的培养,尊重学生的自我意识,严格要求学生对文化知识的掌握和综合素质的提高。培养学生对美的独到见解和创造美的能力。现代高校美术教育的教育内容集中在美术技巧上,所学内容单一。针对该问题,美术院校应及时做到拓宽其它必须课程,重视学生的文化修养,提高综合素质。避免美术教育将学生与世界隔离,只见美术,不见其他。通过其它课程的学习加深学生与社会的联系,提升学生的文化素养和内涵。这不仅有助于他们更深刻的理解美术的文化内涵,而且能帮助他们主动的去探索世界,摆脱思想的禁锢。 (三)将课堂教育与实践活动相结合 近年来素质教育在我国各高校进行的如火如荼。因此,在大学美术教育改革中,美术教育与实践相结合是十分有必要的。首先我们要在教学活动中逐渐培养学生的实践意识。在教学活动中,针对学生群体的不同特质应当开展不同的教学实践活动。其次要不断培养学生的社会实践能力。社会实践是对学生所学知识的重要考核方式。只有能够适应社会实践的教育才是成功的教育。第三大学美术院应积极鼓励学生进行创造性实践。学生可以通过假期利用自己的专业到社会中进行实践体验。在实践中发现新问题并解决新问题,从而提升他们分析问题和解决问题的能力。 四、总结 大学美术教育对于学生的成长具有非常重要的意义,因此,我们在日常教育教学工作开展过程中,一定要认真总结工作经验,不断探索有利于教育事业发展的方式方法,促进我国美术教育工作的开展,促进我国高等教育事业的稳定、健康的发展下去。 大学美术论文:大学美术课程教育改革与创新途径初探 【摘 要】 目前,大学美术教育改革面临严峻形势,加强美术教学改革显得十分紧迫。突出应用与实践能力,对美术教学进行系统改革,突出素质教育的价值与作用,在教学安排方面加强对美术教学方法与技巧的研究,形成系统的美术教学体系,才能契合当前经济发展形势,取得良好的发展。 【关键词】 大学美术;教育改革;教学理念;创新途径 一、突出对大学生的美术素质教育 第一,美术教育可以完善人的素质修养。美术教育是美育的重要内容,通过美术教育,能够培养青少年真善美的正常心态,是自己的心灵得到艺术的洗礼。美术教育能帮助青少年塑造健康的人格,陶冶人的情感,增进人的智慧,滋养人的心灵,发展人的个性及想象力,表现力,使其自身和谐发展。潜移默化地影响着人的情感,趣味,气质,性格等。第二,美术教育可以培养学生的创新精神。美术可以让人充分发挥想象,抒发自己感情,张扬自己的个性,推崇标新立异,大胆创新。 二、加强学生艺术修养,激发审美情趣 首先,在教学中把那些最富有魅力,最具有艺术熏陶力的亮点挖掘出来,引导学生去发现美、欣赏美、感悟美,促使学生主动地了解艺术的起源及国内外美术各学派的风格及流派发展变化和主流方向,为美术实践奠定坚实的理论基础;其次,要鼓励学生走出课堂走向社会积极参加各种实践活动,提高鉴赏美的能力,激励学习兴趣。再次,锻炼学生发挥独立思考能力,鼓励其运用适当的方法进行创作。通过实践提高学生的想象力、观察力,引导学生带有情趣地去发现身边美的人、美的事物,把自己的生活实践和美感联系起来,并用自己喜欢的绘画方式表达出个人体验和理解。 三、强化自主学习能力培养,开阔艺术视野 高校美术教育的目的更重要的是培养学生审美能力,提高审美素质,成为具有创造思维、高尚情操、完善人格的高素质人才。现在美术教育偏重于技能传授,忽视对学生自主学习能力的培养。高校美术教育是培养人才的重要途径,自主学习是高等教育美术教学过程中一个不可缺少的教学环节。自主学习是以学生作为学习主体,通过学生独立分析、探索、实践、质疑、创造等方法来实现学习目标。学生在学校接受的再教育是学生的观察和感知能力、物象的造型能力再次深化,实现这一目标必须要求学生具备自主学习能力,树立终身学习观念。课堂教学传授给学生知识受时间、地点和教师艺术水平等方面影响,在很大程度上存在不足。通过自主学习,可以接触到更多更广的美术知识和信息,开阔艺术视野。在教学过程中最重要的是培养学生正确的学习方法和很强的自学能力,使学生获得更丰富的知识,开阔艺术视野,提高自身的艺术素质。只有充满自信,才能敢于实践,敢于创新。 四、培养大学生自主学习能力的途径和方法 高等教育美术学习具有很强的目的性,制订完善的适合自己的学习目标就很重要。根据自己的专业水平制订切合实际的自学计划,由浅入深,循序渐进,不可好高骛远,脱离实际。自学时一定要把握知识的阶段性和系统性,扎实有效地完成自己的学习计划和目标。在制订学习目标时要充分考虑自己的基础和专业特色,目标定得太高、太大会影响自己学习的积极性。在美术教学过程中,老师的教学指导原则、教学方法应以培养学生的自主学习意识为重点,使学生改变依靠教师和课堂教学为主的思想,逐步养成自主学习的能力。教学中学生是学习的主体,自主学习的效果怎么样,在很大程度上取决于学生自主学习意识的高低。高校美术教学中应该引导学生怎样去确立学习目标、制订学习计划,创造良好的自主学习氛围,探索出最佳方法。良好的学习氛围包括课堂氛围和外部学习环境,从以教师为主的、单纯传授美术基础知识和基本技能的教学模式,转变为以学生为中心,既传授基础知识和技能,又注重培养学生的观察和感知能力、物象的造型能力的教学模式。 五、改革课堂教学方式,培养学生创新意识 改革课堂教学的关键是促进学生知识的掌握,技能的培养和情意、审美、伦理等的发展。美术教学要特别重视和培养学生的实践能力,教师要积极为学生创设有利于激发学生创新精神的学习环境,通过思考、讨论等活动,引导学生在美术创作活动中,创造性地运用美术语言;鼓励学生在欣赏活动中,开展探究性的学习,发表自己独特的见解。美术教学的目的不是单纯地教给学生知识,教师的关注点是学生。教师的教学要引导学生主动地发现问题、探究问题,在具体的教育情景和日常生活中构建知识。教师要改变教学方式,要注重引导式、探索式的教学方法,注重探究性的学习,以促进学生的和谐发展。课堂教学设计关注更多的是学生用什么样的学习方式如何学来达到教学的目的。美术教学的过程成为学生发现问题、提出问题、分析问题、解决问题的过程。因此,教师在教学过程中应与学生积极互动.注重培养学生的独立性和自主性,引导学生质疑、探究,以培养学生的创新思维。 六、更新教育观念,注重实践能力的改革 教师的素养包括文化修养、道德修养和教育教学基本能力。转变教学观念首先应做到教学多样化,力求生动活泼,应改变单一教法,充分利用大自然丰富的色彩等,把计算机多媒体技术等引入课堂辅助教学,增加美术课的科学性、越味性、民族性和时代感。教师要具备创新精神,思想开放,及时掌握美术教育的最新理论、新动向,并运用到教育实践。探索素质教育,积极进行教学内容、教学形式、教学方法、教学手段的改革。 第一,“重专业”“轻教育”的倾向。重理论轻实践,不适应社会需求,要培养德、智、体、美全面发展、具有创新精神与实践能力的人才。第二,构建新的课程体系。是对美术教育改革的关键问题,在不同的阶段学习任务不同。主要是对美术理论修养进行加强,对专业技能加强训练,以达到提高教育教学实践能力的目的,让学生进一步了解边缘学科的知识。 大学美术论文:信息化环境下的大学美术教学改革 摘要:随着科技的发展和社会的不断进步,人们对美术教学逐渐有了更高的认识。在整个美术教学中大学美术教学是整个教学系统的核心也是理论基础。可以通过大学美术教学来改变学生对美术教育的认识,提高其创造能力。在大学美术的教育中,不但要培养学生的审美观念,还需要充实教学内容,优化教学思路,使学习内容更容易理解和掌握。本文主要针对信息化环境下的大学美术教学进行论述,阐述了先进的信息技术对大学美术教学的作用,并根据存在的问题,提出合理的建议和措施。 关键词:信息化环境;大学美术;教学改革;研究探讨;建议对策 随着时代的发展,高新技术逐渐被应用于大学美术教学中,其中最主要的还是信息技术的应用。在信息化环境下可以利用投影、电子计算机、录音、幻灯片、录像等现代教学方式来操作。利用这些高科技,能够控制多种设备来提供教学信息,突破了空间的局限性,增强了美术想象的灵感,让思考不再拘泥于画面,能有效地点拨思维,激发学生在学习美术时的积极性和自信心,有利于学生对大学美术课程的掌握,同时也减轻了教师的教学工作量,提高了教学效率和教学质量。 一、信息化环境下大学美术教学的特点 (一)信息化环境下大学美术教学的多元性 在我国大学美术的教育中,不但要注重对美术知识和基本技能的学习,还需要培养学生的情感,对美术的态度和学习的能力等。所以美术教学的内容趋向多元化。所以,通过信息技术可以提供富有层次性、多样性、可选择性的软件资源。在教学中可以让学生根据自身的情况来选择适合的学习软件,根据自己的目标进行奋斗和学习,同时可以选择不同程度的教学系统工具,更好地提升自身的学习水平。所以,在信息化环境下,将多元化作为大学美术教学的重要特性具有重要的意义。 (二)信息化环境下大学美术教学的自主性 传统的美术学科教学主要是通过教师的讲解和学生的练习来进行的,教学任务也主要是由教师对学生灌输美术学习的知识和学习技能等。随着现代科技的发展和时代的进步,美术教学也不再拘泥于单纯的讲解,美术的内容也随着时代的变化而不断丰富。所以在进行美术教学时,需要从美术知识的量、质、途径和方法等方面着手,在给学生增加基本知识的同时,培养学生自主学习的能力和技巧。现代科技中,通过电脑美术教学可以实现自主性的培养,通过该先进技术,可以发挥学生的自主创新能力,减轻了教师的教学任务量,提高了教学效率和教学质量,同时也提高了学生的学习积极性。 (三)信息化环境下大学美术教学的交互性 在信息化的环境下可以利用网络来传达各种各样的美术教学资源,学生可以不受时间和时空的限制,相互传输图文并茂的资料或者文件等,学生可以自由搜索学习所需要的材料。在美术教学实践中,学生可以将不同主题的创作作品上传到网络,师生之间可以共同探讨学术上的问题,同时发表自己对该作品的看法等,有利于各种资源的交流和沟通,促进教学水平、学生学习的效率和质量的提高。 二、信息化环境下大学美术教学的改革措施 (一)通过多媒体配合的美术教学 1、组合优化原则。信息化环境下进行大学美术教学避免采用单一的教学手法,可以采取多种媒体资源,将计算机的多媒体系统运用于大学美术教学中。该计算机媒体组合使用的特点技术不会出现信息中断的现象,导致衔接不良。该系统可以采用音像媒体进行配合,将声音、图像、文字和图形等多种媒体信息进行处理,然后将其进行自然、平稳地过渡,有效地控制各种数据信息。利用该系统将所有的数据按照教学的模式和程序来进行安排和布置,使其发挥更好的效果,便于学生的理解和掌握,也能够减少教师的繁杂的工作量,提高教学质量和教学水平。 所以,在大学美术的教学中合理地使用多媒体,掌握多媒体的软件操作技术是必不可少的。将基础教学和多媒体教学相互结合和搭配,组合优化,是实现轻松教学的过程。 2、卫生保健原则。媒体的选择需要保证学生的心理健康和心理保健。选择幻灯片、投影播放时避免强光空幕,严重刺激学生的眼球,横片、倒片时需要注意程序,避免出现混乱,影响学生的心理。另外,广播录音要适当避免噪音的影响。调节好课堂教学中的电影、录像教学的银幕亮度和尺寸,以及播放时间等问题。 (二)实行网上美术教学和网络美术资源共享 1、网络美术资源 随着电脑和网络技术的发展,网络教学也不断融入到了大学美术教学中。利用网络资源为教学提供方便,培养学生的自主学习能力。学生可以通过网络上的资源库来寻找自己所需要的美术资源,避免了教师灌输式的讲解。网络教育的出现,使学生自主地进行学习,学习的主动性和积极性增强了,还可以通过网络跟教师进行沟通和交流,同时下载教师在网上的各种材料和资源,有利于提高学生的学习水平。 2、网上美术教学 在线讲课:通过网络来进行师生之间的实时教学,在该模式中,学生可以及时提问自己不明白的问题,同学之间可以相互讨论,信息可及时进行反馈,提高了课堂教学效率,教师也可以对学生的回答进行评定和解惑。(2)离线教学:教师通过网络将需要布置的作业或者材料上传,学生在课余时间都可以进行下载,节约了教师的时间,也为学生下载文献和资料提供了方便。(3)综合教学模式:其一,将离线教学和在线教学结合;其二是将互联网和其他媒体进行结合。根据具体的课堂内容和学生的情况来选择合适的教学手段,提高教学效率。 (1)教学呈现:是指把美术教学的内容利用资源库的内容转化为试听材料,提高学生学习效率。(2)模拟演示:是指采用多媒体将音频、视频相互结合,实现逼真的画面和情境,便于学生理解和记忆。(3)交互性视频学习:是指通过师生的交互作用,借助多媒体设备进行教学。(4)项目制作:是指按照美术教学内容,将任务发给学生,使其按照题目通过多媒体技术来制作相关的项目,在制作项目的同时,需要搜索资料和内容,同时可以提高自身的知识水平和技能。 (三)多媒体网络美术教室的开展 多媒体网络美术教室可以实现资源共享和统一教学的功能,教学中利用广播的形式发送一些信息、辅导学生学习状况等,完成交互教学。 (1)监视屏幕的功能。 可以在授课过程中,监视到学生的学习状态,及时了解学生的学习情况。 (2)屏幕转播功能。 教师在授课时可以通过某学生机屏幕来将内容转播到其他学生机上,起到示范功能,避免教师机因内存不足而引起的一些问题。 (3)辅导功能。 教师在授课时选择特定的学生机,然后利用教师机进行辅导和教学,实现各种操作功能。 (4)对话功能。 在教师授课时,可以选定某学生的电脑,然后跟学生进行交流和对话,及时对不明白的问题进行沟通和交流,同时不会影响其他学生的学习,提高教学水平。 三、结束语 随着时代的进步和信息技术的发展,大学美术教学将会更科学、更方便。在信息化的环境下,将网络技术融入到大学美术教学中,不但能够提高学生的学习水平和学习质量,还能在提高学生学习积极性的同时,减轻教师的工作任务量。
艺术学毕业论文:高校扩招后艺术学专业毕业生就业现状形势分析 摘 要:高校扩招,这一致力于解决当下经济和就业等问题的教育计划出台。高校招生人数随之逐渐达到高峰,这直接影响到当下大学毕业生的就业问题,尤其是艺术专业招生,随着艺术生的普及,高校更是大力扩招艺术专业学生。家长们本着艺术生易就业的说法,纷纷让孩子报考艺术专业,然而事实上因为毕业人数的急剧增加,供过于求,并且跨行就业的难度相对较大,于是导致了就业率普遍偏低。种种现象的出现表明,艺术生就业困难的现象早已成为一个不争的事实。艺术学专业的就业形势,总体来说,还是存在着一定的竞争。 关键词:高校扩招;艺术教育;艺术生;就业形势 前言 伴随着当今社会艺术的宣传与文化的发展,人们对艺术人才和大量艺术作品的需求量增大,以及高等教育大众化所带来的影响,更多高校持续扩大招生规模。 此次研究这个课题,主要就是,作为苏州大学艺术学院的一名大三学生,明年也即将面临就业选择,而自己了解的又少之又少,因此对这个课题产生了浓厚的兴趣。从高中时的艺考和高考,再到大学时我所专攻的艺术学设计专业的课程,由于自身专业的需要,天南地北地参加艺术类活动,以及进行外出写生、艺术展览、参加服装演出等一系列社会类艺术实践活动,一路走来,在这从中我学到了很多,与普通统招生相比较,不仅仅是书本上的理论知识,更多是在实践活动中所提高的能力,同时个人阅历也变得更加丰富。 对于高校扩招后艺术学专业毕业生就业现状的这个选题或许我更有我自己独到的见解与认识,我同样也是伴随着高校扩招这一股趋势进入我理想中的大学的,高校扩招这一政策对于我们这几代大学生来讲既是机遇又是挑战,这一政策的确算得上是一个振奋人心的好消息了。通常,艺术类专业的学生以相对低的文化要求进入同等大学,而我,也选择了通过艺术学习,考入理想的大学。当年的我因为享受到高校扩招待遇而走进大学校门,如今的毕业之际,不得不面对残酷的现实,艺术生的就业形势一直是人们所关注的热门话题。 第一章 高校扩招后大学生就业形势的变化 1.1高校扩招计划过于急切,就业形势的弊端逐步显露 “高校扩招”,这个另所有人都十分敏感的词汇,也有着大学扩招或是大学生扩招等等称呼。高校的这一举动最初源自于1999年我国教育部出台的《面向21世纪教育振兴行动计划》[1],这一教育计划的出台主要致力于解决当下经济和就业等问题,这一高校扩招计划向全社会的一公布,对于还在没日没夜埋头苦读的高中生来说真可谓是一个再振奋人心不过的好消息了,犹如他们理想的大学已经向他们开启了绿灯,他们似乎感觉到有一只脚已经迈进了大学的校门,等待他们的将是令所有人向往的大学教育和大学生活。扩大普通高校本科及专科院校招生人数的教育改革政策自1999年起至今,各大高校的扩招计划以惊人的速度发展着,举例子来说,2001年统计数据得出各级各类高校统招生与艺术生的总人数达到115万人,接下来的一年就已达到145万人比前一年又增长了30万人,再到2003年竟然疯狂增长到了212万人这一巨大的学生数量。很显然以这样的高增长速度,我国高校扩招在2004年不可避免的迎来第二个就业高峰,达到280万人之多,这可是比以往平均增长了百分之四十三,这样大规模毕业总数是在这4年中比以往翻了一翻还要多[2]。一个个惊人的数据就这样持续增长了9年,直到2008年后,我国教育部才逐渐意识到1999年开始的扩招计划的确过于急躁,并开始不断调节全国各省市的高校扩招比例,一年后的毕业生人数的确得到了一定的控制与优化。 因2008年教育部将扩招比例做出进一步的调整之后,许多本科及专科类院校针对艺术生的招收态度也变得尤为慎重,因为扩招力度调整以后,绝大多数的院校都积极采取了一定的保障措施。举例来说像增加教师工作时间来缓解教师人员短缺的问题;课堂形式更多的变成了以上大课为主、设置更多的班级、压缩课时、延长课堂上的时间,还有全天排课等方式来安排扩大招生后对学生的教学工作;以增开更多自习室、加强课后辅导课外作业等形式作为保证教学效果的辅助手段之一;还以增设高级的扩音和投影设备、增设多媒体教室和语言实验室等新形势的手段来提高和强化教学质量。不过这些都是针对扩招带来直接问题的即时性应对措施,比如像艺术学专业这样实践性较强的学科专业未来的毕业设计、毕业实习等等环节还会面临较大困难与压力。如果是从积极的一方面来讲,扩招不但可以扩大居民的消费、刺激经济增长,还可以为知识、经济培养高素质的专业人才,优化我国的人才结构,但是有多少人曾想过在持续扩招的背后将是怎样的就业状况和就业压力呢?“大学毕业生为求职给人下跪”;“大学生毕业后回家种地”;“当代大学生因找不到工作而跳楼自杀”;“大学生因就业压力大而精神崩溃”。这些让我们触目惊心的新闻虽不能简单地和大学扩招划等号,但难道说扩招后对就业没有影响吗?扩招的确让更多的高中毕业生有了上大学继续深造的机会,但是扩招会给高校的教育质量带来怎样的冲击和影响也备受教育界的关注。 1.2扩招后生源质量的下降直接关系到到就业困难的问题 高校是扩招了,基础教育却荒芜了。在基础教育没有办法创造出更多的生源的情况下,只能通过降低招生质量的方式从而盲目扩大高校招生规划,这也间接造成了当今社会对高校毕业生评价不高,我们可以毫不夸张地说当今大学生的知识文化水平也就和上个世纪八十年代的高中生的水平差不多。就是这样,生源质量差导致毕业生质量不高,毕业生质量不高导致就业困难,就业困难导致高校声誉下降,这一恶性循环的过程的形成也就成为必然。 当下教育的目的不在于培养多少大学生,而是提高全体民众的素质才是更加需要注重的方面,教育资源的应用不是建设多少所名牌大学,而是尽可能的将有限资源中的利用效率不断提高,其实高校扩招这一计划自身并没有什么错误,问题就出现在了扩大的幅度与用意。许多高校提出教育与科研并重的发展思路,提高对教师的要求,对于新进教师,大多要求具有博士学位或者高级职称。然而一些老教授们思想已经陈旧僵化,依旧在照搬照抄西方早期的部分理论思想与研究成果,与中国当今社会的实际情况严重脱节,常常接受这些没有价值的教育并不能帮助学生提高适应社会的能力,学生毕业后在工作中间处理各种实际问题能力,往往也没有明显的增加,因此对学生在工作中确立自己的竞争优势严重不利,也不利于毕业生在单位里提升自己的收入分配地位。高校应该是创新之源,但目前高校的学术评价机制过于重视短平快,一些为学术献身精神的教师却得不到承认,以至于被迫辞职,相反一些善于经营学术的鸡鸣狗盗之辈则是荣誉加身如果目前我国高校在招生的人数、类别、及收费标准等方面不具备足够的自主权时,就如同企业对自身的产品开发规模时丢失了选择权,这一企业也就不可能具备很强的市场竞争力,如同学校难以真正引入产业化的运作机制。长期以往,高校不但不能为民族发展培育新生力量,在基础理论上也不能有所创新,从而影响了民族发展的潜力。 现如今,无论是一本二本还是三本的就业困难已是一个不争的事实。在大学生就业市场不景气的现状之下,本科大学生的月收入工资水平也是在不断的下降,根据目前急剧的状态可以判断,很快就会和农民工的月收入水平相齐平了。能够拥有一份好工作是当前许许多多在校大学生读书的主要目标之一,也可以理解为古时候的读书人“学而优则仕”的观念。 第二章 扩招后的艺术学专业为高校所带来的影响 2.1艺术学专业的开设已趋于普遍化,学科设置亟待完善 从1999年高校扩招实施开始像当前如此大规模的开设艺术学专业的课程教育来说,其实并没有进行过任何真正意义上的对此类专业人才需求的论证和大规模测算。但是根据不完全统计可知,全国开设艺术学专业的院校大大小小、数目众多,排名在前十位的城市分别为:北京市、广东省、山东省、河南省、江苏省、浙江省、安徽省、湖南省、湖北省、河北省,其中有很大一部分是原先艺术专业发展优势并不明显领先的省份。计划招生人数河南、广东、山东名列前三,办学资源名列较低的河南省招生数量却名列前茅,而办学资源最强的北京市招生人数却趋于中游,以此为例可以看出不同地区面对招生规模有着不一样的计划与态度。近年来随着不断扩大的高校扩招规模,我国包括青海、西藏、新疆在内的等许多偏远地区的省市都已经开设了艺术类专业招生考试,从当今社会与经济发展对于艺术类专业的大量需求来看这是件好事,但是如果出现连专攻畜牧业、专攻政法类的院校也都在纷纷开设与艺术类相关的专业时,这是出于学科覆盖或办学规模的需要还是真正出于社会需要。 带着这些种种疑惑让我想起在近日浙江卫视《我看你有戏》的节目中,其中一位选手在自报家门时提到一点,自己是来自中国农业大学的一名学生,然而说到自己是属于传播系的时候,这不禁让张国立和冯小刚两位导师脸上露出十分惊讶的神情,可以看出两位导师对当前国内各大盲目增设艺术学专业的院校表示非常不理解,这一小小的细节也的确非常值得我,作为综合类大学里一名艺术学专业的学生去提出同样的质疑。冯小刚导师十分幽默的反问道:“中国的大学真是太有意思了!中国农业大学还有传播系了?”而在一旁的张国立戏谑道:“不应该是传播系,应该是播种系吧?”这也能够看出张国立和冯小刚两位导师都对当下中国综合性大学不断增设艺术类专业的学科和课程都十分的困惑,这两位导师对于各行各业发展所持的严谨态度和看法同样也需要我们深思。 实际上,在采访前武汉大学校长时他也曾表示说:“现在中国的大学乱了套,对大学一定要有准确的功能定位,必须各司其职。”面对目前国内大学不断增设专业的情况,他认为:“世界任何一个名大学也不一定是一个学科齐全的大学,哈佛大学,普林斯顿大学,作为世界性的名校,照样没有囊括所有专业的[3]”。这也正是面对上百万人口如何开展艺术学专业教育以及人才培养最令人担忧的地方,也是需要对这种教育进行科学规划与调整的原因所在。 2.2艺术学专业的不规范性为学校管理带来困扰 众所周知,艺术类专业的学生通常是先通过艺术专业的考试,再进行高考,得出最终的成绩后择优录取的,因门槛低、录取率高,被很多学生看成是一种能够升入自己理想大学的捷径,因此与统招生的文化课成绩相比都普遍偏低,形成了鲜明的对比,有很多专科院校甚至要求更低,这就使得一些文化课成绩平平的考生,为了能够进入理想中的名牌大学,把自己的学习转向了艺术学习。像这样带有很强目的性的选择,在无形之中造成了一些学习艺术专业的学生,不仅仅对艺术学习毫无兴趣同时又缺乏在艺术方面的天赋,为的都是提高艺考时的过关率,不断研究着每年的出题方向,从构图、到色彩搭配,一项项地摸索规律。这种培训谈不上艺术培训,更像是在工厂里的一条生产线上,生产出一个个画风极为类似的艺术生,千千万万名考生中很少能有人真正热爱艺术。因为需要花费大量的时间和精力都被艺考补和四处招生所填满,因此也无法静下心来投入到文化知识学习中去,丧失了一种良好的学习能力和学习习惯。在当下,也不难看出艺术学专业学生的性格特点与其专业的特殊性有着密切的关系[4],特别是随着近几年来许多高等院校持续大规模招生,这也给该专业负责的教师对艺术学专业学生的教育与管理工作带来了不小的考验与影响。 由于艺术学专业的教育培养,特别是在艺术实践和艺术创作方面都比较注重突出和强调学生的个性化的自由发展,学生在考虑问题时容易脱离现实基础,过于情绪化,遇事不够冷静,再加上独生子女们普遍有着追求自我、注重个性、自我意识强烈等性格特点,他们以自我为中心,注重个性方面的表现。另一方面,艺术学专业的学生大多数家庭状况比较不错,这些家长在平时对子女也更是溺爱有加。日积月累下来从而导致某些学生的自我意识过强,以及对集体主义观念的缺失,生活、学习行为自由散漫,有着我行我素的一贯作风,上课经常迟到,对教师的管理也是不愿服从等多方面。艺术设计类专业学生,由于专业学习的需要,大多配置电脑,但不少学生利用电脑通宵玩游戏,上网聊天,既给舍友造成了一定的困扰,还给自己身心带来了很大的危害。因此在其不断扩大招生规模后,对艺术专业学生的教育与管理的难度之大可想而知。 艺术生的文化基础相对较差,然而部分又不认真、也不是本着踏实、勤劳、刻苦的学习态度,上课听不懂便成为了他们经常逃课还有课堂不认真听讲的借口之一。虽说学艺的学生一般对专业学习比较重视,但这种重视也只是表现在艺术实践上,例如音乐专业的学生只重视声乐、器乐等这些专业性的艺术课程和文艺演出。设计专业的学生则过分依赖于电脑绘画、制图等等,而对自己本专业理论性的学习普遍轻视,理论课上不认真听讲,做自已的事情,作业不能够保质保量完成,以及迟到早退等现象实属常见,久而久之弊端慢慢暴露,不仅理论功底差、知识不系统,在艺术作品中也缺乏灵感与独到的创造性。 除此之外,大多数艺术类专业的学生经常要参加很多社团以及社会性质的艺术类展、艺术实践活动等等,因此占用了大量课内外的时间,有时甚至在课堂学习期间也要进行艺术类活动,这也间接地影响到了艺术专业学生的文化课课程的学习和文化素质的提高。据我亲身的经历我非常理解在高考前考生们天南地北地参加艺术专业考试,在进入大学之后,由于自身专业的需要,大又花费了量的时间进行外出写生、艺术考察、参加演出等一系列社会艺术实践活动,与普通统招生相比较,个人阅历也会更加丰富,但由于对某些学科和领域涉及的不够深入,求新求异意识和自我意识又比普通统招生更强,时常又缺乏理性判断的能力,在当下我们这样一个多元化社会环境的影响之下,非常容易受到社会中各种各样的负面因素和不良现象的干扰,从而极大地了影响这些艺术类专业的学生对善恶美丑判断,以及明辨是非的能力。 2.3艺术生走进综合类大学,教育教学面临挑战 2011年,艺术学专业成功被批准成为我国研究生培养专业目录中的第13个门类[5],通过不断对艺术学专业领域内课程的规范化与系统化,我国艺术学专业领域也必将迎会来更高层次的繁荣与发展。与此同时,如何让这一专业领域在既保持较快成长的同时又能够得到各个功能与格局配置的合理、得当?如何推动艺术学专业教育?俨然已成为当今社会讨论的最热门的教育话题之一,作为普通高中教育体系中的一个特殊的教育群体――艺术学专业学生,许多大学和院校纷纷相继增设和开办了招收艺术学专业,并且伴随着当今社会艺术的宣传和文化的发展,人们对艺术人才和大量艺术作品的需求量增大,以及高等教育大众化所带来更多高校持续大规模扩招的趋势,在我国1080所本科院校中已经有近600多所院校设立了艺术学的相关专业[6]。随着非艺术类专业院校中艺术类学生的不断出现,给曾经那些作风传统、学风严谨的各类高校增添了不少新的活力与生机,再次基础上,高校也对原来相对单调、传统的教育教学理念和管理模式都提出了最新的要求与挑战。例如某高校在扩招前,每年招收艺术学专业学生近100人左右,然而在扩招政策实行后,该高校每年至少招收300至500人[7]。 近年由于招生人数和规模的不断扩大,招生人数增加,必然会导致其管理上的疏漏和教育教学模式的新问题。所以说更深层次的认识和了解艺术学专业学生的特点,探索出一种更加适合于艺术学专业学生自身特点的教育体系与管理方法,这样既能够促进大学生思想道德素质的培养,又可以让大学生在实践活动以及身体、心理健康等方面得到更大的发展。 3.1艺术学专业领域人才过剩,行业秩序失衡 据报道,在最新公布的大学生就业报告上指出,音乐学专业和美术学专业已很明显成为了失业率最高的两门专业[8], 这两门专业看起来似乎很高雅也很时尚,然而失业率却是最高的,供过于求正是音乐专业和美术专业的陷于瓶颈的原因所在,也可以说是社会对这两门专业人才的需求量的限制有关。动画专业在红牌警告的专业中排在了首位,依据当下的实际情况来看中国动画的专业的确蕴含着巨大的潜力,然而在潜力当中也蕴藏着极大地功利性和盲目性,由此看来这不仅仅给我国动画行业的发展带来深层次的隐患,而且也是近年来整个艺术学专业急速扩张的一个缩影。我,作为一名服装设计专业的学生,我就以服装设计的基础教育来讲。根据我国社会经济发展的现状分析得到,对优秀的服装设计人才及设计团队的需求是显而易见的,但是在设计人才等方面的培养与社会需求之间的矛盾也变得日渐尖锐起来。据不完全统计计算,当前我国设计类院校已达一千五百多所,七千多个专业和四十多万名学生,现在我以普通大学本科四年学制来计算,高校扩招后的近几年中全国学习与艺术类设计相关专业的学生人数最少超出一百五十多万人[9]。 高等教育虽然需提供了合格且必要的劳动力及就业人口的基础教育,但是对于学生更加深入的教育模式当中却隐含着令人担忧的价值导向,例如以技术操作为主要课程内容的某些艺术类专业,这会使得该专业的学生很难真正具备绘制、设计一些产品的能力,同时因课程的局限性更无法了解社会和市场,无法展开今后在事业的发展上个人对未来的憧憬与想象。一门真正的设计学专业教育是具备可以为将来发展指明方向的能力的,最现实的角度是从表面上来看,这依然不是一种只与现实要求简单对应的关系,能够真正发挥这种作用的设计人才需要有足够的社会、市场经验与丰富的文化知识储备,还需要具备创造力、引导力以及丰富的想象。然而对于一批年仅二十多岁的年轻人来讲,需要经历这一系列复杂而又深入的训练才能接近这样的目标,当今社会,半年多的艺考集训加上一个无限扩张的、低端化、趋同化的教育模式,想要达到那种理想的效果是完全不可能的事情。 在我看来,国家对艺术的重视程度与大学生学习艺术类设计学专业教育有着最直接的关系,与国民经济规模也是息息相关,然而这并非是一个可以无限扩张扩大的专业领域。毕竟设计行业也并不是一个人数越多等同于贡献率越大的行业,如果在另一个消极的角度来说,设计者的人力资源过剩甚至泛滥,反而会加剧设计行业内部竞争的秩序,严重的说还有可能会导致整个行业走下坡路以及出现低质倾向,这也是上面报道中所提到过的我国动画行业对当下动画专业性教育盲目发展深感忧虑的原因之一。 根据对全球的设计专业的调查可以得出这样的一个结论,每百万人口中的设计专业毕业人数,美国约为130.8人,英国约为218.2人,日本约为219.3人,挪威最低,仅为37.2人等等。中国,虽然有着庞大的人口总基数,但是以此来计算后得到的这一数字应该为340人左右,虽然说不算太高,但也已经远远超过美、英、日这样顶尖的设计国家了[10]。 3.2艺术人才结构配比不合理,市场用人机制混乱 在社会言论的批判中我们可以看出,有更多的人认为,这几年中国高校扩招政策是世界教育发展历史上的一大败笔。目前,越来越多的高校毕业生走出校门走向社会之时,中国高校扩招的弊端也开始一点一滴地显露出来,每年不断创出新高的在校大学生人数,对当前的就业市场确实造成了不小的压力,与此同时如此庞大的大学毕业生人数也为中国的社会和经济的发展带来一系列困扰和问题。 令人头疼的就业问题也是大学生毕业后每个人都需要考虑的,当年因为享受到高校扩招待遇而走进大学校门的他们,如今不得不面对残酷的现实。也许直到走出大学校门的那一刻起他们才会真正明白,有大学上并不等于有了一份好工作,更不等于出人头地、平步青云了。于是,有人便开始怀疑接受大学知识的教育毫无用处,利用上大学的时间外出打工和应聘才更有意义,而且上大学的成本高,付出却没有回报。抵触知识、抵触大学教育、抵触高等教育的言论铺天盖地,大部分都是由于就业困难、就业压力大而不断引起的,这也是高校扩招引起的间接后果之一,各大高校如果继续这样盲目的扩大招生规模,必定会对中国在经济和社会的长远发展上造成极大的负面影响。除此之外,高校扩招还造成了学历贬值,高学历等于高学费高消费的不良后果。无论高校是否具有培养出高素质大学生的能力,或是不清楚该专业与市场的需求是否相互匹配,如果还在盲目的进行高校扩招,必定会造成当前社会学历上的攀比。为了高学历才去学习的不正常现象,十几年的扩招政策实行造成本科生和研究生的不断贬值,专科生的那就更不用多说了。 在近年来,由于劳动力市场供大于求的情况屡屡出现,就业上的职位也要面对僧多粥少的尴尬局面,越来越多的企业当然会不可避免地选择高学历人才,曾经一个专科生就能够胜任的工作,现在反而转变成了应聘者必须是研究生才有资格应聘。也因为社会的供求定律,即这种无形力量的支配下,供给者也只能不断抬高标准、降低价格,应聘者也是屡屡碰壁,找不到一份适合自己而且满意的工作。应聘上的这种不合理变化,在某种程度上弱化了某些学历的价值,造成了当前市场上用人机制的混乱局面和人才结构配比的严重不合理现象,往大里说,进而潜移默化地影响着整个国家的发展。 第四章 艺术学专业毕业生的就业劣势与优势 4.1艺术学专业毕业生自由职业者占据主流 每年,伴随着艺考大幕的拉开,艺考难现象、艺术学专业毕业生就业难现象就会再次成为全社会关注的焦点。在众多新闻报道中了解到,有不少艺术学专业的毕业生后都选择了转行做其他工作,甚至在行业与行业之间的非常大,事实上,选择这种跨专业就业方式的艺术生并非个例。我通过山东工艺美术学院作为例子分析一下该校艺术学专业毕业生的就业状况,山东工艺美术学院日前公布了该校2015年毕业生就业质量报告,从就业单位的对口情况来看,工作与所学专业完全对口的比例为22.70%;基本对口的比例为61.74%;不对口的比例为15.56%。尤其是以服装表演及服饰设计类专业的就业率偏低的特点较为突出,从专业来看本科22个专业中,表演和艺术设计专业的就业率为87.88%,艺术设计的就业率为76.6%,表演类和服装设计类专业就业面比较窄,并且跨行就业的难度相对较大[11],不如各种平面设计类的专业就业面那么宽泛,因此会导致就业率会相对偏低一点,到最后很多学生最终都选择了离开本专业,最重要的原因是工作机会太少,社会需求早已远远饱和,入学时供不应求的美术、音乐等艺术专业都面临着严峻的就业难题。通过我与我们本专业毕业后的学长、学姐进行交流我了解到,仅有极少数的人选择继续从事这个行业, 绝大多数人选择了转行,有的去参加公务员考试、教师资格证的考试,有的去应聘,希望能够进入国企单位,大约一半以上的同学把设计与绘画当成了自己的业余爱好。除了转行之外,也有不少同学选择相对口的专业继续深造,考研、考博等等,但是统计下来就业率也就大概在百分之30~40左右[12],值得庆幸的是通过新闻和媒体等途径交接到,近几年中国家出台了新的就业政策,未来的就业率或许会比目前要更可观一些。 根据部分高校毕业生就业质量报告可以明显看出,与非艺术专业学生不同,自由职业更受到艺术学专业毕业生的青睐,自由职业也将成为他们毕业后短时期内的就业方向的一个重要选择。通过对山东工艺美术学院的调查发现,自由职业的状况也显的尤为突出,虽然总体就业率高达96.11%,但国企就业所占的比率为8.87%,机关事业单位就业的比率仅为可怜的6.68%,绝大部分毕业生选择了进入私企公司工作或成为自由职业者[13]。艺术学专业的学生由于所学习的专业具有特殊性,与非艺术类专业的学生相比,情感表达也更为丰富,思维积极、活跃,求新求异意识较强等鲜明的个性特点。导致有不少艺术学专业的毕业生不愿意与用人单位签订合同或是就业协议书,有些艺术学专业毕业生虽然已经开始就业了,但并不与用人单位签合同,只要用人单位给找活干,工作完成给相应报酬就可以,有很多艺术生在就业过程中今天这家公司的活干完,其他空闲的时间又可以找别的单位去做工作,具有灵活性很大的优点 [14]。 4.2艺术学专业毕业生因较高的艺术素养,颇受欢迎 难道说艺术学专业的学生真的就那么难就业、难糊口吗?我们所谓的前途,往往取决于社会发展的大趋势、大环境之中。同样,也是有不少新闻报告显示各大企业招聘启事中都写道,在同等资历与条件下都愿优先考虑从事过艺术专业学习的毕业生。学习艺术不仅可以拓宽高校毕业生的就业门路,还可以有更多就业选择的机会,即使在将来,毕业后不再从事艺术方面的工作,但更多的单位在把普通大学生与艺术生作对比时还是愿意接受那些有一技之长的大学生,毕竟他们的审美能力、动手能力、整体素养、以及鉴赏能力等方面都在此之前得到了极大的锻炼与提高。据统计,北京市每年仅美术类大学生毕业生就可以消化掉15万人,而且就业方向、就业前景非常好,涵盖了装饰、建筑、报社、出版社、电视台、影视、动漫、网络设计行业和各大企事业单位等。也就是最近几年来,日本和韩国的企业也纷纷向中国投来招聘公告,提出预订某些艺术学专业的大学毕业生,年薪至少都在10万元以上。举例来说,我的同学是音乐学院学习钢琴的,今年才大二,已经开始兼职做钢琴老师了,除去每月的开销,还是有比较高的收入的。很显然,这就比非艺术学专业的大学生在外打工、做兼职时赚的多很多。 不要去一味的认为学习艺术是无用的,它不仅教给人技能,让人带着技艺去谋生存,而且还影响着周围人的思维模式,让人在做事上更加感性,并且在生活的选择上有一个与普通人不一样的审美和要求。作为年轻人学习美术、学习音乐、学习其他类艺术,不仅仅是掌握了一项技能,更重要的是在学习艺术的期间或许能够尽早发现自身所蕴藏的艺术天赋,在一次又一次的练习中不断挖掘每个人自身的潜能,发挥自己的特长,并且在未来的生活中,无论是为别人打工还是自己创业,都会拓展开一片更加深入的发展空间,用音乐丰富个人的精神世界,用美术去提升对美的鉴赏与品位。 第五章 针对解决艺术生就业问题的思考与建议 艺术学毕业生是国家人才资源的重要组成部分,是实现我国新世纪飞速发展的重要力量,各高校以及用人单位要高度重视艺术人才的价值所在,艺术学毕业生由于其专业特性的因素不同于其他专业的学生,他们不仅实践能力较强,而且就业面非常广,我们要冲破传统观念的束缚,采取行之有效的措施,真正把艺术学毕业生,这一专业资源优势,转变成当今社会经济与科技发展的主要推动力。这在理论上是说得通,然而落到实处却发现,当前大学毕业生就业的整体形势不容乐观,就业市场的劳动力供应量远远大于需求量,高校本科毕业的大学生也变的更廉价,其原因还是由当今社会的就业渠道不够畅通造成的,就行形式仅仅为熟人介绍、学校推荐、就业网站招聘、社会和校园招聘会等。对于大部分人而言,最主要的两条就业渠道仅为招聘会和招聘网站,但盲目性和不确定性是这两个渠道最大的弊端,缺少了必要的法律监管求职者的权益也不能得到保障,大批高校毕业生的求职需求也就不能被满足。再加上某些用人单位不断抬高对求职者的要求,挑剔用人单位在招聘通告中还要求有数年的工作经验,这对于刚刚大学毕业走出校门的学生来讲实在困难,也导致了众多高校毕业生的就业理念存在误区。在当下,大学生对工作的期望值普遍偏高,低工资往往不能对他们形成长期的工作激励,结果必然会导致用人单位对大学生的戒备心理。在求职时,缺乏技巧的大学生往往表现得不够自信,回答问题支支吾吾,他们真正的实力无法展现给面试者。更有甚者在面试时想要蒙混过关,就伪造一些假证书弄虚作假,然而这种方法往往是行不通的,久而久之,用人单位也不再信任大学生了。 第一点,高校应该为艺术生提供更多的实习机会,增强艺术生社会实践的能力。许多院校所学的专业知识在实际工作中用处并不大,导致许多艺术学专业毕业生进入工作岗位后仍然需要很长一段时间去适应和学习。艺术专业的教育通常实践性较强,艺术生的择业方向也要顺应其专业所具有的特点,加大社会实践的比重,为学生提供更多的社会实践岗位,学生也可以根据个人的工作意向自由选择社会实践的内容,并且在实践过程中学会认识社会、适应社会。高校在鼓励学生走出校门参与实践过程的同时,也可以联系各级各地的用人单位建立起以学校为主的小型人才招聘会,充分调动起艺术生就业的积极性,拓展艺术生的就业空间,于此同时用人单位也注入了新鲜的血液、优化了人才结构。 第二点,艺术学专业的课程设置应该与就业市场相接轨。拥有专业设置变更权的高校,确实变得更加灵活、自由,学校也能够根据社会与市场对人才的需求作出调整。但是学校对人才供求信息的掌握不全面,因此难以保证对招生人数的制约,当人才供给与市场需求不配套时,就会形成招生人数增加,就业市场严重饱和的现象。艺术生就业难,也是高校培养艺术人才与社会就业需求脱节的一种现象,只有艺术学专业的课程设置应该与就业市场相接轨的时候,才能在就业市场竞争激烈的条件下找到适合自己的工作。 第三点,各类高校应注重把艺术生向多元化方向培养,把发展艺术生综合素质的能力放在首位。从当前就业市场的需求上来看,需求量最大的是复合型人才,而不是单一的专业性人才。艺术学院的学生在组织文艺汇演和毕业设计演出时,邀请相关企业参加学生的作品展,为艺术生与文化企业之间搭建一条沟通便利的平台。学校在教授本专业的知识与学习技巧的同时,还应该开设一些对发展专业有利的课程,培养相应的组织能力和动手操作能力。因此,我们必须要拓宽就业思路,着力培养复合型艺术人才,在掌握好本专业的基础上,增设就业人才需求量大的选修课,鼓励同学去报考第二专业或第三专业,只有掌握了各种与就业市场相辅的技能,在当前充满竞争的就业市场中才能够找到属于自己的工作岗位。 第四点,转变艺术生的就业模式,鼓励大学生自主创业。随着艺术生就业市场的供求关系不平衡、人才饱和带来的就业压力越来越大,促进就业方式多元化的同时,自主创业模式也逐渐占据了主流。国家以各种形式的优惠政策对高校毕业生进行支持,就是想鼓励、引导高校毕业生自主创业,这的确是一个很好的创业锲机。艺术生相比其他专业具有一定优势,可利用专业特长开展自主创业活动,以创业实现就业。然而这种转变并不是一个简简单单的过程,不仅要对传统就业观念的转变,而且需要有一份长效的改革计划。其次,鼓励学生建立创业工作室,学校提供场地支持,并对具有可行性和发展潜力的项目给予资金技术方面的支持。还可以邀请专业老师、企业家、市场营销、企业管理方面的专家共同组建创业顾问团队,对创业团队开展各种创业指导和企业管理培训和咨询,并推动艺术生创业团队与社会企业团体对接、交流与合作,促进创业项目的蓬勃发展。 第五点,拓展艺术生的就业思路,就业不再受地域环境所限制。许多艺术学专业的毕业生在毕业后往往都选择了留在其大学所在的城市,他们普遍的认为只有留在大城市才有好的工作机会[15]。例如北京各高校的艺术毕业生基本上都想留在北京,但这远远无法满足日益庞大的艺术生就业需求,然而我国除去北上广等经济较发达的地区外,其他地区对艺术人才的需求量还是非常大的,尤其是较为偏远的西北内陆地区。之所以这些艺术生的就业方向出现明显的地域性,原因在于我国的地区间差异远远明显于其他国家,在相同行业内做着同样的工作,只因为地域不同,劳动者工资福利差别也不同,再加上我国住房、医疗、保险、教育制度等方面的不完善,对艺术生就业范围选择产生严重影响。我们在面对当前的就业局面下,只有转变就业观念才能更快的适应社会。除此之外,作为一名艺术学专业的毕业生,做好就业前充分准备是非常有必要的,尤其是扎实的专业性理论知识以及优秀的专业技能的掌握特。毕竟还是那句话俗语说的好,机会总是留给有准备的人的。 结论 高校扩张计划从九九年一路走到今天,背负着肯定的同时也背负着骂声,艺术生的就业之路也整整走了16年,在当今社会对艺术人才以及艺术作品的需求只增不减的形势下,这显然是个好兆头,越来越多的招聘启事也是更青睐于艺术生,扩招与艺术生就业之间也延伸出了一种自然而然的关系。我认为无论你选择什么样的职业什么样方向,机会总是留给有准备的人,抛开大形势上的种种顾虑,不断挖掘自身潜能拓展开一片个人发展的空间。通过这次对当下艺术生就业形势的分析,让我对这一领域有了更深入的了解,也激发了自己继续调查与研究下去的兴趣。 艺术学毕业论文:保山学院艺术学院音乐系毕业生就业现状与对策研究 作者简介:杨晓丽(1982.10-),女,汉族,云南保守人。学历:学士学位,职称:助教,研究方向:文秘。 摘要:近年来,随着我国教育体制改革的不断深化,高校毕业生就业方式已由原来的“国家统一分配”变为“不包分配、竞争上岗、择优录用”的机制,从而为人才资源的优化配置和广大高校毕业生施展才华提供了更为广阔的天地。然而,竞争机制的引入和就业制度的改革,也给毕业生带来了前所未有的挑战。作为音乐专业学生,在就业方面面临许多新的挑战和问题。大学就业不仅关系到个人前途和社会稳定,也关系到全面建设和谐社会的目标能否实现。因此,重视高校毕业生就业问题研究,具有重要的现实意义。 关键词:2012;高校毕业生;就业 一、音乐系毕业生就业的基本情况 音乐系是以培养具有坚定正确的政治方向,能在各类中小学校,各级文化站,艺术团体从事音乐教育、科研工作的德、智、体、美全面发展的复合型音乐教育人才的教体系。截至2012年底,音乐系为立足我市实际,面向云南省广大乡镇、农村,培养了1000多名合格人才。去年和今年都达到了就业率100%。这批学生,在各类中小学校、各级文化站、艺术团中发挥着重要的作用。 (一)主动适应毕业生就业制度改革的要求,使毕业生就业工作始终保持着较平稳的局面。 随着高校毕业生就业方式有国家统一分配向毕业生自主择业转化,保山学院一方面重视就业工作,增加就业部门职能,成立了相应的就业工作领导小组,并指定部门党委书记、副书记亲自担任领导小组的组长。给予2012年高校班主任们极大的鼓励和支持,成为了做好毕业生工作的基础。另一方面认真抓好深化毕业生就业制度改革,每年除了认真组织学生参加供需见面洽谈会,积极向用人单位推荐外,还举办了毕业生就业“双向选择”洽谈会,为毕业生顺利就业拓展渠道和空间。 (二)确保音乐系毕业生为地区经济社会发展服务的主力军地位 今年来,我系学生就业走向略有变化:特岗考试及专升本的录取率比以往有所提高。学生改变就业观念,灵活就业,有部分学生立足边疆民族地区,到基层第一线就业。为滇西地区经济社会发展提供了有力支持。 二、目前存在的主要问题及原因分析 从总体情况看,近几年保山学院毕业生就业基本保持着相对平稳的局面,多数毕业生均已毕业,流向则发生可喜的变化,特岗考取率增加,但也存在一系列的问题,主要是一次性落实就业单位的人数比例偏低。究其原因,笔者认为主要有以下几个方面的因素: (一)客观因素的制约 1、2012年仍然受到国际金融危机的影响,整个社会的就业大环境很严峻,很多工作多年的资深老员工都面临失业的危险,应届毕业生的就业难度就可想而知了。学生对于社会现状的认识不足,社会经验太少,在择业方面存在“眼高手低、挑三拣四”的心理和行为误区。以至于普遍的岗位不愿去,自己想去的单位又不能达到用人单位的招聘要求,彷徨、观望之后,就业的相对黄金时期就错过了,最后当自己想通的时候,已经没有理想的就业机会和岗位了。 2、用人单位受大环境的影响,企业不景气,不得不采取裁员或减薪,有些单位甚至利用大学生作为廉价劳动力以节约成本,往往到了实习期满后又不愿意与大学生签约或以各种理由将大学生辞退,这也是造成了签约难。 3、各高校出于对学生负责而不断动员学生外出实习、就业,毕业班学生因为交差而随便找单位实习,以求能开具实习证明,或是随便敲章应付。当然,这个原因占得比率不多,但不能说绝对没有的。 4、用人单位一般都侧重于招募一些有工作经验的员工,对于毫无经验的应届毕业生,其需求量是很少的,有些即使是因为大学生实习生可以帮助公司减少开支,但毕竟少量。 (二)主观因素的影响 1、主要是学生在就业时,因急于就业而并未全面分析招聘单位的实际情况、自己对于岗位的要求和自身能力等方面的客观实际,就到单位实习,开具相应的证明。而后,在工作中发现了各种未曾预料到的状况,对工作的满意度的不断丧失,最终离开用人单位。且这过程中的时间跨度太短,以至于未赶上签约就离开了,这就造成了“签约难”,签约率难以与“就业率”持平。 2、表现在缺乏自我约束和控制的能力。有自我设计、自我奋斗的愿望,但自身素质、能力条件不足;渴望成才,又缺乏学习毅力;希望正确认识社会,但又缺乏辩证的思维能力等。加之窘迫的经济条件所带米的生计压力,造成了毕业生程度不一的心理负担,使其在心理上产生承受压力较差、情感脆弱等。 3、学生还存在着就业地点的自我制约,“交通要方便,离家要越近越好,市区不愿往郊区跑,郊区的也不愿往市区找,本省的不愿到外省市寻求机会”,大学生的这种“圈地自限”也是影响就业的重要冈素。 当然,影响的学生就业的原因还有很多,以上只是毕业班就业工作中碰到的几种比较具有代表性的影响因素。 三、进一步做好保山学院艺术学院音乐系毕业生就业工作的思路和建议 (一)统一认识、高度重视,提高音乐系毕业生的就业率 现在,国家定期对高等院校进行监督和评估,并将就业情况作为评估的重要指标之一,以推进高校逐步形成自我发展、自我约束机制。因此,保山学院要努力提高毕业生就业率,加快学科专业结构和人才培养结构调整,统筹考虑招生、就业工作的能动性、积极性,逐步明确以就业率来考核、评价、推动和促进学校的人才培养工作,建立相应的激励监督机制。 (二)建立集体教育、管理、指导和服务等功能于一体的毕业生就业服务体系 1、多做教育工作。只要有机会,就给学生灌输“先就业,后择业,再创业”的观念。给学生泼些冷水,强调社会就业压力之大。同时,也不能把学生的自信心和积极性全部破坏,所以,应该把握分寸和尺度,择机鼓励学生,要求学生学会换角度思考问题,要有积极、乐观的心态。 2、充分利用学生家庭所具有的有利社会关系,拓宽就业渠道。鼓励学生多走出去,到其他高校招聘会走走看看,在那里寻求就业机会。 3、将往年学校的毕业生就业工作的时间提前告诉给毕业班学生,让他们有时间做些准备,特别是心理上的必要准备。强化学生紧迫感,有利于就业工作的有序开展。将学校提供的大量的招聘信息及时告知每位学生,并且鼓励他们多去参加面试,不被录取也没关系,至少可以积累面试经验,发现自己的不足。 4、对于在外实习的学生,充分利用QQ群、飞信、电信等手段,实行跟踪到每位学生的策略。特别是飞信,是极为有效的方法,能确保与每位学生都可以实时联系,是一种科学、有效的盯人战术。 5、灵活变换自己的身份,以最有利于工作的角色与学生沟通,可以是老师、姐姐、甚至是朋友,只要把握好一个度,都能有利于工作的进展。当然,其前提是几年来与学生建立的良好互动,有过深层的交流、沟通,具有很浓厚的师生情谊。其实,学生是有人情味的、讲道理的。由于各种原因,有些毕业班的学生,本人并不急于找工作,但是因为毕业班班主任的催促,甚至为了配合班主任的工作而紧盯着用人单位,要求单位与其签订就业协议书。 (三)针对保山学院自身的特点,加强毕业生思想政治教育,引导毕业生到祖国最需要的地方去建功立业 保山学院要抓住开发东盟自由贸易区的历史机遇,把向边疆民族地区各条战线输送合格人才作为毕业生就业一作的指导思想和根本方针,加强思想政治工作,使广大毕业生转变观念,顾全大局、讲奉献,把个人理想同国家的发展结合起米,积极引导毕业生到边远地区、艰苦行业等国家最需要的地方去建功立业。(作者单位:保山学院艺术学院) 艺术学毕业论文:艺术学类跨专业毕业设计团队教学模式分析 摘要:艺术类跨专业毕业设计能够让作品更具实用性和特色,同时也可以让不同专业的学生通过团队合作进行交流和学习,加强团队的协作能力和实践能力,这些都是现代社会对于高素质复合型艺术人才的要求。通过这种跨专业毕业设计活动,还可以为跨专业毕业设计团队教学模式提供一些有益的经验,以期今后为艺术类学生的毕业设计提供更好的指导和帮助。本文从艺术学类毕业设计教学模式的现状出发,着重探讨这类教学模式在艺术类毕业设计中的开发和运用。 关键词:跨专业;毕业设计;团队教学 毕业设计是本科教学各项环节的一个最后环节,是对学生四年学习的一个总结和鉴定,也是本科教学计划中一个必不可少的实践环节,这一点在艺术类专业学生中体现的尤为突出。学生通过毕业设计,可以综合运用课堂所学的理论知识,结合自身专业发展和社会实际需求去完成,这样可以让学生在大学毕业之后更快地适应今后的工作环境和工作需要,实现自己的人生价值。随着社会的迅猛发展,对于人才的需求愈发的挑剔和严格,复合型人才的需求量不断增大并受到用人单位的欢迎,这让传统的毕业设计教学模式不能够满足社会的需求,因此需要及时对这些显现的弊端进行修正。因此,有必要对毕业设计教学模式进行不断的创新。笔者认为,通过运用跨专业毕业设计模式,能够对学生的综合能力、创新能力以及团队协作能力起到一个很好的促进作用。通过这种毕业设计模式,能够扩大学生的专业领域,提高学生的专业水平,更好地提高学生的就业竞争能力。 一、艺术学类毕业设计教学模式现状 大部分高校采用的毕业教学设计过程首先是让学生从学院指定的题目中进行选择,或者自己拟定论文题目,然后通过文献法、调查法等对所选题目进行论证完成毕业设计;最后出具毕业设计作品或论文并参加相应的论文答辩。可是这种传统模式的毕业设计存在着以下几点弊端: 1.毕业设计选题方向单一,缺乏跨专业选题意识 不利于学生跨专业综合能力与创新能力的培养在以往的毕业设计选题过程中,大部分专业的学生都会选择和本专业相关的题目去研究和创作,很少有学生进行跨专业选题。这样做导致学生的跨专业能力不足、创新精神缺乏,不利于学生对跨专业知识的融会贯通。 2.毕业设计的完成单打独斗,缺少团队协作意识 现在的大部分工作要求员工具有良好的沟通和团队合作能力才能够出色的完成。但是,以往的毕业设计很多都是学生自己个人去完成的,这种独立精神固然尤其值得肯定的地方,但也存在弊端:在毕业设计完成的过程中,学生单打独斗、孤军作战,使得学生之间缺乏必要的交流,其作品设计也只能说是“闭门造车”。 3.学生专业知识狭窄,就业选择面单一 以往的毕业设计,关注面主要在学生对于本专业知识的运用能力掌握如何,忽视毕业设计中跨专业知识的运用,导致学生毕业后可选择的就业方向单一,影响到学生的就业质量。 二、跨专业毕业设计团队教学模式 针对艺术学类毕业设计教学模式现状,结合艺术类学生特点以及他们今后选择从事的职业进行针对性的专业能力培养,特别是在毕业设计的教学模式上,要进一步推进改革。 1.何为跨专业毕业设计团队教学模式 所谓团队教学模式是指在通过不同学科人员之间共同去参与涉及课程教学的一种合作模式。其中“团队”一词含义广泛,可以是教育者,也可以是受教育者。团队教学的最大特点是学科的融合、协作和传递。跨专业毕业设计团队教学模式则指的是在学生毕业设计过程中,去打破各自专业的隔膜,不同专业的教师和学生各自组成相应的团队,教师团队去帮助和指导学生团队,完成毕业教学设计。 2.跨专业毕业设计团队教学模式实的施过程 (1)毕业设计的团队组成。从概念出发,这种团队教学模式首先必须打破各自的专业限制,由视觉传达设计、珠宝首饰设计、服装设计等不同专业背景出身的老师来组成一个指导团队,同时选择其中一名老师来担任组长。相应地,让不同专业的学生组成毕业设计团队,选定一名同学为组长。以小组为单位,去共同完成要给教学设计作品。 (2)毕业设计的选题确定。题目的选择可以让教师团队共同商量决定,其原则是毕业设计的选题无论从选题的内容还是形式上,都应该同传统毕业设计不同,应该更加突出综合性和融合性。只有这样的选题,才能提升学生的能力,达到拓宽学生知识面的作用和目的。具体应兼顾以下几点:①选题要求:以能体现视觉传达设计、珠宝首饰设计等专业的综合性和融合性为选题对象。②选题内容:以视觉传达设计、珠宝首饰设计、服装设计专业等的交叉点作为选题的内容。 (3)教学实施方法。首先由每组设计团队去顶一个题目,通过教师团队和学生团队的集体协作,共同完成这一设计创作。具体的指导与完成步骤如下:①将选定的题目按照不同专业分解为相应的子课题,由相应专业的老师分别给予学生指导;②指导老师将子课题继续进行分解,根据学生的兴趣特点和能力下达给每个学生,分别让他们去完成;③在这一过程中,要定期召集团队老师和学生进行交流和探讨,完善各自的设计任务;④学生根据计划完成各自的任务,撰写毕业设计说明书。 (4)毕业设计的成绩评定。学生毕业设计的成绩评定依据有四部分组成,分别是平时成绩、毕业设计说明书成绩、毕业设计成绩以及答辩成绩。 (5)毕业设计展览。毕业设计的展览是按照项目进行划分。同一项目的各专业学生再同一区域进行展示,确保展示的完成性。 3.跨专业毕业设计团队教学模式的管理 (1)指导教师的管理。在毕业设计过程中,管理至关重要。每组教师组长要根据毕业设计的时间来认真计划,并监督项目的整体完成进度,确保毕业设计的整体质量,并定期组织本组各专业指导教师见面讨论、汇报毕业设计进展情况等。 (2)学生的管理。在毕业设计过程中,每组学生组长要负责不同专业学生之间的日常沟通与交流,协调他们之间的关系。同时,随时同指导教师进行联系。教师应不断激发学生的主动性和积极性,维护学生团队合作、沟通的协调性,使学生在跨专业毕业设计团队教学模式中,不断提高自身的各项能力。 作者:魏敏 单位:武汉工程科技学院 艺术学毕业论文:艺术学院本科毕业设计要求 毕业设计(论文)是教学工作中的一个重要环节,是学生的学汇和再提高的过程。学生将综合所学的专业知识及技能,完成广告设计专业的整个毕业设计任务。设计作品应符合市场,具有独特构思,甚至是超前的,以展示学习成果。学生在参加毕业设计(论文)工作之前,必须修完教学计划中规定的全部课程(即规定的学分),毕业设计(论文)按排在第7、8学期,时间约8周。 一、毕业设计(论文)的目的和要求: (一)毕业设计(论文)的目的: 1.巩固和加深已学过的基础和专业知识,提高综合运用这些知识独立进行分析和解决实际问题的能力。 2.掌握广告艺术设计专业设计的基本程序和方法,了解我国有关的建设方针和政策,正确使用专业的有关技术规范和规定。 3.学会针对要解决的问题,广泛地搜集国内外有关资料,了解国内外的水平和状况。 4.培养深入细致调查研究,理论联系实际,从经济、技术的观点全面分析和解决问题的方法及阐述自己观点的能力。 (二)毕业设计(论文)的基本要求: 1.为综合同学们四年所学知识,设计内容项目较多,一般选择典型性较强、风格鲜明、难度较大、任务较重的题目,这是同学们创作高设计水平的难得机会,因此要求学生认真对待,按时完成设计。毕业设计风格可以根据具体情况自定,设计尺寸统一要求,可手绘,也可用计算机辅助,设计效果要求明快、简洁、富有设计内涵,突出自己的想法。由于展览需要,还需进行装裱,装裱材料可根据需要和可能统一制作。 2.毕业设计是学生走向社会发展自己事业的桥梁,因此要求教师有较高的学术和先进的设计水平,在辅导过程中随时启发性地给予学生更广阔的设计思路,引导学生把自己的思维能力在作品中体现出来,真正把设计做到极致。 3.毕业论文为8000字以上。论文应力求研究计划和方案合理、论点正确、论据可靠、层次清楚、文理通顺、书写工整。 4.毕业设计(论文)文本按规范化要求装订。 二、指导教师 1.由从事本专业工作的,具有中级以上职称的教师或工程技术人员担任毕业设计(论文)的指导教师。 2.每位指导教师指导的学生人数不得超过10组。每组1-3人。 3.指导教师负责指导毕业设计的全过程,并对学生的设计成果设计表现作出评价。 4.指导教师应认真负责,树立正确教育思想,认真指导学生查阅文献,做好开题报告,制定毕业设计进度计划,及时检查学生工作进展情况,发现问题及时予以纠正,并对实际完成情况做好记录。 5.指导教师应加强对学生毕业设计说明书方面的指导,做到论文及设计说明书条理清晰、逻辑性强,符合科技写作规范。并严格要求学生按照规定的文本格式打印和装订。指导教师要对论文及设计说明书、图纸认真审阅,并及时将问题反馈给学生,要求学生进一步修改,保证毕业设计质量。 三、毕业设计内容 设计题目可以根据四年的学习经历以及自己感兴趣的事件自定,做成系列招贴形式,也可结合实际项目来做。总体设计要求布局合理,构图富有创造性,色彩搭配符合设计需要,风格不限。 建议辅导方法:指导和观摩相结合,其间多学习国外大师的先进表现方法,使学生了解国外的先进经验,增加同学门对大师作品的感性认识,提高自己的审美趣味和作品的品位。 四、毕业设计(论文)选题 (一)选题原则 1.毕业设计(论文)应按照教育要“三个面向”的要求,选题要符合培养目标的要求,能达到综合训练的目的,毕业设计(论文)应当有利于学生巩固、消化所学知识,有利于培养学生综合运用所学知识分析和解决实际问题的能力。 2.选题要尽量选取既能满足教学基本要求,又能联系生产和科研实际的题目,提倡“真题真做”。选题也可模拟实际工程。 3.选择课题的份量和难度要适中,使学生能在规定时间经努力可以完成为宜。 4.鼓励一人一题,若多人同做一个课题,每人必须完成个人基本内容,其设计内容及工作量应与小组人数相符。 (二)选题类型 论文参考题目 1.突破传统的传统—平面设计中的传统与现代 2.谈平面设计中的创意 3.非纸类材质在书籍装帧中的运用 4.浅谈对以文字为主题的招贴的视觉感受 5.包装设计的价值观 6.创意思维与图形设计 7.书籍装帧中的文字版式设计探讨 8.汉字标志设计漫谈 9.浅析现代包装设计中的色彩表现 10.平面设计中的精神与物质 11.版面设计中的“平面空间” 12.浅谈沟通在文化性广告中的重要作用 参考评分标准:创意构思(35%)、理论畅述(25%)、文字表达(25%)、答辩表现(15%)。 毕业设计参考选题: 1.酒类包装系列 2.茶叶包装系列 3.饮料、咖啡系列 4.电子产品系列 5.2008北京奥运会招贴系列 6.中、外文学名著装帧设计系列 7.环保海报设计系列 8.和平海报设计系列 9.文化、艺术博览会招贴系列 10.商业广告、艺术摄影系列 11.企业形象识别设计系统设计 12.挂历、台历设计 13.DM手册设计系列 毕业生设计作品要求:整体设计构想有创意、设计实体的制作有整体、系列效果、制作精良。 参考评分标准:设计构思(35%)、设计实体(35%)、制作精良(30%) 五、毕业设计的一般步骤: 本专业毕业设计大体分为三个阶段,选题收集资料、方案比较、设计计算绘图、编写毕业设计说明书。 毕业论文可分为三阶段:选题、调查研究、收集资料;提出论点、阐述论据;撰写毕业论文。 六、毕业设计的成果要求: 学生在规定时间内在教师指导下,独立完成毕业,设计(论文)工作,最后提交毕业(论文)文本,包括图纸及毕业设计文本。除作品要求中展板正标题统一为“山东艺术设计学院广告艺术设计专业本科毕业设计”外,其它内容一律体现景德镇陶瓷学院艺术设计专业本科毕业设计(论文)。 (一)毕业设计论文: 论文要求 1.毕业设计论文封面(详见附表); 2.毕业设计论文的任务书(详见附表); 3.毕业设计(论文)目录; 4.论文摘要; 5.毕业论文及工程设计说明书; 6.参考文献; 7.附录; 以上内容的要求 1.任务书:包括设计(论文)题目、论文主要的内容及进度安排、论文主要指标及要求、主要参考文献; 2.摘要:一般为400汉字,摘要介绍设计(论文)的研究课题,本人见解和主要结论; 3.目录:按论文章节次序编好页码,设计图纸要有标号; 4.论文或说明书要求论证严格,层次分明,语句通顺,表达确切,字体端正。 5.参考文献按以下格式列出 [序号]作者姓名,期刊、名称、卷号、期数、页码(年份) [序号]作者姓名、书名、出版单位、页码(年份) 6.附录:与论文有关的数据表、计算机程序、鸣谢等。 论文完成后按(一)文本结构的顺序排列好,加以封皮,进行装订。 (二)作品要求 1.设计手册一本 A4规格,16页以上,主要包括封面、封底、目录、设计说明、设计草图、成品效果图等,全硬质封面、封底,并设计版面,彩色打印。版式体现“山东艺术设计学院广告艺术设计专业本科毕业设计”字样。 2.展板两张 规格:800mm×1200mm,输出时最低分辨率:300dpi。展板中不少于4张电脑效果图,展板正标题统一为“山东艺术设计学院广告设计专业本科毕业设计作品”,副标题自定或指导老师拟定,并设计版面、装裱。 3.毕业生实习鉴定表(详见附表)。 七、毕业设计的组织领导及成果评定 1.本大纲及根据本大纲所制定的毕业设计任务书,是毕业设计工作的具体依据,指导教师必须在毕业设计工作开始前阅读并领会这些文件的含义,学生要认真阅读毕业设计任务书,熟悉资料并明确自己的任务; 2.毕业设计在教师指导下由学生独立进行;指导教师应给所指导的学生指定题目,给予必须的原始资料,并下达设计任务书。在毕业设计过程中,指导教师对学生应严格要求,启发诱导,全面负责; 3.指导教师应根据毕业设计的内容由有关单位选派,必要时还应指定有关课程的教师作为答疑教师; 4.指导教师的业务领导人应分阶段检查毕业设计的进展情况,并及时解决存在的问题。 5.毕业答辩 (1)学生完成毕业设计或毕业论文后,经指导教师评阅,并写出评语和平时成绩,方可进行答辩;毕业设计无成绩或成绩不及格,将根据有关规定,取消毕业答辩资格。未参加毕业答辩或毕业答辩未通过者,将影响该生的本科毕业。 (2)答辩委员会由本专业中级以上职称5~7人组成,其中高级职称不少于两人,答辩小组成员备案; (3)答辨分设计情况介绍(10分钟),基本问题(5分钟)和追加问题(5分钟)的答辩。 (4)成绩评定: 毕业设计(论文)成绩评分的办法,按百分制评分。 艺术学毕业论文:艺术学研究论文 拙著《草根的力量——台州戏班的田野考察与研究》出版后,学术界的反应颇出乎我的意料。该书是我在浙江台州经过8年田野考察之后形成的最终研究成果,也是我学习文化人类学和社会学的田野研究方法,以文本与田野结合的路径从事当下艺术研究的初步尝试。著作已经出版,同行乃至一般读者自会判断其中得失。但是我深知诸多学者对拙著的兴趣并不完全针对拙著本身,学界的反应涉及到艺术学研究方法论层面的重大问题,而有关艺术学研究的田野方法,还需要做一些更深入的探讨。 一评价体系与学术规范 九十年代中期以来,艺术研究领域出现一些新的趋向,改革开放之初非常之盛行的、在“方法热”和“文化热”时期都曾经颇受关注的宏观研究,渐渐失去了至高无上的学术地位,社会学和人类学研究方法则日益受到学界重视。其重要标志之一,就是一批针对个案的田野考察成果问世并且得到学界广泛认同,在某种意义上说,它可以视为艺术学研究的社会学和人类学转向。社会学和人类学研究方法介入艺术学研究领域,使得相当一部分学者开始尝试着运用社会学和人类学研究领域极受重视的田野研究方法考察艺术现象,这一方法层面的变化对于中国目前的艺术学研究具有非常深远的意义。 二战以来,文化批评在人文社会科学领域是令人瞩目的学术热点,文化人类学和社会学诸多重要的跨文化研究成果的出版,更令此前人文社会科学的研究视角受到普遍质疑。人类学和社会学方法对中国艺术学研究的影响,也必然导致艺术学研究出现学术与文化视角的转换。这个可能出现的最有理论价值的变化,我将在下一部分论述,这里首先想讨论的是,现代社会学和人类学研究方法的介入,其意义不止于文化层面上研究视角的转换,它还可能给中国艺术学研究领域带来另外两个方面可能形成的变化乃至冲击。 其一,是有可能导致目前的中国艺术学研究领域研究重点和研究成果价值评价体系的根本改变。 学术研究的价值取向受到教育制度和由教育体系决定的研究者知识谱系的影响。由于历史的原因,中国现代形态的艺术研究一直比较重视理论层面的探讨。经由苏俄引入的、从德国古典哲学这一思想路径衍生发展产生的马克思主义,以及作为其知识和思维方法背景的德国古典哲学本身,长期在包括艺术研究在内的整个人文社会科学研究领域占据特殊的主导位置,因而,和这一理论背景相吻合的艺术本体论研究,以概念和范畴为核心的抽象的理论探讨与分析,长期以来都是艺术学研究领域最受关注的研究方法。英美经验主义传统一直受到排斥甚至批判,对具体对象的个案的、经验的研究被置于次要的地位。这样的研究取向,不仅仅是出于对西方学术发展不同趋势的选择,同时也蕴含了中国传统思维方法对当代艺术研究的影响,在中国学术传统中占据主导地位的整体性的、玄学研究路向,恰与德国古典哲学形成有趣的呼应——所谓“小学”在中国的学术传统中,显然一直受遏制,清代成就卓著的“朴学”也被后世的学术史家解读成是由明入清的汉代知识分子对严酷现实的逃避,以及对清代统治者的消极抵抗。 改革开放以来,苏俄引进的僵化理论教条渐渐丧失了独断地位。但是整个教育体系以及学术研究群体的知识体系的转变并不能同时完成,因而学术研究基本趋势的转变,会表现出明显的滞后现象;更重要的是,正由于改革开放之初理论界需要新的思想资源用以突破旧的苏俄教条的禁锢,观念和理论层面的创新显得特别重要,因之出现一大批偏重于观念与理论探讨的研究文献,也是时代的要求。可惜新的艺术观念与理论缺乏实证研究的支撑,也就不能真正完成观念与理论拓展的历史任务,整个国家的艺术科学研究水平,并不会仅仅因为观念与理论的更新而有明显的提高。 以1999至今这三年里的戏剧学研究为例,按照我的不完全统计,最近三年戏剧学研究文献里,基础理论与范畴、规律的研究不可思议地占据了相当大的份量,它在所有公开发表的研究性论文里占到1/3左右。对戏剧基本特征、基础理论和普遍规律的探讨并不是不重要,但是学术界将如此大的精力用于这类纯粹理论性的探讨,却不能算是正常现象;其中更耐人寻味的现象是,从事这类基础研究的学者,多数身处并不拥有掌握研究资料与信息方面优势的中小城市或非专门研究单位。诚然,戏剧研究领域史的研究以及具体的作家作品研究并不缺少,但是,撇开史的考证,这类研究也主要是对戏剧整体时代特征或艺术特征的讨论,当然也包括一些群体研究或类型研究,其中“论”的部分比“述”的部分受到更多的关注。在戏剧史研究领域,元杂剧尤其是关汉卿研究较受重视,中国现代戏剧和外国戏剧研究领域,最主要的个案研究是对曹禺和莎士比亚的研究,对这两位剧作家及其作品的研究几乎是其它同一领域剧作家及其作品研究的总和,然而对这些重要剧作家的研究,包括关汉卿研究在内,有关剧作主题、作品性质、人物形象和作品风格的辨析与讨论占有最大的份量。有关这些重要剧作家的研究,并不排除包含一定程度上的个人独特见解的优秀论文论?欢桓鑫薹ɑ乇艿氖率凳牵渲兄辽?0%以上的论文和论著并不能提供任何新的材料,尤其是不能提供现有文献以外的材料,我们可以毫不夸张地说,这样的研究从“知识的增长”这一学术发展角度上看,贡献几乎等于零。通过提交给国际性学术会议的论文的分析,也可以得出同样的结论,国内学者的论文选题与境外学者之间的巨大差异,清晰可见。 我不敢断定戏剧学研究领域存在的这种现象可以毫无保留地推之于整个艺术学研究领域,但是我相信从整体上看,要说中国目前的艺术学研究仍然流行重视抽象、宏观的理论研究,轻视经验的、个案的实证研究的学风,恐怕并非妄言。如果事实确实如此,那么社会学与人类学研究方法在近代的兴起,就给我们一个重要启示,那就是个案的、经验性的实证研究,应该得到更多的重视,应该成为艺术学研究的主体。只有戏剧学乃至整个艺术学研究的重心转向实证的、个案的研究,理论与观念上的突破才有真正的意义。在这个意义上说,现代社会学和人类学方法对田野方法的重视,完全可能使国内艺术学研究转向更注重个案研究和经验性研究,同时给予这一类研究成果更公允的评价。这样的转变无疑将逐渐引导整个研究风气的转换。 其次,现代人类学和社会学方法的引入,对于强化国内艺术学研究的学术规范,将有可能产生直接影响。 人类学和社会学研究强调个案研究与研究者直接经验的价值,但同时更强调研究过程的规范、成果表述的规范,其中也包括经验描述的规范。这种规范不仅仅是学术积累的需要,也是使学术成果更可信,因而更具科学价值的需要。换言之,在某种意义上说,人类学和社会学研究是在通过规范自身而使自己更接近于自然科学。这样的研究取向对于中国目前的艺术学研究的重要性是不容忽视的。 中国的艺术学研究分为两个重要群体,除了一批身居高等院校的学者以外,还有更大的一个群体身居文化部门所属的艺术研究机构。以戏剧学研究为例,后一个群体的规模显然要超过前一个群体,而且由于与戏剧创作演出的实际接触较多,在经验性的实证研究方面具有明显优势。然而无可讳言,这个被习称为“前海学派”的学术群体长期以来偏重于戏剧艺术实践,虽然相对而言具有比较注重经验研究的优势,也拥有许多第一手的珍贵的学术资源,重视艺术的当下性,但是由于不够注重学术规范,因此很难得到学术界应有的承认。多年来,境外数以百计的人类学和社会学领域知名的或尚未知名的学者相继来到国内,他们在与这个群体的接触交流过程中获益匪浅,文化部门所属的许多学者多年的研究心得,反而要通过境外学者的转述,才为外部世界和主流学术界所知,究其原因,正缘于“前海学派”在研究的以及成果表述的规范化方面存在明显的缺陷。换言之,经验性的研究以及对经验的感性描述本身,只有通过规范化的、理性的方法呈现出来,才拥有足够的学术意义,才会得到主流学术界的认可,才可能充分显现其学术价值。 因此,借鉴人类学和社会学研究的田野方法,尤其是借鉴和汲取人类学和社会学家从事田野研究时遵循的学术规范,将会有效地弥补“前海学派”学者们在学术研究方面的弱项,使这个学术研究群体掌握的大量感性资料与经验性材料,通过更多途径进入当代主流学术界的视域,藉此改变艺术学的研究重心。因此,对于中国艺术学研究而言,进一步注重学术规范,使被称之为“前海学派”的这个研究群体迅速提高研究成果水平,将给中国的艺术学研究带来深远影响。 二研究视角的转变 当然,现代人类学和社会学研究对中国当代艺术研究最具学术意义的影响,还是要首推它可能带来的文化层面上的研究视角的改变。 中国现代形态的艺术学研究大致始于20世纪初,就像其它人文科学研究一样,它之受到西方学术的刺激与影响是无可讳言的。在这一影响过程中,西方学术思想不可避免地在中国艺术学研究领域打下了鲜明的烙印,其中西方人的研究视角,就是一个重要的方面。简言之,由于西方人文科学主要是在欧洲的文化传统和解决欧洲社会遇到的问题基础上发展起来的,而且随着西方在世界各地的迅速扩展,自觉不自觉地呈现出欧洲中心的世界观,这种具有鲜明西方色彩的欧洲中心的人文科学思想,也就不能不在中国艺术学研究领域留下它的痕迹。在研究与品评中国本土艺术时,人们往往只是照搬西方人习惯运用的艺术标准,比如说以西方音乐体系评价中国本土音乐,以西方戏剧理论解释中国戏剧并且试图以之改造“落后”的中国本土戏剧,把油画的教学体系搬用到中国画的教学中,等等。这样的现象存在于艺术学的多个领域,换言之,西方比较成熟的人文社会科学体系的整体植入,确实在中国艺术学研究的现代转型过程中起到了关键作用,但是这种整体植入的结果与中国本土艺术以及中国人的情感经验之间的距离,始终是一个无法回避的症结。 现代人类学和社会学研究方法的引进,却给我们一条走出这一症结的路径。 现代人类学和社会学研究给我们带来的不仅仅是单纯的田野方法,而且还包含了至关重要的文化多元观念。虽然人类学和社会学的起源都带有强烈的欧洲中心主义色彩,但是二战以后,尤其是20世纪60年代以后,文化多元观逐渐成为现代人类学和社会学研究的主导思想,在某种意义上说,这两个原来受到欧洲中心主义文化观影响最深的研究领域,现在则相反成了对欧洲中心文化观形成最猛烈冲击的领域,成为最坚决地推动文化多元观和消解欧洲中心论的学术领域。这一思想方法的变化对田野研究的影响非常之深远,而这种非常之符合当代世界潮流的学术方法的引进,对于后发达国家尤其重要,因为越是后发达国家越是需要通过文化多元观念以消除文化自卑感,正视本土文化传统的价值。因此,现代人类学和社会学研究领域,田野研究工作者不再像摩尔根时代的学者那样,抱着了解人类童年的文化优越感,把非西方社会视为人类文明发展的早期阶段,因而能够更客观地认识不同民族不同文化圈的传统与现实的差异,在解释它们的历史与现实时,也能有更多的互相理解以及在此基础上的互相尊重。而这样的研究方法,在跨文化研究中的重要性自不待言。 除了西方中心视角以外,多年来中国艺术学研究领域还存在一个尚未得到学术界重视的研究视角,那就是一种过于贵族化的艺术观仍然占据着核心位置。 文化多元观念不仅仅意味着不同民族、不同文化圈的艺术活动不能以同一种标准来衡量和评价,同时也暗含了另一种更平民化的文化思想,即不能以研究者们的个人兴趣,以及他们所接受的教育作为衡量所有文化行为的唯一标准。 当人类学家和社会学家们将他们的考察对象,从长期以来拥有文化特权的上流社会转向更广阔的草根阶层时,还伴随着思维模式的改变。事实使人们更清晰地意识到,不同地域的人们在长期共同生活中形成的价值观念体系虽然会有很大的差异,却各有其合理性;他们各具特色的生活方式,只有通过其自身的价值系统,才有可能获得真正有意义的解释。在艺术领域更是如此,艺术在本质上意味着人们用以情感交流与表达的特殊方式,不同民族和不同阶层的人们各自的情感交流与表达方式,在这一生活与文化圈内部往往是最有效的。所以,对民间草根阶层的艺术、趣味与审美活动的歧视和改造,强行推行一小部分精神贵族自以为是的艺术观与审美趣味,正是现代人类学与社会学研究的禁忌。 在中国艺术学领域,这种文化贵族心态随处可见,比如我们完全有理由对人们长期以来习焉不察的“采风”这样的辞汇产生强烈的质疑。确实,如果说最近一个世纪以来中国的艺术学创作与研究对于那些地域色彩鲜明的民间艺术活动并不是毫不关心,那么很难否认,创作与研究者们经常是以“采风”的态度去关注和研究民间艺术活动的。人们惯于使用“采风”这样的辞汇而,它本身就清晰地透露出两个方面的信息。从历史上看,“采风”的制度早在秦汉时代就已经基本形成,它隐含了官方与民间二元且以官方为主导的文化价值观;从现实的情况看,“采风”意味着艺术家和艺术研究只关注民间艺术活动作为创作素材的价值。因此,“采风”的实质,正是站在官方或文化贵族的立场上对民间艺术活动非常功利化的利用,事实也正是如此,尤其是近几十年里,地域色彩鲜明的和非主流的艺术样式和优秀艺术作品,经常被主流艺术用以为创作的材料,回顾近几十年的艺术史,我们会发现许多有世界影响的优秀作品都是用西化和文人化的手法处理本土民间艺术元素的产品。然而,在民间艺术活动被大量地用以为创作材料而遭到掠夺性开采的同时,它们本身却仍然被视为落后的、原始的、粗糙的,被视为必须以精英文化的模式加以改造才能拥有艺术价值的对象。 以“采风”的心态从事本土与民间艺术研究的学者,自觉不自觉地忽视了对象自身的独立存在以及内在文化价值。因此,研究者变成了专事猎奇的旅游者,对于民间艺术对象的关注只限于与“我们的”艺术活动的差异,而并不真正关心这样的艺术对于生活于其中的创造了它们的人们究竟具有何种价值和意义。从现代人类学和社会学的角度看,我们应该更多地致力于探究多种艺术样式、多种生活方式以及各地各具差异的伦理道德和习俗对于它们的主体自身的价值与意义,致力于在这些独特的艺术与生活的原生环境中,还原它们的内涵。这样的研究才能超越“采风”式的官方和贵族文化心态,才能获得对民间艺术真正具有文化价值的研究成果。 因此,中国目前的艺术学研究亟需借鉴现代人类学和社会学研究的田野方法,摒弃西方中心与贵族趣味对民间话语空间的挤压。 三一个实例:路头戏 如果我们的艺术学研究能够更多地注重对现代人类学与社会学方法的借鉴与引进,尤其是彻底改变欧洲中心主义与贵族主义文化观,那么对诸多艺术现象的研究与评价,都有可能出现根本性的改变。在我的研究领域,有一个极具代表性的例子,完全可以用以说明研究视角的改变所产生的影响,那就是对台州戏班大量演出的路头戏(或曰提纲戏、幕表戏)的研究与评价。 近几十年戏剧研究领域几乎完全没有对路头戏的研究,然而在20世纪50年代以前,路头戏却可以说是中国戏剧最主要的演出形式,它的历史,也许可以追溯到戏剧起源的年代。路头戏之所以长期被戏剧研究人员们忽视,是由于它在20世纪50年代初就遭到批判,成为从上而下的“戏改”的主要对象之一。而对路头戏的批判,其理论背景很值得今人深思。 对路头戏的批判与其说出自艺术的原因,还不如说出自趣味的原因。它一直被看成是粗糙、原始和简单的演剧方法,然而它并没有像同时代其它那些更为粗糙、原始与简单的民间艺术那样获得尊重,它从一开始就被看成是创作的素材以及改造对象,直到现在,在多数当代戏剧史家们的眼里,路头戏之受到批判乃至遗弃,仍然被看成是一种历史的必然。 然而,当我们通过现代人类学和社会学的研究思路重新探讨路头戏的存在以及它的意义,就会清楚地看到,像路头戏这样一种有着千百年悠久传统的演剧方法,它之所以会受到众口一辞的批判以及遭致普遍遗弃,正由于长期以来西化的和贵族的文化视角在艺术学领域占据着统治地位。 路头戏之所以在1950年代初受到大范围的批判,首先是由于主持“戏改”工作的政府官员,主要是一批西化程度比较高的、经常接触甚至直接参与话剧创作与研究的知识分子,排除意识形态的因素,在某种意义上,“戏改”简直可以说就是在用西方的、话剧的戏剧观,居高临下地改造中国本土戏剧。像路头戏这种本土色彩浓厚的传统演剧方法,与这些知识分子所接受的戏剧学模式完全不相吻合,它之受到排斥也就是可想而知的。其次,路头戏的演剧方法被后来的国办或准国办的戏剧表演团体遗弃,还有另一层因素,那就是长期以来衡量艺术的标准是由传统诗学基础上培养的文人决定的,虽然传统文人最终接受了元杂剧和明清传奇,却始终未能充分受容昆曲以外的各种“花部”戏剧剧种,同时也难于充分认同民间极富创造性的口传文学的价值。文人趣味在中国戏剧领域占据统治地位的现象,并没有因为1950年代的社会急剧变动而真正有所变化,反而因为剧团国家化而在制度层面得到普遍肯定,因此,在文学性和音乐性方面很难以完全符合文人趣味的路头戏,也就不能不受到排斥。 由此我们看到,如果说晚近一个世纪的艺术学研究受到欧化的和贵族的这两种文化偏见的左右,那么路头戏的遭遇具有作为样本的罕见的深刻性,路头戏之所以遭受自上而下的批判与遗弃,正是由于同时受到这两个方面的夹击。更值得思考的是,如同我在《草根的力量》书中所叙述的那样,路头戏至今仍然是台州戏班最主要的演剧方式,但这种承继了本土文化传统的演剧方式它之所以能延续至今,并不是因为路头戏演出过程中大量的即兴创造在戏剧学层面上所可能提供的非凡活力,给定情境与表演者个人创造之间巧妙和平衡,以及潜藏在它的即兴表演模式之中的演员之间、演员与乐队之间的互动与内在张力,而竟然是因为在本土的戏剧市场里,戏班最适合以这样的演剧方式营业;并且,由于在晚近几十年里路头戏一直受到抑制,在那些受主流意识形态影响较为明显的民间戏班,路头戏的演剧方式也正在被弃用。 有关路头戏的艺术魅力,我已经在书中做了初步的探讨,将来还会做进一步的研究。这里我只想通过它的遭遇说明,摆脱欧洲中心的和文化贵族的偏见对于中国当前的艺术发展以及艺术学研究有多么重要。只有彻底转变研究视角,路头戏的艺术价值才能得到公正的评价;进而,也许还有更多的艺术现象,需要以多元文化的视角加以重新审视,给予重新评价。 四需要注意的问题 田野研究只是一种方法,虽然在田野研究的背后,包含了现代人类学与社会学特有的研究路径,但是方法并不能完全替代研究。按照我个人的研究体会,即使接受了田野研究方法,艺术学领域的田野研究,也仍然存在诸多需要注意的问题。 艺术学研究的田野方法的研究目标之一,就是考察艺术活动在特定文化环境中自然生成、发展的性状。当然,对象的性状总是会在与外界的不断互动过程中经常变化,然而这样的变化,仍然可能在很大程度上是自然的演化,它与受巨大的、不可抗拒的外力影响而发生的变化,有质的区别。仍然以戏剧在晚近五十年的变化为例,虽然历史上中国的本土戏剧始终在民众审美趣味变化的背景下持续发生着各种各样的变化,但是正由于这样的变化是在戏剧创作表演的主体与观众的互动之中缓慢而自然地发生的,因此无论如何变化都不足以出现背离它所生成的文化土壤的结果;然而1950年代戏改的情况则完全不同,在令本土戏剧经历了剧烈变化的这一改造过程中,观众甚至是剧团内部的创作和表演者本身,都没有话语的权力。因此,中国戏剧的自然状态之必然受到破坏,就是可想而知的。在这里我们看到一种外来的文化价值观是如何被强行植入的,以及它最终会产生臬的结果。它不仅给我们留下了值得好好记取的教训,同时还给从事艺术学田野研究工作者留下了特殊的困难。 这就是我们今天从事艺术学的田野研究时面临的特定境遇,就像一个多世纪以来在几乎所有艺术领域那样,本土艺术在外来的文化价值观面前出可怕的自卑。而这一文化现实,使得从事艺术学田野研究的研究者必须非常小心翼翼。艺术学的田野研究面对的研究对象不是无感觉的作品而是具体的人的行为,研究者与被研究者在社会身份、知识背景与生活环境等多方面的差异、尤其是趣味的差异,很容易被处于弱势地位的民间艺人理解为知识与艺术见解的优劣,研究者在从事田野工作时,很容易被研究对象视为强势文化的代表,因此,研究者的言行和趣味,很容易对被研究者产生不可预计的影响,而这样的影响,足以改变研究对象的原生态。 需要指出的是,在艺术学的田野研究过程中,研究者在很大程度上是个入侵者,极易对脆弱的、缺乏自信的民间艺术本体造成损害。现代人类学家喜欢说“我们的身体就是人类学研究的工具”,强调田野考察过程中研究者应该融入研究对象,在与对象的互动中体察对象及其可能发生的变化,但是在中国艺术学研究这个特殊的领域,我认为研究者应该尽可能做一个客观和外在的观察者,尽可能克制影响对象的冲动,因为保持本土艺术的原生态的意义,可能比改变它要重要一百倍。当然,研究者对研究对象的影响是无可避免的,只不过清醒地意识到这种影响可能导致的负面效果,自觉地将自己的影响尽可能减少到最低限度,无疑是从事艺术学的田野研究时必须遵守的职业操守。 其次,我希望强调艺术学的田野研究作为一项艺术学研究的价值,尽管我们可以借鉴人类学与社会学的田野研究方法,但是这样的研究指向应该是艺术学的而不能仅仅是人类学或社会学的。更直接地说,用人类学和社会学方法从事艺术学研究,应该是研究的重点。 每门学科都有特定的研究范围和研究目标,不同学科的关注重点并不相同,因此,当人类学与社会学的田野方法被引进到艺术学研究领域时,人类学与社会学所关注的那些问题,也很容易同时被带入艺术研究过程中;或者说,研究者的关注重点可能会发生偏移,也许那些从艺术学角度看非常之重要的问题反而被忽视了,这样一来,研究很容易演变成对于艺术、艺术活动的人类学或社会学研究,而不再是艺术学研究。人类学和社会学研究当然仍有其价值与意义,然而它的价值与意义是人类学与社会学的,坦率地说,这类研究即使再有价值和意义,也不是艺术学研究。它不能代替艺术学研究,也不能帮助我们解决艺术领域最值得关心的问题。 我在从事台州戏班的田野考察时经常提醒自己将艺术层面的问题作为主要对象,不仅是由于我一直受到的是艺术学研究的训练,因此只有艺术学问题才是我在专业领域范围有能力研究和回答的,而且也只有艺术学领域的问题才是我所真正应该去关注和感兴趣的。举例而言,我的研究中涉及到许多有关宗教与民间祭祀、民间信仰方面的现象,我当然知道从人类学或者社会学角度对这些现象进行剖析是非常之必要的,但是我的研究仍然会相对地集中于这些现象与民间戏班的运作和表演、与当地观众的欣赏之间的关系,将这些现象与戏剧活动之间的联系,小心地剥离出来,分析它们对戏班以及戏剧活动的艺术方面的影响力,寻找这些现象与近二十年台州戏班的繁荣与发展之间的联系。同样,当我剖析和研究戏班的内部构成以及戏班内部的人际关系时,不仅把戏班作为一个特殊的社会亚群体看待,同时更注重把它们看作一个关乎戏剧艺术的群体看待,这样的研究当然明显有别于一般意义上的人类学与社会学研究。 而我深信,这样的研究正是艺术学的发展所需要的,寻找更多学术途径,利用更多研究方法,通过更加多维的视角,以探索和解决我们面临的诸多艺术学问题,这也正是我们把现代人类学和社会学的田野方法引进艺术学研究领域的初衷。 如前所述,现代人类学与社会学的田野方法之所以值得注重,在于它会给中国当前的艺术学研究带来注重实学的研究风气,并且最终导致当代艺术学研究的转型。田野研究始终只是艺术学研究多种方法中的一种,然而随着英美经验主义学术传统在二十世纪中叶之后在世界学术整体发展格局中越来越明显的强势地位,人类学与社会学的田野方法在现代学术研究中的地位会越来越显著。也许若干年后,我们将不得不再来讨论宏观的理论研究的重要性以及田野方法的诸多弊端,重新认识基于文献的研究的意义,但就目前而言,我相信倡导田野研究,对于中国的艺术学研究不仅非常之必要,而且非常之迫切。 艺术学毕业论文:中等艺术学校素质教育研究论文 教育部颁发的《关于加快发展中等职业教育的意见》中明确指出:“以科学发展观为指导,大力推动中等职业教育快速健康持续发展,是当前和今后一个时期我国教育事业改革与发展的重大战略任务。”作为中等职业教育重要组成部分的中等艺术教育更应快速健康持续发展,但目前,全国大多数中等艺术学校的发展遇到了较大困难,招生持续滑坡,生源素质下降,规模开始萎缩等。在这种形势下,中等艺术教育该如何摆脱困境,快速健康发展?笔者认为,全面推进素质教育,切实加强学生的思想道德素质、文化素质、业务素质和身体心理素质教育,努力提高学生的综合职业素质,乃是强有力的措施。 一、加大思想品德教育力度,提高学生的思想道德素质 目前,艺术学校的学生年龄大致在10—18岁之间,正处于半成熟、半幼稚阶段,是独立性与依赖性、闭锁性与开放性、自觉性和幼稚性错综矛盾的时期。针对学生的这些特点,学校必须做好以下几点:第一,建立健全学校各项行之有效的规章制度,严肃校风校纪,并真正贯彻落实到教学、日常活动中去。第二,加强和改进德育工作,成立德育委员会,由副校长主管学生工作,学科设专职支部书记主抓学生管理和德育工作。旨在培养学生的爱国主义精神、建设社会主义的志向,树立正确的世界观、人生观和价值观等。第三,活跃校园文化,努力营造健康、文明、向上的校园文化气氛,使学生有进取心,教师舒心,家长放心。第四,实行封闭式管理模式,重点培养学生的集体观念、遵守纪律的观念、文明的行为习惯、自我管理的能力,提高学生适应社会需要的思想道德素质。 二、强化文化课教学,提高学生的文化素质 由于中等艺术教育的专业性和特殊性,学生的文化素质相对薄弱,给他们的升学和就业带来了一定的困难。若想全面推进素质教育,就必须大力加强文化素质教育。 第一,要调整课时比例,细心研究教材,精选教学内容。在遵循文化部指导性教学计划的基础上,根据专业的不同,调整文化课程比例。目前,艺术类中专大多采用全日制普通初、高中教材。在这种情况下,使用时必须对教材进行深入细致地分析研究,科学地精选、取舍,尽快建立符合自己实际的文化课课程体系和教学内容。 第二,注重教研,探讨艺术学校文化课教学的方法和途径。组织文化课教师参加“新大纲、新教材”及各种教学改革研讨会,定期到重点中学听课、观摩,积极撰写教改、教研论文,研究艺术类文化课教学如何在课时少等条件下提高教学质量的新途径、新方法。 第三,要在课堂教学主渠道之外,开设各种文化辅导、补习班。对文化课基础差的学生要进行个别辅导;对入学后文化成绩较差的部分学生利用业余时间,以小班形式补课,使之尽快达到中等生水平;对参加高考的毕业生开办高考补习班,进行强化训练,提高升学成绩。三、改革课程体系和教学内容,提高学生的业务素质 从一定意义上讲,未来人才质量和水平如何,关键在于学习了什么课程,从所学课程中获取怎样的知识、素质和能力。因此,中等艺术学校全面推进素质教育的关键,在于深化课程体系和教学内容的改革。 第一,调整课程体系结构。在课程体系中,根据实用、实效的原则,形成以文化知识为基础、专业技能为核心、专业理论和专业基础知识为专业技能服务的课程体系结构。这就需要适当压缩理论课和专业基础课,加强文化课和专业课,以适应学生升学就业的需要。 第二,加大专业课程教学改革。大部分艺术学校都是以戏曲专业起家的,可以把戏曲专业作为课程改革的突破口,从而积极推进各学科的专业课程改革。戏曲专业课程改革首先要以京剧表演专业为主攻方向,紧紧围绕推进素质教育这个中心,加强专业基础课教学、调整部分专业课的设置,遴选规范教材内容,优化课堂教学结构,加强教学研究,强化集体备课,博采其他艺术门类之长为京剧教学所用。在实施专业课程教学改革中,要充分发挥教师、教研组、学科和学术委员会的积极作用,认真论证、抓住重点、举一反三、务求实效。积极倡导教学方式改革,使学生从“要学会”向“要会学”;从“要我学”到“我要学”的方式转变,使学生从纷繁的灌输教学中解脱出来,留给学生更多的消化吸收空间,突出学生能力的培养。其他学科的专业课程教学改革,要以京剧表演专业改革的思路为指导,根据自身专业特点加强教研,及时总结,扩大积累,特别是新专业要尽快形成自己的课程体系。 第三,建立课程教学质量评价机制。要建立校、科两级课程教学质量评价机构,学科评价机构由科主任牵头组成,学校评价机构由校学术委员会组成;采取多种形式,逐步对全校各门课程的教学质量进行评价,重点评价各学科的专业主课;并把评价结果以书面形式通知学科主任及个人,存入教师业务档案,作为评职、晋级及岗位工资的重要依据;还要逐步建立科学的课程质量评价体系,以保证课程体系和教学内容改革的顺利进行和学生全面素质的稳步提高。 四、重视青春期教育指导,提高学生的身体心理素质 中等艺术学校学生的心理素质和身体素质虽然好于中小学和其他中专学生,但继续提高也是不容忽视的问题。要开设青春期教育课程,配备专职的心理咨询教师,让学生具备良好的心理素质。对美术、器乐等专业做到保证体育课时、有专职体育教师、有体育设施等,进一步提高学生的身体素质。还要加强疏导教育,使学生正确对待人生、前途、家庭、社会、荣誉、人际关系等。 综上所述,中等艺术学校全面推进素质教育是摆在当前需要认真思考并积极落实的重要工作。只要艺术教育工作者求真务实、锐意进取,就一定能使艺术教育走出困境,快速健康地发展,迎来更加辉煌灿烂的明天! 艺术学毕业论文:我国抽象艺术学研究论文 一、他自己把自己逼到一种绝境 我们十分欣喜地看到了一本图文并茂的艺术理论专著《中国抽象艺术学》的出版。 《中国抽象艺术学》是中国第一部系统的抽象艺术理论学术专著。作者许德民,是一位跨领域的艺术家。作为抽象画家,他从半具象、意象画开始,在二十多年前走进抽象,坚持至今。作为诗人,许德民曾是复旦诗社第一任社长,他从写哲理诗、抒情诗、城市诗、意象纯诗到抽象诗,已经走过三十多年的历程。匪夷所思的是,他的绘画和诗歌竟然都在抽象境界中异途同归——从情感型到非情感型到对情感的摒弃,从理性到非理性的探索与实践,走过一条否定之否定的艰难崎岖的艺术道路。 近十多年来,许德民除了绘画、写诗,还把更多的时间用于抽象艺术理论研究。我曾经和他聊过这事,按理说一个画家的本分应该是画好画,少分些心。他说他的理想不是仅仅做一个好画家或好诗人,而是要做一个有自己独立学术思想的艺术家,做一个对历史和社会有贡献的学者型艺术家。一个没有独立学术思想的画家是不能称为艺术家的。同样,艺术如果没有学术的总结、归纳和引导,也影响艺术的深入发展,更不能转化为社会成果让更多的人接受和了解。 他说,中国的抽象艺术文化有五千年的历史,但是我们在各种文本上都找不到它的踪影。抽象文化、抽象审美、抽象思维是中国文化的重要组成,在中国却没有一个研究机构和单位,甚至没有一个专职人员在研究它,这种巨大的文化反差也是他重拾理论的重要原因。他宁可花上几年的时间不画画,或少画画,来做抽象艺术的学问。“我是先行者,使命感和虚荣心都逼着我在这条路上一路走到黑。”八十年代的理想主义和英雄主义的社会理念,至今在他身上保存完好,他自己把自己逼到了一种绝境。 二、看了这本书,我们能得到什么? 如果是画家或美术爱好者,你会全面了解抽象艺术的理论,知道抽象艺术应该具有完整而严密的审美和价值标准,它们是原创、审美、精致、中国文化元素、艺术家的素养和资历。其中最重要莫过于原创。原创是一切艺术的灵魂,更是抽象艺术的灵魂。它的图式、符号、材料、技法、题目、题材应是独创性地运用。就像看到世界上第一幅架上抽象画诞生于一次偶然性的颠覆:康定斯基以“构图”、“即兴”、“抒情”命名的作品,它的陌生化,和“这幅画中无法辨认出构成我们日常生活的那种客观真实。”(米歇尔·瑟福)成就了康定斯基抽象艺术之父的地位。譬如,美国表现主义抽象艺术大师波杰克逊·波洛克,因其独特的“滴洒法”创作了《1948五号作品》,并以1.4亿美元的成交价格成为世界艺术的“标王”。 如果是一个不懂抽象艺术的读者,看了这本书会知道抽象艺术是怎么回事了:他们不会再信口雌黄地说什么抽象画看不懂,或太难懂;是“乱画”,太简单,小孩都会;早过时了,没有标准等等。他会懂得什么叫抽象艺术,抽象艺术该如何审美和理解,并对它产生了一种敬畏。抽象艺术是人人可以进入的艺术,但是要画好抽象画,是十分艰难的。 如果是文化人士或者学者,这本书会告诉你中国五千年抽象文化的诞生、变化和发展。他会更深刻地理解抽象艺术的价值取向和对生命的意义。“象形文字出现以前,在中国新石器时代,抽象符号和元素就出现在史前石器和用具上。从七千多年前中国仰韶文化时期开始,丰富多彩的彩陶纹饰就将中国人的审美带入抽象美。”但长期以来,中国抽象文化是“实证”大于言论,史料多,言论少,使得中国抽象文化一直以“潜在”的方式分散在工艺美术、书法、织锦、建筑、庭园设计等各个领域,没有成为一个单独的美术体系被人认识。因此在漫长的中国美术史上,抽象文化处在一个失语的状态。我们虽为中国庞大的抽象文明而骄傲,却又更为长期以来抽象文化没有受到重视、得到珍惜而惋惜。 三、“抽象诗学”的学术含金量 书中有“抽象诗学”一章,这是许德民近年来研究抽象艺术的最新成果。作为诗人,他始终有着诗人情怀。当他把抽象艺术的研究推向一个高度之后,自然想到了诗歌。诗歌在美术的各个流派里:浪漫主义、超现实主义、荒诞主义、印象主义、意象主义、后现代主义等,都能够找到对应的形式,甚至在很多学术流派里,是诗歌影响了绘画。但是,当绘画走到抽象绘画阶段,诗歌失语了。至今一百年,诗歌(文学)拿不出和抽象艺术对应的文学作品。许德民的抽象诗的出现,在理论上打破了这个僵局。他使得诗歌在创作和审美的理念上,有了和抽象艺术创作和审美相同的途径和境界。抽象诗(抽象文学)的理论的出现,是许德民此书中学术含金量最高的一章。 四、许德民的若干“原创” 《中国抽象艺术学》纠正了中国抽象艺术是跟西方学、西方走的偏见。 抽象艺术被认为是西方的舶来品的原因之一是“抽象”是外来语,一百年前,西方人开创了“架上抽象画”时代。作为20世纪最流行的抽象艺术,西方架上抽象绘画也直接影响了中国当代抽象绘画的集体萌发。但是,外来的激发和本土文化的传承是不矛盾的。用外来的观念审视和重新认识本民族的文化,并从中得到新的启示,发现新的“大陆”,也是顺理成章的。许德民在此书的“中国抽象艺术的民族化、本土化的研究”一章里,以图文的形式雄辩地论述了中国抽象艺术源远流长的历史,中国当代抽象艺术理应成为本民族文化的一部分,并以民族文化的形式与世界对话,显示了一位中国抽象艺术家的雄心与抱负。许德民认为:抽象艺术是人类的审美艺术,审美是人的天赋,人的天赋怎么可能只属于西方?中国人的抽象审美天赋不仅历史悠久,而且天赋极高,足以和世界上任何一个民族媲美! 从书中,我们还惊异地发现,作为抽象艺术家的许德民的许多“原创”——他在上海开设的“角度抽象画廊”,是中国第一家抽象艺术的研究和文化推广机构。举办讲座、展览,组织学术论坛,坚持至今已经十年,文化的意义远大于市场的意义。他在书中第一次提出抽象艺术必须有审美和价值标准,并且建立以原创、唯美、精致、中国文化符号、中国人文精神和画家的知名度等六大标准的价值体系。他创办了到目前为止世界上唯一一本《中国抽象艺术》学术刊物,成为抽象艺术在中国发展和成长的见证。艺术学毕业论文:艺术学研究方法论文 拙著《草根的力量——台州戏班的田野考察与研究》出版后,学术界的反应颇出乎我的意料。该书是我在浙江台州经过8年田野考察之后形成的最终研究成果,也是我学习文化人类学和社会学的田野研究方法,以文本与田野结合的路径从事当下艺术研究的初步尝试。著作已经出版,同行乃至一般读者自会判断其中得失。但是我深知诸多学者对拙著的兴趣并不完全针对拙著本身,学界的反应涉及到艺术学研究方法论层面的重大问题,而有关艺术学研究的田野方法,还需要做一些更深入的探讨。 一评价体系与学术规范 九十年代中期以来,艺术研究领域出现一些新的趋向,改革开放之初非常之盛行的、在“方法热”和“文化热”时期都曾经颇受关注的宏观研究,渐渐失去了至高无上的学术地位,社会学和人类学研究方法则日益受到学界重视。其重要标志之一,就是一批针对个案的田野考察成果问世并且得到学界广泛认同,在某种意义上说,它可以视为艺术学研究的社会学和人类学转向。社会学和人类学研究方法介入艺术学研究领域,使得相当一部分学者开始尝试着运用社会学和人类学研究领域极受重视的田野研究方法考察艺术现象,这一方法层面的变化对于中国目前的艺术学研究具有非常深远的意义。 二战以来,文化批评在人文社会科学领域是令人瞩目的学术热点,文化人类学和社会学诸多重要的跨文化研究成果的出版,更令此前人文社会科学的研究视角受到普遍质疑。人类学和社会学方法对中国艺术学研究的影响,也必然导致艺术学研究出现学术与文化视角的转换。这个可能出现的最有理论价值的变化,我将在下一部分论述,这里首先想讨论的是,现代社会学和人类学研究方法的介入,其意义不止于文化层面上研究视角的转换,它还可能给中国艺术学研究领域带来另外两个方面可能形成的变化乃至冲击。 其一,是有可能导致目前的中国艺术学研究领域研究重点和研究成果价值评价体系的根本改变。 学术研究的价值取向受到教育制度和由教育体系决定的研究者知识谱系的影响。由于历史的原因,中国现代形态的艺术研究一直比较重视理论层面的探讨。经由苏俄引入的、从德国古典哲学这一思想路径衍生发展产生的马克思主义,以及作为其知识和思维方法背景的德国古典哲学本身,长期在包括艺术研究在内的整个人文社会科学研究领域占据特殊的主导位置,因而,和这一理论背景相吻合的艺术本体论研究,以概念和范畴为核心的抽象的理论探讨与分析,长期以来都是艺术学研究领域最受关注的研究方法。英美经验主义传统一直受到排斥甚至批判,对具体对象的个案的、经验的研究被置于次要的地位。这样的研究取向,不仅仅是出于对西方学术发展不同趋势的选择,同时也蕴含了中国传统思维方法对当代艺术研究的影响,在中国学术传统中占据主导地位的整体性的、玄学研究路向,恰与德国古典哲学形成有趣的呼应——所谓“小学”在中国的学术传统中,显然一直受遏制,清代成就卓著的“朴学”也被后世的学术史家解读成是由明入清的汉代知识分子对严酷现实的逃避,以及对清代统治者的消极抵抗。 改革开放以来,苏俄引进的僵化理论教条渐渐丧失了独断地位。但是整个教育体系以及学术研究群体的知识体系的转变并不能同时完成,因而学术研究基本趋势的转变,会表现出明显的滞后现象;更重要的是,正由于改革开放之初理论界需要新的思想资源用以突破旧的苏俄教条的禁锢,观念和理论层面的创新显得特别重要,因之出现一大批偏重于观念与理论探讨的研究文献,也是时代的要求。可惜新的艺术观念与理论缺乏实证研究的支撑,也就不能真正完成观念与理论拓展的历史任务,整个国家的艺术科学研究水平,并不会仅仅因为观念与理论的更新而有明显的提高。 以1999至今这三年里的戏剧学研究为例,按照我的不完全统计,最近三年戏剧学研究文献里,基础理论与范畴、规律的研究不可思议地占据了相当大的份量,它在所有公开发表的研究性论文里占到1/3左右。对戏剧基本特征、基础理论和普遍规律的探讨并不是不重要,但是学术界将如此大的精力用于这类纯粹理论性的探讨,却不能算是正常现象;其中更耐人寻味的现象是,从事这类基础研究的学者,多数身处并不拥有掌握研究资料与信息方面优势的中小城市或非专门研究单位。诚然,戏剧研究领域史的研究以及具体的作家作品研究并不缺少,但是,撇开史的考证,这类研究也主要是对戏剧整体时代特征或艺术特征的讨论,当然也包括一些群体研究或类型研究,其中“论”的部分比“述”的部分受到更多的关注。在戏剧史研究领域,元杂剧尤其是关汉卿研究较受重视,中国现代戏剧和外国戏剧研究领域,最主要的个案研究是对曹禺和莎士比亚的研究,对这两位剧作家及其作品的研究几乎是其它同一领域剧作家及其作品研究的总和,然而对这些重要剧作家的研究,包括关汉卿研究在内,有关剧作主题、作品性质、人物形象和作品风格的辨析与讨论占有最大的份量。有关这些重要剧作家的研究,并不排除包含一定程度上的个人独特见解的优秀论文论?欢桓鑫薹ɑ乇艿氖率凳牵渲兄辽?0%以上的论文和论著并不能提供任何新的材料,尤其是不能提供现有文献以外的材料,我们可以毫不夸张地说,这样的研究从“知识的增长”这一学术发展角度上看,贡献几乎等于零。通过提交给国际性学术会议的论文的分析,也可以得出同样的结论,国内学者的论文选题与境外学者之间的巨大差异,清晰可见。 我不敢断定戏剧学研究领域存在的这种现象可以毫无保留地推之于整个艺术学研究领域,但是我相信从整体上看,要说中国目前的艺术学研究仍然流行重视抽象、宏观的理论研究,轻视经验的、个案的实证研究的学风,恐怕并非妄言。如果事实确实如此,那么社会学与人类学研究方法在近代的兴起,就给我们一个重要启示,那就是个案的、经验性的实证研究,应该得到更多的重视,应该成为艺术学研究的主体。只有戏剧学乃至整个艺术学研究的重心转向实证的、个案的研究,理论与观念上的突破才有真正的意义。在这个意义上说,现代社会学和人类学方法对田野方法的重视,完全可能使国内艺术学研究转向更注重个案研究和经验性研究,同时给予这一类研究成果更公允的评价。这样的转变无疑将逐渐引导整个研究风气的转换。 其次,现代人类学和社会学方法的引入,对于强化国内艺术学研究的学术规范,将有可能产生直接影响。 人类学和社会学研究强调个案研究与研究者直接经验的价值,但同时更强调研究过程的规范、成果表述的规范,其中也包括经验描述的规范。这种规范不仅仅是学术积累的需要,也是使学术成果更可信,因而更具科学价值的需要。换言之,在某种意义上说,人类学和社会学研究是在通过规范自身而使自己更接近于自然科学。这样的研究取向对于中国目前的艺术学研究的重要性是不容忽视的。 中国的艺术学研究分为两个重要群体,除了一批身居高等院校的学者以外,还有更大的一个群体身居文化部门所属的艺术研究机构。以戏剧学研究为例,后一个群体的规模显然要超过前一个群体,而且由于与戏剧创作演出的实际接触较多,在经验性的实证研究方面具有明显优势。然而无可讳言,这个被习称为“前海学派”的学术群体长期以来偏重于戏剧艺术实践,虽然相对而言具有比较注重经验研究的优势,也拥有许多第一手的珍贵的学术资源,重视艺术的当下性,但是由于不够注重学术规范,因此很难得到学术界应有的承认。多年来,境外数以百计的人类学和社会学领域知名的或尚未知名的学者相继来到国内,他们在与这个群体的接触交流过程中获益匪浅,文化部门所属的许多学者多年的研究心得,反而要通过境外学者的转述,才为外部世界和主流学术界所知,究其原因,正缘于“前海学派”在研究的以及成果表述的规范化方面存在明显的缺陷。换言之,经验性的研究以及对经验的感性描述本身,只有通过规范化的、理性的方法呈现出来,才拥有足够的学术意义,才会得到主流学术界的认可,才可能充分显现其学术价值。 因此,借鉴人类学和社会学研究的田野方法,尤其是借鉴和汲取人类学和社会学家从事田野研究时遵循的学术规范,将会有效地弥补“前海学派”学者们在学术研究方面的弱项,使这个学术研究群体掌握的大量感性资料与经验性材料,通过更多途径进入当代主流学术界的视域,藉此改变艺术学的研究重心。因此,对于中国艺术学研究而言,进一步注重学术规范,使被称之为“前海学派”的这个研究群体迅速提高研究成果水平,将给中国的艺术学研究带来深远影响。 二研究视角的转变 当然,现代人类学和社会学研究对中国当代艺术研究最具学术意义的影响,还是要首推它可能带来的文化层面上的研究视角的改变。 中国现代形态的艺术学研究大致始于20世纪初,就像其它人文科学研究一样,它之受到西方学术的刺激与影响是无可讳言的。在这一影响过程中,西方学术思想不可避免地在中国艺术学研究领域打下了鲜明的烙印,其中西方人的研究视角,就是一个重要的方面。简言之,由于西方人文科学主要是在欧洲的文化传统和解决欧洲社会遇到的问题基础上发展起来的,而且随着西方在世界各地的迅速扩展,自觉不自觉地呈现出欧洲中心的世界观,这种具有鲜明西方色彩的欧洲中心的人文科学思想,也就不能不在中国艺术学研究领域留下它的痕迹。在研究与品评中国本土艺术时,人们往往只是照搬西方人习惯运用的艺术标准,比如说以西方音乐体系评价中国本土音乐,以西方戏剧理论解释中国戏剧并且试图以之改造“落后”的中国本土戏剧,把油画的教学体系搬用到中国画的教学中,等等。这样的现象存在于艺术学的多个领域,换言之,西方比较成熟的人文社会科学体系的整体植入,确实在中国艺术学研究的现代转型过程中起到了关键作用,但是这种整体植入的结果与中国本土艺术以及中国人的情感经验之间的距离,始终是一个无法回避的症结。 现代人类学和社会学研究方法的引进,却给我们一条走出这一症结的路径。 现代人类学和社会学研究给我们带来的不仅仅是单纯的田野方法,而且还包含了至关重要的文化多元观念。虽然人类学和社会学的起源都带有强烈的欧洲中心主义色彩,但是二战以后,尤其是20世纪60年代以后,文化多元观逐渐成为现代人类学和社会学研究的主导思想,在某种意义上说,这两个原来受到欧洲中心主义文化观影响最深的研究领域,现在则相反成了对欧洲中心文化观形成最猛烈冲击的领域,成为最坚决地推动文化多元观和消解欧洲中心论的学术领域。这一思想方法的变化对田野研究的影响非常之深远,而这种非常之符合当代世界潮流的学术方法的引进,对于后发达国家尤其重要,因为越是后发达国家越是需要通过文化多元观念以消除文化自卑感,正视本土文化传统的价值。因此,现代人类学和社会学研究领域,田野研究工作者不再像摩尔根时代的学者那样,抱着了解人类童年的文化优越感,把非西方社会视为人类文明发展的早期阶段,因而能够更客观地认识不同民族不同文化圈的传统与现实的差异,在解释它们的历史与现实时,也能有更多的互相理解以及在此基础上的互相尊重。而这样的研究方法,在跨文化研究中的重要性自不待言。 除了西方中心视角以外,多年来中国艺术学研究领域还存在一个尚未得到学术界重视的研究视角,那就是一种过于贵族化的艺术观仍然占据着核心位置。 文化多元观念不仅仅意味着不同民族、不同文化圈的艺术活动不能以同一种标准来衡量和评价,同时也暗含了另一种更平民化的文化思想,即不能以研究者们的个人兴趣,以及他们所接受的教育作为衡量所有文化行为的唯一标准。 当人类学家和社会学家们将他们的考察对象,从长期以来拥有文化特权的上流社会转向更广阔的草根阶层时,还伴随着思维模式的改变。事实使人们更清晰地意识到,不同地域的人们在长期共同生活中形成的价值观念体系虽然会有很大的差异,却各有其合理性;他们各具特色的生活方式,只有通过其自身的价值系统,才有可能获得真正有意义的解释。在艺术领域更是如此,艺术在本质上意味着人们用以情感交流与表达的特殊方式,不同民族和不同阶层的人们各自的情感交流与表达方式,在这一生活与文化圈内部往往是最有效的。所以,对民间草根阶层的艺术、趣味与审美活动的歧视和改造,强行推行一小部分精神贵族自以为是的艺术观与审美趣味,正是现代人类学与社会学研究的禁忌。 在中国艺术学领域,这种文化贵族心态随处可见,比如我们完全有理由对人们长期以来习焉不察的“采风”这样的辞汇产生强烈的质疑。确实,如果说最近一个世纪以来中国的艺术学创作与研究对于那些地域色彩鲜明的民间艺术活动并不是毫不关心,那么很难否认,创作与研究者们经常是以“采风”的态度去关注和研究民间艺术活动的。人们惯于使用“采风”这样的辞汇而,它本身就清晰地透露出两个方面的信息。从历史上看,“采风”的制度早在秦汉时代就已经基本形成,它隐含了官方与民间二元且以官方为主导的文化价值观;从现实的情况看,“采风”意味着艺术家和艺术研究只关注民间艺术活动作为创作素材的价值。因此,“采风”的实质,正是站在官方或文化贵族的立场上对民间艺术活动非常功利化的利用,事实也正是如此,尤其是近几十年里,地域色彩鲜明的和非主流的艺术样式和优秀艺术作品,经常被主流艺术用以为创作的材料,回顾近几十年的艺术史,我们会发现许多有世界影响的优秀作品都是用西化和文人化的手法处理本土民间艺术元素的产品。然而,在民间艺术活动被大量地用以为创作材料而遭到掠夺性开采的同时,它们本身却仍然被视为落后的、原始的、粗糙的,被视为必须以精英文化的模式加以改造才能拥有艺术价值的对象。 以“采风”的心态从事本土与民间艺术研究的学者,自觉不自觉地忽视了对象自身的独立存在以及内在文化价值。因此,研究者变成了专事猎奇的旅游者,对于民间艺术对象的关注只限于与“我们的”艺术活动的差异,而并不真正关心这样的艺术对于生活于其中的创造了它们的人们究竟具有何种价值和意义。从现代人类学和社会学的角度看,我们应该更多地致力于探究多种艺术样式、多种生活方式以及各地各具差异的伦理道德和习俗对于它们的主体自身的价值与意义,致力于在这些独特的艺术与生活的原生环境中,还原它们的内涵。这样的研究才能超越“采风”式的官方和贵族文化心态,才能获得对民间艺术真正具有文化价值的研究成果。 因此,中国目前的艺术学研究亟需借鉴现代人类学和社会学研究的田野方法,摒弃西方中心与贵族趣味对民间话语空间的挤压。 三一个实例:路头戏 如果我们的艺术学研究能够更多地注重对现代人类学与社会学方法的借鉴与引进,尤其是彻底改变欧洲中心主义与贵族主义文化观,那么对诸多艺术现象的研究与评价,都有可能出现根本性的改变。在我的研究领域,有一个极具代表性的例子,完全可以用以说明研究视角的改变所产生的影响,那就是对台州戏班大量演出的路头戏(或曰提纲戏、幕表戏)的研究与评价。 近几十年戏剧研究领域几乎完全没有对路头戏的研究,然而在20世纪50年代以前,路头戏却可以说是中国戏剧最主要的演出形式,它的历史,也许可以追溯到戏剧起源的年代。路头戏之所以长期被戏剧研究人员们忽视,是由于它在20世纪50年代初就遭到批判,成为从上而下的“戏改”的主要对象之一。而对路头戏的批判,其理论背景很值得今人深思。 对路头戏的批判与其说出自艺术的原因,还不如说出自趣味的原因。它一直被看成是粗糙、原始和简单的演剧方法,然而它并没有像同时代其它那些更为粗糙、原始与简单的民间艺术那样获得尊重,它从一开始就被看成是创作的素材以及改造对象,直到现在,在多数当代戏剧史家们的眼里,路头戏之受到批判乃至遗弃,仍然被看成是一种历史的必然。 然而,当我们通过现代人类学和社会学的研究思路重新探讨路头戏的存在以及它的意义,就会清楚地看到,像路头戏这样一种有着千百年悠久传统的演剧方法,它之所以会受到众口一辞的批判以及遭致普遍遗弃,正由于长期以来西化的和贵族的文化视角在艺术学领域占据着统治地位。 路头戏之所以在1950年代初受到大范围的批判,首先是由于主持“戏改”工作的政府官员,主要是一批西化程度比较高的、经常接触甚至直接参与话剧创作与研究的知识分子,排除意识形态的因素,在某种意义上,“戏改”简直可以说就是在用西方的、话剧的戏剧观,居高临下地改造中国本土戏剧。像路头戏这种本土色彩浓厚的传统演剧方法,与这些知识分子所接受的戏剧学模式完全不相吻合,它之受到排斥也就是可想而知的。其次,路头戏的演剧方法被后来的国办或准国办的戏剧表演团体遗弃,还有另一层因素,那就是长期以来衡量艺术的标准是由传统诗学基础上培养的文人决定的,虽然传统文人最终接受了元杂剧和明清传奇,却始终未能充分受容昆曲以外的各种“花部”戏剧剧种,同时也难于充分认同民间极富创造性的口传文学的价值。文人趣味在中国戏剧领域占据统治地位的现象,并没有因为1950年代的社会急剧变动而真正有所变化,反而因为剧团国家化而在制度层面得到普遍肯定,因此,在文学性和音乐性方面很难以完全符合文人趣味的路头戏,也就不能不受到排斥。 由此我们看到,如果说晚近一个世纪的艺术学研究受到欧化的和贵族的这两种文化偏见的左右,那么路头戏的遭遇具有作为样本的罕见的深刻性,路头戏之所以遭受自上而下的批判与遗弃,正是由于同时受到这两个方面的夹击。更值得思考的是,如同我在《草根的力量》书中所叙述的那样,路头戏至今仍然是台州戏班最主要的演剧方式,但这种承继了本土文化传统的演剧方式它之所以能延续至今,并不是因为路头戏演出过程中大量的即兴创造在戏剧学层面上所可能提供的非凡活力,给定情境与表演者个人创造之间巧妙和平衡,以及潜藏在它的即兴表演模式之中的演员之间、演员与乐队之间的互动与内在张力,而竟然是因为在本土的戏剧市场里,戏班最适合以这样的演剧方式营业;并且,由于在晚近几十年里路头戏一直受到抑制,在那些受主流意识形态影响较为明显的民间戏班,路头戏的演剧方式也正在被弃用。 有关路头戏的艺术魅力,我已经在书中做了初步的探讨,将来还会做进一步的研究。这里我只想通过它的遭遇说明,摆脱欧洲中心的和文化贵族的偏见对于中国当前的艺术发展以及艺术学研究有多么重要。只有彻底转变研究视角,路头戏的艺术价值才能得到公正的评价;进而,也许还有更多的艺术现象,需要以多元文化的视角加以重新审视,给予重新评价。 四需要注意的问题 田野研究只是一种方法,虽然在田野研究的背后,包含了现代人类学与社会学特有的研究路径,但是方法并不能完全替代研究。按照我个人的研究体会,即使接受了田野研究方法,艺术学领域的田野研究,也仍然存在诸多需要注意的问题。 艺术学研究的田野方法的研究目标之一,就是考察艺术活动在特定文化环境中自然生成、发展的性状。当然,对象的性状总是会在与外界的不断互动过程中经常变化,然而这样的变化,仍然可能在很大程度上是自然的演化,它与受巨大的、不可抗拒的外力影响而发生的变化,有质的区别。仍然以戏剧在晚近五十年的变化为例,虽然历史上中国的本土戏剧始终在民众审美趣味变化的背景下持续发生着各种各样的变化,但是正由于这样的变化是在戏剧创作表演的主体与观众的互动之中缓慢而自然地发生的,因此无论如何变化都不足以出现背离它所生成的文化土壤的结果;然而1950年代戏改的情况则完全不同,在令本土戏剧经历了剧烈变化的这一改造过程中,观众甚至是剧团内部的创作和表演者本身,都没有话语的权力。因此,中国戏剧的自然状态之必然受到破坏,就是可想而知的。在这里我们看到一种外来的文化价值观是如何被强行植入的,以及它最终会产生臬的结果。它不仅给我们留下了值得好好记取的教训,同时还给从事艺术学田野研究工作者留下了特殊的困难。 这就是我们今天从事艺术学的田野研究时面临的特定境遇,就像一个多世纪以来在几乎所有艺术领域那样,本土艺术在外来的文化价值观面前出可怕的自卑。而这一文化现实,使得从事艺术学田野研究的研究者必须非常小心翼翼。艺术学的田野研究面对的研究对象不 是无感觉的作品而是具体的人的行为,研究者与被研究者在社会身份、知识背景与生活环境等多方面的差异、尤其是趣味的差异,很容易被处于弱势地位的民间艺人理解为知识与艺术见解的优劣,研究者在从事田野工作时,很容易被研究对象视为强势文化的代表,因此,研究者的言行和趣味,很容易对被研究者产生不可预计的影响,而这样的影响,足以改变研究对象的原生态。 需要指出的是,在艺术学的田野研究过程中,研究者在很大程度上是个入侵者,极易对脆弱的、缺乏自信的民间艺术本体造成损害。现代人类学家喜欢说“我们的身体就是人类学研究的工具”,强调田野考察过程中研究者应该融入研究对象,在与对象的互动中体察对象及其可能发生的变化,但是在中国艺术学研究这个特殊的领域,我认为研究者应该尽可能做一个客观和外在的观察者,尽可能克制影响对象的冲动,因为保持本土艺术的原生态的意义,可能比改变它要重要一百倍。当然,研究者对研究对象的影响是无可避免的,只不过清醒地意识到这种影响可能导致的负面效果,自觉地将自己的影响尽可能减少到最低限度,无疑是从事艺术学的田野研究时必须遵守的职业操守。 其次,我希望强调艺术学的田野研究作为一项艺术学研究的价值,尽管我们可以借鉴人类学与社会学的田野研究方法,但是这样的研究指向应该是艺术学的而不能仅仅是人类学或社会学的。更直接地说,用人类学和社会学方法从事艺术学研究,应该是研究的重点。 每门学科都有特定的研究范围和研究目标,不同学科的关注重点并不相同,因此,当人类学与社会学的田野方法被引进到艺术学研究领域时,人类学与社会学所关注的那些问题,也很容易同时被带入艺术研究过程中;或者说,研究者的关注重点可能会发生偏移,也许那些从艺术学角度看非常之重要的问题反而被忽视了,这样一来,研究很容易演变成对于艺术、艺术活动的人类学或社会学研究,而不再是艺术学研究。人类学和社会学研究当然仍有其价值与意义,然而它的价值与意义是人类学与社会学的,坦率地说,这类研究即使再有价值和意义,也不是艺术学研究。它不能代替艺术学研究,也不能帮助我们解决艺术领域最值得关心的问题。 我在从事台州戏班的田野考察时经常提醒自己将艺术层面的问题作为主要对象,不仅是由于我一直受到的是艺术学研究的训练,因此只有艺术学问题才是我在专业领域范围有能力研究和回答的,而且也只有艺术学领域的问题才是我所真正应该去关注和感兴趣的。举例而言,我的研究中涉及到许多有关宗教与民间祭祀、民间信仰方面的现象,我当然知道从人类学或者社会学角度对这些现象进行剖析是非常之必要的,但是我的研究仍然会相对地集中于这些现象与民间戏班的运作和表演、与当地观众的欣赏之间的关系,将这些现象与戏剧活动之间的联系,小心地剥离出来,分析它们对戏班以及戏剧活动的艺术方面的影响力,寻找这些现象与近二十年台州戏班的繁荣与发展之间的联系。同样,当我剖析和研究戏班的内部构成以及戏班内部的人际关系时,不仅把戏班作为一个特殊的社会亚群体看待,同时更注重把它们看作一个关乎戏剧艺术的群体看待,这样的研究当然明显有别于一般意义上的人类学与社会学研究。 而我深信,这样的研究正是艺术学的发展所需要的,寻找更多学术途径,利用更多研究方法,通过更加多维的视角,以探索和解决我们面临的诸多艺术学问题,这也正是我们把现代人类学和社会学的田野方法引进艺术学研究领域的初衷。 如前所述,现代人类学与社会学的田野方法之所以值得注重,在于它会给中国当前的艺术学研究带来注重实学的研究风气,并且最终导致当代艺术学研究的转型。田野研究始终只是艺术学研究多种方法中的一种,然而随着英美经验主义学术传统在二十世纪中叶之后在世界学术整体发展格局中越来越明显的强势地位,人类学与社会学的田野方法在现代学术研究中的地位会越来越显著。也许若干年后,我们将不得不再来讨论宏观的理论研究的重要性以及田野方法的诸多弊端,重新认识基于文献的研究的意义,但就目前而言,我相信倡导田野研究,对于中国的艺术学研究不仅非常之必要,而且非常之迫切。 艺术学毕业论文:职业艺术学院职业教学论文 引言摘要: 二十世纪,对于中国来讲是一个不平常的世纪。中国人民经历了巨大的历史变迁,同时也经历了空前的文化转折。尤其是自二十世纪八十年代以来,作为文化艺术事业的一个分支,中国职业正经历着最为辉煌的高峰和最为险恶的低谷。80年代上海美影厂出品的《大闹天宫》(1982年)、《哪吒闹海》(1983年)、《三个和尚》(1982年)、《小蝌蚪找妈妈》(1981年)、《人参果》(1982年)、《金猴降妖》(1989年)、《女娲补天》(1986年)等一大批职业影片在国际上获奖,为中国赢得了世界的目光。在此之后,随着90年代的来临,《狮子王》(1994年)、《钟楼怪人》(1996年)、《花木兰》(1998年)等一大批海外商业职业大片的成功上映,使得世界范围内掀起了新的职业热潮,中国职业相形见绌。因为90年代,中国职业几乎没有能和之抗衡的作品。再加之现代高科技的引进,为外国职业艺术家提供了更先进的和充分表现艺术的可能。1995年《玩具总动员》、1999年《泰山》、1999年《恐龙》、2001年《怪物史莱克》、2001年《怪物公司》等一大批数字职业电影的涌现,将职业艺术的视听表现力推向极至,同时带来了巨大的商业回报,也引起强烈的社会反响,创造了《狮子王》获3亿1290万美元票房,《玩具总动员2》获2亿4580万美元票房,《泰山》获1亿7110万美元票房,《恐龙》获1亿3780万美元票房,《怪物史莱克》获2亿6766万美元票房,《怪物公司》获2亿4463万美元票房等商业奇迹。 另外,职业的周边产品的开发更使商业潜力无限。外国电视版职业的大量引进,极大的促进了这一领域的发展,这使我国小至家家户户的电视节目,大到大街的书店报亭,玩具、礼品店,无不充斥着外国职业的周边产品摘要:漫画、宣传品、装饰品、服装鞋帽、日用品、玩具等等。由此,外国职业不仅获得了巨额的利润,而且又极大的促进了下一部影片的成功推出。机器猫、米老鼠、皮卡丘、蝙蝠狭、史努比等大批卡通名星已深入人心,而我国传统职业中的孙悟空、葫芦娃等中国明星,在当今中国年轻人当中,却很少被谈及。至此,中国职业面临着最严重的考验。 造成这一形势的原因很多,这不是历史发展的偶然,而是在长期计划经济下进行创作的必然结果。那么,在新形势下,中国职业该何去何从,中国职业人做出了明智的选择。有资料指出摘要:从1990年10月召开的“全中国职业联席会议”开始,九十年代中国职业实际上进入了新的历史时期。随着整个中国社会大的转型,职业界进行着新的一轮创业。面对新文化的建构.新的职业艺术理念和新的经济观念,以及中国加入世贸组织后,世界职业业对中国职业的冲击,中国职业应改进自己的创作,向职业的商业化,市场化迈进。 1999年8月上海美术制片厂率先推出了《宝莲灯》,这便是中国职业对职业大片完全商业性运作的第一次尝试。票房收入2000万人民币,加之影片后期产品及衍生品如光碟,画册,文具,玩具,服装等,商业回报相当可观。由此可见,不是中国职业无市场,而是中国职业缺乏商业性。尽管此片还存在着诸多的争议,从历史的角度看,它无疑有着极为重大的转折意义,它为中国职业吹响了向商业化迈进的号角。 (一)。中国职业产业要发展,应注重职业教育。 中国职业产业要发展商业性,教育是关键。正如我国中心电视台青少部主任梁晓涛在他的文章《国产职业事业发展中的几个新问题》中将目前中国职业片创作和制作的全程比喻为一条鱼摘要:鱼头为前期创作(包括剧本、美术设计、动作设计、导演、文字分镜头及画面分镜头台本等),鱼身为中期制作(包括设计稿绘制、原动画绘制、背景绘制、描线上色、拍摄等),鱼尾为后期制作(包括剪辑、作曲、演奏、声效、配音、合成等)。梁晓涛说摘要:“很遗憾,我国动画的创作和制作恰如中间粗两头细的鱼一样,前期创作和后期创作薄弱,而中期制作倒已经和国际准相接轨”。前期和后期创作的薄弱严重影响我国动画片的品质,阻碍我国动画片顺利进入国际市场。 梁晓涛在文中还指出摘要:在前期创作中,剧本和导演两个环节的薄弱程度尤为突出。目前,我国具有专业水准的职业编剧凤毛麟角,我国制作的职业片故事性不强即为佐证。目前从事职业片编剧的人员中,儿童作家和美术制作人员居多,这使职业片的文学和美术的含量很高,但是,由于这些编剧对电影语言运用的不成熟,导致职业片的影视感不足,缺少视觉震撼力。和此相类似,职业导演也存在同样的新问题。在我国,职业导演多为从美术人员转行而来,美术含量高而影视思维弱。而对于职业导演来说,虽然需要美术修养,但电影语言的娴熟运用才是职业片成功的根本。因为职业片是电影的一个片种,它要遵循电影创作的所有规律,它和其他电影片种相区别的根本点只不过是它用职业的形式来表现而已。由于我国目前的职业导演很多都没有经过系统的电影理论学习,对电影语言的运用就显得不娴熟,更缺少创造性,所以我国多数职业片的电影含量不高,播映效果欠佳,这是我国和其他职业大国职业节目的主要差距之一。 这两个薄弱环节恰恰体现了中国职业商业性不强的新问题。正是剧本和导演两个环节的薄弱,导致中国职业片成为“内容贫乏,情趣低下”的代名词。中国职业失去了市场,失去了观众。造成这两个环节薄弱的根本原因,是我们的从业人员缺乏商业意识,不能从市场出发进行创作,忽视了商业性在职业中的重要功能,要增强职业创作的商业性,就必须从职业教育中抓起。 由此,我们不难看出,培养有商业性思维的高素质创作人才,是发展中国职业,当务之急。 (二)。商业性在教育中的体现。 那么,何为职业的商业性?它自身又有哪些特性呢? 那麽先让我们明确以下两组概念摘要: 职业传统的分类摘要:艺术职业片和商业职业片。商业职业片又包括影院职业片和电影职业片。 艺术职业,多为40分钟以下的短片,这些影片不以盈利为根本目的,而以追求某种艺术境界或表现艺术技术为宗旨。在我国,更加重视这类影片的艺术性中所包含的教育意义或道德情操。如《骄傲的将军》(1956年)、《牧笛》(1963年)、《三个和尚》(1980年)、《超级肥皂》(1986年)、《山水情》(1988年)等,都是这一类的优秀职业片。为艺术而艺术,固然是一种善的追求,但遗憾的是,阳春白雪和下里巴人的故事在一定意义上早已断言最终会到来的优劣之差;在商业大潮冲击下的职业片市场,艺术职业片的发展可以说是举步维艰。 商业职业片,顾名思义是以追求商业价值为主要目的的影片,市场利润是衡量此类影片成功和否的标准。在这类影片中,一切艺术性因素都首先是现实经济效益的手段。商业职业片又可分为影院职业片和电视职业片。 美国迪斯尼公司出品的《白雪公主》(1937年)、《狮子王》(1994年)、《花木兰》(1998年)等可说是典型的影剧片。新中国成立至今,严格意义上以商业价值为目的的影院职业片应从《宝莲灯》算起,而它之前的几部职业片《大闹天空》(上,下集)(1961-1964年)、《哪吒闹海》(1980年)、《天书奇谭》(1983)、《金猴降妖》(1985年)等虽然也有拷贝远销国外,但人们更重视它们的是社会效益和艺术影响力,所以称其为影院艺术片更为恰当。 商业职业片具有的那些商业化特性便是职业的商业性。它不单纯指传统意义上的商业性职业片,也不单纯指好莱坞式的商业片,而是指在中国国产职业民族风格基础上增添的商业化成分。这样,我们就不会完全否定历史成果,而是更多考虑如何继续和发扬。韩国电影1995年之后的崛起,再次证实任何单纯意义上的模拟都不是职业艺术的真正出路。韩国电影商业化的成功,仍然保持着浓厚的民族气息和较高的艺术品味。他们之所以会为世界认可,就是在推动影片商业化的同时,不忘保存民族风格,根据自己国情,不盲目降低艺术水准。注重商业性,是指培养这种观念,培养在这种观念指导下的艺术创作才能。这种能力具体表现为摘要:过硬的视听语言表达能力,扎实的绘画功底,善于讲故事构思剧情的创意能力,和人协作能力,整体的卡通意识及对新鲜事物的把握能力。 综上所述,培养具备以上能力的从业人员,才能够真正适应新形势的需求,才能凝聚了更多人(社会团体)的聪明和力量,共同创作完成艺术作品,最终实现商业利润的最大化及社会效益的最大化。 1.国内各院校职业教育目前状况。 我国职业教育的起步应该说较早。回顾职业人才培养的进程,大致可分为三个阶段。第一阶段是在五十年代初。1950年钱家骏、范敬祥等职业家曾在“苏州美术专科学校”开办职业科,先后招收两届学生。该科在1952年全国大专院校调整时,并入北京电影学校,学生于1953年毕业,而后停办。其中大部分师生进入“美影”工作,为美术电影增添了一支重要的新生力量。第二个阶段是在六十年代初期。1959年“上海电影专科学校”成立,设立职业专科,由钱家骏任主任、张松林任副主任培养具有大专程度的职业人员。该校共培养了两届毕业生,先后于1961、1963年毕业,但于1963年停。,这批专业人员又充实了“美影”的创作队伍。 由于“”的干扰,培养职业人才的工作中断了十多年,出现青黄不接的局面。第三个阶段就是在十年动乱之后,“美影”采取多种形式,培养动画人才。一是电影学院开设动画班,多次派专业老师任教,培养了一批高等程度的动画人员。二是和上海华山中学合作,开设中等程度的动画动画班,共招收三个班级,培养了六十多名动画人员。三是在厂内开办动画练习班和动画设计练习班,以边实践边学习的方式,培养了一批年轻的创作人员。通过上述三种途径,在八十年代,又有一大批动画人才正在茁壮成长。但和发达国家相比,我国的动画教育仍显得规模很小,专业学科建设欠缺,而且没有形成系统性和联系性。乃至今天在课堂设置上和教学布置上,还没有实现完全的正规化。 近些年来,发展职业教育已被摆到议事日程上来。美术电影人才的培养,尤其高等职业教育工作,迫切需要发展。两年来,国内已有近十所高校开设了职业专业。新的职业艺术家将在他们中间出现。目前,开办职业专业的院校大致分为两种,一类为影视艺术类院校,包括中心戏剧学院、北京电影学院、北京广播学院等,其办学特色以电视节目制作、艺术性电影、脚本编剧等为主。另一类为艺术类院校,包括吉林美术学院、西安美术学院、南京艺术学院、四川美院等,办学特色以平面漫画出版物、多媒体技术、影像视频编辑为主。从办学数量上看我国职业教育已经有了很大改观,而培养人才的层次也有了显著提高,并且逐渐呈现出各自不同的特色。这无疑是对整个中国职业发展的有益补充。然真正的实现中国职业的商业化,还须继续努力。 2.汇佳职业艺术学院的专业教学分析 面对蓬勃发展的职业教育行业,汇佳职业艺术学院保持着冷静的思索。我们根据自己的特征,分析当前形势并做出了自己的判定,确立了自己的教学体系和思想体系,走出一条新路,确立了自己在职业教育中的地位。 中国需要大量的职业从业人员,学校教育是一条重要途径。课程设置必须明确培养方向,如一般的业务人员要加强其动手能力的培养,而高级专业人才,除了具有一定的实践经验和动手能力外,更要加强其艺术修养和理论素养,即着力培养其艺术创造力。 汇佳职业艺术学院针对当前职业业面临的人才新问题,制定了科学、系统、正规的职业专业课程。以宏观的职业产业为切入点,重新整合职业专业各门课程的概念和含义,充分发掘和倡导职业的时尚性和娱乐性,深抓有专业特征的基础课建设,重视影视语言修养的培养,有机搭配成熟商业职业人所应具备的各学科知识。 表四摘要:专业 分类课程内容目的内容要求针对新问题 文化课语文、英语、法律、哲学、西方美术史、艺术概论、美学基本素养和社会生活知以课本为纲要,以职业专业角度为切入点,思想不深刻思维狭小艺术修养低 专业课基础素描、速写、色彩、绘画技能具有职业专业特征的基础教学。强调空间造型结构特征,要求学生要理解型和把握型。绘画能力差造型能力差 专业课职业、原画、设计搞、造型设计、场景设计、画什么练习学生严格的达到标准的职业制作工艺的能力,同时练习学生达到较高的职业表演能力,及丰富的想象能力。高标准的制作水平 专业微机课二维拍摄后期合成、特技、三维、建模、渲染、贴材质、自然现象、利用科技手段做职业。把握高科技手段实现职业意识。技术能力弱工作效率低 专业理论课。影视鉴赏、视听语言、电影艺术史、职业市场学怎样画结合职业专业特征,电影语言及理论探究。编剧能力差,市场观念弱 这样的课程设置层次分明,所包含知识全面,有利于学生将来从社会中找到自己的位置,加深对职业的理解、熟悉。这样的课程设置体现了专业和基础的并重,协调了二者的关系。正如电影学院院长孙立军所说,“让我们来看看迪斯尼做职业人物造型的方法摘要:造型设计师在对剧本有了深入了解后,在现实生活中找和职业人物性格相近的模特,对其写生。在把握了对象的总体形态和性格特征后,再来进行抽象和提炼。这样创作出的造型才生动,才能打动人。”可见,二者皆重要,不可偏废一方。 其次,汇佳职业艺术学院建立了一支强有力的师资对伍,为各级各类优秀人才倍出提供保障。汇佳职业艺术学院的教师不仅具备广泛寬博的知识面,灵活机智的教学法,专业精深专业知识和技能还具有以下特征摘要: 教师素质优势 文化课专业学科院校毕业头脑灵活由学术著作的优秀人才知识渊博能灵活调度知识间有机联系增强信息量 专业课基础背景设计或有专业知识的美术院校本科生使基础和专业课更有机联系 专业课从事专业创作多年的有高等教育经历的创造性人才使学生学习到更有高度的专业知识 专业理论课影视,编导专业的有建树优秀人才增强学生的电影知识 专业微机课熟悉软件,有多年创作经验的优秀业内人才增强表现手段的先进性 (2)。显著的教学成效 经过一年的教学探索,我们已取得显著成果。第一学期,学生已经完整地将整个职业流程系统地学习了一遍。基本上能够独立完成小短片,创作出各种教学短片不下20余部,其中较为成熟的有3部。学生的创作思想也有了进一步的提高,从一般的传统职业向新式风格化的影片提升。第二学期,一方面增强了基础课学习,为进一步表现更加深刻的造型和动作打下基础;另一方面,增加了对业界目前状况的了解,通过对上海美影厂即相关动画公司的考察学习,学生开阔了眼界,熟悉到了当前形势,更加深刻理解,学校课程的实用性以及科学性。加上影视理论课的学习,学生都在原来基础上有了很大的提高。学生对本专业有了更深的熟悉,并确立了奋斗目标。 和此同时,良好的办学声誉为学生提供了极好的社会实践机会。学生完成社会项目多个(短片8个,及其他职业片多个)受到社会广泛好评。广泛的社会活动,为学生创造了展示自己的机会。2002年5月20日,在北京电影学院举办的全国高校动漫节上,我校一名学生的作品获优秀奖。 由此可见,汇佳职业艺术学院教学模式已基本形成,艺术风格及取向基本形成,集中体现为当前正在积极制作的职业片《库比》。 我们取得的成绩再一次证实,专业方向的正确性及实施的有效性。它不但解决了学生将来就业的顾虑,同时也解决了家长的顾虑,极大调动了学生的学习积极性,使得教和学达到了真正意义上的方向一致。 (三)。在教育中体现商业性应注重的新问题。 虽然我们在很短时间取得如此显著的成绩,但仍存在不足。如学籍管理的有关细则还有待完善,各学科的自身建设还有待于深化,各学科间的有机联系还有待于加强,学生的综合素质及对专业的熟悉还有待于进一步提高。在尊重各学科独立性的同时,应打破学科之间的壁垒,增强知识的联系性、有机性。这将更加符合教学规律及学生的学习规律。 汇佳职业艺术学院作为一个年轻的学院,带着蓬勃的朝气,不会墨守陈规,而是积极进取,注重探索和实践,时时刻刻关注着业界的动态,把握着时代的脉搏,在既定的方向上进行探索。我们在今后的教学中,还将及时发现新问题、解决新问题,改进不足,对各学科知识的不同层次提出更加细化的要求,坚持创新、求实的治学精神。 (四)。强调商业性并不等于否定艺术性,二者应实现统一。 汇佳职业艺术学院倡导商业性,但并不等于排、否定艺术性。我们对艺术性的追求是建立在商业性基础上,即建立在务实基础上的艺术追求。在教学中这样教导学生,职业不是单纯的商品,它是承载着精神内涵的文化产品,它的宣传、诱导功能绝不可忽视。目前在中国,14至17岁的青少年已经成为低幼儿之外的第二个职业片大宗受众,也是卡通消费的主要群体。这一年龄正处于有一定的判定和选择权,但没有成熟的判定和选择能力的阶段。这就对我们的职业创作提出一个严重的课题,是顺应他们的盲目选择,被他们的喜好牵着走,还是用既能够占领市场又具有高尚艺术品位的优秀作品来教育、引导他们,帮助他们形成理性、健康的判定和选择能力。假如职业创作采取盲目迎合的姿态,必将造成深远的负面影响。同学们对此也有深刻的熟悉,进一步明确自己肩上的责任感和应处的地位,既是大众文化的创造者,更是大众文化的引导者,而不是被动的跟随着。这样,一方面避免商业性影片不至于庸俗化;另一方面也使艺术性不至于过于超脱。我们的动画艺术是能被广大观众接受的高档次高品位的商业动画艺术。这样艺术会成为有本之木,商业性会成为有源之水。艺术性和商业性互为补充,相互促进,这样才能最终发展中国动画。 随着我们的努力,我国的商业职业必将带动动画经济及文化消费的提升,同时也将给动画的艺术性创造更丰厚的物质基础和社会环境。汇佳动画艺术学院一定会做出商业性、艺术性皆高水准的动画影片来服务社会,这是每位汇佳动画人的理想。不可或缺的商业性是艺术性提高和发展的有力保障,是汇佳实现其理想的必行之路。 艺术学毕业论文:职业艺术学院职业教学论文 引言: 二十世纪,对于中国来讲是一个不平常的世纪。中国人民经历了巨大的历史变迁,同时也经历了空前的文化转折。尤其是自二十世纪八十年代以来,作为文化艺术事业的一个分支,中国职业正经历着最为辉煌的高峰和最为险恶的低谷。80年代上海美影厂出品的《大闹天宫》(1982年)、《哪吒闹海》(1983年)、《三个和尚》(1982年)、《小蝌蚪找妈妈》(1981年)、《人参果》(1982年)、《金猴降妖》(1989年)、《女娲补天》(1986年)等一大批职业影片在国际上获奖,为中国赢得了世界的目光。在此之后,随着90年代的来临,《狮子王》(1994年)、《钟楼怪人》(1996年)、《花木兰》(1998年)等一大批海外商业职业大片的成功上映,使得世界范围内掀起了新的职业热潮,中国职业相形见绌。因为90年代,中国职业几乎没有能与之抗衡的作品。再加之高的引进,为外国职业艺术家提供了更先进的和充分表现艺术的可能。1995年《玩具总动员》、1999年《泰山》、1999年《恐龙》、2001年《怪物史莱克》、2001年《怪物公司》等一大批数字职业电影的涌现,将职业艺术的视听表现力推向极至,同时带来了巨大的商业回报,也引起强烈的反响,创造了《狮子王》获3亿1290万美元票房,《玩具总动员2》获2亿4580万美元票房,《泰山》获1亿7110万美元票房,《恐龙》获1亿3780万美元票房,《怪物史莱克》获2亿6766万美元票房,《怪物公司》获2亿4463万美元票房等商业奇迹。 另外,职业的周边产品的开发更使商业潜力无限。外国电视版职业的大量引进,极大的促进了这一领域的发展,这使我国小至家家户户的电视节目,大到大街的书店报亭,玩具、礼品店,无不充斥着外国职业的周边产品:漫画、宣传品、装饰品、服装鞋帽、日用品、玩具等等。由此,外国职业不仅获得了巨额的利润,而且又极大的促进了下一部影片的成功推出。机器猫、米老鼠、皮卡丘、蝙蝠狭、史努比等大批卡通名星已深入人心,而我国传统职业中的孙悟空、葫芦娃等中国明星,在当今中国年轻人当中,却很少被谈及。至此,中国职业面临着最严峻的考验。 造成这一形势的原因很多,这不是历史发展的偶然,而是在长期计划下进行创作的必然结果。那么,在新形势下,中国职业该何去何从,中国职业人做出了明智的选择。有资料指出:从1990年10月召开的“全中国职业联席会议”开始,九十年代中国职业实际上进入了新的历史时期。随着整个中国社会大的转型,职业界进行着新的一轮创业。面对新文化的建构.新的职业艺术理念和新的经济观念,以及中国加入世贸组织后,世界职业业对中国职业的冲击,中国职业应改进自己的创作,向职业的商业化,市场化迈进。 1999年8月上海美术制片厂率先推出了《宝莲灯》,这便是中国职业对职业大片完全商业性运作的第一次尝试。票房收入2000万人民币,加之影片后期产品及衍生品如光碟,画册,文具,玩具,服装等,商业回报相当可观。由此可见,不是中国职业无市场,而是中国职业缺乏商业性。尽管此片还存在着诸多的争议,从历史的角度看,它无疑有着极为重大的转折意义,它为中国职业吹响了向商业化迈进的号角。 (一)。中国职业产业要发展,应注重职业教育。 中国职业产业要发展商业性,教育是关键。正如我国中央电视台青少部主任梁晓涛在他的文章《国产职业事业发展中的几个问题》中将中国职业片创作与制作的全程比喻为一条鱼:鱼头为前期创作(包括剧本、美术设计、动作设计、导演、文字分镜头及画面分镜头台本等),鱼身为中期制作(包括设计稿绘制、原动画绘制、背景绘制、描线上色、拍摄等),鱼尾为后期制作(包括剪辑、作曲、演奏、声效、配音、合成等)。梁晓涛说:“很遗憾,我国动画的创作和制作恰如中间粗两头细的鱼一样,前期创作和后期创作薄弱,而中期制作倒已经与国际准相接轨”。前期与后期创作的薄弱严重我国动画片的品质,阻碍我国动画片顺利进入国际市场。 梁晓涛在文中还指出:在前期创作中,剧本和导演两个环节的薄弱程度尤为突出。目前,我国具有专业水准的职业编剧凤毛麟角,我国制作的职业片故事性不强即为佐证。目前从事职业片编剧的人员中,儿童作家和美术制作人员居多,这使职业片的文学与美术的含量很高,但是,由于这些编剧对电影语言运用的不成熟,导致职业片的影视感不足,缺少视觉震撼力。与此相类似,职业导演也存在同样的问题。在我国,职业导演多为从美术人员转行而来,美术含量高而影视思维弱。而对于职业导演来说,虽然需要美术修养,但电影语言的娴熟运用才是职业片成功的根本。因为职业片是电影的一个片种,它要遵循电影创作的所有,它与其他电影片种相区别的根本点只不过是它用职业的形式来表现而已。由于我国目前的职业导演很多都没有经过系统的电影,对电影语言的运用就显得不娴熟,更缺少创造性,所以我国多数职业片的电影含量不高,播映效果欠佳,这是我国与其他职业大国职业节目的主要差距之一。 这两个薄弱环节恰恰体现了中国职业商业性不强的问题。正是剧本和导演两个环节的薄弱,导致中国职业片成为“内容贫乏,情趣低下”的代名词。中国职业失去了市场,失去了观众。造成这两个环节薄弱的根本原因,是我们的从业人员缺乏商业意识,不能从市场出发进行创作,忽视了商业性在职业中的重要作用,要增强职业创作的商业性,就必须从职业教育中抓起。 由此,我们不难看出,培养有商业性思维的高素质创作人才,是发展中国职业,当务之急。 (二)。商业性在教育中的体现。 那么,何为职业的商业性?它自身又有哪些特性呢? 那麽先让我们明确以下两组概念: 职业传统的分类:艺术职业片与商业职业片。商业职业片又包括影院职业片与电影职业片。 艺术职业,多为40分钟以下的短片,这些影片不以盈利为根本目的,而以追求某种艺术境界或表现艺术技术为宗旨。在我国,更加重视这类影片的艺术性中所包含的教育意义或道德情操。如《骄傲的将军》(1956年)、《牧笛》(1963年)、《三个和尚》(1980年)、《超级肥皂》(1986年)、《山水情》(1988年)等,都是这一类的优秀职业片。为艺术而艺术,固然是一种善的追求,但遗憾的是,阳春白雪和下里巴人的故事在一定意义上早已断言最终会到来的优劣之差;在商业大潮冲击下的职业片市场,艺术职业片的发展可以说是举步维艰。 商业职业片,顾名思义是以追求商业价值为主要目的的影片,市场利润是衡量此类影片成功与否的标准。在这类影片中,一切艺术性因素都首先是现实经济效益的手段。商业职业片又可分为影院职业片和电视职业片。 美国迪斯尼公司出品的《白雪公主》(1937年)、《狮子王》(1994年)、《花木兰》(1998年)等可说是典型的影剧片。新中国成立至今,严格意义上以商业价值为目的的影院职业片应从《宝莲灯》算起,而它之前的几部职业片《大闹天空》(上,下集)(1961-1964年)、《哪吒闹海》(1980年)、《天书奇谭》(1983)、《金猴降妖》(1985年)等虽然也有拷贝远销国外,但人们更重视它们的是社会效益和艺术影响力,所以称其为影院艺术片更为恰当。 商业职业片具有的那些商业化特性便是职业的商业性。它不单纯指传统意义上的商业性职业片,也不单纯指好莱坞式的商业片,而是指在中国国产职业民族风格基础上增添的商业化成分。这样,我们就不会完全否定历史成果,而是更多考虑如何继承和发扬。韩国电影1995年之后的崛起,再次证明任何单纯意义上的模仿都不是职业艺术的真正出路。韩国电影商业化的成功,仍旧保持着浓厚的民族气息和较高的艺术品味。他们之所以会为世界认可,就是在推动影片商业化的同时,不忘保存民族风格,根据自己国情,不盲目降低艺术水准。注重商业性,是指培养这种观念,培养在这种观念指导下的艺术创作才能。这种能力具体表现为:过硬的视听语言表达能力,扎实的绘画功底,善于讲故事构思剧情的创意能力,与人协作能力,整体的卡通意识及对新鲜事物的把握能力。 综上所述,培养具备以上能力的从业人员,才能够真正适应新形势的需求,才能凝聚了更多人(社会团体)的智慧和力量,共同创作完成艺术作品,最终实现商业利润的最大化及社会效益的最大化。 1.国内各院校职业教育现状。 我国职业教育的起步应该说较早。回顾职业人才培养的进程,大致可分为三个阶段。第一阶段是在五十年代初。1950年钱家骏、范敬祥等职业家曾在“苏州美术专校”开办职业科,先后招收两届学生。该科在1952年全国大专院校调整时,并入北京电影学校,学生于1953年毕业,而后停办。其中大部分师生进入“美影”工作,为美术电影增添了一支重要的新生力量。第二个阶段是在六十年代初期。1959年“上海电影专科学校”成立,设立职业专科,由钱家骏任主任、张松林任副主任培养具有大专程度的职业人员。该校共培养了两届毕业生,先后于1961、1963年毕业,但于1963年停。,这批专业人员又充实了“美影”的创作队伍。 由于“”的干扰,培养职业人才的工作中断了十多年,出现青黄不接的局面。第三个阶段就是在十年动乱之后,“美影”采取多种形式,培养动画人才。一是电影学院开设动画班,多次派专业老师任教,培养了一批高等程度的动画人员。二是与上海华山中学合作,开设中等程度的动画动画班,共招收三个班级,培养了六十多名动画人员。三是在厂内开办动画训练班和动画设计训练班,以边实践边学习的方式,培养了一批年轻的创作人员。通过上述三种途径,在八十年代,又有一大批动画人才正在茁壮成长。但与发达国家相比,我国的动画教育仍显得规模很小,专业学科建设欠缺,而且没有形成系统性与联系性。乃至今天在课堂设置上与教学安排上,还没有实现完全的正规化。 近些年来,发展职业教育已被摆到议事日程上来。美术电影人才的培养,尤其高等职业教育工作,迫切需要发展。两年来,国内已有近十所高校开设了职业专业。新的职业艺术家将在他们中间出现。目前,开办职业专业的院校大致分为两种,一类为影视艺术类院校,包括中央戏剧学院、北京电影学院、北京广播学院等,其办学特色以电视节目制作、艺术性电影、脚本编剧等为主。另一类为艺术类院校,包括吉林美术学院、西安美术学院、南京艺术学院、四川美院等,办学特色以平面漫画出版物、多媒体技术、影像视频编辑为主。从办学数量上看我国职业教育已经有了很大改观,而培养人才的层次也有了显著提高,并且逐渐呈现出各自不同的特色。这无疑是对整个中国职业发展的有益补充。然真正的实现中国职业的商业化,还须继续努力。 2.汇佳职业艺术学院的专业教学分析 面对蓬勃发展的职业教育行业,汇佳职业艺术学院保持着冷静的思考。我们根据自己的特点,分析当前形势并做出了自己的判断,确立了自己的教学体系和思想体系,走出一条新路,确立了自己在职业教育中的地位。 中国需要大量的职业从业人员,学校教育是一条重要途径。课程设置必须明确培养方向,如一般的业务人员要加强其动手能力的培养,而高级专业人才,除了具有一定的实践经验和动手能力外,更要加强其艺术修养和理论素养,即着力培养其艺术创造力。 汇佳职业艺术学院针对当前职业业面临的人才问题,制定了科学、系统、正规的职业专业课程。以宏观的职业产业为切入点,重新整合职业专业各门课程的概念和含义,充分发掘和倡导职业的性与娱乐性,深抓有专业特点的基础课建设,重视影视语言修养的培养,有机搭配成熟商业职业人所应具备的各学科知识。 表四:专业 分类课程内容目的内容要求针对问题 文化课语文、、、、西方美术史、艺术概论、美学基本素养和社会生活知以课本为纲要,以职业专业角度为切入点,思想不深刻思维狭小艺术修养低 专业课基础素描、速写、色彩、绘画技能具有职业专业特点的基础教学。强调空间造型结构特点,要求学生要理解型和掌握型。绘画能力差造型能力差 专业课职业、原画、设计搞、造型设计、场景设计、画什么训练学生严格的达到标准的职业制作工艺的能力,同时训练学生达到较高的职业表演能力,及丰富的想象能力。高标准的制作水平 专业微机课二维拍摄后期合成、特技、三维、建模、渲染、贴材质、现象、利用科技手段做职业。掌握高科技手段实现职业意识。技术能力弱工作效率低 专业理论课。影视鉴赏、视听语言、电影艺术史、职业市场学怎样画结合职业专业特点,电影语言及理论。编剧能力差,市场观念弱 这样的课程设置层次分明,所包含知识全面,有利于学生将来从社会中找到自己的位置,加深对职业的理解、认识。这样的课程设置体现了专业与基础的并重,协调了二者的关系。正如电影学院院长孙立军所说,“让我们来看看迪斯尼做职业人物造型的:造型设计师在对剧本有了深入了解后,在现实生活中找与职业人物性格相近的模特,对其写生。在把握了对象的总体形态和性格特征后,再来进行抽象和提炼。这样创作出的造型才生动,才能打动人。”可见,二者皆重要,不可偏废一方。 其次,汇佳职业艺术学院建立了一支强有力的师资对伍,为各级各类优秀人才倍出提供保障。汇佳职业艺术学院的教师不仅具备广泛寬博的知识面,灵活机智的教学法,专业精深专业知识与技能还具有以下特点: 教师素质优势 文化课专业学科院校毕业头脑灵活由学术著作的优秀人才知识渊博能灵活调度知识间有机联系增强信息量 专业课基础背景设计或有专业知识的美术院校本科生使基础与专业课更有机联系 专业课从事专业创作多年的有高等教育经历的创造性人才使学生学习到更有高度的专业知识 专业理论课影视,编导专业的有建树优秀人才增强学生的电影知识 专业微机课熟悉软件,有多年创作经验的优秀业内人才增强表现手段的先进性 (2)。显著的教学成效 经过一年的教学探索,我们已取得显著成果。第一学期,学生已经完整地将整个职业流程系统地了一遍。基本上能够独立完成小短片,创作出各种教学短片不下20余部,其中较为成熟的有3部。学生的创作思想也有了进一步的提高,从一般的传统职业向新式风格化的影片提升。第二学期,一方面增强了基础课学习,为进一步表现更加深刻的造型和动作打下基础;另一方面,增加了对业界现状的了解,通过对上海美影厂即相关动画公司的考察学习,学生开阔了眼界,认识到了当前形势,更加深刻理解,学校课程的实用性以及性。加上影视课的学习,学生都在原来基础上有了很大的提高。学生对本专业有了更深的认识,并确立了奋斗目标。 与此同时,良好的办学声誉为学生提供了极好的实践机会。学生完成社会项目多个(短片8个,及其他职业片多个)受到社会广泛好评。广泛的社会活动,为学生创造了展示自己的机会。2002年5月20日,在北京电影学院举办的全国高校动漫节上,我校一名学生的作品获优秀奖。 由此可见,汇佳职业学院教学模式已基本形成,艺术风格及取向基本形成,集中体现为当前正在积极制作的职业片《库比》。 我们取得的成绩再一次证明,专业方向的正确性及实施的有效性。它不但解决了学生将来就业的顾虑,同时也解决了家长的顾虑,极大调动了学生的学习积极性,使得教与学达到了真正意义上的方向一致。 (三)。在中体现商业性应注意的。 虽然我们在很短时间取得如此显著的成绩,但仍存在不足。如学籍管理的有关细则还有待完善,各学科的自身建设还有待于深化,各学科间的有机联系还有待于加强,学生的综合素质及对专业的认识还有待于进一步提高。在尊重各学科独立性的同时,应打破学科之间的壁垒,增强知识的联系性、有机性。这将更加符合教学及学生的学习规律。 汇佳职业艺术学院作为一个年轻的学院,带着蓬勃的朝气,不会墨守陈规,而是积极进取,注重探索与实践,时时刻刻关注着业界的动态,把握着的脉搏,在既定的方向上进行探索。我们在今后的教学中,还将及时发现问题、解决问题,改进不足,对各学科知识的不同层次提出更加细化的要求,坚持创新、求实的治学精神。 (四)。强调商业性并不等于否定艺术性,二者应实现统一。 汇佳职业艺术学院倡导商业性,但并不等于排、否定艺术性。我们对艺术性的追求是建立在商业性基础上,即建立在务实基础上的艺术追求。在教学中这样教导学生,职业不是单纯的商品,它是承载着精神内涵的文化产品,它的宣传、诱导作用绝不可忽视。在,14至17岁的青少年已经成为低幼儿之外的第二个职业片大宗受众,也是卡通消费的主要群体。这一年龄正处于有一定的判断和选择权,但没有成熟的判断和选择能力的阶段。这就对我们的职业创作提出一个严峻的课题,是顺应他们的盲目选择,被他们的喜好牵着走,还是用既能够占领市场又具有高尚艺术品位的优秀作品来教育、引导他们,帮助他们形成理性、健康的判断和选择能力。如果职业创作采取盲目迎合的姿态,必将造成深远的负面。同学们对此也有深刻的认识,进一步明确自己肩上的责任感和应处的地位,既是大众文化的创造者,更是大众文化的引导者,而不是被动的跟随着。这样,一方面避免商业性影片不至于庸俗化;另一方面也使艺术性不至于过于超脱。我们的动画艺术是能被广大观众接受的高档次高品位的商业动画艺术。这样艺术会成为有本之木,商业性会成为有源之水。艺术性与商业性互为补充,相互促进,这样才能最终中国动画。 随着我们的努力,我国的商业职业必将带动动画及文化消费的提升,同时也将给动画的艺术性创造更丰厚的物质基础与社会环境。汇佳动画艺术学院一定会做出商业性、艺术性皆高水准的动画影片来服务社会,这是每位汇佳动画人的理想。不可或缺的商业性是艺术性提高与发展的有力保障,是汇佳实现其理想的必行之路。 艺术学毕业论文:艺术学研究与学术规范论文 拙著《草根的力量——台州戏班的田野考察与研究》出版后,学术界的反应颇出乎我的意料。该书是我在浙江台州经过8年田野考察之后形成的最终研究成果,也是我学习文化人类学和社会学的田野研究方法,以文本与田野结合的路径从事当下艺术研究的初步尝试。著作已经出版,同行乃至一般读者自会判断其中得失。但是我深知诸多学者对拙著的兴趣并不完全针对拙著本身,学界的反应涉及到艺术学研究方法论层面的重大问题,而有关艺术学研究的田野方法,还需要做一些更深入的探讨。 一评价体系与学术规范 九十年代中期以来,艺术研究领域出现一些新的趋向,改革开放之初非常之盛行的、在“方法热”和“文化热”时期都曾经颇受关注的宏观研究,渐渐失去了至高无上的学术地位,社会学和人类学研究方法则日益受到学界重视。其重要标志之一,就是一批针对个案的田野考察成果问世并且得到学界广泛认同,在某种意义上说,它可以视为艺术学研究的社会学和人类学转向。社会学和人类学研究方法介入艺术学研究领域,使得相当一部分学者开始尝试着运用社会学和人类学研究领域极受重视的田野研究方法考察艺术现象,这一方法层面的变化对于中国目前的艺术学研究具有非常深远的意义。 二战以来,文化批评在人文社会科学领域是令人瞩目的学术热点,文化人类学和社会学诸多重要的跨文化研究成果的出版,更令此前人文社会科学的研究视角受到普遍质疑。人类学和社会学方法对中国艺术学研究的影响,也必然导致艺术学研究出现学术与文化视角的转换。这个可能出现的最有理论价值的变化,我将在下一部分论述,这里首先想讨论的是,现代社会学和人类学研究方法的介入,其意义不止于文化层面上研究视角的转换,它还可能给中国艺术学研究领域带来另外两个方面可能形成的变化乃至冲击。 其一,是有可能导致目前的中国艺术学研究领域研究重点和研究成果价值评价体系的根本改变。 学术研究的价值取向受到教育制度和由教育体系决定的研究者知识谱系的影响。由于历史的原因,中国现代形态的艺术研究一直比较重视理论层面的探讨。经由苏俄引入的、从德国古典哲学这一思想路径衍生发展产生的马克思主义,以及作为其知识和思维方法背景的德国古典哲学本身,长期在包括艺术研究在内的整个人文社会科学研究领域占据特殊的主导位置,因而,和这一理论背景相吻合的艺术本体论研究,以概念和范畴为核心的抽象的理论探讨与分析,长期以来都是艺术学研究领域最受关注的研究方法。英美经验主义传统一直受到排斥甚至批判,对具体对象的个案的、经验的研究被置于次要的地位。这样的研究取向,不仅仅是出于对西方学术发展不同趋势的选择,同时也蕴含了中国传统思维方法对当代艺术研究的影响,在中国学术传统中占据主导地位的整体性的、玄学研究路向,恰与德国古典哲学形成有趣的呼应——所谓“小学”在中国的学术传统中,显然一直受遏制,清代成就卓著的“朴学”也被后世的学术史家解读成是由明入清的汉代知识分子对严酷现实的逃避,以及对清代统治者的消极抵抗。 改革开放以来,苏俄引进的僵化理论教条渐渐丧失了独断地位。但是整个教育体系以及学术研究群体的知识体系的转变并不能同时完成,因而学术研究基本趋势的转变,会表现出明显的滞后现象;更重要的是,正由于改革开放之初理论界需要新的思想资源用以突破旧的苏俄教条的禁锢,观念和理论层面的创新显得特别重要,因之出现一大批偏重于观念与理论探讨的研究文献,也是时代的要求。可惜新的艺术观念与理论缺乏实证研究的支撑,也就不能真正完成观念与理论拓展的历史任务,整个国家的艺术科学研究水平,并不会仅仅因为观念与理论的更新而有明显的提高。 以1999至今这三年里的戏剧学研究为例,按照我的不完全统计,最近三年戏剧学研究文献里,基础理论与范畴、规律的研究不可思议地占据了相当大的份量,它在所有公开发表的研究性论文里占到1/3左右。对戏剧基本特征、基础理论和普遍规律的探讨并不是不重要,但是学术界将如此大的精力用于这类纯粹理论性的探讨,却不能算是正常现象;其中更耐人寻味的现象是,从事这类基础研究的学者,多数身处并不拥有掌握研究资料与信息方面优势的中小城市或非专门研究单位。诚然,戏剧研究领域史的研究以及具体的作家作品研究并不缺少,但是,撇开史的考证,这类研究也主要是对戏剧整体时代特征或艺术特征的讨论,当然也包括一些群体研究或类型研究,其中“论”的部分比“述”的部分受到更多的关注。在戏剧史研究领域,元杂剧尤其是关汉卿研究较受重视,中国现代戏剧和外国戏剧研究领域,最主要的个案研究是对曹禺和莎士比亚的研究,对这两位剧作家及其作品的研究几乎是其它同一领域剧作家及其作品研究的总和,然而对这些重要剧作家的研究,包括关汉卿研究在内,有关剧作主题、作品性质、人物形象和作品风格的辨析与讨论占有最大的份量。有关这些重要剧作家的研究,并不排除包含一定程度上的个人独特见解的优秀论文论?欢桓鑫薹ɑ乇艿氖率凳牵渲兄辽?0%以上的论文和论著并不能提供任何新的材料,尤其是不能提供现有文献以外的材料,我们可以毫不夸张地说,这样的研究从“知识的增长”这一学术发展角度上看,贡献几乎等于零。通过提交给国际性学术会议的论文的分析,也可以得出同样的结论,国内学者的论文选题与境外学者之间的巨大差异,清晰可见。 我不敢断定戏剧学研究领域存在的这种现象可以毫无保留地推之于整个艺术学研究领域,但是我相信从整体上看,要说中国目前的艺术学研究仍然流行重视抽象、宏观的理论研究,轻视经验的、个案的实证研究的学风,恐怕并非妄言。如果事实确实如此,那么社会学与人类学研究方法在近代的兴起,就给我们一个重要启示,那就是个案的、经验性的实证研究,应该得到更多的重视,应该成为艺术学研究的主体。只有戏剧学乃至整个艺术学研究的重心转向实证的、个案的研究,理论与观念上的突破才有真正的意义。在这个意义上说,现代社会学和人类学方法对田野方法的重视,完全可能使国内艺术学研究转向更注重个案研究和经验性研究,同时给予这一类研究成果更公允的评价。这样的转变无疑将逐渐引导整个研究风气的转换。 其次,现代人类学和社会学方法的引入,对于强化国内艺术学研究的学术规范,将有可能产生直接影响。 人类学和社会学研究强调个案研究与研究者直接经验的价值,但同时更强调研究过程的规范、成果表述的规范,其中也包括经验描述的规范。这种规范不仅仅是学术积累的需要,也是使学术成果更可信,因而更具科学价值的需要。换言之,在某种意义上说,人类学和社会学研究是在通过规范自身而使自己更接近于自然科学。这样的研究取向对于中国目前的艺术学研究的重要性是不容忽视的。 中国的艺术学研究分为两个重要群体,除了一批身居高等院校的学者以外,还有更大的一个群体身居文化部门所属的艺术研究机构。以戏剧学研究为例,后一个群体的规模显然要超过前一个群体,而且由于与戏剧创作演出的实际接触较多,在经验性的实证研究方面具有明显优势。然而无可讳言,这个被习称为“前海学派”的学术群体长期以来偏重于戏剧艺术实践,虽然相对而言具有比较注重经验研究的优势,也拥有许多第一手的珍贵的学术资源,重视艺术的当下性,但是由于不够注重学术规范,因此很难得到学术界应有的承认。多年来,境外数以百计的人类学和社会学领域知名的或尚未知名的学者相继来到国内,他们在与这个群体的接触交流过程中获益匪浅,文化部门所属的许多学者多年的研究心得,反而要通过境外学者的转述,才为外部世界和主流学术界所知,究其原因,正缘于“前海学派”在研究的以及成果表述的规范化方面存在明显的缺陷。换言之,经验性的研究以及对经验的感性描述本身,只有通过规范化的、理性的方法呈现出来,才拥有足够的学术意义,才会得到主流学术界的认可,才可能充分显现其学术价值。 因此,借鉴人类学和社会学研究的田野方法,尤其是借鉴和汲取人类学和社会学家从事田野研究时遵循的学术规范,将会有效地弥补“前海学派”学者们在学术研究方面的弱项,使这个学术研究群体掌握的大量感性资料与经验性材料,通过更多途径进入当代主流学术界的视域,藉此改变艺术学的研究重心。因此,对于中国艺术学研究而言,进一步注重学术规范,使被称之为“前海学派”的这个研究群体迅速提高研究成果水平,将给中国的艺术学研究带来深远影响。 二研究视角的转变 当然,现代人类学和社会学研究对中国当代艺术研究最具学术意义的影响,还是要首推它可能带来的文化层面上的研究视角的改变。 中国现代形态的艺术学研究大致始于20世纪初,就像其它人文科学研究一样,它之受到西方学术的刺激与影响是无可讳言的。在这一影响过程中,西方学术思想不可避免地在中国艺术学研究领域打下了鲜明的烙印,其中西方人的研究视角,就是一个重要的方面。简言之,由于西方人文科学主要是在欧洲的文化传统和解决欧洲社会遇到的问题基础上发展起来的,而且随着西方在世界各地的迅速扩展,自觉不自觉地呈现出欧洲中心的世界观,这种具有鲜明西方色彩的欧洲中心的人文科学思想,也就不能不在中国艺术学研究领域留下它的痕迹。在研究与品评中国本土艺术时,人们往往只是照搬西方人习惯运用的艺术标准,比如说以西方音乐体系评价中国本土音乐,以西方戏剧理论解释中国戏剧并且试图以之改造“落后”的中国本土戏剧,把油画的教学体系搬用到中国画的教学中,等等。这样的现象存在于艺术学的多个领域,换言之,西方比较成熟的人文社会科学体系的整体植入,确实在中国艺术学研究的现代转型过程中起到了关键作用,但是这种整体植入的结果与中国本土艺术以及中国人的情感经验之间的距离,始终是一个无法回避的症结。 现代人类学和社会学研究方法的引进,却给我们一条走出这一症结的路径。 现代人类学和社会学研究给我们带来的不仅仅是单纯的田野方法,而且还包含了至关重要的文化多元观念。虽然人类学和社会学的起源都带有强烈的欧洲中心主义色彩,但是二战以后,尤其是20世纪60年代以后,文化多元观逐渐成为现代人类学和社会学研究的主导思想,在某种意义上说,这两个原来受到欧洲中心主义文化观影响最深的研究领域,现在则相反成了对欧洲中心文化观形成最猛烈冲击的领域,成为最坚决地推动文化多元观和消解欧洲中心论的学术领域。这一思想方法的变化对田野研究的影响非常之深远,而这种非常之符合当代世界潮流的学术方法的引进,对于后发达国家尤其重要,因为越是后发达国家越是需要通过文化多元观念以消除文化自卑感,正视本土文化传统的价值。因此,现代人类学和社会学研究领域,田野研究工作者不再像摩尔根时代的学者那样,抱着了解人类童年的文化优越感,把非西方社会视为人类文明发展的早期阶段,因而能够更客观地认识不同民族不同文化圈的传统与现实的差异,在解释它们的历史与现实时,也能有更多的互相理解以及在此基础上的互相尊重。而这样的研究方法,在跨文化研究中的重要性自不待言。 除了西方中心视角以外,多年来中国艺术学研究领域还存在一个尚未得到学术界重视的研究视角,那就是一种过于贵族化的艺术观仍然占据着核心位置。 文化多元观念不仅仅意味着不同民族、不同文化圈的艺术活动不能以同一种标准来衡量和评价,同时也暗含了另一种更平民化的文化思想,即不能以研究者们的个人兴趣,以及他们所接受的教育作为衡量所有文化行为的唯一标准。 当人类学家和社会学家们将他们的考察对象,从长期以来拥有文化特权的上流社会转向更广阔的草根阶层时,还伴随着思维模式的改变。事实使人们更清晰地意识到,不同地域的人们在长期共同生活中形成的价值观念体系虽然会有很大的差异,却各有其合理性;他们各具特色的生活方式,只有通过其自身的价值系统,才有可能获得真正有意义的解释。在艺术领域更是如此,艺术在本质上意味着人们用以情感交流与表达的特殊方式,不同民族和不同阶层的人们各自的情感交流与表达方式,在这一生活与文化圈内部往往是最有效的。所以,对民间草根阶层的艺术、趣味与审美活动的歧视和改造,强行推行一小部分精神贵族自以为是的艺术观与审美趣味,正是现代人类学与社会学研究的禁忌。 在中国艺术学领域,这种文化贵族心态随处可见,比如我们完全有理由对人们长期以来习焉不察的“采风”这样的辞汇产生强烈的质疑。确实,如果说最近一个世纪以来中国的艺术学创作与研究对于那些地域色彩鲜明的民间艺术活动并不是毫不关心,那么很难否认,创作与研究者们经常是以“采风”的态度去关注和研究民间艺术活动的。人们惯于使用“采风”这样的辞汇而,它本身就清晰地透露出两个方面的信息。从历史上看,“采风”的制度早在秦汉时代就已经基本形成,它隐含了官方与民间二元且以官方为主导的文化价值观;从现实的情况看,“采风”意味着艺术家和艺术研究只关注民间艺术活动作为创作素材的价值。因此,“采风”的实质,正是站在官方或文化贵族的立场上对民间艺术活动非常功利化的利用,事实也正是如此,尤其是近几十年里,地域色彩鲜明的和非主流的艺术样式和优秀艺术作品,经常被主流艺术用以为创作的材料,回顾近几十年的艺术史,我们会发现许多有世界影响的优秀作品都是用西化和文人化的手法处理本土民间艺术元素的产品。然而,在民间艺术活动被大量地用以为创作材料而遭到掠夺性开采的同时,它们本身却仍然被视为落后的、原始的、粗糙的,被视为必须以精英文化的模式加以改造才能拥有艺术价值的对象。 以“采风”的心态从事本土与民间艺术研究的学者,自觉不自觉地忽视了对象自身的独立存在以及内在文化价值。因此,研究者变成了专事猎奇的旅游者,对于民间艺术对象的关注只限于与“我们的”艺术活动的差异,而并不真正关心这样的艺术对于生活于其中的创造了它们的人们究竟具有何种价值和意义。从现代人类学和社会学的角度看,我们应该更多地致力于探究多种艺术样式、多种生活方式以及各地各具差异的伦理道德和习俗对于它们的主体自身的价值与意义,致力于在这些独特的艺术与生活的原生环境中,还原它们的内涵。这样的研究才能超越“采风”式的官方和贵族文化心态,才能获得对民间艺术真正具有文化价值的研究成果。 因此,中国目前的艺术学研究亟需借鉴现代人类学和社会学研究的田野方法,摒弃西方中心与贵族趣味对民间话语空间的挤压。 三一个实例:路头戏 如果我们的艺术学研究能够更多地注重对现代人类学与社会学方法的借鉴与引进,尤其是彻底改变欧洲中心主义与贵族主义文化观,那么对诸多艺术现象的研究与评价,都有可能出现根本性的改变。在我的研究领域,有一个极具代表性的例子,完全可以用以说明研究视角的改变所产生的影响,那就是对台州戏班大量演出的路头戏(或曰提纲戏、幕表戏)的研究与评价。 近几十年戏剧研究领域几乎完全没有对路头戏的研究,然而在20世纪50年代以前,路头戏却可以说是中国戏剧最主要的演出形式,它的历史,也许可以追溯到戏剧起源的年代。路头戏之所以长期被戏剧研究人员们忽视,是由于它在20世纪50年代初就遭到批判,成为从上而下的“戏改”的主要对象之一。而对路头戏的批判,其理论背景很值得今人深思。 对路头戏的批判与其说出自艺术的原因,还不如说出自趣味的原因。它一直被看成是粗糙、原始和简单的演剧方法,然而它并没有像同时代其它那些更为粗糙、原始与简单的民间艺术那样获得尊重,它从一开始就被看成是创作的素材以及改造对象,直到现在,在多数当代戏剧史家们的眼里,路头戏之受到批判乃至遗弃,仍然被看成是一种历史的必然。 然而,当我们通过现代人类学和社会学的研究思路重新探讨路头戏的存在以及它的意义,就会清楚地看到,像路头戏这样一种有着千百年悠久传统的演剧方法,它之所以会受到众口一辞的批判以及遭致普遍遗弃,正由于长期以来西化的和贵族的文化视角在艺术学领域占据着统治地位。 路头戏之所以在1950年代初受到大范围的批判,首先是由于主持“戏改”工作的政府官员,主要是一批西化程度比较高的、经常接触甚至直接参与话剧创作与研究的知识分子,排除意识形态的因素,在某种意义上,“戏改”简直可以说就是在用西方的、话剧的戏剧观,居高临下地改造中国本土戏剧。像路头戏这种本土色彩浓厚的传统演剧方法,与这些知识分子所接受的戏剧学模式完全不相吻合,它之受到排斥也就是可想而知的。其次,路头戏的演剧方法被后来的国办或准国办的戏剧表演团体遗弃,还有另一层因素,那就是长期以来衡量艺术的标准是由传统诗学基础上培养的文人决定的,虽然传统文人最终接受了元杂剧和明清传奇,却始终未能充分受容昆曲以外的各种“花部”戏剧剧种,同时也难于充分认同民间极富创造性的口传文学的价值。文人趣味在中国戏剧领域占据统治地位的现象,并没有因为1950年代的社会急剧变动而真正有所变化,反而因为剧团国家化而在制度层面得到普遍肯定,因此,在文学性和音乐性方面很难以完全符合文人趣味的路头戏,也就不能不受到排斥。 由此我们看到,如果说晚近一个世纪的艺术学研究受到欧化的和贵族的这两种文化偏见的左右,那么路头戏的遭遇具有作为样本的罕见的深刻性,路头戏之所以遭受自上而下的批判与遗弃,正是由于同时受到这两个方面的夹击。更值得思考的是,如同我在《草根的力量》书中所叙述的那样,路头戏至今仍然是台州戏班最主要的演剧方式,但这种承继了本土文化传统的演剧方式它之所以能延续至今,并不是因为路头戏演出过程中大量的即兴创造在戏剧学层面上所可能提供的非凡活力,给定情境与表演者个人创造之间巧妙和平衡,以及潜藏在它的即兴表演模式之中的演员之间、演员与乐队之间的互动与内在张力,而竟然是因为在本土的戏剧市场里,戏班最适合以这样的演剧方式营业;并且,由于在晚近几十年里路头戏一直受到抑制,在那些受主流意识形态影响较为明显的民间戏班,路头戏的演剧方式也正在被弃用。 有关路头戏的艺术魅力,我已经在书中做了初步的探讨,将来还会做进一步的研究。这里我只想通过它的遭遇说明,摆脱欧洲中心的和文化贵族的偏见对于中国当前的艺术发展以及艺术学研究有多么重要。只有彻底转变研究视角,路头戏的艺术价值才能得到公正的评价;进而,也许还有更多的艺术现象,需要以多元文化的视角加以重新审视,给予重新评价。 四需要注意的问题 田野研究只是一种方法,虽然在田野研究的背后,包含了现代人类学与社会学特有的研究路径,但是方法并不能完全替代研究。按照我个人的研究体会,即使接受了田野研究方法,艺术学领域的田野研究,也仍然存在诸多需要注意的问题。 艺术学研究的田野方法的研究目标之一,就是考察艺术活动在特定文化环境中自然生成、发展的性状。当然,对象的性状总是会在与外界的不断互动过程中经常变化,然而这样的变化,仍然可能在很大程度上是自然的演化,它与受巨大的、不可抗拒的外力影响而发生的变化,有质的区别。仍然以戏剧在晚近五十年的变化为例,虽然历史上中国的本土戏剧始终在民众审美趣味变化的背景下持续发生着各种各样的变化,但是正由于这样的变化是在戏剧创作表演的主体与观众的互动之中缓慢而自然地发生的,因此无论如何变化都不足以出现背离它所生成的文化土壤的结果;然而1950年代戏改的情况则完全不同,在令本土戏剧经历了剧烈变化的这一改造过程中,观众甚至是剧团内部的创作和表演者本身,都没有话语的权力。因此,中国戏剧的自然状态之必然受到破坏,就是可想而知的。在这里我们看到一种外来的文化价值观是如何被强行植入的,以及它最终会产生臬的结果。它不仅给我们留下了值得好好记取的教训,同时还给从事艺术学田野研究工作者留下了特殊的困难。 这就是我们今天从事艺术学的田野研究时面临的特定境遇,就像一个多世纪以来在几乎所有艺术领域那样,本土艺术在外来的文化价值观面前出可怕的自卑。而这一文化现实,使得从事艺术学田野研究的研究者必须非常小心翼翼。艺术学的田野研究面对的研究对象不是无感觉的作品而是具体的人的行为,研究者与被研究者在社会身份、知识背景与生活环境等多方面的差异、尤其是趣味的差异,很容易被处于弱势地位的民间艺人理解为知识与艺术见解的优劣,研究者在从事田野工作时,很容易被研究对象视为强势文化的代表,因此,研究者的言行和趣味,很容易对被研究者产生不可预计的影响,而这样的影响,足以改变研究对象的原生态。 需要指出的是,在艺术学的田野研究过程中,研究者在很大程度上是个入侵者,极易对脆弱的、缺乏自信的民间艺术本体造成损害。现代人类学家喜欢说“我们的身体就是人类学研究的工具”,强调田野考察过程中研究者应该融入研究对象,在与对象的互动中体察对象及其可能发生的变化,但是在中国艺术学研究这个特殊的领域,我认为研究者应该尽可能做一个客观和外在的观察者,尽可能克制影响对象的冲动,因为保持本土艺术的原生态的意义,可能比改变它要重要一百倍。当然,研究者对研究对象的影响是无可避免的,只不过清醒地意识到这种影响可能导致的负面效果,自觉地将自己的影响尽可能减少到最低限度,无疑是从事艺术学的田野研究时必须遵守的职业操守。 其次,我希望强调艺术学的田野研究作为一项艺术学研究的价值,尽管我们可以借鉴人类学与社会学的田野研究方法,但是这样的研究指向应该是艺术学的而不能仅仅是人类学或社会学的。更直接地说,用人类学和社会学方法从事艺术学研究,应该是研究的重点。 每门学科都有特定的研究范围和研究目标,不同学科的关注重点并不相同,因此,当人类学与社会学的田野方法被引进到艺术学研究领域时,人类学与社会学所关注的那些问题,也很容易同时被带入艺术研究过程中;或者说,研究者的关注重点可能会发生偏移,也许那些从艺术学角度看非常之重要的问题反而被忽视了,这样一来,研究很容易演变成对于艺术、艺术活动的人类学或社会学研究,而不再是艺术学研究。人类学和社会学研究当然仍有其价值与意义,然而它的价值与意义是人类学与社会学的,坦率地说,这类研究即使再有价值和意义,也不是艺术学研究。它不能代替艺术学研究,也不能帮助我们解决艺术领域最值得关心的问题。 我在从事台州戏班的田野考察时经常提醒自己将艺术层面的问题作为主要对象,不仅是由于我一直受到的是艺术学研究的训练,因此只有艺术学问题才是我在专业领域范围有能力研究和回答的,而且也只有艺术学领域的问题才是我所真正应该去关注和感兴趣的。举例而言,我的研究中涉及到许多有关宗教与民间祭祀、民间信仰方面的现象,我当然知道从人类学或者社会学角度对这些现象进行剖析是非常之必要的,但是我的研究仍然会相对地集中于这些现象与民间戏班的运作和表演、与当地观众的欣赏之间的关系,将这些现象与戏剧活动之间的联系,小心地剥离出来,分析它们对戏班以及戏剧活动的艺术方面的影响力,寻找这些现象与近二十年台州戏班的繁荣与发展之间的联系。同样,当我剖析和研究戏班的内部构成以及戏班内部的人际关系时,不仅把戏班作为一个特殊的社会亚群体看待,同时更注重把它们看作一个关乎戏剧艺术的群体看待,这样的研究当然明显有别于一般意义上的人类学与社会学研究。 而我深信,这样的研究正是艺术学的发展所需要的,寻找更多学术途径,利用更多研究方法,通过更加多维的视角,以探索和解决我们面临的诸多艺术学问题,这也正是我们把现代人类学和社会学的田野方法引进艺术学研究领域的初衷。 如前所述,现代人类学与社会学的田野方法之所以值得注重,在于它会给中国当前的艺术学研究带来注重实学的研究风气,并且最终导致当代艺术学研究的转型。田野研究始终只是艺术学研究多种方法中的一种,然而随着英美经验主义学术传统在二十世纪中叶之后在世界学术整体发展格局中越来越明显的强势地位,人类学与社会学的田野方法在现代学术研究中的地位会越来越显著。也许若干年后,我们将不得不再来讨论宏观的理论研究的重要性以及田野方法的诸多弊端,重新认识基于文献的研究的意义,但就目前而言,我相信倡导田野研究,对于中国的艺术学研究不仅非常之必要,而且非常之迫切。 艺术学毕业论文:电视剧艺术学建构管理论文 一 任何一种理论,无论它是属于自然科学还是属于社会科学,都是对一种现象的描述、概括和总结,并且在运动中得到进一步发展和提高。电视剧艺术学创建活动即是由于在社会展衍进程中现实地存在着的电视剧文艺实践所发出的历史必然要求而产生的一种理论把握行为。正如其它艺术模式和艺术阐释一样,电视剧艺术实践和电视剧艺术理论也并不能脱离一定的时间和空间条件而独存,其必然是作为整个人类大文化环境中的一个有机组成部分而存在的。在这个大文化环境里,艺术实践与艺术理论既受这个环境的制约和催发,又以能动的积极参与精神扮演着文化环境本体拓展的主体角色。这是一种辩证运动的关系。人类大文化环境和各文化组成形态在互相作用的状态下按照它们的内在规律向历史的另一端行进,而从宏观文化与微观理论思维的相互作用与辩证交融的界面上出发去探究与二者相联系并且积极介入其中的一种建设性意识及其属性就成为一件有意义的事。先锋意识正是我们在文化迅速嬗变的当前历史背景下为电视剧艺术学理论建构所要求的重要质素之一。 这里,在概念内涵上我们首先要把这里所说的“先锋意识”同西方的先锋派艺术及其理论区别开来。自本世纪初以来先锋派崇尚者及实践者们尽管所持具体观点各异,哲学流派背景错落纷杂,包括精神分析、存在主义、现象学甚至老庄哲学等都被其所采携,但在求奇索怪这一层面上却殊途同归。虽然不能否认在某些艺术领域内确有出色的专门家的存在,但一般来说,对一切传统模式的极端反叛构成了他们“独创性”的主要艺术趣味,从总体上看类似迪尚把小便池以《喷泉》命名后提交艺术博物馆要求展出的行为也就基本上反映了该艺术思潮的艺术追求。毫无疑问,这种具有强烈消解色彩的悲观主义和虚无主义艺术实践和理论当然不会成为我们散发清新朝气的崭新艺术学的催化剂,不论从外表还是内里都无法看出两者有太多相接近的地方。我们所说的“先锋意识”,指的是主体在理论施事前在大脑中所孕育的一种运动的积极的充分的能动的观念,它包含丰富的潜意识和显意识内容,并深刻地在整个理论思维生长过程中发生着影响。显然,这更接近“先锋”一词的原始意义,而在电视剧艺术学理论建构前和建构中做为一种认知态度的存在它有着特别重要的意义。 为什么要拥有这种“先锋意识”呢?在众多考察视角之中,我们可以选取两个有代表性的向度来审视:一是从电视剧艺术实践和艺术理论与文化环境变迁的运动关系来看;二是从电视剧艺术实践和艺术理论与当前大文化条件下其它艺术实践和艺术理论的关系来看。 必须承认,虽然与整个宇宙时空相比人类的历史显得十分短促,但人类文化在数千年的发展进程中确已取得了巨大成绩。这一过程不仅仍在蓬勃地继续着,而且在量的积累上也越来越是以一种加速度的方式来完成的。进入20世纪以来,原来需用千年百年才发生较大流变的诸多传统文化模式受到了革命性冲击,发韧于欧洲的科学革命——技术革命——产生革命循环模式已经可以用几十年甚至几年的时间来完成一个更新周期了。在人类文化模式遽变的状态下,包括传统艺术及文艺理论在内的所有人文现象都毫无例外地重新受到了现实的拷问以求证其文化生存权力。幸运的是,以现代自然科学成果为物理基础的电视艺术(含电视剧艺术)在新的大众文化角逐中不仅没有落得下风,反而取得了不俗的话语权力。而在这种新的历史文化背景下,电视剧艺术理论建构之所以要有一种先锋意识,从某种意义上讲也并不由它自己所决定,在更深的层面上是生产力水平扩张到一定程度后对其表层文化形态的必然要求。这是因为,包括哲学、美学、文化学等等在内的全部人类精神产品以及复杂多变的人类文化现象无不是建立在一定的生产力水平基础之上而存在的。恩格斯说:“在从笛卡尔到黑格尔和从霍布斯到费尔巴哈这一长时期内,推动哲学家前进的,决不象他们所想象的那样,只是纯粹思想的力量。恰恰相反,真正推动他们前进的,主要是自然科学和工业的强大而日益迅速的进步。”电视剧艺术实践及其理论是文化嬗变的产物,而文化嬗变又根本上是受生产力的推动才得以进行的。因此,在缤纷的艺术部落中由于先锋性生产力因素的介入而获得多种优势从而兼具传统文化、工业文化和科技文化属性的电视剧艺术实践和艺术理论具有一种内涵丰富的先锋意识就不仅是其理论本身的要求,也是它所存在的环境对它的必然规定。 横向地看,电视剧艺术学建构对“先锋意识”的要求在与其它艺术实践和艺术理论的相较中会有一个更为清晰的把握。我们知道,人类庞大的艺术殿堂中珍藏着无数瑰宝,有的历史极为悠远,从原始社会绵延至今,如歌咏、舞蹈;有的在早期艺术形态发育并不充分,后随生产力水平的提高而进一步从社会实践中分离出来,如书法、篆刻;有的本来根本就不存在,而是伴随着人类新的物质产品和技术手段的产生而产生的,如电影、电视。无疑,在这个艺术大家族里,电视艺术是诞生较晚但却发展最快的一个。它所具有的文化先锋色彩不仅在与音乐、舞蹈、绘画、书法、戏剧、雕塑、建筑等传统艺术相比时可以直接地感觉得到,而且从技术支持层面上看同与其相差不大的电影艺术、电脑艺术以及其它融入更多新科技因素的艺术相比,从目前看它仍然拥有领先一步的受众认同感。这一地位的取得不是偶然的,从根本上说是由于电视本体对作为当代社会群体主体的“人”的更胜一筹的适应能力决定的。作为电视艺术重要组成部分的电视剧艺术在这一点上表现得十分明显,其艺术实践同姊妹艺术电影或者其它艺术形态相比在先锋性内容上也要更特殊一些。以综合艺术面貌出现的电视剧从接受视角看比传统的电影方式有着获取更便利、选择方式更灵活和审美持续时间更长等一系列新特点,在内容和形式上有着极大的包容性和开放性,是一种几乎集中了所有传统艺术样式于一身的现代艺术体裁。电视剧的创造过程得到了戏剧、音乐、美术、摄影等艺术因素的积极介入,而每一艺术样式自身亦处于时刻运动状态之中。这样,不断变化着的其它艺术动态便会在电视剧的生产中体现出来,电视剧艺术本体亦酝酿了更多的先锋意识生长点,而这同时也就必然提高了电视剧艺术学构造理论神经的反应能力。 二 那么,电视剧艺术学建构在文化嬗变中的先锋意识都有哪些内容呢?我们可以从五个方面来把握: 一、整体把握的自觉性。 这里所说的整体把握包括两部分:一是把电视剧艺术学与其生长的文化环境做为一个紧密整体来把握;一是把电视剧艺术学内部众多组成因素做为一个有机整体来把握。电视剧艺术学所生长的文化环境是一个随时处于运动变化之中的复杂组织体,电视剧艺术学是其中的组成部分,在这个环境中任何其它成分的改变都会或多或少地对电视剧本体的衍变脉络发生影响。同时,电视剧本体也处于一种由许多艺术因素和非艺术因素所共同组成的极具综合性的交融状态,其组成因素的任何变动亦会为电视剧艺术学理论提供新的切入点。电视剧的外部因素构成了电视剧文化的大环境,其内部各要素则构成了电视剧文化的小环境,不论对大环境还是小环境都必须用整体的眼光对待之。需要强调的是,这种整体眼光必须是在充分自觉的基础上所施为的。可以说,能否自觉地运用不同方法对电视剧实践做整体的分析和梳理是电视剧艺术理论最终能否全面而扎实地建立起来的一个重要保证。 二、联系实践的敏锐性。 电视剧是一项与实践活动紧密结合的事业,简单停留在纯文本层面上是不能够对其有太多助益的。而理论的特点是往往在不知不觉中易于走近它的书面性内容循环,正如电视文艺理论家曾庆瑞先生指出的:“人文社会科学,包括艺术科学,在构建自己的学科体系的时候,容易封闭自足,容易满足于自我欣赏,而脱离实践,不少的学科都有这样的教训。”在艺术实践中,电视剧与其它艺术相比起来的综合特征十分明显,它的实践内容也更为丰富,这就必然要求电视剧的艺术理论要更紧密地联系实践。我们不仅在考察电视剧的艺术本质、艺术哲学、艺术史等宏观内容时随时要以实践做为立论行文的根本,而且在探求诸如电视剧艺术创作、艺术接受、艺术管理等应用行为突出的电视剧本体形态时更要强化一种敏锐的实践观念。对电视剧理论工作者来说只有具备了有着灵敏的实践感应度的理论触角,才能真正为电视剧艺术学大厦的崛起做出大的贡献。 三、文化适应的主动性。 在科学技术和物质创造都取得巨大进步的历史时期,社会生活的各个方面都在被改变。如前文所述,在新的人类文化条件下所有人文现象都要受到现实的重新拷问以求证其话语权力,历史将迫使种种艺术形态为其存在的理由注入新的规定性,如果艺术不能合理地调整自身对一定时代和社会的适应状态,那它就会随时处于可能被淘汰的危机之中,这就是说,艺术本体应该有主动更新价值取向的能力,不应成为一成不变的教条。在艺术文化和信息文化的历史新背景下保持艺术实践和艺术理论稳定和提高的关键就在于能否用主动而不是被动的思维去适应文化的流变过程。在文化适应上的消极被动心态是殊为有害的,不少所谓“不景气”的艺术从表面上看好像是由于环境的变迁等外力因素使其容光不再,实际上从深层看相当大程度上是该艺术模式对环境的主动适应性较差造成的。电视剧艺术从目前看无疑是在文艺实践中较为出色的弄潮者,但不可忘掉的是,电视剧理论时刻要怀有一种文化竞争者的危机感,唯其如此才有可能在未来可能出现的网络剧时代以一个建设者而不是一个迷惘者的角色出现。 四、贴近大众的积极性。 与文化适应相伴,电视剧艺术学还要特别注意明确其同广大受众之间正确的关系。电视剧的大众文化属性是我们在讨论电视剧艺术学种种属性时须臾不能被忘记的。可以说,如果不是作为大众文化的重要生力军而昭显于当世,电视剧是不可能有着如现在一般旺盛的生命力的。在理论施事中切勿把这项鲜活的理论形态搞成一种只为“精英”们所瞻阅的书斋文本,在这方面理论界的教训是不少的,特别是在许多人文科学理论的阐释方面,有相当多的理论被搞成了逻辑水平不高但又艰涩费解不知所云的半成品。电视剧与广大受众贴近程度的高低决定了作品的接受价值的高低,而电视剧理论对大众文化切入程度的深浅又直接影响到了电视剧艺术实践正确的方向感的树立。电视剧艺术理论积极地投入到大众文化氛围之中去,不仅可以了解社会受众对电视剧艺术的接受程度和接受水平,而且又可以捕捉社会心理对艺术生产的新的审美需求,从而得到丰富的文化给养。 五、道德建设的紧迫性。 表面上看,电视的艺术学理论同道德建设没有太多的直接联系,它们好象是两个相距较远的属于不同范畴的概念。但需要强调的是,在电视剧艺术理论工作者的思维中道德建设不仅不能消解而且应始终把其放到一个极为重要的位置上。一种理论,特别是一种与“人”密切相关的社会科学理论如果不能怀有充分的责任感去关注一个时代的道德建设,而只满足于在它狭窄的圈子内搞所谓“纯理论”的研究,那么这种理论就必定是一种残缺的不完整的理论。电视剧理论建构中的先锋意识所包含的重要因素之一即是对社会中的人的道德感的积累和张扬,这是由电视剧的大众文化属性所决定的。电视剧在作品中所传达的内容往往成为大众精神给养的一个重要源头,因而传递怎样的符合历史和美学双重要求的正确价值观就显得特别重要。在当代复杂的社会精神背景下坚持给予道德建设以充分关注,始终不放弃对人类高尚的精神家园的追求,保证大众文化时代的电视剧艺术实践和理论不会在躁动不安的虚浮状态中迷失自己,对电视剧艺术学来说无疑是不可或缺的。 上述五个方面作为电视剧艺术学理论建构在文化嬗变中的先锋意识组成部分,它们之间不是孤立的,而是互相紧密相联的。可以说,在理论建构过程中能否自始至终地抱持这些先锋意识内容不仅是塑造良好理论施事心理的需要,而且也是电视剧艺术学学科质量和水平能否得到保证的重要前提。 艺术学毕业论文:影视艺术学研究论文 [内容提要]艺术与技术合流、电流与电视联姻之后,将会出现两个新的学科生长点——影视技术学与影视艺术学。这种组合不是一种简单的相加,它应该意味着一次触及本质的学科变革,我们完全可以将其描绘成一种“范式变化”。 本文简要回溯了影视各自独立成为艺术并形成学科的历史,指出正是在电影电视为争得艺术地位所进行的一系列努力的过程中,电影艺术学与电视艺术学的学科范式逐步得以确立,如何在整合的基础上构件超越原有范式的影视艺术学的新的学科范式,是当前我们面临的重大课题。本文即旨在从学术层次探讨电影与电视作为艺术的结合,并给这种结合以学理上的论证。 [关键词]影视艺术学范式变化整合理论重构 新世纪伊始,一个新系在北京广播学院电视学院成立,名曰“影视艺术与技术系”,乍一听,这名字稍嫌冗长,读之也觉拗口。不过因为她是在理顺了各方面关系并广泛征求意见的基础上精心运作的,而且她依托于广播学院及其所属电视学院这一强大后盾,所以组建工作进行得很顺利。将原来分属不同系别的四个相关专业——表演专业、导演专业、戏剧影视美术设计专业和动画专业结合,组成一个新系,这更多涉及的是操作层面的问题,比较易于解决,因此,虽然两年多的筹建时间不算很短,但一个全新的艺技系毕竟顺利地诞生了。而从学术层面探讨电影与电视作为艺术的结合,则显然比单纯的一个系的挂牌成立困难得多。能否及早给这种结合的产物——这个诞生于千禧年的幸运儿——以学理上的论证,也许会关乎她日后的顺理成章。 一 艺术与技术携手、电影与电视联姻之后,将会出现两个新的学科生长点——影视艺术学与影视技术学,要使这两门学科成为真正规范的常规科学,还有漫长的路要走。之所以称之为新的学科生长点,并不是指这两个学科的名称是新的(它们在不同的场合已被屡屡使用过),而是因为这种组合不是一次简单的相加,它应该意味着一次触及本质的学科变化,我们完全可以将其描绘成一种“范式变化”。 “范式变化”是美国科学哲学家托马斯•库因(ThomasKuhn)定义并经常使用的一个术语,⑴意指学术研究的全套方法及其态度正被另外一套方法及态度取代。影视技术学尚处于草创阶段,其“范式变化”还不明显,本文姑且不论,而由电影艺术学和电视艺术学发展到影视艺术学,⑵其间经历的学科的“范式变化”将是巨大和不可避免的。托马斯•库恩曾指出,一门学科是否成熟,取决于该学科是否提供了被广泛接受的范式(Paradigm,或译范型,规范),范式乃是理论由以设立探讨目标、解决方式以及断定其价值的依据。换言之,也就是有没有提供构成该学科的基本结构、基本概念以及特有的研究方法。而一门学科范型的推陈出新,则标志着该学科的革命性发展。⑶任何一个新学科成熟的标志之一就是对本学科研究的方式方法、成就和缺点的清醒认识,⑷若以此标准衡量,作为学科的影视艺术学还远远谈不上成熟。在谈论电影艺术与电视艺术的结合,以及因此产生的从电影艺术学、电视艺术学到影视艺术学的“范式变化”之前,有必要先来简单回顾一下电影和电视成为艺术的历史,从一定意义上说,电影和电视为争取艺术地位而奋斗的历史,同时也就是电影艺术学和电视艺术学的学科范式逐步成型的历史。 尽管电影和电视是如此年轻,但是我们仍然无法确知电影艺术和电视艺术的起点。因为与其他传统艺术相比,电影和电视带有如此浓厚的技术色彩。电影的诞生不过百余年,电视的历史就更短,众所周知,两者诞生之初都没能在艺术殿堂中占有一席之地,而此后电影和电视的每一次飞跃,都笼罩着技术进步的耀眼光环,当人们瞩目并惊叹于技术的伟大时,艺术之被忽视就是自然的了。电影由最初的杂耍技艺和一种以娱乐为目的的商品争得艺术的称谓,花了相当的时间。“把电影的诞辰定在1895年是出于对电影技术发明人的尊重,或者说,这只是电影技术的诞辰,这个日子和电影作为一门艺术并没有直接的关系。”⑸电影“作为艺术,它实际上是20世纪的产物”。⑹即使“在艺术理论界,电影也被视为一种不入流的东西,所谓‘电影不是艺术’曾是德国吐林根大学美学和艺术史教授康拉德•朗格的著名结论……英国著名作家肖伯纳也曾经是一个最瞧不起电影的人,他可笑地预言说,‘电影要成为艺术,惟一的办法就是摄制一部完全用字幕构成的影片’”。⑺最初的电影是无声的,只用作客观世界的记录,必然强调电影的复制能力,但即使是电影获得了声音之后,一些写实主义电影理论家如安德烈•巴赞和克拉考尔等人仍对电影能否称为真正的艺术表示怀疑,克拉考尔说:“如果电影是一门艺术,那么它便是一门不同寻常的艺术”,“是惟一能保持其素材的完整性的艺术”,⑻尽管没有直指电影不是艺术,但是这种论调对电影成为真正的艺术起到了消极的阻碍作用。他们认为电影仅仅是“照相艺术的延伸”,电影的早期就是“活动的照片”,是“物质现实的复原”,邵牧君先生干脆断言克拉考尔等人的理论是非纯理论:“物质现实的复原”与其说是一个审美性的命题,不如说是一个社会性的、意识形态性的命题。克拉考尔理论的非纯性质几乎是无须论证的。”⑼巴赞—克拉考尔学派对电影自身形式和电影内部语言的轻视,至少从客观上助长了“电影不是艺术”观念的流行。 但是另一方面,有些导演开始在实践中尝试镜头的运动,段落的剪辑,逐步摸索电影特有的语言,此后,随着有声片的出现,色彩的应用和特技的使用,逐步形成了完整的电影叙事手法,电影开始有了自己的文法和修辞手法,尤其是以探讨镜头的不同组接为核心的蒙太奇理论逐步完善,使得电影渐渐被人们视为独立的艺术。一批造型派理论家如雨果•闵斯特堡、谢尔盖•爱森斯坦、鲁道夫•阿恩海姆等人在这个过程中贡献巨大,正是他们强调电影必须脱离单纯的机械复制,发掘出电影影像的表现力,从而确立了电影作为艺术的美学特性,确立了电影的艺术品格。 电视的命运与电影相似。电视的发明与科技的进步更加密不可分,当电视在本世纪30年代正式播出时,就显示了余生据来的大众传播媒介的顽固特性,它想争得艺术的地位就更加困难。不仅传统艺术的领地不肯接纳电视这个新生儿,即使是在早期遭受同样冷遇的电影也不愿承认电视的艺术地位,上文提及的电影理论家鲁道夫•阿恩海姆说:“电视是汽车和飞机的亲戚,它只是一种文化上的‘运输工具’”,⑽既然都曾受人冷遇,更应惺惺相惜,但是电视表现出来的工具理性实在太强,所以对它作艺术上的价值理性的评价就尤其困难。之所以至今仍有相当数量的人不承认电视也是艺术,恐怕很大程度上是因为电视的形态过于驳杂。在我国,人们惯常把电视形态分为三大类:纪实形态(非虚构类节目),如新闻节目、社教类节目、纪录片等;表现形态(虚构类节目),如电视剧、电视文艺等;混合形态,如综艺类节目、某些少儿节目等等。在这些纷繁复杂的形态之中,艺术与非艺术的因素相互掺杂,是非莫辨。前苏联电视理论家A•尤罗夫斯基说:“电视报道的视觉和造型实质决定了它始终拥有审美元素。屏幕上的图像不可能脱离一定的范围、拍摄角度、照明度、镜头结构与镜头剪辑、速度节奏,以及图像和音响、语言等的相互关系而存在。因此,电视中的审美范畴(与电影一样)不仅包括艺术报道,也包括争论报道和科学报道。”⑾我不赞同把电视报道也归入电视艺术的范畴,尽管如这位前苏联的电视理论家所说,电视报道的制作方式也许采用了某些技巧,但是以传播信息为主要目的新闻报道仍然不能算是艺术。这里又要涉及一个争论不休的难题,即什么样的东西才是艺术?如果说有一个评判什么是艺术的终极标准的话,那这个标准只能是审美的标准。我认为,以审美的标准衡量,则电视剧和纪录片最具备成为艺术的特质。而拍摄方法,镜头结构、速度节奏等借鉴自电影的技巧不过是构造艺术的手段而已。 [page_break] 二 尽管举步维艰,但是电影和电视毕竟都跻身于艺术的殿堂了。也许是因为影视之间的区别太多而且过于明显的缘故,所以很长时间以来,尽管被人称为“姊妹艺术”,电影艺术和电视艺术还是没有多少真正的沟通和交流。人们津津乐道的影视之间的区别主要包括以下几个方面。一是二者传播的物质材料有别。电影的承像物质是昂贵且冲洗工艺复杂的胶片,而电视的承像物质是简便且无需冲洗的磁带。磁带记录的拍摄成果是即时可见、随时可以修改的,导演在现场就能进行艺术上的鉴定,决定取舍,但其放映效果和清晰度远远逊色于胶片,胶片拍完后到冲洗出来总有一个间隔期,如果导演对样片不满意,要组织重拍,在情绪、气氛和影调上当然会受到影响,从而损害影片的质量。二是二者的欣赏方式不同。电影是封闭型的大集体的欣赏方式,电视则属于开放性的家庭欣赏方式。三是两者的传播媒介的差别。电影以面积较大的银幕作为媒介,而电视则以面积小得多的荧屏作为媒介,从而造成观看影视时极大的视距差别。上述区别实质上更多体现了电影和电视作为大众传播媒介的区别,探讨这些区别应属于传播学、社会学、心理学等学科的研究范畴。而作为艺术,电影和电视有太多的共同语言,这种共通之处恰恰是影视艺术学学科范式重构的基础。 正是在电影和电视为争取艺术地位所进行的一系列努力的过程中,电影艺术学和电视艺术学的学科范式逐步得以确立。在我国,通过几代电影理论家和艺术家的摸索,电影艺术学的学科范式已经确立,近年来,经过以高鑫为首的几位学者的努力,电视艺术学的学科范式也已初见雏形,⑿但是影视艺术学要建立自己的学科范式,还刚刚起步,广院影视艺技系的成立,是建立中国影视艺术学学科范式的一个良好开端。如何在整合的基础上构建超越原有范式的新的学科范式,是摆在影视理论学界的一个重大课题。 相对文学、哲学、历史、美学、社会学等等传统学科而言,电影艺术学和电视艺术学都是十分年轻的学科,其学科范式还很不稳定,这对突破它们并构件以之为基础的新的影视艺术学的学科范式非常有利。当然,一种范式取代另一种范式可能历时甚长,有时长达20甚至30年之久。因为范式变化涉及的不仅是理论建构的问题,它应该包含解构基础上的理论重构。值得欣慰的是有些学者已经在影视艺术学的理论重构方面做了很多宝贵的探索。外国学者主要探讨了影视剧本创作和导演的一般规律,如英国人威廉•米勒的《叙事性影视脚本创作》,⒀法国人米歇尔•西翁的《影视剧作法》,⒁美国人阿伦•A•阿莫尔的《影视导演》。⒂在我国,每年都有大量探讨影视艺术的,人大报刊复印资料专门设立了“影视艺术研究”的专题。近年来国内也出版了不少研究影视艺术的论著,比如刘书亮先生关于电影电视导演实践和理论的研究(刘书亮著《电影电视导演术》,北京广播学院出版社1997年版),张凤铸先生关于电影电枢艺术的本体研究(张凤铸著《电影电视艺术导论》,中国广播电视出版社1997年版;张凤铸主编《影视艺术本体论》),郑国恩先生关于影视摄影构图的专题研究(郑国恩著《影视摄影构图学》,北京广播学院出版社1998年版),傅正义先生关于影视剪辑的专题研究(傅正义著《电影电视剪辑学》,北京广播学院出版社1997天版),韩世华、朱少玲关于影视编剧的研究(韩世华、朱少玲著影视剧作引论),广东高等教育出版社1995年版),此外宋家玲的《影视文学创作论》,周传基的《电影•电视•广播中的声音》等等也是研究影视艺术的很有特点的著作。上述学者中不少人把影视放在一起来讨论并非完全出于自觉,许多著作和论文把影视相提并论,但实际上却只单独论述了电影或电视中间的一种,如王心语主编的《影视导演基础知识》就只论述了电影导演的一些基础知识,而丝毫没有涉及电视导演方面的问题,对此主编者是这样解释的:“鉴于电影与电视在艺术创作上的相通之处,所以我们把书名定为《影视导演基础知识》。”⒃这种被忽视的共通之处正好是重构影视艺术学学科范式的基础。电影艺术学和电视艺术学长期分离,造成了由研究视野和方法所决定的具体学科的局限,使影视之间难以找到一套公认的“游戏规则”,这种局限往往妨碍着我们的学者对一些整体性、共同性问题的把握。重构影视艺术学的学科范式,必须结束电影艺术学和电视艺术学长期分离的局面,打破具体学科的局限,制定影视两种艺术都要遵守的“游戏规则”。 新旧两种学科范式之间并不是二元对立的,新学科不会立刻与旧学科彻底决裂,新范式容易对旧范式有归属感和认同感,比如这也正是为什么不少学者进入了新的领地之后还操着过去的一套话语,在此意义上,学科范式的更替将是一个历时性的动态过程,所以电影(视)艺术学和影视艺术学两种不同的范式在相当长的时间内共存是十分自然的现象。要使构成一种学科的基本规则和用法的那些“游戏规则”获得某个知识共同体成员的一致认可,决非易事。学科理论的沿革,正是这种共同体成员对旧范式的摈弃和对新范式的认可。一个成功的学者应该具有吐故纳新的理论勇气,因为科学是通过传统的维持和传统的变革而进步的;而一个高明的学者更应在这两种学科型式之间维持一种必要的张力,妥善处理新旧理论框架及学科范式之间的关系,两种范式的接触乃至最终“融合”,将意味着长期歧异中的共存,每一个参与这种新旧范式变革的人面临的都是一场勇敢者和智慧者的游戏。 影视艺术学范式的重构和在重构过程中涉及的范式变化,必须虑及中国当前影视理论界的研究现状。当前,我国专门从事电影艺术学和电视艺术学研究的学者不多,这为数不多的人在论及影视艺术学时,侧重点又有所不同,比如广院学者的论述侧重于电视艺术,而电影学院以及其他部门学者的论述则可能偏重于电影艺术。表面来看,这是学者从事研究时的学术背景不同所致,而实质则反映了学术范式的动态选择以及相对稳定成型的问题。广院电视艺术学的发展就是这种过程的生动体现。广院电视系有相对长期的历史,在电视系的学术发展史上,一批学者或主动或被动地选择了(电视)新闻学,而另一批学者则选择了电视艺术学,这两个学科沿着不同的路径在动态中发展,形成了不同的学科范式,各自成型以后,就有了现在广院的两个拥有博士学位授予权的学科——新闻学和广播电视艺术学。而在学术范式的选择和成型的后面,却是一个至关重要的价值观问题,选择新闻学还是艺术学,不同的选择体现出来的学者价值观的不同是显而易见的。 今天,相对成型的范式开始分化,新一轮选择摆在我们面前:如何在遵循已有学术规则的前提下,充分发挥自身的学术潜力,在学术规则的转换与研究范式的重建中扮演主角?每一个关心影视艺术学学术范式重构的人都面临机遇和挑战。 艺术学毕业论文:田野艺术学研究管理论文 《草根的力量——台州戏班的田野考察与研究》出版后,学术界的反应颇出乎我的意料。该书是我在浙江台州经过8年田野考察之后形成的最终研究成果,也是我学习文化人类学和社会学的田野研究方法,以文本与田野结合的路径从事当下艺术研究的初步尝试。著作已经出版,同行乃至一般读者自会判断其中得失。但是我深知诸多学者对拙著的兴趣并不完全针对拙著本身,学界的反应涉及到艺术学研究方法论层面的重大问题,而有关艺术学研究的田野方法,还需要做一些更深入的探讨。 评价体系与学术规范 九十年代中期以来,艺术研究领域出现一些新的趋向,改革开放之初非常之盛行的、在“方法热”和“文化热”时期都曾经颇受关注的宏观研究,渐渐失去了至高无上的学术地位,社会学和人类学研究方法则日益受到学界重视。其重要标志之一,就是一批针对个案的田野考察成果问世并且得到学界广泛认同,在某种意义上说,它可以视为艺术学研究的社会学和人类学转向。社会学和人类学研究方法介入艺术学研究领域,使得相当一部分学者开始尝试着运用社会学和人类学研究领域极受重视的田野研究方法考察艺术现象,这一方法层面的变化对于中国目前的艺术学研究具有非常深远的意义。 二战以来,文化批评在人文社会科学领域是令人瞩目的学术热点,文化人类学和社会学诸多重要的跨文化研究成果的出版,更令此前人文社会科学的研究视角受到普遍质疑。人类学和社会学方法对中国艺术学研究的影响,也必然导致艺术学研究出现学术与文化视角的转换。这个可能出现的最有理论价值的变化,我将在下一部分论述,这里首先想讨论的是,现代社会学和人类学研究方法的介入,其意义不止于文化层面上研究视角的转换,它还可能给中国艺术学研究领域带来另外两个方面可能形成的变化乃至冲击。 其一,是有可能导致目前的中国艺术学研究领域研究重点和研究成果价值评价体系的根本改变。 学术研究的价值取向受到教育制度和由教育体系决定的研究者知识谱系的影响。由于历史的原因,中国现代形态的艺术研究一直比较重视理论层面的探讨。经由苏俄引入的、从德国古典哲学这一思想路径衍生发展产生的马克思主义,以及作为其知识和思维方法背景的德国古典哲学本身,长期在包括艺术研究在内的整个人文社会科学研究领域占据特殊的主导位置,因而,和这一理论背景相吻合的艺术本体论研究,以概念和范畴为核心的抽象的理论探讨与分析,长期以来都是艺术学研究领域最受关注的研究方法。英美经验主义传统一直受到排斥甚至批判,对具体对象的个案的、经验的研究被置于次要的地位。这样的研究取向,不仅仅是出于对西方学术发展不同趋势的选择,同时也蕴含了中国传统思维方法对当代艺术研究的影响,在中国学术传统中占据主导地位的整体性的、玄学研究路向,恰与德国古典哲学形成有趣的呼应——所谓“小学”在中国的学术传统中,显然一直受遏制,清代成就卓著的“朴学”也被后世的学术史家解读成是由明入清的汉代知识分子对严酷现实的逃避,以及对清代统治者的消极抵抗。 改革开放以来,苏俄引进的僵化理论教条渐渐丧失了独断地位。但是整个教育体系以及学术研究群体的知识体系的转变并不能同时完成,因而学术研究基本趋势的转变,会表现出明显的滞后现象;更重要的是,正由于改革开放之初理论界需要新的思想资源用以突破旧的苏俄教条的禁锢,观念和理论层面的创新显得特别重要,因之出现一大批偏重于观念与理论探讨的研究文献,也是时代的要求。可惜新的艺术观念与理论缺乏实证研究的支撑,也就不能真正完成观念与理论拓展的历史任务,整个国家的艺术科学研究水平,并不会仅仅因为观念与理论的更新而有明显的提高。 以1999至今这三年里的戏剧学研究为例,按照我的不完全统计,最近三年戏剧学研究文献里,基础理论与范畴、规律的研究不可思议地占据了相当大的份量,它在所有公开发表的研究性论文里占到1/3左右。对戏剧基本特征、基础理论和普遍规律的探讨并不是不重要,但是学术界将如此大的精力用于这类纯粹理论性的探讨,却不能算是正常现象;其中更耐人寻味的现象是,从事这类基础研究的学者,多数身处并不拥有掌握研究资料与信息方面优势的中小城市或非专门研究单位。诚然,戏剧研究领域史的研究以及具体的作家作品研究并不缺少,但是,撇开史的考证,这类研究也主要是对戏剧整体时代特征或艺术特征的讨论,当然也包括一些群体研究或类型研究,其中“论”的部分比“述”的部分受到更多的关注。在戏剧史研究领域,元杂剧尤其是关汉卿研究较受重视,中国现代戏剧和外国戏剧研究领域,最主要的个案研究是对曹禺和莎士比亚的研究,对这两位剧作家及其作品的研究几乎是其它同一领域剧作家及其作品研究的总和,然而对这些重要剧作家的研究,包括关汉卿研究在内,有关剧作主题、作品性质、人物形象和作品风格的辨析与讨论占有最大的份量。有关这些重要剧作家的研究,并不排除包含一定程度上的个人独特见解的优秀论文论著,然而一个无法回避的事实是,其中至少80%以上的论文和论著并不能提供任何新的材料,尤其是不能提供现有文献以外的材料,我们可以毫不夸张地说,这样的研究从“知识的增长”这一学术发展角度上看,贡献几乎等于零。通过提交给国际性学术会议的论文的分析,也可以得出同样的结论,国内学者的论文选题与境外学者之间的巨大差异,清晰可见。 我不敢断定戏剧学研究领域存在的这种现象可以毫无保留地推之于整个艺术学研究领域,但是我相信从整体上看,要说中国目前的艺术学研究仍然流行重视抽象、宏观的理论研究,轻视经验的、个案的实证研究的学风,恐怕并非妄言。如果事实确实如此,那么社会学与人类学研究方法在近代的兴起,就给我们一个重要启示,那就是个案的、经验性的实证研究,应该得到更多的重视,应该成为艺术学研究的主体。只有戏剧学乃至整个艺术学研究的重心转向实证的、个案的研究,理论与观念上的突破才有真正的意义。在这个意义上说,现代社会学和人类学方法对田野方法的重视,完全可能使国内艺术学研究转向更注重个案研究和经验性研究,同时给予这一类研究成果更公允的评价。这样的转变无疑将逐渐引导整个研究风气的转换。 其次,现代人类学和社会学方法的引入,对于强化国内艺术学研究的学术规范,将有可能产生直接影响。 人类学和社会学研究强调个案研究与研究者直接经验的价值,但同时更强调研究过程的规范、成果表述的规范,其中也包括经验描述的规范。这种规范不仅仅是学术积累的需要,也是使学术成果更可信,因而更具科学价值的需要。换言之,在某种意义上说,人类学和社会学研究是在通过规范自身而使自己更接近于自然科学。这样的研究取向对于中国目前的艺术学研究的重要性是不容忽视的。 中国的艺术学研究分为两个重要群体,除了一批身居高等院校的学者以外,还有更大的一个群体身居文化部门所属的艺术研究机构。以戏剧学研究为例,后一个群体的规模显然要超过前一个群体,而且由于与戏剧创作演出的实际接触较多,在经验性的实证研究方面具有明显优势。然而无可讳言,这个被习称为“前海学派”的学术群体长期以来偏重于戏剧艺术实践,虽然相对而言具有比较注重经验研究的优势,也拥有许多第一手的珍贵的学术资源,重视艺术的当下性,但是由于不够注重学术规范,因此很难得到学术界应有的承认。多年来,境外数以百计的人类学和社会学领域知名的或尚未知名的学者相继来到国内,他们在与这个群体的接触交流过程中获益匪浅,文化部门所属的许多学者多年的研究心得,反而要通过境外学者的转述,才为外部世界和主流学术界所知,究其原因,正缘于“前海学派”在研究的以及成果表述的规范化方面存在明显的缺陷。换言之,经验性的研究以及对经验的感性描述本身,只有通过规范化的、理性的方法呈现出来,才拥有足够的学术意义,才会得到主流学术界的认可,才可能充分显现其学术价值。 因此,借鉴人类学和社会学研究的田野方法,尤其是借鉴和汲取人类学和社会学家从事田野研究时遵循的学术规范,将会有效地弥补“前海学派”学者们在学术研究方面的弱项,使这个学术研究群体掌握的大量感性资料与经验性材料,通过更多途径进入当代主流学术界的视域,藉此改变艺术学的研究重心。因此,对于中国艺术学研究而言,进一步注重学术规范,使被称之为“前海学派”的这个研究群体迅速提高研究成果水平,将给中国的艺术学研究带来深远影响。 二研究视角的转变 当然,现代人类学和社会学研究对中国当代艺术研究最具学术意义的影响,还是要首推它可能带来的文化层面上的研究视角的改变。 中国现代形态的艺术学研究大致始于20世纪初,就像其它人文科学研究一样,它之受到西方学术的刺激与影响是无可讳言的。在这一影响过程中,西方学术思想不可避免地在中国艺术学研究领域打下了鲜明的烙印,其中西方人的研究视角,就是一个重要的方面。简言之,由于西方人文科学主要是在欧洲的文化传统和解决欧洲社会遇到的问题基础上发展起来的,而且随着西方在世界各地的迅速扩展,自觉不自觉地呈现出欧洲中心的世界观,这种具有鲜明西方色彩的欧洲中心的人文科学思想,也就不能不在中国艺术学研究领域留下它的痕迹。在研究与品评中国本土艺术时,人们往往只是照搬西方人习惯运用的艺术标准,比如说以西方音乐体系评价中国本土音乐,以西方戏剧理论解释中国戏剧并且试图以之改造“落后”的中国本土戏剧,把油画的教学体系搬用到中国画的教学中,等等。这样的现象存在于艺术学的多个领域,换言之,西方比较成熟的人文社会科学体系的整体植入,确实在中国艺术学研究的现代转型过程中起到了关键作用,但是这种整体植入的结果与中国本土艺术以及中国人的情感经验之间的距离,始终是一个无法回避的症结。 现代人类学和社会学研究方法的引进,却给我们一条走出这一症结的路径。 现代人类学和社会学研究给我们带来的不仅仅是单纯的田野方法,而且还包含了至关重要的文化多元观念。虽然人类学和社会学的起源都带有强烈的欧洲中心主义色彩,但是二战以后,尤其是20世纪60年代以后,文化多元观逐渐成为现代人类学和社会学研究的主导思想,在某种意义上说,这两个原来受到欧洲中心主义文化观影响最深的研究领域,现在则相反成了对欧洲中心文化观形成最猛烈冲击的领域,成为最坚决地推动文化多元观和消解欧洲中心论的学术领域。这一思想方法的变化对田野研究的影响非常之深远,而这种非常之符合当代世界潮流的学术方法的引进,对于后发达国家尤其重要,因为越是后发达国家越是需要通过文化多元观念以消除文化自卑感,正视本土文化传统的价值。因此,现代人类学和社会学研究领域,田野研究工作者不再像摩尔根时代的学者那样,抱着了解人类童年的文化优越感,把非西方社会视为人类文明发展的早期阶段,因而能够更客观地认识不同民族不同文化圈的传统与现实的差异,在解释它们的历史与现实时,也能有更多的互相理解以及在此基础上的互相尊重。而这样的研究方法,在跨文化研究中的重要性自不待言。 除了西方中心视角以外,多年来中国艺术学研究领域还存在一个尚未得到学术界重视的研究视角,那就是一种过于贵族化的艺术观仍然占据着核心位置。 文化多元观念不仅仅意味着不同民族、不同文化圈的艺术活动不能以同一种标准来衡量和评价,同时也暗含了另一种更平民化的文化思想,即不能以研究者们的个人兴趣,以及他们所接受的教育作为衡量所有文化行为的唯一标准。 当人类学家和社会学家们将他们的考察对象,从长期以来拥有文化特权的上流社会转向更广阔的草根阶层时,还伴随着思维模式的改变。事实使人们更清晰地意识到,不同地域的人们在长期共同生活中形成的价值观念体系虽然会有很大的差异,却各有其合理性;他们各具特色的生活方式,只有通过其自身的价值系统,才有可能获得真正有意义的解释。在艺术领域更是如此,艺术在本质上意味着人们用以情感交流与表达的特殊方式,不同民族和不同阶层的人们各自的情感交流与表达方式,在这一生活与文化圈内部往往是最有效的。所以,对民间草根阶层的艺术、趣味与审美活动的歧视和改造,强行推行一小部分精神贵族自以为是的艺术观与审美趣味,正是现代人类学与社会学研究的禁忌。 在中国艺术学领域,这种文化贵族心态随处可见,比如我们完全有理由对人们长期以来习焉不察的“采风”这样的辞汇产生强烈的质疑。确实,如果说最近一个世纪以来中国的艺术学创作与研究对于那些地域色彩鲜明的民间艺术活动并不是毫不关心,那么很难否认,创作与研究者们经常是以“采风”的态度去关注和研究民间艺术活动的。人们惯于使用“采风”这样的辞汇而,它本身就清晰地透露出两个方面的信息。从历史上看,“采风”的制度早在秦汉时代就已经基本形成,它隐含了官方与民间二元且以官方为主导的文化价值观;从现实的情况看,“采风”意味着艺术家和艺术研究只关注民间艺术活动作为创作素材的价值。因此,“采风”的实质,正是站在官方或文化贵族的立场上对民间艺术活动非常功利化的利用,事实也正是如此,尤其是近几十年里,地域色彩鲜明的和非主流的艺术样式和优秀艺术作品,经常被主流艺术用以为创作的材料,回顾近几十年的艺术史,我们会发现许多有世界影响的优秀作品都是用西化和文人化的手法处理本土民间艺术元素的产品。然而,在民间艺术活动被大量地用以为创作材料而遭到掠夺性开采的同时,它们本身却仍然被视为落后的、原始的、粗糙的,被视为必须以精英文化的模式加以改造才能拥有艺术价值的对象。 以“采风”的心态从事本土与民间艺术研究的学者,自觉不自觉地忽视了对象自身的独立存在以及内在文化价值。因此,研究者变成了专事猎奇的旅游者,对于民间艺术对象的关注只限于与“我们的”艺术活动的差异,而并不真正关心这样的艺术对于生活于其中的创造了它们的人们究竟具有何种价值和意义。从现代人类学和社会学的角度看,我们应该更多地致力于探究多种艺术样式、多种生活方式以及各地各具差异的伦理道德和习俗对于它们的主体自身的价值与意义,致力于在这些独特的艺术与生活的原生环境中,还原它们的内涵。这样的研究才能超越“采风”式的官方和贵族文化心态,才能获得对民间艺术真正具有文化价值的研究成果。 因此,中国目前的艺术学研究亟需借鉴现代人类学和社会学研究的田野方法,摒弃西方中心与贵族趣味对民间话语空间的挤压。 三一个实例:路头戏 如果我们的艺术学研究能够更多地注重对现代人类学与社会学方法的借鉴与引进,尤其是彻底改变欧洲中心主义与贵族主义文化观,那么对诸多艺术现象的研究与评价,都有可能出现根本性的改变。在我的研究领域,有一个极具代表性的例子,完全可以用以说明研究视角的改变所产生的影响,那就是对台州戏班大量演出的路头戏(或曰提纲戏、幕表戏)的研究与评价。 近几十年戏剧研究领域几乎完全没有对路头戏的研究,然而在20世纪50年代以前,路头戏却可以说是中国戏剧最主要的演出形式,它的历史,也许可以追溯到戏剧起源的年代。路头戏之所以长期被戏剧研究人员们忽视,是由于它在20世纪50年代初就遭到批判,成为从上而下的“戏改”的主要对象之一。而对路头戏的批判,其理论背景很值得今人深思。 对路头戏的批判与其说出自艺术的原因,还不如说出自趣味的原因。它一直被看成是粗糙、原始和简单的演剧方法,然而它并没有像同时代其它那些更为粗糙、原始与简单的民间艺术那样获得尊重,它从一开始就被看成是创作的素材以及改造对象,直到现在,在多数当代戏剧史家们的眼里,路头戏之受到批判乃至遗弃,仍然被看成是一种历史的必然。 然而,当我们通过现代人类学和社会学的研究思路重新探讨路头戏的存在以及它的意义,就会清楚地看到,像路头戏这样一种有着千百年悠久传统的演剧方法,它之所以会受到众口一辞的批判以及遭致普遍遗弃,正由于长期以来西化的和贵族的文化视角在艺术学领域占据着统治地位。 路头戏之所以在1950年代初受到大范围的批判,首先是由于主持“戏改”工作的政府官员,主要是一批西化程度比较高的、经常接触甚至直接参与话剧创作与研究的知识分子,排除意识形态的因素,在某种意义上,“戏改”简直可以说就是在用西方的、话剧的戏剧观,居高临下地改造中国本土戏剧。像路头戏这种本土色彩浓厚的传统演剧方法,与这些知识分子所接受的戏剧学模式完全不相吻合,它之受到排斥也就是可想而知的。其次,路头戏的演剧方法被后来的国办或准国办的戏剧表演团体遗弃,还有另一层因素,那就是长期以来衡量艺术的标准是由传统诗学基础上培养的文人决定的,虽然传统文人最终接受了元杂剧和明清传奇,却始终未能充分受容昆曲以外的各种“花部”戏剧剧种,同时也难于充分认同民间极富创造性的口传文学的价值。文人趣味在中国戏剧领域占据统治地位的现象,并没有因为1950年代的社会急剧变动而真正有所变化,反而因为剧团国家化而在制度层面得到普遍肯定,因此,在文学性和音乐性方面很难以完全符合文人趣味的路头戏,也就不能不受到排斥。 由此我们看到,如果说晚近一个世纪的艺术学研究受到欧化的和贵族的这两种文化偏见的左右,那么路头戏的遭遇具有作为样本的罕见的深刻性,路头戏之所以遭受自上而下的批判与遗弃,正是由于同时受到这两个方面的夹击。更值得思考的是,如同我在《草根的力量》书中所叙述的那样,路头戏至今仍然是台州戏班最主要的演剧方式,但这种承继了本土文化传统的演剧方式它之所以能延续至今,并不是因为路头戏演出过程中大量的即兴创造在戏剧学层面上所可能提供的非凡活力,给定情境与表演者个人创造之间巧妙和平衡,以及潜藏在它的即兴表演模式之中的演员之间、演员与乐队之间的互动与内在张力,而竟然是因为在本土的戏剧市场里,戏班最适合以这样的演剧方式营业;并且,由于在晚近几十年里路头戏一直受到抑制,在那些受主流意识形态影响较为明显的民间戏班,路头戏的演剧方式也正在被弃用。 有关路头戏的艺术魅力,我已经在书中做了初步的探讨,将来还会做进一步的研究。这里我只想通过它的遭遇说明,摆脱欧洲中心的和文化贵族的偏见对于中国当前的艺术发展以及艺术学研究有多么重要。只有彻底转变研究视角,路头戏的艺术价值才能得到公正的评价;进而,也许还有更多的艺术现象,需要以多元文化的视角加以重新审视,给予重新评价。 四需要注意的问题 田野研究只是一种方法,虽然在田野研究的背后,包含了现代人类学与社会学特有的研究路径,但是方法并不能完全替代研究。按照我个人的研究体会,即使接受了田野研究方法,艺术学领域的田野研究,也仍然存在诸多需要注意的问题。 艺术学研究的田野方法的研究目标之一,就是考察艺术活动在特定文化环境中自然生成、发展的性状。当然,对象的性状总是会在与外界的不断互动过程中经常变化,然而这样的变化,仍然可能在很大程度上是自然的演化,它与受巨大的、不可抗拒的外力影响而发生的变化,有质的区别。仍然以戏剧在晚近五十年的变化为例,虽然历史上中国的本土戏剧始终在民众审美趣味变化的背景下持续发生着各种各样的变化,但是正由于这样的变化是在戏剧创作表演的主体与观众的互动之中缓慢而自然地发生的,因此无论如何变化都不足以出现背离它所生成的文化土壤的结果;然而1950年代戏改的情况则完全不同,在令本土戏剧经历了剧烈变化的这一改造过程中,观众甚至是剧团内部的创作和表演者本身,都没有话语的权力。因此,中国戏剧的自然状态之必然受到破坏,就是可想而知的。在这里我们看到一种外来的文化价值观是如何被强行植入的,以及它最终会产生臬的结果。它不仅给我们留下了值得好好记取的教训,同时还给从事艺术学田野研究工作者留下了特殊的困难。 这就是我们今天从事艺术学的田野研究时面临的特定境遇,就像一个多世纪以来在几乎所有艺术领域那样,本土艺术在外来的文化价值观面前出可怕的自卑。而这一文化现实,使得从事艺术学田野研究的研究者必须非常小心翼翼。艺术学的田野研究面对的研究对象不是无感觉的作品而是具体的人的行为,研究者与被研究者在社会身份、知识背景与生活环境等多方面的差异、尤其是趣味的差异,很容易被处于弱势地位的民间艺人理解为知识与艺术见解的优劣,研究者在从事田野工作时,很容易被研究对象视为强势文化的代表,因此,研究者的言行和趣味,很容易对被研究者产生不可预计的影响,而这样的影响,足以改变研究对象的原生态。 指出的是,在艺术学的田野研究过程中,研究者在很大程度上是个入侵者,极易对脆弱的、缺乏自信的民间艺术本体造成损害。现代人类学家喜欢说“我们的身体就是人类学研究的工具”,强调田野考察过程中研究者应该融入研究对象,在与对象的互动中体察对象及其可能发生的变化,但是在中国艺术学研究这个特殊的领域,我认为研究者应该尽可能做一个客观和外在的观察者,尽可能克制影响对象的冲动,因为保持本土艺术的原生态的意义,可能比改变它要重要一百倍。当然,研究者对研究对象的影响是无可避免的,只不过清醒地意识到这种影响可能导致的负面效果,自觉地将自己的影响尽可能减少到最低限度,无疑是从事艺术学的田野研究时必须遵守的职业操守。 我希望强调艺术学的田野研究作为一项艺术学研究的价值,尽管我们可以借鉴人类学与社会学的田野研究方法,但是这样的研究指向应该是艺术学的而不能仅仅是人类学或社会学的。更直接地说,用人类学和社会学方法从事艺术学研究,应该是研究的重点。 学科都有特定的研究范围和研究目标,不同学科的关注重点并不相同,因此,当人类学与社会学的田野方法被引进到艺术学研究领域时,人类学与社会学所关注的那些问题,也很容易同时被带入艺术研究过程中;或者说,研究者的关注重点可能会发生偏移,也许那些从艺术学角度看非常之重要的问题反而被忽视了,这样一来,研究很容易演变成对于艺术、艺术活动的人类学或社会学研究,而不再是艺术学研究。人类学和社会学研究当然仍有其价值与意义,然而它的价值与意义是人类学与社会学的,坦率地说,这类研究即使再有价值和意义,也不是艺术学研究。它不能代替艺术学研究,也不能帮助我们解决艺术领域最值得关心的问题。 从事台州戏班的田野考察时经常提醒自己将艺术层面的问题作为主要对象,不仅是由于我一直受到的是艺术学研究的训练,因此只有艺术学问题才是我在专业领域范围有能力研究和回答的,而且也只有艺术学领域的问题才是我所真正应该去关注和感兴趣的。举例而言,我的研究中涉及到许多有关宗教与民间祭祀、民间信仰方面的现象,我当然知道从人类学或者社会学角度对这些现象进行剖析是非常之必要的,但是我的研究仍然会相对地集中于这些现象与民间戏班的运作和表演、与当地观众的欣赏之间的关系,将这些现象与戏剧活动之间的联系,小心地剥离出来,分析它们对戏班以及戏剧活动的艺术方面的影响力,寻找这些现象与近二十年台州戏班的繁荣与发展之间的联系。同样,当我剖析和研究戏班的内部构成以及戏班内部的人际关系时,不仅把戏班作为一个特殊的社会亚群体看待,同时更注重把它们看作一个关乎戏剧艺术的群体看待,这样的研究当然明显有别于一般意义上的人类学与社会学研究。 深信,这样的研究正是艺术学的发展所需要的,寻找更多学术途径,利用更多研究方法,通过更加多维的视角,以探索和解决我们面临的诸多艺术学问题,这也正是我们把现代人类学和社会学的田野方法引进艺术学研究领域的初衷。 所述,现代人类学与社会学的田野方法之所以值得注重,在于它会给中国当前的艺术学研究带来注重实学的研究风气,并且最终导致当代艺术学研究的转型。田野研究始终只是艺术学研究多种方法中的一种,然而随着英美经验主义学术传统在二十世纪中叶之后在世界学术整体发展格局中越来越明显的强势地位,人类学与社会学的田野方法在现代学术研究中的地位会越来越显著。也许若干年后,我们将不得不再来讨论宏观的理论研究的重要性以及田野方法的诸多弊端,重新认识基于文献的研究的意义,但就目前而言,我相信倡导田野研究,对于中国的艺术学研究不仅非常之必要,而且非常之迫切。
美术大学论文:大学美术教学中的渗透美育教学 【摘要】随着社会经济的不断发展,教育水平的不断提高,对于人的综合素质的培养越来越受到重视。美育教育能够培养学生正确的道德观和世界观,让学生能够找到正确的看待世界的方法。而大学美术教学致力于让学生拥有更高的艺术审美境界,懂得运用艺术的眼光来发现世界。大学美术教学与美育教学有着天然的联系,我们应当重视二者的结合。本文将对大学美术教学中渗透美育教学的理论和实践进行探讨。 【关键词】大学美术教学;美育教学;渗透 在大学美术教学中渗透美育教学,不仅能够让美育教学取得更好的效果,也能帮助大学美术教学查缺补漏。美术教学和美术教学天然的联系让两者的融合能够起到更好的教学效果,最终让学生成长为能够用美的眼光看待人生、看待世界的人。所以无论是高校教师还是大学生都应当重视起美术教学与美育教学的结合。 一、在大学美术教学中渗透美育教学的必然性 (一)人才培养的需求 在素质教育被广泛提倡的今天,我们在进行教育工作的时候不能再局限于知识和技能的传授,更要注重学生情感和审美能力的培养。美育教学的主要教育目标是让学生保持一个积极向上的心理状况,从而为其他教育提供心理基础。而美术教学则要求学生运用审美的眼光看待事物。在这种情况下,美术教育和美育教育的结合时国家培养综合素质人才的基本需求。 (二)理论基础的完善 在大学美术教学中渗透美育教学并非是一个新近诞生的理念,早在十八世纪就已经有相似的观点出现。在著名教育家杜威继续发展了这个理论之后,美育教育与美术教学的结合就已经开始了广泛的实践,相关的理论也在逐步地完善。人的审美能力和心理健康水平存在着某种联系,美术教学和美育教学存在着契合点。可以说,在大学美术教学中渗透美育教学的理论基础已经搭建完毕,需要我们用实践来检验它[1]。 二、大学美术教学与美育教学的关系 (一)在教育目标上的区别 大学美术教学与美育教学尽管也有着比较多的契合点,但是两者之间仍然存在着比较明显的区别。比如,两者的追求目标是不同的。大学美术教学更加看重学生审美能力的培养,致力于让学生拥有对艺术作品的鉴赏能力。而美育教学的目的是让学生保持一个积极向上的心态,培养学生的情感能力,让学生学会情感表达和情感体会。两者在教育目标上区别决定了教育方法会有分歧[2]。 (二)公开性和保密性的区别 由于美育教学直击学生的情感和心灵,所以需要学生对教师敞开心扉,从而实现与教师的深度情感交流。在这个过程中,学生不希望被其他人看到,教师也不希望其他人干扰教学进程,所以美育教学有着保密性质。而大学美术教学则没有这个问题,由于是能力和知识的传授,大学美术教学有着比较明显的公开性。教师在课堂上公开交流,同学之间也可以互相交换观点,课堂更加开放。 三、在大学美术教学中渗透美育教学的具体方法 (一)教育观念的结合 大学美术教学与美育教学存在着诸多的分歧,那么怎样才能合理的利用两者的契合点进行渗透教学呢?首先要在教学观念进行紧密的结合。对于高校教师来说,要利用好两者之间的关系,从观念上达成两者的统一。美育教学进入美术教学中能够为美育教学提供良好的心理基础,让心灵美和艺术美达成良性的互动。美术教学进入美育教学能够改革美育教学的形式,开发新的教学方法。 (二)教学方法的变化 大学美术和美术教学在教学方法上有着明显的区别。教师要教学的时候要积极引导学生,采取更能够让学生接受的方法。从美术教学来说,教师要依靠基础知识的巩固来启发审美能力,而从美育教学来说,教师要直接进行心理上的指导,来让学生据此认识世界。美育教学渗透进美术教学之后,需要对教学方法进行适当的调整,融合两种方法的优势,取长补短。 (三)教育平台的互补 大学美术教学往往集中在课堂上,教师在课堂上集中对学生进行知识传授。而美育教学则没有地点的限制,任何时间、任何地点都可以进行美育教学,也引起美育教学呈现出一对一辅导的倾向。在两者进行结合之后,美育教学可以在课堂上更高效率的进行美育的指导,而美术教学也可以摆脱课堂的限制,随时随地的把美术教学融入日常生活当中去。 (四)教师队伍的结合 美育教学和美术教学在教学方法和教学内容上都有着明显的区别,如果要更好让两门学科的教学融合在一起,可以建立一支既懂得美术教学,也懂得美育教学的教师队伍。这样教师在进行大学美术教学的时候就能够不自觉的加入美育教学的内容和方法,让两门科学充分融合。 四、结束论 在大学美术教学中渗透美育教学对于美术教学和美育教学都有着非常重要的意义,值得引起我们的注意。本文首先总结了在大学美术教学中融入美育教学的必要性,然后分析大圩么似乎教学与美育教学的关系,最后对大学美术教学中融入美育教学的具体方法进行了探讨和分析。 作者:宫清泉 美术大学论文:信息技术在大学美术教学中的应用 摘要:现代信息技术的发展与运用使得社会生活的各个领域发生着剧烈变化,在二十世纪的今天,如何运用现代信息技术为生活、工作、学习服务已成为人们研究的重点。而随着我国教学改革的发展与推进,现代信息技术已成为一门独立课程在学校开设,为提高教学效率、推动教学改革作出了重要贡献。本文以大学美术教学发展为例为例,介绍了信息技术在大学美术教学中的运用,希望为进一步促进大学美术教学信息化提供积极借鉴和建议。 关键词:信息技术;大学美术教学;运用 一、引言 信息技术课程主要包括计算机技术和电子信息技术两大类,且现代信息技术的优势在于将计算机技术和电子信息技术相结合,运用一系列人工智能手段对外界的声音、文字、数字、图像、影音、符号及其他相关信号所传递的信息进行获取、分辨、加工、处理等活动。目前,信息技术以迅猛的速度进行发展,其产生的影响已覆盖社会经济、政治、文化、外交的各个领域,对工业、农业、服务业发挥着不可替代的作用。一方面,信息技术的运用使得大学美术教学中出现了网络远程教学和多媒体教学等新颖的教学方式;另一方面,以电脑、电视、视频、音频构成的信息化教学体系为提升大学美术教学效率、培养美术专业人才做出了重要贡献。 二、信息技术在大学美术教学中的运用 1、教学方式方面的运用 大学美术利用信息技术进行教学能够将抽象的学科知识转化为生动可感的知识,对于激发学生的美术学习兴趣具有重要的作用。在信息技术快速发展的今天,信息技术对我们的教学理念、教学方式产生了重大影响。《高中英语新课程标准》中指出:“教师要充分利用现代教育技术,开发英语教育资源,拓宽学生学习渠道,改进学生学习方式,提高教学效果。”利用信息技术进行教学不仅容量大,而且集声音、图像、动画、文字于一体的特点,多方位刺激学生的视觉、听觉、触觉器官,从而激发学生的美术学习兴趣,让他们积极主动的参与到课堂教学的各个环节。兴趣是最好的老师,是点燃智慧的火花,是克服困难的一种内在心理因素。因此,教师应该充分利用多媒体教学,激发学生美术学习兴趣。多媒体技术是创设真实情境的有效工具。多媒体技术集图像、声音、动画、文字等各种功能于一体,便于在课堂上创设与现实生活相仿的情景。真实情境更吸引学生的注意力,激发学生的美术学习兴趣,学生很快就能进入创作情境。充分利用多媒体教学和网络资源正好可以弥补传统大学美术听说教学中的不足,有利于创设生动、有趣的情境,学生将听、说、看、画等集为一体,能够创造出更加优秀的美术作品。例如在教授《源于生活高于生活》一课时,教师可以利用多媒体技术播放生活中的事物,带领学生进行欣赏和创作,从而使得学生的画作更富有生活气息和人文精神。同时,一些名家的画作因条件限制难以接触,教师可以广泛利用网络资源搜集优秀作品供学生欣赏。 2、教学内容方面的运用 在大学美术教学中,往往图片的授课性内容较多,而文字教学内容相对较少,在短短的课堂时间内,学生无法对色彩、线条以及意象等方面的内涵进行充分了解,因此,教师可以利用现代信息技术,播放有关色彩、线条、意象等方面的动画,增强现实可感性。例如动画与图片相比,其包含的内容更加丰富,通过动画的放映,学生可以直观的感受到美术欣赏的技巧和方法[1]。尤其是对建筑作品的欣赏,动画技术的使用可以使得学生直观的感受到视觉的冲击和建筑物整体的美感,将静态的事物转化为动态的效果将十分生动。同时,信息技术的使用也将大大丰富学生的学习资源。美术学习需要对大量的美术作品进行欣赏和研究,而一些美术作品由于各种原因,学生无法接触,对于一些珍贵的美术作品,学生可以通过网上搜集资料、欣赏画作等方面进行艺术作品的鉴赏和感悟,这对于提升学生的美术素养也是十分有益的。同时,信息技术的运用有利于学生自由发挥的空间,引导学生独立思考、积极创作,提高学生的鉴赏能力及创造能力。学生可以利用电脑进行色彩的调配、线条的勾勒以及图片的处理等。同时,信息技术的应用也有利于加强对学生发现能力、观察能力的训练,注重增强学生的形象思维能力;培养学生全面观察事物的思维习惯,加强绘画技巧的训练,丰富绘画风格。 3、在教学互动方面的运用 信息技术作为一种现代技术手段,能够为人类的交流和沟通提供极大的便利,这也有利于教师与学生之间进行教学互动,以此提升大学美术教学效果。通过互联网,学生与学生之间可以进行互动交流,教师与学生之间也可以进行互动交流。同时,教师可以利用信息技术建立“美术家园”,美术家园实际上就是一个管理信息系统,在该信息系统中集合了大量优秀的美术作品,学生与教师可以进行在线交流,发表看法,互相学习。教师应扮演欣赏者、学习者的角色,和学生共同共欣赏,交流看法,从学生的思维和眼光中了解学生的艺术感悟,从而激发学生的美术学习兴趣。这样的课堂教学方式不仅能够使得学习效果大为提升,也能构建“教学相长”的学习氛围,有利于教师和学生之间进行良性沟通,提高学生的学习效率。同时,在“美术家园”里包括了课堂答疑和美术作品展示栏目,学生通过线上交流,一方面可以解课堂学习过程中的疑惑[2]。另一方面,可以将自己的美术作品进行展示,获得同学和老师的点评,以此不断提高。不断改正美术学习过程中出现的问题,为长远的美术学习打下了坚实的基础。同时,教师也可以利用互联网帮助学生发表美术作品。 三、结语 总而言之,信息技术应用于在大学美术教学对提升学生的美术学习兴趣、提高教学效果,发挥着重要的作用。为此,教师应具体结合教学情况,充分利用多媒体教学软件的优势和网络技术的便捷,不断探索出新的教学模式与教学手段,最终从整体上提升大学美术课堂教学效果,促进大学美术朝着效益化、信息化、科学化方向发展,以此促进大学教学改革的进步。 作者:高常青 高惠凡 单位:景德镇学院 美术大学论文:信息化环境大学美术教育研究 摘要:近年来,伴随着我国教学改革的发展,大学美术教育的改革也被提上议程,现已成为我国教育教学改革的重点内容之一。在大学美学教育的改革过程中,必须充分重视社会发展因素和时代变化因素。进入二十一世纪以来,我国信息化水平日益提高,不但表现在工农业生产和社会服务上,也渗透于普通大众的日常生活。因此,在大学美术教育的改革和研究过程中,必须充分重视信息化大环境,并不断在教学实践中推动大学美术教学的信息化改革。 关键词:信息化环境;大学美术;教学特点;价值;措施 本文探究分析了在信息化环境下,大学美术的教学特点,并提出了几点将信息化技术应用于大学美术教育教学中的方法和措施,希望给有关人员提供参考和借鉴。 一、信息化环境下大学美术教育的特点 改革开放以来,受经济发展和科技进步等因素的中和影响,我国经济社会的信息化水平不断提高。在社会性信息化的大背景下,大学教育也受到了影响,在教育教学方法上不断显露信息化特征。本文归纳总结了信息化环境下,大学美术教育的突出特点,详情如下。 1.多元化 多元化是信息化环境下大学美术教学的突出特征之一。互联网技术的发展,在区域甚至是全球范围内实现了资源共享。大学美术教学工作者足不出户,就能够利用互联网收集和筛选先进有益的教学资源,使学生们接触到的教学资源更加丰富。教学资源的丰富,能够在某种程度上扩宽学生的学习和发展方向,实现百花齐放,从而促进了大学美术教育的多元化发展。 2.自主性 在信息化环境下,大学美术教育教学的自主性更强。上文提到,受到网络资源共享的影响,大学美术的教学资源会更加丰富,教学内容、教学方法、发展方向也更加多元。除了能够在课堂上跟着老师学习,学生也可以利用网络资源,开展自主学习。学生们可以根据自己的兴趣和爱好,选择自己喜欢的教学内容进行研究,在自主学习中掌握知识,促进了自主学习习惯的养成,有利于学生的整体培养。 3.交流性 在信息化环境下,大学美术教育教学的交流性增强。伴随着信息化水平的提高,世界各地的交流联系变得更加便捷,交流活动不再受到时间和空间的限制。利用互联网,可以实现师生间交流、校际交流以及国内外学校的交流。交流的主要方式有网上教研、教学资料共享、网络课程等。 二、分析信息技术应用于大学美术教育的价值 信息技术特别是互联网技术的发展,实现了网络资源的共享,也在一定程度上大学美术的教学方法和学生的学习方法。网络交流突破了时间和空间的界限,促进了世界各地的交流与合作,也在一定程度上促进了美学教育的发展。信息技术的不断更新和完善,也促进了教学工具、教学方法的改革,能够利用多种手段来吸引学生的注意力,激发学生的学习兴趣,促进学生自主学习能力的提高。大学美术教育教学的改革,离不开信息技术。对此,有关人员一定要高度重视,并结合教育教学实践和先进经验,充分发挥信息技术在大学美术教育中的重要作用。信息化技术的进步,刺激了远程教育、多媒体教学等新型教学方式的衍生和发展,也丰富了现阶段大学美术的教学方法。此外,大学美术的信息化教学,也为更多的学生提供了良好的资源贡献条件,促进了自主学习的发展,对传统的填鸭式教学发起了猛烈的冲击。 三、探究信息技术应用于大学美术教育的有效措施 1.完善信息化设施 首先,应该建立健全完善的大学美术信息化教学措施。学校应该加大资金投入,对美术课程的教学设施进行信息化调整,主要的实施方法有兴建多媒体网络教室、规划区域教学网络等。利用多媒体网络,将不同的教室联系起来,实现资源的共享。除此之外,授课教师也能够利用多媒体教学系统,及时、了解每一位听课学生的实际需求,及时解答学生的疑惑和不解,促进师生间的交流学习。既提高了课堂教学的实际效果,让学生收获到了更多的知识;也缓解美术教师上大课的压力,减轻了教师的实际工作强度。本文认为,学校建立的多媒体授课教室应该具备以下功能,分别是广播功能、转播功能、监视功能、私信功能等。广播功能是指授课教师可以将屏幕上的内容呈现到每一位学生的屏幕上,避免大屏幕授课的简单杂乱;转播功能是教师可以利用多媒体设备,将某一位学生的屏幕内容呈现在其他学生的屏幕上,这一功能主要是适用于示范教学、提问等;监视功能是指教师的主机能够监控所有学生的电脑运行情况,防止学生用电脑做与教学无关的事;私信功能是指教师能够接收到从学生电脑中发出的私信,主要适用于答疑环节、或者是学生向老师提出建议等。 2.收集资源 教师可以利用互联网来收集各种积极有益的教学资源,来丰富教学内容。同时,也应该建立校内的教学资源共享系统,将收集到的资源存储在专门的数据库内。在授课过程中,教学可以随时访问资源数据库,调取信息资源,丰富教学资源,提高实际的教学效果。学生也可以利用数据库来查询自己所需的资料,用于学习研究、写论文等。 3.实践能力 大学美术教学的信息化发展,也可以提高学生的实践能力。以信息技术为媒介。联系美术教学和其他学科,促进学生综合能力的提高。如美术教师可以知道学生利用计算机软件进行绘画,为将来从事艺术设计的学生丰富实践能力。 四、结语 大学美术课程改革是社会发展的需求,也是促进学生全面发展的需求。在信息化的大背景下,大学美术教育工作者应该不断突破固有的教育理念和教学方法,提高信息技术在大学美术教育教学中的参与度;充分合理的利用信息化技术,不断提高大学美术的教学水平,促进我国美学教育的整体发展。 作者:杨梦玲 单位:湖北科技学院 美术大学论文:美术教学对大学生素质发展的意义 【内容摘要】美术教学对大学生素质的培养有着一定的积极作用。美术教学可以陶冶学生的情操,发展他们对美术的兴趣和爱好,并且培养一定的特长。大学生美术课的教学还可以帮助他们提高鉴赏审美的眼光,对于学生思想道德素质的提高均有较大的帮助。在紧张繁忙的大学生活中,美术教学可以很好地开阔学生的视野,增强学生的人文素质,对于学生各方面的成长都有着积极的意义。由于教育教学工作者认识上的差距,对于目前的高校美术教学来说仍存在一定的薄弱环节。我们应该借鉴国内外的美术教学成功经验,提高高校美术教学水平来提高大学生的综合素质。 【关键词】美术教学;大学生;素质发展 一、引言 在当前提倡素质教育的今天,普通高校的美术教育教学也越来越受到重视。因为当代大学生在学习专业文化知识的同时,亟待补充有关美学和人文方面的知识,才能实现素质的全面发展。在大学生综合素质的发展过程中,知识的多寡并不能代替美术教育在大学生身心发展中起到的作用。大学的美术教学可以培养大学生的审美心理和审美层次,提高大学生的感知能力和情感能力,并对大学生的想象能力和创造能力进行一定的提高。实践证明,美术教学陶冶了学生的生命情感,完善了学生的人格,在提高大学生的素质方面起到了不可忽视的作用。 二、美术教学在大学生素质发展方面的作用 (一)美术教学可以在一定程度上培育大学生的创造性思维和想象力。 创造力是人类最美好的能力之一,西方教育学家认为,对于事物的探索欲和创造力是人类内部的基本驱力。人类生存过程中必然要运用到一定的创造力才能不断发明更好的东西,发现更适合人类生存的生活方式。人类创造力的提高,离不开情感和心灵的自由以及对美好的事物的感知。创造力的存在是新事物不断出现的前提,这种新事物既包括物质方面的又包括精神层面的。人类之所以成为人类,就是由于具备一定的创造力。人类社会的发展历程,就是人类的创造力不断发挥的过程。虽然在形式上有着一定的区别,但是创造力的实质是不变的。人类综合利用情感、智慧、生理、直觉、美感等条件,进行一定的创造。在美术作品中,就特别能体现出人类的创造力。创造力是美术作品的灵魂,不管是我国古代的彩陶还是西方古希腊的雕刻,处处彰显着人类历史发展过程中人类的创造能力。在具体的美术创作中,形象思维是美术创作者的基本思维模式。在一般的大学学习中,尤其是理工科的大学生,往往在逻辑思维方面有着很高的要求。逻辑思维往往要求学生循规蹈矩,亦步亦趋,在创造性方面有一定的不足。而美术教育教学往往能够对大学生的形象思维进行很好的弥补。美术教学要求学生思维敏捷灵活,注重强调个人性格的发挥,对于美术作业的完成也可以选择灵活的方式进行实现。美术学习教学方面的灵活,和美术课程的教学特点有着很大的关系。想象在审美的环节中有着很重要的作用,美术的学习和创作过程离不开审美创造力的发挥。在一定程度上来说,美术教育教学的过程就是使学生的想象力充分发挥的过程。想象能力和联想能力还有着一定的区别。联想能力是由某一种事物想到了与之相关的另一种事物,只是对于人们的心理范围起到了一定程度的扩大作用。而想象则是在头脑中创造出一种新型的事物。因此,想象能力对于创造力的发挥有着较为深刻的影响。在审美活动中,想象能力也起着很重要的作用,想象能力强的人,在审美过程中所感受到的美就越丰富,反之则越贫乏。大学里的美术教学,其特点之一就是可以通过美术教学来进行学生的想象能力和创造力的培养。这在高校的美术教育教学中已经形成了一定的共识。单纯的临摹和模仿在美术的学习中是没有多少价值的。即使是技术再好的模仿作品,也难以达到原作的水平。美术教学对大学生个性的引导、鼓励和培养,会使大学生的创造意识和创造动力获得空前的提高。这种创造思维在大学生的心中形成一定的定势,就会变成一种素质融入到大学生学习和生活的方方面面。从专业的学习到将来走向工作岗位,相信都会从美术教学中培养的创造能力中获益。 (二)美术教学有利于大学生的审美情感和爱心的培养。 在现在这个快节奏的社会环境下,人们在忙碌中无法静下心来体会生活的美好和内心的安宁。而艺术这个上天赐予人们的礼物,可以让人们在进行艺术欣赏时柔化欣赏者的内心,有利于人们爱心的培养。爱心是人与人之间相处的一种重要的素质,是善良的基础,一个没有爱心的人,必然是与社会脱节的人,没有爱心就相当于精神上的贫瘠。在社会中,爱是联系人与人之间的纽带。大学的美术教学,可以通过美术鉴赏课等形式,对学生进行艺术方面的培养,从而提高他们的审美情趣和审美水平,通过艺术的作用来柔化他们的内心,获得更多人文方面的滋养。促进大学生心理的健康发展。当然,美术教学并不是美术教学的最终目标与任务。对于大学生的素质教育来说,美育具有一种特殊的作用。大学生审美的过程,即是爱心的流露。因为在审美的过程中,人们会把自己最美好最善良的情感赋予所审美的对象之中。审美的过程体现出人性中的闪光点,越是懂得审美的人,越具有丰富的爱心。美术教学可以在一定程度上提高学生的审美鉴赏能力。鉴赏能力是随着学生素质的提高应具备的一种能力,一些学生和老师只关心一般意义上的文化知识层面上的教育,而对美术教育教学方面的审美能力和人文情怀不甚重视。这种情况导致了学生在成长过程中素质教育的失衡。通过美术教学,学生具备对美的认知欣赏能力,从而在生活中做到爱美、知美。有了一定的审美底蕴,大学生就不会对一些营养不多的流行歌曲或者一些平庸的肥皂剧进行追捧,也不会穿一些奇装异服来哗众取宠,以丑为美。因此,美术教学对大学生的人格修养起着一定的培育作用。大学生审美能力的提高来源于对于艺术语言的精确理解和对艺术情感的丰富体验。这种审美素质是依靠专业的教育和专门的训练来进行提高的。 (三)美术教学可以提高大学生的道德修养,培养大学生的心理调控能力。 美术教育在教学的过程中不仅体现在对于美术作品的表象美的欣赏方面,还包括在道德层面上的认知和把握。在中国的传统美育当中,一直在强调心灵美的作用。美术教育使学生认识到美感是从创作者的内心流露出来的,在道德的层面上达到了一定的认同感。美术同样可以给人带来道德修养方面的提高,起到一定的教育、教化作用。比如,在世界美术发展史上,有许多反映战争残酷的作品,从一定意义上起到了反战的作用。美术对于人们表现世俗中的情感,激发起人们的共鸣上有着一定的意义。美术的教化作用使大学生领悟到一种难以用语言表达的微妙而独特的精神氛围,足以涤荡心灵的污垢,达到一个美化心灵的效果。同时,对于大学生的美学教育还可以在一定程度上提高大学生的自我心理调控能力。因为,审美在本质上来说是一种超越性的活动,一个具备一定审美能力的人,在心理层面可以具备一定的自我调控能力。一是对于物质性的超越。美术教育是一种精神上的活动,审美的功用主要是进行精神上的满足和愉悦。要进行美术审美活动,需要与物质世界保持一定的距离。二是通过美术教育的审美训练,学生可以学会从另一种角度看待问题,从而变得更加达观,这是一种意义上的心理调控。通过对美术的学习,大学生在一定程度上还可以达到对于主客体关系的超越。主客体这一二元对立的概念提出对人类哲学的发展具有一定的意义,但是也存在一定的局限性,即忽视了人与自然的统一。通过对于美术的学习,使艺术的和谐性在学生的认知观念中发挥一定的作用,从而对学生的心理发挥一定的调控作用。 三、结语 随着社会的不断发展,人们对于大学生素质方面的教育越来越重视。高校教育工作者应该重视起美术教学对于大学生素质的重要影响作用,通过合理开展美术教学活动,来进行大学生的审美情趣和审美能力的培养,提高大学生的艺术水平,促进他们综合素质的全面发展。 作者:薛佳佳 单位:吉林农业大学 美术大学论文:民间美术在大学生艺术教育中的作用 民间美术,一般是指民间广大劳动者在长期的生产和生活中为自身需要而创造出来的带有很大的自发性、业余性和自娱性的造型艺术和实用美术,它是一种民族的基础文化,根据广大劳动者的自身需要和直观审美来传播和发展。民间美术与民族民俗密切相连,它是民族民俗文化的形象载体,是民族民间风俗生活的直观性审美表现。在民俗活动中,民间美术以纯美的视觉形式表达了民间广大劳动者群体的思想愿望、社会行为和文化方式,凝聚着人类社会群体审美心理和审美追求的全文化进程。中华民族地域辽阔,历史悠久,有着灿烂的民族辉煌。在这片土地上,众多的民族群体造就了多姿多彩的民族民间文化。民间美术在长期的发展变化过程中,伴随着社会进步和民俗演进,以其丰富的文化内涵、众多的艺术门类和样式、五彩缤纷的艺术面貌和鲜明的个性特色,显示出不可替代的艺术形态和常看常新的艺术吸引,是中华民族贡献于全人类的宝贵文化财富。 一、中国民间美术是爱的艺术 在人类历史长河中,生命意识与繁衍意识构成人类的基本文化意识。中华民族本原哲学体系核心的“阴阳相合化生万物,万物生生不息”的宇宙观和宇宙本体论,就是人类繁衍意识与生命意识的哲学升华。在社会现实中,生存与繁衍,是人类发展的基本要求,这种贯穿古今的社会发展的基本文化意识,同时也是民间美术表现的永久的主题。在中国民间美术作品中,对生命意识与繁衍意识的灌注是通过对生命生活的爱的表达得以体现的。从神祀祭拜、人生礼仪到年节时令,这些与人民现实生活联系密切的民俗活动,是人们最真切的尊重生命、企盼美好生活的行为方式,无不体现了普通劳动人民对生命和生活的爱。在一切艺术创作中,爱是永恒的主题,人类的艺术活动离不开对爱的体验。在中国民间美术中以爱为主题的理念更是鲜明而突出,执著而浪漫。这不仅体现在作者的人生感悟、艺术追求和创作实践当中,也体现在作品中所展现的各种题材和对其充满爱意的艺术形象塑造中。以民间剪纸为例,剪纸既是剪纸者的生活方式,也是传递情与爱的艺术手段。这主要体现在:对生活的爱。对生活的爱早已深埋于剪纸妇女的心中。她们大多从小受剪纸艺术的熏陶和影响,被剪纸作品中充满美好祝愿的各种趣闻故事所感染,加上她们诚实、善良、谦卑和无私的性格,这些都化为艺术创作的内在动力。因此剪纸内容多是以富贵吉祥、诸事如意、祈福辟邪、多子多寿、鸳鸯戏水、喜气盈门、年年有余等包含着美好愿望与爱的题材为主。生命真谛的真实体验,更体现出作者内心对美好生活的期盼与热爱。这种爱的新生、爱的重组、爱的力量使作品处处透着爱、洋溢着爱,并使爱成为创作的核心,也使剪纸艺术有了不朽的生命力。 二、中国民间美术是求真的艺术 中国民间美术中的真主要表现在对客观世界的真切关注和在艺术创造中情感的真率表达。在漫长的社会发展过程中,劳动人民在长期的密切合作、共同生活中,以世代承传的群体行为和共同的生活方式、共同的情感联系、共同的理想追求形成了独特而相对稳固的生活习俗和文明积累。在与自然的相互依存中,以社会的主体力量带动着民俗变换和社会进步。在现实社会中,对客观规律的探求、肯定社会存在和生命意义,是广大劳动者关注的永恒主题。他们追求的是现世的、直观的、可望可及的与自身生活有密切关系的生与死、爱与恨、祈求与佑护、幸福与繁荣。对于他们来说,风调雨顺、五谷丰登、人丁兴旺这些生活现实的真实存在和婚丧嫁娶、生老病死、祝福祈祥等具体的人生礼仪远比那些不切实际的虚幻的空想更为现实和重要。因此,民间艺术家总是满怀热情地去探求生活和自然中的客观之理、生命之美,并以直观生动的方式去表达。中国民间美术作品是人类追求美好理想的物化形式,也是历代民族群体繁衍生活的真实记录。他们用身边廉价的物质材料,用自己勤劳的双手和美好善良的心灵创造出绚丽的艺术世界,以表达他们豁达乐观的现实理想和执着的精神追求。他们不虚假、不做作,满怀真情实感的艺术创造保留了人类那颗没有泯灭的童心。它那既合乎客观逻辑又超越自然形态的综合造型正是人类共同追求幸福理想的真实展现,是基层劳动者借艺术创造以表达人们对生活的真诚渴望的实在的、执着的方式。它真实地体现了对生命价值的追求以及对现实生活赤裸裸的爱。 三、中国民间美术是求善的艺术 中国民间美术对于广大劳动者来说,完全是为了生存生活的需要而创造的,生活需要就做,不需要就不做。民间艺术“为生活”的实用态度是非常明确的。朱光潜先生说,实用的态度以善为最高目的。在社会实践经验中,人类体会到种种与人为善、平等相待、和睦相处,和谐共生所带来的美好与欢乐。这种于人、于己、于物、于人生都有益的功利性愉悦被人们总概为善,因为善的内容是美好的,因而善的事物的表象形式也就逐渐成为美的象征。在文化多元与世界一体化的现实背景下,以现代视角,回望传统文化的民族之根,民间艺术带给我们的不单是心灵的回归,更重要的是引发我们对现实与未来的追问和思考。民间美术作为民间艺术的重要组成部分,在民间美术作品里面所体现出的那种对生命生活的真爱,所体现出的真善美的完美统一,正是中国民间美术的核心价值所在,具有真正的现代意义。新一代大学生肩负着承传文明、开拓未来的历史使命。中国民间美术作为中华民族传统文化的“母体艺术”,是根,是源,是滋养和延续艺术发展的丰田沃土。挖掘中国民间美术中深刻的本原精神和丰厚的文化内涵,在大学生艺术教育融入民间美术的内容,可以起到培养大学生健康的审美意识,引导当代大学生走出迷茫的审美误区,确立积极向上的审美理想,遵循艺术发展规律,增强对美与丑的辨别能力,加深对民族民间文化的了解与认同,培养对劳动人民的感情的作用。 作者:张力克 单位:南阳理工学院艺术设计学院 美术大学论文:美术教育在综合性大学问题和解决策略 经济社会的不断发展推进了中国高等教育的变革。高校积极响应国家的政策,努力为国家培养优秀的适应当代社会发展的综合性人才。综合性大学也经济的展开了美术教育。在社会的发展中人们对审美有了新的要求,综合性大学美术教育的一些问题也逐渐显露出来。 一、美术教育在综合性大学中问题 (一)美术教育在综合性大学中办学力度不够 综合性大学在美术教育办学中需要处理的问题有很多综合性大学是由许多院系组成想美术只是其中的一个子项目。综合性大学开展美术教育专业是时展的必然趋势,综合性大学在一定程度上认识到了学校开办美术教育的重要性。但综合性大学的还处在美术教育的摸索阶段,学校对该系的办学力度不够。从一定程度上来说美术是一个贵族式的学习项目,纸、笔、颜料、模特等都是需要资金支持的。一个学生要完成高等美术教育需要投入大量的资金,最低标准为1万元。综合性大学对对美术教育的资金支持力度不够,学校的办学条件一般对教室、工作室、石膏模型、模特、书籍等资金投入有限,不能满足学生的课堂需要。由于资金投入过少无法正常的展开教育活动,综合性大学无法负担学生过大的外出写生费用,教学活动展开的力度有限。 (二)美术教育在综合性大学中课程安排不精细 在综合性大学的美术教育中的课程安排过于广泛,课程种类众多但不够精细深入。综合性大学美术教育课程设置与专业的美术学院存在着一些差异,在课程内容的设计上更加注重书本理论的教育。在实际的教学活动中并没有创新,只是依照专业美术学院的传统教学方法展开教学活动。这种教学方法沿用中国注重理论,注重技巧的教育模式。在该种教育模式之下培养的学生成为匠人的可能性多于成为艺术家的可能性。在专业美术学院艺术教育的基础上综合性大学美术还增加了一些公共基础课程。学生对待这些课程的态度各有不同,很少一部分学生能够认真学习。综合性大学的美术教育设置了众多需要学习的美术项目看起来很专业,但学生的学习时间和学习精力是有限的。学生将时间投入到众多的学习项目之中,每一种艺术都只是学会了一个皮毛。综合性大学的美术教育体系不成熟,正处在不断的摸索建设之中。 (三)美术教育在综合性大学中师资力量薄弱管理经验不足 综合性大学对美术教育的师资投入有限。在多数综合性大学教师结构单一已经成为了一个问题。从事美术教育专业的教师一般都是从正规的美术专业毕业之后在到综合性大学中执教的,教师队伍的总体水平一般教师结构单一。传统美术教育培养的专业化人才渐渐不能跟上当今社会美术专业的需求。教师队伍的组建缺乏高精尖人才。当前教师的思想受到传统美术教育理念的限制,教师自身文化素养也需要进一步的提高。教师对学生的管理能力也十分薄弱,学生的学习多数是靠自己。 二、美术教育在综合性大学中优化措施 (一)加大美术教育在综合性大学中办学力度 综合性大学需要充分的认识到了学校开办美术教育的重要性,积极的展开综美术教育探索,有意识的加大学校的美术教育办学力度。加大对美术教育的资金投入,加大对纸、笔、颜料等基础美术教育基本工具的资金投入。提高综合性大学对美术系学生的资金支持,适当的调整学校的收费情况,降低办学费用使贫寒学子能够独立完成美术学习。综合性大学需要加对美术教育的基础设施的资金投入,提高教室、工作室、石膏模型、模特、书籍等教学资源的整体水平,尽最大可能满足学生的课堂需要。加大资金投入积极展开教育活动,积极推广学生的写生活动,教学活动展开的力度有限。 (二)优化美术教育在综合性大学中课程安排 综合性大学的美术教育中的课程安排过于广泛,这即是一个优点又是一个缺点。学校需要将课程教育精细化,使学生对课程有一个深入学习。综合性大学美术教育课程需要教学优化设置将其与专业美术学院相同的优点发扬下去,注重课程理论教育,培养学生全面的美术理论体系。不断的在实际教学活动中进行创新,在传统教学活动的优势上提出新的办学理念。注重理论与重技巧的同时,加强培养学生的艺术思维与创新精神,努力为国家培养一批优秀的艺术家。加强对综合性大学美术教育中公共基础课程的建设。端正学生对待公共基础课程的态度,保证学生认真学习。改变综合性大学的美术教育课程设置的理念,聘请优秀的教师对众多美术项目进行专业的讲解,同时增加学生课程选择的自由行,使学生可以选择一些自身真正感兴趣的项目,将学习时间与学习的精力充分利用,展开精细化的美术教育模式。建立成熟的综合性大学美术教育体系。 (三)加强美术教育在综合性大学中师资投入与管理 加强综合性大学对美术教育的师资投入。改变综合性大学教师结构单一现象,充实当前的教师队伍。培养一些打破传统美术教育思想束缚的美术教师,跟上当今社会对美术的需求。将高精尖人才引入到教师队伍的组建中。教师需要不断的提高自身文化素养。教师需要加强对学生的管理能力,有意识引导学生的学习。 三、结语 美术教育是综合性大学中的重要组成部分,综合性大学需要加强对美术教育的资金投入,积极的推进美术教育课程的改革,将新的理念不断的带入到美术教育中。教师需要不断的提高自身的专业素养和文化修养,转变自身的教学理念积极的展开教学活动。 作者:王宁宁 单位:河南师范大学新联学院 美术大学论文:专业教育美术类大学生管理论文 一、美术类大学生个性特征 第一,思维活跃,但往往缺少大局意识。美术类大学生学习方式、学习习惯不同于其他文理科学生,思维方式比较开阔,乐于接受新鲜的事物,具有不拘一格的性格特点。但美术类大学生中间也存在重视专业技能训练、轻视理论学习的现象,有些美术类大学生很少关心时事,对人生价值、生命存在意义等感悟不深,容易受社会不良现象和多种价值观念的影响。 第二,崇尚个性,但往往团队意识较弱。美术类大学生独立意识和自我表现意识强烈,非常重视自我意识的表达,在生活中不盲从,在专业方面不跟风,能够找到独特的表现自我、表达情感的方式。但有些美术类大学生在考虑问题时多从个人价值出发,容易以自我为中心,团队意识较弱,缺乏合作精神,集体荣誉感不强,甚至对国家和集体利益缺乏责任感。 第三,竞争性强,但往往纪律意识涣散。美术类大学生大部分较早进行专业领域的自我训练教育,有可能误读个人努力的意义与作用。他们要求他人尊重自己,尊重人格,向往所谓绝对自由,但往往缺乏遵守公共生活准则的习惯,个人行为往往带有自由性和随意性。部分美术类大学生存在迟到、早退、旷课现象,学习纪律性较为松散。 第四,有自信心,但往往抗挫能力较弱。美术的表达在于艺术地展现自己对生活的理解和独特的理念,美术类大学生往往体现出与其他学生不同的创造力。在美术学习的经历中,教师往往以鼓励和赞扬为主,肯定学生独特的表现力。加之有些学生家庭条件优越,形成了较强的自信心。由于在专业学习和生活经历中缺少挫折经验,一些美术类学生承受失败和否定的能力较弱,在被批评的时候,往往不能够很好地理顺思想问题,出现消极情绪,甚至在生活和专业学习中陷入困境。 第五,重专业学习,但往往忽视文化基础的学习。由于在录取时美术类大学生文化成绩的不同要求,一部分学生入校后学习习惯较差,往往更重视专业课而相对轻视文化课程的学习。加之学习文化课时偏科,出现了英语等课程学习困难的现象,这影响了他们遵守学习纪律的自觉性;同时,也限制了他们综合素质的发展,甚至一些学生出现荣誉感缺失的现象。 第六,形象鲜明,但往往价值取向模糊。一些美术类大学生在行为方式上努力追随和表现自己心目中的“艺术家风度”,盲目追寻诸如浪漫放达、风流倜傥、傲骨脱俗、不拘小节、不修边幅的外在形象,追随强烈、张扬的外在特征,但由于学养不足,往往肤浅地理解某些艺术家的张狂、怪癖,影响了自己价值观的判断。第七,学生人数少,往往榜样作用较弱。美术类院系规模一般比较小,学生数量少,虽然专业教学效率高,专业教学成果比较丰富,但是学生之间距离感的缺少使其很难树立榜样。在日常的管理中,学生之间由于关系密切,很难做到学生自我管理。 二、美术类大学生教育管理策略 由于美术类大学生群体的特殊性,一味采取简单的“重病下猛药”管理方式容易形成学生对管理者的叛逆心理。由于美术类大学生比较重视专业学习,管理者可以采取“专业渗透法”进行教育,把专业教育与思想教育、就业教育、党建工作等环节结合起来,增强学生对日常管理工作的重视,充分发挥专业教师在日常教育教学活动中的育人优势。 策略一:融入专业教学,隐性实现思想教育。将学生思想教育融入专业教学环节,具有显而易见的优越性。 首先,在专业教育中贯穿的思想教育是隐性的,它平和又亲切,却又无时不在。专业学习是学生愿意接受和贴近的,它通常在潜移默化之中改变学生观念和品质。教育者可以用历届毕业生成功的经历感染学生,可以通过谈心的方式和学生交流生活中的困惑,甚至在专业探讨的过程中,插入针对学生日常管理和生活习惯的问题,通过这种不经意的提醒和点拨,潜移默化地影响学生对问题的看法。教育者通过言之有据、言之有理的批评教育与批评之后的问候和关怀,可以使学生奋发向上。 其次,专业教学可以常态化地进行榜样目标的教育。学生往往向往和崇敬成功的典范,而优秀毕业生是学生身边成功的榜样,具有现实的示范效应和可实现的成果。教育者要让学生看到自己和梦想的距离并不遥远,通过身边的成功者告诉他们,他们也可以做到。教师在常态化的专业教学中谈论到历届优秀毕业生的同时,可以选择性地介绍成功者曾经的奋斗或执着,让在校学生切实体会到成功不是等待得到的,成功与一步一个脚印地努力是息息相关的,让学生给自己一个准确的定位,学会在有限的时间内尽量完善自我。 再次,专业教师完成的思想教育,往往能够考虑到学生的特殊性和差异性。美术类大学生虽然个人意识较强,但往往情感较为脆弱,自尊心强。专业教师应了解学生的心理特征,体会学生的情感体验。相同的专业学习经历也是增进教师和学生相互理解的基础。专业教师在对学生提出批评和意见的时候要因材施教,发现学生的优点,为学生提供充分的表达自己思想的空间,充分尊重学生的个性,提出针对性的教育建议。因此,专业教师和学生之间建立互相理解和尊重,便于日常管理活动的顺利开展。 最后,学生喜欢陶醉在专业学习的浓郁艺术氛围中,在教育者的带领下,他们美术专业学习中的成功感被唤醒并不断被强化。在这种兴趣的驱动下,孜孜不倦的学习被理解为可以获得更多的锻炼机会,毕业也就能获得理想的单位。美术类专业教学以艺术或者设计实践为主,在参加各类比赛中不断有学生获得全国、全省有影响力的赛事奖项,良好的氛围会战胜不良的影响,学生在实践中会不断成长。 策略二:专业教师导师化,辅导员职责服务化。 美术类学生中存在散漫的现象。针对这一现象,采取简单的严格管理容易导致学生与管理者的对立。将学生管理融入专业教育,充分发挥专业教师队伍的特殊作用,是美术类学生管理的有效途径。 首先,将班主任机制改革为以专业教学团队为主的“导师制”,可以成功践行“寓育于教”。针对美术类大学生的管理工作,教育者应该利用学生对专业学习的热情,利用学生对专业教师的尊敬,结合专业教育、就业教育等环节,充分发挥专业教师教书育人的作用,实施并完善导师制,能有效地育人。将学生管理工作落实到专业教师,特别是运用模拟企业的运作机制,使学生在学习过程中自然接受职业道德教育。学生常规思想教育与行为管理已经成为常规教学的组成部分,将学生思想教育融入专业教学全过程,实现专业教育与学生管理协同。“导师制”实现了专业教师与班主任身份的合一,实现了机制创新。导师为保证教学过程的有效性,在教学的同时必然加强学习纪律和学习习惯的管理,自觉加强学生就业观教育,使学生管理平和亲切,却又无时不在。这样改变了以往学生管理队伍和教学队伍各司其职的现象,在潜移默化之中改变了学生的观念和品质。 其次,可以实现学生“技”与“德”同步成长。“导师制”的教学团队为了保证教学秩序的正常进行,必然增强育人责任心,必然会自觉加强对学生的管理,加强对学生的职业道德教育,这样改变了以前教师上完课就走的现象,实现了学生“技”与“德”共同提高。导师在教学过程中的特殊角色和教育方式,改变了过去学生管理“说教化”的现象,改变了教师与学生之间“管与被管”的角色关系,实现了高校育人品质的提高。学生不但专业技能和技术有了本质性提高,而且,由于“导师制”全面延伸至学生事务管理中,专业教师不仅完成了常规学生事务管理,还可以承担学生党团建设、班级建设、奖助贷学、义工服务、学生心理健康、评优评先等工作,提高了学生管理工作的针对性、实效性,也提高了学生团队合作等职业品质,使学生管理真正落到实处。 最后,使辅导员工作形成“服务化”机制。辅导员转为服务者的身份后,管理者和学生之间的沟通可以转型为专业型的沟通,能够达成良好的相互理解,也易于建立师生之间相互信任的情感纽带,从而有效发挥专业导师在学生管理中的特殊作用,对于提升学生管理工作水平十分有效。如,组织学生开展企业项目教学,模拟企业员工工作,模拟企业岗位的训练,训练学生的团队合作能力,使学生在校就体验岗位角色,实现“入校即入职”的管理理念,实现教、学、做一体化的校企“零距离”对接。辅导员组织学生形成孵化小组,一边完成项目工作,一边学习岗位合作,以模拟企业角色的方式进行教学和管理,辅导员与学生、学生干部与普通学生的管理关系转化为企业内部的岗位管理关系,有利于学生接受管理,有效地软化了学生干部与普通学生的学生管理关系。 策略三:建立就业危机教育,完成自律性提高。 美术类大学生由于较高的学费和激烈的竞争压力,对未来的职业要求更高,当在就业中遇到挫折时,往往容易走极端。如,一些美术类大学生有“成功梦”,认为坐在舒适的设计公司或开办自己的艺术工作室就是成功。虽然他们将成功理解得过于简单,缺乏切合实际的就业观,但这也说明他们意识到就业的危机性,就业教育对他们来说具有一定的动力。将就业教育与学生管理教育相结合,是实现学生管理目标的有效途径。事实上,随着近年经济走势的变化和高校的扩招,美术类专业毕业生的就业形势较为严峻。但是部分美术类大学生没有充分认识当前的就业形势,以想当然的态度应对就业的压力,不知道散漫的行为方式对自己未来的职业生涯规划相当不利。运用职业生涯规划教育和就业教育,可以让学生正视自己的缺陷,振作精神。美术类大学生教育要将生命和生活的价值教育落实到职业生涯层面,将职业生涯提升到生命价值和生活意义的层面理解,以职业生涯规划为导航,使学生带着感恩心、进取心规划自己的人生,正确认识自己的个性特征、兴趣偏好等,从而定位自己,使职业生涯规划具有强化人生成功可能性的价值。特别要对美术类大学生进行榜样教育,请企业专家或优秀毕业生介绍成功经历,让学生领悟到仅有一身技能不见得就可以成为好员工,企业需要的往往是默默奉献、吃苦耐劳、不计较名利的员工,需要的是品质优良的员工,让学生在生活体验中感悟职业生涯规划,将随之产生的对生命价值、职业追求以及自身的思考融入职业生涯,体会到奉献、合作的快乐,在学习中成长心智,在实践中成就人才,在锻炼中强壮体格,在自我修养中完善人格,在思考判断中追求正确的信仰和价值观。美术类大学生由于具有与其他群体大学生不同的特性,不能通过简单的批评、惩罚、处分等方式,由辅导员统一管理,应该倡导以专业引领的管理方式。他们需要一定的施展才华的自由空间,管理者应允许他们有非原则性的“出格”,允许他们创造性地表达自我思考,这样有利于管理者与学生建立和谐健康的师生关系。 作者:戴拥军 单位:珠海城市职业技术学院设计学院 美术大学论文:当代大学美术教育现代科技论文 一、现代科技在当代大学美术的教育现状 众所周知,由于现代科技的强力冲击,当代美术教育理念及方式的发展方向发生了改变,以视觉文化的审美趣味性和创造性为主题的美术教育正在兴起。亦正是现代科学技术的影响,美术教育的体制必然会出现相应变化。我国的教育纲要明确指出:“美育对于培养学生健康的审美观念和审美能力,陶冶高尚的道德情操,培养全面发展的人才具有重要作用。”美术教育是美育的主要阵地。在当代中国艺术教育体系中,我们对美术教育的诠释更加科学,如教育概念的界定范畴不仅包含技能上的培训,还需着重强调“视觉美术教育”或者“视觉文化教育”的价值和意义。如今美术教育的空间范畴大而广,它包含了各种与视觉有关的艺术作品、艺术现象和视觉图像等方面,也包含了传统的绘画和雕塑以及工艺等方面的知识与技能。当代的美术教育实际上指的是视觉艺术教育,特别是现代科技对传统美术教育的冲击和影响表现的尤为突出。首先,现代科技的发展,特别是电脑美术的产生,对传统艺术具有较大的冲击和影响。对于当代美术教育的工作者而言,更加需要以开阔的视野和发展的眼光,建立起艺术创造力的主体性意识。电脑美术是以计算机及其外围配套设备为主要载体的一种新兴视觉艺术种类,其设计速度比传统美术样式可提高数十倍乃至数百倍。 软件方面,以Photoshop、CorelDraw、AutoCAD、3DSMax为主的绘图软件对传统纸笔颜料美术绘图产生着巨大冲击。每一种电脑制图软件的推出都显示出了微电子科技巨大的数字化魅力,而传统的美术表现技法,如油画、国画、版画、水彩画、素描、水粉,必然受到数字虚拟界面的影响,而审美大众甚至美术教育的主体意识也将发生革命性的变化。其次,摄影技术的诞生,使得对生产生活以至于传统绘画存在的必要性发生了问题。在很大程度上,我们似乎很难分清楚现代科技与视觉艺术教育之间的关系,而作为两种对世界不同的掌握方式,必然有着各自内在不同的规定性。一般来说,现代科技是理性的思维方式,它往往诉诸概念、原理,强调逻辑性、前沿性,需要主观符合于客观,追求真理,是人们对自然规律、社会规律知识性的给予;美术教育是一种感性思维方式,它以审美体验为基础,诉诸形象,强调主体的感受、体悟等形而上的精神表达,要求客观见之于主观,追求审美,给予人们的是审美和情感的积极愉悦。虽然摄影技术的革新层出不穷,使人们的视觉得到了前所未有的开阔。然而,随着审美意趣在客观再现的追求中发生异变,促使现代艺术走向内质与抽象的表达。如今,高科技数字媒体技术的影像时代已经来临,如何处理其与传统美术图像的表现关系,值得考虑。现代美术教育系统已经充分利用数字媒体技术来处理传统图像学知识和技法,这将给予传统美术教育以巨大冲击。因此,美术教育这种特殊性的内在特质,决定了现代美术教育中建立起主体意识的必要性,尤其是对于现代科技影响下的当代高校美术教育来说显得相当重要。 二、现代科技对当代大学美术教育的启示 如今人类社会已经迈入知识资源共享与信息网络化的境域,现代科学技术对美术教育的创新和变革起到了重大的推动作用。美术教育工作者通过现代信息获取技术,可以同步掌握不同民族不同地域不同时代的教育资源。现代美术教育的创新离不开信息的支撑,无论是现代艺术的教育性质,还是技术手段的全新应用。这对于国内外美术流派与思潮信息的把握更是至关重要,而这些信息来源的途径主要是数字媒体。当今科学技术发展的特点是突然与迅猛,它在不断发生裂变的同时,也在逐步改变着人类的物质文化生活和精神文化生活。譬如,视觉传达教育在二十多年的发展过程中,不断的变换角色。这些主要体现在两方面:一是美术教育视觉传达数字机能的引入和传统的教育方式相结合。二是快速的科技发展给视觉传达教育注入新的活力,互联网及计算机技术所带来的视觉语言,反映了全球化对中国现代视觉设计的影响。我们在很短时间内逐步与国际接轨,“读图时代”的到来,网络、电视和印刷品等“国际化”的特征更加明显,这些都归于西方视觉设计教育的影响。同时,具有传统文化特征的中国化设计特征逐渐显露。现代科技促使视觉传达艺术形式更加完美,而中国传统文化及图形融入到“国际化”的视觉语言中,显示了其不断的融合与交汇的发展趋势。由此可见,科学技术几乎以登峰造极式的神奇方式,给人们的各个生活的空间领域带来革命性的的变化,使人类几千来年的梦想在这里变成现实,变成了一个肯定现实生活和对未来幸福生活充满憧憬的时代。 作者:李华单位:重庆三峡学院 美术大学论文:美术教育与大学生的创新力 一、在大学美术教育中突出培养学生创新能力的具体实践 1.全面提高对大学美术教学的认识是基本前提 在认识上,高校要营造一种氛围,倡导客观、全面、合理地认识大学美术教育。教师应重视大学美术教育的作用,切实发挥美术教育的优势,从选材到课堂再到日常,都应注重对学生创新能力的培养和提高。例如,在日常教学中,教师不应只是单调地对学生进行纯理论的灌输,应该结合比较形象和生动的故事、影视、生活实际等,吸引学生的学习兴趣,都说“兴趣是最好的老师”,如果教师能够引导学生建立对美术学习的广泛兴趣,那么创新能力培养的顺利开展就有一个很好的基础。学生应真正地接受美术教育,将美术教育转化为增强和提高自身创新能力和综合素质的途径。高校在进行课程设置时,要突出和强调美术教育的重要性,完善相关的教育教学设施和环境,全方位、多角度共同努力,促进大学美术教育教学活动的顺利开展。 2.在具体的实际教学中,突出创新能力的培养和提高是核心内容 创新能力的培养与提高并不是一朝一夕的事,需要在课堂教学和课外实践中不断推进。具体而言,在实际教学中,教师应积极培养学生的创新能力,积极发挥学生的主观能动性,突出学生的主体地位,开展有利于培养学生创新能力的教学互动。例如,在实际教学中不仅应进行理论教学,更应积极倡导学生走出课堂,应用生活中的各种材料,观察细微的平常事物,不断发现典型,并将典型上升到艺术的高度。具体来说,可以通过建立学习小组的方式,让学生以小组的方式去写生,回到课堂以后,可以展开激烈的小组讨论,并通过小组互评的方式进行教学。这不仅有利于学生团队合作能力的培养,更有助于学生创新思维的形成,并且这种日常的学习应持续进行,将团队合作和创新意识融入学生的日常生活。因此,理论与实际相结合,共同融入大学美术教育是培养学生创新能力的具体途径和核心内容。 3.不断完善配套的激励、考核、评价机制是根本保证 考核和评价方式往往是接受美术教育的大学生最直接、最关心、最现实的问题,试想,如果大学美术教育最终的评价方式并不体现创新创造能力的考核,那么大学美术教育中进行学生创新能力的培养就会沦为一纸空文。因此,学校、教师必须从考核和评价方式上,肯定和确保大学美术教育中创新能力培养的考查评估。如,在最终的考核形式上可以通过灵活度、想象空间较大,需要融入额外的创新思维和能力的题目,来评判学生成绩,进而特别强调和突出创新能力的应用,可以通过创新成绩的方式,鼓励学生积极地发挥主观能动性,不断进行创造性学习。因此,高校必须建立健全大学美术教育的相关考核和评价机制,这是促进大学美术教育对学生创新能力培养的根本保障。 二、大学美术教育中培养学生创新能力的重要意义 1.大学美术教育中对学生创新能力的培养 有利于改进教育工作者的教学方式和教学内容,促进学生人生价值的自我实现和全面发展大学美术教育中注重培养学生的创新能力是素质教育的基本要求和应有之意,这对教育工作者和学生都有百利而无一害,不仅有利于教育工作者的全面发展,更有助于培养出具有创新能力和综合素质的新型人才,实现人的全面发展。对教育工作者而言,大学美术教育注重培养学生的创新能力可以促进教师灵活地开展教学活动,在进行学生创新能力的培养时,个人创造水平也得以提升,真正达到教学相长。对学生而言,大学美术教育有利于将学生打造成符合社会需求的高素质的综合型人才,其在将来走向社会以后,能够不断创新、创造,突破自我,为社会做出贡献。 2.大学美术教育注重培养学生的创新能力 有利于美术教育学科的发展以往,部分人对于美术教育的定义就是,学生机械模仿的一种学习。有些人评判学生美术成绩的方式是看画得“像不像”。因此,大学美术教育倡导培养学生的创新能力,对于美术教育学科本身而言就是新的突破与发展。高校通过大学美术教育对学生创新能力的培养,培养出一大批具有高素质的全面人才,这有利于美术教育学科研究工作的继续开展,从而促进美术教育的发展。由此可见,大学美术教育中对学生创新能力的培养,与全面的高素质人才是处于相互促进的良性循环之中的。 3.大学美术教育对学生创新能力的培养 符合当前我国对人才的需求,以适应促进现代化建设的需要大学美术教育对学生创新能力的重视,培养出一大批符合社会经济发展需要的、新型的、具有创造性思维和能力的高素质人才。这些人才走向工作岗位,发挥他们的创新能力,有利于提升我国的自主创新能力,把我国打造为“创新型”国家,符合我国的“人才强国”和“科技强国”的战略理念,必将有助于我国中国特色社会主义现代化建设。 作者:陈澄单位:贵州大学科技学院 美术大学论文:美术教育中大学生创新力的培育 一、巧妙选择美术教学内容,着力培养学生创造性思维 还要注意布置的课外作业要有一定的扩张空间,能让学生充分发挥想象力。在教学过程中,基础训练中的模仿虽然很重要,但是如果学生一味地模仿,不顾及内心感受,没有进行思考总结,就会使自己的思维出现停滞不前的状态,这样的课业内容乏味、没有含金量,也会阻碍学生的创造性思维发展。所以,在教学过程中,教师应引导学生从不同角度思考问题,大胆说出对问题的不同见解,进而培养学生的创造性思维。在美术教学中,教师会经常组织学生到室外写生和进行社会实践,这是为了培养学生的观察能力和想象能力。教师应用心设计这类活动,巧妙运用教学方法,调动学生的学习积极性,培养他们敏锐的观察力,不断提升其想象力,使学生在活动中发现美,进而提高其审美水平和创造美的能力。 二、建立合理评价机制,培养学生敢于创新的自信心 对学生的学习成果进行合理、正确的评价,使学生树立敢于创新的自信心是非常重要的。教师在对学生进行评价时,要综合学生的学习成果进行衡量和评价。如果片面地对学生成果进行评价,会对学生的发展造成一定的消极影响。合理、科学的评价机制会使不同素质、不同智力发展水平和性格特点的学生在美术活动中均得到一定发展,让每位学生享受到劳动成果所带来的喜悦,使学生在活动中树立敢于创新的自信心。教师不能在教学过程中用标准答案限制学生,忽视学生的个性,这样将会使学生注重课业的表面效果而忽视课业的质量,没有创新见解,因此教师要大力培养学生敢于创新的自信心。 三、因材施教,注重培养学生的创新意识 培养学生创新意识的关键是因材施教、正确引导。大学时期是学生思维和认知能力最活跃的阶段,他们对新生事物感到好奇,充满热情,并善于发挥内在的创造活力,是实现创新的主干力量。大学生有无限的潜能,教师需要不断对其潜能进行挖掘和开发,才能使其创新意识不断成长和发展。教师在美术教育中应因势利导,鼓励学生不断发挥他们的创造能力和想象能力,激发他们不断创新,使他们形成具有自身特点的艺术个性。在美术教育教学过程中,教师要尊重学生的独特艺术个性,给予他们充分的想象和发展空间,鼓励学生在领会教学内容的基础上,将自己心中所想大胆地表达出来,还要对其他同学的作品表达不同的见解。教师应对学生的见解进行诚恳、热情的指导,使学生在愉快的氛围中学习,敞开心扉,释放自己的真情实感。 四、结语 随着我国素质教育的不断深入,人才观念也在不断更新,培养学生的创造力、促进学生全面发展和保持学生自身个性三个方面逐渐成为检验教育教学质量、成果的关键因素。因此,美术教育工作者要注重对学生创新能力的培养,并对此做出坚持不懈的努力。 作者:阳柳宋羽单位:江西工程职业技术学院 美术大学论文:美术大学生养成教育 [论文关键词]规划意识自律意识集体意识文化学习意识 [论文摘要]高校美术新生冈有其特别的性格行为,美术生辅导员在进行新生教育时要根据美术生的性格行为特点,有针对性地对新生进行以规划意识教育,自律意识教育,集体意识培养,文化学习意识教育为重点的新牛养成教育。 新牛教育是高校思想道德教育的重要一环,应该根据新,丰类型采取不同的教育方法。美术新生是高校新生中特别的个群体,但是有关他们的教育研究目前并不多见。因此,笔者希望通过本文加深对新生教育的研究深度,提高高校教育工作者对新生教育的认识。 要做好美术新生教育,首先要分析他们的性格行为特点及管理难点。 美术新生,对大学存在理想化的认识,充满好奇与迷茫;但也有着鲜明独特的性格和行为方式。 1.充满理想,具体目标缺失 美术新生充满艺术家情结,喜欢理想,常常会梦想将来拥有自己的设计室和作品集。可是他们进入大学,脱离老师手把手的指导后却不会自己设定目标,从具体的行动中实现理想。于是,不知如何规划生活条理和学习进度困扰了大部分的美术新生,令他们未能有效地安排学习生活。这一种情形在美术新生中较为普遍,并持续较长时间,直到下学期中断才有所好转。 美术新生充满理想却不会规划不会行动,这给辅导工作带来了一定的难度:既不能伤害学生的理想或伤害他们的积极性,也要让学生懂得具体目标的重要性,让学生养成规划的习惯。 2.个性随意,纪律意识淡薄 美术生创作讲究灵感,生活随意,想创作的时候就立即记录下来,没有灵感的时候就睡个够;学习本着及格就行的态度,行动lz不紧不慢,纪律意识淡薄。但大一生活讲究纪律,他们不但要参加军训,要早读,要按时上课,要考试,还要参加社团活动,参加会议等等,而这些活动都有纪律要求。美术新生不…‘定认同这些规章制度,有时还产生抵触情绪,做出不理智的行为。 美术新生忽视纪律的情形是新生管理的一个工作难点:管得太-严,学生不买老师的账;太松没有效果。这就要讲究一个度和方法,要学会激发他们创作热情的同时保证他们按时上课。 3.自我意识强烈,班集体观念淡薄 美术新生个人意识强烈,重视个人价值,在要求自己有个人风格的同时,也要求别人能认同自己的看法。这些特点郜使他们在与人交往中要求特别严苛、缺少宽容、难以与人合作,不容易融入集体生活、缺乏班集体观念。大学生活离不开集体,集体就是一个小社会。美术新生必须在这个小社会中学会各种生存规范,各种相处之道。 美术新生班集体观念淡薄是新生管理工作的难点:既不能打击他们的个人意识,但也不能让个人意识影响了班集体的团结。所以,美术生辅导员要做到这两点并不简单。 4.文化基础薄弱 由于历史原因,美术新生学习习惯差、稳定性差、情绪化、功利心态明显、随大流、缺乏个人主见。这些问题造成美术新生成绩不理想、补考人数多。如一个二十多人班级竟然有半数在文化课考试中高挂红灯。而且,薄弱的文化根基导致美术生在表达能力上稍逊。新生在文字表达、口头表达或者在人际交往中表现出语言浅薄,逻辑不清,错别字多,主题不明等问题。 因此,帮助新生营造良好的文化学习氛围,形成文化学习习惯,提高个人表达能力是美术辅导员必要的工作,不可轻视。 根据以上提到的美术新生的特点,美术生管理者要有的放矢地开展新生教育才能起到良好效果。 1.明就业形势,促规划意识的养成。 针对美术生喜爱沉浸理想、漠视现实的特点,新生辅导员要让美术新生明了当前就业形势,培养学生的规划意识,促进学生脚踏实地地开展大学生活。 在数据中了解就业形势。具体的就业数据能让美术生明白现实、重视现实。从开学初就要让学生知道最新的就业状况,给学生列举各种有用的数据,如全国美术专业就业人数,单位用人需求量,各类美术院校最近的就业率,各美术专业的工作满意度……各种的数据对初来大学、不理会现实的美术新生来说都是一个刺激,刺激着他们奋发的神经。 明了就业工作技能。美术新生不仅要知道就业数据,还要知道从事美术专业所需的技能。技能范围非常广泛,有基本的绘画技能,平面设计技能,环境设计技能,广告设计技能,还有文化素质的培养,创作思维的培养等等。要熟练掌握这些技能不是一朝一夕的事情,要有目的地去规划。而以所做的无非是要新生主动地尽快地调整心态,珍惜时间,学会规划大学的每一步。 根据形势,根据技能要求,根据个人特点,辅导员可以按照目标管理的方式培养学生养成规划习惯。如长短规划结合:指导学生为每一天、每一周、每一月都定下学习任务:进而设定四年的规划,如大一要积淀文化根基,打好绘画基础,掌握各种画法的技巧,开始接触基本的软件操作;大二要在软件设计上有所深化,设计成型作品,并渐渐塑造个人绘画或设计风格;大三要重点突破,根据个人兴趣和能力,深入钻研一个项目并有所突破;大四要积极实习,锻炼求职技巧,为就业作最后的准备。2.软硬兼施管纪律,促纪律意识的养成 美术生随意和自尊心强的性格特点令纪律意识的养成成为教育美术新生最令人头痛的一环。要有效地促成自律意识的养成就要软硬兼施。 软:以理服生,以情动生,以榜样领生。首先,教育者要从课程价值和纪律要求等说理方面给学生打下预防针,正所谓“无规矩不成方圆”,让学生树立起按时学习和遵守纪律的观念;其次,在“感恩教育”中打动学生的情绪,让他们懂得通过努力学习和找份好工作来回报父母的养育之恩,懂得通过“惜取少年时”来为理想奋斗;最后,在“榜样教育”中引领新生的行动,让班干部成为遵守纪律的榜样。只要充分调动班干部,让每一个班干部都带领一群同学遵守纪律,按时上课,那么自觉遵守纪律就会蔚然成风,达到预期目标。“软”工作的实施就是希望能最大程度上调动美术生的自觉性,实现自我管理自我教育的目的,正如苏联教育家苏霍姆林斯基所说“没有自我教育就没有真正的教育。” 硬:“违章必究”,不手软。由于美术新生的自律意识波动性大,思维片面,范围较狭窄,所以要通过相应的处罚措施来警戒不遵守纪律的学生。既然之前已经和新生声明了规章制度,那么考勤就要严格执行,落到实处。一旦知道考勤只是做做模样,美术生是有可能一个都不来的。如何做到“违章必究”就要依靠教师和学生干部的共同努力。教师平时就要处处留心学生上课的出勤状况,特别注意旷课迟到的“积极分子”;学生干部要及时向老师反映出勤状况以及同学学习状态等等,让老师采取相应的处理办法,或个别辅导,或全体教育。 良好的学风依靠良好的纪律意识,只要大家齐心协力,“软硬并行”,必定能培养美术新生遵守纪律的习惯。 3.多种活动增感情,促集体意识的养成 “人以群分,物以类聚”,团结友爱活跃的班集体能培养出个性完善的学生。而根据美术新生以个人为中心的特点,教育者就要通过创设多种合作活动,加深学生间的感情,培养学牛的集体意识,提高学生的交往能力。这些活动包括:军训,创建工作室,组织校外活动,充分发挥班干部的协调作用等等。 首先,军训是锻炼合作精神的大好时机。军训中的集体活动可以迅速融合一个班集体,共同为取得军训的好成绩而携手努力,培养彼此间的信任和感情,消除交往中的芥蒂。 其次,通过创建设计工作室加深学生间的了解,培养新生的合作精神,生活交流的技巧;再次,组织校外各种类型的活动既能活跃身心,开阔眼界,还能培养学生的互助互爱精神,加强班集体凝聚力。特别需要指出的是,要建设好二个班集体,班干部的作用是必不可少的。班干部在美术班上的作用要大于其他的学院,因为随性自我的美术生更容易接受一个有能量的榜样,一个有威信的领军人物。因而,教育者一定要找出能力强威信高的学生担任班干部,带领同学共同组建一个优秀班集体。 4.兴趣添信心,促文化学习意识的养成 美术新生由于对文化学习一向重视不够,才造成根基浅薄,信心不足。因此要促成美术新生的文化学习意识的养成,就必定从增强他们对文化学习的重视程度和信心着手。 要让学生重视文化学习就得先让学生认识到拓宽绘画和创作的空间仅有美术知识和美术绘画技巧是不够的,而不地学习基础文化知识能增强个人的美术修养,触发创作灵感。古今中外文学经典,国内外令人神往的风土人情,文理科的独特思维,生理心理上的奥秘等等,都可以提升美术生的气质修为;而文学作品中的点滴,器物用具中的细节,特别风情中的奇妙之处,心理学上的一个纯粹名词都可能成为激发美术生创作的源泉,令创作的火花产生灿烂的光芒。其次,要增强美术生对文化学习的信心就要给他们更多可以表现的机会和平台,鼓励他们大胆动笔,大胆发表见解,勇于表现特长。同时,在展现的平台上培养他们对文化学习的兴趣,兴趣越浓,学生越重视,表现得就会越好,信心自然就越足,文化学习的氛围自然越浓,学习的意识自然越坚定。 美术新生是有冲劲有理想的一群,也是自我无目标的一群。新生教育不仅要让他们学会规划大学,还要规划一生;不仅要让他们学会遵守班级学校的纪律,还要遵守社会和人生的规范,做正派的人:不仅要让他们学会合作,关爱他人,爱护班集体,还要学会爱学校爱民族;不仅让他们学会积累美术的技巧,还要学会修炼文化素养,积淀人生点滴,丰富人生。这样他们才能在出色完成学业的基础上,调整知识结构,完善能力素质,为职业生涯作充分的准备,为人生画图的展开绘出精彩的一笔。 美术大学论文:美术鉴赏对大学教育的影响 摘要:爱美之心人皆有之,审美是大自然所赋予人类的一种本能,所以对美的学习是当代大学生所必须要掌握的一门心理学知识。随着我国教育体制改革的不断深入,美术鉴赏课也逐渐走入了我们的大学课堂。美术知识的学习、审美能力的提升这些基本的学习内容无一不跟美术鉴赏课堂有关,因此美术鉴赏对大学教育的影响是非常深远的。因此,从美术鉴赏的概况、美术鉴赏的功能、美术鉴赏对大学生身心的影响这三个主要方面对美术鉴赏进行简单的论述。 关键词:美术鉴赏;大学教育;影响 进入到新世纪以来,国家对素质教育不断提倡,所谓的素质教育就是要让学生在一种和谐、健康、积极的环境中学习和成长,为学生树立正确的世界观、人生观和价值观提供一个良好的环境。大学是培养人才的摇篮,而美术鉴赏是一个人必不可少的一项基本技能,因此美术鉴赏进入大学课堂是培养学生学会学习、学会自立、学会做人以及学会分辨善恶美丑的一项重要举措。那么美术鉴赏课究竟是如何对大学生产生如此大的影响的呢?笔者认为主要有以下几个方面。 一、美术鉴赏的概况 (一)现状 进入新时代后,随着物质水平的提高,人们在温饱得到满足后开始增加了对物质文化的需求,在艺术感受和艺术需要方面有了更高的要求,文化的多元性在教育上得到了广泛的体现。当今社会需要的人才也由专一化转向全面发展,大学生自身也愿意去学习和接受各种形式的文化,注重提高自己的文化水平和素养。美术鉴赏属于比较广泛和普及、也是相对于比较好理解和接受的一种文化传递形式。美术作品可以开阔学生的视野,形成学生对美的鉴赏,作品传递的思想和表达的内涵,又可以培养学生对美的事物的判断和吸收能力,因此美术鉴赏受到广大学生和教师的喜爱[1]。 (二)特点 虽然美术鉴赏课程在各大高校都有设立,但它的教学内容和教学形式不一定就适合本校学生的文化需求。其不合理性主要体现在以下几个方面:1.课程设置不够完善和科学它的设置具有不均衡的特点,如对课程的安排时间不合理、课时较少、种类较少。一般美术鉴赏都为几个学期的必修课程,必修课程具有内容单一的特点,适用于专业课和基础课程的学习,但对于美术鉴赏这类灵活性较高的课程,可以根据学生想掌握的方面进行统计,设立多种课程供学生进行多样的选择,满足学生对于美术鉴赏的需求[2]。2.美术鉴赏过于形式化在大多数的大学美术鉴赏课堂上只是一味地进行美术作品的观赏,只了解教材上相对应的作品,没有深入地去了解艺术品的创作背景和过程,要表达的情感也没有进行深入地了解。美术鉴赏的最终目的不是知道一个作品的内容和作者这么简单,而是要通过对作品的鉴赏,达到自身审美素养的提高。 二、在大学教育中美术鉴赏的功能 (一)认知功能 作为知识认知的一种方式之一,美术鉴赏不仅可以有利于大学生开阔视野,也有利于对更多知识的不断积累。美术鉴赏的内容往往千变万化,从古至今美术鉴赏就一直被人们广为推崇,比如古时候的人们对诸如瓷器、画卷、折扇等常见的东西进行美术鉴赏,通过鉴赏可以对其质地、产地以及铸造工匠等相关信息进行得知。由此可以知道:通过美术鉴赏可以帮助人们对于事物进行进一步地认知,现代人通过对于古时候的作品进行鉴赏时,除了上面所说的信息的认知以外,还能够帮助人们对了解其所出产的年代、艺术价值以及市场价格,等等。美术鉴赏的认知功能可以更好地提升大学生对于传统文化的认知,由于现在科技发展非常迅猛,很多人都在紧随着时代的步伐,人们对于事物的鉴赏能力也逐步提高,然而更多的是对事物表面的认知,却将其本质忽略了。因此,加强对大学生的美术鉴赏教育,在丰富了学生业余文化的同时,也能够帮助他们对事物进行更深层次地理解及认知[3]。 (二)教育功能 对于艺术的鉴赏,首先是提高了人们对于艺术作品的认知程度。在认知程度的基础上,更有利于我们去对艺术作品在艺术方面进行更深层次的发掘和探讨。通过对于艺术作品的创作者来进行分析,我们可以了解到艺术品的创作者在创作的过程当中是何种心理状态,以及创作者想要表达的艺术思想。例如:对宋代《清明上河图》的作者张择端进行分析可以知道,在他创作这幅巨著时所生活的年代的背景以及他所处的社会阶层,由此也可以引申到画中的内容,通过画中的内容可以知道当时的社会现象以及经济的发展状况,为我们能够更多地了解宋代时期的政治、经济和文化等诸多领域做出了巨大的贡献。美术鉴赏不仅能够起到对学生教育的作用,同时也培养学生的创造力,而创造力的基础必须经过教育才能够实现。因此,通过美术鉴赏可以丰富学生的想象空间,提高思维想象力,能够更好地开拓思维,并在潜移默化的认知过程之中不断地进行思维创新。 (三)审美功能 审美是人意识的一种特殊形态,是人在主观上对于世界的认知、感知与理解的过程。人的审美可以让人找到需要或者喜欢的东西,然而人的审美能力并非是天生所具有的,而是需要人们通过不断地接触事物,并在脑海中增强感知,再加以后天的教育从而培养起来的[4]。审美功能具有基础性和普遍性,同时,人的审美能力也是与道德相关联的一种感官能力。也就是说,人们具有审美的功能,就可以在对所认知和感知到的事物产生一种潜意识的审美思维,通过这种审美的思维,人们可以进行情感的把控以及表达。大学教育中,学生通过对艺术作品的鉴赏,不断地加强大学生对于审美方面的教育,不仅有利于陶冶个人秉性,促进学生形成更好的审美思维以及审美的理念,更有利于他们树立正确的人生观以及良好的人格魅力,也有助于在今后的学习、工作中能够发挥良好的创新思维和创造力,进而更好地服务社会和人民,创造更多的社会价值[5]。 三、在大学教育中美术鉴赏的影响 (一)创造性思维的培养 我国的传统教育对青少年的创造性思维培养不够,这主要是因为长期的封建传统政策和小农经济以及将近几十年的计划经济管理体制的运行使人们的创造性思维受到了严重的压制。这种偏爱有知识和技能但因循守旧的社会结构使人们的思想处于一种被动的状态之中,人们忽视甚至忘记了自己的创造能力。因此,在美术鉴赏课堂中,我们不以培养学生的鉴赏能力为教学重点而是以培养学生的创造性思维能力为教学的最终目的[6]。丰子恺先生曾说:“想象是一个非常重要的东西,我们可以用想象是有形的东西变形,同时我们也可以用想象使无形的东西有形。”因此,在大学教育中美术鉴赏是一堂必不可少的课程。 (二)审美能力的教育 自然美、社会美、艺术美这些都是人类审美能力的涉及范围,我们生活的世界是一个灿烂的世界,这个世界上存在着太多太多的对比,如美与丑、对与错等。因此培养学生对美的审视能力,让他们善于发现生活中存在的美的本质是大学教育责无旁贷的一件事情。在美术鉴赏课堂中,教师通过对美术作品的讲解,拉近学生与美术家们的距离,使学生与美术作品产生一种审美关系,这样就会使学生在美的享受中提高自身的审美能力,并且能从教师的讲解中充分感受到美对身心的愉悦功能。 (三)广博知识的学习 艺术家豪泽尔曾经说过:“有的人也许天生就是艺术家,可是如果想成为鉴赏家就必须要经过学习与教育”。美术鉴赏课是根据人的理解能力而开展的一门课程,因此,学生对于知识的积累以及教师的适当引导是提高领悟力的一项重要因素。艺术来源于生活而高于生活,美术也一样,它们都来源于社会,并且都依附于社会而存在,因而如果想要领会美术作品的真正含义就必须要对美术作品所产生的社会背景、人文情怀进行了解与掌握。在鉴赏美术作品的过程当中,教师与学生通过双边活动来发现美术作品的种种外部关系以及深刻内涵,这就要求教师不仅要掌握广泛的美术知识,还要对这些知识进行不同的更新,确保自己所教授的是完整而准确的美术常识[7]。同样地,美术鉴赏课不仅仅是一门关于美术的课程,也是一门包罗万象的世界信息课。 (四)人格境界的提高 审美的中心问题是情感境界问题,美术作品的审美价值主要来源于人类丰富的情感体验。因此,优秀的美术作品往往具有陶冶人的情操、完善人的意志甚至提升人生境界的作用。例如:《长江万里图》中蕴含的浓烈的爱国主义情怀就可以激发起学生对祖国山河的热爱之情;拉斐尔的《圣母像》中母爱的融入使欣赏者能在第一时间感受到作者对母爱的歌颂;还有世界著名雕塑《大卫》,这座作品表现出的坚定、顽强的精神无时无刻不在影响着后人。当下国家提倡的素质教育就是要让学生以一种全面的姿态迎接未来,为学生树立起一个健全的人格而努力。在美术鉴赏课堂的教学中教师讲解的不单单是一些关于美术的基本知识,更是教会学生学习做人、认清美丑的基本常识。正义是美的、是被后人所敬仰的,邪恶是丑的、是被后人所不耻的、坚定是美的、是值得我们学习的,动摇是丑的、是我们不应效仿的。所以,美术鉴赏课对于提高学生的人生境界有着积极的指导作用[8]。 四、结语 美术鉴赏是以视觉思维为主的过程,通过对艺术品的一系列的感知、理解、想象来升华自己。通过这种作品鉴赏的模式,可以更加直观地来引起共鸣,加深视觉冲击效果,而且在直观事物面前,人们的想象力和代入感也会得到发挥,从而形成更好的体验和更深的理解。美术鉴赏课在学生全面发展、完善自我能力素养上有着不可替代的重要作用,无论是学生还是学校,无论是家长还是各个教育机构,都应该提高对美术鉴赏的重视程度,一起进步,共同发展。 作者:许黎雯 单位:西安外国语大学