在梳理欧美文学中基督教伦理价值观形成根源的基础上，阐释了基督教伦理价值观的形态，为欧美文学宗教伦理的教育问题提出了方法，以期为学生树立正确的社会主义核心价值观尽绵薄之力。外国文学课程作为高校汉语言文学专业的必修课程，其教学目标在于完善学生的知识结构，使其了解世界各民族所取得的文学、文化成就，并在此基础上能够更加理性地看待中国文学与文化在世界上的地位，重建自身的民族身份，提升自身的审美情趣和人文素养。但是由于中外文化的差异性，再加上学生理解能力有限，不可避免地会对外国文学文本产生误读，这显然会对处于价值观形成时期的大学生产生不良影响。因而，笔者认为在外国文学教学过程中，教师不能仅仅只传授客观知识，而应将伦理教育问题放在首要位置，帮助大学生树立正确的人文主义价值观。 一、欧美文学与希伯来·基督教传统 外国文学课程主要分为欧美卷和亚非卷两个部分，但由于受教学学时数所限，教师往往将教学重点放在了欧美文学部分。“欧美文学的历史源出于两个主要的文化背景或传统，也就是希腊·罗马的古典传统和希伯来·基督教的中世纪传统。”［１］２１前者张扬自我，肯定理性，注重世俗生活和个体生命价值的实现，后者寻求道德的自律，强调人的灵性，注重对个体超越性的追求；前者称之为人本主义，后者称之为神本主义。两者相互交织，形成了欧美文学中伦理价值的底色。对于古希腊·罗马传统中所延续渗透的伦理价值体系，由于的宣扬以及全球化语境的浸润，国人对之较为熟悉，当代大学生更是以张扬个性、追求个体价值为自我标榜。而对于希伯来·基督教传统的伦理价值体系，由于我国长期以来受儒家文化伦理价值的熏陶，以及中西政治语境的差异性，从而使国人对于基督教文化传统较易产生隔阂感。然而不可忽视的是，正如艾略特所说：“我们的艺术正是形成于和发展于基督教中……我们的一切思想也正是由于有了基督教的背景才具有了意义。一个欧洲人可以不相信基督教信念的真实性，然而他的言谈举止却都逃不出基督教文化的传统，并且必须依赖于那种文化才有其意义。只有基督教文化，才能造就伏尔泰和尼采。”［２］２０５由此可见，希伯来·基督教文化传统是打开欧美文化大门的一把重要的钥匙。而这一文化传统在文学中的表现，则体现在审美价值和伦理价值两个方面。聂珍钊教授认为：“文学经典的价值在于其伦理价值，其艺术审美只是其伦理价值的一种延伸，或是实现其伦理价值的形式或途径。”［３］因而探讨欧美文学作品中所面临的伦理问题，才是文学研究的根本。大学教师作为一名教育工作者，面对价值观形成时期的大学生，在教学过程中对学生进行伦理价值教育引导同样非常重要。如前所述，由于中西文化和政治语境的差异性，当代大学生对于欧美文学作品中所渗透的基督教伦理价值无法理解，往往断章取义，导致误读，进而影响其形成正确的价值观。因而，梳理和阐释欧美文学作品中存在的基督教伦理层次，探究学生在各层次可能存在的误读，引导学生对作品的内涵进行正确的解读，对于当代大学生伦理价值观的构建具有重要的意义。 二、欧美文学教学与基督教伦理价值辨析 基督教伦理是以圣经伦理为基础，对人的行为规范进行道德评价和构建的一门学问。主要包含两层关系：一是人与神的关系，二是人与人的关系。其中人与神的关系是基础，人与人的关系则是人神关系在人世间的体现。而欧美文学中的基督教伦理价值的体现便主要在此基础之上展开，因而笔者将以人与神之间的关系为基础，梳理欧美文学中的基督教伦理层次，以帮助学生解决在阅读过程中存在的关于基督教伦理问题的困惑。 （一）文本阅读预设前提：人与神关系的断裂 《神曲》中的但丁迷失在昏暗而荒凉的森林；莎士比亚笔下的哈姆莱特日夜思考着“生存还是毁灭”问题；《罪与罚》中索尼娅对于苦难的拥抱；艾略特笔下的大地成为荒原，“我们是空洞洞的人……我们头脑中充满了稻草”；《等待戈多》中的戈戈和狄狄了无生趣的无望等待；卡夫卡《审判》中约瑟夫·Ｋ莫名其妙地在３０岁生日那天被叛有罪，等等。这些文学现象对于深受儒家伦理思想影响的国人是难以理解的。儒家伦理以“仁”构建其伦理价值的核心，注重内圣外王，强调生命价值的此世性，“生命感既自足又自予，既自失又自得，个体生命深契大化生命，在有‘大美而不言’的自足自逸的快乐境界中悠然独化”［４］１４５。显然，在儒家文化中并没有一个超越世俗世界的永恒他者的存在，因而对于西方文学中莫名的罪感、虚无感和漂泊感无法理解是十分自然的事情，进而产生理解的偏差，或者根本不知如何解读。而西方文学中这一切思想之根源，便在于人与神关系的断裂。根据《圣经》记载，上帝将人类的始祖亚当和夏娃安置于伊甸园之中，并叮咛他们：“园中各样树上的果子，你可以随意吃，只是分别善恶树上的果子，你不可吃，因为你吃的日子必定死。”但人类经受不住蛇的诱惑，违背了上帝旨意，从此被上帝遗弃，与上帝的关系断裂，像一叶浮萍在苍凉的大地上无根地漂泊，进而感受到生命的卑鄙与堕落，恐惧与虚无。基督教教义中，称之为“原罪”，这是西方罪感文化产生的根基。如此便可理解卡夫卡作品《审判》中的约瑟夫·Ｋ为什么莫名被捕。作为一位具有宗教情怀的作家，卡夫卡作品中自然会反映出其对宗教原罪伦理问题的思考。约瑟夫·Ｋ在莫名其妙地被宣判有罪之后，他无法相信一个奉公守法的银行经理为何会被宣判有罪，于是，他一直试图通过理性来为自己辩护，通过女人与莫名其妙的法院建立联系。但是最终的结果是，约瑟夫·Ｋ在审判过程中的辩护日益苍白，越来越体会到个体生命的虚弱无力，自主选择像狗一样地死去。罪、理性与女人是《圣经》中的关键词源，卡夫卡通过《审判》表达了他对于原罪的思考。通过细读文本，我们可以发现卡夫卡认为约瑟夫·Ｋ的存在本身就是一种罪的状态，即理性之罪和沉沦之罪。《圣经》中，亚当和夏娃罪的产生在于人类的自由意志，希望获得理性，取代上帝。约瑟夫·Ｋ在世俗的生存伦理中，依靠理性获得存在的根基，而这恰是人类堕落的根源。在审讯过程中，随着约瑟夫·Ｋ理性话语的逐渐减少，表明约瑟夫·Ｋ越来越意识到人类理性的有限性，进而才有可能产生灵魂的恐惧和颤栗，从而接近永恒。而这也正是卡夫卡对于人类理性的嘲笑。而约瑟夫·Ｋ的罪之二便是在审讯过程中，希望通过与女性的肉体沉沦来寻求与法院的联系，但同样是徒劳的，从而陷入绝望。这一点则隐射了亚当对于夏娃的沉沦，而放弃了对上帝的信仰。显然，《审判》中约瑟夫·Ｋ的“罪”的背景正是建立在基督教“原罪”伦理基础之上的，否则学生根本无法深入了解卡夫卡作品中无处不在的罪感体验。以此类推，学生在了解了人类的“原罪”状态之后，便能够理解艾略特的《荒原》、贝克特的《等待戈多》、福克纳的《喧哗与骚动》等一系列欧美文学作品中所呈现出来的人的荒诞、虚空、堕落和漂浮等状态，那正是一种与超自然的神的关系断裂的无根之痛。罪之沉沦不仅使人类感受到生命中的有限性和无根状态，但是同时也促使人类渴望与上帝重新建立联系，寻找生命中的无限与永恒，实现灵魂上的超越，基督教教义中称之为救赎。其关注的是沉沦中的人们如何在世俗生活之中获得上帝的拯救，进而衍生出一系列基督教伦理思想。 （二）文本阅读中宗教伦理问题梳理 如上文所述，基督教文化中以原罪论作为根基，以救赎思想为线索，建构起了西方世界中的基督教伦理价值观，并产生深远影响。在这样的背景下产生的欧美经典文学作品，其成就就不仅仅是满足于反映社会历史现实，而是在于刻画人类灵魂的深处，使灵魂感受到颤栗，最终获得拯救的可能。那么经典文学作品中的基督教伦理价值是如何体现出来的呢？学生往往会产生何种误读？ １“人之罪性”所衍生的伦理规范帕斯卡尔在《思想录》中写道：“我们整个的基础破裂了，大地裂为深渊。”［５］３３人类一方面忍受着人性中的幽暗带来的苦难和罪恶，另一方面又渴望通过忏悔和谦卑，来实现与彼岸的连接。因而，在基督教伦理中，忏悔、谦卑和顺从被认为是美好的道德规范。陀思妥耶夫斯基的《罪与罚》中，描写了坚信超人理论的穷大学生拉斯科尔尼科夫在犯了杀人罪之后内心的孤独和恐惧，并在基督徒索尼娅的感化之下内心忏悔，最终投案自首，获得了心灵的皈依。在课堂讨论中，笔者发现，学生往往会对索尼娅得知拉斯科尔尼科夫是杀人犯时没有感到吃惊，反而觉得他可怜而惊讶；对索尼娅面对苦难时的顺从感到不解。因此，学生对于陀思妥耶夫斯基深层的创作思想无法把握。但是当学生了解了基督教伦理中原罪说之后，一切问题就迎刃而解了。上文已分析指出，人类由于和上帝关系的断裂，自出生时起便背负原罪，进而导致人与人之间、人与自我之间关系的偏离，产生人性之恶，各种苦难从此遍布人间。因而索尼娅面对拉斯科尔尼科夫的犯罪，并没有觉得他是一个坏人，而是一个被上帝抛弃的可怜的罪人；索尼娅面对苦难，她并不是起来反抗，而是拥抱苦难，希望通过苦难获得最终的救赎。陀思妥耶夫斯基作为一个虔诚的基督徒，显然是通过《罪与罚》来表达他的基督教伦理价值观，并抒写了其对于理性的思考。他认为面对生活中的苦难和罪恶，人类不能通过理性和暴力获得最终的拯救，而是应该通过自我的忏悔和自省，建立与上帝的联系，最终获得心灵的皈依。以人之罪性为原点，欧美作家作品中常常表现出对于人类之罪的思考，并希望通过忏悔、自省和受难来实现灵魂的自我救赎，如《红字》中的丁梅斯代尔，《复活》中的聂赫留朵夫、《安娜·卡列尼娜》中的列文等，都在自觉人性之罪后，进行忏悔，选择皈依上帝。教师在授课中，在对文本中所渗透的基督教伦理思想进行解读时，更为重要的是要对学生进行积极引导，以契合我国的基本国情和社会主义核心价值观，如对其中的人的理性的思考、人的内在自省和谦卑等，应予以提倡和赞赏，而对于苦难的顺从以及最终宗教皈依，则应让学生进行批判性思考。 ２“人之救赎”所衍生的伦理规范康德的墓志铭上如此写道：“有两样东西，人们越是经常持久地对之凝神思索，它们就越是使内心充满常新而日增的惊奇和敬畏：我头上的星空和我心中的道德律。”人类坠入黑暗的深渊，但是仍然渴求暗夜划过的光芒，而连接深渊与星空的桥梁则是人对于上帝之爱的回应，并由此而形成的仁爱、善良、忍耐、节制等伦理规范。但丁的《神曲》中，但丁在古罗马诗人维吉尔和贝阿特丽齐的带领下游历地狱、炼狱和天堂，最终在天堂与上帝相遇。在授课时，学生往往会采用情境代入法跟随着但丁游历三界。游历地狱时，学生会与中国佛教中的地狱观念进行比对，因而对但丁笔下的地狱描写能够很好地把握，但对于但丁进入天堂之后，有关信、望、爱的思考难以理解，从而无法深入了解但丁创作《神曲》的深层原因。 显然，在本书中，但丁从两个层面探讨了人类如何获得幸福。一方面，通过对历史罪恶的批判，从现实层面探讨了人类的幸福境地，即希望意大利的和平统一，人民安居乐业；另一方面，从宗教伦理层面探讨人类的幸福之路，而对于这一层面学生则不明其存在的意义。在《神曲》中，但丁在维吉尔的带领下清算了人类的七宗罪，即傲慢、妒忌、暴怒、懒惰、贪婪、贪食及色欲。但丁希望人类通过对于罪恶的认识，培养美好的伦理道德，即节制、忍耐、平和、宽容和良善。但是仅仅通过人类自身的美德还不足以使人类实现最终的幸福，但丁认为只有将所有美德指向上帝，才可获得灵魂的超越，因而但丁在结尾处写道：“爱却早已把我的欲望和意愿移转，犹如车轮被均匀地推动，正是这爱推动太阳和其他群星。”［６］４４４而此处的爱则是上帝之爱，它犹如黑夜中的星光指引人类在苍茫大地上前行，而人类对于上帝之爱的世俗回应，正是我们每个人的道德律，即仁爱、喜乐、和平、忍耐、恩慈、良善、信实、温柔、节制。但丁正是带着上帝之爱，以忏悔和悲悯之心，游历地狱，并最终完成灵魂的超越，获得幸福的境地。可见，神之爱是基督教伦理价值观的根本。在神之爱的关照下，人类通过自身美德的构建最终可以获得个体的超越。学生只有建构起如此基督教伦理的知识背景，才能够去感受欧美文学作品带给读者的精神抚慰，避免产生误读。《双城记》中的卡顿为了所爱之人一家的幸福，自愿走上断头台，临死前说道：“复活在我，生命在我，信我的人，虽然死了，也必复活；凡活着信我的人，必永远不死。”“我现在做的是一桩大好事情，远远胜过我一向所作所为。我现在去的是一处大好归宿，远远胜过我一向所知所解。”［７］４２４－４２５这不正是基督之爱在人间的回响吗？《变形记》中的格里高尔，最终在孤寂之中选择死亡，他对于家人无私之爱不正与家人的冷漠无情形成了对比？《海的女儿》中的小美人鱼最终为了心爱王子的幸福化为泡沫，却因此而拯救了自己的灵魂；《悲惨世界》中的冉阿让对周围人基督耶稣式的奉献最终让警察沙威陷入伦理的困境，选择自杀……欧美文学中此种不计回报、无差等之爱怎不让人的灵魂颤栗？作为外国文学专业的授课教师，在介绍基督教伦理价值观形成背景的同时，应将上课重点放在人自身美德规范的探讨上，将其与社会主义核心价值观的公民基本道德观相结合，在文本教学中，使学生对仁爱、善良、诚信等伦理价值得到共情，进而培养美好的伦理道德。 三、结语 鲁迅在１９０７年创作的《摩罗诗力说》中曾提到，“盖世界大文，无不能启人生之机，而直语其事实法则，为科学所不能言者”［８］２５４，认为文学“能宣彼妙音，传其灵觉，以美善吾人之性情，崇大吾人之思理”［８］２５２。此文之立意，在于以世界文学之格局，开启民智，振兴民族。一百多年后的今日中国，民族存亡之危机虽已成过往，但在现代处境之下，我们仍然面临着新的生存困境。现代社会的价值多元化和世俗化倾向，虽然为个体生存提供了宽松的生活空间，可是同时也带来了一系列的社会问题，如功利主义、实用主义、拜金主义、享乐主义盛行；道德沦丧，个体私欲膨胀，人与人之间缺乏信任。在如此之背景下，鲁迅一百年前的呐喊，在今日仍然具有其现实意义。本科高校中，世界文学的教学任务主要由外国文学这门课程来担当，笔者深感外国文学教学中宗教伦理教育问题的重要性和现实意义。当前我国正在大力推行社会主义核心价值观，作为一名教育工作者，笔者希望外国文学教学中的伦理教育能够在其中尽绵薄之力。 参考文献： ［１］朱维之．圣经文学十二讲［Ｍ］．北京：人民文学出版社，１９８９． ［２］艾略特．基督教与文化［Ｍ］．杨民生，陈常锦，译．成都：四川人民出版社，１９８９． ［３］聂珍钊．文学经典的阅读、阐释和价值发现［Ｊ］．文艺研究，２０１３（５）：３４－４２． ［４］刘小枫．拯救与逍遥［Ｍ］．上海：上海三联书店，２００１． ［５］帕斯卡尔．思想录［Ｍ］．何兆武，译．北京：商务印书馆，１９８６． ［６］但丁．神曲·天堂篇［Ｍ］．黄文捷，译．南京：译林出版社，２００５． ［７］狄更斯．双城记［Ｍ］．张玲，张扬，译．上海：上海文艺出版社，２０１５． ［８］鲁迅．鲁迅著译编年全集：第１卷［Ｍ］．北京：人民出版社，２００９． 作者:姜海涛 单位:淮海工学院

中国美术史论文:中国美术史研究中文献系统与图像系统二重关联问题 摘要:中国美术史研究将美术史的性质归列到历史学的范畴,其目的在于重构美术历史。美术史研究应以图像为主干,尽力摈弃以文献为主导的研究格局。但在实践中,对图像的解读仍需依凭文献的记载,形成了文献系统与图像系统的既相互契合又相互悖离的二重格局。在“昭君出塞”这一典型个案中,历史记载与故事传承这一文献系统直接诱发了其图像系统的产生与形成,同时图像系统又极力超越文献系统形成的思维定势,产生新的图像系统格局。在中国美术研究视域中,这种文献系统与图像系统的二重关联是一种普遍现象,值得认真研究。 关键词:中国美术史;历史研究;文献系统;图像系统;昭君出塞 对于几乎每一个美术史家而言,他们都包含着许多重要的、潜在的“已有观念”。这种“已有观念”是一种知识体系的先验存在。这种已有观念虽然可以通过某些图像系统获得,但是,毫无疑问,其绝大部分是通过文献系统获得的。对于美术史研究而言,图像系统是其研究的主干,图像的色彩、绘画技法等因素是其研究的根本对象,美术史学的研究回归到图像本体上来,才是美术史学研究的目的。但是,长期以来,由于图像复制的困难及图像独立审美功能的缺失,图像在真正的美术史研究中所处的地位相对尴尬。因此,还原美术史研究视域中图像系统应有的地位,结合文献系统与文图关系的实际,方是美术史研究应有的立场。有鉴于此,本文以“昭君出塞”这一典型个案为中心,探讨中国美术史研究中的文图关系,以期为中国美术史的研究提供有益借鉴。 一、文献系统:“昭君出塞”的历史记载与故事传承 “一去紫台连朔漠,独留青冢向黄昏。”(杜甫《咏怀古迹·其三》)王昭君当年出塞和亲,而今在茫茫大漠上只留下矗立的青冢,她的哀婉、悲怨以及为国为民的大义成为两千年来文人题咏与画家刻绘的重要题材。在此过程中,围绕王昭君的出塞,衍生出各类不同的民间传说、历史故事与文学创作,呈现出内容不断丰富,情节不断延展,形式不断变换的状态,形成了独具特色的多种文献系统。 一是历史文献。昭君出塞和亲,是正史载记的真实历史事件,有历史文献的依据。根据班固《汉书》的《元帝纪》和《匈奴传》的记载,王昭君,名嫱,字昭君,西汉南部秭归人。王昭君本是“良家子”,汉元帝时被选入宫。竟宁元年春正月,匈奴呼韩邪单于入汉朝见,请求与汉朝和亲。汉元帝将“待诏掖庭”未被皇帝御见的宫女王昭君赐给呼韩邪单于作为阏氏。建始二年呼韩邪单于死,前阏氏子代父立为单于。王昭君依照当时匈奴的习俗,嫁给后单于。这就是昭君故事的简单史实。 其后,南朝刘宋史学家范晔撰写《后汉书》时,又在《南匈奴传》中写入王昭君的事迹。他在史书中明说:“呼韩邪来朝,帝敕以宫女五人赐之,昭君入宫数岁,不得见御,积悲怨,乃请掖庭令求行。”也就是说,王昭君因入宫多年未得皇帝恩幸,而主动请求去匈奴和亲,并非《汉书》所言被动地被汉元帝赐给呼韩邪单于。《后汉书》不仅写明王昭君的态度和心理,而且对她的仪表也有生动的描绘:“呼韩邪临辞大会,帝召五女以示之。昭君丰容靓饰,光明汉宫;顾影徘徊,竦动左右。帝见大惊,意欲留之,而难于失信,遂与匈奴。”在这里不但有对王昭君容貌衣饰、风采仪态的描绘,同时也描述了汉元帝欲赐不忍,欲留不能,既爱怜昭君国色天姿,又不肯失信于匈奴的矛盾心理。此外,《后汉书》还交代了昭君在呼韩邪单于死后,不愿嫁给继任单于的继子,曾“上书求归”,但“成帝敕令从胡俗,遂复为后单于阏氏”的情形。 由上可见,《后汉书》所记载的昭君故事,已经不像《汉书》那样简略,可能吸收了部分民间传说,而且加上了一定程度的文学描写,王昭君已初具悲剧人物的雏形。 东晋葛洪所撰《西京杂记》也记录了王昭君的事迹。与《后汉书》相比,《西京杂记》的杂史记载更具传奇色彩。在此书中记述了王昭君之所以多年未被元帝宠幸的原因:“元帝后宫既多,不得常见,乃使画工图形,案图召幸之。诸宫人皆赂画工,多者十万,少者亦不减五万。独王嫱不肯,遂不得见。”于是,王昭君故事中又增添画工索贿的情节。及至“匈奴入朝,求美人为阏氏,于是上案图,以昭君行。及去,召见,貌为后宫第一;善应对,举止娴雅。帝悔之,而名籍已定。帝重信外国,故不复更人。乃穷案其事,画工皆弃市,籍其家,资皆巨万”。被斩画工共有毛延寿、陈散、刘白、龚宽、阳望、樊育等六人。 二是音乐文献。与《西京杂记》几乎同时的音乐文献《琴操》一书中也记载了王昭君的故事,与《后汉书》、《西京杂记》相比,《琴操》虚构成分更多。其中最明显的一点便是,该书记述王昭君不肯依“胡礼”再嫁,“乃吞药死”。这是从封建礼教的贞操观念出发,对《汉书》所载王昭君史实做出的重大改动。此外,《琴操》还写王昭君死后葬于匈奴境内,“胡中多白草,而此冢青”,交待了“青冢”这一说法的文献由来。 王昭君出塞事迹与音乐文献关涉的,还有创作于《西京杂记》与《琴操》之前的西晋石崇的《王昭君辞》,在该辞序文中,石崇曾说:“王明君者,本是王昭君,以触文帝讳,改焉。”为避晋文帝司马昭之讳,王昭君从西晋始又被称为明君或明妃。石崇还写道:“昔公主嫁乌孙,令琵琶马上作乐,以慰其道路之思,其送明君亦必尔也。其造新曲,多哀怨之声。”从此,王昭君又与琵琶结下了不解之缘。 至此,在历史文献与音乐文献系统中,后世昭君出塞故事的所有元素均已基本具备,如入宫、不见御、画工毛延寿索贿、昭君心存怨恨、和亲、再嫁、思乡、琵琶、青冢等,一个比较成熟的故事开始形成。加之魏晋南北朝时期,南北分裂,国势颓败,北方边疆又饱受异族侵扰,许多家庭离散,不少人被掳而离开家园,在动荡中惨死他乡。所以,王昭君的命运便得到民众的深切同情,他们纷纷在昭君故事中倾注他们自己的爱憎,从而使昭君故事得以广泛流传。 三是文学史文献。到了唐宋乃至元明清时期,昭君出塞的主题元素又屡屡被文人利用,并以诗歌、小说、戏剧的形式敷衍传承。唐宋时期,包括李白、杜甫、白居易、欧阳修、苏轼、王安石等人在内,几乎所有著名的诗人,都有歌咏王昭君的诗作。与此同时,《王昭君变文》为后世昭君故事小说化开了先河。元明清时期戏剧的隆兴,使昭君出塞的故事又被大规模地搬上了戏剧舞台。据《录鬼簿》载录,元有关汉卿《汉元帝哭昭君》、吴昌龄《月夜走昭君》、张时起《昭君出塞》杂剧,皆已亡佚。现存剧作只有马致远的《破幽梦孤燕汉宫秋》。马致远的《汉宫秋》是一部著名的悲剧作品,也是昭君出塞故事系列中最有影响的文学作品,同时也是迄今为止能见到的最早的昭君戏。这部杂剧集中了前记小说、文人诗词和民间讲唱文学的成果,根据时代的需要,使昭君出塞故事有了重大的发展。明代以昭君出塞故事作为题材的剧本有陈与郊的杂剧《昭君出塞》(现存《盛明杂剧》本)、无名氏的传奇《和戎记》(现存明万历年间金陵富春堂本),以及《青冢记》三种。清代以昭君出塞为主题的戏剧有尤侗的《吊琵琶》杂剧、薛旦的《昭君梦》杂剧等。不过,明清时代,昭君戏曲虽广为流行,但多歌颂昭君与元帝爱情,昭君自杀,既为朝廷殉身,又为元帝尽节,这些戏曲主题统一于爱国、忠君观念中,皆与史实背离。独《昭君梦》,以梦境结构全剧,并遵照史实令其和番,下嫁呼韩邪单于,与众剧迥异。 中国美术史论文:从“四个认同”的高度谈新疆高校中国美术史教学改革 【摘 要】在新疆，高等教育的使命更重，它关系到新疆的长治久安、和谐发展，关系到祖国的领土完整和国家民族的文化传承。对新疆的未来而言，培养什么人、传承什么文化才是新疆教育的重中之重。当前，我们要紧紧围绕“四个认同”教育主线，将正确的国家观、民族观、文化观渗透到艺术教育中去，引领广大青年学生胸怀祖国、建设边疆，为新疆的跨越式发展、为新疆的长治久安、和谐进步，为各民族团结奋进的大美新疆的到来努力奋斗！ 【关键词】四个认同 新疆高校 艺术教育 教学改革 新疆古称西域，自古以来就是我国神圣不可分割的一部分。千百年来新疆与内地经济文化相互影响，潜移默化，形成了难解难分，血肉相连的内在联系。同时，新疆各族人民长期共处、相互学习，成为推动新疆历史前进的巨大动力。历史证明，新疆自古就是一个多民族聚居的地区、一个多种宗教并存的地区、一个多民族共居共建的家园。 当前，国际形势复杂多变，对新疆来说，近些年国际敌对势力和境内“三股势力”对新疆不断渗透破坏，妄图将新疆从祖国大家庭中分离出去。此时，“四个认同”理论的提出及如何贯彻学习“四个认同”就显得尤为重要。我们知道，“四个认同”即是对祖国的认同，对中华民族的认同，对中华文化的认同，对中国特色社会主义道路的认同。而 “认同”又称“归属感”，没有认同感，就不可能有凝聚力。 我们认为，“四个认同”是爱国主义的基础，是解决新疆民族关系、维护祖国统一、保持新疆长期稳定发展的重要治本之策。纵观世界许多国家的分裂，都是国家认同、民族认同、文化认同、道路认同出现危机，进而造成国家民族的危亡。 新疆处于反分裂前沿，青少年由于受地域、宗教、民族、经济社会文化等因素的影响，价值观的培养和塑造就显得更为重要，这就等同于与敌对势力争夺未来。当前，新疆各高校在青年学生中都开展了“四个认同”教育以及新疆地方史、马克思主义“五观”教育等理论课程的学习，这对青年学生正确树立国家观、民族观意义非常深远。针对“四个认同”教育，新疆各高校也建立了切实可行的评估体系。多所院校的教师及理论研究人员对“四个认同”教育的落实提出了独到的见解，研究并发表了相关的论文。如新疆师范大学吴常柏教授的《新疆高校坚持“四个认同”教育的经验》一文，新疆农业大学的寇新华、何建忠教授的课题《新疆高校马克思主义“五观”“四个认同”教育现状的调查与分析》，该课题先后在新疆多地三十余所高校进行了调研，掌握了有关“四个认同”教育的第一手翔实资料。 新疆石河子大学政法学院、中央民族大学哲学与宗教学院的李瑞君、贺金瑞教授也撰写了对《新疆“四个认同”教育的思考》一文，对新疆高校“四个认同”教育提出了自己的思考。同时，新疆各高校抓住重要纪念日、少数民族传统节日等契机，举办丰富多彩的校园文化活动，促进各民族文化交流融合，增强各族学生对祖国的认同、对中华民族的认同、对中华文化的认同、对中国特色社会主义道路的认同。但是，落实“四个认同”教育，仅仅通过理论教育这一途径，对于大学生思想意识的形成及对其行为倾向的引导是远远不够的。 鉴于此，如何在学习“四个认同”理论的基础上，通过大量的实例、历史资料、考古发现来引导教育学生加深对“四个认同”的更深入理解，切实增强新疆青年学生对祖国的认同、对中华文化的认同这一点就显得尤为重要。目前，有关新疆与祖国内地政治、经济、文化从历史的角度不可分割的考古发现、现存历史遗迹、文化遗存数不胜数，但新疆高校中国美术史教学在利用此类视觉历史资料完善“四个认同”教育方面的探索和尝试尚属空白。针对这种情况，特别是新疆特殊的区情、政情，如何在新疆高校中国美术史课程教学中引入此类教育就具有既迫切又极其重要的现实意义。 一、新疆高校中国美术史课程教学改革的重要性 我们知道，美术史课程的学习是培养全面发展的高素质人才、增强各学科学生对古今社会的认识，提高修养，形成正确的人生观、价值观，获取高尚的精神享受的重要途径之一。对于新疆高校的学生来说，在中国美术史课程中充实、完善新疆与祖国关系内容的学习，目的就是强化“文化认同”， 明晰“归属感”。而这种“认同”的学习是直观的、可视的、有翔实史料可查的。这种学习就是对“三股势力”分裂新疆图谋的正面回击。从而使学生从艺术史学习的角度观照新疆的历史文化以及与祖国几千年的脉络关系。这是“四个认同”教育的需要，同时也是新疆未来长治久安、民族团结、和谐发展的需要。再者，新疆高校中的教育类专业毕业生主要就业于新疆各中小学。教师队伍的价值观认同，直接关系到新疆未来人才的培养、塑造，关系到孩子们正确国家观、民族观的形成。因此，在新疆高校中国美术史教学中从艺术教育的角度导入新疆与祖国关系内容的学习是十分必要的。 二、充沛翔实的视觉资源为新疆高校中国美术史教学改革提供了条件 新疆与祖国内地的文化联系源远流长，从先秦时期，中原文化在西域就已经开始传播，这种传播丰富和发展了西域文化，从各个侧面影响了西域政治、经济、文化、民俗的形成。它不仅包括语言文字、儒家思想、典章制度而且还包括生产技术、社会习俗等，从而奠定了西域与祖国密不可分的政治、文化关系。这种联系主要体现在以下几个方面： （一）政权建制 众所周知，从公元前60年汉设“西域都护”开始，整个西域地区就处于中央王朝统辖之下， 新疆从此成为祖国不可分割的一部分。而大量的考古挖掘史料也有力地证明了新疆和祖国内地的关系，这为新疆高校中国美术史教学改革提供了第一手资料。 （二）中原绘画艺术在西域的传播 中原绘画艺术在西域的传播可谓源远流长，盛唐时期乃至魏晋南北朝都有传播，它主要体现在新疆现存的大量佛教壁画中，这些壁画作品如在美术史教学中加以利用、学习，势必大大增强新疆大学生对祖国文化与新疆关系的认同。 （三）中原生活方式、习俗在西域的体现 随着中原地区人民与西域人民不断加强往来，中原内地的生活方式、习俗在西域也得到传播。这种传播从日常生活到丧葬习俗都有体现。不仅如此，中原彩陶、丝织工艺品以及中原书法、建筑艺术在西域也大大得到普及。这也足以证明汉文化在西域的传播已由物质领域深入到精神领域，从上层扩展到了民间。总之，丰富的现存及考古艺术资源为新疆高校中国美术史教学改革提供了必要条件，为“四个认同”学习的实践性教育提供了翔实的客观依据，为新疆的长治久安、青少年正确的国家观、民族观的形成奠定了基础。 中国美术史论文:中国美术史研究的方法 按 语：巫鸿（Wu Hung）教授是著名的美术史家，芝加哥大学教授。早年于中央美术学院毕业后，在1972-1978年间一直在故宫博物院书画组、金石组任职，1978年回中央美术学院美术史系攻读硕士学位。1980-1987年就读于哈佛大学，获美术史学与人类学双博士学位，在哈佛大学人文学院美术史系任教，于1994年获终身教职，后受聘芝加哥大学“斯德本特殊贡献教授”讲席教授，并于2000年建立芝加哥大学东亚艺术研究中心并任主任，兼任美国古根海姆（Guggenheim）基金会研究员，是美国在中国美术史研究领域享有盛誉和权威的学者。他在方法论上兼具中国传统美术史和美国美术史的研究方法的优点，重视人类学和美术学的跨学科融通，并且推陈出新，形成了自己的独特方法论。他还致力于推动对中国当代美术的研究，有力地促进了这一领域的发展。巫鸿教授著述甚丰，目前我们国内的三联书店和上海人民出版社等出版社，迄今已翻译出版了他的《武梁祠:中国古代画像艺术的思想性》、《中国古代艺术与建筑中的纪念碑性》、《礼仪中的美术》、《时空中的美术》、《黄泉下的美术:宏观中国古代墓葬》等学术专著十余种，对中国美术界、美学界和相关人文科学领域的学术研究产生了广泛的影响。鉴于此，华东师范大学中文系教授朱志荣博士于2011年5月5日下午一点在美国芝加哥现场采访了巫鸿教授，并就美术史研究的方法等问题请巫鸿教授作了深入阐述。本刊欣闻此举，特地全文刊发本次访谈的相关内容，以期望学界在有关美术史、论研究领域与巫鸿教授进行更进一步、更深入的研究与对话，以使本学科领域内的学术探讨更加细致、透彻。国民之魂，文以化之；国家之神，文以铸之。学术为公，文以载道，站在推动中西方文化交流、塑造国家艺术形象、实现中华民族伟大复兴的现实基点上全力促进学术研讨的深入展开，既是为天地立心、为生民立命，同时也是为弘扬中华传统文化、重塑中华艺术精神，尽到《艺术百家》应有的责任和力量。 朱志荣：陈寅恪将王国维的考古与文献相互参证归纳为“二重证据法”，在中国大陆产生了广泛影响。您认为中国美术史研究应当如何利用考古发现？ 巫鸿：这是一个非常重要的问题。王先生的“二重证据法”在史学研究中具有划时代的意义。但是我们应该注意，文献研究主要是研究古代遗留下的书籍，考古学则研究出土的文物。王国维当时研究注重的主要是文字材料，也就是文献文字。他所谓的“考古”因此基本上指的是安阳出土的甲骨文、还有青铜铭文等材料。他想通过二重证据的考证，得出一个历史研究的更为可信的结论。这些结论一般都是和历史事实相关的，比如历史事件发生的时间、历史人物行为等。 用两种方法互证，这在中国近代学术研究中非常重要，在今天也很重要。但是一百年之后再来看二重证据法，我们会发现它给人以一种现代性的思维启示：一个结论不是一个证据就可以论证的，而需要多重视角的检验。虽然王国维当时只提出二重视角，但这种学说已经显示出多重视角的潜能——二重可以发展到三重，也可以发展到四重。现在我们看问题就不只二重了，这种新的思考和王国维、陈寅恪的思想有一定的关联性。 如果说二重证据法主要还是作为史学研究的方法，现在我们研究的问题就更多了，学者们对美术史、文化史等历史书本以外的问题有了更多的兴趣。作为证据的考古材料的定义也发生了变化。如果说过去所说的考古证据主要还是甲骨文、铭文一类，现在由考古提供的“证据”种类就多多了，比如城市空间、实物、中西文化交流、人的审美习惯等。虽然历史考据在我们现在的研究中仍然很重要，但除此之外历史研究中还有很多别的问题。研究这些问题仅靠文字材料是不能够完全说清楚的。比如说如果要研究古人的审美习惯，除了文字材料，我们还要使用器物、图像、墓葬等材料，所有这些都有证据意义。 所以，在精神上我们还是要继承两位先生的二重或者多重证据法。但与此同时，我们还要注意两个问题。一个是：什么是证据，什么东西可以构成证据；另一个是：使用证据想要证明的是什么。这两个方面的问题是连在一起的。 朱志荣：古代美术史的研究要运用和借鉴考古学的成果。您认为在研究出土文物的时候，应当如何使用历史材料和文学材料？需要注意哪些问题？ 巫鸿：我刚才已经提到一点。美术史研究主要涉及的是视觉问题、看的问题、美感的问题，也涉及到物质性的问题，比如艺术品的材料构成、空间等。中国历史考古学中，墓葬是一个重要部分。墓葬里面有很多器物、图像——对这些个体进行研究是大家比较熟悉的方法。但是我们还应该注意墓葬内的空间安排和一些消失了的东西，比如当时摆的食物、香料、灯火等。这些东西在考古中已经看不见了，但是可以根据其留下的痕迹、空间安排，重构当时的视觉或者物质的环境。 考古学者有自己的一套学术规范，比如如何发掘、如何记录等。如果有些材料不属于这种研究重心的话，他们就不一定记录了。特别是如果对象牵扯到墓葬设计者的主体感觉、审美感觉、世界观等内容的时候，就比较难于进入考古报告。还有，如果对有些东西无法进行直接的考古分类的时候，比如“空间”——考古报告也容易忽略。但是这些信息对美术史研究却非常重要。这就需要在考古发掘和记录的时候，由美术史学者和考古学者进行学术互动。 朱志荣：在美术史研究中如何利用“重构”的方法分析材料？ 巫鸿：对历史状况的“重构”现在变成美术史研究的一个非常重要的手段或目的。这和历史研究的学术发展密切相关，特别是在西方。现在的历史研究，已经从研究一个重要人物和宏大历史事件转移到更为具体的、空间的和物质性的向度。甚至在研究一个人的时候，也要和他的整个的生活环境、文化环境联系起来，而不像原来那样做著名人物的传记性研究。 这种史学转向在近些年中对美术史的影响非常大。我在《武梁祠》一书里面对以前的汉画研究做了一个梳理，想看看不同时代的学者是怎么看问题的。经过这种研究我发现，开始的时候大家都是对每张画发生兴趣，所关心的是这张画的出处何在，那张画画的是什么。但后来就有人开始对整个的祠堂中的画像程序和结构有兴趣了。我写这本书时的希望就是 把武梁祠中所有的画像连在一起考虑，希望知道这些画像之间到底有没有一个叙事结构，其背后显示的又是怎样一种逻辑思维。这也就像是研究《史记》，其中的每篇都可以单独来读，但是也可以作为整部书的组成部分来看。后面这种读法所发掘的不但是司马迁对全书的想法，也可能反映出当时历史的某种观念。这种研究方法是首先重构一个基本的建筑体，然后通过这个建筑内的整体图像程序重构当时的审美和思想，其中包括家庭关系、君臣关系、政治观念等。 “重构”有不同的层次。首先，美术史研究离不开实际的东西，因此还是得从具体的图像、建筑、器物入手。然而，我们继承下来的往往是一些离开了原来原境（context）的历史碎片。因此我们需要从这些很具体的碎片出发来重构原来的实体。特别是我称为“礼仪艺术”的碎片，它们原来都是为了某种宗教、政治目的服务的，背后往往都有一个建筑体。因此我们需要探讨的是：这些碎片能不能重新拼起来？它们背后的建筑体是怎样的？如果这种重构能够做成，就可以接着去想，接着去重构更高层次上的东西。比如像武梁祠，我们就可以进而考虑武梁祠和武氏墓地中别的祠堂的关系，考虑武梁祠石刻的大环境，甚至整个东汉时期墓葬的理念。这都可以算作是“重构”。很多领域，像物质、社会、政治和宗教的原境——实际上都需要重构。但是在美术史研究中，研究者需要将这些领域分得比较清楚。有的时候学生会操之过急，还没把第一步做好，没把完整的、具体的东西做好，就一下子跳到很高的层次去谈政治、历史的问题，显得缺少中间环节。 中国美术史论文:中国美术史文献的搜集、解读与利用 主讲人：陈智超（中国社会科学院研究员） 地 点：南京艺术学院美术学院 我已经多年没来南京了，这次来南京，黄惇教授邀我给南京艺术学院的老师、同学作一次讲演。能有机会同大家就艺术史的问题进行交流，很高兴。 要认真研究中国艺术史的某一个具体问题，也同研究中国历史一样，需要遵循一些基本的原则，经历一定的阶段，达到一定的标准。我想用三个环节、三句话、三个字、三个个案来概括我今天的演讲。 三个环节，指历史研究的三个阶段，也就是史料的搜集、史料的考证和解读、史料的运用。 三句话，是与上述三个环节对应的：一是“竭泽而渔”，对应史料的搜集；二是“去粗取精，去伪存真”，对应史料的考证和解读；三是“正确而充分”，对应史料的运用。 三个字，是上述三句话的概括：全、真、准。“竭泽而渔”就是求全；“去粗取精，去伪存真”就是求真；“正确而充分”就是求准，准确地反映历史。 三个个案。原则有时并不复杂，但要实践这些原则，达到对历史的正确认识，要经过艰苦的努力。我今天要就先辈的经验和个人的实践，说明艺术史的研究如何求全、求真、求准。在这里还需要说明，历史研究的三个环节或三个阶段，在时间划分上不是绝对的，比如史料的搜集，即使已经比较完备，随着研究的深入，到第二甚至第三阶段，还可能会有新的发现、补充。我这里举的三个例子，也不是全面论述研究的全过程，因为这样一来，时间会拖得很长，而是各有侧重。 一、陈垣先生关于吴历的研究 明末清初，常熟一带出现了“四王”、“吴恽”六位著名画家。他们是太仓王时敏（字逊之，号烟客，1592～1680年）、太仓王鉴（字圆照，1598～1677年）、常熟吴历（字渔山，号墨井道人，1632～1718年）、常熟王翚（字石谷，号耕烟，1632～1717年），武进恽寿平（字正叔，号南田，1633～1690年）、太仓王原祁（字茂京，号麓台，1642～1715年，时敏之孙）。 吴历不但是著名画家，还是一位天主教神父。20世纪初期，陈垣先生因为研究中国基督教史，开始注意到吴历的神父身份，写了《吴渔山与王石谷书跋》，说明两人都有天主教信仰，只不过王翚是信徒而吴历是神职人员。到了20世纪30年代，随着他对书法的兴趣与钻研，他对中国书法与绘画的关系有了深厚的认识，不止一次地提出：“书画是相因的，能书能画是大佳事”，在1931年10月23日家书中就有此论。在他1939年作的《汤若望与木陈忞》说：“以书为美术，与画并称，舍中国日本外，世界尚无此风俗。”他开始收藏书画，并从宗教史和艺术史的双重角度来研究吴历。1936和1937两年，他集中发表了有关吴历的多篇论著。这其中，有（一）文献的考订。包括《墨井书画集录文订误》、《墨井道人传校释》和《墨井集源流考》；（二）图像的订正：《清代学者像传之吴渔山》；（三）专题研究：《吴渔山入京之酬酢》；（四）集大成者：包括《吴渔山生平》和《吴渔山年谱》。这两者各有侧重，前者类似纪事本末体，分专题论述，并有考证。后者类似编年体，是陈垣先生关于吴历研究的总结。两者至今仍然是研究吴历必须参考的著作。它们在历史文献学方法论上的意义，更为后人提供了许多极富教益的启示。 首先，他深知根据不同的研究对象，应从哪里去搜集有关史料，怎样才能做到没有遗漏。他搜集的史料，包括吴历本人的诗画，各种画录，吴历同时人的文集，以及教会方面的文献。在二万五千字的《年谱》中征引的文献就有八十种之多，搜集以后经过考订而没有引用的史料更远多于这个数字。 其次，是他对史料的精细考订。就以《吴渔山生平》的第一章《吴渔山之家世及生卒》为例，这一章共考订了三个问题。第一个问题是吴历的家世。陈垣先生首先从不同文献的记载中发现了矛盾，也就是发现了问题。《墨井诗钞》所收的陈瑚《从游集序》和张云章的《墨井道人传》说吴历是都御史吴讷的七世孙；而《朴村文集》本的《墨井道人传》说吴历是吴讷的十一世孙，陈瑚《确庵文稿》与此相同。陈垣先生认为后者正确而前说错误。理由是：（一）张云章所作吴历传记《墨井道人传》有三个版本，各种版本文字上有差异，吴历家世的差异就是其中之一。陈垣先生仔细研究过这三种版本，他根据的是康熙末年张云章自刻的《朴村文集》本，当然应该以此为准。（二）《从游集》是吴历的诗集之一。收入陈瑚《从游集序》的《墨井诗钞》是吴历死后陆道淮所编。但陈瑚自己的文集《确庵文稿》（汲古阁本）并没有收入这篇《从游集序》，却收录了他为吴历母亲所写的《吴节母王孺人墓志铭》，其中说到吴历父亲是吴讷的十世孙，吴历当然就是十一世孙了。如果陈垣先生没有深厚的版本目录学造诣以及深入的研究，是不可能得出这样确凿无移的结论的。而他表述这个问题，仅仅用了不到两百字。 第二个问题是，吴历是否是孔子弟子子游（言偃）的后代。明人冯复京所作《常熟先贤事略》说吴历是子游后代，他的先辈“坐事亡匿”，因为子游封于吴国，所以改姓吴氏。吴讷取名“讷”，是藏“言”于“内”的意思。陈垣先生根据吴讷自己写的《吴氏谱图序》否定了这种说法，同时指出，这种说法也不是空穴来风。吴讷的五世祖迁居常熟子游巷，和子游巷的言子故宅紧邻。他还根据雍正初年衍圣公孔传铎所作《复言子宅记》指出，言子故宅在明末变成了天主教堂，雍正二年禁止天主教，各地天主教堂被废，言子故宅才得以恢复。吴历长期与天主教堂紧邻，这和他晚年信奉天主教可能大有关系。这虽然是推论，有待证明，但可能性很大。 《吴渔山生平》类似这样的考证不少，值得我们认真学习。这里还要介绍陈垣先生在1939年3月26日的家书中说的一段话：“凡撰年谱，应同时撰一二人或二三人，因搜集材料时，找一人材料如此，找三数人材料亦如此，故可同时并撰数部也。若专撰一人，则事多而功少矣。吾撰《渔山年谱》时，本可同时撰“四王”并南田年谱，以欲推尊渔山，故独撰之，其实找渔山材料时，各家材料均触于目也。竹汀先生撰二洪及陆王年谱，亦此意，然知此者鲜矣。”这段话给人以很大启发，如果我们要编艺术家年谱，可以同时编相关数人；写艺术家传记，也可以同时写相关数人。一句话，既要下苦功，也要讲方法，苦干加巧干。 二、石破天惊之作《元西域人华化考》 《元西域人华化考》全书不过八万字，字数远远少于现在的博士论文，甚至不如许多硕士论文，但它是陈垣先生前期的代表作，同时也奠定了他作为世界级学者的地位。它也是现代中国元史研究的开拓性著作之一。 《元西域人华化考》作于1923年，用陈垣先生自己的话来说：“此书著于中国被人最看不起之时，又值有人主张全盘西化之日。”作为一位有强烈爱国心和责任感的中国史学家，他写这部书，就是要“证明西域人之同化中国”，以此唤醒国人的自尊和自信，振兴中华文化。 “西域”一词最早见于汉代。元代的西域，范围比以前扩大了许多，不但包括玉门关、阳关以西的新疆，更推广至葱岭以西，甚至到达东欧。元朝统治者把人分为蒙古、色目、汉人、南人四等，在公文中称西域人为“色目”，在一般著述中多称“西域”。《元西域人华化考》中的西域人就是指色目人。陈垣先生还解释什么叫做“华化”：“以后天所获，华人所独者为断”，所以“先天所赋，本为人类所同，均不得谓之华化”。他从儒学、佛道两教、文学、美术、礼俗五个方面论证了在元朝大一统的局面下，大批过去被隔绝的外国人以及西北的少数民族来到了中国，来到了中国的中原地区，接触了中华文化，受到感染，为之同化的历史事实。 陈垣先生元代西域人华化的这个论断，是建立在全面搜集、严格考证史料的坚实基础上的。这部八万字的著作，引用的史料就达二百二十余种之多，还不包括没有引用的。该书引用材料的特色是，除了一般史学家常用的正史、方志等等，光是元、明人的诗文集就有近百种，所以有的评论说，材料“如此的繁富而多样，仅有晚年的陈寅恪和顾颉刚差堪匹敌”。而这时的陈垣先生不过四十三岁。 《元西域人华化考》的主要论断，发人之所未发，讲的是历史，但极富时代特色，有现实意义，所以蔡元培先生称之为“石破天惊”之作。 下面着重介绍《华化考》中美术篇的史料搜集与考证。 各位老师、同学从事的都是艺术的教学与研究，对美术篇应该会更感亲切。陈垣先生根据中国文字与西方拼音文字不同的特点指出：“书法在中国为艺术之一，数千年来，遂蔚为艺术史上一大观”，而“中国画有中国画特色”，与书法同源。因此，他将书法、绘画和建筑作为美术篇的内容。把美术提到文化的高度，并说“文化之感人，其效力比武力为大”，用今天的话来讲，文化就是一个国家的软实力。 《华化考》美术篇在史料的搜集与考证上有它的特点。他关于书法和绘画部分充分利用了两部现成的文献，因此可以不用“遍览群籍”。这两部书就是陶宗仪的《书史会要》和夏文彦的《图绘宝鉴》。《华化考》关于西域人中国书家和中国画家两章，就是以上述两书为基础，钩稽而成。当然，他的利用并不是全盘照搬，对这两部书的许多错误和遗漏，他利用《元史》、《佩文斋书画谱》、《西湖竹枝词》、《录鬼簿》、《寰宇访碑录》、宋濂等人的文集、《普陀山志》、《画旨》等各种各样的文献，以及故宫博物院的藏画等，加以纠正和补充。 怎样才能找到最有用的史料，怎样才能充分吸取前人的成果？又怎样在前人成果的基础上加以发展？陈垣先生为什么能在上述几个方面左右逢源、游刃有余？有心的读者如果能根据上述提示认真学习《华化考》的有关篇章，定会得益匪浅。 三、明代徽州方氏亲友手札考释 这批信札包含了许多艺术史的史料。关于这批信札的考释，我已经出版了三大册的专著，今天只能着重从信札的考证和确认收信人的问题谈谈我探索的经过。 1997年我作为哈佛大学和哈佛燕京学社的访问学者到了波士顿。哈佛燕京图书馆吴文津馆长和善本部沈津主任都向我介绍了他们图书馆珍藏之一的七百多通明人手札，并建议我进行研究。 在初步检阅了这批信札之后，我接受了他们的建议。促使我下决心的是这样一些事实。第一、这批信札共有七百多封，是海内外现存最多的一批明人信札，其次是上海图书馆的五百多封。第二、收信人基本上是一个人，这就大大增加了这批信札的史料价值。第三、这批信札先是在19世纪流传到了日本，又在二战后的1955年入藏哈佛燕京图书馆，是流传海外的我国珍贵文献。 信札和刊本不同，刊本用规范的字体雕板，基本没有辨认的问题。信札也同抄本不同，抄本一般都用楷书，也不难辨认。信札和甲骨文、金文、简牍等类似，首先需要辨认。这项工作有相当难度，这也是信札多作收藏而少利用作史料的原因之一。 我的第一步工作就是把这一批不同笔迹、不同字体的信札作出释文，也可以说是“认字”的工作。因为不首先作出释文，怎能读懂它的内容？怎能为别人利用？当然这一批四百八十多人写的733封信札、190通名刺的释文，直到我的书出版后，也还有热心的读者加以补正，至今也还有极少数字没有认出，但绝大多数释文已经确认。 我的第二步工作就是辨伪。在这里我要借用“有罪推定”这个法律名词，就是说，凡是新出现的历史文献，在未经确证它的真实性之前，必须先推定它是虚假的、伪造的赝品。所以先要辨伪，反过来说就是要考证。 具体到我要考释的这一大批信札，如果它们是赝品，无非是收信人伪造了一批别人写给他的信，特别是名人写给他的信，以抬高自己的身份，求得经济上或政治上的好处。 从常理出发就可以否定这批信札作伪的可能性。因为要达到炫耀自己的目的，伪造几封名人信札就够了，而这批信札写信者达四百八十多人，其中固然有不少名人，但更多的是名不见经传的人物。要伪造四百八十多人的笔迹，编造九百二十多封不同内容的信札和名刺，而且还要一一符合写信人的身份地位，这几乎是不可能的事。这叫做理证。 不仅如此，我还从核对笔迹、考察信件内容等方面进一步求证这些信札的真实性。王世贞是写信人中的第一名人。王世贞来信的笔迹同故宫博物院和美国普林斯顿大学所藏他的墨迹完全相符。来信中说“黎少参书久已题讫”，我考证出，黎少参指黎民表，是王世贞的诗友，“续五子”之一。“黎少参书”指黎民表为收信人写的一幅隶书陶渊明诗。此事见于汪道昆和方弘静的文集。收信人和王世贞交往的可能性及途径，也可以得到合理的解释。这样，这批信札中王世贞信的真实性就得到证实。 到目前为止，经过我的考证，这批信札的绝大部分的真实性已经证实，也就是说，这批信札总体的真实性已经证实。 下面要着重谈一谈确定收信人的问题。在我到哈佛大学之前，有一位访问学者在1995年发表了一篇专门介绍这批信札的文章。文章一开头就明确说，收信人是“万历间兰溪人方太古”。这个判断好象有一定根据，因为这批信札的上款，有的称“黟江”，最多的是称“元素”，还有一些称“元素方老丈”，而兰溪方太古确实字元素。但当我不断收集有关方太古的资料，并将这些资料同信札的内容联系起来考察的时候，一连串的矛盾就显现出来了。 首先是文献记载的方太古的众多友人，包括王守仁、陈献章、沈周、文徵明等人，竟然没有一个人的信件出现在这批信札中；而另一方面，这批信札的有些写信人，例如王世贞和汪道昆，根本不认识方太古，也没有给他写信的可能。 其次是时间的矛盾。这批信札有绝对年代可考的，最早一封是嘉靖三十四年（1564年），最晚的一封是万历二十六年（1598年）。方太古生于成化七年（1471年），死于嘉靖二十六年（1547年）。也就是说，这批信札中已知年代的，最早一封写于方太古死后十七年，最晚的更在他死后五十一年。可以确证，兰溪方太古绝不是这批信札的收信人。 这篇文章由于一开始方向就错了，因此整篇文章错误百出，误导读者。“他山之石，可以为错”。我们从“方太古说”的失误中可以汲取重要的教训。作者在确定收信人这个关键问题上，仅仅从某些工具书中查到明代方太古字元素这样一点线索就下结论，而没有细考方太古的生平，也没有稍为认真地翻阅这些信札的内容，更没有将这两者结合起来考察，也没有考虑出现同姓同字的人的可能性，总之，在运用材料和思辨两方面都显得草率，失误就不可避免了。 否定了收信人为兰溪方太古，并不等于就可以自然而然的找到真正的收信人。茫茫人海，怎样才可以找到真正的收信人呢？我们不能凭空假设，只能从已经掌握的事实出发，而我们所掌握的事实，就是这批信札本身，包括它的内容和一大批写信人的名单。经过反复考虑，我确定从两个方向努力：一是从信札内容中确定收信人的籍贯，以缩小搜寻的范围；一是查阅写信人的诗文集或其他著作，从中发现有关线索。 细读这批信札，不但知道收信人是徽州人，还可以更具体的知道他是徽州歙县岩镇人。歙县今天是安徽黄山市徽州区。我还发现信札中有两封是收信人的亲友为他写的介绍信。因为是介绍信，所以一定要称他的名，知他姓方名用彬。沿着这条线索，我在写信人汪道昆、方弘静、胡应麟、欧大任、姚舜牧等人的文集中找到了有关收信人方用彬的许多重要材料。1999年，我根据掌握的一点线索，到安徽省博物馆查阅馆藏的几部方氏族谱，果然在康熙十四年（1701年）刻印于扬州的歙县环岩《方氏族谱》中找到了收信人方用彬的确凿资料：“用彬，字元素，号黟江，国学生。生于嘉靖壬寅（二十一年，1542年）八月廿六日丑时，卒于万历戊申（三十六年，1608年）四月廿八日。娶汪氏、樊氏，合葬上荫山。二子彭龄、龄。”这些记载同这批信札的内容以及收信人、收藏人（方用彬的曾外孙）所写的识语可以相互印证。收信人方用彬的确认，为我进一步考释这批信札打下了坚实的基础。 今天先讲到这里，如果有什么问题，我很愿意同大家继续交流。 中国美术史论文:中国美术馆藏民间玩具精品展再现民间玩具历史面貌 遗产日”，由中国美术馆特别策划的“大器‘玩’成——中国美术馆藏民间玩具精品展”，于2012年5月30日在中国美术馆展出，共展出约370组八百多件民间玩具精品，将于9月3日结束。此次展览的作品均是从中国美术馆六千余件（套）藏品中精心遴选而出，一件件异彩纷呈、稚拙可爱的玩具精品将为观众带来一次视觉盛宴。据中国美术馆介绍，该展既是中国美术馆首次举办的大型民间玩具专题陈列展，也是中国美术馆多年征集、收藏民间玩具的研究成果的一次较大规模的集中展示。展览按照儿童成长和认知能力的发展顺序，以“成长”和“成才”主线分为“希冀”、“启智”、“尚德”3个部分。从婴幼儿的生命呵护、祝福祈愿，到低龄儿童的智慧开启、创造力、观察力的培养和少年儿童的知识学习、树德立志，3部分内容紧密相连，层层递进，将“寓教于乐、玩中启智”的展览主旨不断深化。我国民间玩具有着悠久的历史，早在距今约6000至10000年的新石器时代，就有陶响球、陶连环等玩具出现。千百年来，民间玩具以其造型的稚拙可爱、色彩的鲜明亮丽和内涵的丰富多彩，成为我国民间美术资源中最独特和最有趣的类别之一。 中国美术馆是国家级造型艺术博物馆，征集、收藏、研究、展示我国优秀的民族民间美术作品，是其一项长期而又艰巨的重要工作，有计划、大规模的收藏民间玩具始于20世纪80年代初期。历经30年的积淀与几代人的共同努力，中国美术馆宏大而丰富的民间玩具收藏体系已具规模。中国美术馆的民间玩具收藏内容十分丰富，既涵盖泥、陶瓷、竹木类的民间玩具，也包括风筝、花灯、小脸谱、面人和彩塑；既有名家名作，如国家级“非遗”传承人陕西凤翔胡深的泥塑作品，也有偏远山区佚名艺人的天才创作，如中国美术馆收藏的云南建水与贵州牙舟的陶瓷玩具。因而，中国美术馆的收藏既体现了我国现当代民间玩具的发展历程，也系统的保存与再现了民间玩具的历史面貌。 此前，结合“从延安走来——纪念同志《在延安文艺座谈会上的讲话》发表70周年美术作品展”，中国美术馆公共教育部推出“从延安走来”专场少儿赛”颁奖仪式的少儿代表、指导老师及家长，在“从延安走来”展厅现场参与了一次艺术体验活动。参与此次活动的少儿，是来自中国儿童中心、北京市少年宫、思奇培训学校、艺格文化艺术工作室等20余家北京校内、校外教育机构的“绘画大赛”获奖少儿代表。（杨子） 中国美术史论文:中国美术史研究的中西方比较 摘要：中西方传统文化的差异作用于中国美术史的研究，表现出不同的特点。新的时代背景下，面对各种新的史论课题，中国美术史的研究更应该了解和借鉴西方的研究思想和方法，把美术史研究的现代观念融入进来。 关键词：文化差异；思维方式；学术分科；身份；造神模式 一、中西方文化差异 首先中西美术史研究的差异性，根本的是文化的差异导致。西方崇尚理性哲学，而中国思想以儒道释为主要代表。其中禅宗讲究：不利文字、得意忘言；儒家“天人合一”等思想，映照了中国的传统思想追求。在宗教观上，西方认为宗教是文化语言、精神方向，比种族更重要；中国的宗教非常世俗化，在近现代社会革命中建立无神论之后，事实上我们更加容易自己“制造”无数的“神”。这也是中国传统思想影响的一种体现。 二、学术分科的传统 中国古代历来不分科的学术传统，导致了一种“模糊”状态，中国美术作品的图像库也呈混乱状态。中国的佛教徒认为：“抄写”是一种美德。这种现象在中国古代的书画界中也尤为盛行。后人多对前人名家的临摹与复制，并仿造其风格进行创作，而且往往并不署名，这也导致原作与摹本流传中，“真与假”的界限更加模糊，加上后人理论著述的“造神”行为，使得对作品真实情况的研究变得更加困难。 中国古代美术史论家和美术家经常变换着自己的身份，或者说是集二者与一身。以董其昌为例，其提出的“南北宗”画论，对中国花坛影响深远。董其昌是著名的书画大家，收藏家，又位居官位，集多种身份于一身。这种状态延续至今，在20世纪中国美术的发展过程中，美术史论家和美术家也经常变换着自己的身份，这或许反映了中国美术的传统。其中表现为几种不同的情况。 一种是双重身份的兼备。即美术史论家兼画家，或画家兼美术史论家，这一部分人较多，特别是国画界的居多。 一种是身份的转换。原来是画家或雕塑家，后来成为专业的美术史论家；或原来是美术史论家，后来成为专业的画家。 三、中国美术史中的造神模式 种种的问题也导致了目前中国美术史研究的困境。“英雄主义情节”和“神话色彩”在中国美术史的研究中屡见不鲜，对艺术家的研究容易落入“神仙模式”。中国在艺术上讲究游“戏”，而不重“术”（美术），遵从“乐趣”即价值的观念。这种独特的思想导致中国美术史的研究与西方相比，在观念和方法上有很大不同。 传统美术史方法论上英雄美术史观，其主要特征是用神话传说解释美术的起源和以线性发展的历史观描述美术史。 中国美术史“造神”模式： 二王（找代表） 皇家装点（政府操作） 正统地位 文人神化 “书圣”。在这种操作模式中造假不可避免，并贯穿在艺术品的收藏和理论的建设中。 四、西方在中国美术史研究中的进步性 西方近现代的史论学术的发展，受其哲学、心理学、语言学、社会学、考古学等等突飞猛进的发展所带动影响，自身的学科建设已经远远的走在中国之前。西方的美术史研究具有：讲究理性、学科的界限和跨学科、与经济分开等特点。注重材料学，并与考古学相结合，注重实证，细致入微的考察艺术各个方面的情况。通过实证、材料、环境研究等，更真实的探寻艺术家生存环境条件，从琐碎的细节入手，并将之置于整个时代的文化架构中考察，关照艺术家各个方面的情况，来进行研究。树立更加科学的方法，自然的打破“造神”的美术史书写模式，更希望去发现流派之外，并引领观念的东西。 例如，著名史论家白谦慎的著作《傅山的世界》中，并不是孤立地探讨傅山的书法，而是将之置于整个时代的文化架构中，藉由学术思想、物质文化、印刷文化之发展史的角度，由经历了明清易代之痛的遗民情结的角度。来观察、诠释傅山的生活，以及由之生发的学术观念与艺术创作。 西方的中国美术史界有着许多杰出的人物，如：高居翰(James Cahill )、雷德侯（Lothar Ledderose）、克鲁纳斯（Craig Clunas）、方闻（Fong，Wen）、何惠鉴（Wai-Kam Ho）、徐小虎（Stanley-Baker, Joan）、李慧闻（Celia Carrington Riely）、Yukio Lippit等。 美术史的研究书写，需要带有情感的去表达我们想要表达却表达不出的东西。这也是其真正的智慧所在。 五、结语 在新的时代背景下，面对各种新的史论课题，中国美术史的研究更应该了解和借鉴西方的研究思想和方法，需要把美术史研究的现代观念融入进来。这样才能在与“西方”学术界的交往中建立自己的途径。使中国美术史研究，既带有西方实证色彩，又能深入的理解中国艺术精神，或许这样才能逐渐树立中国自己的研究体系，把中国美术史的研究带进新的纪元。 中国美术史论文:中国美术事业发展的历史见证 1942年5月2日，中共中央宣传部在延安杨家岭召开文艺座谈会，这是为促进党的整风运动的进行、促进文艺工作者学习马列主义、克服非无产阶级思想、树立无产阶级思想而召开的。出席座谈会的作家、艺术家及文艺工作者共80余人。是日为第一次会议，讲了立场、态度、对象、工作、学习等五个问题。16日，举行第二次会议，、等中央领导同志认真听取了大家的发言。23日，举行最后一次会议，作“结论”发言。座谈会结束后，、、任弼时、王稼祥、博古、凯丰、徐特立等中央领导同志与参加座谈会的全体代表合影留念（图1）。 《在延安文艺座谈会上的讲话》（以下简称《讲话》）开宗明义地强调，文艺必须为人民大众服务，为社会主义服务，对文艺与人民、文艺与生活、文艺的普及与提高、文艺的继承与革新、文艺的源与流、文艺的思想内容与艺术形式、文艺批评的政治标准与艺术标准等一系列重要范畴，作出了深刻而精辟的论述。 现在让我们回顾中国革命文艺走过的光辉历程，那些美术工作者以《讲话》中倡导的艺术观念，在时代（从《讲话》至1976年逝世）所创作的部分美术佳作，重温的《讲话》精神。这些作品包括版画、新年画、宣传画、中国画、油画等。中国美术从《讲话》开始即进入到一个新的历史发展阶段。在《讲话》精神指引下，美术作品弘扬主旋律，讴歌工农兵大众，讴歌新时代、新生活。 版 画 《讲话》“引言”指出：我们要战胜敌人，首先要依靠手里拿枪的军队。但是仅仅有这种军队是不够的，我们还要有文化的军队，这是团结自己、战胜敌人必不可少的一支军队。 《讲话》发表后，其精神迅速传遍大江南北，并引起强烈的反响。当时的重庆《新华日报》接连发表社论和文章宣传《讲话》内容和美术家的学习体会。1942年秋，从延安带来一批木刻作品回到重庆，并于同年12月19日举办了“渝延木刻联合展”，给人耳目一新之感。1943年这批作品又到苏、美、英、印等国展出，促进了国际文化交流。延安美术是中国美术的排头军，也昭示了时代美术的未来走向。当时的古元、彦涵、肖肃、力群、沃渣、马达、罗工柳、李桦、荒烟、黄新波、黄永玉等，他们的作品都显示了个人的艺术风格，各以显著的个性色彩独步于版画界。如表现抗日民主政府发动灾民生产自救、安置灾民、组织移垦、帮助灾民渡过灾年的《移民图》（图2，彦涵1944年作），表现军民鱼水情的《给老百姓修车》（图3，力群1945年作）等等。 1949年新中国成立后，版画得到了很大发展，表现社会主义工农业建设、新人新事及带有宣传性的作品成为创作的主流。如表现人民获得幸福生活的《丰衣足食图》（图4，力群1949年作），表现西藏和平解放的《喜讯传到康藏高原》（图5，牛文、李少言1952年作），表现农民劳动情景的《春风又绿江南岸》（图6，李桦1963年作）等等，举不胜举。 “”期间，版画也出现了许多优秀作品。如表现知青上山下乡的《高原迎新》（图7，石虎1969年作），歌颂国际主义战士的《白求恩》（图8，李福来1973年作）等等。 《讲话》精神对版画作品产生了重要的历史影响和深远意义，它体现了人民大众的意志和社会进步的趋势。 新年画与宣传画 《讲话》中明确地指出：我们的文学艺术都是为人民大众的，首先是为工农兵的，为工农兵而创作，为工农兵所利用的。 新年画是中国老百姓最喜爱的富有教育意义和生活情趣的一种艺术形式，在当时的解放区里就已风行，如表现群众学文化运动的《随时随地学文化》（图9，韩茂堂、张树德1944年作），表现农村生活的《丰收》（图10，聂云挺1945年作）等。新中国成立后，1949年11月26日，中央人民政府文化部了经亲自修改的第一号文件《关于开展新年画工作的指示》（以下简称《指示》），要求把开展新年画工作作为“文教宣传工作中重要任务之一……应当宣传中国人民解放战争和人民大众的伟大胜利，宣传中华人民共和国的成立，宣传共同纲领，宣传把革命战争进行到底，宣传工农业生产的恢复与发展。在年画中应当着重表现劳动人民新的、愉快的斗争生活和他们英勇健康的形象”。 《指示》发出后，得到了全国各地美术机构的重视和积极响应，由此所形成的新年画运动成为新中国第一个令人瞩目的文化现象。《讲话》及《指示》的精神均成了画家的创作动力和目标，特别是参与创作的画家几乎都是当时国内的专业美术家及一流的美术家，深受广大群众的欢迎和喜爱。如表现各族人民团结在周围的新年画《全国各民族大团结》（图11，叶浅予1952年作），表现全国英模大会盛况的新年画《劳模会上的好姊妹》（图12，俞微波1957年作），表现在校学生边劳动边学习，即勤工俭学的新年画《半工半读》（图13，刘旦宅1960年作）等等。 “”时期，一些新创作的意识形态特征明显的新年画和宣传画，是为了迎合形势的需要。如表现革命样板戏深入人心的新年画《演革命戏做革命人》（图14，李中文1975年作），表现画家深入生活进行创作的宣传画《斗争生活出艺术，劳动人民是主人》（图15，王维新、王利国1973年作），表现社会新生事物的《农奴女儿上大学》（图16，潘世勋1975年作）等。 新年画与宣传画的创作，一直与的指示及《讲话》的精神有着直接的关系，它以视觉图解的形式建构了时代的美术基础，特别是表现工农兵形象的美术创作得到了极大的发展。 中国画 《讲话》指出：我们知识分子出身的文艺工作者，要使自己的作品为群众所欢迎，就得把自己的思想感情来一个变化，来一番改造。没有这个变化，没有这个改造，什么事情都是做不好的，都是格格不入的。 1949年4月开始，对中国画改造的一系列来自美术界高层领导的文章纷纷在各大报刊媒体发表。如1949年4月22日的《人民日报·星期文艺》副刊发表了蔡若虹的文章《关于国画改革问题—看了新国画预展之后》（指4月，由北京80多位国画家的近200件作品组成的新国画展览会在中山公园举行。这次展览被认为是“具有划时代意义的大事情，因为它标志着那供给有闲阶级玩赏的封建艺术的国画，已经开始变为为人民服务的一种艺术”），4月25日，江丰在《人民日报》副刊发表了《国画改造第一步》的文章，说明国画改造运动是与延安以来的文艺方针相一致的。 中国画之人物画可谓陡然崛起。现代水墨人物画开拓者蒋兆和原本画西画，即从传统造型之人物结构入手，以水墨人物画技法进行创作。当时学西画的方增先、周昌谷，以及以速写、年画等技法擅长的黄胄、叶浅予、李琦等也以人物画进行创作，开了近千年中国画史前无古人之新篇章。如表现人民首次参加普选的《一辈子第一回》（图17，杨之光1954年作），表现农村青年劳动与爱情生活的《约会》（图18，黄胄1953年作），表现在和平的环境里，老人和儿童文娱生活的《第一回胜利》（图19，程十发1956年作）等等。 中国画之花鸟画除齐白石、陈之佛等的写意或工笔外，也努力选择生活或革命的题材。如表现人们热爱和平，以谐音传情的《和平》（图20，齐白石1950年作），表现革命圣地井冈山上杜鹃红的《东风朱霞》（图21，郭怡1962年作）等等。 中国画之山水画画家黄宾虹、李可染、傅抱石等，自新中国成立后，有不少作品都体现出高昂、健康和催人向上的激情，显示出新时代的特色。如描绘故居的《韶山》（图22，傅抱石1962年作），有些山水画则借用诗词句意而创作的，如《苍山如海残阳如血》（图23，傅抱石1965年作）等等。 艺术源于生活，服务于人民，国画改造对中国画本身的视野拓宽具有积极意义。 油画与历史画 《讲话》“引言”指出：中国的革命的文学家艺术家，有出息的文学家艺术家，必须到群众中去，必须长期地无条件地全身全意地到工农兵群众中去，到火热的斗争中去，到唯一的最广大最丰富的源泉中去…… 新中国成立初期，油画创作的主力队伍有徐悲鸿、刘海粟、吴作人、林风眠、董希文、周令钊、罗工柳等人，当时创作题材的主流为肖像、风景和静物等，而随着解放军部队中的美术工作者创作的油画，其主体均为解放战争、工农兵等革命历史，受到了油画家们的关注。 新中国成立不久，就开始有计划地组织油画家进行革命题材的历史画的创作，其中中国革命历史博物馆曾先后四次组织画家进行历史画的创作。从作品中可看到创作者多是历史画中的亲身参加者，他们将《讲话》精神真正化作自己行动的指南。当然，对于历史画的创作，最注重的就是历史的真实，用绘画的语言去再现历史。如再现新中国成立的《开国大典》（图24，董希文1953年作），表现青年学生闹革命的《》（图25，周令钊1951年作），表现解放战争取得胜利的《解放南京》（图26，杨建侯1956年作），表现群众学文化的《给奶奶读书》（图27，吴作人1958年作），表现广大青年支援农业建设的《到祖国需要的地方去》（图28，葛维墨1958年作）等等。 这些油画作品体现出浓厚的生活气息和真实感人的革命激情，以生动的画技及形神兼备的形象描绘，给人以感动和力量，并给人留下深刻的印象。 《在延安文艺座谈会上的讲话》这篇著作为发展我国革命文艺事业指明了方向，丰富和发展了马克思主义的文艺思想，至今70年了，仍有其现实指导意义。 党的十一届三中全会后，国家进入改革开放新时期，美术界呈现出百花齐放、欣欣向荣的绚丽局面。我们的美术作品始终与新中国历史上的重大转折和事件相关联。如表现社会文明新风尚的新年画《五讲四美开新花》（图29，何永坤1981年作），表现香港回归祖国的新年画《香江竞舟图》（图30，廖开明1997年作），表现将“非典”疫情坚决控制，全国人民共同抗击“非典”的宣传画《万众一心抗击“非典”》（图31，国家邮政局2003年设计），表现北京奥运会的宣传画《同一个世界，同一个梦想》（图32，北京奥委会授权2008年设计选定）等等，举不胜举。 美术家们不论用何种技法从事创作，都以社会责任感和崇高的使命感，把自己的艺术献给伟大的民族解放斗争和社会主义建设事业，这在他们的作品中具有鲜明的表现，今天仍令人神往。这些作品渗透着《讲话》的精髓，并具有了文献层面的价值和意义，被称作“红色经典”，在屡次的拍卖活动中最为引人注目，因为这些美术佳作是永恒的历史记忆。（责编：李禹默） 中国美术史论文:浅谈艺术创作的方法与中国美术史的关系 ［摘要］我的艺术创作方法，我的思维，我的人生正在迎接历史性的转变。随着顺利考上重庆大学艺术学院研究生，我的艺术生涯即将展开里程碑式的转变。随着更高的艺术殿堂的洗礼，把我本科阶段的单纯无知和稚嫩洗涤荡尽。反思总结我在之前的艺术创作，更多是纯粹的课堂习作、对前人的临摹和基础技法的练习。 ［关键词］艺术创作 中国美术史 创作上少之又少，属于自己的艺术创作语言尚未进行探索，就连毕业创作也是偶发的一念冲动和被动地进行加工，之后就没有进行深层次的挖掘以形成艺术创作的持续。历经一年的社会工作经历，再次回到艺术的怀抱，仿佛阔别已久，初次执笔，犹如年幼时咿呀画图，思绪万千。既然再次走上这条道路，我就要毅然地走下去，并且要有实质性的收获。 咋一谈到艺术的创作，感觉无从下手。再不能返回本科时期的盲目绘画中去，要想有实质性的突破，必须要结合自己对艺术的理解和自己现有的作画手段，探讨新的艺术创作方法。而对于艺术创作来说，创造性思维无疑是极其重要的，但是之前的我，太多重视绘画基础，轻视了创造思维能力。这是一个很大的弊病。要想成为一个艺术家，只有绘画的技法，这和画匠、木匠、石匠等技师没有什么区别。那些真正有才能的艺术家，有对其所处时代的敏感、对当下文化及环境高出常人的认识、能对旧有的艺术从方法论上进行改造，并用“艺术的方式”提示出来，才能真正地创造出艺术的价值。就像上世纪80年代罗中立的《父亲》，90年代张小刚的《大家庭》等等。细细揣摩他们这些成功艺术家的创作方法，无一不是敏感地触摸其所处的时代，发现并提出“问题”，在自己的创作上结合当时艺术的发展对旧的艺术创作方法进行改造，最后通过自己的艺术语言进行阐释。这其中就介入了自己的创作方法和中国艺术史上下文的关系。 作为一个“80后”，我应当怎么去进行我的艺术创作呢？从中国当代艺术发展史来说，经历了“伤痕美术”“无名画会”和“星星画会”“85新潮”“新文人画”“实验水墨”“玩世现实主义”“政治波普”“观念艺术”“艳俗艺术”等等艺术观念，我应该走像罗中立、何多苓等等他们的乡土艺术？像80年代的一些艺术家搞抽象？还是去疯疯癫癫玩行为艺术？亦或是跟风中国当代艺术领军的诸如张晓刚、王广义、方力钧和岳敏君等当代艺术F4的艺术道路模板？ 我想，这些都不属于我应该去走的道路。我没有生活在乡土艺术家们所处的年代，没有插过队，去乡村体验那种艰苦的岁月，不可能创作出《父亲》《春风已经苏醒》《西藏组画》那样的作品；我没有经历过那个动荡的岁月，体验不到“”结束后带来的那种欢欣鼓舞，还有失意落寞和精神缺失的情绪，不可能创作出《1968年×月×日雪》《春》《大家庭》那样的作品；也没有亲身接触过“85新潮”，怎么会勇敢、真诚地用相应的视觉图式来唤起社会的感奋。 作为一个四川美术学院到重庆大学的学生，从本科到研究生，我是否应该转向“图式化”的创作方法，“卡通式”的画面表征，“肤浅性”的无聊心理这种新风格呢。身边的人都说，中国社会的创作风格正在发生转变，“卡通一代”势必雄起，你也走这条路子吧。 我观察了一些和我相同从事当代艺术创作的同龄人，他们正在进行的艺术创作不完全像书面上对“80后”描述那样，80年代出生的人从事当代艺术创作并没有一种统一的性格，也不存在一种完全相同的生活方式。因为这种差异，他们所持的艺术观是多元化的，进行创作的形式和方法都不尽相同。有些人如沈桦、黄淋是两位出生在70年代的艺术家，但他们不同于朱其等人对70年代人以青春残酷、卡通等的定位，而是将自己的视角转向社会，展现了艺术家的社会责任感，都关注社会矛盾；有些人走向抽象与观念，何桂彦在2006年策划了“无中生有，超越抽象”的展览中，我们可以看到抽象绘画正在不断扩大自己在川美的影响力，为我们展示了“70、80后”一些艺术家的另一种创作状态；有些人则跟风“卡通一族”，“卡通”一时间成为“过街之鼠”。 我要怎样进行我的艺术创作呢？要有一个怎样的方法呢？ 首先，我要尽可能地忠实自己，做能够真实表达自己感觉的作品。我会避免让自己产生8：“我要做一件让世人惊讶的作品”。之前我做作品，脑子里总想着一鸣惊人、惊世骇俗，或者是想“不鸣则已，一鸣惊人”，这个动机肯定是值得质疑的。“忠实自己”是忠实自己加以反思过的某种真实，是从独立意识中出来的某种需要去试探的真实，这时候的自己也许成为了需要去判断的对象。“忠实自己”意味着一种关系的建立，是作品与“问题中的自己”的关系建立。为什么我们要在作品背后做如此长期的思考，就是要在常见的忠实中去寻访出“问题中的自己”来。这个寻访的过程，有时我把它视为自我批判的过程。我要贴近自身，表达自我的生活，无论是积极的还是颓废的，且不计较，这应该是我创作的主要题材。 其次，艺术是件独立的事，能够得到的只是内心的共鸣，因此我要成为一个独立的人。艺术家的独立是艺术独立的前提。现实中，也许有许许多多能够引起内心共鸣的东西，而这种东西为何会让我最感动，我要用一个独立的思维去记忆并转化。然而，共鸣断然不是“瞎碰”碰出来的，“瞎碰”出来的共鸣断不能长久。都说与我们相关的，可以说更多的是物质而非精神，而这些又要依靠自己的父母、亲人的支援，从这个层面上说，我们是无法独立的。但是在此又有必要指出，这并不能说明我们“80后”就是堕落的。现在人生对于我们而言仅仅是开始，而在现代的生存压力之下，我们不关乎时代深刻的命题，找活命的东西，难道这是不能理解的吗？在这个环境下，我们就更应该独立。我要培养自己独立的人格精神，只有具有这种精神的人，才具有某种担当的意识，对自己的行为规范也有着别样的要求，看待现实的眼光也是独特的、锐利的。 再次，要去发现“问题”，解决“问题”。要想作为一个艺术家，就要敏感地触摸其所处的时代，发现并提出“问题”，寻找问题的根源和发展。许多人都评论我们这一代承担不了这个时代的变革命题，不会指望我们会像80年代的年轻人那样激烈地燃烧起理想的火焰，去预示、发现、再现着社会的问题。但是我们更现实，更现实地流露出了在这个即将属于我们时代的社会“自我”的重要性。正是因为这样，我们才能更深刻地发现“问题”。我要勇敢地阐述社会极端腐败的现象，或是人心的丑恶，或是社会的各种风气，或是其他的方方面面，用自己的作品去说明问题，给现代人一个启示。 1980年以后出生的人应该说都是年轻人，年轻人的行为举止、思想状况总能得到社会的关注，毕竟“少年智则中国智，少年强则中国强”。毋庸置疑，年轻人总为未来代言。我就要以我们这种年轻人的态度、年轻人的思维、年轻人的活力去创造出更好的艺术作品来回馈这个时代。 中国美术史论文:论中国美术史在大学生素质教育中的作用 [摘要] 素质教育是中国在改革开放后对教育制度进行改革的结晶,我们的祖先们创造了优秀的文化艺术财富,美术就是其中的一个方面。学习和研究中国美术的发展史是与当代大学生素质教育的目的相吻合的。 [关键词] 素质教育 作用 知识结构 素质教育是中国在改革开放后对教育制度进行改革的结晶,在1982年党和国家为了坚决反对片面的追求升学率即反对应试教育,提出了坚决实施素质教育以贯彻全面发展的教育方针。1993年2月12日,中共中央、国务院印发的《中国教育改革和发展纲要》第七条规定:“中小学教育要从‘应试教育’转向全面提高国民素质的轨道,面向全体学生,全面提高学生的思想道德、文化科学、劳动技能和身体心理素质,促进学生生动活泼地发展,办出各自的特色。”至此,素质教育模式开始在中小学实行。1996年3月17日通过的《中华人民共和国国民经济和社会发展‘九五’计划和2010年远景目标纲要》中指出:“改革人才培养模式,由‘应试教育’向全面素质教育转变。”1996年4月10日颁发的《全国教育事业‘九五’计划和2010年发展规划》中指出:“教育的根本任务是提高全民族的素质,培养德、智、体等方面全面发展的社会主义事业的建设者和接班人。”素质教育模式逐渐影响到包括高等教育在内的国民整体教育体系。素质教育是党和国家发展社会主义新型教育模式所提出的,是指一种以提高受教育者诸方面素质为目标的教育模式,它重视人的思想道德素质、能力培养、个性发展、身体健康和心理健康教育。 中国是一个具有五千年文明史的国度,我们的祖先们创造了优秀的文化艺术财富,美术就是其中的一个方面,学习和研究中国美术的发展史是与当代大学生素质教育的目的相吻合的。素质教育模式的人才培养目标和要求是对学生进行思想道德素质培养、能力培养、个性发展、身体健康和心理健康教育等,而中国美术史也能为高等学校的素质教育提供教育素材和资源。 一、中国美术史是学生了解我国历史的一个窗口 我国是四大文明古国之一,拥有灿烂的物质文明和精神文明成果,作为一个大学生,了解我国的历史发展是自身所要具备基本知识素养之一。试想之,一个大学生对自己国家的历史都不了解,谈何热爱国家,谈何建设国家?而这些灿烂的物质文明和精神文明成果都无不打上了美术的烙印。远古时期的石器工具、夏商周时期的青铜工艺、秦砖汉瓦、魏晋南北朝的佛教造像、唐三彩、宋元时期的瓷器、明清时期的园林建筑等,古人们创造出的这些优秀的文明成果是供我们当代人欣赏的一道文化大餐,也为我们研究历史上的政治、经济、文化、社会制度的发展提供着信息。 美术能陶冶人的情操。所谓情操指的是人对具有一定文化价值或社会意义的事物所产生的复合情感。而美术重要的特性之一就是情感性,人们利用美术来宣泄自己的情感,是人类情感表现的方式之一,也是人类情感升华的重要途径。人的情操属于人的情感中特殊的一类,如道德感(如爱国主义、集体主义、荣誉感等)、美感(对美的感受、欣赏与追求等)、理智感(与满足认知和解决问题相联系的情感)。情操受政治、经济、社会、文化和历史条件等的制约,人的心理发展的过程也是人的情操产生的过程。通过美术,人们的情操不断的得以陶冶,从而增强对自然与生活的热爱和责任感,形成创造美好生活的愿望与能力。同时,美术又是集历史学、文学、美学等多学科知识的综合体。美术创造必须要有生活基础,所以,在我国历史中出现的和美术相关的文物及文献都是当时人们社会生活的再现,有着历史研究价值,对于我们今天了解古代时期的政治、社会、经济、文化的发展有着重要的作用。 二、学习中国美术史能提高当代大学生的民族自豪感 民族自豪感就是国民在日常生活体现出的一种民族精神,优秀的民族精神是本民族屹立于世界民族之林的根本。所谓民族精神,是指一个民族在长期共同生活和社会实践中形成的,为本民族大多数成员所认同的价值取向、思维方式、道德规范、精神气质的总合。 闪耀着劳动人民勤劳、勇敢、智慧光辉的中国美术为世界文明的发展作出了巨大的贡献,在世界文明史上具有极其重要的地位。如中国画中意境的表现方式影响到了19世纪欧洲的现代设计艺术,再如以中国园林艺术为代表的东方园林深刻影响着东亚各国的园林及城市规划建设,这些影响也表明了中国美术不仅是中华文明中的瑰宝,也是世界文明的重要组成部分,在世界美术中也是独树一帜的。 三、学习中国美术史能丰富当代大学生的知识结构 所谓知识结构,是指个人所掌握的知识体系的构成情况及其结合方式。它与知识掌握程度的结合形成一个人的文化素质,全面反映了个人所拥有的由诸多要素组合而成的有层次、有序列的整体知识信息系统。而中国美术史的学习过程实质上是一个审美教育的过程,能够促进学生的全面发展的。 审美教育能帮助人们形成健康的审美趣味和正确的美学观念,提高人们欣赏美、感受美和创造美的能力,成为德智体美全面发展的人。在进行审美教育的同时,也教会学生学习和思考的方法。科学的审美教育能使我们形成良好的分析问题的能力,充分利用马克思主义的辩证原理和方法论,站在历史的角度和辩证的角度去分析问题和解决问题。可见学习中国美术史不仅有利于丰富当代大学生的知识结构,而且有利于大学生运用正确的思维和方法来处理生活中遇到的各种问题。 从以上几个方面的分析理解到,学习中国美术史是和当代大学生素质教育紧密联系在一起的,成为大学生了解我国历史的窗口,增强民族自豪感,丰富知识结构有巨大的帮助。在高校中除了与美术相关的专业外,其他专业开设中国美术史的欣赏和学习,是当前大学生素质教育中的一个重要的组成部分,给素质教育注入了新的内容,充满着新的活力,将会对我国素质教育模式的发展起到强有力的推动作用。 中国美术史论文:试论刘海粟在20世纪中国美术史上的贡献 摘要：刘海粟是中国新美术运动的拓荒者，中国新美术教育的奠基人。他为中国美术教育事业做出杰出的贡献，在绘画上成就卓著，在美学思想和美术史论造诣上为中国现代绘画美学的开创和发展做出了贡献。 关键词：刘海粟 美术教育 美学 作为20世纪美术和美术教育的拓荒者、艺术大师，刘海粟除以杰出的艺术成就彪炳画坛，又以其独特而完整的美学思想体系和美术史论造诣，为中国近代绘画美学和美术史论的开拓、发展做出了贡献。其中很多著作，观点新颖独到，详细而精确地论述了艺术的本质和艺术表达的内容与表现形式，分析了艺术的审美标准与价值。刘海粟的理论在现代绘画美学上具有超越和创新精神，尤其是他所强调的艺术所具备的主观表现、艺术情感和艺术个性。 一、为中国的美术教育事业做出杰出贡献 刘海粟是中国新美术运动的拓荒者、新美术教育的奠基人。1912年，刘海粟创办上海美专，也就是南京艺术学院的前身。为了上海美专的生存发展，他多次向亲戚借钱，参加义卖资助办学，把香港画展中100万港币的画款全部捐献给南京艺术学院。刘海粟坚持走自己的教育之路，努力摆脱传统的学院主义的束缚，坚决反对禁锢学生的艺术思想，提倡个性发展。主张兼容并蓄，提倡艺术风格的多样化。他十分重视外出写生，强调艺术创作要尊重自然，贴近生活，师法造化。课堂上，他严格要求学生通过各种写生活动来深入了解自然世界，尊重客观，在对静物、人物和风景写生时，不能照搬原物，要根据自己当时的感受去灵活生动的表现它们。刘海粟始终坚持艺术实践，曾经多次上黄山写生，每次都把对黄山的不同感受都表现的淋漓尽致，以表达他心目中黄山的永恒之美。这就是至今仍值得我们钦佩的“黄山精神”。这精神就是尊重客观世界，结合主观表现，不断创新，突出个性。我们从他一系列的黄山作品中，能够深深地体会到一种从量变到质变的过程。刘海粟首次倡导在中国使用人体写生，实行男女同校。他的关于人体艺术的美学思想精论是对传统伦理美学思想的超越，在民国绘画美学史上有重大影响，为开创西方式的美术教育作出了贡献。 二、倡导中西融合，注重创新和个性的发展 刘海粟倡导中西融合，反对“全部西化”。1929年刘海粟首次赴欧学习考察两年半。在法国和意大利等国努力汲取西方绘画真谛，同时不忘介绍、宣传中国美术。他的油画作品能使人感受到一种中国气息，因为他把中国传统的国画元素运用其中，包括中国画的笔触，线条，表现形式等，所以他的油画作品风格独特，具有国画的意蕴。早年刘海粟的油画写生中明显带有中国画的笔画，如《前门》、《向日葵》、《休息》、《在此》等优秀作品。而他创作的国画，又是在传统国画的基础上，巧妙地结合了油画的空间感和独特的质感。尤其是刘海粟晚年的作品，形式新颖，主题突出，色彩强烈，突破了传统国画的表现形式。这正表现了他所坚持“融合中西以创新”，“发展东方固有艺术，研究西方艺术蕴奥，从创新中得到美的统一”。 刘海粟的绘画注重个性发挥，无论国画或油画都充分展示他特有的性格。在70年的艺术生涯中，他“始终是自己走自己要走的路，自己抒发自己要抒发的情感”。他的作品是由自然、生活所激发，真切而实在的主观思想情感的表白，体现了时代、民族特性。在艺术创作过程中，刘海粟特别强调在尊重客观的基础上结合个人的主观意识，突出艺术家的个性。1982年10月，他和南京艺术学院学生谈话时说：“黄山有永恒的美，但她有各种各样的变化，使我永远画不尽，要知道学无止境，艺术无止境，每上一次黄山，就是跟大自然较量一次，也跟自己较量。我画黄山，每次都有那么一点新意。”因此，“客观与主观相结合”和“主观表现和个性发展”并重是刘海粟所遵循的艺术创作原则。他认为表现就是艺术家强烈的渴望用独特的、极具个性的艺术语言表达自己的生命和人格。 三、为中国现代绘画美学的开创和发展作出了贡献 通过系统的研究中国古代绘画美学，刘海粟形成了自己独特而完整的现代绘画美学体系，其精髓就是情感、个性和主观表现说。他发表了许多论著和译著，如《日本新美术的新印象》、《梵高》、《高更》、《欧游随笔》等一系列著作中，渗透着他的表现主义美学观，可以说，中国美术表现主义体系及其理论的进一步确立是由他开始的。刘海粟也是一位出色的美术史论家，是中国近代美术史论的先驱之一。他对艺术史见解独到，认为“一部艺术史，即是一部创新的历史”。刘海粟的观点洒脱，对艺术的抒发强调创新，从统摄艺术史趋势入手，敏锐把握美术发展的时代脉搏。刘海粟的美学思想体系，为中国现代绘画美学的开创和发展作出了贡献。 在艺术多元化的今天，回顾刘海粟在20世纪中国美术史上的贡献，使我们从他积极进取和实践创新精神中重新找到创作的动力，我们不会忘记他在艺术上的创造性成就和为祖国美术教育事业作出杰出的不可替代的贡献。 中国美术史论文:海外的中国美术史研究概况 摘要：本文主要在悠久的中国美术史学传统之外，简要介绍了海外的一些研究者在古代绘画史方面的成就，他们从异域的角度开辟了新的治学道路，尤其集中在几位有典型代表性的学者作品上。如高居翰和苏，立文，从早期汉学研究的格局逐渐分化出来。凭借扎实而有份量的著作使中国画学的独立性得以彰显，他们的方法既有考证严格的优点，又具备方法论的自觉，而形成了独具特色的海外研究中国画学的学术群体。 关键词：中国绘画 形式风格　外部因素 从国人眼光来看。中国美术(古代美术)的文献资料已蔚为大观，即便用汗牛充栋来形容也不为过，学院建制和中国美术史学科发展业已多年，这一基本事实构筑了中国美术史学的初步框架，至少在中国美术史学的文献搜集、资料分析、画作风格研究、画家生平介绍等几个方面从现代分科的角度进行了详细而富有成效的搜集整理，而且更在日益发展的图像学研究上从形式分析角度吸收了当今海外学者的新进方法，所谓“他山之石，可以攻玉”，日新月异的中国美术研究不再停留在搜集材料的初步方法上，以往“中国”这一词汇只是地理文化范畴上的对象，即研究的对象必须是中国从古至今的艺术品，包括绘画作品、礼器艺术、建筑雕刻等类别，而现今研究者则涵括进了本土之外凡有志于中国文化且浸润其中经年有日的海外群体，且他们的研究成果已经受到了国内相关专业领域的重视。如果在中国美术史学的教学过程中对此现象毫不加以关注的话，无异于抱着本土的研究目光固步自封。本文就拟从中国美术史学中传统绘画的角度谈谈海外近几十年来中国美术研究的一些概况和突出的表现，以期得到一点启示。 绘画在中国传统美术中取得的尊贵地位与传统文人观念的发展密不可分，并且自有画史记载的作者始，就已经纳入了一个延续有脉的承传系统。海外很多学者从20世纪50年代以后就把眼光和精力从对青铜礼器的研究转到了对绘画的极度关注上，从而把中国画这个概念在文化内涵的界定上与西画作为两个独立发展的范畴来加以观照，由此构成了一个中国本土传统，甚至在相当长的一段时期内保持着稳定性。中国绘画在历史文化中的脉络和中国文人在特殊历史现象中的精神展现就成为一些西方学者所着重处理的一个主题，也就是说，他们在具体接触画家作品时，不会仅仅论述风格形式上的特点，在展开与前代作品关系的阐释基础上会引入画家当时文化社会史的面貌，甚至是画家和赞助人之间的关系。美国加州大学伯克利分校的中国美术史研究者高居翰(James Cahill)教授就是这一研究潮流中一位杰出的专家，应该说他的名字对于国内同行研究者来说是相当熟悉的。高居翰研究中国晚期绘画史的三本巨著《隔江山色》、《江岸送别》、《山外山》中文译本已经出版，其中对元代和明代绘画着力甚深，而山水画又成为高氏所特别关注的一个领域，他审慎而又精彩地阐述了那一历史阶段的画家之间无与伦比的关联性和画史上的复杂性，尤其是《气势撼人》一书由他在哈佛大学的讲座讲稿结集而成，主要讲述17世纪中国绘画史中的一些画家和他们的作品，对董其昌在晚明画史中的重要性与复杂性，重新给予了定位和介绍，还从新的角度驳斥了以往画史中对一些职业画家的习惯性偏见所造成的盲目判断。可以看出，高居翰除了对中国古代绘画史极为熟稔之外，本身在价值意义系统和“方法论”方面保持着高度的自省态度，从不人云亦云，没有从传统认知的角度和简单的视点去看待历史上的创作者，而是从相关语境尽力挖掘创作者在面对庞大传统遗产时所采取的回应方法和选择上的困境，同时涉及到对他们作品的品评和分析。 高居翰教授在美国研究中国画学史领域应属第三代学者，就像有的论者指出第一代研究中国美术的学者应属于汉学家，言下之意指的是早期欧洲影响下的凡属“中国学”研究范畴的专家行业，包括像语言、文学、历史学方面的研究，那个时候美术学还没有从“汉学”领域中独立出来：第二代学者则是二战后具有影响的对美术史学科独立性有相当自觉的研究者，像罗樾(Max Loehr)等，他不仅懂中文，而且对中国艺术有非常浓厚的兴趣，加上吸收了德国美术史学家沃尔夫林的图像学成果，即对作品形式风格的演变持有自足说的论点，好像不太会受到社会历史文化的影响，罗樾在此基础上针对青铜器纹样的研究发表了很具影响的论文。高居翰就是罗樾的学生，但是他没有完全按照老师的方法去对待艺术史的写作，而是在广泛参询画家对于社会历史的反映。把当时创作者和地域文化之间互动关系的研究结合起来，做出了既宏观又带有很精微特质的画家个人情绪对于画作影响的论说方法。 海外学者凭籍着他们的语言写作优势和很好的研究环境(比如很多国宝级书画藏于海外博物馆)提出了一些国内学者所不易看到的问题，加上他们不忽视对文献资料的细密考证，也研读了很多先辈学者的著作，在此基础上形成了一定声势的海外中国美术学研究群体。由于本文篇幅所限，不可能都有涉及，论述中多有挂一漏万的嫌疑，像很多这方面有特色的专家，比如美国的李铸晋、方闻、包华石，班宗华等，所治领域和观察角度多有不同，像包华石近来在《读书》杂志上发表的系列论文来看，他侧重于在相对政治文化环境下，海外中国美术史学领域存在的一些偏见和“盲视”，甚至是权力关系下存在的文化歧见和“误读”，其重点并不在于分析某个画家作品的精妙(就像很多论著那样)，而在于受到西方学术大环境影响下新的研究角度的阐发，不着力于通史和断代史的长篇论说，构成了当前中国美术史学研究中的新趋势，同时也冲击了固有的“学科”边界概念。 方闻作为普林斯顿大学荣退教授，长年来对中国传统画史的研究形成了很有影响的“东部学派”，近几年方闻也调整了自己的方法构架，以回应各种新出现的问题。由是想来。这一“内”一“外”之别只是相对和方便的命名，并无绝对界定的必要，任何画史对画家和作品的研究都要有“内外”的兼济才行。实际上，中国传统画史提供给我们的信息并不与这种方式矛盾，只不过比较零散和不系统，不像西方学科那样分门别类而极具理性法式，它们之间相互还可以借鉴对方的优势而体察自己的不足，不然的话，别人说的老拿西方的方法去研究中国，把“中国”仅仅当成了材料和解析的范本，才是我们在学习海外学者成果时应该引起反省的地方。 中国美术史论文:案例型教学在中国美术史教学中的应用 [关键词]案例型教学；中国美术史教学；教学改革 中国美术史是美术学科本科生的一门专业基础必修课，同时也是专业理论的主干课程。而在21世纪以素质教育为核心的教育改革的大潮中，美术史作为高校艺术学子必须掌握的一门理论教育课，越来越显示出它的潜能性和前瞻性，同时对提高学生的综合素质也在充分发挥着其特有的作用。著名的美术教育家陈传席说：“只有技能学习，没有理论学科的学习，不能叫美术教育，文化才能提高学生的素质，而技能则不能。”他的这一理论更是精辟地阐明了美术理论教育在美术教学中的重要地位。 一、传统教学方式的弊端 美术类专业人才的社会需求及培养模式改革，要求优化课程结构，加强美术史论和相关人文知识教学。但是，长期以来，美术史论课程与教学总是处于陪衬地位，不少学生对这类课程缺乏起码的兴趣与热情。这主要是由教师的教学思路和教学方法不当造成的。因此，加强美术史论教学要从改革教学方法入手。 我们在美术教学中都有这样一个共识，有许多学生在学习过程中一直是重专业技能的训练而轻视理论学习，认为不学美术理论同样可以画好画。这种现象也是现今美术教学的现实且严峻的话题。为什么美术专业理论课引不起学生的重视与兴趣？这个问题不能不引起我们这些教学工作者的思考。多年来，我们的美术理论教学基本都在套用一种相同的模式，即教师在授课时对美术理论讲授较多，对艺术作品分析不深入，学生的参与程度不够，导致对学生的思辨能力、创造能力培养不足，不能很好地提高学生的艺术修养和审美鉴赏能力，对艺术作品的鉴赏也是人云亦云的状态，并且学生也容易忘记所学的美术史论知识。有些教师习惯于按时间顺序讲解美术发展的历史，以美术发展的历史作为讲授的重点。这种方式，可以将美术发展演变过程讲得很详细，但在很大程度上弱化了对艺术作品的分析。这样枯燥乏味的理论教学只适用于一般常识的欣赏课，这样的授课方式对学生的艺术认识没有多大的积极意义，同时也不能充分调动学生的学习兴趣，这也就必然形成学生对美术理论学习的轻视和学与不学都无关重要的心理。如何激发学生学习美术理论的热情以及对它产生浓厚的兴趣呢？ 二、案例型教学的构想 (一)“以学生为主体”的互动 提倡“以学生为主体”就是要强调在培养学生过程中给学生自主权，注重发展学生鲜明的个性，保护学生的创造性，激发其展示自己才能的欲望，进而发挥其潜力。这样能激发学生的兴趣和积极性，很好地完成教学任务。中国美术史课程的教学目标不仅是让学生掌握基础知识，更重要的是提高学生的艺术素养和艺术鉴赏能力，增强分析问题和解决问题的能力。做到和教师及时沟通，同学互相学习，教学真正做到教师与学生、学生与学生之间的互动。 （二）“从实验中获得知识” 在美术史论教学中，如果加强艺术作品的鉴赏，用直观的艺术作品直接刺激学生的视觉，必然会引发学生积极思考问题的主动性，调动学生在艺术鉴赏活动中的想象力和创造力，使师生处于一种急于交谈的良好教学氛围之中。这样的教学环境不仅有利于教师传播知识，有利于教师有效地调动学生的学习兴趣和提高学生的艺术鉴赏能力，更有利于提高学生审美文化素质目标的实现。因此，我们要改革美术史论的教学方法，培养学生的学习兴趣，就一定要重视和加强实验教学,因为这是诱发学生学习兴趣的关键环节。让学生在不断的尝试中发现科学事实和概念， “重要的是让他们去做”、“要通过实验来解决问题”，将实验放在十分基础和重要的位置上。 三、“案例型”教学方法与传统授课方式的有机融合 （一）基础性和直观性的融合 “案例型”教学方法与传统授课方式的有机融合首先是教学内容的基础性和直观性的融合。所谓基础性，是指授课时要讲述美术本体所包含的绘画、书法、工艺、雕刻等等，但又非只是客观地介绍材料，而是史论结合，以论带史，使趋于感性的视觉经验上升至理论高度。这既可提高学生的艺术鉴赏水平，同时也能够促进他们专业理论水平及创作理念的改善与提高；直观性是指讲课时尽量展示可视形象。大量的视觉形象展示，使授课内容生动、直观，使学生在尽情领略中国古代美术杰作的同时，掌握中国古代美术发生、发展及美术本体的特殊规律，从而激发起学生对古代美术杰作和杰出美术家的崇高感情。 （二）传统教学与新成果的融合 传统教学观念滞后，缺乏对学生创新精神和创造能力的培养。受传统应试教学模式的影响，现在的试论教学往往偏重于基础知识的传授，而忽略了对学生创新精神和创造能力的培养。 “案例型”教学方法充分注重吸收和利用最新考古资料和美术理论界最新研究成果，力求授课内容的时代性和前沿性。授课过程中，注意传统艺术与当代艺术的比照，启发学生思考其现实意义；对美术史研究的空白点和热点加以重点提示，并对观点不同的研究成果进行简明扼要的比较，提出教师自己的看法，启发学生独立思考；课堂讨论中，鼓励学生畅所欲言， 各抒己见，培养学生的创新意识和创造性思维。 （三）传统授课方式和教学实践相融合 传统教学方式中，教学内容严重脱离实际生活，理论和实践相脱节。这种教学方式往往是以书本为中心，很少能把书本知识和现实生活联系在一起。“案例型”教学在这里主要体现在授课方式和教学实践当中。以课堂教学为主，以课堂讨论和实地参观考察等为辅进行教学。其中将课堂讨论作为关注的重点，使之成为师生互动的纽带，并以此来提高学生发现问题、提出问题和解决问题的能力。实地参观考察的教学方式突破以往较为单一的课堂教学方式，使教学内容形象化、具体化，提高学生的积极性和主动性，同时促进了师生之间的交流。 四、案例型教学的实施效果分析 在“案例型”和传统教学有机融合的过程中，启发学生独立思考，鼓励学生畅所欲言， 各抒己见，培养学生的创新意识。开拓了学生的视野，提高学生的艺术鉴赏水平，同时也促进了他们的专业理论水平及创作理念的改善与提高。 作为一门专业基础理论课，加强了与其他学科的联系，创造性思维渗透到其中，提高学生对视觉艺术作品的形象思维能力、审美感受能力和艺术创新能力。学生在教师的引导下进行研究，在教学中以学生为中心，以学生主体实践为主，培养了学生创新素质和健全人格、特别是创新精神和创新能力为基本价值取向的教育思想，学生的整体素质得到了有效提高，教育教学的质量得到稳步提升，为学生将来的长远发展打下了坚实的基础。 中国美术史论文:许江在呐喊 将可能性还给历史“八五”85中国美术学院校庆 依旧波光潋滟的西湖，晴方正好的南山路217号，中国美术学院迎来了它的85岁华诞。本次校庆特别安排了“八五” 85，展览作为最主要的内容。而让历史告诉未来的的展览宗旨更是拨动着人们的心弦。开幕式上，身为艺术家和美院院长的许江先生慷慨激昂的讲话给在场的每一位人留下了深刻印象。他的讲话与其说是讲话毋宁说是呼号。多年来多次我看到许江先生的讲话总是慷慨激昂，侃侃而谈，这一次，我特别深切感受到许江先生作为一个艺术家和院长，他是用自己的生命和激情在为中国的艺术教育和艺术勃兴在鼓呼和呐喊。 校庆期间，我同众媒体同仁采访了许江先生，他依旧是激情四溢给我们回顾了那段激情的岁月无数的故事...... 许江院长围绕 1985年那个难忘的岁月回顾了学院85年的发展历史、结合展览的内容阐述了学院的精神。他说，屏幕上放映的短片，由85年前真实的影像剪辑而成，我们在此重温历史，重温激情，感受三十年来生命与校园的巨大变迁。历史的浓缩总是在用某些“不变”或者是“骤变”的因素，令我们怦然心动，仿佛一下子面对家园。 这次展览的策划和实施主体是70、80后的年轻人，他们在去年夏天就提出以1985年作为岁月考古的平台，采集85位亲历者的人生片段，改校庆的典礼为学术的追问。他们冒着酷暑去捕捉历史兴怀的可能的现场。将可能性还给历史，将历史还给岁月。让亲历者在现场说话，抚今追昔，去钩沉那段曾经经历的岁月，重叙那段岁月于上下文之前涌动的意涵，以此来彰显我们学校85年来的学脉精神。年青一代对整个展览的创意和他们在执行过程中表现出来的坚忍、所兴怀的记忆、所秉持的求真的理想，是这个展览的亮点之一 “85”是一个横轴，让我们重返那些难忘的现场。在那些坐标式的往事当中，回溯大时代变革的踪迹，揣想历史的发生及其可能性。85位受访者则是一条竖轴，每个人的记述都与“85”的往事相对照，每一个书桌里面都存有那个时代各自不同的思想和生活的工具箱。这横轴和竖轴结成一个“十字”，成为我们回望岁月的生动的、纠结的十字坐标。我们每个人将在这个坐标里、这次展览中，找到中国变革时代的精神地图，找到学院能历85年不衰的学术脉络。 许江先生还说，在众多的亲历者的记忆中，那段岁月有两个突出的征候是之前甚至之后的很多年代所不具备的：一个是开放。打开国门，打开历史之门，众多久违的东西蓦然出现，尤其半个多世纪以来的西方前卫艺术的变革浪潮，及其蕴藏着的新学思想，走马灯似地影响着中国的学院，仅仅1985年就有美国史学教授维罗斯柯的持续十六讲的讲座，赵无极绘画讲习班及其展览与学术活动，万曼壁挂艺术初来学院掀起跨媒介的艺术运动；与此同时，以学报为核心的编译者们正加快阅读与译著一系列揭开形式思考和艺术诘问的西方名著。另一个突出的状态就是解禁。学院的开放可谓步步为营，但每一步都以某种思想和学术的解禁方式突破出来。正是这种解禁深深地诱发着一代青年的叛逆者和趋新的风向，也诱发着那种源自民间、源自底层的自我解放的力量，具体地、持续地给予每个创造个体以变革驱动的活力。虽然那个时代的开放程度远不如互联网时代的今天，但解禁仿佛是向思想解放、人性解放的无边大地不断地开拓，时代的思想者们仿佛垦荒者一般被赋予那个时代特有的顽强而丰沛的实验激情。所以，“八五”往事中记忆犹新的有关于油画系创业创作的论辩，学院中青年创作组的展览，关于素描教学、新水墨画教学的论争与探索，同时还有燎原全国的关于艺术形式的自觉与讨论，清理人文热情的观念端倪，各种后来被称为“八五新潮”的新艺术大爆发。 在谈到当年的八五精神在当下的意义时许江院长说：历史还在继续“八五·85”的意义正在于让八五精神，让美院85年持续的精神，重新和不断地活在校园，让美院的历史活化为一个未竞的事业整体，让参加“八五·85”学术活动的青年艺术家们涵融其中，代代传承，梳理振兴，发扬光大。 讲到美院悠久的历史包袱和传承的关系时他说，1660年前，王羲之在《兰亭集序》中慨然写道：“后之视今，亦由今之视昔，悲夫！”我们今天也站在历史长河的一个点上，向另一个年代怀想致意，内心必然感慨而系之，此所以兴怀。但我们不悲观，而是努力将曾经的生命能量存留在那里，让将来的兴怀者，“有感于斯文”，有感于代代传承的时代精神。 许江院长还兴致勃勃地讲述了这次展览的对“八五”85概念的意义。我们选取了在美院发展历史上85为重要的人物，其中有艺术家、教授等，他们在85时期都发生过许多重要的作用，展场将85个人的故事制成道具箱，将构成一场贯穿85个 年头的影像戏剧：“论争”“突围”“历程”“新潮”四个“片场”，呈现1985年美院的集体记忆。第一场是“论争”，重现构建当年的毕业答辩现场。在第二场“突围”则包括中青年创作组、维罗斯科讲座、中国画教学座谈会、实验水墨、赵无极绘画系列讲座、万曼壁挂运动和编辑部七大版块，搭建起美院的地标性事件，唤起1985年美院人的集体记忆。第三场“历程”作为整个展览的思想库，以黑板报的形式呈现了自1928年建校至今都在扭结中的有关艺术革命与革命艺术的事件、潮流和论争，涵括了“艺术运动社”、“新兴木刻运动”、“倪贻德：从创造社到决澜社”与“艾青：革命文艺领袖”、“人民英雄纪念碑”、“革命历 史画”、“浙派人物画”、“人间思想”八个部分。第四场“新潮”，重点聚焦于对“’85新潮”的追忆，由“’85新空间·池社”、“谷文达”、“红色幽 默”、“厦门达达”、“北方艺术群体”、“三步画室”、“部落部落”、“最后的画展”、“新学院派”这九个内容的展开，重新勾画出了当时以浙江美院为策源地辐射全国的“’85新潮”路径图。 采访结束时，许江院长意犹未尽，向大家谈起了许多往事，一些源自中国美术学院毕业的学生与许院长谈到了各自的状况的人生目标。 中国美术史论文:海外中国美术史研究的方法论 20世纪80年代以来，西方的艺术史研究出现了新趋势，主要是从哲学层面上对艺术进行反思，在方法论上对传统的实证性艺术史理论进行批判。这些反思和批判从外在的视角审视艺术问题，在一定程度上拓展了艺术史的研究思路，德国艺术史家汉斯·贝尔廷的著作《艺术史的终结：当代西方艺术史哲学文选》就是在这样的学术背景下产生的。论说艺术史的终结未免偏激，但是艺术史学科的确处在一种危机中。《艺术杂志》1982年冬季号正式提出了艺术史“学科的危机”这一主题。奥立可·格莱巴的《论艺术史的普遍性》也发表于同期《艺术杂志》上。格莱巴指出：“当下艺术史家的工作，即是去发现各国或各民族文化的某种（不同的）视觉语言之含义。”11 发现各国或各民族视觉语言的含义，体现出了一种在方法论上对艺术“普适性”的认识，艺术史的这种“普适性”概念一经提出，立刻引起了学界的关注。在中国美术史研究领域，学者们普遍警醒这种“普适性”。芝加哥艺术学院埃尔金斯在《为什么不可能写出非西方文化的美术史》中表述的很明确：“不管多元文化的美术史如何做出无懈可击的努力，所有撰写非西方文化的美术史的尝试均导致为西方的目的服务的西方化的叙述。”12 他的《西方美术史学的中国山水画》一书就极力避免这种“普适性”，转而寻求新的突破。方闻对此问题做出了不同的回应，他在接受普林斯顿大学艺术考古系主任谢伯轲的访谈时谈到：“在我看来，不同的视觉语言各有其不同的族群文化意义，为获得一个可观照不同艺术史的公共视野，我们需一套共同、适时的现代分析和诠释工具。这些工具或许最初发展于西方艺术史，但也应借由研究非西方视觉作品所获得的洞识，加以修正和扩充。” 历史主义的强大力量使得艺术史家在黑格尔时代精神的启发下，确信艺术提供各种手段使人类精神以某种特有的历史化方式显现出来，历史乃是人类精神生活的本质。在这种历史主义的引导下，19世纪和20世纪初许多文化史家和艺术史家便认为，一切艺术风格均是文化各个方面的反映，任何风格的创造、发展及其演变都是时代精神变迁的一种现象。当代社会艺术史家因此提出“艺术本身是历史吗”这样的命题，主张艺术史研究应进行从对风格史的关注向“片段历史”，或“微观历史”的研究转变。高居翰在2005年的《亚洲艺术档案》上发表了《中国绘画“历史”与“后历史”的一些思考》一文，其中反思了中国绘画史没有像西方绘画史一样建立起一门坚实、详尽的历史学。他借用西方后现代历史理论来研究元明清绘画，用“后历史”这个带有浓厚指向意义的词语处理中国艺术史。高居翰的这种处理方式割裂了中国绘画的完整历史，既忽略了中国艺术史中固有的师资传授系统，也没有遵循西方历史主义的研究现实。 面对中国美术史研究的学科危机，方闻首先从理论的高度出发作出了回应。他在《为什么中国绘画是历史》一文中持有艺术史普遍性观念，并确信中国画的真正价值在于它表现方式的独一无二性。随后，方闻在文中从传统中国谱系的艺术史学和中国画中再现与超越再现的风格历史两方面进行了详细的论证。最后，方闻写道：“倘如问，中国或者日本绘画哪些方面的研究可为现代艺术史学提供理论基础？答案必然要看不同的视觉语言及其独特含义的历史性描述。”13 海外的中国绘画史研究，在经历了最初的迷茫和机械地借鉴之后，越来越多地具有了作为一门独立人文学科的精神特质，它开启了西方认识中国文化的一扇窗口，也对西方文化的未来走向提供了某种参照和思想资源。中国美术史的研究应该为全球的学术合作提供一个契机和可操作的平台，中国美术史是一部具有开放性、包容性、区域性和多元化的历史。 中国美术史论文:论中国美术史中的原始植物崇拜思维 摘 要：源于生产生活需要和精神向往两大要素，原始人类产生了对植物的崇拜，原始崇拜往往是原始艺术创作的现实驱动力，所以美术史上所呈现的植物艺术题材，通常牵系着原始人的心灵世界。本文将主要探讨原始植物崇拜思维在美术创作中如何摆脱“自然属性”而趋向于艺术，探讨其在中国美术进程中的发展规律。 关键词：原始；美术；植物崇拜 人类自认识和改造世界的活动一直不断进行，在一个作用与反作用的过程中，“自然”无时不对人类的思想意识造成一定影响，而作为人类意识形态产物的美术，势必会和“自然”产生千丝万缕的联系。由于远古时期生产力相对低下的状况，许多客观的规律不能被原始人理解，被蒙上一层神秘色彩，从而对原始美术创作产生崇拜驱动作用。这种原始思维在一个相当长的时间内存在并被原始人所接受，以致于它不能完全的在人类的文明进步中隐退，从众多美术绘画作品、纹样中我们仍能看到它的影子。原始人的植物崇拜情结就是一例。 在江苏省连云港发现的将军崖岩画上刻画着以植物茎叶连缀的人面和天体星象图案，创作于新石器时代，这是较能体现原始人对植物有着特殊感情的一件作品。岩画中人面造型奇特，夹杂着某些星象的元素，画上的人面与植物茎叶相连，而且人面形似果实，显然是有意识创造出的人与植物合一的艺术形象，是祈祷获得植物的力量？还是他们认为人是由植物而生呢？答案已经不得而知，但从中我们不难看出植物在原始人心中的重要地位。 原始人类认为万物有灵，“先秦时就有一种司木之神，名曰‘句芒’，为古代的树神。‘夸父逐日’弃杖化为‘邓林’，就是桃林有灵的记载。”①中国的许多古汉字，也都与原始人的植物崇拜相关，如“氏族”中的“氏”本意为木本，即植物之根；而与植物关联的“臬”字，则含“法则”的意思。“华夏文明是在植物文化的历史背景下孳生发育的，华夏民族的称谓本身，就保存着原始植物崇拜文化的信息。华、花二字在殷代卜辞里是同一个形体，便是佳证。至于本象花蒂之形的帝字，其最初语义的蕴涵的意念，即是对植物的原始崇拜，也是不言而喻的。就植物而言，开花结果，生生不息，花蒂是其根本。植物花蒂的这种带根本性的神异力量，很自然会引起人类的重视和崇拜，进而成为自然界至尊神的化身。”② 原始植物崇拜思维中对被神化的植物，并不像其他对象崇拜多有祭祀活动，而是主要表现为敬畏，禁忌折伤或砍伐崇拜物。《礼记·月令》中规定：孟春之月，禁止伐一切树木；季春之月， “毋伐桑拓”；孟夏之月，“毋伐大树”。③ 《搜神记》载：“建安二十五年正月，魏武在洛阳起建始殿，伐灌龙树而血出。又掘徙梨，根伤而血出。魏武恶之，遂寝疾，是月崩。”④这一描述给植物附加了人的机能， 进一步发展了崇敬心理。 原始植物崇拜思维的出现也并非偶然。远古时期大地上多覆盖广阔的森林，植物生长茂盛，原始人的生活与它们息息相关。制作棍棒弓弩狩猎，采摘果实，用树藤结网捕鱼；采集树叶制成衣服；燃烧植物获取、保存火种，御寒取暖、防止野兽攻击、驱走黑暗和恐惧、烤熟食物，原始社会两大主要的生产方式——狩猎和采摘，以及原始人文明进化的重要元素——火，都需要通过植物来实现。可以说，植物是原始人类衣食住行的基础。“人通过实践劳动创造了一个以他为中心、以实践为媒介的人类社会。在这个社会中一切都会被打上人的印记，不仅自然界的高山原野、河流星空成了人的无机的躯体，而且经过劳动实践，人进一步产生了思想和观念。”⑤在生产生活中，原始人会不自觉的将一些自然物与人类自身进行对比并能判断出异同。原始社会外出狩猎和采摘是非常危险的，时常可能面临野兽致命的袭击和一些突发的自然灾害，他们的生命相对脆弱而且寿命也很短，拥有强健的体格并且能够长寿成了一种最直接的愿望，于是植物此时起了必然的参照作用，树木的高大粗壮、长生不死都被原始人看作是一种神奇的现象；植物的枝干断了还可再生，原始人在同野兽的搏斗中和可能经常损失身体部位，“再生”也成了他们的渴求；原始人在狩猎追赶野兽很可能迷路，高大或者有特殊标志的树木植物就成了他们辨别方向的依据，由此产生信赖感；植物种子落地生根，强盛的繁殖能力也是原始人类所向往的；原始人类认为鸟和神是相通的，他们把鸟看成是神的使者， 而鸟栖息的植物这无疑会让他们觉和神有一定联系。可见，植物在原始人类的思维中是具有强大力量感的。一方面，在物质上他们必须接受植物的赠与、依赖植物生存；另一方面，在精神上他们羡慕植物并渴望获得植物的某些特殊能力。就如同人类的童年思维一样对那些自己不能控制的神奇事物生出一种又爱又怕的感情。由于长时间受这种情感的困扰，力量感很快变成了原始人类强大的心理压力，原始人屈从于这种力量之下，产生了植物崇拜。 植物作为美术创作的重要素材，在美术史中经常出现，而崇拜思维的影响则主要表现在植物艺术形象内涵的变化上。他们通常会不自觉的以某些方式再现他所敬服的这种力量。在许多原始绘画艺术都有所体现，显示为祝愿对这种力量更强大，并能为己所用、为生产实践活动服务，带有实用功利性。如“浙江余姚河姆渡新石器遗址出土物中有的陶盆口沿部位装饰有稻谷禾苗纹样，反映了原始先民对丰收的向往。有一块陶片上刻有植物形态，五片叶子茁壮舒展，表现了蓬勃生长的状态。”⑥原始先人绘制着这些装饰和纹样，也绘制着他们对美好生活的憧憬，但这种憧憬只是源于对自然力量的崇拜。也就是说，如果不是原始人类在物质和精神上依赖植物，那么原始美术中的植物形象也应会随之减少或消失。所以早期的植物形象艺术作品实用意义多于审美意义。“原始人类在有意识的利用物质材料表达主观目的、主观精神时，其美感与想像、思维、情感、动机交织在一起而创作出的作品和创作过程具有多元意义。此时的创作和审美处在蒙胧混沌状态。”⑦ 人类度过漫长的蛮荒时代后，其美感意识得到发展和增强，审美活动逐渐独立和清晰起来植物崇拜思维也开始向“艺术阶段”过渡。此阶段的许多作品虽然仍含一些实用的指向意义，但都格外明朗的呈现出美感，而且还占主导地位。如汉代墓室画像石砖中常见的“扶桑树”，取材造型都隐去了原始功利的为生产生活服务的实用目的，仅作为一种吉祥物的象征，为祈求生命不朽和灵魂的安宁等。六朝时期崇尚清雅之风，主张复古，而此时植物纹样繁盛，卷草、忍冬等纹样流行，这些纹样造型生动、线条流畅，非常符合形式美法则的要求，有很强的艺术感染力。就是在这样反复的创作过程中，人类对原始植物单纯的屈从崇拜淡化了，对植物形象美感的意识渐进成熟。此时原始的植物崇拜思维在美术创作中开始发生演变。 现代社会客观规律通过科学方法得到合理解释，原始人所敬畏的神秘力量成为普通现象，而且随着生产力的提高所谓的心理压力不复存在，经过长时间的变化和发展，植物形象开始具备独立的审美特征，成为一种艺术形象。在内外因都发生重大变革的情况下，原始植物崇拜思维的“自然属性”完全蜕变了，一种对大于本身的力量的屈从演变成了一种对于自己熟悉并带深厚感情事物的欣赏。 结语：自此，原始植物崇拜思维经由了从“自然”到“艺术”的上升过程，而且由于历史条件和社会关系等各类因素的影响，植物的艺术形象也完成了从实用性到审美性的过渡。在对自然事物的认识活动中人类的美感意识逐渐形成并不断完善，这种美感意识源于对巨大力量的崇拜，随着这种力量减弱，植物的形式特征开始成为人类的审美重心。

动漫设计论文:太极八卦图动漫形象设计论文 “每个国家的艺术动画家都试图挖掘动画形象深层的艺术性和文化性，让其创作的动画形象包含更多本民族的文化元素和艺术趣味。”。熊猫是我国国宝，却被美国设计为动画片《功夫熊猫》的主角，虽然吸收了大量中国元素，但主要是传播美国的趣味和意识形态。我们为什么不设计具有中华文化符号的熊猫形象呢？《八卦侠》的主角就是融合太极八卦图进行设计的熊猫形象。熊猫和太极八卦图都是我国特有的、历史悠久的“国宝”。熊猫性情温和、体形圆胖，非常吻合太极八卦图的文化内涵，即圆满、和谐等，熊猫八卦侠的设计也表达了中华民族追求和谐、圆满的思想，而且两者在造型、色彩、文化故事等方面都可以找到结合点，以下展开论述。 1.太极八卦图对《八卦侠》的造型启示 熊猫睡觉时蜷缩的形状与太极八卦图非常相似。太极图的S形曲线和两个阴阳圆圈是极具标志性的造型符号，对于设计八卦侠的标志性符号有重要参考价值。八卦侠的设计重点运用S形曲线作为头部的花纹，加强形象的民族标识性，同时S形曲线给人一种动态感，进一步渲染八卦侠的动感与活泼。太极图的两个阴阳圆孔可以演变为八卦侠的两个眼睛，八卦侠的两眼珠也是圆形，两眼也是白中有黑，黑中有白。而且太极图的两个阴阳孔具有对称美，八卦侠的双眼设计也形成对称美。太极图总体形状呈圆形，有大圆之美。八卦图中的八卦在空间上的八个排列方位，也形成了一个周而复始、不断循环的圆形。其圆形也为八卦侠的头部和身体形状设计提供了灵感。圆形是动漫形象中最常用的形状，美国经典卡通米奇就是由一系列圆圈组成。为了呼应太极图的大圆之美，熊猫的头部和身体都设计得更圆，同时突出了熊猫圆胖可爱的特点。八卦侠熊猫的肚子上也设计了太极图，进一步加强形象的标识性，把太极符号进一步转化为动漫造型符号，加强民族文化特色。 2.太极八卦图对《八卦侠》的颜色启示 太极八卦图的黑色与白色的搭配也是经典的颜色组合。白中有黑，黑中有白，简约精炼，寓意丰富。太极八卦图与中国画的“知白守黑”特征有着密切联系。“知白守黑”是中国书画艺术形式的典型特征，它来源于太极图，篆刻艺术、书法艺术和中国画艺术在画面布局方面均以之作为独到的心法”。“知白守黑”是古人总结出来的艺术规律，也是中华文化在颜色上的体现。《八卦侠》的颜色设计也运用了“知白守黑”。熊猫的颜色也是黑色和白色，可以与太极八卦图的颜色自然融合。动漫形象设计忌讳多种颜色带来的花哨感，简约就是美。基于太极八卦图与中国画“知白守黑”的密切联系，《八卦侠》也融合了中国画风格进行总体设计，包括书法、篆刻、水墨竹林等，进一步突出动漫形象的本民族特色。 3.太极八卦图对《八卦侠》的文化内涵启示 动漫形象设计不但需要研究形式美，更需要超越形式，融入文化内涵。《八卦侠》的形象设计也是超越图像形式，综合融入太极八卦文化，为动画片的故事创作打下基础。因为太极八卦图与《周易》的密切联系，《周易》也可以融入八卦侠的故事设计，八卦侠是位弘扬和守护《易经》的侠客，并从中悟出神秘绝招。太极八卦图也是中国功夫文化的符号象征，太极八卦文化衍生出了太极拳、八卦拳、八卦掌、八卦剑等中国功夫。太极拳中反复出现抱球动作，就是模拟太极图的圆形，很多招式都是沿着太极图中“阴阳鱼”的弧线运行。八卦掌的基础套路也是模拟太极图的圆形。武当山的习武道场等多有太极八卦图，在民间太极八卦图也常与功夫联系在一起。中国文化国际传播研究院与《现代传播》杂志社于2013年共同了我国电影国际影响力数据，数据显示功夫片仍是最受海外观众欢迎的中国影视类型。李小龙系列电影、《功夫熊猫》等都因中国功夫大获成功，掀起了全球“功夫文化热”。《八卦侠》的定位是塑造自强不息、行侠仗义的侠客形象，融合太极八卦图背后的功夫文化，八卦侠同时精通太极拳、八卦拳、八卦掌、八卦剑等中国功夫，可为动画片带来冲击力和故事看点。 八卦分别象征着天、地、水、火、雷、山、风、泽，是大自然的八种重要物象。这些为《八卦侠》的设计提供了广阔的故事空间，可以设计出八位八卦侠，分别拥有八种大自然的超能量。正因为八卦侠融合了太极八卦图，使得形象具有更多文化象征意义，为故事的演绎找到了文化根基。“一阴一阳之谓道”，八卦侠是位奉行天地之道的侠客，演绎出替天行道的故事。民间也流传着许多与太极八卦图相关的传说，都可以成为《八卦侠》故事设计的源泉。有娱乐感的动漫作品对青少年更有吸引力，动漫作品在传播传统文化的同时需要选择轻松幽默的方式。“八卦”一词在现代生活演变为“娱乐八卦”的说法，具有娱乐特色，八卦侠的性格与故事可以演绎出幽默搞笑的一面，为故事设计衍生出喜剧元素。 动漫形象八卦侠的设计代表一种回归传统文化的思维方法，太极八卦图对传统文化的借鉴不只是在图像形式上，更在于其丰富的文化和故事价值。美国著名学者弗莱姆认为：“在当代世界注重软实力的发展趋势中，一个现象正在兴起，即符号的战争”。这种“符号的战争”主要在包括动漫产业在内的文化产业中进行。动漫设计的文化影响力本身也是国家软实力的重要组成部分，实现动漫设计的“中国梦”，迫切需要挖掘和汲取中华民族优秀传统文化资源。 作者：陈坤单位：广州航海学院数码艺术系讲师 动漫设计论文:动漫角色造型设计论文 一、动漫角色造型设计的速写基础化认知 （一）删繁就简删繁就简是动漫造型设计的基本特征之一，是用简洁的语言表现丰富内涵。当然删繁就简必须是在对动漫角色的准确定位上，三两笔勾画出动漫形象的精神所在。 （二）归纳整合归纳整合是去除自然物象中的繁杂细节，取其精要，把能充分表现动漫物象的个性特点、精神内涵的一些因素归纳强化，形成崭新的动漫形象，依然有整体的和谐。 （三）对比组合在多个动漫形象组合设计中，有意识地将不同的角色在造像、体量等方面形成差异，目的是强化组合时的趣味性和戏剧效果。在设计过程中，不要急于一下子把动漫角色一个一个设计好，要全面突出一个设计，并将他们大致形态、体量，用草图的形式画在一张纸上进行排列，比较主角与配角之间的层次关系、映衬关系、呼应关系，角色间的形体、性格特征是不是突出鲜明，多方面审视调整，从整体上多方面把握动漫角色造型的风格。（五）写实的感染力写实的动漫角色造型以自然现象为基本参照对象，其形态运动规律都力求接近自然状态，无形中弱化了动漫角色和观众之间的距离更容易营造身临其境的视觉效果。这也是动漫创作者力求达到的一种境界。 二、动漫角色造型设计中的速写表现化认知 在长期的速写训练中，动漫创作者对创作的感受和认知不断地加深，时不时在脑海中迸发出灵感的火花,既而表现的渴求也越来越强烈。当画笔下流淌的线条将形象清晰呈现于眼前，表现渴求得以满足，心中愉悦难以言说。达芬奇曾说：“画家的心应当象什么？画家的心应当象一面镜子，将自己转化为对象的颜色，并如实摄进摆在面前所有物体的形象。应该晓得，假设你不是一个能够用艺术再现自然一切形态的多才多艺的能手，也就不是一位高明的画家。当你横过田野，请发挥你对各种事物的观察力吧！先看这一件，再看另一件，去粗存精，搜集各种材料。不要像某些画家，倦于想象力的运用，搁下工作，以散步为消遣，他们仍是精神疲惫，懒得观察周围事物，遇到亲友招呼也只当没听见看见。”是的，懒于观察生活，倦于想象力的运用，何谈细腻情感的体验、激情创作的表现。细心观察，留心记录能让动漫创作者打开别样天地。 动漫角色造型设计受动漫作品表现风格的影响，又有着与一般速写不同的创作要求。例如日本已故漫画家臼井仪人笔下的蜡笔小新，角色形象生动简洁概括；上海美术电影制片厂出品的《渔童》《山水情》《抬驴》等动画片角色都极具有中国民族特色造型。动漫创作者们是通过对动漫作品表现风格的研究和对速写技巧的掌握，培养对生活对象独特的观察方法和快速而准确地捕捉对象特点的能力，使自己较快地进入创作状态。而这一切只有有意识地通过科学系统地绘画训练，才能做到收放自如。长期而又扎实的速写创作会为动漫创作者积聚创作的力量和欲望，这种创作经历总会有与动漫创作相契合的交融点，进而成为造型设计的创作突破口。 三、动漫角色造型设计中的速写自然化认知 动漫创作者在生活中应去审视自然界中曾被漠视的风景，如石头纹理、丛生的杂草、污迹等。视角一变，天地也变。动漫创作者能从中找到抒写心情的又一片天地。以速写的绘画理念审视在生活中发现的这些独特的形象，以绘画的技巧将其所凸显的线条形象夸张变形，在脑海中形成一个个荒诞的怪物形象，同时将自我或喜或悲的情绪寄寓形象之中。乍看难以理解的怪物形象，却总能触动内心某处情感软肋。随着类似形象设计的丰富，动漫创作者又打开了另一片天地，速写这种简单的绘画方式为动漫创作者在动漫角色造型设计方面带来无限的想象空间和无尽乐趣。这些承载了情感的荒诞形象记录下动漫创作者的发现与喜悲，同时也成为动漫创作者动漫脚本创作的最初灵感和素材泉眼。动漫创作者在此过程中对自然生活的细心观察，加上动漫角色造型的理论指导，当这一切在偶然中相遇，却打开了动漫创作者另一双心眼，有了表现的欲望，更有了表达的渠道，一个个的“小怪物”就诞生了。大自然是最好的老师，动漫创作者可以找到永不枯竭的创作活水。动漫角色造型设计无论是运用何种规律或方式，都是在围绕着自然的、鲜活的生命体的塑造进行的，而种种理念上的指导更须在自然生活的大天地中融会，获得新鲜的自然气息。 总之，条条大路通罗马，而最终殊途同归，无论是速写创作，还是动漫角色造型设计，都成为动漫创作者绘画情感的宣泄和表白。观察中有发现，发现中有思考，思考后有升华，升华之余有了表达的渴求，一切认知水到渠成。 作者：张国庆单位：青岛职业技术学院艺术学院 动漫设计论文:浅谈动漫角色设计理念 一、三维动画角色设计理念分析 动画是影视艺术的重要类别。虽然我们都希望看到画面更加精美，动作更加流畅，艺术风格更加突出的作品，但是，是不是能够得以实现，与它的技术发展的程度有很大的关系。从艺术的角度来分析，动画角色造型首先反映的是角色的性格，然后才是风格，并且，把动画整体的风格统一起来，从技术的角度来分析，动画角色的造型一定要与其相应的类别的制作技术结合在一起，与此同时，还要使它的艺术特征得到保持，实现艺术与技术的一致。关于动漫三维方向的角色设计，一是线条的简洁概括，主要在整体外部轮廓、结构的处理、内部的衣纹来体现，还有线条、阴影以及上色等方面，结构相对简单，线条也比较简洁，给人非常明确简洁的效果。二是明确结构轮廓，例如与三角形、梯形以及圆形等形体的组合。三是唯美的色彩以及突出的风格，三维动画的角色与背景主要在光影以及色彩方面，对于装饰化效果进行强化处理，使画面更加唯美，更加突出画面的风格与气氛，再就是可以渲染成二维动画风格，不但可以制作成传统的大片效果，还能够做成反传统的非主流风格，无论是线条、造型，还是色彩等方面都可以发挥出作者的个人特点。其次，三维动画既然可以模拟真实三维空间，那么三维动画的角色造型是不是越逼真越好呢？显然不是，三维动画怎么逼真也不可能超过写实电影，真的做成写实电影，那三维动画的设计似乎就丧失了意义！三维动画由于自身的技术特点，即不能和二维动画比细腻，又不能和写实电影比真实，在动画角色造型上就形成了两种发展趋势。第一种：怪异的动画角色造型。在很多三维的动画片里，动画的角色造型都是比较怪异的，例如眼睛、嘴巴、身体的结构等一些细节都做了相应的夸张处理，使之更加有趣，这样就会给人留下非常深刻的印象。另外一种，就是超写实的魔幻的角色造型。在题材是魔幻主题的三维动画中，角色一般都比较精美，造型也是非常的奇特。这样的造型会给人一种超越真实的感觉，给人带来很大的震撼。在有真人参加的魔幻影片中，这些角色的造型以及背景的画面会吸引到很多的观众，并且取得非常成功的效果，例如：阿凡达。 二、中国元素对世界动漫设计理念的影响 我们国家的经济实力增长迅速，在世界中的地位也越来越高，与西方交流的机会也越来越多，我国传统的文化也受到国外很多动漫设计师的关注。由于与西方国家的不断交流，使很多国外的动漫设计师被我们国家的文化所影响。我们国家的传统文化具有非常深厚的内涵。在我国动画的发展过程中，有许多成功的经验可以借鉴，例如：水墨动画。这在我国的动画中是一个非常大的创举，它把传统的水墨画加入动画的制作中，造成一种虚中有实，实中有虚的意境，给整个动画增加了很多优雅。在一九六零年，首部水墨动画片诞生了，就是《小蝌蚪找妈妈》，取材于齐白石的伟大作品，它把国画中的笔墨与电影的艺术完美地结合了起来，还有一九八八年制作的《山水情》，也是在国内外荣获了各项大奖的作品，此作品主要描述了人与自然融合在一起的境界。在风格统一的情况下还把不同风格的短镜头穿插了进去，把山与水的意境出现的非常的神入。通过非常感人的故事，以及高超的动画技巧，把写意山水的水墨技巧与古筝技艺结合在一起，无论是在视觉方面，还是听觉方面都给了观众带来很浓的诗意意境，给人一种赏心悦目的感觉。 三、结束语 通过以上的论述可以总结，我国的动画不但有很深厚的文化积淀，在现在又得到了快速的发展，形成了一种新兴的产业。从几千年以前的皮影戏到现在的热播动画剧集，我国的动漫文化正在飞速发展。虽然我国的动漫产业还处于起步阶段，动漫产业的发展还会受到很多的阻碍，但每个国家的动漫产业都经历过这样的发展过程。这里还值得一提的是动漫游戏产业，经过专家的相关分析指出，在现代社会中人们休闲娱乐的一种非常流行的部分就是动漫游戏，随着高科技的不断运用，动漫游戏产业给人们的生活带来很多丰富的休闲娱乐体验，也慢慢成为人们生活中不可替代的一部分，同时，又被人们称之为朝阳产业。那么，怎样才能在现代的动漫角色设计中进行不断地创新，并加入更多新颖的设计理念，是我们未来在动漫产业的发展中不断追寻的一个重要课题。相信通过动漫行业的所有设计者的共同努力，加上动漫技术的不断提高以及理念的不断创新，动漫角色设计的发展会更上一个新的台阶。 作者：赵辉单位：中州大学 动漫设计论文:动漫衍生产品开发设计探索 (一)动漫衍生产品的定义 衍生产品是从某种产品发展出来的派生物，动漫衍生产品是从动漫实体产品衍生出来的系列授权产品。动漫衍生产品是指利用动漫实体产品中的原创角色形象，通过动漫衍生产品设计大师的精心设计，而开发制作出的一系列可供出售的服务或产品。自1929年美国迪斯尼公司大大受益于“米老鼠”动漫衍生产品的开发之后，越来越多的动漫企业开始重视和效仿动漫衍生产品的开发，使得动漫衍生品的类别与样式渐渐增多，并趋于市场化、成熟化。 (二)动漫衍生产品的分类 经过80多年的发展，动漫衍生产品的种类繁多且逐年递增，日常生活中随处可见。动漫衍生产品开发具有多样性的特点，具体可以分为以下三大类:(1)内容类衍生产品，如图书、音像(DVD、CD)、杂志;(2)形象衍生类产品，如饮料、食品、服饰(帽子、箱包等)、服装、文具、玩具、饰品(手机套、钥匙扣、发饰等)、日常生活用品、居室用品(壁画、儿童家具、墙纸、被罩、拖鞋、抱枕、灯饰等)、收藏品(卡片、形象)、电子网络(手机彩信、网络游戏)等;(3)综合类衍生产品，如主题公园、动漫会展、娱乐场所等。 我国动漫衍生产品的开发路径选择 在我国，动漫产业是新兴的文化产业，近几年的发展势头尤为迅猛。通过对我国国内动漫衍生产品的市场占有率调查发现:日本产品约占60%，美国产品约占29%，我国原创产品仅占约11%。我国国内市场的大部分收益流于日本和美国，我国只是动漫衍生产品的消费大国，而非盈利大国。当前，世界上最具有代表性的动漫衍生产品开发模式有两种:(1)以日本为代表的模式:低投入，以市场需求为导向，把动漫创作、衍生产品开发与商业市场一体化，将开发与市场紧密联系起来，以发售速度快、发行基数大来收益，日本动漫衍生产品和动漫作品本身的收益比为7∶3。(2)以美国为代表的模式:高投入、高质量，以原创动漫文化为中心导向，靠之后的销售运作逐渐收益，收益比为9∶1。我国应借鉴日、美等世界动漫强国的发展经验，并结合自身的发展特点，寻找一条适合我国国情的、原创动漫衍生产品开发的现实之路。具体应把握以下两点: (一)以“母体”创作为动漫衍生产品开发的根本 动漫作品是动漫衍生产品的“母体”，国产动漫片的内容创作必须富有新的创意才能吸引广大观众的眼球。现今我国广大的青少年观众可以利用多种媒介接触各国不同风格的动画片，国外动画片在一定程度上刺击了他们的欣赏水平和审美需求。我国动漫企业应不断推出具有中华民族文化特色和风情、贴近和吸引本土观众的国产动画片，提升国产动画片的市场竞争力，务实解决动漫衍生产品“母体”创作的问题。 (二)把商业运作作为动漫衍生产品开发的关键 动漫衍生产品的商业运作模式是收益的关键。家喻户晓的大型系列动画片《喜羊羊与灰太狼》的综合收益创造了我国动画史的记录。分析该片的成功因素主要在于三点:(1)创意佳。它是二维动画，成本较低，动画角色形象可爱，故事简洁搞笑，引人入胜。(2)人气旺。它是一部500多集的大型动画片，依靠三年连续播放的积累，赚足了人气，从而为该片衍生产品的开发创造了“人和”条件。(3)营销妙。它在播出后适时地加大了广告宣传力度，使得喜羊羊“无处不在”，创造了“天时、地利”条件，以巧妙得当的营销措施，并适时地制造、推出喜羊羊礼物玩具、服装等各种衍生产品，赚足了利润。 地方特色文化动漫宣传片衍生产品的开发现状及对策 (一)地方特色文化动漫宣传片衍生产品的开发现状 近年来，国内一些动漫企业纷纷创作出以地方特色文化为题材的动画片，例如由安徽中卡通动漫公司推出的《九华小和尚》、《楚汉风云》，深圳崇德影视传媒公司出品的《孔子》，央视动画有限公司与武汉江通动画联合创作的《福星八戒》，河南华豫兄弟动画影视公司制作的《少年司马光》等，这些动画片在电视台获得较高的收视率及名气之后，开始走出荧屏，各种衍生产品纷纷推出，且已取得了一定的经济效益。我国动漫衍生产品的市场规模年均增长率约是29%，有人预测，到2013年其市场规模将超过210亿元。但我国地方特色文化动漫宣传片衍生产品的开发尚处在起步阶段，在取得一定成绩的同时，也出现了一些问题。在现今动漫衍生产品市场中，我国原创的动漫衍生产品较少，大多是来自国外的优秀动漫衍生产品。我国地方特色文化动漫宣传片的衍生产品开发存在的主要问题是:原创动力不足，缺少原创品牌;产品缺乏吸引力，品牌效应不强;市场定位不准确;产业链条不完整;开发资金短缺;知识产权保护不够，盗版现象比较严重。 (二)地方特色文化动漫宣传片衍生产品的开发对策 我国地方特色文化动漫宣传片衍生产品的开发应多借鉴国外的成功经验，取其精华，去其糟粕，并且针对自身存在的问题，大胆改进和创新，充分挖掘动漫衍生产品的价值，促进我国动漫产业的良性发展，全面提升地方城市的绿色GDP。 1．加大政策和资金扶持力度 制约动漫衍生产品发展的瓶颈因素就是资金的短缺，为此应建立市场化投融资体制，为动漫衍生产品的开发筹集资金。(1)政府部门应设立专项引导资金，并减免一些税收，巧助原创动漫衍生产品的开发;(2)动漫企业以作品的著作权为担保，通过银行评估其著作权价值，从银行获取资金;(3)地方政府优先扶持本地的动漫公司上市，在股票市场中融资。 2．增强衍生产品的开发意识 首先应明确地方特色文化动漫衍生产品开发的重要性和不足之处，增强衍生产品的开发意识。(1)重视动漫衍生产品开发的整体策划(包括开发资金、技术需求、人才需求、市场需求、衍生产品种类等)，设计出更适于衍生产品开发的动漫形象。(2)重视动漫衍生产品设计开发、市场营销所需的专业人才培养，搞好设计开发团队、市场营销团队的建设。(3)打造优秀的原创动漫明星形象，建立拥有自主知识产权的品牌。 3．增加衍生产品的吸引力 目前市场上动漫衍生产品的种类和数量越来越多，要想脱颖而出、招人喜爱，就要增加动漫衍生产品的吸引力。(1)塑造优秀的动漫形象，通过在动漫作品中的形象塑造以及在动漫衍生产品开发中的形象塑造，创作出让众人喜爱的动漫形象。(2)丰富衍生产品的种类，满足不同群体对象的消费需求。(3)不断创新，严抓产品的质量，延长动漫衍生产品的生命周期。 4．把握销售市场的行情 为了促进产品的销售及营利，应对市场进行充分分析，准确把握市场行情。(1)扩大受众消费群的范围，丰富衍生产品开发的内容和形式，提高市场占有率。(2)充分分析受众消费群的心理，了解他们的消费特点与兴趣爱好，进行产品的市场细分，创作符合他们心理需求的衍生产品。(3)搞好衍生产品的市场推广和信息反馈工作，掌握市场动态，针对消费者的反馈信息，及时作出调整。 5．加强知识产权保护 要切实加强对动漫衍生产品知识产权的保护，制定相应的法规和政策。(1)地方政府与职能部门应出台相关的保护政策，实施知识产权申请、登记、注册的资助政策，协助动漫企业或个人进行版权登记、商标注册、设计专利申请等。(2)运用宣传或培训等手段，提高动漫创作者的知识产权自我保护意识。(3)建立较严密的知识产权保护体系，处罚、打击动漫衍生产品的盗版、侵权等行为，为动漫公司的良性发展保驾护航。 结语 随着动漫产业的快速发展，动漫衍生产品的开发从无到有，从有到优。开发地方特色文化动漫宣传片的衍生产品，就是集文化价值、使用价值与经济价值于一体，通过塑造优秀的动漫明星形象，打造地方特色文化动漫衍生产品的品牌，以逐步增加我国国内动漫衍生产品的市场占有率，提高开发单位(开发者)的经济收益，全面推动我国动漫产业的良性发展。 作者：魏三强单位：宿州职业技术学院计算机信息系 动漫设计论文:历史思路对动漫创意设计的影响 历史与现实是一切创意的依据和土壤，动画设计专业的学生如果积累丰富的历史知识，提高自身的历史修养，则会增强对设计的敏感度并提升作品的高度。一个人的历史见解本身就是其思想的组成部分，同时一个人的史学修养又会对其其他方面的思想产生相应的影响。对于处在学习阶段的高校动画设计专业学生，提升历史修养不是偏离专业业务，而是从另一个重要的角度整体提升专业修养和创作技能。 动画创意设计的特点与历史思维的意义 动画艺术作为一种特有的艺术表现形式，其艺术本体特性中包含了多元性和假定性，这两种特性使得动画创意设计与文学创作、影视艺术创作表现出广泛的共通和亲近。因此，此时的动画艺术创意便同文学创作和影视创意一样，与历史思维产生了不可分割的联系。此外，动画的假定性也与历史思维密切相关。动画通过形象假定、动作假定、环境假定、情节假定等完成视觉创作过程，但是这些假定都有历史的原型基础，加上动画综合的表现形式，可以将真实历史或者非真实的历史假设通过影视的形式展现出来，以表达吸引人、感动人的情景和主题。 假定性还可以用历史思维弥补历史本身的不足。因为历史是笼统的概念，但是动画创意可以通过假定性完成对特定历史时间内一个细微的、不引人注目的事件的表述，烘托该段历史时期或者某历史事件的意义与影响，及其对于人们情感的熏陶。 动画作品作为艺术作品的一个目类，其作品特性中很重要的一点是叙事性。既然是叙事性，其毫无疑问会和历史紧密联系，不管是正史还是野史。同时，凸显历史文化底蕴的动画作品能获得全人类的认同。 动画作品的独创性也是历史辩证的，独创可以有很多途径，在历史思维这一个方面就有无穷的可能，既可以叙述历史的背面，也可以到未来去寻求创作的契机。 历史思维在动画教学中的运用 在动画设计教学中，教师首先要帮助学生形成整体的思维，让学生在这个整体思维下尽量展现各种动画的个性，表述各种动画表现的专属性，阐明动画故事（情节）所要表现的主题，这些工作在教学过程中都具备相当的难度： 首先，教师要引导学生明确动画创作其实是源自现实的艺术创造，并非凭借感性思维任意表现的偶然艺术。众所周知，超现实主义的绘画美术作品出现在现实主义之后，也就是说超现实主义和感性的偶然创造是建立在现实理性之上的。教师要鼓励学生养成观察生活、回顾历史的良好习惯，为后续的动画设计学习形成惯性积累，这样学生才能完成优秀的动画作品。如日本动画大师宫崎骏积累了大量生活素材和细节才能创造出细腻生动、在平凡中感动人的艺术效果。 其次，教师要引导学生在历史中寻找创作题材。在历史中寻找创作题材可以允许学生自由创造，并且加上学生自己对历史事件的理解，优秀的动画作品可以脱胎于历史题材又远远超前于其所表现的历史时期，并具有时尚性和前瞻性。如《战鸽快飞》取材于“二战”时的诺曼底登陆，但是角色选定和场景规划乃至情节设计用的都是一种独特的视野和幽默的表现手法。 最后，动画设计教学的重点之一就是让学生形成一种历史辩证的创造性思维，这种思维就具有深厚的文化底蕴，既能够随机应变，又善于专注和搭配。历史思维不限于过去，更着眼于未来，未来的现实有无数种可能，那么表现未来的动画艺术就有更多的可能。学生在学习阶段形成这种思维的萌芽，对于后续的学习和发展具有举足轻重的意义。 结语 历史思维是一种概括性的整体思维，在动画设计创意教学中又具有独特的艺术概括力和审美视角，可以在尊重文化脉络的方式下进行尽可能多的变形和夸张。这些夸张都是在历史思维的指导下理性进行的，既尊崇了艺术反映历史文化的客观特质，又与动画艺术中倡导的新的影视美学题材和表现形式相匹配，在动画设计教学和实践中具有广泛的使用契机和积极的教学效果。 作者：庄月萍单位：厦门大学嘉庚学院 动漫设计论文:动漫款型设计的艺术表达手法鉴赏 作者：李娅单位：普洱财经学校 对形象的夸张 一个完美的动画角色形象需要动画设计人员以现实生活为根本，将生活中的人物原型加以修饰，将现实生活人物中的原型与性格通过夸张的艺术手法将之进行还原。以“大力水手”为例，在该动画角色当中，为了将“大力水手”中大力士的形象凸显出来，动画角色造型设计人员通过采用夸张的艺术手法将大力水手的双臂塑造成了长而结实的胳膊，将他的嘴巴设计成为一个瘪瘪的，而且经常叼着烟斗的形象，这样就使得“大力水手”的形象栩栩如生，就如同是一个街道生活的大叔、或者是隔壁码头的搬运工，给人的印象显得相当深刻。 对角色表情的夸张 通过对动画角色造型进行夸张的另外一个手法就是对角色的表情进行夸张设计，这样可以完全将动画角色的个性特征表现出来，然后对之辅助性的增强其生命能力，将达到更好的艺术效果。同时，通过使用表情夸张的方式还可以使得动画角色的表情更加的诙谐与幽默，在不经意之间能够引起人们哄堂大笑，使得动画的艺术角色更加深入人们的脑海，达到良好的艺术效果。 拟人手法 在动画影视中，另外一个经常用到的艺术手法就是拟人的艺术设计方式，通过拟人可以将动画角色的形象特征更加直观、明显的展现在人们的面前。最终可以充分的展现动画角色的形象与特征。 动画角色风格的分析与对比 对于动画角色的造型风格等，国际上主要是根据各个国家的地域特色为标准进行划分的，主要可以分为三个主要的风格流派，主要包括：以美国好莱坞动画制作为代表的国际流派，它们是经典动画，是主流中的主流；另外一个就是以日本为代表的东方式动画风格，它们的风格与韩国、香港与台湾相接近，具有典型的东方形态特点，在亚洲地区具有极高的人气；而以欧洲为代表的动画风格则包括多种自由、多变、洒脱的特点，具有典型的独立式以及自由特点，以欧洲风格为主。同时，中国的动画在其中也占有比较重要的地位，尤其是以水墨为主的风格被国际动画学派认为是“中国动画学派”。 其中的美国风格大多是采用最为传统和简单的方式，将最为简单的单线框以及平面色彩绘制的方式，利用艳丽的色彩、明晰的线条来进行色彩分明的设计。在设计的过程中讲究动画的体块感，力图通过整体效果的营造以及丰富的肢体、表情语言来达到通过复杂的结构实现单纯的动画效果的目的。同时，美国动画角色形象还具有动作十分夸张，充满弹性、色彩浓烈等特点，充分的体现了动画角色稚气、夸张而可爱的一面，常常以及其夸张的特点获得令人瞠目结舌的效果。 而“日本风格”的动画片已经逐步的形成了自己特定的模式，其中包含了极其鲜明以及浓郁的民族风格与特色，其中富含唯美的映像特带你充满了东方人明显的人文精神特点。同时，在整个动画角色的造型过程中，通过轻松的格调、细腻的风格以及甜美的造型而使得动画角色充满了轻松而细腻的特点。同时，在格调的设计过程中，通过对动画角色的服装、发型以及配件首饰等方面进行设计。而中国动画则是在充分吸收中国民间绘画艺术的基础上，同时辅以戏曲等表现特点，将中国的绘画、音乐、戏剧以及美学特点等精华结合起来，充满了浓郁的中国特色。 动画造型设计过程中遵循的基本原则 1充分与时代文化特点相结合 艺术的最终来源是生活，而一个好的艺术角色就必须贴近生活、源于生活，并且为生活提供服务。而动画角色本身就是一个艺术角色，这就要求“动画角色”在设计的过程中要与时代的特点相结合，通过与生活中的时代文化特点相融合，可以设计成为一个被人们欣然接受的动画角色。同时，动画角色设计师应该以现实中的中的人文特点以及性格特征为基础，通过对这些任务的特点分析，创作出一个能够反映出时代特点以及时代文化发展需要的动画角色。而要达到这些，需要设计师在动画角色造型的过程中对自己的生活进行充分的感悟，在生活当中做一个有心的人，这样才能设计出一个符合时代特点的动画角色。 2动画角色造型应该充满趣味性 动漫作品中的一个重要特点就是要充满了趣味性，这时动画的本质，也是动画中的一个重要因素。因此，一个动画作品的成功与否首先是与动漫角色的趣味性直接相关的。动画角色的设计过程中就应该充分的抓住角色造型过程中的趣味性，这样才能充分的表现出动画角色的形象特点，体现出动画角色充满趣味的生命力以及幽默性。但是，在进行动画角色设计的过程中，如何更好的体现出角色中的生动趣味性却是一件不容易的事情。在角色造型设计的过程中可以从下面这样几个方面着手：其一，充分理解动漫角色，在此基础上提醒艾诺出其趣味性；其二，从不同观众的角度来对角色造型的趣味性进行设计；其三，注重对动画角色细节部分的设计，从细节体现出动画角色的趣味性；其四，从动画角色的体现手段来表示出其趣味性。 3动画角色造型的可行性 动画角色造型的可行性就是要之角色的塑造过程中要考虑整个动画片的风格以及设计形式。动画造型设计的可行性可以表现造型的实用性以及合理性。虽然动画角色的设计可以是千奇百怪、天马行空的，但是其整体的前提就是要在整个动画的风格之内进行，否则动画角色的设计就“跑题”了，这种方式是不可取的。例如，在进行三维动画的设计过程中，为了充分突出其可爱的特点，在设计的过程中可以设计出一个非常夸张的角色，能够将它的头和身体画得很大，而腿则画得短、胖一些，这在二维动画中也可以达到这样的效果。但是，在三维动画设计中由于多种夸张的动作不能实现，这样的角色造型反而会给设计工作带来麻烦，因此在三维设计中应该尽量避免。 动漫设计论文:动漫短片中的人物造型设计剖析 作者：曲朋单位：辽宁师范大学影视艺术学院 角色的服饰也体现了一定的欧美现代地方特色，如小男孩的海魂衫、油漆工的背带工作服、麦当劳送外卖服务生的标有“M”字样的头盔服饰等。动画造型把抽象的形象通过艺术手段转换成可被人感知的视觉直观形象，再人为地赋予其个性和情感。动画造型的手段是多种多样的，但都离不开变形、夸张、拟人等表现手法，把动画角色设计为生动的视觉形象。动画需要幽默、想象力、表现力、灵魂、思想等诸多元素。在动画中，角色则是幽默与想象力的表现者，亦是灵魂和思想的载体与传达者，动画角色的设定是最直观的表现方式。 短片《不许动》中角色设计的形象表现 1.角色造型的形态特点表现 《不许动》短片中出现了5个人物和2只动物。因为短片的大环境被设计在欧美小镇的一条普通的街道上，所以在做造型设计的时候，人物的设计也是欧美形象。主角小男孩是一个在街上拿着玩具彩弹枪自娱自乐的角色，年龄被设定为七八岁，其具有这个年龄段小男孩的体态特征。另外，剧本中有小男孩用彩弹枪打小鸟和愣神看小鸟飞走的镜头，表现出小男孩应该是一个有些淘气又有些天真的孩子。在搜集了大量的外国小男孩的图片后，设计者把小男孩夸张设计成身体胖、脑袋大、棕色卷发、眼睛眯缝着的淘气的小男孩形象。 2.角色个性的行为特点体现 笔者认为，角色造型不仅是外在的、静止的，动作和表情的行为表达也是角色造型塑造的一部分。《不许动》中角色的个性特点在人物的表情和动作中也都有所传达。在制作角色动作过程中，笔者和团队成员搜集了大量的图片、视频素材并反复表演模仿，尽可能地把角色的动作表情表现到位。如，小男孩是淘气活泼的形象，他的行动方式多为跑跳、躲藏，表情则是坏笑和玩耍时的一本正经，这些都是现实生活中七八岁小男孩会表现出的行为。 短片《不许动》中角色造型实现的技术操作 1.Flash软件在角色造型设定中的运用 在《不许动》角色造型二维造型设计的初始阶段，角色设计者使用的是Flash软件。先反复修改设计纸面草图，然后将基本确定的草图扫描到电脑中，使用Flash软件进行修改调整和上色。在造型的调整方面，使用Flash软件勾出的线稿具有极其灵活的可调整性，可以复制多个线稿进行对比调整。此外，在对角色造型的调整中还会出现一些意想不到的效果，如在调整过程中还可以随意拖拽线条弧度和移动结点。在修改方面，这款软件可人为任意调整线条弧度，这一特点使其使用起来比其他常用绘图软件更加得心应手。 2.角色造型中二维手绘材质和三维渲染的结合 在短片《不许动》中，角色设计者使用二维手绘材质三维渲染，模拟马克笔绘画的手绘风格，具有一定的装饰色彩。在角色造型的材质绘制方面，角色设计者使用的是Deep3D和Photoshop两个软件。初步上色是在Deep3D软件中进行的，该软件用模型导入、定位上色的方式使得上色更加方便直观，不同角度的灯光效果也使得对颜色的使用更加准确；在Photoshop软件中则是根据角色模型展开的UV进行色块的填充和修补。 动画角色造型设计是一项严谨而又乐趣无限的艺术活动，能在创造角色造型的时候赋予其生命力和性格魅力，对故事情节的发展和对诸元素的表现也起了至关重要的作用。无论是二维手绘还是三维电脑技术都只是表现动画角色造型的工具，而要真正赋予动画角色生命力、创造出能使观众回味的造型形象，则需要动画人不断观察生活、不断积累素材、不断练习实践，再添加一些想象和创造。 动漫设计论文:动漫人物创作设计的透析 作者：朱叶蓉单位：洛阳理工学院 卢舍那大佛的艺术特征 龙门石窟奉先寺的卢舍那大佛是创作于唐代高宗年间的石雕作品，整座大佛全像通高17.14m，其中头部高4m，两耳高1.9m，是龙门石窟中艺术水平最高、整体设计最严密、规模最大的一尊佛像，彰显了“盛唐气韵”的风范。而卢舍那两旁的雕塑还有菩萨和弟子，身后有与之相关的佛教故事壁画。雕塑与雕塑相互依存，使石窟变成了一个完美的艺术世界。卢舍那大佛的艺术造型反映了唐文化的审美情趣，有着丰富的社会文化与艺术价值，其造型所蕴含的艺术规律对现代动画角色造型设计有着独特的借鉴意义。 1.卢舍那大佛独特的造型对动画角色设计的启示 动画角色造型的独特性主要是指角色造型鲜明，从外观上一眼就能看出它与其他动画角色的本质区别，具有其他角色没有的许多特征。只有这样，角色才能迅速抓住观众的眼球，并能给观众以耳目一新的感觉。奉先寺石窟在构思立意和题材选择上具有独特的意韵，其本质源于创制者的人生理念和生活态度；卢舍那的开凿正是武则天这位聪慧、美丽的皇太后欲利用宗教造像艺术为自己作皇帝而掀起的神学宣传活动的重要产物，是将统治阶级的领袖宗教化的先例，这就使得卢舍那大佛的外形从一开始就呈现出博大的内涵、深沉的气度。 唐朝女性以丰满、款额、圆脸、健康为美的标准，龙门石窟的卢舍那在雕刻上追求雕像的丰满、均衡和严谨，使它在遵循一定的佛像造型标准的基础上，依据当时的特色文化创造出具有时代审美特征的表现：卢舍那大佛的造型是当时的艺匠们为了追求社会时尚，按照“菩萨如宫娃”的要求进行女性化的提炼和概括的结果，实际上在很大程度上参考了唐代贵妇人的迷人风貌，使佛教艺术紧贴当时的审美要求。卢舍那结跏趺坐于束腰须弥座上，顶饰螺髻，身披通肩袈裟，发似波浪，眉若新月，细角大眼，鼻直唇薄，面容丰满秀丽。嘴角的一丝微笑中，流露出一种柔美娴雅、亲切慈爱之情。大佛上身衣纹流畅而有规律，雕塑者相当重视其有韵律的起伏变化。佛像整体造型优美，生动自然，飘飘欲仙，似要脱壁而出，堪称中国佛教艺术的经典之作。卢舍那旁边的弟子一个是严谨持重的迦叶，一个是温顺虔诚的阿难，这两个菩萨头戴宝冠，身佩璎珞，艳服盛装。北壁的护法天王身着铠甲，手托宝塔，足踏夜叉，威风凛凛；力士赤膊坦胸，皱眉怒目，气势逼人。 在结构上，整个洞窟布局协调，瑰丽磅礴，这是唐代艺匠们用提炼和概括的手法把神圣的佛像和世俗的审美理念融为一体的杰构。这种表现手法和创作精神正是现代动画角色造型设计需要的，它与现代动画角色造型求新立异、形象简洁、富有内涵的创作主旨不谋而合。 2.卢舍那的亲和力对动画角色造型设计的启示 “亲和力”是指使受众感到亲切和放松的一种气质和魅力。而动画角色设计中的亲和力主要是指角色的亲切感，角色在性格上有一定的个性和吸引力，并能迎合大众的审美情趣，如动画角色小熊维尼、kitty猫等。动画角色中的亲和力可以极大地拉近观众与动画角色的距离，提高作品的收视率，带动衍生产品的推广营销。国内动画角色的发展，除了《喜羊羊和灰太狼》、《小鲤鱼历险记》中的角色造型亲和力比较好之外，其他的动画片过分强调角色的视觉张力，忽视了角色的内涵设计，使动画角色在影片中的表现柔弱无力。 佛经中，卢舍那为光明遍照，是佛在显示美德时的一种理想化身。卢舍那的造型彰显了佛像的安详、温存、亲切。温文尔雅的体态散发着温柔的亲和力，略作俯视态的眼睛流露出宁静而又慈祥的目光，嘴角上扬起的一丝微笑，表现出一种优雅而又亲切的慈爱之情，使卢舍那整个神情少了一份严肃，而多了几分亲切。卢舍那大佛那庄重、温和、睿智的外部造型，表达出一种宁静的心境，这就是佛家追求伟大情感和开阔胸襟的表现。而旁边的菩萨和弟子有的严谨持重，有的温顺虔诚，显示出佛家端严矜持的性格。把卢舍那温顺娴雅的神态运用到动画角色造型设计上，设计出让人一见倾心的角色形象，在有力地把握角色的性格特征的同时，在造型上坚持“以人文本”的理念，将动画角色赋予人物的性格，从而增强观众与角色的情感互动，就能增加角色的亲和力，使角色更让人喜欢。 卢舍那丰富的文化内涵对动画角色造型设计的启示 动画的内涵是文化元素的综合体，它包括动画的精神和所表达的追求。随着动画的发展，中国动画在学习别国先进经验的同时，只学会了“皮”，没能把握住根本，所以设计出来的角色往往是“穿着长袍的洋鬼子”，没有文化的特色和内涵。 艺术能够承载特定社会的文化内涵及其相应的价值观念，卢舍那大佛积淀着厚重的历史，蕴含着丰富的文化内涵，它以佛教文化和雕刻艺术为基础，用石刻的形式对一个社会的宗教信仰进行了诠释。卢舍那大佛作为一门石刻艺术，具有极高的审美价值，其本身所饱含着的佛教意义更是博大深远。在佛教中，卢舍那也是报身佛，报身是指佛的修行依因果感召而来的报应身，是修行圆满、大彻大悟的表现。 卢舍那大佛是在盛唐时期雕造的，那时的唐朝对外开放，经济繁荣，文化艺术群芳争艳。随着印度佛教雕塑的传入，中国佛教雕塑艺术在本国民族化和世俗化的不断启示下，走出了一条具有自己民族特色的艺术道路。中国雕塑艺术一般都用自然山水来表达人的内心情感，把自然山水的灵性和人的情感融合在一起。唐代的艺匠们利用龙门整座山体岩石雕刻了卢舍那大佛，体现了它是大自然和人文艺术的结合，是中国人追求“天人合一”观念的反映。 在进行动画角色造型设计时，将卢舍那的艺术特征和文化内涵赋予角色，并把设计好的角色融入动画片的场景中，让场景来衬托角色的性格、营造角色的情感氛围。 结语 从整体上来看，卢舍那是封建统治者推广宗教的宣传品，也是人们信仰和崇拜的对象，它的美的理想和审美特征是为其宗教内容服务的，而不是单纯的艺术品。卢舍那完美的造型、平易近人的神态和丰富的文化内涵对现代动画角色设计有着独特的借鉴意义。一方面它对迷茫中的国产动画起到了建立独特的视觉审美的引导作用；另一方面使现代动画角色设计蕴含着中华民族的文化内涵和独特的美学特征，有利于提升现代动画自身的创造性价值。当然，在运用卢舍那的艺术特征时，应该把创新作为动画设计的驱动力，而不是被其固有的形态所束缚，这样才能使卢舍那求新立异的本质最大限度地被激活，从而拓展和丰富现代动画角色设计的内涵，走出一条具有中国特色的动画之路。 动漫设计论文:立体构成在动漫设计的运用论述 作者：李丹单位：安阳工学院 立体构成的含义 （一）立体构成的概念“立体构成”中的“立体”，顾名思义是指具有长、宽、高的三维空间，有着三个不同方向的轴，给人们的感觉是一个真实的实体，包括三维的虚拟空间（专指计算机三维造型）。它不仅能从各个角度观察其不同的形态，而且会对光的照射产生丰富的光影效果，甚至还可进入其中，感受内部的真实空间（专指场景、建筑方面）。“立体构成”就是研究关于三维空间设计规律和设计方案的理论课程，也是关于空间立体造型的学科。它的任务是研究如何在三维空间里将立体的造型元素组合出遵循形式美学原则的立体形态，并揭示出立体造型的基本规律[2]。 （二）立体构成的应用范围随着高科技的不断进步，作为设计基础的立体构成，其应用范围也越来越广泛。在我们的日常生活中所接触到的形形色色的立体物中，小到动植物，大到天体宇宙，以及人类所创造的物质文明，如建筑、家具、服装、各种机器、汽车和生活中使用的工具、器皿以及美化环境的饰物等，无一不是立体设计的产物，尤其是在时空影视作品和动漫作品中的场景、道具等具体形态，因加入了时间因素，所以更能充分地调动人们的各种感受，产生良好的艺术效果。因此，立体构成的应用范围不仅设计静止的形态，而且还涉及运动的形态，包括虚拟的三维空间。 （三）立体构成的基本元素分类 1.立体构成的点元素立体构成的点元素是具有空间位置的视觉单位，并具有形状、大小、色彩、肌理，是实实在在的实体，也是看得见摸得着的实体。点是立体构成所有形态的基础，是形态中的最小单位，其有规律的排列会产生线感，堆积会产生立体感。 2.立体构成的线元素立体构成的线元素是指相对细长的立体形态，具有长、宽、高三度空间的实体。线元素的不同组合方式，可以构成千变万化的空间形态，如最常见的面和体。另外，线元素不仅有粗性长短的变化，而且还有软硬之分，并有着不同含义。如直线形态有静、刚直有力之感，曲线形态有动、柔弱委婉之感[3]。 3.立体构成的面元素在立体构成中，这种面元素是指具有长、宽、高三度空间的实体。虽然具有一定厚度，但其厚度与长度和宽度相比就小得多，即我们常形容的“薄”，否则就会失去本性，而成为“体”了。因此，相对于三维立体而言，其二维特征更为明显。从大的方面来分，立体构成中面的形态可分为现实形态中有机的面形态和抽象概念形态的面形态两大种类。而现实形态中有机的面可分为自然形态和人工形态两种；抽象概念形态的面可分为直线形面、曲线形面、规则形面和不规则形面几种立体形态。这些不同形态和不同性质的立体面相互作用，能给人们心理上产生不同的感受，成为设计者设计的重要元素。 4.立体构成的体元素立体构成中的体块应是体、量的结合，它们相互共存、相互依赖、不可分割。“体”是指物质所占有的三度空间，而“量”是所赋予的物理和心理上的特征。我们在设计时，应特别注意体块的质感，因为不同材料所表现的坚实感不同，从而带有不同的性格特征。如石块，具有坚硬、厚重、内部充实之感，同时也必须注意体块所体现的量感。一般认为，量感表现为两方面，即物理量感和心理量感。物理量感是指形态的大小、多少、轻重等特性，是可以测量和把握的。物理量感是实实在在的物体的重量感，它与组成形态的材料有密切关系，如真实的石块，给人一种实在的重量感，而厚苯板则有一种轻的感觉。心理量感是指人的心理对物理量感产生的感觉，它取决于心理判断的结果，是可以感受而无法测量的。心理量感源于物理量感，而又与之不同，它受物体的存在环境和人们心理因素的影响很大，并且和色彩、空间、肌理、和经验等诸多要素关系密切，从而与真实情况有些不同。立体构成中的量感主要是指心理量感，如重量感、充实感、薄弱感、扩张感、结实感、内实感和内空感等。它是充满生命力的形体内在的运动变化在人们头脑中的反映，在物理量感的基础上表现为知觉、活力，并把所有的情感注入作品中，从而体现出生命活力，让观者体会到其中内在的前进力、向上力和勇往直前的美好情态，如内在的反抗力和生命力等[4]。 动漫中立体构成原理的具体运用 在动漫设计作品中，立体构成的应用早已出现。动漫爱好者在设计中运用立体构成知识、原则和规律表达自己的设计意图，并最大限度地发挥想象力和营造更广泛、更深刻的审美境界，以使观众获得强烈的视觉与心理感受。为了达到这样的目的，我们必须掌握立体构成的基本规律，按照美的形式法则把基本立体形态加以重新组合，形成合乎设计目的和意图的新的立体形态，并能灵活地应用于动漫创作之中。 （一）动漫中点立体形态构成的应用动漫中点的形态包含静止画面中“点”的特性，而且还包含时间上的内容，即运动中“点”的特性，我们可以理解为点的形式和内容在运动画面中的应用。比如美国动画电影《花木兰》中匈奴首领单于出场：数量众多的匈奴士兵骑着战马黑压压的驶来，镜头慢慢拉近，画面出现单于可恶、狰狞的特写镜头。从点的形态集聚到单个点形态的画面转换，给观众造成一种危险步步逼近的心理印象。 （二）动漫中线立体形态构成的应用线立体形态是指在一定的立体空间中，给人感觉是线的各种形态。在动漫中的构成是指这些线立体形态在时间的推移中按照一定的构成法则和形式表达创作者的创作意图，给观众造成一定的心理感受，因此研究立体线的形态以及在运动中的构成形式，表达创作者和导演的意图就成了非常重要的课题。动漫导演灵活利用立体线的因素来表达自己的设计意图，是必须具备的素质之一。例如美国动画电影《花木兰》中一些立体线的应用的场景：①父女在出征问题上意见不一，致木兰与年迈的父亲发生争吵后，木兰独自跑到院子的池塘边哭泣，灰暗的天空下起了雨。落在池塘中溅起的点的形态与雨线的形态形态形成了强烈的对比，同时又烘托出木兰伤心、灰暗的心情。②在训练时，木兰为了想要成为合格的军人，她通过两个负重爬上桅杆拿下箭。高耸的桅杆与矮小的木兰形成长线形态与短线形态的对比，同时反映出木兰勇敢智慧的女英雄形象，为以后的剧情做了很好的铺垫。③当木兰看到被匈奴单于军队烧毁的惨败破败的军营场面时，烧焦的黝黑搭建帐篷用木框架和战死的士兵与战马散布整个战场形成对比。木框架这种线立体形态从本身讲并没有什么情感，但经过导演的组织排列，线立体形态与块立体形成鲜明的对比，场面给观众心理造成了一种真实感和压抑感，同时加重突然面临危险的戏剧效果。 （三）动漫中面立体形态的应用面立体形态是指具有长、宽的二维空间，且具有一定厚度，但不能太厚，太厚就会有体块的感觉。如果把时间因素介入，就会打破静止的感觉，而变成运动面立体形态了。导演和设计者应用这些形式美法则，在动漫设计中加以灵活掌握，表达其设计理念，并影响观众。如美国动画电影《花木兰》中数个场景：①木兰见媒婆前家人为其化妆时的场景：在古典的面材屏风后更衣，圆形木桶内沐浴，圆形镜前梳理、手持扇子见媒婆等，面与面、面与体形态形成的对比，造成观众对木兰相亲面试紧张期待的心理。②面试失败后，木兰来到家中院落，静静的荷塘飘着几片荷叶。木兰来到祠堂跪拜祖先，石碑上投射出木兰的身影。各种面立体形态的运用形成木兰失意与落寞的气氛。③花家得知木兰偷走父亲的盔甲替父从军，木兰年迈的父亲出门追木兰摔倒在雨中的场景。天空下着雨形成的线立体形态，地面上积水形成的一片片自然的偶然性面体，线与面形成反差，且占用大部分面积，整个背景则带有水墨朦胧感的中国古代建筑，将人物心中悲伤、绝望的心理烘托到了高潮。因此，各种面立体形态在立体空间中的布置是设计者要考虑的问题之一，也是表达思想情感的手段所在。 （四）动漫中块立体形态构成的应用块立体形态在动漫中的应用，也可看做是动漫块立体形态。其含义有两层，即静止的动漫块立体形态和运动的动漫块立体形态。前者是指单个造型而言，后者则通过时间的推移带给人的视觉运动变化，在运动中把握视觉平衡。我们知道，块立体形态与面立体形态的本质区别是其厚度，厚度达到一定程度，超出了面的感觉就变成了体块了。体块在视觉上更加具有说服力，而且在群聚时，气势更加宏大，所造成的气氛更令人惊叹。我们先看静止的动漫造型，从不同的立体形态中可体现出作者不同的情感和心境。如男性英雄性格特征则通过人物造型来体现，通常他们都具有明亮的双眼、坚挺的鼻子、有力的下巴、浓浓的眉毛、棱角分明并且夸张的脸部骨骼结构，并有着巨大肩膀和背阔肌，身形呈“V”字倒三角形。而动画中的女性英雄形象则不然，如美国动画电影《花木兰》中木兰从军前是以女儿身出场的，当时的造型装扮是比例匀称的体型，眼眉细长，五官娇小秀气，这是西方观众对东方美女的一种审美观点。这些造型体现出木兰性格以爽朗、洒脱、叛逆为主，不同于其他女子的柔弱美，极富个性。从军后，木兰女扮男装，当时的造型装扮是：简练的高发髻露出额头，配上英姿飒爽，铠甲军装，不仅符合她男扮女装的情节和年代背景，也体现出她的力量和能力，智慧及勇气。反面主角单于的造型设计：头小，体格庞大，大手大脚，四肢长，有着冷而冰的目光，明显的坏笑，具有神秘感，整体给人一种压迫、威胁的感觉。这些造型体现出北方匈奴所具备的那种野蛮、强横、残忍、阴暗的性格特点。在动漫影片中，这种体块给观众的视觉影响力同样重要。如美国动画电影《花木兰》中的一个片段：数以万计骑马的匈奴士兵组成庞大的军队向雪山逼近，随着镜头的推拉运动，画面中骑马的匈奴士兵出现的点与体的相互转化，给观众造成紧张压抑的气氛，都为花木兰和她的军队如何迎战而捏一把汗，这也正是导演要表现的意图。再比如美国动画电影《埃及王子》中的一个片段：当摩西失手杀死监工懊恼痛苦地跑离皇宫来到沙漠中，与沙漠庞大广际的背景相比，他的身影显得如此渺小。导演采用以大衬小的方式突出主人公摩西正处在人生失意无助的阶段。 结束语 总之,立体构成原理在动漫设计中的运用还很广泛，以上关于立体构成应用的几个方面仅仅是笔者的粗浅认识。立体构成无时无刻不存在于我们的生活当中，这就需要我们积极地探索立体构成原理，不断地去追寻它的潜质，从而提高人们对它渗透到动漫设计灵魂的认识。 动漫设计论文:动漫形象设计创作心得 一、传统形象设计创作的一般元素 我国民族传统艺术设计历史渊源流长，传统的设计元素是中华民族共有的，从创意到图形、从图形到形象无不体现着中国民族文化的传承。动漫形象的设计创作离不开自身、民族、环境、时代、经济政治结构所带来的影响，传统的艺术设计理念、设计特点、造型的完美性，都是现代动漫形象设计不可缺少的设计元素。 （一）传统形象设计创作的理念 设计观念简而言之就是设计想象，是设计者在空间作品构思过程中确立的主导思想，这种设计想象赋予了作品内涵和设计风格，是设计的精华所在。传统的设计理念突出了情和意，人情味浓厚，创意的表露带有深厚的民族情调，不但具有具体的象征符号，而且蕴含传统的文化精神。传统的设计理念是在长期生活经验的积累过程中，想象力不断丰富，创意出了许多带有民族文化内涵的图形和造型。例如，从新石器时代的彩陶纹到唐代的宝相花纹，以及明代的缠枝纹等，基本造型简朴而生动，色彩浓厚而富有装饰性，充分体现了“以形写意”、“形神兼备”的设计想象，是形到联想再到造型的创意表现，这种以实物为创意的设计理念，对传承我国的民族艺术起到了积极作用。设计就是“灵感”和“领悟”，二者有效地结合就会激发超越时空的想象。灵感来源于自然又高于自然，是具体到抽象思维的过程，是循序渐进、反复推敲的过程，它既源于生活又高于生活。传统形象设计创作的灵感和领悟，必将使民间的风俗习惯、风土人情、民族艺术文化得以发扬光大，带给我们现代人众多非凡的艺术精品。自古就有“图必有意，意必吉祥”之说，以龙为图形的造型举不胜举，以龙为题材的创意在传统设计观念中表现得淋漓尽致，从火柴盒到家具，从小桥到园林的走廊，从大殿到庙宇，无数对龙的灵感发成千姿百态、深受大众喜爱的龙的图形和形象。通过龙这种传统艺术的缩影，我们不难看出灵感和领悟是传统艺术设计创作的核心。 （二）传统形象设计创作的特点 我国传统的形象创作深深扎根于民族性、历史性、地域性的传统艺术氛围中，与现代动漫形象设计有着诸多不同点，传统的形象设计从创意到作品，都带着浓厚的民族特色，超越了形象和形式本身，构成了典型的符号和符文，对美化生活和弘扬民族精神起到了不可低估的作用。 1.传统形象创作体现内容和形式的有效结合 首先，形式是图形表现出的外形特征和构成物象的规则，形象创作离不开图形的设计。传统图形在造型上十分注重形的完整性、装饰性及象征性，讲求形与形的呼应。一般对称均匀是强调变化与统一、对称与均衡的，（南京信息职业技术学院数码艺术学院，江苏南京210046）张荟惠现代动漫形象设计创作感悟文化艺术研究105而且图形的形态多样，种类丰富，风格各异。图形和形象的内容则注重反映民族生活风貌、民族特色、民族的兴趣意向。其次，图形反映出的形象在形式的表达上既夸张又象征，而在内容上有着丰富的文化内涵和历史背景，储存了宝贵的知识、哲理情感和工艺技巧，是我国民族民风的一个缩影。例如，中国奥运火炬祥云，它高雅华丽、内涵厚重，带有浓郁的中国特色，和谐地将中国文化与奥林匹克精神结合在一起。它所蕴含的“渊源共生，和谐共融”理念充分是对奥林匹克精神和奥林匹克圣火内涵的一次独特诠释。祥云、漆红、纸卷轴等中国元素的融入，使得古老的东方文明和现代的奥林匹克精神再一次完美结合，迸发出耀眼的火花。鱼常被用来表现年年有余，米则被用来表现五谷丰登。这些富有文化内涵的创作，使形式和内容达到了完美的统一。 2.传统的形象创作是唯美的最好典范 传统设计的出发点是唯美，把人的情感赋予了物的表现形式，借物抒情，以情来表达美的意义。传统的形象创作往往在体现审美意识的同时，给人以美的感受。我国众多的吉祥象征图形的创作都是憧憬美好，这种唯美常常不是以严格的理论形式来体现的，而是以直观的形态和审美来体现的。例如，我国的剪纸造型艺术是用最通俗的语言来体现吉祥的中国文化，它是建立在视觉和知觉基础上的造型，选取的都是极具典型性的图案。剪纸的造型既沿袭了古代器皿的吉祥图案，又以谐音、借喻、变形等手法物化了吉祥的概念，充满了乡土气息和生活气息。千变万化的唯美创作，使其成为了大众享受美的一种装饰语言。中国人崇尚红色，红色代表吉祥，每逢过节时高悬的红色灯笼就象征着人们喜庆和欢快的心情。红色也为人们的生活点缀了美的颜色，这些传统的形象创作深深的烙上了民族传统元素的烙印。用美作为对传统形象创作的评判，是传统形象作品被传承的重要依据。审美是由民族的生活方式、习俗、制度、伦理道德、审美习惯等一系列的因素决定的。这种唯美的传统形象创作为现代的动漫形象创作奠定了良好基础。 （三）传统形象设计创作存在的弊端 传统的图形和形象艺术中并不是所有的内容都是好的，因为传统的图形艺术萌发于人类早期对艺术的认知，它的成长和发展都经历了漫长的封建社会，它有着从封建社会母体里带出的痕迹。一些传统的图形存在着迷信、落后糟粕的成分，同时设计元素受到历史，民族民风和思想的局限性，必然存在不完善和不合理的地方。作品表现手法单一枯燥，文化意味过于浓厚，忽视了作品深层次的含义和商业的作用。因此，将传统的图形艺术运用到现代的动漫形象设计中，就要本着科学求实的态度，去伪存真，取其精华去其糟粕，使传统的民族艺术得以传承和弘扬。 二、现代动漫形象设计创作具备的特点 现代的动漫形象设计有着明确的文化目的和商业目的，设计理念不仅仅生活气息浓厚，实用性和商业性表现更为突出。现代科学技术的发展，审美观念的巨变，赋予动漫形象设计更广阔的发展空间。借助西方的设计元素和先进的现代设计手段，使得动漫形象设计得以飞速发展。 （一）现代形象设计创作理念的新颖性 现代设计理念在美和情的基础上，更注重人性化、实用性，强调设计在生活中的用途和带给人们的视觉冲击，从如何满足人们日益增长的物质文化出发，以形象思维和逻辑思维作为创造性思维的两块基石，在传统灵感和感悟的基础上，深刻挖掘民族文化内涵，以创新为目的，创意出具有时代精神文化和又有商业化的形象，是现在设计理念的核心。创作理念是思维的过程，是人脑对客观间接和概括的反应。思维的核心是创造性，它贯穿于艺术设计的全过程。艺术思维具有自动性、目的性、预见性、发散性、独创性、突变性、灵活性等特征，它是艺术创作的全部意义所在。例如，北京奥运会开幕式上众人敲击的缶，其创意既凝聚了民族传统艺术的精华，又赋予了它时代的特征。思维是人所特有的高级活动，在现代多元化的生活空间，经验的积累和灵感的迸发，给予了思维广阔、自由的发展空间。对文化艺术的理解越透彻，知识的掌握越渊博，拓宽想象的空间就越大。现代的设计正是坚持立足中华，面向世界的设计理念，既尊重民族艺术的独特性，又要反映现代人对时尚的追求。超越了时空局限，突破了独特势力的习惯范畴，把我们民族的传统艺术、思维方式和独特风格运用于现代动漫形象设计中。 （二）现代动漫形象设计创作元素的多元化 现代动漫形象设计是一门以文化为准点，以生活为基础，以现代为导向，以实用为目的的实践性很强的综合学科。结合各学科知识，探究其内涵，是我们每个设计者应做到的。动漫形象设计就是用视觉元素来传播创意和创作，用文字、图形和卡通的造型把视觉信息传达给大众，让人们通过视觉元素了解和欣赏动漫元素。因此动漫设计的元素趋于多元化。动漫形象设计中的基本元素是作品的构件，设计构件的形象化、符号化、象征化，是动漫形象的特征。结合西方先进的设计理论，运用三大构成的元素，对形象进行完美刻画，是动漫形象设计的特点。现代动漫形象设计是以美术和绘画为基础，以深厚的民族艺术文化为背景，在追求知识结构完整性的同时，注重形象美的综合表现。在设计中往往借助传统创作中，借喻、比拟、象征等元素，在创作过程中往往采用省略的元素。例如，隐形造型、线省造型等，采用和夸张造型和拟人造型相结合。应该更强调色彩的装饰性，通过概括、并置融合、叠加、消减等手法大大增强形象的美感。 （三）现代动漫形象设计手法的先进性 在科学技术飞速发展的今天，高科技是现代动漫形象设计不可缺少的手段，先进的设计理论和设计原理是形象设计中采用的科学方法。工艺性、材料性与合理的技术性又体现了动漫形象设计元素的新颖性。电脑辅助设计是现代设计的重要组成部分，是形象设计的重要手段。各种设计软件的应用，可以造成特有的技术效果，使形象得到多质感的表现。数码技术的广泛应用，使形象的特技效果更突出，使形象设计的作品更精细，层次感、丰富性、异样化更突出。在动漫形象的设计中，加入动画设计元素，使物体处于运动中，观察设计物体在运动中各部分的关系，图形通过数字化的高速传递，变化多端的设计手法，把新的设计造型语言和思维理念融入现代的设计中。计算机辅助设计也给设计者提供了另一个巨大的设计空间。 三、传统形象和现代设计相结合是动漫形象创作的必经之路 现代的艺术创作和科技发展对动漫设计创作有深远的影响，但是怎样发展都离不开传统文化和传统艺术这个基础，具有民族性、地域性、社会性和历史性的传统文化，无时无刻不在影响着现代的动漫设计。只有根植于传统文化的土壤中，合理运用现代设计手段和方法，才能创作出富有美感，面向生活，面向商业，既有装饰性又有实用性的动漫形象。传统的艺术设计元素和现代的动漫形象设计创作是矛盾统一的关系，它们既有个性又有共性，不可分割。传统文化给现代动漫形象设计创作积累丰富的生活素材和文化内涵。没有传统艺术作为基础和参照物，就没有现代动漫形象的创新和发展。举世瞩目的2008年奥运会火炬采用的是“渊源共生，和谐共融”云纹图案，凝结了传统艺术文化的形式和内容。反之，现代形象设计理念的更新，现代技术和手段的应用，又给民族元素增添了新的表现形式，对传统艺术形成和发展起到了推动作用。完美的动漫形象设计，一方面要从中国传统文化或者民间文化中寻找核心元素，另一方面要以现代的方式进行演绎，这就要求我们提炼和创新传统图形，探究和挖掘隐含在传统文化背后的意，用现代的构图理论和计算机技术进一步完善动漫形象的设计。实现传统艺术和现代形象设计相结合，要克服两种不良倾向。一种是带有“回归过去”的倾向。有些设计者往往倾向于传统的形态和手法，文化意味浓厚，作品复古性很强，忽视了满足当今人们精神文化的传播和商业选产的重要性。另一种是偏爱用西方的设计理论抽取一种或几种典型的中国元素，以及其现代感的方式重新表现，进行简单的模仿和复制的倾向。例如，在蜡染布上画上一个传统的图形，就称之为传统和现代结合了，走了极端模仿的道路。因此，要实现传统和现代形象设计相结合，就要在广阔思维的基础上，将传统元素进行变化，重组和创新，使其既有传统图形的气势和神韵，又有现代设计的意味。要将传统的设计手法渗透到现代动漫形象设计中，使其反映出地域、环境、风貌、民族气质和精神理念，反映出时尚的美感和追求。 动漫设计论文:传统文化艺术对动漫设计的影响 动漫设计，是指漫画与动画等基础上，对其进行二维或三维的视频构图的艺术创造模式。动漫设计是伴随当前世界数字技术而发展起来的。我国动漫设计发源于二十世纪二十年代，在网络信息技术的推动下，我国动漫设计发展至今已取得了一定成就。如代表作品《黑猫警长》、《葫芦娃》等以极具我国传统文化特色的故事手法生动、活泼的讲述一系列诙谐有趣的斗智斗勇儿童故事，并成功赢得了当时的电视观众喜爱。传统文化作为我国历史财富之一，以其典型、鲜明的智慧艺术与独具我国民族风土人情的文化特征在世界文化艺术中占据一席之位。在当代动漫设计发展中，研究与探讨传统文化艺术对动漫设计的发展影响不仅是当前我国动漫设计的发展趋势，同时科学运用传统文化艺术对于不断促进我国动漫设计世界化发展也有积极意义。 1传统文化艺术在当代动漫设计中运用的意义 1.1传统文化艺术为当代动漫情节构思提供丰富的题材。在我国当代动漫设计发展中，情节构思是其整体设计的关键，而巧妙的情节与构思则关键来源于实践生活中。传统文化艺术作为社会发展中历史文化财富的积累，其丰富的历史文化故事可提供为当代动漫设计情节的题材来源。在当代动漫设计发展中，优秀的动漫作品不仅取决于高科技的数字技术传播，更取决于动人的情节构思题材。目前，我国动漫设计题材主要有儿童型的益智、成长题材，以及培育儿童身心健康的思想教育题材等。在吸取与引用传统文化艺术题材方面，我国动漫设计者往往采取满足社会需求顺应时展的基础上，对符合其情节构思的传统文化进行挑选与剔除。丰富的传统文化艺术不仅是我国历史文明发展的瑰宝，同时其充满哲理的历史智慧故事更是当代动漫设计的题材直接来源。1.2传统文化艺术为当代动漫角色塑造提供造型参考作用。角色塑造作为动漫设计的主旨之一，成功的角色塑造不仅充满个性魅力，还极具灵魂思想。在当代动漫设计中，巧妙的情景构思反映的不仅是角色的个性与智慧，同时赋予不同的思想灵魂还是触动观众的关键手段。因此，我国当代动漫设计中，构思好故事情节的同时还应考虑好角色塑造的所代表的人物个性与魅力。根据不同的题材，选择相应的时代背景以及角色人物是我国当代动漫设计发展中主要原则，传统文化作为集聚历史人物的文化宝库，在动漫设计中参考传统历史人物故事，不仅能丰富当代动漫设计的文化底蕴，同时历史文化故事中不同传奇人物故事还能为当代动漫设计角色塑造提供造型参考与灵感来源。 2当代动漫设计中传统文化元素的具体运用 2.1传统文化在当代动漫设计情节构思中的运用。在我国动漫设计发展历程中，学习与效仿西方动漫设计模式是我国最早的动漫创造模式。20世纪20年代初，美国迪士尼公司上映的《唐老鸭和米老鼠》儿童喜剧动画片，以其滑稽、幽默的故事手法迅速吸引了儿童观众视线，并且其通过不断在全世界推广与引进下风靡全球。与此同时，西方动画片在我国的高收视率与观众交口称赞的好口碑，也开始促使着人们积极学习与借鉴西方动画制作技术上，首次开始尝试创造属于自己的动画故事片。20世纪80年代中期，取材于原著小说故事的《黑猫警长》的动漫作品在全国上映，其中讲述的黑猫警长为保卫森林与其他动物斗智斗勇的故事，深受儿童观众喜爱。以及随后上映的《葫芦娃》等动画片也在学习西方动画技术的基础上，采用借鉴我国传统文化故事而构思的葫芦娃斩妖保家的动画故事也广泛获得了当时儿童观众的喜爱。目前，我国在动漫设计中技术已趋成熟，在学习西方高科技制作的基础上，对于动漫作品情节与构思往往采用自身传统文化艺术而构思不同动漫故事与情节。2.2传统文化在当代动漫造型设计中的运用。动漫造型主要指人物角色造型等方面，如美国迪士尼的《唐老鸭和米老鼠》就是在借用动物鸭子与老鼠的基础上，采用拟人化手段对其进行人格造型与塑造。在我国当代动漫设计中，也往往采用拟人化等手段对动物进行人格造型塑造，如当前我国流行动画片《喜羊羊与灰太狼》就以讲述绵羊与狼的故事进行人格塑造与造型。传统文化作为我国当前动漫设计取材宝库，引用与借鉴传统文化元素进行动漫造型设计一直是我国动漫设计的发展方向之一。如，经典动漫作品《大闹天空》中孙悟空的具体造型形象就是在参考我国传统文化中的京剧艺术对其进行脸谱造型与服装搭配设计。目前，我国动漫设计发展中，造型设计作为动漫人物的形象点缀手段，往往采用传统文化审美思维方式基础上，对其人物分派角色进行不同造型设计下，从而体现其不同阵面人物。如，动漫片《秦时明月之笑闯江湖》对敌对人物秦始皇的刻画在造型上就刻意采用鹰眉等有传统文化意义的造型塑造其强大霸权个性。2.3传统文化在当代动漫设计艺术风格的再现与运用。在我国当代动漫设计中，不同艺术风格与追求体现不同审美偏好。传统文化作为我国历史文化艺术的积累，代表着不同时期的我国历史审美特征。当代动漫设计发展中，因时代变迁与全球一体化发展下，我国艺术风格与审美趋势也不断世界化发展。开放不羁及突破创新作为当前审美风格与艺术追求目标，在我国当代动漫设计风格中正占据主要地位。然而，传统文化中提倡的含蓄、温和以及瑰丽等艺术风格在我国当代动漫设计中虽远不足西方动漫设计艺术风格，但仍占据一席之位。如经典动画片《哪咤脑海》中就以推广与再现传统文化艺术风格而设计的现代动漫。目前，不断加强当代动漫设计中再现与运用传统文化艺术是当前我国动漫发展方向之一。 3传统文化艺术对当代动漫设计发展的影响 3.1促进当代动漫设计艺术风格向传统文化故事、历史题材转变。我国动漫设计发展之初，是在学习与借鉴西方动漫设计基础上发展而来，其主要面向儿童、青少年等观众。在风格设计上也在模仿美国经典动画片《唐老鸭与米老鼠》以及日本动漫风格发展而来。传统文化作为我国主要文化艺术，将其运用到动漫设计发展中是我国艺术发展的自然规律。同时，传统文化艺术中注重宣扬与推广真、善、美等历史题材故事对我国当代动漫设计发展有直接影响作用。在画风上，也将最初效仿西方动漫滑稽、幽默等故事形式，开始向关爱、勇敢以及诚信等风格方面转变。3.2促进我国民间艺术文化与动漫设计的创造性融合。我国作为传统文明古国，传统文化艺术是我国历史文化发展的瑰宝，民间艺术文化是其中一部分，在艺术发展中同样占据重要作用。当前我国现存的民间古老艺术有剪纸、皮影戏、木刻以及山水画等方面。1960年，我国动漫设计开始涉足于再现民间艺术文化等领域，尤其融合剪纸与皮影戏表演等情况下构成了我国动漫发展中的“中国派别”。如在作品《猪八戒吃西瓜》中就采用展现传统剪纸艺术手法以及借鉴皮影戏等方法上对动漫设计实施了突破。在目前的互联网年代，中国的动漫设计要使用前卫的信息技术，并与民间艺术文化互相借鉴并融合，构成浓郁中国民间艺术风情、紧跟时代潮流的动漫作品，推动中国动漫设计领域的进步。3.3促进民间美德与动漫设计的创造性融合。动漫设计是面向儿童以及成年人等具有教育意义的艺术作品。在当前我国动漫设计发展中，利用传统文化艺术，对动漫作品进行德育教育与宣传是其文化发展功能之一。民间美德是指民间事迹中的美德故事，如孟姜女哭长城以及神笔马良等都旨在表达民间普通百姓善良、朴实、勤劳等品德。我国当代动漫设计中，借用民间文化故事题材的同时对于传统性融合与发扬民间美德也有积极影响作用。首先，动漫设计人员应从艺术的视角，利用艺术的手法对当代社会中的人事进行映射。例如对生命、伦理、爱情、忠实、人性、道德等的宣扬应成为动漫设计中永传不衰与恒久不变的主题。其次，民间文化美德中的“善”与动漫设计的融合：善是大众的根本性诉求。 4结束语 在社会时代变迁发展中，不断传承且发扬其优秀人类文化艺术是当前人类社会持续向前发展的必然要求。目前，在我国当代动漫艺术设计发展中，科学运用与发扬传统文化艺术是体现我国当代动漫设计艺术特色的主要手段。 作者:张妍 单位:大连科技学院 动漫设计论文:动漫项目课程设计及实践分析 一、校企合作课程概述 所谓校企合作课程指的是，在现阶段我国社会主义现代化建设和教育教学方面为了进一步满足社会对综合型人才的需要，学校和企业之间就某一项目或某几个项目进行合作，在合作中，学校为其提供人才支持和相应的基本条件的帮助，企业主要提供相应的资金支出和技术支持，二者通过相互之间的合作来进一步实现项目的完成，获取相应的利益。对于动漫项目来说，作为现阶段我国社会主义现代化建设中重点发展的项目类型，进行校企合作的项目是非常之多。针对某一动漫设计的项目，企业会提供一些实习就业的机会，学校会安排该专业的学生到企业中去进行实践，企业在这一过程中也会安排专业的工作人员对学生进行帮助，及时解决他们在实践过程中可能遇到的各种问题，有效提升学生的专业技能。除此之外，在这一合作中企业也将原本自身所承担的投入风险自然而然地转化给学校一部分，二者之间成为合作者的关系，利益和风险共担，共同推进项目的进行。 二、现阶段我国动漫项目校企合作课程设计及实践中存在的问题 本文将从以下几个方面对现阶段我国动漫项目的校企合作课程设计及实践中存在的问题进行分析，具体内容如下所述。（一）动漫专业课程设计中存在的问题。动漫专业作为一门专业性相对较强的课程类型，其对于学生的专业技术要求比较严格。与传统的专业教学方式有着很大的区别，动漫专业在教学的过程中更多地将精力放在对学生技能知识的传授方面，教师在日常的教学活动中更加侧重于对学生技术性和艺术性相结合的培养，同时对学生的实际操作能力等方面也有着非常严格的要求。但是根据笔者对现阶段我国动漫专业课程设计的实际情况进行的一系列调查研究发现，在很多情况下，校企合作的动漫项目中往往将课程设计的重点放在学生实践能力的操作方面，严重缺乏对学生艺术性和技能性的培养，学生只是被动地去进行操作，并不明白其中的原理和意义，这也导致其艺术修养能力和美术能力被淡化，对其今后的成长也会产生非常不利的影响。（二）动漫专业实战训练课程中存在的问题。笔者通过一系列的调查研究发现，在很多情况下学校与企业进行合作的方式都是学校向企业输送学生，学生在整个实训的过程中由专业的技术人员进行指导来完成自己的实训工作，在这一过程中学生的实际操作能力得到了一定的锻炼，但是其在整个实训的过程中往往都是按照企业的要求被动地进行工作，无法有效地发挥其主观能动性，导致学生的创新能力得不到有效的锻炼，因此整体的实训效果很一般。 三、解决现阶段我国动漫项目校企合作课程设计及实践中存在问题的对策 本文将从以下几个方面对现阶段我国动漫项目的校企合作课程设计及实践中存在问题的解决对策进行分析，具体内容如下。（一）不断强化教学模式。现阶段，在我国动漫专业教学活动中主要采用教师传授的单一教学方法，由于教师的能力和精力相对有限，无法照顾到每一个学生，加上现阶段学生的个性意识相对较强，因此，教师在教学活动中如果不能根据学生的个性特点去进行辅导和帮助，对于学生未来的成长也是非常不利的。为了能够有效解决这一问题，学校可以采用高年级的同学辅导低年级同学的教学模式，让高年级的同学传授自己的学习经验和学习技巧给学弟学妹，特别是在校企合作期间，由学长学姐带领低年级的学生进入到企业中进行具体的实践活动，对于帮助学生更好地进行学习将会起到非常重要的推动作用。（二）加强企业与学校之间的合作。为了能够更好的合作，产出更多的经济效益和社会效益，企业应该不断加强与学校之间的沟通，对于其在合作中出现的问题进行妥善处理，在为学生提供良好实践机会的同时不断促进企业自身的发展和进步。 综上所述，本文通过对现阶段我国基于动漫项目的校企合作课程设计及实践方面的内容进行分析和讨论，提出了相应的观点，希望能对行业发展起到一定的推动作用。 作者:胡欣 单位:四川工商学院 动漫设计论文:动漫设计情感表达与色彩设计研究 摘要：色彩是感情与中心思想的主要的直接的表达工具。在动漫设计这种以视觉冲击来表达情感多元化与中心色彩的造型设计中，坚持我国传统色彩的设计与现代色彩设计的国际化接轨，是我国动漫行业发展的主要方向。本文笔者结合色彩设计与角色造型，色彩设计与场景搭配，我国传统色彩的继承与创新三个角度展开论述。 关键词：情感表达；色彩设计；传统色彩；继承与发展 在普遍意义上，色彩是生机的代表。各种各样的色彩表达又代表着情感表达，色彩情感的变化是随着色彩的明亮度以及透明度而产生的变化的。色彩的情感表达并应用于各个领域，尤其是动漫设计中。 一、色彩与角色造型的设计 动漫角色性格的塑造与情感的表达，与其色彩的搭配紧密相关。动漫设计师根据动漫的情节发展设计出动漫形象的性格原元素，并在这个基础上通过色彩的明亮度的变化以及不同色彩之间的搭配来表达动漫人物的性格细节，以及性格的多元化以及在不同的情节中情感的多元化或者是协调与冲突。在这种策略下的关键是动漫设计的情感表达与色彩设计之间的多元组合的关系。这种色彩设计是否能够和情感细节进行有效的结合，并且能够准确的被观众理解，引起观众的共鸣，是主要的核心元素。[1]例如在动漫形象《奥运福娃》中五个可爱的，又各具代表意义的福娃，其设计师就巧妙的利用中国传统的色彩红、黄、蓝、黑、绿，来表达不同福娃之间的代表性的情感。红色代表热情，黄色代表上进，蓝色代表稳重，黑色代表深邃，绿色代表生机。这种色彩的设计与福娃想表达的我国人民的情感紧密相连。对于我国的动漫设计，与其他国家相比是一门年轻的，正在起步发展阶段的艺术，如果在我国动漫设计中体现出中国动漫艺术作品的中国特色，将动漫设计的情感表达与色彩的设计，以及中国的传统文化精神以及传统的代表性色彩相互联系，并且发展成为被世界公认的艺术形式是我国动漫设计的主要发展方向。 二、色彩设计与场景搭配 除此之外，色彩的设计不仅仅能够表达情感的细节，而且是提高动漫设计观赏性的主要手段。在动漫的简洁明快的山水景色设计中，其色彩的变化和搭配也是情感表达的主要手段。简而言之，色彩的设计不仅仅与角色的造型相互搭配，与山水景色的情感表达也有不可断裂的潜在联系。色彩的情感表达与场景的相互搭配，主要是通过不同场景的色彩的鲜亮与暗淡、冷色与暖色、以及色彩的纯度与混合来体现的。鲜亮、明媚的场景色彩与场景所代表的热闹和欢快已经深入人心，很容易引起人们的情感共鸣。例如在米老鼠活动场景的造型中，无论是之前的二维设计还是现在的三维设计一脉相承的都是典型的迪士尼的风格。在场景与色彩设计的结合中提倡暖色调的运用，在场景与米老鼠的形象造型对比中提倡两者之间的鲜明的对比度，通过这种色彩的设计与场景的搭配有效的表达单纯、活泼、善良的米老鼠的思想情感。在日本宫崎骏的色彩设计与场景搭配中，又是另外的风格。其典型的代表就是色彩的柔和与鲜亮明媚。在场景与人物造型的色彩设计中提倡相互结合的关系，反对色彩的突兀的深度与明亮度的变化，正是这种色彩设计与场景之间的搭配表达了设计师纯真的孩童般的内心情感。例如《龙猫》的干净简洁，《魔法公主》的柔和细腻，《萤火虫》的凄凉与暗淡，都是通过色彩的巧妙运用表达不同的情景下的情感主基调。[2] 三、我国传统色彩设计的继承与创新 我国动漫设计中的情感表达与色彩的设计如何学习和借鉴国外的先进经验，并且又继承和发展中国传统的色彩是我国动漫设计与色彩之间的主要发展方向。 1、“拿来主义”与继承发展 在我国的动漫设计艺术作品中，很多传统的优秀的动漫人物典型已经成为中华民族的固定的代表。例如《花木兰》、《海尔兄弟》以及《葫芦娃》等，在这种传统的动漫人物形象中，传统的中国式的色彩搭配给予观众典型的视觉冲击以及情感上的流露。这种“中国动漫学派”的色彩视觉语言，在现代化的动漫设计中需要继续继承和发展，并且与世界先进的色彩的搭配相互结合。这种结合就需要在传统动漫形象的改进中形成“拿来主义”与继承发展的创作流程，主要包括前期的造型构思、风格确定、主色彩基调、制作工艺、细节设计、以及后期的市场推广、情感宣传这些环节都必须和我国的传统文化以及传统色彩相互结合。只有真正领悟中国传统色彩美学的内涵与外延，并且借鉴先进的国际化制作工艺与设计技术，不断拓展视野，更新理念，才能促使色彩设计与情感表达在动漫造型整个系统中的完善与发展。[3] 2、多元开放的创新 “传统需要创新”“真正的传统是不断创新，不断前进的”在现代化的信息技术高度发展的背景下，对于色彩的搭配也具有不同形式的解读与内涵的表达。如何将历史悠久的动漫造型中的色彩设计与现代化背景下的色彩搭配相互结合，在动漫造型中既有效表达传统的动漫形象的中心主题，又不会给观众老套，俗套的视觉感觉，是我国动漫传统设计造型现代化的主要任务。例如《三个和尚》的场景设计就存在传统与现代的区别。传统的场景造型仍是以寺庙为主要场景，以暗淡的色彩设计表达作者对于角色中心思想的反对；但是《三个合唱》的现代版将以寺庙为主场景的设计转化为以城市的高速发展为主场景的设计，并且搭配鲜明的色彩对比。设计师正是利用这种色彩之间的突兀对比，颠覆观众对于《三个和尚》的典型的视觉印象与情感印象，从而表达出三个和尚的现代化的情感，即世界的高速发展已经给予普通的劳动人民造成了不可忽视的情感压力以及生活压力。[4] 四、小结 历史悠久的传统色彩的设计与开放现代的色彩设计相互结合，有利于我国动漫设计师的思想表达与国际接轨，有利于我国传统文化与现代文化的相互交融。因此，在动漫造型的色彩设计时我们应该坚持继承和发展传统色彩设计，坚持多元化的创新，对于传统色彩设计进行现代化的突破。 作者:阙海文 单位:广州东华职业学院 动漫设计论文:动漫周边玩具产品设计研究 摘要：动漫周边产品主要是运用动漫中的相关元素进行产品开发，随着全球化的发展和进步，许多外来文化也逐渐影响着国内动漫产业的发展，如果想要更好的在市场当中占据一定的地位，就需要创作出更具民族特色的动漫周边玩具，从而加大对传统文化的发展和传承。 关键词：动漫周边产品；动漫产业；民族特色 一、动漫周边民族化玩具产品设计的基本概括 1、动漫玩具产业的发展状况 1）国外的动漫行业。在国外动漫市场当中，欧美及日本可以说是动漫玩具产品创作额强国，在他们的市场当中已经形成了相对完整和系列的商业运作模式，如迪士尼动画片播出之后，便从市场当中可以看到许多与动画相关的动动漫衍生玩具，从而更进一步的形成良好的市场营销和推广。2）国内动漫产业。对于我国动漫产业的发展来看，发展速度相对较为缓慢，在06年的时候，我国国家新闻观点总局就开始下发通知，要求全国各级电视台在每天的黄金时段必须对国产动画片进行播出，这一规定在一定程度上极大的促进了我国本土动漫产业的发展。但是，尽管国家对动漫产业给予政策扶持，但是动漫行业的发展仍没有与其市场中的玩具进行结合，从而使得市场玩具产业的发展与动漫产业的发展完全脱轨。例如“脚踩风火轮，手拿火尖枪的哪吒”和“七十二变的齐天大圣孙悟空”等等，这些具有中国传统民族特色的动漫产业及相应的角色一直在国内电视荧屏上出现，但是却在市场玩具生产和制作商一直没有得到更好的发展。而造成这种情况的出现主要原因则是由于我国动漫玩具产业所具有的创新能力和制造能力的不足，从而很难对新的、较为流行的动漫人物进行开发和创作。 2、民族化动漫玩具开发的重要性 对于民族化的动漫玩具创作来说，他不仅能够在一定程度上弘扬和传承中国传统文化，而且还能够在很大程度上为我国动漫企业带来很高的经济效益，而在我国目前的发展状况来演，人们逐渐对西方以及日本文化产生了极大的兴趣，瑞对机器猫、蓝猫等动画角色的热爱已经远远超过国内影片中的孙悟空等角色，从而使得国内动漫玩具的开发一直模仿者外界的动漫玩具，这种盲目的模仿，使得我国动漫玩具逐渐丧失了传统文化的特点，在市场发展中就更没有竞争力了。其实，能够对具有传统民族文化的动漫产品进行开发和设计，能够很好的对传统文化进行继承、发展和回归，同时也是设计文化以及民族认同的具体体现，也是对设计文化民族性的重新阐释，这样的动漫玩具才能得到人们的认同、才能具有市场潜力。 二、中国动漫周边玩具产品设计存在的问题 1、人们对动漫玩具中民族化意识的缺失 对于民族玩具的发展和设计来说，不同的民族以及不同的地理环境会沉淀出不同的文化特征，而不同的文化底蕴则会展现出不同民族的审美情趣、审美追求以及审美理想等等，从而体现出不同的民族性格和心理，以及对自我的实现和追求等等。例如：动漫中米老鼠的角色特点，其外形表现上则非常的圆滑，而且卡通角色造型生动、幽默、勇敢与对欢乐的执着追求象征着美式乐观主义、流行文化。而对于美国来说，则是充满个人英雄主义的国家，但是在这个国家的英雄主要体现在平民英雄之上，例如在美国动漫当中变形金刚的人物特点；而对于日本来说，其主要崇尚的是武士道精神，在动漫中奥特曼的表现，他与外太空怪兽智勇双全的战斗以及拯救城市于危难的大无畏精神，在很大程度上体现了武士的传统形象。 2、对儿童玩具产品中传统文化展现的重视度不够 在许多国内受众者来说，儿童玩具只需要孩子喜欢，且玩具外表形象可爱即可，而外国的玩具则正符合孩子的需求，因此不管是国内还是国外的玩具，只要孩子喜欢就可以，而这种意识也在很多设计者心中存在。而对于儿童来说，正是对其文化特点进行灌输和吸收外界文化最为强烈的时期，动漫玩具中所体现出来的特点会在潜意识当中对儿童今后的发展和意识产生极大的影响，因此我们应该对这些玩具的设计和开发引起重视，从细节做起，大力开发有关中国传统文化的儿童动漫玩具，从小开始影响儿童的潜意识，为以后中国传统文化的发展和继承垫定良好的理论基础和发展前景。 三、动漫周边传统玩具产品开发的基本策略 1、国家加强对相关政策的扶持 对于我国动漫玩具产业的发展而言，仍处于较为薄弱的发展阶段，在这个时候需要国家对相关政策进行扶持，从而更好的提高国内动漫产业的发展和和开发。而在动漫产业的发扎来说，政策的扶持一直是许多国家针对这一领域进行开《关于2008年国产原创电视动画片及国产动画创作人才扶持项目申请事项的通知》，对2005年到2008年对推荐播出的电视动画片作品和相关创作人才进行物质扶持,扶持总额近900万元。也正是由于这强大政策的扶持，才出现过国内动画片《喜羊羊与灰太狼》得到热播。从而带动了与喜洋洋动漫产品相关的玩具开发和设计，从而产生了非常大的经济效益，因此在今后的发展当中，国家更应该加大力度对相关政策进行扶持，从而更进一步的推动中国传统动漫玩具产品的开发和推广。 2、加大动漫公司与儿童玩具开发商的合作 从我国玩具企业以及动漫企业的沟通来看，目前他们之间的交流还有所缺失，而动漫企业对于动画片主人公的设计也不能够仅仅只是在电视荧屏上进行凸显，更应该与实体产业进行合作，虽然动漫企业在荧屏上能够将动画片的主人公进行很好的表现，但是由于对实体制作经验的缺乏，从而会导致在对现实中玩具的制作上出现许多不同的问题，而此时创作动画形象中就应该有玩具设计师加入共同打造适合开发延伸的动漫形象。而对奥运“福娃”的设计开发则是最具中国特色的，许多人都被这五个饱含民族文化的小精灵而折服，但是在制作当中却出现许多麻烦，如“五福娃”头都比较大，而且头饰表现非常复杂，因此在实体制作中具有加大难度，即使开发出来，想让她们站立起来也是非常困难的。因此，动漫公司和玩具生产厂家进行合作，共同开发富有中国特色的动漫玩具，则是非常有必要的举措。 3、增强人民对民族文化的意识 民族的才是世界的，因此要对本土文化动漫产品开发具有自信心，要努力在中国动漫玩具的形式上进行开发和设计，使之符合当展的潮流，除此之外，还应当在动漫玩具的题材选用上与中国古典文化和传统文化进行结合，并与动漫影片表现的角色相符合，将实质的内容赋予现实的产品当中但，从而增强产品的竞争力，更好的传承中国传统文化的特点。 作者:刘姮 单位:吉林艺术学院 动漫设计论文:文化传播视域下动漫造型设计探析 摘要：我们认为，通过对代表性国家和地区经典动漫角色造型的特点从文化传播的角度进行观照、分析，是解读动漫媒介文化内蕴，及其流变、重组、演进的重要途径之一，对于当前中国动漫艺术本体的发展、跨文化传播与交流有着借鉴之处。 关键词：文化传播；动漫造型；文化价值观；地域民族内涵 一、引言 美国著名人类学家爱德华•萨皮尔(EdwardSapir)曾指出：“每一种文化形式和每一种社会行为的表现，都或明晰或含糊地涉及传播。”[1]P10动漫的文化传播属性主要是通过各种视觉符号来实现的，造型设计就是其中极为重要的一环。如果说题材是动漫的躯体，那么造型即是整部动漫的灵魂。将角色、场景构想设计为可见的视觉形象，就是造型设计的要旨，动漫由此被赋予形体、血肉和氛围情感，也才具有了打动人心的生命力和艺术感染力。[2](P4-8)从艺术特征而言，造型设计是构成欧美、日本和中国这些具代表性国家动漫作品与美学风格样式差异化的核心元素；而从文化传播的角度审视，更是其作品所传播的强烈而鲜明的民族价值观与丰厚的地域文化内涵的重要符码。动漫不仅作为一种承载民族文化与价值观念的艺术门类，同时也是一种与时俱进的媒介手段。以下即从造型设计的角度对代表性的国家和地区动漫的文化价值观和地域民族内涵及传播特点作一大致梳理。 二、动漫造型设计的文化价值观和地域民族内涵传达 （一）美国动漫造型 1、超能力英雄 超能力英雄是美国动漫极具代表性的角色类型。超人、蝙蝠侠、蜘蛛侠、金刚狼等就是其中的典型。这些正义凛然的超级英雄都被设计为有着轮廓鲜明的五官、肌肉壮硕的体魄和临危不乱的坚强意志，拥有各种异乎寻常的超能力和酷炫装备。他们的对手或是被设计成形象猥琐、丧心病狂的罪犯和恐怖分子，或是在疯狂实验中毁掉容颜，犹如怪物般的科学狂人等等，这些造型的内涵与外延也鲜明对应着现实世界里，美国霸权政治认知体系中的关键词。近年来，随着高科技手段和重金打造的《蝙蝠侠》、《蜘蛛侠》、《X战警》等系列真人大片在全球热映与票房大卖，这些漫画英雄从纸媒跃然而出，立体地呈现于观众眼前，更使得这些经典漫画英雄们的人气和影响力历久而弥坚。 2、拟人化的动物 美国动漫的另一重要角色类型是拟人化的动物。这些角色的造型或是以高度洗练、精妙符号化而设计，或是极具创意地将某类生物群体的典型形态特征和某种带有普遍性的人类情感内涵完美融合。如美国著名的动漫明星加菲猫，这只有着时常睡眼惺忪、满是不屑的一双大眼，习惯将诸如“爱情来得快去得也快，只有猪肉卷是永恒的”调侃挂在嘴边的橙色肥猫，可说是世界上最愤世嫉俗的猫了，当那些“经典语录”由它那被设计为视觉冲击力极强的夸张大嘴演绎出来时，更增添了爆笑因子。美式动漫一贯的搞笑，娱乐效果最大化的造型特点，折射出美式消费主义文化特征的核心质素。而加菲猫慵懒和玩世不恭的言行设计也可辨识出对美国乃至整个西方世界流行文化影响甚大的犬儒主义生活态度的影子。美国学者格伯纳提出的“培养（涵化）理论”曾指出电视媒介文化主宰包办了观念、信息和意识的来源。虽然该理论是20世纪60年代针对当时勃兴的电视媒介研究所提出，但即使在当今以数字交互为代表的新媒体时代，美国作为现今世界上唯一的超级大国，凭借其雄厚的经济实力及在此基础上的人才储备和技术研发力量，运用各种顶尖高科技手段批量生产和复制文化产品，再通过承载其文化和价值观的动漫在内的多种媒介对外输出和倾销，在全球攻城略地，形成霸主地位的现实仍然验证了“培养理论”的阐释力。而这种咄咄逼人的“文化帝国主义”式传播策略的巨大成功，在将美式价值观和生活方式渗透于地球上的穷乡僻壤的同时，也使得相对弱势的民族文化的生存空间日益逼仄，传承发展的可持续性堪忧。 （二）日本动漫造型 日本是世界上首屈一指的动漫大国，日本动漫角色造型带有本民族独特的审美观念，突出反映在对口唇、鼻子、眼睛、面孔等表情达意的五官部位“漫符”式的表现；吐息、汗、泪以及效果线，透视、光影立体效果等情绪化、状态化表意符号的象征；还有日语中生动的拟声词及拟态语，即“音喻”文字在漫画中的植入等，这些具有鲜明日本民族文化的元素，或者说模式化的表现样式都已成为日本动漫中不可或缺的标志性符号，更对世界范围的动漫“语言”产生了深刻的影响，被广泛接受并复制，呈现出放射状的传播效应。[3]P44在“热血”、“美少女”、“萌”等类型化动漫作品中，这些有着普遍化的大眼睛、尖下巴、拥有完美九头身式魔鬼身材和另类发式和妆容的唯美角色，身着前卫服饰，充斥着街头篮球、网络、摇滚等诸多时尚流行元素，欢笑嬉戏、悲伤抑郁，打造出色彩斑斓的“视觉系”风格的标识。显然，日本动漫造型风格和类型题材比较契合全球化时代，因而一纸风行，再借助强大而成功的品牌和周边产品营销和对受众潜移默化的涵养所形成的亲和感，使得现今日本已成为亚洲乃至世界流行时尚与亚文化的重要策源地之一，感知认可接受欣赏日本动漫跨文化传播策略可说是成果斐然。其次，日本动漫造型也深刻体现出其地域性民族文化的特点。与美国一样，日本也以拟人化的动物角色闻名于世，但两者所折射的文化内蕴间差异可说泾渭分明。如同样是“猫”，与美国“加菲猫”粗线条的身形和无厘头搞怪不同，日本“HelloKitty”猫是依循少女系的乖巧可人路线创作设计的，这个安静顺从、内敛含蓄的猫咪被有意设计为嘴巴缺失，这似乎是对现代日本人所崇尚的少说多做、低调做人原则相隐喻，头上的蝴蝶结造型，除去“可爱”的表层意蕴，也以结状符号象征了日本人对于“团队精神”的推崇。日本漫画市场的成熟也催生了动画生产创作的繁荣，两者相辅相成。久经市场检验的成熟漫画不仅保证了据此改编的影院动画的市场人气和忠实拥趸，也为动画在艺术层面的前卫探索和突破奠定了坚实的基础。押井守根据漫画作品改编的科幻巨制《攻壳机动队》即是范例，该片场景设计借助三维图形技术，创造出摩天大楼和贫民窟交错杂陈的后工业时代的冷峻风貌，街道巷陌、运河廊桥、乃至行道灯、招牌、广告等各种意象符号载体的任何一个细小的局部，都以精细的写实风格表现，与二维制作的角色形成强烈的间离效果，极大丰富了影片视觉的张力，也架构起影片灰暗、悲凉的末世基调。这种在众多气势恢弘的影院动画巨制中发展成熟的对于场景细腻生动的造型风格不仅深刻折射出浸淫于日本民族血脉的精神指向和思维方式，恰如其分地体现了其建基于发达的制造工业基础上的严谨细致，勤勉坚韧的国民性格以及强烈的民族文化自信与认同，更成为独树一帜的日本动画造型艺术风格的典型代表。日本动漫不仅涵盖年龄、阶层等跨度巨大的目标受众，而且在商业与艺术、流行与另类风格间亦游刃有余，加之来自于日本官方将动漫作为提升国家形象战略和“文化软实力”重要内容的鼎力支持，从而使得日本动漫文化传播呈现出自上而下、立体多维的不同形态。 （三）欧洲动漫造型风格 欧洲是包括造型艺术在内的视觉艺术具有优良传统和丰厚遗产的地区，由于文化渊源的相同与类似，欧洲各国动漫彼此间的艺术与美学差异相较欧洲外其他国家而言要小许多，有着较为突出的共性特点和迥异于美国、日本乃至中国等其它国家动漫的鲜明特色。作为主要倚靠感性的视觉形象进行文化信息传递的媒介，动漫优于其他如语言、文字等理性主义媒介形态，传达高效而快速的核心特点就在于其视觉形象符号的浅显易懂，欧洲动漫在此方面堪称标杆。从比利时漫画大师埃尔热笔下的《丁丁历险记》到德国漫画大家埃•奥•卜劳恩创作的《父与子》等经典之作即可窥见一斑。欧洲动漫的最大特点是轻松、随意的绘画感。角色和场景形象多以极为精简的线条而极具个性，突破常规的变形和夸张的手法塑造。而绘画风格往往又与主题指涉的人文主义关怀相得益彰，法国动画片《青蛙的预言》就是这样的例子，该片角色和场景设计具有典型的欧洲动画灵动轻松的表现样式和天马行空的创意思维。片中的各式人物和动物造型简约、圆浑，色彩明快而艳丽，呈现出鲜明的儿童插画式风格。与充满童趣化的造型样式相对应的是影片主旨内蕴的深刻。本片剧情架构改编自圣经中著名的“诺亚方舟”故事，将中的渡船比拟为社会，船上的动物间的冲突、矛盾则隐喻着不同社会阶层间各式人等的相互关系和利益纠葛，该片以寓言的形式探讨了人类社会和各阶层矛盾的缘由，以及化解这些矛盾的途径与方式。而在动画影片《丹麦诗人》中，人和狗，奶牛等各式角色的造型样式更体现出鲜明符号化的风格。“人是符号的动物，亦即能利用符号去创造文化的动物。”[4]P4欧洲动画对于视觉形象的符号化创意在世界动画中无出其右。本片中的视觉符号就堪称典范：如角色眼睛均以豆状小黑点表示，其余身体部位或以线状，或以简约的几何化的形状设计，场景中出现的房屋、草场、轮船等物象的形态也皆是如此。正如Napier所言，“动漫是一种媒介，而不单单是电视或电影，更不单单是一种艺术风格”。[5]P36作为文化一体化的欧洲动漫而言，其造型设计不仅呈现出强烈而又独特的艺术性，在朴素与轻松的形式主义风格的背后，映射出与欧洲视觉艺术一脉相承文化观念探索层面的激进。 （四）中国动漫造型风格 对于传统艺术和民间美术形态的挪用与借鉴，可说是我国优秀动画造型创意的一大特色。享誉世界的动画“中国学派”的众多优秀作品以极具中国民族特色的“似与不似”的意象性造型和程式化的语言，彰显出中国传统审美的诗性意识与意境观，更婉约雅致地传播出“天人合一”、绵长清丽的深厚民族文化底蕴的精妙。动画影片《骄傲的将军》在视听元素上对于京剧这一具有深厚中国传统文化标识意义的艺术门类及其表现手法进行了大胆而成功的运用，因而该片被视作中国学派动画的开山之作，在中国动画电影史上具有重要的意义与地位。[6]该片不仅在对白，配乐创作上对中国传统戏曲尤其是国粹京剧颇多参照，而且片中将军和师爷两个重要角色的脸部造型更直接借鉴京剧脸谱的典型描饰风格设计。该片中的将军刚愎自用，所以面部被设计为“花三块瓦”：满脸勾画敷设构图匀称的纹样，色泽鲜明的黑、红、蓝色象征其蛮勇，配以鼻梁部一撮白色；而奸佞、谄媚、“墙头草”般的师爷则被设计为鼻梁上抹一小块白粉的“小花脸”。这些脸谱惯用的程式化设计皆是以传统文化中色彩的民族心理寓意来比拟角色的正邪特征：如红脸的关羽忠贞勇猛，黑脸的包公刚正不阿，白脸的曹操奸险狡诈等。片中人物动作设计同样栩栩如生。如影片开端部分，得胜归来的将军和着锣鼓的打击节拍，典型的“拉山膀”似的亮相动作，还有酒宴“理髯”，炫耀武功的“子午相”等动作，无不充满内敛、隽永的中国传统文化艺术观念中的程式化特点。又如在动画片《九色鹿》中，对于各角色的类型定位与性格特征的塑造，都具有鲜明的民族风格。“九色鹿”的体态设计运用中国传统线描中圆润流畅、遒劲有力的“铁线描”线条勾勒而出，健美匀称，轻盈优雅，充分表现了释迦牟尼佛的前生“鹿王”雍容华贵的不凡气度。而对于捕蛇人的设计，则具有漫画风格里典型“扁平化”角色的符号化特征：被刻意描绘为一个尖嘴猴腮、形象猥琐的小人。弯折的体态与丰富的肢体动作也充分汲取了敦煌早期壁画中人物动态夸张强烈、凸显性格情感的风格特点，将其奴颜卑膝、见利忘义的本性传达得淋漓尽致。 三、结语 通过对各国优秀动漫作品造型风格的简单梳理，我们可以领悟到其中精准折射和传播出的在文化的各个层级，这些国家和地区各自所具有的典型特质。在传播媒介发展日新月异的当下，动漫可资运用的技术手段也变得前所未有的丰实，数字动画电影和电视，经由网络载体传播的网游和移动终端的手机动画等新兴载体为动漫文化艺术观念的传播提供了更为广阔的前景与可能。但立足地域民族文化内核，深入理解和阐发独特鲜明的艺术传统，仍然应是动漫创作的核心要旨，这也是深化扩大文化传播与交流效能的重要前提。 作者:寇强 单位:重庆邮电大学传媒艺术学院副教授

小学美术课改论文:如何在新课改形势下上好小学美术课 新课改背景下，美术教育已经作为全面发展中不可或缺的组成部分，被纳入到学校教育轨道之中，以便良好的教育和培养学生，提高学生的美术知识、增强学生的审美能力、提升学生的审美能力。而通过对国内小学美术课教学实际情况的了解，或因教师传统观念影响、或因教学条件限制等，导致美术课教学效果不佳。对此，本文笔者将在下文以新课改为背景，探究上好美术课的措施，希望可以使小学生在美术课教学中收获多多。 一、专研教材，把握知识要点 相对来说，美术学科与语文、数学等学科不同，没有严谨的知识体系、没有紧密的上课密度，但其知识点不容易把握，这就需要教师合理的把握“度”，良好的教授和培养学生美术知识与技巧，否则难以达到事半功倍的效果。基于此，在新课改形势下，要想上好美术课，需要教师在教学准备阶段，认真钻研教材，明确教学目标，准确把握知识要点。也就是教师注意深入了解学生，如年龄、生理、心理等方面的特点，明确学生的认知能力、思维能力、注意力持久性等方面，进而合理的设置教学目标，结合教材，准确把握知识点。例如某教师在组织学生学习《春天的色彩》美术课的过程中，因知道学生好奇心较强，且对大自然充满兴趣，因此教师设置的教学目标是让学生用手中的画笔表现出春天美丽色彩，在此基础上，教师结合教材，确定让学生了解春天、相关优秀作品欣赏很是重要，所以教师将学生带到学校小公园中，让学生感受春天，观察蓝天、白云、绿树、小路等，从热加深学生对春天的认识，激发学生的绘画兴趣，之后将学生带回课堂，组织学生进行关于春天的绘画作品的欣赏，让学生了解“春天的美”绘画方式，鼓励学生进行“春天的美”的绘画，学生能够很自然的进行美术创作。 二、选用适合的学习方式 新课改形势下上好美术课，需要教师转变教学观念，选择适合的学习方式来引导学生正确学习美术知识与技巧。从新课改角度来看，学生学习过程中，教师的作用重在组织、指导及适时参与，以便调动学生参与，鼓励学生思考、引导学生学习。而要想在美术教学中，良好的调动、鼓励、引导学生，教师最好教授学生不规则的绘画形式、绘画风格，让学生可以自行的学习、琢磨、探索、试验绘画方式、绘画步骤、绘画手法等，总结经验，收获知识，增强绘画技巧、美能力等。基于此，教师应当根据教学需要及学生的实际情况，在合作式、开放式、探究式等学习方式，选择最为适合的学习方式，引导学生轻松、愉悦、自然的学习美术知识，最终收获知识、技巧、能力的同时，养成良好学习习惯。 三、创设情境，激发学生兴趣 因美术学科本身就不是一门“严肃”的学科，教师在美术课堂上过于严肃、刻板，那么将会大大削减学生的美术兴趣，致使学生难以融入到课堂教学之中。为了避免此种情况的发生，在新课改背景下开展小学美术课教学，应当注意创设情境，激发学生学习兴趣。创设情境，可以营造轻松的、自然的、愉悦的氛围，将学生带入到情境之中，调动学生良好的情绪，进而激发学生的学习兴趣，积极主动参与课堂学习。当然，要想使创设情境发挥作用，则需要教师在创设教学情境时，注意了解学生的年龄、性格特点、兴趣爱好等方面，结合教材，创设贴近学生的教学情境，如此可以很容易激发学生的学习兴趣，让学生在兴趣趋势下参与美术知识学习、思考及探索，以此来强化学生的美术知识、审美能力、审美素养。 四、鼓励艺术表现，激发艺术创造 美术作品的美具有多样性，需要从不同的视角去欣赏和评判。基于此，美术教师在教授学生美术课程的过程中，应当注意运用欣赏的眼光来看待学生的作品，激发学生的潜能，如若教师设置条条框框来限制学生，将会使学生思维固化，难以创作出有活力、有个性的美术作品。基于此，在新课改形势下，要想良好的开展美术课程教学，教师应当注意多鼓励学生，尤其是在评判学生美术作品时，应尽量放大学生作品中的闪光点，以此来激发学生的创造美、表现美的欲望，那么学生将更加大胆的运用色彩或想象来进行美术作品创作，这对于激发学生艺术创作非常有帮助。 在当前我国多地小学美术课教学难以满足新课改要求的情况下，笔者建议美术教师专研教材，把握知识要点、选用适合的学习方式、创设情境，激发学生兴趣、鼓励艺术表现，激发艺术创造，如此可以上好美术课，使得学生不仅收获知识，还能强化自身的审美能力、审美素养。 （作者单位：新疆石河子市第五中学） 小学美术课改论文:浅谈民间刺绣文化艺术资源在小学美术课改中的实践运用 美术新课程标准指出：“教材应考虑不同地区学生的基础、地方资源和文化特色，应具有多元选择性以适应不同地区的老师和学生的需要。”刺绣，是我们中华民族古老的民间传统艺术。千百年来，民间刺绣珍品丰富和美化着人们的生活，为广大人民群众所喜爱。把刺绣引进教学，可充分体现民族特点，发扬民族传统，增强学生的民族自豪感。同时，刺绣这一艺术形式，有“工”有“艺”，有“艺”有“术”，其工艺过程对人的认知能力、手脑之间的密切配合以及意志与性格的形成都有着一定的影响，比较适合儿童的生理心理特点和艺术兴趣的培养。下面笔者将谈一些具体做法，与大家一起探讨商榷。 一、欣赏激趣：升华情感，营造共鸣 兴趣是学生学习和活动的动力源泉，是学生创造的强大动力。为此，笔者选择少年儿童能接受的，能产生兴趣的刺绣作品，给学生欣赏、讲解，通过作品生动的形象、丰富的造型和绚丽多彩的颜色来感染学生，提高学生的美术素养和审美能力。 民间刺绣素来配色大胆，花纹多含吉祥寓意，各种艳丽多彩的形象在给人们留下深刻印象的同时，也给人们的生活增添了美感。小学生喜欢绣有花草树木、动物等各种形象图案的手帕和衣裙。以实际课堂为例，上课伊始，教师先出示一些优秀的民间刺绣作品实物分别给学生欣赏，让他们和优秀的民间刺绣作品零距离接触，去看一看，摸一摸，说一说自己最直观的感受。民间刺绣中艳丽的色彩往往给他们以强烈的视觉冲击，此时教师再配合多媒体视频，展示我国著名的四大刺绣之一“沈绣”的一些代表作品，以及民间大师进行现场刺绣的视频。针线在大师们的手中不断地变化着，在穿针引线之间，一幅幅精美绝伦的国画山水作品展现在学生们的面前，看得他们如痴如醉，仿佛身临其境。通过欣赏，学生们对刺绣这门民间传统艺术有了初步的了解和认识，激发了浓厚的学习兴趣和创作欲望。当教师现场展示用一根针，几根彩线绣出花草、彩球和可爱的小动物时，学生们都不禁拍手称赞：“简直和真的一模一样！”“太神奇了，真好看！”“老师，我也想试一试！”……学生们完全被民间刺绣自身所带来的独特魅力深深地吸引住了，学习兴趣和热情被充分地激发调动起来，本次教学取得了令人意想不到的好效果。 二、注重实践：因势利导，授人以渔 儿童对感兴趣的事情喜欢亲身感受，处处想“亲力亲为”，他们并不满足于自己所看到的和听到的，他们更想要自己去动手试一试，做一做。因此，在教学中笔者会尽量少讲一些空头理论，多给学生实践的时间与机会。如在学生学习“穿珠子”“系鞋带”“纳鞋底”（教师将吹塑纸剪成鞋底的样子，打上许多洞眼，让学生用塑料线来回练习穿）的基础上，教师先教学生学穿针、打结，在其掌握了一定基础后，再教他们在一块用铅笔画有“筷子”（两条直线）、“小草”的布上学习“套针”“斜插针”等最简单的针法。 创造是儿童自我发展的需要，每个儿童都有强烈的创造欲望。在学生们对刺绣感兴趣，并了解了刺绣创作的一般过程后，可要求他们自己动手，进行创作。学生虽然没有大师们高超的技术和娴熟的表现技能，但是他们有真情实感，表现出来的作品不像成人那样有着这样或那样的条条框框和套路上的循规蹈矩，真可谓初生牛犊不畏虎。兴之所至，在稚拙的创作中自然而然地流露出一种人生的真、童趣的淳、稚幼的美。教师对学生流露出的这一份纯真的情感，要及时把握，充分关注，顺其自然，因势利导。在学生们的大部分作品中，都可以看到他们的随心所欲和无拘无束的天真与烂漫。 圆形是学生学习刺绣的难点，在教学生绣圆球时，要求针距一定要短，否则就会出现“鸡爪子”样的针迹，绣不圆。为了解决这一难点，让学生能够简单快速地掌握技巧方法，在开始教学时，教师要选用大一些的针，选择用毛线或粗一些的双线，以免脱针、断线、打结，从而影响学生学习的情绪。事实证明，选用较粗的线后可以使形象出现得更快，效果也来得更显著，学生学习起来不仅有兴趣，而且越来越有信心。 三、感悟艺术：细致观察，“绣”出自我 地方乡土文化的开发，使美术课堂更加生动有趣，让学生零距离地接触到了自己身边的艺术；将学生带入艺术殿堂中，在真正用心感悟下进行美术教学，能够让学生真正做到自主探究学习，从而达到事半功倍的效果。 色彩能进一步激发学生们的美感，在刺绣教学中，选用什么颜色、色彩如何搭配是教学的重点。为了解决这一难题，教师要多带领学生走出教室，走进自然。在户外活动中，教师要留心引导学生观察和欣赏各种天然的色彩，培养和增强他们的色彩感。在学习刺绣时，笔者要求他们仔细观察所绣物体形象的不同颜色，教他们如何正确地配线，如一丛小草中配上各色小花就显得特别耀眼；绣小猴子时，用黄色配上咖啡色就显得调和；大熊猫配上一个黑眼眶就显得醒目可爱。 刺绣艺术在表现形式上有自己独特的语言，离开了自己的语言就会失去存在的价值和意义。笔者在教学生如何刺绣时，也告知他们刺绣的表现手法和形式的多样化，让其知晓刺绣不仅是用手去绣，更是要用“心”去绣，一幅好的作品要考虑和处理好整体的构图、构思，以及色彩点线面等各方面的关系。经过一段时间的学习，学生们的审美能力、构图和色彩搭配能力都明显得到提高。在学校举办的“我的中国梦――‘绣’出美丽生活”校园优秀刺绣作品展上，有多位学生的作品因构思巧妙、色彩搭配丰富多样，而受到社会和广大师生家长的一致好评，在参加省市级的比赛中多人摘金夺银，全校上下营造出了浓厚的刺绣学习氛围。 民间刺绣艺术乡土课程的开发为乡土教学活动注入了新的血液与活力，在整个刺绣艺术乡土课程的开发与实践中，我们全程关注教育的需要，关注全体参与者――教师与学生的情感体验，特别是尊重学生们的独特个性，整个过程洋溢着浓郁的人文气息，体现着鲜明的时代特色，为新课程改革下的乡土文化教育活动创造了一个全新的教育平台。通过对民间刺绣艺术乡土课程的开发与实践，我们希望能使学生从小关心家乡的民间艺术与传统文化，让他们在生活中去体验美、创造美。课改的春风犹如涓涓细流润入人心，又如一股沁人心脾的清泉，溅起层层的涟漪，让我们在新课改的这方大舞台上，魅力点线面，感动你我他。 小学美术课改论文:新课改中小学美术课堂教学方式误区探析 [摘 要]新课程改革紧密锣鼓的进行了十年，新的教育教学理念深入人心，没有哪一位教师没有投入课改之中。教改取得的成绩无人否定。但也难免存在一些误区。我们不能盲目地乐观。本文就新可课改中小学美术教学方式存在的误区作了初步的分析探讨。 [关键词]新课改 美术课堂 教学方式 存在误区 近年来，一线教师积极投身于新课程改革，从教师的教学方式到学生的学习方式都发生了日新月异的变化。小学美术教师在新课程教学中越来越注重学生多元思考、自由表现方式来参与美术学习，由此产生了不少的新课程环境下的美术教育人本主义的急切回归和学习方式的拓宽。但有些教师盲目赶时髦，偏离了课改理念，某些教学方式走入了误区。下面仅举三例试作探讨。 一、小组交流没有体现自主、合作 老师布置小组交流：“看了这些作品你想到什么了呢？一起来小组交流一下吧！” 学生相应现象：教师话音刚落，学生齐刷刷地举手或四人小组，你一言我一语，人声鼎沸，学生交流场面极为热闹，然后是小组汇报，一番热情洋溢的教师点评，听课者也觉得学生开展交流与合作，合作意识在教学中得到充分的体现。 这样的合作交流真的既尊重了学生的自主性又体现了合作的理念了吗？合作交流在这里体现了多大的价值呢？事实上合作学习这种教学方式在美术课堂教学中依然存在一些观念上的误区合作法上的偏失。 教师开展课堂教学对培养独立与倡导合作两个观念怎样把握是合适的？ 独立精神与合作精神都是良好的人际品质，独立思考是培养学生思维能力、提高学生想象能力的良好途径，在小学美术课堂教学中并非所有内容都有合作学习的必要，在教学中我们必须做到既有“独立”，又有“合作”，“独立”中有“合作”，“合作”中体现“独立”，在时间和空间的分配上做出正确的分配，一个对学生没有什么挑战性可言、能独立达成的教学目标，还有“合作交流”的必要吗？ 课堂教学中教师怎样把握关注学生整体和个体的关系是恰当的？ 合作学习确实增加了学生参与美术活动的机会，同时在一定程度上拓展了学生的思维，激发了学生思维方式的多元化，有利于培养学生的合作精神和沟通能力，但小学生由于受心理和生理发展水平的限制，合作交流缺乏自我管理能力，往往流于形式，缺乏真合作，学困生大多成为听众，参与美术活动机会少，长此以往更令部分学困生失去对美术学习的持久兴趣，而教师在评价时也更注重对小组整体表现的评价，容易忽视对学生个体发展的评价。那么，这种流于形式又忽视个体关注的合作学习在美术课堂教学中的真正价值又何在呢？ 为此，教师在引导学生参与美术教学活动时，既要对合作学习有正确的认识，更要加强合作技能技巧指导能力的培养，教师必须对学生实行异质分组，并确定有价值的合作内容，引导学生合作解决问题，在具体实施时更要加强监督引导，建立良好的教学反馈机制，唯有如此，学生参与美术活动的情感、态度、和价值观才会有积极的反映，合作学习才能发挥对美术活动的促进作用。 二、课堂动态生成不能随机指导 教师设置问题：“看完这幅作品，你还能有更奇妙的想法吗？” 学生相应现象：教师话音刚落，学生纷纷举手发言，各种奇思妙想如泉而涌，教师连声夸奖，对学生的设想不深究，听之任之。 学生的回答精彩而丰富，教师能不能多一些点睛之笔呢？ 仔细品评，不难发现，这一问题的提出，旨在激发学生的想象力，培养学生的创新精神，学生的回答呈现了不同层次、角度的思维水平，为美术活动的进一步开展起了推动作用，但是教师往往缺乏有针对性的语言表达对学生的思维点拨，缺乏点睛之笔，给人的感觉如蜻蜓点水，抓不住挖掘和进一步引导的切入点。 学生想象力稍加激发，美术表现活动立即开展合适吗？ 这种提问虽然激发了学生的想象力，从一定程度上培养了学生的创新精神，但是实际上并没有成为挖掘的绝佳途径，下一环节的教学并没有紧跟而上，往往思维引导戛然而止，教师急切地让学生进行美术表现活动，完成学生从语言到美术作品的转化，教学环节之间缺乏自然和合理的衔接过渡。 对此，教师应当对学生回答的内容进行恰当的处理，并抓住学生创新思维的闪光点，深入激发，使学生的形象能力既具有发散性又能体现出完整性和集中性，从而形成更为鲜明的思维图像，促进学生的美术表现欲望达到一定高度，从而有力地避免学生“奇思妙想一箩筐，动起手来全丢光”的局面，同时，每一个教学环节的设计应有机地结合，节奏有快有慢、有收有放，充分调动学生的学习兴趣，在美术活动中释放自己的情感，避免不必要的教学资源的浪费。 三、课堂活动安排不当 教师布置活动“你想用什么材料表现就用什么材料表现，你想用什么方法表现就用什么方法表现。” 学生相应现象：教师在美术课堂设置了“学习超市”，学生经过一番热烈的讨论，为了实现统一教学目标，或用绘画方式，或用剪贴方式，或用撕纸方式等等，最后教师根据多数学生的选择实施教学。 这种“学习超市”式的教学方式在新课程美术教材中可以随意采用吗？ 表面上看，教师请学生选择自己喜欢的表现方式和媒材参与美术活动，十分尊重学生的主体性，但却违背了教育要面向全体学生的基本原则。新教材中对美术活动按照学习活动方式划分为“造型。表现”、“设计。应用”、“欣赏。评述”、“综合。探索”四个领域，在教材内容的安排上各有侧重点，形式和内容形成一种相互关联、相互依存融为一体的教学体系，过分放手实施“学习超市”式教学，势必造成学生在美术知识结构体系形成上时间和空间的错位于重复。 因此，要体现自主性，重要的不是形式上的主体性，而是教师观念、内心深处的主体意识；在教学过程中凡事都有适用性，对学生提出的各种意见和设想，教师必须依据教学目标进行筛选。 总之，课改大潮纷繁复杂，教学方式精彩纷呈。如果教师盲目追求时尚，好大喜功，难免走入误区。一线美术教师面对新的教学理念，唯有吸取精髓，努力实践，才能真正实施新课程，提高美术教学质量。 小学美术课改论文:试论新课改下小学美术课堂的教学方法 摘 要：小学美术新课程标准打破了传统美术教学的知识框架，从全新的角度，以全新的理念指导美术教学。在“面向全体学生，以学生的发展为本”新理念的指导下，为充分发挥美术的教育功能，发挥美术教育特有的魅力，改变当前美术课教学的薄弱势头。在美术教学中，经常创设与教学内容相关的“评”的机会，让学生乐于参与、善于交流，儿童的童心就会不自觉地流露出来，学生的学习兴趣就会提高。 关键词：新课程；教学方法；美术；课堂教学 美术是小学教学的重要内容之一，有助于学生学习兴趣和动手能力的提高，并且还可以培养和发展小学生的想象与幻想能力。但在实际操作的过程中依然存在一定的食物与缺陷，因此很难实现新课程改革对学校美术教学的教学目标与要求，因此在某种程度上造成了严重的资源浪费。小学美术新课程标准打破了传统美术教学的知识框架，从全新的角度，以全新的理念指导美术教学。我们适逢美术新课改时期，应该如何选择适合自己的新的教学方法，怎样走出过去美术教学的传统模式，如何彻底改变美术及美术教育观念？本文当中，我就在新课程标准下如何组织美术课堂的教学作一些粗浅之叙，以作借鉴。 一、传统观念影响下的美术教学存在的问题和不足 以往的美术教学中，学校普遍重视不够，美术课地位被弱化，成为学校开展素质教育的装饰品，远未发挥其在素质教育中的基础性作用；其次，教师侧重对理论知识的传授，一般多用讲授法，主要以教师的讲解、学生练习、巩固为主，重技法轻素养，美术课就是教会学生一定的绘画等美术技能，提高学生的造型表现能力，这些都是偏颇的认识。新课程的实施不得不改变一些已有的教学方法，不是说这些方法不好，只不过适应不了这个前进的社会。于是把原先的一些较好的教学方法保留下来，但必须补充新鲜的“血液”。一些先进的教学方法和教学理念，要引入到我们的美术课堂教学中。旧的教学方法中好的部分要继续发扬，不好的要放弃，新旧观念相互融合，为提高美术的教学质量而服务。 二、新课改下美术课教学应采取的措施和思路 在“面向全体学生，以学生的发展为本”新理念的指导下，为充分发挥美术的教育功能，发挥美术教育特有的魅力，改变当前美术课教学的薄弱势头，我对美术教学所采用的策略提出以下几点。 1、作为教师，要明确自己在教学过程中所扮演什么样的角色 教师是教学过程中的组织者，启发者和引导者.教师的引导作用的性质决定教学过程的思想方向和美术过程，决定着教学质量.教师通过引导学生的观察来引发学生的思考，解决教师所提出的问题。例如，学生到书店调查书籍封面设计时，教师提前要给学生布置调查任务。例如，书籍封面设计图案与书的内容有没有关系；书籍封面设计元素都有那些；书籍价格与什么有关等内容。这样学生在调查时就有的放矢，不是盲目的去书店走马观花的看一看，即浪费时间，又没有实效。 2、正确对待学生的差异 在适当的时间以适当的方式对其进行有针对性的帮助，体现因材施教的原则。比如，有的学生临摹作品的能力强，可以画得惟妙惟肖；有的学生可以把故事画得很生动；还有的同学想象力丰富，对于人物造型设计能力强.所以，在安排学习任务及各项教学环节中，要尽量考虑学生的差异，分别让不同的学生都有机会在各自特长的方面表现其领先的优势，让他们有机会“露一手”，并给予积极的评价，以使他们树立起自信心。如在教学漫画中让学生有 4个作业选择，分别是：（1）选择自己最喜欢的卡通画并且临摹一张。（2）根据生活中的趣事画一张漫画；（3）为喜爱的卡通动物或者人物设计一个完整的故事。（4）为理想中的自己画一张漫画；学生不用再为一道不愿做的作业烦心，他们可以自由选择难度大还是难度小的作业，心情肯定愉快而又轻松。 三、合理的应用多媒体。 随着多媒体教学的普及，现代媒体教学融入课堂已成为必然。运用立体的，动态的、连续的、全面的表示方法反映美术教学过程，多媒体教育已越发显得重要。它通过利用现代媒体的形、声、色并茂，表现手法丰富多样，富于变化的优越性，达到优化教学过程，提高教学质量的目的。多媒体教育中，运用课件教学不失为一个非常有效的教学手段。把学生设计的简单卡通形象，通过媒体手段让它简单的动起来，想一想看这是多么有趣的一件事，学生能不高兴么。有的老师可能说没时间，一课就两三课时，哪有时间能完成，其实课与课之间都有它的内在联系。例如用卡通的形式表现同学故事，给自己的卡通作品设计一个标志，这就不把三课的内容联在一起了吗？ 四、注重多元评价，提高课堂教学的有效性。 随着新课程改革的深入，新的教学评价改变了以往只重结果不重过程，只重教师不重学生的教育观念。我们可以采用师生互评，生生互评等多元的评价手段。这样有助于学生自主意识的培养。学生自评和互评是学习评价的一个重要组成内容。把评价学生的权力由教师转向学生，学生由被动评价者转向主动参与者，从而调动学生学习的积极性和主动性。 在美术教学中，经常创设与教学内容相关的“评”的机会，让学生乐于参与、善于交流，儿童的童心就会不自觉地流露出来，学生的学习兴趣就会提高。同时在评的过程中，教师要尊重他们的评定，给予他们充分的肯定，学生对自己才会充满自信，对以后的美术兴趣才会日益提高。 总之，美术新课程标准是否能够顺利实施，还在于美术教师是否能领会它的精神并运用到我们的教学中。作为新时期的美术教育工作者，我们应该更加主动地学习、探索、实践，走出过去美术教学的传统模式，展示全新的自我。让每一堂美术课都有精彩的体现，激励、唤醒每一个学生潜在的能力，让他们在学习中找到乐趣，在学习中成长。 小学美术课改论文:新课改背景下的小学美术课堂教学 新基础教育理念要求美术课堂焕发师生的生命活力，如何使学生在课堂上兴趣盎然，通过美术教学活动唤醒他们对生活的感受，引导他们用基础的艺术形式表现内心的情感，陶冶情操，提高审美能力，达到认识、操作、情感、创造的整合，值得每一位美术教师研究与探索。 新课改的小学美术教育具有如下特征：（1）美术学习不再是一种单纯的技能、技巧训练，而是一种文化学习，更注重人文素养与美术素养，因为在整个人类社会历史中，美术本来就是一种重要的文化行为，是在情感、思想的表达交流中产生、发展的；（2）小学美术教育不同于专业美术教育，它为发展学生整体素质服务：以学生发展为本，注重培养发展学生审美能力、感知能力、想象能力、形象思维能力和创造能力等方面；注重学生的个性发展和全面发展。 新课程标准指出：美术教育在小学阶段主要是引导学生参与各种美术活动，尝试各种工具和制作过程，丰富视觉、触觉和审美经验，体验美术活动的乐趣。在教学时，不再拘泥于教材规定的题材作为教学内容，题材的形式界限模糊，形式的表现留给学生自由的空间。在题材、形式表现上营造宽松的氛围，能促进学生乐于参与美术活动。强调培养学生学习兴趣，强调学生自主探究学习、合作互动学习。强调情感体验，注重学习的过程，跨学科学习。通过美术实践活动提高学生的整体素质，最终使学生学会学习，学会做人，终身受益。 在这种教育要求下，美术教师在教学中要重新定位自己的角色，教师不再是知识的传授者，而是学生学习的促进者、合作者、辅助者，以学习者的平等心态参与到学生的自主学习活动中。 那么，新时期的美术教学，要通过哪些教法、学法来发展学生审美、感知、想象、表现、创新的各项能力呢？ 一 营造宽松、自由的美术学习环境 宽松自由的环境是创新潜能得以开发的基本条件，在宽松环境里，学生才敢于自由想象、标新立异，使个性获得发展。要善于启发激励学生以自己的方式去发现和理解，必要的时候，让学生走出座位、走出教室。因此，要营造一个良好的课堂氛围，符合学生的生理和心理发展特点，容纳学生的不同个性。 二 创设引人入胜的美术教学情境 兴趣是学生学习的巨大推动力，只有学生对学习产生浓厚兴趣，积极参与，才能获得良好的学习效果。因此，课堂上需要教师充分发挥美术学科特有的魅力，以种种途径创设引人入胜的教学情境，使学习内容与学生的认知相适应，激发学生的学习兴趣，并转化成持久的情感态度，把学生带入学习乐园。教学中要为学生多创设富有文化气息能激发想象、创造的情境。 三 培养学生自主探究与合作互动式学习 自主探究学习是建立在学生具有学习的潜力，学会尝试，并获得成功和尊重学生个性，促进全面发展的理念上的。这种学习方式让学生凭借自身的感受、观察、体验、思考、判断、发现、讨论、搜集、尝试、反思等活动完成学习目标。如在《泥巴真听话》教学中，让学生在体验的过程中总结出“泥巴怎样才能听话”这一知识与技能目标的目的，让学生在玩的过程中体会。 合作互动学习是学生在主动探究学习过程中进行合作，分工交流、互相促进完成学习任务的学习方式。它体现了民主精神和团队精神，如在一年级《大家一起画》教学中，根据实际情况，采用的表现方式是在一起画画，学生自愿结组，各自分工，自由创作。分工的过程是培养学生合作精神的过程，比赛的过程就是培养学生竞争意识的过程。 四 积极评价，促进美术教育发展 1.重视学生的自评、互评 传统美术课程评价，片面强调选拔功能，对少数美术特长生以技能评价为唯一标准，轻视大量普通学生，只重视结果评价，不重过程评价，“义务教育阶段的美术教育应努力体现义务教育的基本特征，保证每个学生接受美术教育的权利。”这就决定了每个学生都必须参与美术学习活动，教师要积极关注学生的发展需求，想方设法促进不同基础的学生有所进步。教学方式要灵活多变，用发展的眼光看待学生，进行鼓励和引导，使每个学生的个性得到张扬。互评是同学间的相互评价，可以在同桌间、小组间或全班之间，以学生自身的眼光来评判他们自己的学习表现和创造成果，促进人人参与，提高学习效率。 2.多元化的激励评价 积极的评价会激起学生对探究成功的喜悦，使学生产生学习冲动，增强信心，以更好的状态投入到下一次的探究和创造中，教师对学生的评价应着眼于促进学生的发展，评价应全面化和个性化。从各个角度去评价学生，积极挖掘学生的闪光点，不但评价学习结果，更要注重评价学习过程；要肯定学生身上的与众不同，保护学生的创造成果，促进学生的全面发展。 综上所述，新课改背景下的美术教育为我们创造了新的机遇，在这一进程中，作为一名美术教师，无论在美术教学方面，还是在精神和人格上都得到了新的升华。 小学美术课改论文:浅谈新课改下的小学美术课堂教学经验 每位课改教师都能深刻体会到：高效的教学是始终牢固建立在教学双方高度认同基础之上的，这种认同包涵有四个方面的内容：学生对所学科目的认同，学生对执教老师的认同、教师对学生的认同、教师对科目的认同。当学生不以为所学科目能够给自己带来所希望得到的某种知识或能力的增长与乐趣时，便缺乏对科目的认同，因而会出现不断地讲小话、做其他学科作业、甚至出现一些毫无道理的刁难或藐视等现象。故而，要想达到教学效果，教师在备课的每一个细节上，都应注意掌握好教学的重点和难点，以及采用的教学手段与方法应多样化，包括多媒体的应用。 1新课堂教学重视运用多媒体 要让学生更深刻地体会到美术欣赏教学可能在短期内带来知识与能力的增长，我们所看到的教科书中的范例，包括与之配套的灯片，由于画面太小，或因时间的关系，有些范例太陈旧、落后，没有达到真正的美感和欣赏的效果；如果有效地运用多媒体，如通过扫描仪，把一些与时代接近的图片显示给学生欣赏，教师进行讲解和诱导，使学生视觉上耳目一新，思维上有一个美好的、能够各自发挥的想象空间，那么，美术欣赏教学课的目的就能真正落到实处。 在美术课教学中，教师事先总要做大量的示范作业，有时时间和精力又不允许。有了扫描仪，这个难题就好解决了。如学生在学习国画课时，我们可以找来一些名画让学生欣赏，如六年级的美术课有画梅、兰、竹、菊“四君子”，我们可以找到大量的图片，通过CAI演示，让学生欣赏。体会、感受，从而再进行临摹、训练。这样的作业才多姿多彩，不拘一格。在低年级教学中，如一些色彩教学，我们可以播放一些儿童喜欢的动画画面，增强色感，指导配色学习。在想象画教学中，启发和引导学生的想象非常重要，我们可以播放一些动画片来引导。如二年级的想象画吹泡泡，可以播放动画片《小飞象》片断，儿童既高兴又启发了想象，整堂课至始至终都有趣味。这样的课，小朋友自然爱上，而重点、难点又在欣赏中解决了。 创作一件完美的美术作品，总是要经过反复修改，修改就需要教师及时指导。学生作品中的问题往往具有共性，所以当部分学生初稿出来后，先选取几张具有代表性问题的作品，用投影仪展示出来。这时，可以同时引导学生及时发现问题，找出修改的方法，并同时将学生作品中各自的优点都一一予以展示、讲解；学生相互之间也就能取长补短。继而各自修改和完善自己的作品。作品完成后，希望把自己的作品展示给大家，享受成功的喜悦；学生也可以展示。 美术教学中，手工课所占比重也很大。以往，我们示范作业时，教师边讲边示教，但终因空间狭窄、视野遮挡、前后不连贯等原因，很多学生无法清楚而完整地看到整个演示过程，因而有一部分学生不会做或不想做。但我们如果运用实物投影仪，这个问题也就迎刃而解。学生通过画面，能清楚地看到教师整个演示过程；同时，优秀学生也可以上台尝试作业或演练，或将作品通过投影仪进行展览，并让学生自己讲解、自我评价，充分发挥学生的主观积极性和能动性，充分挖掘学生的潜能，使手工课真正成为学生自己动手作业的课。在教师的引导下，让学生尽可能有展示自己才能的机会，以期提高和扩大手工课的教学效果 2使用幻灯技术视觉形象来感知和认识 根据心理学的有关理论，人的兴趣首先产生于新奇事物和它独特形式的刺激。我们在大谈现代多媒体手段的同时，幻灯机也是必不可少的一种教学工具，特别是常规教学中美术教师运用最多；它具有体积小、资金少等特点，一般边远地区的教师也能掌握。而合理地运用，也会相得溢彰。例如，小小的剪纸课教学，教师剪完作品后，平着展示给学生，和放于幻灯机或投影仪上放大，二者的效果就不一样。在上三年级剪纸花边一课中，我把作品通过投影仪，产生的黑白对比效果给学生一种新奇感，放大后的例图格外突出，纹样清晰可见，教师也可以由一个单元至多个单元的组成即花边的形成。教师可根据图形指导学生欣赏，也可用单独例样并由此而设计的花边进行对比讲解，诱导学生的创作欲望。 在分析表现形式与手法时，通过投影仪，我们可以指导学生认识什么是外形。在四年级二期的美术教学中，有一节画人物动态的课，教学中第一步骤是先画外形。学生如果站在投影仪前，通过灯光打在屏幕上的影子，并讲解影子亦即外形，学生便可以一目了然，很直观。二年级的《影子现象画》一课也可运用这个方法。如剪、撕动物，先撕外形等示范，我们都可通过幻灯机来达到好的效果。 在教学中，我们常常提到提高学生的创造性思维，笔者认为创造性思维即对已有的知识经验进行不同的方向、不同程度的再组合、再创造，从而获得新颖、独特有价值的新观念、新知识、新方法等创造性成果。而作为教师应提供学生创造动机和外在启示。就要求教师熟练运用各种媒体和物体以及语言，给学生提供广阔的想象空间。但是电化教学作为一种先进的教学手段，必须在教学中应用得法，才能收到良好的效果，而不至于牵强附会。把电化教学引入课堂，集中了学生的注意力，提高了学生的美术鉴赏能力，激发了学生的创作情感，这才是教学的最终目的。 小学美术课改论文:新课改下小学美术课堂教学反思 【摘 要】 叶澜教授说：“一个教师写一辈子教案难以成为名师，但如果写三年反思则有可能成为名师。”新课改倡导的美术教学，既要重视学生对艺术的感受、表现和创造力的培养，还要注重美术更多地与文化、历史、生活相联系，创建多维互动的有利于学生自主学习的教学组织形式，让学生在宽松的氛围中感受美，让学生在活动中学、在玩中学，让学生围绕目标自主选择内容、材料和方法，让学生在知识探索的过程中发现规律。我在教学中，努力用新的理念来进行反思，收到了较好的效果。 【关键词】 教学反思学习兴趣学习方式创造能力 教学反思主要是指教师以自己的教学活动过程为思考对象，对自己所做出的某种教学行为、决策以及由此所产生的结果进行审视和分析的活动，是一种通过提高教师自我觉察水平来促进教学监控能力发展，提升教师专业素质的重要手段和途径。 当前“教学反思”已成为教育界使用率颇高的时髦词汇，几乎成了老师必谈之话题，写案例必写之内容。如此铺天盖地盛行的反思之风，固然有其存在的必然性和合理性，但若静心分析一下则不难发现，现在老师们所进行的教学反思存在着不少问题和误区，尽管教学反思本身没有错，但过度的反思，为了反思的反思，形式化，模式化，套话连篇等现象则需要我们予以高度的关注和深入的思考。特别是不少教师把反思的着眼点多集中在教学的内容、教学的方式方法、教学的组织形式、教学的效果等“教师怎么样教”这一层面，对“学生的学”进行反思的并不多见。 新课改以来，改变了学生以往被动的局面，主张课堂上“以学生为主，教师为辅”的理念。教师的教最终应以学生的学习发展为宗旨和归宿，忽视对学生的分析和思考也就放逐了反思的意义和价值。而且教学作为一种动态的活动过程，其实质是以课程为中介，教师和学生相互作用或交往的共同发展的过程，在其中“教”与“学”本身是统一的，是相辅相成，缺一不可的有机的整体。所以进行教学反思时，应该包括“教师的教”和“学生的学”两大方面的内容。因此说：有志于教学反思的老师们，除了反思自身的教学能力外，还应该多为学生考虑，从学生的角度进行反思自己的教学。 那么，如何从学生的角度进行反思呢？经过教学实践，我们可以考虑学生的生理和心理，从学生的学习兴趣、学习方式和创造能力方面进行反思。 一、学生的学习兴趣的培养 俗话说得好：“兴趣是最大的动力，是成功的一半。”只有学生对美术感兴趣，才能主动去吸收美术知识和技能，并更多地接触优秀的美术作品和生活中美好的事物。兴趣也是信心的推动力，对美术兴趣盎然的儿童，总是信心十足敢于大胆表现，他们思想活跃，经常表现出高度的创造欲望和热情。在教学中，教师可以采取多种方法，让学生去感受事物并对事物产生充分的联想，从而激发学生的学习兴趣，激发他们的表现欲望，充分发挥想象力和创造力。 儿童的好奇心强，好动，他们喜欢各种各样富于乐趣的“游戏活动”，可以说喜爱游戏是儿童的天性，儿童的生活是游戏的生活，儿童的世界是游戏的世界。因此，在平时的美术活动中，寓教于乐，常常采用游戏教学法，例如猜谜语、脑筋急转弯、贴五官等游戏，激发孩子的学习兴趣，学生不受任何条条框框的约束，心情舒畅地即兴作画，对培养孩子丰富的想象力，张扬学生的个性，挖掘内在的潜力，具有很大的帮助。 二、学生的学习方式的改变 传统美术教学只重视专业知识与技能的传授，把学习仅仅局限在书本上，脱离学生的日常生活实际，在这种学习观念下，不仅很难培养出学生的创造精神，而且会泯灭学生学习的兴趣，最终影响学生的发展。新课改，改变了以往单一、被动的学习方式，学生可以自己去发现问题、分析问题。学生不再是“接受器”，被动的接受知识。通常以这种“探究”、“体验”、“合作”等学习方式来代替这种“接受式”的学习方式。 “探究式”是当今最热门的学习方式之一。苏霍姆林斯基曾说过：“在人的心灵深处都有一种根深蒂固的需要，这就是希望自己是一个发现者、研究者、探究者。而在儿童的精神世界中，这种需要特别强烈。”因此在反思教学中要重视从学生的探究式学习方式上考虑，培养学生自主学习的能力，训练学生发现问题、解决问题的能力。 法国著名艺术家罗丹有一句名言：“自然总是美的”。带领孩子们走出教室，看看各式各样的草儿、美丽的花儿，摸摸树皮上斑驳陆离的花纹，观察小动物们的行走姿态，倾听鸟儿婉转动听的声音……将孩子放归大自然，让孩子们自己发现问题、解决问题，借助大自然的力量来启发孩子的想象力，这样孩子的兴趣就会被激活，想象也就随之迸发。 三、学生的创新能力的培养 爱因斯坦说：“想象力比知识更重要。”情感是创造的灵魂，兴趣是创造的先导，想象是创造的核心。没有想象，就不会有创造。黑格尔在他的美学中也指出：“最杰出的艺术本身就是想象。”那么，在美术教学中，就是要给孩子创造一种利于他们思考和探究的良好氛围，让他们的丰富想象力在绘画天地自由驰骋。 听过一句耐人寻味的话，“我们留下一个什么样的世界给子孙后代，在很大程度上取决于我们给世界留下什么样的子孙后代。”从这句话中我们可以体会到“创新教育”的重要性。现在的学生正是未来的创造者，他们的创新能力将影响着一个民族能否自立于世界之林，能否位于科学技术的制高点。而这一切又深深依赖于一个国家和民族创新教育能否得到胜利实施。 童年是充满幻想的时代，好奇和幻想是儿童思维的特征，也是儿童心灵纯洁天真的表现，他们可以“异想天开”：弯弯的月亮挂在天上，孩子可以幻想在月亮挂秋千摇荡；蝴蝶纷飞扑向孩子身上，说明我比花儿更美；不同国家的儿童可以在纸筒互相“打电话”……在成人看来似乎“荒诞不经”，对儿童来说，正是奥妙所在，因此，要指导儿童画，首先要尊重儿童神奇的幻想，挖掘这审美的奥妙，进行一些能引起学生联想、发挥想象的创造活动，让学生展开想象的翅膀。 作为一名美术教师，以上都是我要努力去做。为我成为一名出色的教师打基础。新课改倡导的美术教学，即要重视学生对艺术的感受，表现和创造力培养还要注重美术更多地与文化历史，相联系，创造有利于学生自主学习的教学组织形式，让学生在自主学习的教学组织形式，让学生在宽松的氛围中感受美，我在教学中努力用新的理念来组织教学，收到较好的效果。 小学美术课改论文:农村小学美术课改十年后的思考 摘要：我国的基础教育课程改革已过十年，随着新课程改革的不断推进，美术教育迎来了新的发展机遇，城市的美术课程改革已取得一定的成效，而农村的美术教育现状却令人担忧。本文主要分析了制约农村小学美术课程改革的原因，另外笔者还对目前的农村小学美术课改的现状进行思考，为新课改探索道路，提倡挖掘农村美术教学资源，开展农村特色化的美术教学。 关键词：农村小学 美术教育 课程改革 课程资源 随着时代的发展，人类文明的进步，科技的迅猛腾飞，中国人物质上发生了翻天覆地的变化，在物质富足的同时，我们的教育文化也在不断地变化。笔者自2000年8月参加工作至今，作为农村一线美术教师，亲身经历了农村小学美术十年课改之路，在农村虽然也有很多优秀的美术教师积极实践新课改，但受种种原因的影响，无法进行深入研究和实践，使学校、教师和学生的发展都受到制约。 1 制约农村小学美术课程改革的原因 1.1农村小学的学校领导不够重视美术教育 调查表明，一个有二十多个教学班的农村小学校，往往只有一两名美术专业院校毕业的美术教师，农村小学由于师资力量的缺乏，学校的领导又不够重视农村美术教师的专业发展和农村小学生的全面发展，部分学校会安排这些美术专业的教师担任语、数、英学科的教学任务。一所农村小学的美术专业教师毕竟很少，其余大部分班级的美术课都是由语、数、英教师兼任的，他们毕竟不是美术专业教师，不懂美术教学，除了让学生临摹美术课本上的图画几幅画来完成作业外，大部分的美术课时间也就成了作业课。长此以往，不仅会造成学生厌学，学生也不能全面发展。 1.2农村小学的学生家长不够重视美术教育 当今的中国经济飞速发展，给农村剩余劳动力带来机遇，农民不再以种地为主要经济来源，很多孩子的父母都选择外出打工，这些“留守儿童”就由年迈的爷爷奶奶照顾，爷爷奶奶往往教育观念陈旧落后。现在的美术课要求孩子准备的比较多，如铅画纸、卡纸、水彩笔、油画棒等等，有些家长怕花钱，买些劣质画材给孩子用；还有的家长干脆不给孩子买材料，他们认为上美术课没有什么用，学好语、数、英比什么都强。他们不知道有可能埋没孩子的艺术天赋。美术教育要想很好地发展，光靠学校和教师是不够的。家长思想观念的转变是很重要的，家长不支持，学生的美术学习效果也会差强人意。 1.3农村小学美术教师的专业发展滞后 目前，农村小学的美术教育不被重视是个不争的事实，相对于城市学校的美术教师，农村小学美术教师的专业发展也是滞后的。农村地处偏僻，老师外出学习机会少，身边又缺乏研讨交流的对象，业务能力长期停滞不前。在当前的教育形式下，现在很多农村小学的美术教师因为整天忙于钻研教材、备课、上课、反思、批改作业、布置橱窗、出板报，很少有时间去进行美术专业知识的更新，学习，参加工作后还进行美术创作的教师是少之又少了，这些都极大地影响美术教师专业技能的提高。长此以往，美术专业教师也会变得不够专业了。有部分农村美术专业教师每天面对繁重的主科教学而长时间不去钻研美术教学，于是干脆直接改行当主科教师，确保能在学校占有一席之地。这样对待自己的专业，我们的专业技能还能得到提高吗？我们的农村小学美术教育还能适应新课改吗？ 2 促进农村小学美术课程改革的策略 以上这些制约农村小学美术新课程改革的因素也必然会制约着学校、教师和学生的发展，作为一位有责任心的农村小学美术教师，必须在工作的同时不断反思、不断总结、想方设法探索出适合农村学校美术教学的道路。 2.1努力提高学校美术教学资源使用的有效性 美术教育的发展既离不开充足的教学资源，也离不开教学资源的有效使用。许多农村小学有美术专业的教师不专用，造成人才资源的浪费；学校的一些美术教辅资料躺在图书室里无人问津，学校的美术室常常闲置，购置的美术器材许多非专业美术教师不会使用，造成物质资源的浪费。因此，深化农村小学美术课程改革，必须杜绝教学资源的浪费，努力提高教学资源使用的有效性。 2.2挖掘农村美术教学资源，开展农村特色化美术教学 爱美之心人皆有之，农村的孩子也是喜欢上美术课的。新课标强调美术课程资源的开发和利用，作为农村小学美术教师应该充分利用农村乡土教学资源丰富的优势。 2.3挖掘农村美术教学资源 农村是个广阔的天地，有许多丰富多彩的美术课程资源，田野、房屋、树木、小河，一年四季，风景各异，这些都是学生绘画的好题材。我们应该积极引导学生观察自己身边的事物，在熟悉的家乡寻找美，在取材中欣赏美，在绘画中创造美。农村小学美术教师应当大胆地对原有教材进行增、改，补充一些农村特有的教学资源，引导学生把美术学习与生活相联系，表现生活、美化生活。 2.4开展农村特色化美术教学 新课标指出，在教学过程中，应引导学生主尝试不同的材料，探索各种造型方法。农村学校具有城市学校所没有的优势，那就是拥有丰富的自然资源，只要有一双发现美的眼睛，你会发现诸如家禽羽毛、树叶、农作物秸秆、泥土、农副产品等都是进行手工制作的好材料。结合农村当地资源，可以设计出如《树叶拼贴》、《有趣的编织》、《萝卜雕刻》、《捏泥人》、《颗粒粘贴画》、《根艺造型》等美术课。因此，我们应该充分开发和利用农村的资源优势，开展农村特色化美术教学活动，这样，不仅能使农村小学美术教学活动充满活力，更重要的是孩子们热爱美术了，欣赏美、感受美、创造美的能力大大提高了。 综上所述，农村小学美术教师要坚守自己的信念：不求名利，把自己所学奉献给学生，以实现自己的价值，在实现自我价值中得到快乐。相信只要我们奋战在农村一线的美术教师们共同努力，一定能尽快缩小城乡差距，开辟农村小学美术课程改革的新局面。 小学美术课改论文:在新课改后怎样上好小学美术课 从天性来说，孩子生来就是探索者，有着强烈的探究和学习欲望，好奇心驱使他一次又一次地尝试，不怕困难、不怕失败，直到掌握为止。正像孩子学走路，绝不因畏惧摔跤而放弃。这比很多成年人面对困难时的态度要强得多。孩子往往喜欢自己动手做事，在做的过程中寻找答案，并把新的信息储藏在大脑中。这些信息储存得越多，他将来的智力水平就会越高、学习新的技能就会越快。家长如果没有充分利用孩子喜欢探索的特点，在他玩耍时限制过多，那么孩子就不会从游戏中得到足够的刺激，从而丧失学习的兴趣，做事会变得没有耐心，注意力不集中，容易烦躁。 玩耍是孩子的天性，也是孩子真正的学习过程。孩子通过玩耍全身心体验式的去认识环境、探索环境并学习自我创新。他们的玩耍看似随意，其实在不经意中获得了信息、发展了智力、开启了思维。当然孩子的思维是单项的，而正是靠了众多的单项思维，使其不断地丰富认识，积累经验，产生智慧。 美国哈佛大学心理学家霍华德·加德纳认为，人的大脑有7个“小区”，分别控制着语言运用智能、数学运算智能、音乐智能、空间直观智能、身体活动智能、个人控制感情和体察他人情绪的智能。各种智能既能独立地发挥作用，又能相互协作，对客观世界形成一个统一的看法。这就是有名的多元智能理论。其中前两种智能因素被普遍关注，而其他智能因素开发却被忽视了。 我们的教育目的是培养主动而全面发展的具有创新精神的、能适应未来社会发展的、具有完善人格的人。儿童绘画教学作为艺术教育的有机组成部分，既是素质教育的内容，也是实施素质教育的重要手段。中国的儿童美术教育从70年代末起步，发展到今天已将近20年。现代化带来的经济繁荣和举国上下重视教　育的风气，以及我国的独生子女政策，使这项事业得到蓬勃迅猛的发展。如今，全国接受业余、专业等各种形　式的美术教育的少年儿童要以千万计，各种美术培训班、学校应运而生。然而，由于儿童美术教育理论研究的　相对落后和从事儿童美术教育的教师的素质不够高，儿童美术教育中存在着普遍性的偏差和误导，儿童美术模　式化、成人化、需同化的倾向相当严重。 目前，儿童美术教育中有三种教学模式比较流行。第一种是“简笔画”教学法。一些教师以简笔画教材为　范本，将造型、构图、色彩等定型化、模式化，儿童作画成了被动的临摹和定型的公式组合。儿童的作品犹如　一个模子倒出来的，画娃娃则大都大大的眼睛，小小的嘴巴，房子则三角形加长方形。固定的造型，规定的色　彩，千人一面，毫无生气和创造性。 第二种是“反复训练式”教学法。教师擅长于某一画种，如水墨山水，或水墨花鸟画。所教的弟子则反复　训练这一技法，以致于到了非常熟练的程度。培养了一批和这位教师一样风格的小画家，或是能画出“徐悲鸿　的马”“齐白石的虾”的所谓“神童”。 第三种是“专业技能训练式”教学法。这些教师将专业绘画知识和技能训练作为儿童学习绘画的目的，就　是为了将来孩子考专业院校而最终成为画家。于是过早地将专业院校的课程硬搬过来对付天真活泼的孩子，机　械地让他们画静物、画石膏、画素描，去临摹成人的作品，讲一些连专业院校的学生都弄不明白的绘画规律和　高深理论，使学生感到枯燥乏味而打瞌睡。画出的作品，只是功夫扎实的课堂练习，缺少“灵气”。以上教学　法则重点都在知识技法上。 伴随新一轮的基础教育课程改革，美术课程正以全新的姿态走进校园，走进师生的生活。课程改革是教育改革的核心，面对美术新课程，美术教师应转变观念和教学行为，体现人文精神，从生活美术的视角实施美术课程，以人为本，以人的发展为本，以组织者、引导者、参与者、促进者的角色，激发学生学习美术的兴趣，使学生形成基本的美术素养，培养创新精神和解决问题的能力。反映未来社会需要和时代特征，面向全体学生，以学生发展为本，激发学生学习美术的兴趣，培养学生的人文精神和审美能力，形成基本的美术素养，完善人格，使学生富于创新精神，具备解决问题的能力，以适应素质教育的要求，是美术新课程的特点。面对更为人文化、更生活化的新课程，作为一位美术教师，应该做到充分发挥美术课程的功能，体现美术课程的价值。教育家第斯多惠在教师规则中明确指出：“教学的艺术，不在于传授的本领，而在于激励、唤醒。没有兴奋的情绪怎么激励人？没有主动性怎么能唤醒沉睡的人？” 1增强学生的自主意识 无论什么课程，在教学过程当中，都要在培养学生自主学习的能力上，充分意识并做到：教师是外因，要通过学生这个内因才能起作用。教师要想方设法让学生自己主动地学，才能收到良好的效果。而仅仅教师有“学生是主体”的认识是远远不够的。教师要加强教育，让学生真正意识到“自己是主体”，是学习的主人，让学生乐学、爱学，变“要我学”为“我要学”。小孩子刚入学，教师就可以让学生明白：学习是自己的事。应该怎样听课、复习和作业，怎样思考、发言和讨论，要逐步地培养他们学习的独立性、自主性。随着孩子们年龄的不断增大，教师可以以各种不同的方式让学生明白：自己还要做什么，还可以做什么，还有什么也是自己的事。这样，学生就能不断增强自己学习和生活的独立性。新时期教学改革强调发展学生的综合素质，强调学会学习。自主学习是建立在学生具有学习的潜力，学习的要求，尊重学生个性、促进全面发展的理念上的。自主探究学习的基本操作是这样的：创设情境――确立目标――感受发现――尝试验证――评价反思――大胆表现。这种学习方式需要教师充分相信学生，大胆放手。让学生凭借自身的感受、观察、体验、思考、判断、发现、讨论、搜集、尝试、反思等活动完成学习目标。 2　创设情景，激发学习兴趣 创造是人们的基本潜能，而身心自由是创新潜能得以开发的基本条件。只有在宽松愉悦的环境里，学生才敢于自由想象、标新立异和创新，使个性获得发展，因此，课堂上需要老师去营造一个民主平等的、利于师生情感交流的、比较宽容的学习环境。教师要善于启发、激励学生以自己的方式去发现和理解对事物的认识。不要干扰和限制学生个性化的知觉方式和创造方式。教师应适应学生的情感、态度，允许学生比较自由地参与，与学生分享这种情感和体验。课堂需要纪律，但课堂纪律必须要有助于营造一个良好的课堂氛围，要符合儿童的生理和心理发展特点，能容纳儿童的不同个性，创设有利于学生个性思维发展的教学氛围。传统学科教师经常开玩笑说你们美术课程比较好教学啊，孩子们都喜欢上。那么从这点上可以看出，美术课程是可以而且相对容易提高学生学习兴趣的。而且美术教学在小学阶段的主要目的是让学生掌握基本的美术知识和技能，培养学生欣赏美、创造美的能力。所以说在美术教学阶段，激发孩子们的学习兴趣至关重要。 伟大的科学家爱因斯坦说过：“兴趣是最好的老师。”这就是说一个人一旦对某事物有了浓厚的兴趣，就会主动去求知、去探索、去实践，并在求知、探索、实践中产生愉快的情绪和体验，所以古今中外的教育家无不重视兴趣在智力开发中的作用。那么如何在小学美术教学中激发学生学习兴趣，这就需要我们教师在教学过程当中，注重情境教学，创设孩子们喜欢的教学情景模式，让学生愿意学，乐于学，在美术的课堂上提高对美的追求。 2.1创设富有文化气息的情境。美术是人类文化的一个重要组成部分，与社会生活的方方面面有着千丝万缕的联系，因此美术学习应视为一种文化的学习。通过美术学习，使学生认识了人的情感、态度、价值观的差异性，人类社会的丰富性，并在一种广泛的文化情境中，认识美术的特征、美术表现的多样性以及美术对社会生活的独特贡献。同时培养学生对祖国优秀美术传统的热爱，对世界多元文化的宽容和尊重。这就需要教师创设一定的文化情境，增加文化含量，使学生加深对文化和历史的认识。例如在四年级《可爱的家乡》的教学中，我先让学生花时间收集家乡楼房结构特征的信息，建立家乡有哪些不同风格的房建筑的信息平台，根据自己的喜好再去搜集房建筑的资料，然后回到课堂以记忆画的形式呈现出来。这次教学活动，不但有效地完成了一次美术技能练习，而且还使学生有了许多意外的收获，如对家乡地方文化资源有了一定的了解，并且得到了一次综合能力和社会实践能力培养和锻炼的机会。 2.2创设富有生活气息的情境。当学习活动与日常生活相联系，能为学生所熟知的日常生活增添色彩时，学习活动就会变得欢乐有趣。在一年级的《漂漂亮亮迎新年》教学中，我让学生自由结伴组合，在教室或校园的任何地方，互助学习制作饰品，为新年准备赠送同学的礼物。这节课学生的学习兴趣很高，小组里、小组间互帮互助，创造性地完成了学习任务。教学取得了意想不到的效果。学生将美术课堂上学到的本领运用到班集体的生活中，不仅增强了学生的合作、动手能力，也是学生的一次难得的审美体验。 2.3创设激发想象、创造的情境。没有想象就没有创造。给学生创造大胆想象的空间，发挥学生的创造力。教学中，教师可以在和学生谈话中设境、在欣赏中设境，让每个学生都展开想象的翅膀，在艺术的天空自由翱翔。通过在和学生交流中设境，激发学生想象，鼓励学生大胆表现，让自己的作品标新立异。在学生的习作里，令人惊喜地看到了他们的奇思妙想和创造力。 3教师对学生的作品的练习辅导 儿童美术作品是儿童独特的个性和创造性的表现。正因为儿童具有天真率直的心灵，没有拘束，尽管他们没有具备画家的技法水平，也能把自己的感受大胆地诉诸形象，创造富有特点的美术作品。儿童个性和创造性表现在美术作品中，决定了作品的面貌人人不一样。这种“不一样”的存在，要求教师对每一学生的个别辅导也“不一样”。练习过程中，教师应鼓励全体学生用独特地观察、思维、想象，大胆表现各自的独特感受。同时，应俯下身去，观察每个学生的作业效果和心态，轻声地个别交谈，给以恰当的个别辅导。这样的个别辅导，应是对学生宣泄个别独特情感的渠道的沟通，是美术课特有的提供给学生发现个性、发展个性、发挥创造才能的机会。美术课有大量的练习时间，这时教师的责任是忙于“不一样”的个别辅导，这是区别于其它学科的又一重要特点，是美术老师在课堂练习时间应承担的责任。 4在课程上要注意多元解读，尊重个性 新课程的课堂教学是动态开放变化发展的，课堂的生成首先要尊重学生的个性，尊重学生的个性理解。因为学生们生活环境和个性的不同，每个人理解事物的方式方法也不同，所以应该根据学生的个性特点，因材施教，多元解读新课程的标准，把小学美术课程上的更加多元，更加尊重学生个性特点。小学美术教学是小学各科教学的一部分，前人总结的普通教育学对小学教学基本适用，然而美术教学和语文、数学等教学之间存在着巨大的差异，美术教学有它的特殊性。在教学过程中，教师应该把握好这种特殊性。真正把美术课程上成培养学生欣赏美、创造美的能力的学生们感兴趣的课，把学生潜质发挥出来，让学生感受美的世界！ 5积极评价，促进发展 5.1学生自评互评。学生自评就是学生对自己在学习实践过程的收获和成果进行评价，向同学和老师介绍自己的学习收获，创作意图。学生互评是同学间的相互评价，可以在同桌间，小组间或全班之间，以儿童自身的眼光来评判他们自己的学习表现和创造成果，促进人人参与，提高学习效率。 5.2多元的激励评价。积极的评价会激起学生对探究成功的喜悦，使学生产生新的学习冲动，增强信心，以更好的状态投入到下一轮的探究与创造中去。教师对学生的评价应着眼于促进学生的发展，评价应是全面的和个性化的。全面的评价就是从各角度去评价学生，积极挖掘学生的闪光点，比如从学习态度出发进行评价。更注重评价学习的过程；个性化就是肯定学生身上表现出来的与众不同的方式方法，保护学生的创造成果，注重对学生个性纵向发展的评价。 陶行知先生说：“让我们解放眼睛扔掉有色眼镜，要看事实，看未来；解放头脑，撕掉精神的裹头巾，要想得通，想得远；解放嘴巴，享受言论自由，谈天，谈地，谈出真理来；解放双手，甩去无形的手套，大胆操作，向前开辟；解放空间　，把学生从文化的鸟笼里解放出来，飞向大自然，大社会去寻觅，去捕捉。”让我们用新的姿态、新的方式去引导新一代的学生对美的热爱！打造最有魅力的美术课堂 ——我对小学美术课堂教学改革的几点感悟 隋红娟 （山东省武城县武城镇中心小学 山东武城253300）美术教育是教育的一个重要组成部分，它必然遵循着教育发展的基本规律，体现其自身的职能。小学美术教育是艺术教育的重要组成部分，其目的在于通过美术知识、技能的学习在审美实践和艺术实践活动中，提高学生的美术素质，促进学生全面和谐地发展。 有一位美学家曾经说过：“有一千个读者，就有一千个哈姆雷特”。在美术教学过程中，对同一审美对象，不同的学生，不同的心境，不同的经历、学识和情感个性，就会有不同的审美意味和不同的理解。在美术教学过程中，教与学是一种双边活动。教师应当充分地发挥学生的主体作用，鼓励学生用自己独特的感受看待生活，使学生的情感与表现对象产生共鸣，让学生的审美的想象力得到自由的发展。纵观现今小学美术教学现状，根据我多年的美术教学实践，我认为小学美术课堂教学改革还应向纵深发展。以下是我对小学美术课堂教学的几点思考： 1更新观念，大胆创新，锐意改革 适当的情境可以让人由情入境，在教学过程可以让学生迅速的进入学习的最佳状态。在美术课堂教学改革中，教师应当是创设情境的主导者、调节者和控制者，教师应当通过设置一定的情境，让学生进行感知，使学生对美术课程的学习内容尽快了解，产生学习兴趣，并明确学习的目标。 我认为美术课最终还应上成“美术课”，上成艺术课，不应将美术课上成思品课，甚至语文课。美术教学的最终目的是要培养学生的审美能力、创新能力和想象能力，同时让学生对于美术的技能、技法有所了解，从而使他们学会欣赏、学会生活、热爱生活，学会从生活中发现美、创造美。 例如：在教学六年级美术《我设计的服装》一课时，为了激发学生的学习兴趣，创设良好的学习氛围，我让学生在材料方面做了充分的准备，还刻意让学生穿上自己比较喜欢的衣服。让同学们欣赏周围同学的服装，说一说你对哪位同学的衣服比较感兴趣，让学生在欣赏的过程中学习服装的创意，然后我打开大屏幕，介绍了古代服装、近代服装、现代服装、创意服装，讲解这些服装的面料、颜色、款式、历史特征。学生在感觉到不同的服装给我们带来美国感的同时，既学到了不同的服装的不同创意，也增长了知识。 学生们在老师的启发下，开始讨论怎样做一件有创意的服装。分组讨论汇报完毕。他们很快投入到紧张的制作中。剪刀、针线、锥子、绳子齐上阵，好一派繁忙的景象，孩子们都非常投入。这时教师适时地对服装设计过程中遇到的困难进行指导，而这实质上就是本课的教学重点，老师也加入其中，我把一个废旧的大红色灯笼，改制成一件漂亮的裙子。先把里面的竹条拆掉，把灯笼的上口用铁丝撑圆。灯笼的中间，只留一条竹条，为的是把裙子撑起来。再缝上吊带，用绿色的亮光纸做花边。一件漂亮的灯笼裙子做成功了。 还剩下最后五分钟了。模特们都穿上漂亮的、款式各异的、不同颜色的创意的服装准备展示。优美的乐曲声回荡在教室里。这时我也穿上漂亮的裙子，戴上了鲜艳的帽子，面带微笑自信地走上了“T”台。学生们跟在老师的后面相继出场，也走向“T”台。孩子们制作的服装有创意、滑稽而独特：蓝剑易拉罐裙子、扑克马甲、皮球挎包、报纸书法大袍、毛笔项链、塑料袋裙子、太空服、筷子裙子……同学们激情高涨，非常自信地走着优美的模特步。仿佛自己是一个真正的模特儿。 在制作的过程中，不但培养了学生的动手能力、实践能力，而且培养了他们的创新能力、审美能力，给了学生极大的发挥想象的空间，从而激发了学生学习美术的兴趣，也让每个学生都建立了自信，都觉得自己也能行。活动中教师的参与，如书写对联，不但拉近了教师与学生之间的距离，而且让学生感受到了艺术的魅力，有利于他们审美能力的提高。 2运用多种教学手段，激发学生学习的兴趣 在美术课程教学改革中探究是学生自我学习的重要方法，探究过程是一个学生自我钻研熟悉教材的过程。在此过程中教师的作用是举足轻重的。教师要精心设计所提出的问题，让学生的个性在探究中得以充分的发展，在同学的相互作用和教师的点拨指导下，思维由浅入深，最终目的解决问题，并有新的发现和启迪，提高其独立取得知识的本领。 “兴趣是最好的老师”，学生只有对美术学习产生浓厚了兴趣，才能学好美术，美术课堂上首先就应培养学生的学习，而学生学习兴趣的培养常常得益于各种教学手段，诸如音乐、游戏、表演、故事、谜语、课件、视频影视资料，以及教师的范作。我在课堂教学的各个环节中都对实施多种教学手段作了尝试，例如：导入这一环节尤其重要，因为刚刚上课，学生的注意力还不集中，你必须有一个精彩的导入把学生紧紧吸引住，抓住学生的好奇心，为下一步实施教学奠定了基础。 其次，是评价的过程，我在教学中一般让学生上台表演或展示，这样不但增强了学生的自信心，而且锻炼学生的说话、表演等各方面的能力。评价方式上，首先让学生自评，然后互相欣赏、互相评价，教师进行部分评价，最后大家集体评价，而且让每位学生准备一个美术作品袋，把每一次在课堂上完成的美术作品，都收集到这个袋中，到了期末积累了厚厚一袋作品，学生会有一种前所未有的成就感，尤其对于那些在其他功课方面较弱的后进生来说，无疑是一种极大的鼓舞。 在美术课程教学改革中参与意识的培养也是非常必要的。教师要鼓励学生通过亲自动手，对材料的接触感悟和多次的尝试，从而掌握工具材料的性能及有关的美术技巧。特别在美术工艺课里，我从来不要求学生依照范画样本制作，用什么形式，先做什么，再做什么，怎样粘贴，不作统一规定，而是让学生自己对材料进行反复触摸、把玩、琢磨、探索，要求学生从不同角度进行试验，让学生自己去发现和理解。 3表现发挥，激发艺术创造 现代美术教育伊顿说：“教育是一种勇敢者的探险——尤其是艺术教育，因为它涉及到人类的精神创造。”可见，创造性思维的培养是艺术教育的一个重要目标。因此，我十分注意给学生提供一个展现艺术才华的空间，以提高学生的艺术创造力。 表现发挥是一种学生主体性实践和认识活动，是学生对所学知识的巩固和深化。教师在教学时一方面要让每个学生的能力进一步提高，另一方面又要顾及层次不同学生的表现状况，有针对性的辅导，使学生对自己能力的提高获取自信心。特别要强调进行合理的想象和夸张，使作品更具有童趣性。老师要培养学生既要善于动脑，又要善于动手。要在课堂教学和技能训练中，培养学生用线条、色彩、图象表现自己的意向和技能。例如在教学《小鸟的家》一课时，我首先在黑板上出示一幅森林的背景图画，要求学生描绘形状不同的小鸟的窝放在其中。随即，学生运用平日所学的绘画表现技能，开动脑筋各出新意。不到二十分钟，学生的作业画好剪下来，陆续展示在黑板上的“森林”中。鸟窝有大有小，形状也不尽相同，同学们通过学习添添画画、剪剪贴贴，一幅美妙、奇幻的森林缩影展现在孩子们面前。同学们不时发出赞叹声不但完成了教材中要求的内容。而且学生情趣盎然，课堂教学形式活泼，质量高，效果好。充分调动了学生的丰富想象力和逻辑思维能力，巩固了绘画技能的学习。 4分组协作，注重合作，扬长避短 当前的小学美术课堂教学中，存在着许多弊端，诸如，学生班容量过大，教室空间小，又没有专业的美术教室，美术学习活动受到很大的限制，而且没有一支专业素质较强的教师队伍，还有许多“兼职”的美术教师，根本谈不上真正的美术教学，由于太注重美术技能、技巧的教授，导致低年级的学生往往比高年级的学生敢想敢画。 针对这些困难，我在教学中对症下药，班容量大，就采取小组合作的方式，大家一起动手每个人都能参与其中，让每个学生都动起来，当然课堂就少了“开小差”的同学，而且每个小组长有一个小组长，让小组长组织大家分工合作，让学生体会到团结的力量。另外，天气条件如果允许的话，尽量带学生到室外去，到大自然中去，让学生有一种新鲜感，让学生亲身去感受生活，感受生活中的美。 5讲评拓展，提高审美能力 在美术课堂教学改革中一堂课中的讲评拓展也是非常重要的。讲评拓展是对整节课完成教学目标情况的反馈和验证。目的在于领会学习方法，体会思想感情，总结经验教训。在老师的提示下，学生会对学习目标的认识由课内向课外延伸拓展。不但提高了自身的审美能力，还大大激发了他们学习美术的兴趣。 总而言之，在美术课程教学改革中，开展美术教育的主要阵地是课堂。如何提高课堂教学的质量，关键在我们美术教师。因此我们美术教师要在美术教学中认真体现自己的价值，更好发挥自己的主导地位。让每一堂美术课，每一个美术教育活动都闪现出老师劳动的创造辉煌！ 小学美术课改论文:课改后的小学美术课堂教学 美术新课程标准提出:“通过学习美术，丰富学生的视觉、触觉；发展学生的空间思维和动手能力；激发学生的创造精神以及美术的实践能力，达到能用美术来表达自己的情感和思想，从而提高学生的审美能力，完善人格。”在小学新课改美术教学倡导的是，既要重视学生对艺术的感受、表现和创造力的培养，还要注重美术更多地与文化、历史、生活相联系，创建多维互动的有利于学生自主学习的教学组织形式，让学生在宽松的氛围中感受美，让学生在活动中学、在玩中学，让学生围绕目标自主选择内容、材料和方法，让学生在知识探索的过程中发现规律。我在教学中，努力用新的理念来组织教学，收到了较好的效果。 比如一年级的《太空里的植物》为主题创作一幅画，课前我先布置同学们回家观察花草树木，看看生活中的植物有什么各自的特点。上课时我先让学生闭上眼睛想向自己是太空人，在太空里看到的植物有什么不一样的，都有什么奇异的植物呢？然后让学生相互讨论自己观察的植物与想象中的植物有什么不同之处。结果由于每一个同学的生活环境、心理个性等都不同，他们对美的感受也大不一样。有的认为太空中的植物应该颜色很奇特，五颜六色的；有的说形状很奇特，有很多手和脚，还会说话。有的说太空中的树上结着各种的果子和不同形状的叶子；有的认为太空中的花长着会吃人的大嘴巴和会诱惑人的眼睛……。课堂活起来了，同学们的脑子动起来了，我对同学们细微的观察、大胆的想象都一一给予充分的肯定，同时鼓励同学们把自己的感受及想象表现出来，并启发学生思考、尝试用怎样的表现形式最能将自己独特的想象表现出来，结果，同学们的作业没有雷同，内容与形式都非常丰富，且较充分的体现了太空里植物的奇特。学生的积极性特别高，不断地向同学和老师展示自己的作品，学生在自主实践中体验着学习的乐趣，并久久回味。看到学生这样快乐，我明白了一个道理：不要让我们所谓权威的说教代替了学生的直观体验，扼杀了学生探索的自由，要让学生成为学习的真正主人。在教学中我们还要善于发现问题，分析问题，关注学生的情感，改进教学和组织形式，才能实现教学目标，创设教学的新境界。 课堂教学是重点，是上好课的保证，这是大多数教师认可的原则。学校要求课堂必须有秩序，限制学生的自由，但一味的安静、整齐往往会抹杀孩子的个性。有些类型的美术课往往不需要孩子规规矩矩端端正正地作业，比如《蔬果变变》手工制作课，需要小组利用各种蔬菜瓜果拼接合作完成，几个同学凑在一起难免会各抒己见，不会像成人那样有克制力，在看到作品快要完成时更加激动，这样势必造成纪律不好。有些路过的人就会说班里没老师吗？还有一些绘画课为了更好地调动孩子的积极性，加入了游戏、舞蹈等活泼的形式，课堂也会显得杂乱，不时有领导推门看是否有老师上课，问题是这样形式上的“乱”并非无效。国外的老师在上美术课不需要孩子坐得端端正正，他们给孩子足够的空间创作，可以画在桌子上，可以“乱涂乱画”。现在的美术专业班，学生作画时可以戴耳机听音乐，边听自己喜欢的音乐边作画。在组织教学上的收放自如，既不放纵，也不压制。例如：可以采用开放的教学内容，引导学生走向自然、走向社会，投身于五彩缤纷、五光十色的校外生活，把公园、田野、村庄等作为学习美术的大课堂；在大自然中学美术，感受生活中的红、黄、蓝。如手工制作课不妨带领学生去寻找影子，吹泡泡，放飞风筝，去迎风玩一玩小风车，用制作的小挂饰、窗花美化周围的环境；结合头饰课，可自办一个化妆舞会，组织学生参观绘画展览，潜移默化培养学生的主动学习能力和学生生活相结合的能力。 有时候，大人在看孩子的画时，往往摇头说：“画的是什么呀，乱七八糟！”殊不知，儿童绘画贵在无序、天然童真，去雕饰的浪漫稚拙，而且个性鲜明，想象力丰富。有的孩子喜欢色彩，有的孩子画画喜欢用线条。还有的孩子只喜欢画抽象的形状。所以对于儿童画的批改、评价应该有多重的标准，要善于发现儿童画中闪光的东西。每一位学生对一幅作品都能品味出表面的或者潜在的内涵。但是，以往我们对学生的评价方式太过单调刻板，从而带来的后果是孩子们对评价提不起兴趣。而现在的方法一般先自评：用几分钟时间请几位有代表性的同学作自我评价；互评：请全班同学一起来评论；老师评论：一般进行简单的总结。比以往的做法确实有了新的突破，但有时也未尽人意。到底运用什么样的方式和语言才能让学生既有兴趣又能领会深刻？根据不同的学生作品从各个方面肯定学生作品，又让学生对自己的发展充满力量。所以，作为一位美术教师不仅在自己的专业领域有很深的造诣，还应该结合其它学科来不断充实自己，正所谓“活到老，学到老”。只有这样，才能真正促进学生的发展。 当今的科技日新月异，信息技术带来了教育的革命，给我们美术课的教学带来了极大的便利，我们可以通过互连网搜索全世界的信息，取得对我们教学有用的信息。平时的教学中我都尽量发挥电脑的作用，调用大量的图片供学生欣赏。比如在上《闪光的烟花》一课时，播放了放烟花的影像视频和各种烟花造型的彩色图片，学生不时发出赞美声，从而激发他们学习美术的热情，使学生学到不同形状的烟花，提高了他们的探究能力。所以，信息技术的运用显得直观、形象、生动，学生易于接受、乐于接受，大大提高了课堂教学效果。打破了教师“一言堂”、“满堂灌”的教学模式，使“精讲、多练”成为现实。 伟大的科学家爱因斯坦曾经说过：“提出一个问题比解决一个问题更为重要”。在教学中，学生主动提出问题、探究问题的习惯和能力的培养，是一个值得关注的课题。因此，我们在教学中要积极地改变教学观念，构建探究性学习的教学模式，使学生在探索创新的境界中，更自由地思考、讨论和学习，更主动地投入和创新。在教学实践中我体会到，让学生在自主探究中主动完成学习过程，会取得意想不到的效果：学生在思维和行动上常常进发出令教师意料不到的充满童趣的智慧火花。 总之，新的课程改革鲜活又丰富，给予教师和学生大展拳脚的机会，可以说是前景无限好。美术课更是美妙绝伦，我相信经过师生们的不断开拓与钻研定会大有收获，就让我们在快乐幸福中一起成长吧！

浅谈音乐教学论文:浅谈关于高职院校音乐基础教学必要性的探讨 论文关键词:音乐素质教育　音乐理论基础知识　必要性 论文摘要:音乐理论基础知识在音乐素质教育中是最基本的、必不可少的。只是不同的课程所要求掌握的音乐基础知识的程度不同。在高校开展音乐素质教育必须根据本校学生的知识水平特点确定适用的教材，恰当而有效的教学方法，才能真正达到提高学生的音乐艺术修养，美化学生的心灵和情操的最终目的。 让高校学生接受音乐素质教育是很有益的，这并不是培养音乐家的课程，而是丰富一个人的艺术修养的课程，音乐是最贴近最大多数学生的生活的艺术，尤其是歌曲，一直伴随着他们长大。虽然事实上他们对这个伙伴却又并不真正了解，但只要稍加指引，他们不用花费太多的精力，就能够理解一定层次的音乐知识，能够体会、理解一定范畴的音乐作品，并且有可能被这些作品所打动，从而使音乐在他们的身上产生良好的作用。 一、许多大学生误认为音乐就是唱歌，而事实上，唱歌只是音乐的一个内容，音乐并不只是唱歌 原国家教委艺术教育主任赵讽于1990年在为蒋振环教授所著的《音乐简明教程》作序时提道，对于大专学生音乐知识的水平之低感到无比痛心。“最近看到一个调查材料，某省在八百多大专学生中进行调查，其结果是很令人吃惊的:……，第二，百分之六十以上的人不熟悉简谱，而粗通五线谱的不到百分之三;……，大学生的文化素质是这种状况，实在不能不使我们痛心疾首。因为从小学到高中，其中至少九年应该有音乐课，但是，竟然有这么多人连简谱都不熟悉:……，那么这些在校的大专学生在大学之前到底接受了什么音乐教育呢?”与二十一世纪的小学生有很大的不同的是，目前在高校就读的学生，也就是80年代末90年代初的小学生，他们中的大部分在小学期间所受的音乐教育是很贫痔的，而在中学期间受到较完整的音乐教育的机会则更少。大部分学生在小学期间只上过唱歌课，老师唱一句，学生跟一句，至于音乐理论基础知识就只能是非常简单的了解。进入中学阶段，课程任务更加繁重，升学率把老师和学生都压得喘不过气来，也就无暇顾及音乐教育了，在课堂上学唱歌也就变成了是很浪费时间的事，老师、学生和家长们都更愿意用这些时间去做数学练习。从这时起大多数学生所能接触到的音乐就仅限于流行歌曲了。由于流行歌曲简单、易学、并且随时随处都可以看到表演、随时随处都可以哼唱，且随时随处都能够听到的，这样的学习当然也不需要什么样的理论知识，即使是文盲、乐盲也能哼上几句，加上每个人都有一定的音乐记忆力，因此学生们只要多听几遍就能学会唱了。就象野草一样能随处繁衍，但不一定对人是有利的。 随着时间的流逝，这种环境使他们形成了这样的一种观念:音乐就是唱歌。除非家长、社会为他们创造条件，特意让他们接触音乐的其他内容，否则他们无可避免地会产生这样的观点。而家长、社会能够让他们接触些什么呢?去交响音乐会听现场演奏吗?去看芭蕾舞剧吗?(而目前社会上这样的机会却又是极少的，即使有也是极少数人拥有的)，或者在家中经常播放各种体裁的音乐CD. DVD吗?而很多家长自己都对这些音乐知之甚少，或者很少有时间和孩子一起欣赏这些音乐，更不用说为孩子播放这些音乐，引导他们欣赏了，如果家庭或社会能为他们提供较好的音乐环境，他们就有可能对音乐有比较完整的认识。否则他们都只能对音乐产生偏见，一方面无法真正了解音乐的丰富的内涵，另一方面，从音乐对人的素质所起的潜移默化的作用来说，流行歌曲也不可能代替音乐的其他形式。 二、掌握一定的音乐理论基础知识是上好音乐素质教育的各种课程的基本条件 专业课程的重要性对于高校的学生是不言而喻的，但教育不应该偏食，应该提倡全人教育，不但要学习专业知识，还应该提高各方面的修养，因此各高校都陆续开设了音乐或美术选修课程，通过欣赏优秀的作品，来达到素质教育的目的。“音乐，不就是唱歌吗?”，许多人都对音乐抱着这样的偏见，他们对音乐知之甚少，大学生中也不泛这样的观念。其实，音乐每时每刻都在我们每个人的身边经意或不经意地环绕着，因为太普遍了，以至于我们可以充耳不闻。让学生真正理解艺术，为学生开启一扇从未发现艺术之窗，才是艺术教育的目的，艺术教育应该是面对每个人的，而不应该只是属于兴趣爱好者的。那么，怎样才能使学生了解音乐的真正内涵，怎样才能让他们更容易理解音乐作品，从而得到这种艺术的滋养和熏陶呢?要看懂一部文学作品，首先要识字，音乐作品也是一样，要想欣赏音乐作品，首先要对音乐语言有一定的了解。 高职院校的音乐课程通常包括《音乐赏析》、《合唱与指挥》、《电脑音乐作曲》、《歌曲写作基础》等等，无论哪一门课程，都离不开音乐理论基础知识，所以音乐理论基础知识在音乐素质教育中是最基本的、必不可少的。只是专门的音乐理论基础知识课程所要求掌握的程度较深，而其他课程所要求的程度较浅。以下从上述课程与音乐理论基础知识的关系进行具体的分析和阐述。 首先，《音乐赏析》课程，是以欣赏音乐作品为核心，其教学目的不应该仅限于欣赏音乐作品，而是在引导学生欣赏音乐作品的同时教会学生如何欣赏音乐作品。在真正进入欣赏音乐作品的课程内容之前，若能用几次课的时间让学生接触最基本的音乐基础知识，能使这一课程收到更好的教学效果。 我国著名的作曲家、理论家高为杰教授在他编写的教材《音乐名作赏析》中提到，在音乐审美系统中，音乐审美效应的实现质量，取决于作品质量、表演质量与欣赏质量这三个因素的配合关系。可以用公式E=C·P·A来表示，E指音乐审美效应的质量，C指作品质量，P指表演质量，A指欣赏质量。如果假设作品、表演和欣赏的完善质量指标为1，那么:E=1×1×1=1。审美效应也达到完善的质量。如果C, P, A三项中有一项的质量较差，审美效应的质量也将降低。举例来说，如果听众欣赏水平较差，质量指标只达到0.5，那么，E= I×1 ×0.5=0.5。也就是说，即使音乐作品和表演都达到完善的质量，审美效应也不可能达到完善的质量。换句话说，在审美系统中，音乐欣赏者一学生占据着举足轻重的作用。作曲家将心中的情感通过音符等要素表现出来，如果欣赏者一点都不了解这些音乐语言，就很有可能出现“对牛弹琴”的尴尬境地。 可以肯定的是，音乐是一种听觉艺术，需要靠听觉才能欣赏，正如马克思所说:“对于不辩音律的耳朵说来，最美的音乐也毫无意义。”(《1844年经济学哲学手稿》，中译本1979年版，第79页)那么，如何才能有能辩音律的耳朵呢?首先，欣赏者要能够对音乐中的音高、节奏、力度、音色等要素以及由这些要素经过组织而形成的调性、调式、曲调、和声、复调、配器、曲式等音乐表现形式有较高的辨识力。 而这种辨识力的培养，必须建立在掌握一定的音乐理论基础知识的基础上，才有可能得以实现。例如，音乐的基本要素包括乐音、节奏、旋律、和声以及音色。欣赏者应该了解乐音的音级，音程，调式理论体系中的大、小调音阶，半音和全音等相关的知识;了解节奏的不同类型的强弱规律，以及在音乐中所起的不同作用，如三拍子的节奏具有舞蹈性，因此三拍子是舞曲较常采用的节奏型，而二拍子的节奏具有进行性，因而二拍子是进行曲较常采用的节奏型:了解和声的形成，协和音程、不协和音程、协和和弦、不协和和弦、正三和弦等各种和声类型的不同音响效果，不同色彩效果以及在音乐中所起的不同的作用等等。其他的音乐理论基础知识如乐谱(五线谱和简谱)是如何记录音乐的，乐谱上所使用的音符的音高符号和一长短符号、调性和节拍记号，表情、速度、力度和反复、省略记号、装饰音记号等各有什么样的含义和作用等等。 学生掌握了一定的音乐基本理论知识，才有可能粗略地看懂音乐作品的的谱例，教师应该根据他们的水平让他们视唱一些谱例，以便帮助他们更好地、更深入地理解作品的内在美和内在精神。如欣赏民族管弦乐曲《瑶族舞曲》时，可以视唱表现姑娘们欢快舞蹈的主题和表现小伙子加入舞蹈中时热情奔放的主题，在视唱姑娘主题时，可加上打瑶族长鼓特有的节拍:X XX，边打节拍边视唱，使学生切身感受到民族音乐的韵味，同时要求学生要唱得轻柔，连贯，使他们感受这部作品的音乐所表达的意境。从而更易于理解这部作品，也就自然而然地喜欢上这部作品了. 第二，音乐理论基础知识在《合唱与指挥))、《电脑歌曲写作基础》、《歌曲写作基础》等课程中扮演着更为重要的角色，虽然并不是主要的，但却是不可或缺的。《合唱与指挥》这门课程是以掌握一定的声乐歌唱技巧、培养学生的集体美感为主要目的，除了要掌握一定的声乐歌唱技巧以外，还必须看得懂五线谱和简谱，这就要求学生掌握稍深一些的音乐理论基础知识。不但要能够看得懂五线谱和简谱，而且还要能够自己根据歌曲的拍号打着拍子视唱，并_且能够富有表情地按照谱上的速度、力度等各种记号进行变化。 第三、教学中不应存在认为音乐理论基础知识可教可不教的观念。忽略音乐理论基础知识的传授的问题常常会发生在欣赏课和合唱课中，其原因是多方面的，例如，教材选用不恰当，教师本身没有意识到音乐理论基础知识的重要性等等，首先从欣赏课来看，从教材这一方面来说，有的教材除了对乐曲的分析外，并不包含关于音乐理论基础知识的介绍这一部分的内容.不同的教材是针对不同水平、不同层次的学生而设计的，例如清华大学出版社出版的《交响音乐赏析新编》，虽然是高职高专规划教材，但是其欣赏的范围限于交响乐，并且内容的起点相对而较高，同时不包含关于音乐理论基础知识的介绍。就说明这一教材比较不适用于音乐知识水平较低的学生。而更适合于用作教师的参考教材。而从教师这一个方面来说，有的教师本身就没有意识到音乐理论基础知识的基础作用，认为只要按照教材上的内容，一个个音乐作品放给学生听就行了，至于学生是否听得懂那么多的音乐术语则不太关心。这样的教学只能是表面的、效率很低的教学。其次从合唱课来看，有的教师简单地根据合唱教材上课，认为一个学期里按照教材教唱了几首合唱歌曲，教会了指挥手势就是完成任务了。这也是非常不全面的。无论是欣赏课还是合唱课，这样的教学都会造成学生对音乐的不理解，令他们觉得听不懂这些音乐，或者产生“音乐就只是如此”的想法，认为音乐课本来就是这样简简单单的，没什么内容好学的。学唱歌的时候也只是跟着老师依葫芦画瓢，渐渐地就对音乐失去兴趣了。结果，不但不能达到让学生真正感受音乐的美，从而受到美的潜移默化的作用的最终目的，反而使学生将他们所不了解的音乐拒之于千里之外了。如果能在课程中接触到能够接受得了的音乐理论基础知识，他们就有可能明白，音乐的很多东西都是他们所不了解的，并非只是唱唱歌而己。而他们所学到的一点点知识足以激发他们对音乐的更多的好奇，即使他们不可能成为音乐家，但他们也有可能更加认真地、热情地上音乐课，也就能够更好地达到素质教育的目的。 综上所述，在学生的音乐理论知识水平不够的情况下给学生上欣赏、合唱甚至歌曲写作等课程无异于让一个文盲欣赏小说、写诗歌。也就是说，只有根据学生的知识水平特点确定适用的教材，恰当而有效的教学方法，掌握一定的音乐基础知识，才能真正达到提高学生的音乐艺术修养，美化学生的心灵和情操的最终目的。 浅谈音乐教学论文:浅谈通过音乐教学提高职校的德育管理水平 论文关键词:音乐教育　职业教育　音乐作品 论文摘要:音乐教育是德育教育的主要形式，其最大特点是将音乐课的思想教育与音乐艺术的美感巧妙地融汇在一起，来启迪学生的心灵，使学生受到潜移默化的教育。新的历史时期如何通过音乐教育推动并发展职业教育，已经成为我们社会关注的问题。 音乐教育是德育教育的主要形式，其最大特点是通过美感教育来启发学生的道德情操，是将音乐课的思想教育与音乐艺术的美感巧妙地融汇在一起，来启迪学生的心灵，使学生受到潜移默化的教育，这是其他学科所不及的。而音乐教育尤其是职业教育中的音乐教学，我感觉要求更是相对高一些。对于促进这些处于青少年阶段孩子的人生观、价值观的形成，情感的陶冶、智商的提高、以及创新能力的培养，学生整体素质的提高有着不可低估的作用。那么在新的历史时期如何通过音乐教育推动并发展职业教育，己经成为我们社会关注的问题。对我们来说怎样更好的利用职业教育中的音乐欣赏课，艺术实践课对学生进行更大程度的品德教育。下面就职业教育现状的分析，就此提出如何在职业教育的音乐课中渗透德育，所应作出几方面的努力谈一点粗浅的想法: 一、职业教育中德育的必要性，上好每一节音乐课的必要性 首先人才培养上要以市场为导向，以提高教育质量为中心，德育建设首当其冲。职业教育当前所面临的问题，主要是人们对职业教育认识上的错误。一直以来，在人们的思想观念中只有普通教育才是“正式”教育，才是孩子真正的出路。而职业教育只不过是一些成绩差，考中学大学无望的孩子的不得己行为。而没认识到职业教育是普通教育的必要补充，担负着培养社会上大多数一线劳动者和各行各业的技术人才的重任。这时一个人的品质已成为单位用人的首选条件。例如在大多数招聘会上用人单位首先以各种方式考察应聘者是否孝敬，是否有责任感，是否节俭、以岗为家等等。也对，试想一个人如果不能对自己、对自己的父母负责那么他还会对谁对哪个岗位负责?而我们这些职业学校的学生恰恰大多数是各种素质都有待于提高、可塑性很大的孩子，他们涉世未深却自认为很了解社会，看待问题很肤浅遇事莽撞易冲动……基于种种意识和实际问题的存在，职业教育自身的教育质量和德育方向是很值得我们思考和改变的，音乐教育就是其中的一个重要部分。音乐作为一种声音的艺术具有其独特的魅力，是利用各种音乐元素的协调组合，从而达到与听者产生听觉和心灵上的共鸣。音乐知识越丰富，修养就越高，认识美的视野就更广阔，识别美的能力就越强，就不会被那些庸俗、低劣的东西所迷惑。要让学生掌握一定的音乐知识，从而提高审美能力，自觉抵制那些不健康的东西的侵蚀。 二、抓住上好每节音乐课使学生的人格指数得到升华 想给职校学生上好一节音乐课不同于给中小学的孩子上音乐课，它除了包含中小学音乐教育的各元素外，还要结合学生的专业性质并融入相关的企业文化和此阶段学生特殊的心理特征，要对学生进行思想品德的渗透。在历史发展的长河中，表现爱国主义的音乐作品数不胜数。我们要利用这些丰富的文化瑰宝，来培养学生的爱国热情净化他们的心灵。上好职校的音乐课对学校和教师都有一定的要求，一般说来音乐课包括音乐欣赏课和歌唱课两部分。通常音乐欣赏课是学生通过听觉来接受知识信息的，我们首先要把传统的民族音乐放在重要的地位，但也决不能排斥健康的流行音乐，要让学生通过大量的不同内容、不同形式、不同地域风格音乐作品的欣赏、对比，既领略到典雅的民族音乐之美，也能感受到情感强烈、节奏变化对比大的现代音乐之美。通过多听、对比，达到德育的目的。例如由人民音乐家冼星海创作的著名作品《黄河大合唱》便是一部表现革命内容，反映时代精神，具有中国作风又有中国气派，为中国人民所喜闻乐见的大型音乐作品。他的八个乐章反映了抗战的不同时期中国人民遭受的无比灾难，最后团结反抗联合全世界革命人民，向法斯侵略者发起总攻，号声震天、激流澎湃、不可阻挡的最高潮。以此来激发学生内心深处强烈的爱国热情。另外一些现代的流行音乐中也不乏德育的较好作品，如由蒙古歌手腾格尔创作并演唱的具有浓郁的蒙古风情的《天堂》，它悠长舒缓的音调、起伏跳跃的音程，加上特有的装饰音，极富抒情性色彩。给听者展示了辽阔的草原景色，让学生仿佛看到一副蒙古草原的美好图景和勤劳彪悍的牧民形象，从而更加激发了他们热爱祖国大好河山的热情。 优秀的音乐作品本身就具有一种人们自愿接受的“教化”因素。我们可以利用这种“教化”作用从歌曲教学等方面对学生进行思想品德及品质教育。我们随时可以引导学生讨论一些他们感兴趣的流行歌曲的体会和感受，从中懂得了什么道理。简单的说:我在教唱《国歌》时，先向学生介绍词曲作者、创作的时代背景，并要求学生有感情地朗诵歌词和演唱，掌握歌曲雄壮、有力的情绪，深入理解、体会、表现。唱后讨论感受时，有的同学说通过学唱《国歌》，想到了我国运动健儿在我们08年北京奥运会上获得冠军时，运动场上每次伴着《国歌》响起，升起五星红旗时庄严而激动人心的时刻。并决心刻苦学习，勤奋锻炼，也要为祖国争光;还有的同学说听到国歌声，仿佛看到五星红旗在 《国歌》声中冉冉升起，进而想到我们伟大祖国60岁华诞庆典时的宏伟壮观场面，想到我们的国家也正以无比坚定的步伐阔步前进。通过一堂音乐课，学生们不仅受到了音乐的熏陶，而且也受到了二次深刻的爱国主义教育。所以利用好每一节音乐课，让学生在兴趣中接受德育教育进而提升他们的全面素质。 三、适当组织音乐课外活动作为德育工作的有力补充 课外活动是音乐教育的一种手段，我认为应该打破传统的歌唱教学模式，注重教师的教，更注重孩子的学，要充分发挥课外活动的作用。组织一些联欢汇演、大合唱、卡啦ok比赛等。当学生高兴时，就会在活动中情不自禁地唱起歌来，以表达轻松、愉悦的心情。我相信每个孩子都爱唱歌，但到歌唱活动时，学生们的表现就有些被动，歌唱活动需要的是一种氛围，把个人的表演行为融入到集体活动中，每个学生都作为演员参与，这样就能更大限度的激发他们的集体荣誉感和爱国热情，让歌唱成为学生们的乐事。在”吸引力”上下功夫，把课外活动搞得有声有色、丰富多采，吸引学生积极参加，达到审美导向的目的。 四、“学高为师，身正为范”加强教师的影响力 教育事业是一个民族最根本的事业，发展教育事业教师队伍建设是关键。教师要有高度的责任感，强列的事业心。职业教育办得好坏教育质量的高低，师资同样也是关键。一个音乐教师同样也应做到教书育人，要想更好的完成我们的教学任务，对我们来说努力提高自己的业务水平:掌握正确的歌唱常识和技巧(良好的姿势，正确的呼吸，自然圆润的发声和清晰咬字、吐字);掌握音乐理论的基础知识键盘的演奏技巧。教师在日常的工作中也要以身作则，随时都以自己的言行来影响和带动学生积极向上的行为。只有这样才能不断提高自己的专业水平同时也提升了自己的人格魅力和影响力。 总之，在当前纷繁复杂的社会现实中，对我们来说加强学生的德育建设应该是永恒不变的任务。这就不断要求我们勇于打破程式化的教育教学模式和管理模式，不断的更新我们的教育观念，这也是市场经济与知识经济对学校实体提出的新要求。更是目前我国职业教育改革进程中不可忽视的工作。为了我们能更多的培养出对祖国建设有用的人才，圆满的完成我们的教育教学任务，让我们群策群力，利用我们的音乐艺术课大力加强德育建设，提高学生思想道德水平，为振兴我国的职教事业做出更大的贡献。 浅谈音乐教学论文:试论中职学校学前教育音乐理论课教学浅谈 论文关键词:音乐理论教学　音乐才能　基础知识　墓本技能 论文摘要:本文对中等职业中专学前教育音乐理论课应如何教学，怎样提高学生逻挥思维能力发展音乐潜力，开发智力，培养审美情超，上好一节音乐理论课进行了阐述。 近几十年来，教育改革的浪潮席卷全球。我国的教育改革也正在积极地进行着。音乐教育应如何改?这是一个十分值得加以考虑的问题。德智体美劳全面发展的教育方针，从课程的设置，大纲的制定到教材教法都应有所体现。 音乐基本理论是整个音乐理论教学体系中，第一门系统讲授有关音乐理论基础知识的课程。其中许多内容是其他音乐课程所没有的，也是无法代替的。它是音乐专业各学科的共同基础课。从专业的音乐院校，师范院校音乐专业，中师、幼师，到普遍中小学甚至幼儿园，都要讲授有关基本乐理的全部或部分内容。因此，作为一门音乐共同基础课，它不仅是学好其它音乐理论的基础，也是学习 “演奏、演唱”的基础，对中职学前教育的学生来说有着直接的影响，无数事实证明，音乐学习中所出现的许多问题，往往都是由于缺乏音乐基础知识和技能而产生的。所以说基本乐理课是搞好音乐教育所不可缺少的重要基础课程之一，应当给予充分的重视。 怎样才能搞好基本乐理教学，这并不是一个简单的问题，它需要多方面的条件，其中重要的一条就是作为一名音乐教师必须具备教育和教学方面的专业知识，教学法，不是简单的教学方法，而是包括该课程的目的任务，教学内容，教学原则，教学方法，教学环节等许多重要的内容。特别是一些课堂教学的各种具体例证，对改进、提高教学质量，有着直接的重大作用。 1基本乐理裸的任务 要了解基本乐理教学的目的任务，首先要对基本乐理课的性质，及在整个音乐教育中所处的地位有个初步了解。基本乐理是整个音乐理论教学体系中第一门系统讲授有关音乐理论基础知识的音乐共同基础课，这时所说的基础课，是音乐专业基础课。音乐专业包括作曲、指挥、音乐学、声乐、器乐等许多学科各学科又都有着各自的专业基础课。而基本乐理则是音乐专业各学科的共同专业基础课。即便是业余学习音乐，也必须认真学习基本乐理，由此可见，基本乐理课在整个音乐教育中所处的地位。那么基本乐理课的任务就从三方面着手。 (1)系统地理解并掌握音乐表现各要素的理论基础知识和基本技能。在进行正规的基本乐理教学之前，学生一般都或多或少的掌握了一些零星的基本乐理方面的知识，基本乐理的教学就是要在学生己有知识的基础上，加以系统，使其到一个新高度。 (2)为学习其它音乐课程打下巩固的理论基础。中等职业专业学校各种音乐课程的设置，相互都存在着一定的关系。作为音乐共同基础课的基本乐理与其它音乐课程的关系。可分为并列课程与后续课程两种，前者如视唱练习课，后者如钢琴，声乐，初级和声课，它们之间的关系极为密切，在并列课程中，课程之间的相互配合有时会出现脱节现象。这是由于各种课程都有其自身的独立体系而造成的，然而这也是不可避免的，为了使课程之间的配合相得益彰，在可能的条件下，也可以改变某些教学程序。在后续课程中，虽不存在相互问题，但对未能牢固地掌握基本乐理知识的学生，教师也难以使其在后续课程的学习中进行得顺利。如:一个学生对调，调试，音级，拍子，和旋等知识全都没有掌握，又怎么可能学好和声等其它课程呢? (3)在整个教学过程中，注意提高学生逻辑思维能力发展音乐才能，开发智力，并培养审美情趣。提高逻辑思维能力这是音乐理论课教学中一个十分重要的课题，有些学生由于缺乏这方面的能力，因而，对某些概念的理解难以深入，语言表达也缺乏逻辑。 音乐才能包括许多方面，如表演才能，作曲才能，理论才能等，在基本乐理教学中，要根据不同对象努力促进其音乐才能更好地发展。在音乐理论课的教学过程中，不仅要系统地理解和掌握音乐表现各要素的理论基础知识和基本技能，更重要的则是通过教学开发智力，培养审美情趣，提高素质。 2上好一堂音乐理论裸的描施 上课是基本乐理教学的主要形式和关键环节，上课前所做的一切，如领会大纲的目的要求，了解学生，钻研教材，制定授课计划，编写教案，都是为了把课上好。上课一定要按教案进行。发现问题。要根据实际情况及时修正，不应为教案所束缚，衡量上课的好坏，不只是看教案写的如何，而是更重要的是看学生学的如何。上课是一种非常复杂的工作。教学有法，但无定法。教案上写和课堂上做的虽是一回事，但却有着质的不同。就像音乐作品的“乐谱”和现场演出的效果不一定等同一样。教师在上课时应注意以下几点问题。 (1)教书育人，不可偏废。上课，是教师接触学生的一个重要渠道，也是贯彻执行教育方针，教书育人的大好时机。教育的目的不仅是传授知识和技能技巧的训练，也包括思想教育的目的，思想教育的内容是十分广泛的，不要把思想教育仅限于政治思想，作为一个音乐教师，树立正确的文艺思想也是午分重的。作为学生还有个学习思想的问题，这也需要我们对其进行教育。 (2)组织教学，贯彻始终。组织教学是教师上好课的重要保证和基本条件，教学不应理解成仅仅是搞好课常秩序，更重要的还是用精彩的教学来激发学生的学习兴趣，创造一个良好的教学环境和气氛。使教与学都处于一种积极的协调的最佳状态。组织教学，也要注意方法方式，根据情况灵活应用。讲课时，内容充实，富有感情，有声有色，学生就可能听得津津有味，精神集中。各种教学形式交替进行，学生就可能学的比较放松。 (3)明确目的，掌握规律。教学目的是教学的出发点，也是归宿，在整个教学过程中，方法、步骤、内容，都要围绕着教学目的来进行。详略，深浅、快慢，都要根据教学现场的情况随时调整。 如在讲节奏，节拍时，用列队行进中的整齐步伐来比喻节拍，用千变万化的鼓点来比喻节奏，突出了强弱和时间的概念。在拍子的分类中，根据“单”、“复”、“混合”、“交错”这些词的含义，来说明各种拍子的不同特点，学生就比较容易记住。这就是明确目的，掌握规律的好处。 (4)精讲多练，解难释疑。上课，最基本的要求，就是讲清楚，讲正确。尤其是一些关键性的问题，决不能含糊其词，模凌两可，给学生留下一个似是而非的印象。对一些关键性问题，重点问题，难点，疑点，则要讲仔细，讲透彻，如讲大小调中的音程及和弦时，对自然大小调，和声大小调，就可以讲得深透些。对于旋律大小调就可以讲简单些。在自然大小调中，又要突出自然大调，因为自然大调是关键，是基础的基础，把自然大调中的音程，和弦讲透彻，自然小调就可以根据关系大小调的理论而讲明白了。关于和声小调的音程及和弦，则要抓住由于导音的变化所产生的和声调式的特性音程、抓住关键和重点，举一反三，触类旁通。 (5)图示板书，精心设计。上课，运用最多的是语言，其次的就是板书。精心设计的图示板书，可使教材的重点，关键，一目了然，便于学生记忆。①层次清楚，条理分明。如讲和弦的结构时，把音程结构标出，这样四种原位三和弦，四种常用的七和弦，从名称到结构，就一目了然。②合理布局，疏密得体。③字迹工整，色彩鲜明等。这样通过自己的精心安排就能把一节课上的有滋有味，也能收到良好的效果。综合以上所述是本人工作以后对中职学校学前教育音乐理论课的一点见解，望同行多提出宝贵意见。 浅谈音乐教学论文:浅谈高职院校音乐专业舞蹈课教学中教材的应用与开发 论文关键词：高职院校　音乐专业　传统舞蹈　舞蹈教育 论文内容摘要：高职院校音乐专业舞蹈课应从打破传统观念，大幅度提高中国传统舞蹈的学习，使之系统化；提高教师的传统文化素养，增强教师的传统文化意识；传统舞蹈在音乐专业舞蹈课中的应用与开发等方面进行教材的开发与应用。优秀的舞蹈教材应体现在舞蹈的艺术审美功能、文化教育功能和形体训练功能等。因此，长期而艰巨的任务是在民族舞蹈文化中选用和发掘舞蹈教材，使民族舞蹈在教学中逐步系统化。 舞蹈课作为高职院校音乐专业的主干课程，承担着培养高级实用型音乐人才的重任。自1999年高职院校音乐专业招生以来，舞蹈教材体系一直受专业音乐院校教材的影响。训练内容太难、太深，它们是否适于高职院校音乐专业舞蹈课的教学，这一点值得研究。 一、高职院校音乐专业舞蹈教材的研发与教材在教学中的错误趋向 自教育部1981年印发舞蹈教学大纲以来，我国已相继出版了以下舞蹈教材：1.《舞蹈》高等教育出版社1994年出版；2.《舞蹈欣赏》人民音乐出版社1989年出版；3.《舞蹈编导知识》人民音乐出版社1984年出版；4.《舞蹈艺术概论》上海音乐出版社1997年出版。 翻开这些教材，可以很直观地看到多年来被舞蹈界所认同的选材结构，即教材被分为两部分：形体训练、民族民间舞蹈。存在的问题是教材的使用是由教师各自为政任选的。由于教师受个人修养及品位等因素的制约，教师对教材的选用范围和进度上的差异使学生学习的内容和舞蹈组合的掌握情况大相径庭，由此可以设想在全国范围内教材选用的随意性就更大了。这种教材的选用结构和取向的随意性，不可避免地出现由舞蹈教材选择随意性所带来的弊病。 教材取向上的差异，必然导致各自追求的不同，例如在舞蹈教学中，一些教师热衷于让学生接触一些舞蹈技巧，不切实际地向专业院校看齐，导致的结果是教材的选用面狭窄、教材类型和学生的实际情况相去甚远，出现两个极端的学生类型。从教育层面上说，这种现象与高职院校舞蹈培养目标是相悖的，这种教材选择两极化的误区造成的突出问题就是对传统舞蹈掌握知之不多。 二、合理评价高职音乐专业舞蹈课启蒙教学中中国教材的作用 从上个世纪芭蕾基训传入我国以来，经过几代人的努力，不论从训练方法上还是从动作的创作上，越来越多地与我国本民族的文化相融合，形成了具有中国特色的中国古典舞基训。但同时应该认识到学习芭蕾基训的目的是要学习其文化的精华，洋为中用，使之与音乐表演的实际、与高职院校音乐专业舞蹈课学习处于打基础阶段的特点相一致。纵观全国音乐专业的舞蹈教学，选用芭蕾基训教材模式进行形体训练的突出问题是初学者适应慢，困惑点多，教学进度受到影响。其原因是芭蕾基训的正规性、持久性、文化底蕴与中国高职院校音乐专业学生的起点（包括：年龄、身体条件、学习目的、舞蹈感悟力等）差距较大，这点尤其受高职院校舞蹈教学的制约。中国古典舞基训教学，一方面使学生的上肢、下肢与躯干在初步规范的基础上，掌握身体运动的规律，并在一定的音乐节奏与旋律中能协调自如地运动；另一方面使学生在学习中初步掌握中国舞蹈艺术所特有的韵味，增强民族自豪感。①因此，形体训练教学，中国古典舞基训应占主导地位。 中国民族民间舞教学，在全国音乐专业舞蹈教学模式中已经占重要板块。通过各个民族舞蹈的学习，初步了解和把握各种舞蹈的不同风格特点，加强对民间音乐的理解，增强其艺术表现力。②民族民间舞在教学中已经显示了其艺术价值及地位。 将古典舞基训和民族民间舞选入教材，不仅可以理出我国舞蹈艺术发展的脉络，还将对高职院校音乐专业舞蹈课教学和文化素养的培养起到重要的作用。 三、系统的中国教材在高职院校音乐专业舞蹈课教学中的应用与开发 作为教师，肩负着传播中华文化的重任，作为学者，承担着继承和发展中华文化的责任。因此，在中华文化的舞蹈教育的前提下，承认西方舞蹈渗透的客观性与合理性，从教材体系的构建和应用开发上来继承、发展中华文化是切实可行的。落实到高职院校音乐专业舞蹈课这个问题上，我们应从以下几个方面进行教材的开发与应用： （一）打破传统观念，大幅度提高中国古典舞基训在形体训练中的质量，使之系统化 中国古典舞现在仍未度过它的童年，其自身还在成长发育中。北京舞蹈学院李正一和唐满城两位古典舞老教授，毅然整理、创建了古典舞“身韵”课，它使中国古典舞重振雄风，使古典舞事业曙光再现。李正一教授在诠释“中国古典舞”时这样讲道：“名为古典舞，它并不是古代舞蹈的翻版，它是建立在深厚的传统舞蹈美学基础上，适应现代人欣赏习惯的新古典舞。它是以民族为主体，以戏曲、武术等民族美学原则为基础，吸收借鉴芭蕾等外来艺术的有益部分，使其成为独立的，具有民族性、时代性的舞种和体系。”③以上事例充分证明了继承传统文化与学习西方文化是不抵触的，只有在传统文化中革故鼎新，才能使中国传统舞蹈文化得以创新，才能将中国优秀的舞蹈成果运用到高职音乐专业舞蹈课教学中。 （二）提高教师的传统文化素养，增强教师的传统文化意识 高职院校音乐专业舞蹈课教学对教师提出了新的要求，即教师应立足民族文化这个根，树立甘为人梯的思想，把舞蹈教育看成是文化知识和艺术修养课程，而不仅仅看作是技能表演课程。在教学中有的教师技巧水平很高，但总给人在舞蹈感觉上有欠缺的感觉，就是因为他们民族文化的修养，对舞蹈作品掌握的程度和系统性是不够的。因此，在教学中我们应建立“教学—研究—舞蹈表演—进修” 四位一体的教学模式，这将有助于提高师资队伍的素质，并使教材的使用达到应有的规格和质量。 （三）传统舞蹈在高职院校舞蹈课中的应用与开发 优秀的舞蹈教材应体现在舞蹈的艺术审美功能、文化教育功能和形体训练功能等。因此，长期而艰巨的任务是在民族舞蹈文化中选用和发掘舞蹈教材，使民族舞蹈在教学中逐步系统化。舞蹈课教材的选用应包括：形体训练、中外舞蹈、舞蹈欣赏。按照民族舞蹈的发展顺序，教材可由三部分组成：1.形体训练（芭蕾基训、古典基训、身韵，可提高学生的身体协调性和良好的姿态，有助于音乐表演能力的提高）；2.中外舞蹈（以中国民族民间舞为主，以外国代表性民间舞和流行舞为辅，既可了解西方舞蹈的特点，又可提高民族文化修养，还可掌握舞蹈发展的趋势）；3.介绍和欣赏优秀中国舞蹈作品（体现并继承了民族文化，并将民族文化与民族舞蹈的特点运用在教学上）。 综上所述，编写教材是高职音乐专业舞蹈课教学和科研的重要内容。因此，在教材的开发与应用方面应以“实事求是”的态度，在教学与研究中耐心细致、脚踏实地积累经验，切忌简单盲目。 浅谈音乐教学论文:浅谈童话在音乐教学中的导入作用 从心理学的角度来看，小学一、二年级学生的情绪有点随意性，上课时有意注意的时间不能持久，最多也只能保持10分钟左右。因此，要让他们在唱游课上保持较长时间的有意注意，就要寻找一种能引发学生兴趣的方法。我发现，有一次上课时用童话导入欣赏乐曲，学生的兴趣特别高，欣赏的教学效果特别好。于是，我又想：既然用童话导入欣赏能引发学生的学习兴趣，那么，如果用童话导入唱游课里的发声练习、听音训练、乐理学习、歌曲教学、歌表演、以及综合活动，是否也能引发学生的学习兴趣呢？不久以后的实践证明：用童话导入唱游教学，确实能引发学生的学习兴趣，收到事半功倍的效果。本文就小学一、二年级中用童话引发学生的唱游兴趣这一课题谈一些本人的体会。 最后，再启发学生想象一下，生活中还碰到什么东西声音长，什么东西声音短？你会模仿一下吗？这样一来，学生在童话的引导下，通过听辩和模仿，很轻松地掌握了分辩长音和短音乐理知识。 五、 童话导入歌曲教学 一、二年级的小学生识字量少，让他们一本正经地看书朗读歌词，或者反复地跟老师朗读歌词，是一件很乏味、很头疼的事。因此我常常根据歌词的内容编成童话，在学习歌曲之前，用直观形象、生动活泼的口头语言和肢体语言，有声有色地进行演讲，使学生进一步理解歌曲内容，唱好歌曲。例如：在教学一年级唱游第一册第八课歌曲《小小的船》时，我编了这样一个童话：一个夏天的晚上，我坐在庭院里的椅子上，一边乘凉，一边看着夜空中那一轮弯弯的月亮。忽然，我感到自己飘了起来，飘到了月亮上。弯弯的月亮成了一只小小的船，小小的船儿两头尖尖的，我就在这小小的船里坐着，只看见闪闪的星星、蓝蓝的天¨¨¨“呼——”突然，一阵风吹来，我浑身一抖，惊醒了。原来，这是我在做梦。可是这梦太美了，我真想什么时候真的能到月亮上去看一看。 这时，我趁热打铁问学生：“你们想不想体验一下，坐着月亮小船，在星星之间穿行的感受？”学生马上回答：“我们想。”我又问：“那么，下面就让我们一起，随着歌曲的音乐演唱起来好吗？”学生齐答：“好的。”这样一来，我演讲的童话，既引发了学生的积极性，又使学生理解了歌词内容，还启发了学生上天揽月的?蒲е鞠颍?媸且痪俣嗟谩?BR 六、 用童话导入歌表演 在一、二年级中，大多数学生都喜欢歌表演，而且一般的学生都能当堂学会。这是因为，他们有一定的模仿能力。为了进一步激发学生的表演欲望，我常用童话先行导入，使学生明确自己所表演的角色、应做的动作和表演的顺序，从而使歌表演更加生动活泼。例如：在学年级唱游第三册第四课《大鹿》的歌表演时，我编了下面一段童话：在一个美丽的清晨，森林里的花朵、小草、树木、小鸟、蝴蝶等许多动物、植物都醒来了，它们都在早锻练呢！瞧，大鹿站在门后边也在做健美操。突然，小兔蹦蹦跳跳地出场了，它跳到门口，慌慌张张地向大鹿求救。门开了，大鹿把小兔拉进“房”里，又把门关上。不一会儿，另一只小兔又慌慌张张地跑来敲门，也被大鹿拉进房里，大鹿手拉两只小兔的手，高举过头，表示从猎人手中脱险了，它们在跳跃欢呼，庆祝胜利。 讲完童话以后，我问：“小朋友们，你们想不想把刚才的情景 表演一下呢？”学生们齐声叫道：“想表演！”于是，学生们戴着头饰兴奋地边唱歌曲边表演起来，兴趣特别高。 七、用童话导入综合活动 唱游课，唱游课，有唱歌，有玩耍，玩中学，更轻松。为了进一步激发学生在综合活动中的兴趣，我也把童话介入其中。例如：在二年级唱游第三册第六课玩玩《草原之声》时，我根据玩的内容编了童话：我是一片云，飞呀飞呀，我飞到了大草原上。听，小鸟在“叽叽、叽叽”欢快地叫着；风在“呼——呼——”柔和地吹着；鸟声中还有小河水在“哗——哗——”地流动声；水声中夹着牛和羊的叫声：“哞——”“咩——”；鸟声、水声中夹着马蹄声：“的的答答、的的答答”由远而近，再由近而远，直至消失在天边。哎呀，草原的风光真是美丽极了！ 说到这儿，我就问：“小朋友们，你们会不会用你的嘴和打击乐器来模仿一下刚才的《草原之声》呢？”学生都说：“我们会。”于是，学生分成几个小组，有的学风在吹；有的学鸟叫、牛羊叫；还有的用双响筒学马在跑，配合老师的琴声，尽情地表现草原上的美妙声音，那种表演欲和兴奋状态一直保持到了下课。 总的来说，在小学一、二年级唱游教学中，采取童话导入的方法，用生动活泼、形象逼真的口头和肢体语言，有声有色地进行演讲，可以延长学生的有意注意时间，活跃课堂教学的气氛，激发学生的学习兴趣，也能进一步帮助学生理解音乐作品的内容，体验音乐美感，起到了事半功倍的教学效果。 浅谈音乐教学论文:浅谈农村音乐教学 音乐是人类的第二种语言，是审美教育的主要组成部分，是综合素质的一种体现。随着课程改革的深化，音乐教学的重要性已越来越被人们所重视。对农村的音乐教学更是不容忽视，如何提高农村音乐教学，促进学生音乐素质的提高，这对每一位农村音乐教师来说，都是难得的机遇与挑战。 新音乐课程标准中指出“音乐教育是进行美育的重要手段之一，而优美健康的音乐是审美主体获得美感的重要源泉。” “音乐教育——不是培养音乐家，首先是培养人。”这是苏霍姆林斯基的名言。音乐教育是陶冶高尚情操的有力手段，音乐教学就是培养学生对音乐的兴趣和喜爱，提高音乐文化素养及审美能力，也是一种与美的感动相结合的教育，是渗透于人的心灵的情感教育，对于农村学生来说，音乐教学要通过以下几方面来完成。 1 农村音乐教学首先要在课堂设计上下功夫 一是形式要生动；二是教学内容设计要生动；三是教学手段与方法要生动。只要一切从学生出发，即使是枯燥的基本训练，也能变得生动而活泼。“生动”才能引起学生们学习的兴趣，才能激发对音乐的喜爱。生动活泼的更高层次是主动发展。只有学生的主动参与，生动活泼的潜力才能得到充分的展开。要体现以学生为主体的教学思想，需要学生的主动参与。例如：在欣赏《十送红军》这首乐曲时，我让10～12名学生为一组，通过表演性的动作来表现可取所要表达的内容，并鼓励他们进行创作，来丰富乐曲的时间、场景、人物、事件；在扮演角色中，我又鼓励学生可以一人扮演多种角色。于是，有一小组在表演中创作了一段舞蹈；有一小组在表演中创作了一首诗；有一小组还创设了多个场景。在表演中，学生自由地、大胆地表现出了对乐曲的独特理解，充分感悟到了音乐的魅力，课堂设计的生动性激发了学生的兴趣的同时，又培养了学生们对音乐的理解力和创作能力。 2 农村音乐教学要让学生学会“唱歌” 唱歌教学是农村音乐教师的重点工作。“唱”和其他的不同，不需要童子功，只需要自己的努力。因此，“唱”在农村学校音乐教学中有着重要的意义。 音乐教学中怎么样训练学生的唱呢？我认为：从音准入手，鼓励学生想唱。“音乐课程的综合，是以音乐为标准的综合。”意思是说音乐课要突出它的学科特点，任何的综合必须要以音乐为载体，充分运用音乐的要素（节奏、旋律、力度、速度、和声等）并贯穿于教学始终。对于我们农村的学生来说，从只能随着磁带唱到随着钢琴唱，这需要一定的过程来适应。对于音准感觉好的孩子是一个简单的过程，可是对于条件一般的学生却是一个漫长的过程。我认为音乐教师要意识到音准问题的重要性，在自己的课堂上，在保证可以完成教学任务、不打破自己的教学氛围的同时，加上一些音准的练习，会为你的音乐教学增加艺术魅力。音乐学习是一项长久的工作，要不断地练习，量变的同时质也在变。音阶训练，要反复唱。学生在反复体验中，不仅依靠歌词去理解音乐，而且从歌曲的音乐旋律、速度、力度等诸多表情手段去体验、表现音乐，并能感受歌曲在内容上、形式上、情感上的美感，从而更好地表现音乐情感。学生通过粗唱、细唱、精唱，使情感进一步抒发，审美情感的进一步调动、激发，在学生心中留下了不深刻的审美体验。 3 农村的音乐教学要培养学生的创造意识 音乐教学活动是音乐活动的教学，而音乐活动应是学生自己建构知识的活动。因此让学生：“在参与中体验，在活动中发展。”真正体现以学生主体实践活动为基础的有效课堂教学。现代的音乐教学观念，是把知识、技能和发展智力统一起来，而创造力则体现更高的要求，更能促进学生的个性发展。因此，作为以审美为核心的音乐教学，创造性是审美教育的重要特征，创造性要贯穿于审美教育的始终。审美创造能力是人类创造能力的一个重要组成部分。也是审美主体在审美实践的过程中按照审美规律进行创造性审美活动的能力。音乐创造是音乐教学中极为重要的一项教学活动。教师应该将音乐创造教学渗透到欣赏、歌唱、器乐演奏、律动等教学活动中去，做到任何教学活动都体现出审美创造的原则。例如：在欣赏《邮递马车》这首乐曲时，我让10～12名学生为一组，通过表演性的动作来表现可取所要表达的内容，并鼓励他们进行创作，来丰富乐曲的时间、场景、人物、事件；在扮演角色中，我又鼓励学生可以一人扮演多种角色。于是，有一小组在 演中创作了一段舞蹈；有一小组在表演中创作了一首诗；有一小组还创设了多个场景：马车、大草原、田野、农庄、森林等等。在表演中，学生自由地、大胆地表现出了对乐曲的独特理解，充分感悟到了音乐的魅力，让我不得不赞叹学生们对音乐的理解力和创作能力。 作为教师我们还要努力提高自己的专业技能，加深自身的艺术修养，一定要不断的提高自身的修养和建设，这修养包括音乐、人文修养，自身建设，主要就是专业技能的建设，像键盘、声乐、舞蹈、乐理等方面的专业知识要不断学习和强化，这些也是作为音乐教师人格魅力的重要组成。这些专业魅力更为有效教学打下了坚实的基础！ 总之，在当今的课程改革中，加强农村音乐教育，提高农村音乐教育的质量，是每个农村音乐教育工作者的责任。让我们携起手来，充分发挥音乐教育的特殊功能，为培养全面发展的人才做出不懈的努力。 浅谈音乐教学论文:浅谈音乐教学在德育中的作用 在素质教育中，德育显得尤为重要，音乐学科是对学生进行美育，教育的重要学科之一。多年的音乐教学实践使我们认识到，结合音乐学科自身的特点，发挥利用音乐对于德育教育的功能，对揭示音乐教育的规律，确立学校课程体系中音乐的地位，培养学生认识音乐教学的重要性都有十分重要的意义。 一、音乐教学中德育功能的内容 中学德育是以进行爱国主义、集体主义、社会主义、民主和遵纪守法的教育、劳动品德和良好心理品质的培养五个方面的教育。它的核心是把学生培养成为有理想、有道德、有文化、有纪律的社会主义新人。音乐教学作为素质教育的一个重要方面，它可以把生动、直观的感性认识转化为理性认识，从而产生一种积极向上的精神力量，使人的思想、道德、情感得到净化和升华。 二、音乐在德育中的作用 优美和谐、感人深沉的音乐留给人的影响是终生的。音乐教育能起到激励学生的作用。教师可通过教材内容，如歌词、标题等的讲解来激发学生的情感，结合学生自己通过对音乐作品的理解与感受，演唱与演奏来激起他们爱祖国、爱自然、爱社会、爱故乡、爱人民、爱自由、爱正义的精神追求。正是这样的美，成为推动人们从事有益于人、有益于社会的活动的内在正能量。音乐以声音来表情达意，无论演唱、演奏、创作，无不要求一个“诚”字。敞开心扉，任真情随乐声而流泻。优秀的音乐如清纯的甘泉，滋润着学生的心田，渗入心灵深处。学校通过合唱、合奏的训练使学生感受到集体协作的“和谐”之美，感悟“合作”的力量，可以让学生认识到个人与集体的关系，从而培养他们团结友爱，互相帮助，互相合作，使学生体会“和”的重要性，一个班级的荣誉要“和”，一个学校的兴旺要“和”，一个家庭的幸福要“和”，一个国家的富强更要“和”。透过音乐的“和谐”之美去体悟音乐对人生的自我完善，有着重要的作用，对青少年的身心健康有着独特的教育激励功能。 三、利用音乐实现德育功能的途径 1.歌唱的教学，激发学生情感。歌曲以其鲜明的节奏、优美的旋律、丰富的和声、明了的歌词内容来表达情意。因而能直接触动学生的情感中枢，震撼学生的心灵，对学生的情感世界、思想情操、道德观念的形成和影响是很大的。因此，歌曲教学不仅要让学生在演唱中提高演唱水平，还要让他们在演唱中去认识人生、认识真善美。如：在教学《义勇军进行曲》时，教师首先用铿锵有力、充满激情的语调朗诵歌词：“起来，不愿做奴隶的人们……”让学生在感知中领悟作品内容，感受到中国人民百折不挠、勇往直前的大无畏斗争精神。其次，教师声情并茂的范唱，以强烈的情感，生动地表达歌曲感情和意境，特别是“起来！起来！起来！”这一连串的递进，运用渐强的力度，把旋律推向高潮，一种民族责任感、紧迫感便会在学生心里油然而生。再次，在教唱歌曲时，引导学生唱出力度的变化、速度的对比、旋律的起伏等，把歌曲情感的理解从感性认识提高到理性认识上。 2.作品欣赏。欣赏作品不单是放音乐让学生听听而已，而是要在教师的引导下，诱发学生的求知欲，从有声的音乐中获得无声的情感体验，受到美的熏陶从而提高学生对真善美与假恶丑的辨别能力。如歌曲《游击队歌》，以鲜明的节奏，轻快流畅的曲调刻画出在敌后艰苦环境中的游击战士乐观的情绪、昂扬的斗志和革命的自豪感，通过欣赏，激起学生对革命先烈的怀念，从而领悟到要珍惜时光，发奋学习，努力成才。 3.歌唱、演奏过程，有利于学生集体主义思想的形成。音乐能满足学生好动、求乐、爱美的要求，他们对丰富多彩、形式多样的音乐活动有着强烈的参与意识和表现愿望。如乐队、合唱队的活动可以让学生去感受整体声音的协调性及和声效果所带来的美感与凝聚力，认识到自己是整体中的一员，必须服从整体。 器乐演奏则更严格地要求学生听从指挥，顾全大局，照顾整体，具有强烈的整体意识，高度的组织纪律性。 4.声乐、器乐训练培养学生勤奋坚毅的人格品性。音乐训练由于形式多样，生动形象，深爱学生的喜爱，但时间一长，学生就会产生厌倦情绪，因此音乐教师要十分注意调动学生学习的积极性，不断变换教学方法，提高学生学习兴趣，引导、激励学生以坚强毅力学习音乐，同时在演唱、演奏中严格要求学生。“台上一分钟，台下十年功”。要使学生知道，美的歌声、乐声是通过不懈努力换来 的，从而培养学生勤奋刻苦、持之以恒的意志品质。对调皮的学生，文化课成绩差的学生也要时时善于发现他们良好的嗓音条件，让他欣喜若狂，他除了认真上好每堂课外，还在声乐上刻苦学习，得到了好发展，成为一名很有特色的校园小歌手。 前苏联教育家苏霍姆林斯基说：“音乐教育，不是培养音乐家，而首先是培养人”。因此，高尚的情操，优秀的品格、广博的知识、深邃的思想总是与改造世界的实践相联系的。由此可见，在音乐课中渗透思想素质教育，是培养学生良好道德品质的好途径，让学生懂得音乐知识，掌握一定的音乐技能，通过学习音乐，受到美的熏陶，净化心灵，陶冶情操。作为音乐学科，音乐教学更应充分利用教材，采用多种方法对学生进行思想教育，把艺术性与思想性有机地结合起来，充分发挥音乐在德育中的作用。 浅谈音乐教学论文:浅谈初中音乐教学 【摘 要】音乐教学在发展学生的智力、培养多方面能力方面，具有其他学科所不具备的优势。在传统的音乐教学中，学生学习音乐的途径完全是建立“一唱一随”的基础上，这种教学模式只注重了唱歌技能和技巧训练而忽视了音乐艺术形象的趣味性和完整性，结学生学的没劲，渐渐的学生就失去了学习兴趣。针对这种局面，我们要把能力的培养作为一个重要的任务纳入到音乐教学之中。以“情”感人，以“美”育人，强调歌曲教学中的听赏作用 【关键词】音乐；能力；培养 音乐教学在发展学生的智力、培养多方面能力方面，具有其他学科所不具备的优势。在传统的音乐教学中，学生学习音乐的途径完全是建立“一唱一随”的基础上，这种教学模式只注重了唱歌技能和技巧训练而忽视了音乐艺术形象的趣味性和完整性，结学生学的没劲，渐渐的学生就失去了学习兴趣。针对这种局面，我们要把能力的培养作为一个重要的任务纳入到音乐教学之中。以“情”感人，以“美”育人，强调歌曲教学中的听赏作用，从培养学生对音乐学习的兴趣入手，让他们在充分感受音乐、理解音乐的基础上进一步来表现音乐。 一、培养学生的音乐情感的能力 情感是音乐教学“情感化”“审美化”的主要标志，音乐是情感的艺术，比任何艺术都能更快更直接的进入人的情感世界，在音乐教学过程中最为活跃的心理因素是情感，它既是音乐审美感受的动力又是音乐教育目标之一。音乐教育应牢牢的把握住情感性原则，不时点燃学生的情感火花，使用其在情绪的勃发与激动中进入审美的圣境，音乐审美活动是对审美对象得感知开始的，在审美感知中必须带有情感因素。 托尔斯泰说：“音乐是人类情感的速记”不同歌曲的节奏、旋律、力度、速度变化等都能够给人带来一种不同的感受，在音乐教学中通过让学生完整的听赏歌曲不仅可以消除学生因为纯粹学唱歌而残生的厌倦心理，而且还有利于激发学生的好奇心和学唱欲望，是学生能够主动持久的投入到音乐学习中去。例如：歌曲《念故乡》表现了一种孤独、悲哀和思念家乡的情绪。在教学中我并不过多的介绍歌曲的背景和特点而是直接让学生听赏歌曲，在欣赏中体会和感受歌曲情感和内涵，并和学生一起讨论和分析作品的处理方法和表现手段。通过这种思路不但能激发学生的学习热情而且还能增加学生的学习兴趣。 二、积极培养学生的感知能力 首先是听觉能力的培养。通过音调、音色、力度、时值等让学生去感知和认识声音，进而听旋律、听和声、听辨各种人声和各种乐器的声音，提高学生听觉的选择性和敏感性。其次是视觉能力与唱歌技巧的培养。在发声练习、视唱中就初步要求学生视谱歌唱了。视奏也同样要“一目数行”。这都要坚持培养学生的速视能力。 在教学中还应特别注重讲练结合、学用一致，帮助学生把知识转化为技能，逐步具有识谱、唱歌的能力。教师应做到讲一点，练一点，或者边讲边练，讲练结合。切莫只讲不练。如讲了切分音符，就要唱有切分音符的乐句，应把识谱能力的培养贯穿到整个唱歌教学中，教唱新歌时特别要注意指导学生唱好曲谱。在学生初步认识并理解音符的时值、高低后，不要一句句带唱，这样会造成学生的依赖心理，学无长进。可从曲谱中选出难唱的乐句或乐段，重点指导。难点突破后，其余部分让学生独立练习视唱，使学生在视唱中有所收获，激发兴趣，提高视谱能力。 在教学中老师的一个赞许的眼神，一句鼓励和夸奖的话语对学生来说都是鼓励和欣赏，能激发他们的学习欲望和积极性。我们要抓住每个契机，及时给予表扬。不管唱的标准如何，只要学生大胆参与，老师都应该给予鼓励和表扬。评价语言要自然、真诚，用我们亲切的评价语言去感染学生，去鼓励学生。 三、积极培养学生科学的发声方法的能力 人的嗓音就是一件乐器，一件能用不同语言表现音乐的奇妙的乐器。同学们要做到能正确的科学的发声并利用好嗓音这件乐器表现音乐，首先要了解发声原理。声带在气体的冲击下产生振动然后声带振动发出声音，经过胸腔、咽腔、喉和口以及鼻腔和头腔的共鸣来发出响亮和动听的声音。音质、音色以及演唱能力都是由共鸣腔体调节出来的结果。无论是“民族”唱法还是“美声”唱法，只要是能唱出美妙动听的歌声就是好方法，切忌乱模仿，压着嗓子唱歌，唱出一身的毛病。 四、积极培养学生的想像、思维能力 音乐和文字不同，文字表达明确的概念和具体的思想，而音乐则是通过人们的感知，使人们对作品所塑造的形象产生联想、想像，引起共鸣来达到目的的。可见，音乐教学在发展学生的想像力方面的作用是独特而明显的。通过视唱、欣赏音乐，不但训练、提高了学生的视觉、听觉能力，而且，学生的大脑在随着音乐紧张活动的同时，想像、记忆、情感等心理活动也非常活跃，这些都有助于思维能力的培养。 例如我在音乐课上创设舞台，展示自我，在设计“小小舞会”这一活动环节，放手让学生尽情地唱、尽情地跳，把整堂课营造的喜悦气氛推向最高潮，让学生在无拘无束中展示自己的才能。如在教唱《青春舞曲》时，我和同学们共同在优美动听的音乐伴奏下跳起了新疆舞。再如，七年级新教材中的《游击队歌》，教师也可以提示学生积极思考进行创编，用肢体语言把机智勇敢的游击队员表现出来，使学生在律动中充分感受创作的成功感。 五、积极培养学生的音乐欣赏能力 除了让学生欣赏教材上的音乐作品，扩大音乐视野，提高音乐欣赏能力外，还可结合听音练习，培养学生欣赏音乐的能力。教师可以从实际出发，采用生动形象的教学方法。如分别在风琴的中音区、高音区、低音区弹奏学生喜爱的乐曲片段，让学生欣赏三种不同音区弹奏出的效果。还可以加深难度，提高要求。如教师可以采用合唱与表演相结合的方法给学生“讲”音乐故事。这种练习充满音乐情趣，适合学生口味，学生倍加喜欢，对学生欣赏能力的培养十分有利，并为以后欣赏更深的音乐作品打下良好的基础。 总之，作为新世纪的音乐教师，更应该有一套新的教学模式，即要有一定的专业知识和技能，也要有良好的文化知识；既要掌握素质教育的理论和教育教学的方法，又要不断的培养学生的能力使他们在感知，想像思维，科学的发声法，情感教育、互动合作以及欣赏这几方面不断的提高并能有机联系在一起，这不断的促进和提高学生的智力、技能、思维、和兴趣，使他们在提高艺术修养的同时能够健康快乐的成长。 浅谈音乐教学论文:浅谈音乐课堂教学中的导入技巧 音乐教育是美育的重要组成部分。他对人的影响是最直接、最动人心扉的。 俗话说“万事开头难”“良好的一端是成功的一半”。赞可夫认为“不管你花费多少力气给学生解释掌握知识的意义，如果教学工作安排得不能激起学牛对知识的渴求，那么这些解释仍将落空。”第斯多惠也曾说过：“教学的艺术不在于传授的本领，而在于激励、唤醒与鼓舞。”精心设计好的“一场白”直接关系到学生的求知欲、学习兴趣，以及学习的主动性，并且能引导学生参与音乐情感的交流，燃起学生对音乐的审美渴望。可见，对于一堂好课，精彩的导入不仅能引发学生的学习兴趣，点燃求知的火花，更能使一堂课的教学达到事半功倍的效果。 一、律动参与法，增强学生情感体验 律动参与法，即给学生创造一种参与音乐活动的环境，让学生置身于某种音乐情境下，通过运用自己的肢体语言缩短与新课内容之问的距离，使学生在音乐与肢体相溶的气氛渲染下和教师产生共鸣，引发兴趣，体验情感。 对于低年级音乐教学，教师可以根据学生好动的年龄特点创设一些情趣适度，动作难度不大的律动。如在教《同唱一首歌》时，教师准备一些不同民族的头饰及自制打击乐器作为教学道具，然后让同学们随着老师喊出的节奏作不同民族的简单代表性动作。最初让学生自由做，随后老师稍作一个小总结，把动作简单统一，带领学生一同由慢到快、边一起喊节奏边一起跳。最后，放音乐载歌载舞。学生们听到好听的音乐，跳着喜欢的动作，脸上立刻绽放出笑容，学习热情也高涨起来，最后在不知不觉中学会了本首歌曲，并且还初步体验了解了各民族的风情，懂得了祖国大家庭的道理。 通过律动参与法，不但调动了课堂气氛，而且让学生直接感受体验了音乐情绪。 二、形象设疑，发展学生创造思维 马文学艺术相比，音乐可称之为非语言艺术，但她又是语言的尽头艺术。音乐是通过节奏、旋律和声色彩来表现，他虽不能表现“十二个半音阶”这种量化词却能让人看见活泼的孩子在跳 动。特别是对小学生，在形象设疑上发展学生的创造思维。比如：《狮王进行曲》威风凛凛的狮王形象；又如《魔法师》中魔法师念咒的样子，都很生动具体，让学生通过乐曲的形象去想去构思意境，一开始就要把学生牢牢的吸引住，激发学生的兴趣，调动学生的积极情，提高学习效率，以先声夺人的效果，使课堂的教学有个好的开头，设疑是为了解疑，当谜底揭开时学生的创造思维也就成了发展的过程，因此音乐课上通过音乐形象去设疑，给孩子一个具大的想象和创造空间。 三、情境诱趣法，激发学生学习兴趣 情境诱趣法，即是可借用让人产生无限联想的道具，如画面、音乐、舞蹈、大自然风景等，或是通过大家都很熟悉的某个相关联的作品为纽带，对另一个陌生的作品产生一定的学习兴趣。如在教授《国旗国旗真美丽》时。教师让学生回忆升国旗时的情境、国旗的形状、颜色及所代表的意义。学生们立刻对国旗充满了敬意，并立志要努力学习，热爱祖国国旗。用情境进行导入，不但能提高学生的学习兴趣，加深对作品的理解，而且能使学生联想能力不断得到提高，在音乐课中获得更多美的感受，爱的教育。 四、故事导入法，提高学生领悟能力 小学牛天真幼稚，他们接受故事比老师上来就直接讲授新课要容易和喜欢。利用他们的心理特点，用故事作为新课的导入，能集中学生注意力，活跃课堂气氛，激发学习音乐的欲望。如在教授歌曲《拉勾勾》时，教师讲述在一桌小朋友下课在一起玩耍时发生了小矛盾，在上课时，其中的一位小同学忘记带橡皮了，恰巧另一位小同学带了 两块，他毫不吝啬地取出一块借给同桌，同桌不好意思地说声“谢谢！”就这样，两位小同学在下课时手拉着手又成为了好朋友，并拉勾勾约 好不忘记带橡皮了。故事讲完，我发现同学们都同桌之间相对微笑着。接着，我不失时机地说：下面就让我们听《拉勾勾》，由此把学生们引入到本课教学当中。 通过故事导入法，学生兴趣盎然，学习积极性一下子被调动起来。学生们还说出了今后如何与同学相处，这样，不但调动了学习积极件，而且也增强了学生对歌曲内容的领悟能力。 五、悬念的设疑，引导学生探索的欲望 悬念的设疑是教师根据教学内容的特点需要，创设悬念，并以此事引发学生的好奇心和求知欲，是进行新课的一种形式，一般来说，音乐欣赏课用来设计悬念的问题，可分为两种：一种是针对知识储备较薄弱的学生，设疑必须由浅入深，另一种是针对知识储备丰富的学生，设疑问题要加大难度，发展其思维能力 ，提高学生的学习兴趣。比如欣赏《红河水》之前教师先不说曲名，但事实在教室黑板有目的给学生设置一个启发性的悬念提问，你听到之后情绪如何？这首乐曲的主题是什么，这样学生带着问题去听，才能进行专注的思考，第二次复听音乐，再次提出问题：“请问分几段，每段表现了什么内容，描写什么意境？” 通过设置这种程度不一的悬念问题进行教学，使全体学生全神贯注地听，并对这首作品进行思索分析，判断总结，使思维得到积极的、主动的发展，提高并吸引学生的听辩能力，获得良好的欣赏效果。 音乐教学中导入新课的方法多种多样，这并不是一成不变的。只要音乐教师在课堂教学中充分考虑到学科特点、教材内容、教学设施等实际情况，认真分析，巧妙设计，灵活运用，选择最合适的导入方法，使学生的学习兴趣不断强化，学习热情不断提高，才能真正使学生在情感上达到愉悦，真正的喜欢上音乐课。 浅谈音乐教学论文:浅谈小学音乐教学中的学科综合技巧 一、音乐与美术的结合 音乐和美术学科是学校艺术教育的主线条，是对学生进行审美教育的主要阵地，我觉得美术是流动的音乐，而音乐是流动的画面，两者应紧密相连。尤其是在音乐欣赏教学中加入美术的创作，会让学生把音乐美术有机的结合起来。如在聆听《飞来的花瓣》，让学生感受美好的师生情谊，学生对老师的真挚谢意及无比崇敬的心情，用花瓣一样的信件表达对老师的无比热爱，我的学生们边听边用自己手中的画笔把自己的感想画了出来，边听边用自己的动作把旋律表现了出来，有几个同学还为自己的作品作了首小诗，歌颂自己的老师平凡而伟大，无私的奉献。一时间，我的音乐课成了欣赏课，成了文学课，美术课，诗歌朗诵课等。我非常感谢我的学生们和我一起陶醉在美妙的情景中。我们度过了许多愉快的时刻，最后全班轻轻的哼唱起这首旋律，他们说是送给老师最好的礼物。音乐离不开听，更离不开思考和投入，但又不能仅仅停留在听觉阶段。因为音乐总是在表现一定的意境。这就注重了音乐与更多艺术的联系，这样可以开阔学生的音乐视野，带学生进入艺术的殿堂。 二、音乐与语文的结合 中国的文学博大精深，源远流长，多少的文人留下了许多脍炙人口的诗歌散文，令无数中华儿女惊叹羡慕。自古以来，文学和艺术两者息息相关，文学用音乐去演绎，去升华。音乐让文学更耀眼，许多歌曲本来就是一首诗，如我们课本中的《春晓》、《在希望的田野上》等。当欣赏这些乐曲时，我让学生们先朗诵歌词，领会歌词的含义，理解作品所表达的思想和感情，再让学生聆听并哼唱旋律，这样的课堂让学生受益匪浅，收获很多。我给学生讲时代背景，讲歌曲产生的年代的特点，以及作者当时创作的时代环境，讲与音乐相关的领域、相互沟通、彼此强化。教育心理学家认为：如果学习者能同时开放多个感知通道比只开放一个感知通道更准确，更能有效的把握学习对象。如动态的、视觉冲击等参与音乐的感知与体验，收效会不错。因此，采用视听结合的教学模式更能激发学生学习音乐的积极性，从而培养他们的发散性思维和创造性。在这样一个类型的学科中，多媒体的运用对于课堂内的教学效果的优化起着一个不容忽视的作用。在聆听欣赏时，我总是利用时间制作精美的教学 课件，让学生很直观的理解作品，并能很快的投入到我的欣赏课堂中。 三、音乐与现代教育信息的结合 在我的音乐教学中，我充分利用了多媒体进行教学，以更加丰富多彩的教学形式优化了欣赏课的教学结构，使学生在直观、具体、生动、有趣的课堂气氛中，学会了更多的音乐知识。我利用很多的休息时间，制作了许多适合儿童年龄特征和知识水平的精美动画和flash等，不仅提高学生学习音乐的兴趣，也让学生很快的进入乐曲所创设的情景中。音乐理论家修海林曾说过：“音乐意境既产生于音乐家对形象的审美感觉中，又存在于音乐的再现中。自然，音乐的审美也势必要求体验到这一意境，这时意境即是客体的主体化，也是主体的对象化，意境是审美意象性活动的产物。“因此，在音乐教学过程中，创设这样的意境对学生，特别是低年级的学生尤为重要。我在我的教学中经常运用多媒体的手段：制作课件，运用录象投影等使声像结合，来创设教学意境。对我的学生进行熏陶。其实音乐欣赏的过程就是感情体验的过程，它既是欣赏者对音乐的感情内涵进行体验的过程，同时也是欣赏者自己的感情和音乐中表现的感情相互交融、发生共鸣的过程。无论是对于普通的音乐听众，还是对于音乐的专家来说，感情体验都是在进行音乐欣赏时不可缺少的一种心理要素。音乐要运用语言、实物等手段，创设生动真实的情境，激发积极的情感，对学生进行个性的陶冶和人格的培养。 音乐是一门综合性很强的艺术课程，我们的教学中应该大胆的和其他学科紧密结合，开发学生的思维，拓展学生的视野，让学生很快的进入作品的意境。这样就能逐步的让学生去理解作品，感受作品的内涵，从而更好的去欣赏美，发现美和创造美。我们要和新课标紧密结合，大胆实践，更新观念，提高音乐教学的质量，为素质教育贡献自己的力量。 浅谈音乐教学论文:浅谈中小学音乐教学要以审美为核心 中小学音乐教学到底应以什么为核心？这是许多音乐教育工作者至今未能搞清的问题。目前有许多学校的音乐教学，仍注重在演唱技巧、乐谱知识、演奏技能的训练上，而忽视了最重要的东西——对学生进行审美意识的培养。因此，构建以审美为核心的中小学音乐教育模式，是实施新课标人才培养目标的有力措施。 一、音乐教材的审美因素 音乐教材的审美因素包括情景美、曲调美、配器美、伴奏美等。比如一首好的歌曲教材总是贴近学生的生活，表达孩子的心声，或是抒发一种温馨的心曲，呈现出一个美丽的梦幻，或展现一片炽热的情怀。这种情境之美对学生有着深刻的感染力，会使心灵萌发美的种子。同时，好的歌曲教材还应具备“动听”、“好唱”的特点，只有优美的曲调，才能产生动人、感人的艺术魅力，使学生听了还想听、唱了还想唱，百唱不烦。 音乐教师要善于发扬和挖掘音乐教材的审美因素，将自己的音乐审美体验积极地溶入对教材的分析、处理之中，形成强烈而浓郁的音乐审美动力和审美渴望。 二、音乐教法的审美原则 音乐教学作为审美教育的一种方式和手段，有着与一般学科不同的教学方法，主要表现为：从感性入手，以情动人，以美感人。概括地说，它遵循着下面一些原则： 1.情感原则 音乐是情感艺术，音乐给人情感的移入比其他艺术有力得多，更能直接有力地进入人的情感教育。情感是音乐审美过程中最活跃的心理因素，是音乐审美感受力的动力。在音乐教学中牢牢地把握情感性原则，不时点燃学生情感的火花，会有效地打开学生的心灵之窗，使其在情绪的勃发与激动之中享受美感、得到快乐。 2.形象性原则 形象性是音乐艺术的主要特点之一。由旋律、节奏、和声等音乐语言所创造的音乐形象，具有声态、情态、形态、动态等一系列形象化特征，音乐审美教育正是借助这些具体可感的形象来诱发和感染受教者。因此，在音乐教学中，以美引真，最容易被学生所接受，尤其是在识谱教学中，变抽象、枯燥的概念为生动有趣的形象，能取得事半功倍的效果。 3.实践性原则 音乐是实践性、操作性很强的学科，音乐教学要特别注重学生的参与意识，鼓励学生对音乐做出积极的反映。例如：在教唱《草原上升起不落的太阳》一课时，要充分调动学生多重感官，使之投入。首先，我设计了诗一般的语言描绘美丽而辽阔的草原景色。学生边看着我精心编辑的录像资料，边听着画外音：“银色的帐篷装点着绿色的原野，蓝天、白云、马儿跑，这景色多么优美，气象多么祥和，这如诗如画的景色简直就是一幅草原美景。”学生的思维被教学语言调动起来了，视觉和听觉被全面调动起来了，使之达到了如临其境、如见其景。这时，学生的学唱欲望已被完全调动起来了，他们带着歌词的意境和画面引起的联想，表情投入地开始学唱了 三、音乐教学过程的审美描述 一节出色的音乐课总是离不开构思精巧而充满新颖的教学设计，那些精彩的铺垫部分与诱人的连接环节，则会不断地唤起学生的音乐审美注意，使其产生新的审美渴望。比如：许多音乐教师十分注意对新课学习的导入，会采取各种形式诱发学生对新课的学习兴趣，使学生以积极的心态进入新歌的学习。 音乐教学的结束阶段，既是师生对音乐审美的共同回忆，又是一种新的音乐审美遐想。我在结束歌曲《童年》的教学后，课堂小结是这样写的：“我们通过歌声同音乐家共同回忆了美好的童年，这样我们更加珍惜自己的幸福童年。童年就是一道诗，童年就是一首歌，希望同学们永远记住这美好的童年的歌！”学生们在钢琴音乐《童年的回忆》声中，恋恋不舍地离开了音乐教室。显然，这种情境和气氛的感染力与熏陶作用 巨大的，在学生们走出音乐教室的瞬间，仍感受到音乐课堂的余音，当他们以美好的心情回味着音乐课时，他们已经产生了对音乐课的新的期待、对音乐审美新的渴望。 四、音乐欣赏教学的审美作用 审美的能力不光是通过大量的唱，也是通过大量的听才能达到一定的标准。光唱歌教学显然是远远不够的，因为中小学生的嗓音条件有限，他们所能唱的歌曲范围也比较狭窄。开展欣赏教学能培养学生对音乐的兴趣和爱好，扩大他们的音乐视野，丰富音乐知识及音乐技能，发展音乐听觉和音乐记忆力与想象力。通过音乐欣赏教学，能给学生以美的感受、美的教育。音乐形象不像图画那样直观、具体，它是通过听觉激起听者在情绪上的共鸣而使人产生各种联想的，它能直接作用于人的精神世界，对人有强大的感染力。教材中如能增加一些好的、短小的国内外民族音乐名曲欣赏，选择得当，就能使学生的性情得到陶冶、心灵得到美化，也能使学生增加对民族音乐语言的了解，更加热爱祖国的音乐艺术。同时，通过欣赏国外优秀的音乐作品，可以开扩学生的艺术视野……这样，既培养与提高了学生的审美能力与欣赏能力，又培养了学生高尚的道德情操。 总之，中小学教育应以审美为核心，要把艺术的完整性教给学生，使学生既能通过艺术作品体会到艺术的美，又能随时随地发现生活中的美，把学生培养成具有较高的文化素养、全面发展的、新型的二十一世纪的建设者，这是我们教育工作者肩上的历史重任。 浅谈音乐教学论文:浅谈音乐教学的艺术思维训练和艺术文化渗透 论文关键词：音乐　艺术思维　训练　艺术文化　渗透 论文摘 要：音乐教育的目的不仅仅是要让学生掌握一定的音乐基础知识、基本技能，更重要的是要通过艺术思维训练，让学生在掌握基本知识和基本技能的同时，不断提高学生的艺术鉴赏力和艺术思维能力。教师在新的课程理念下，促进艺术文化与音乐教学之间的有效渗透。 音乐教学在传统的教学模式下，曾一度受到应试教育理念的影响，被大多学校认为是可有可无的学科，在课程安排上，虽然也象征性地安排了几节课，也往往是被其他学科把时间挪用了。但是，随着素质教育的不断渗入，特别是新课程理念和标准的推行，音乐教学受到了应有的重视。音乐作为提高学生综合素质和艺术修养的重要学科，逐步走上了正规的教学轨道。但是，需要我们特别注意的是，音乐教学中，我们不仅要让学生掌握一定的音乐方面的基础知识和基本技能，更重要的是要在教学过程中尽可能地融入艺术元素，培养学生的艺术思维，提高学生的艺术修养。 一、音乐教学中融入艺术元素的重要性 1、在音乐教学中融入艺术元素是学科本身特点的要求。 就音乐这门学科来说。其本身就是一门艺术。我们在音乐教学中，在向学生传授音乐基础知识和基本技能的过程，也是在向学生展示音乐这门学科的艺术魅力。比如说，音乐中的五线谱，从表面看错落有致，就给人以美的享受，给人以跳跃感，因此，被广泛的应用与多个领域，作为艺术造型的创作原型。如果，我们在音乐课堂上，不从艺术的角度组织课堂，传授有关知识，就会失去音乐本身的艺术魅力，让人感觉音乐枯燥、干扁。 2、在音乐教学中融入艺术元素是新时期教育的要求。 新的课程理念下，我们更加注重的是学生综合素质的提高，艺术修养也是体现青少年综合素质的重要组成部分。音乐和美术等课程与语文、数学等学科相比，在提高学生艺术修养和鉴赏能力方面显得更加重要。因此，我们如何将音乐和艺术结合，促进他们之间的相互渗透，提高学生的艺术修养已经成为目前音乐教学的重要任务之一。 二、音乐能够培莽学生的艺术思维 音乐教学中融入艺术元素的方法很多，但是，尤为重要的是要抓好学生艺术思维训练这一环节。只有学生的艺术思维能力得到提高了，他们才能够从艺术的角度认识音乐，学习音乐，演绎音乐。培养学生的艺术思维非一日之功，要求教师采取合适的途径，按照循序渐进的原则进行科学引导。在音乐教学中，引导学生进行艺术思维应做到以下两个方面： 1、科学创设课堂环境 好的课堂环境是诱导学生进行艺术思维的环境基础，教师经过精心的准备后，在课堂上适时地对学生加以引导。在课堂上，教师可以依据教材有关内容，从探究教学的角度设置课堂问题，引导学生运用艺术的思维进行深入思考。这个环境包括多个方面，包括教师本身的着装、板书、教学器材等，除此以外，还有课堂氛围这样的软环境。在课堂软环境创设方面，我们应该充分考虑多媒体教学的引入，我们引入电脑等多媒体设备以后，就能够为学生提供声光电等多媒体展示手段，为学生创造视觉、听觉等综合感官参与的环境，刺激学生按照教师的提示和引导进行艺术思维。 2、突出学生主体地位 新的课程理念下，强调的是学生自身的发展，教师在课堂上已经不能再沿用传统教学模式下的填鸭式教学，要突出学生的主体地位，调动学生的学习积极性和主动性，不能让他们只是被动地接受教育，要让他们对新知识充满好奇，有着强烈的需求欲望。学生在这样的状态下，就会主动地思考问题，不再被动地等待老师告知思考的结果，在思考的过程当中，感受到学习的过程美，享受独立思考后得到答案的成就感，进一步激发他们独立思考，解决学习中遇到问题的能力。一旦独立思考能力养成后，学生在音乐课堂上就会主动思考问题，解决问题，当然，音乐课堂上更多的问题是艺术的，因此，有助于学生艺术思维能力的提高。 三、音乐教学要与艺术文化渗透 在提高学生对音乐艺术的鉴赏能力方面，仅仅提高他们的艺术思维是不够的，还要让他们具有一定的艺术文化基础。音乐教学与其他学科的不同是音乐本身是艺术的一种表现形式，我们不可忽视音乐本身的艺术特性。因此，音乐教学离不开艺术文化，艺术文化是促进音乐教学的重要文化基础。我们做到以下两个方面促进音乐教学中艺术文化的渗透： 1、找准教材内容与艺术文化的结合点 我们说要在音乐教学中引入艺术文化元素，也不是不分轻重、主次的盲目引入，要在充分领会教材内容的基础上，引入与教材内容体现相对集中的术文化元素。这就要求我们广大音乐教师要在熟知教材内容的基础上，找准教材内容与艺术文化的结合点，有计划、有侧重地引入艺术文化元素。使学生在学习音乐课程的同时，不断丰富艺术文化底蕴。 2、多策并举在音乐教学中引入艺术文化元素 在音乐教学中引入艺术文化元素的方法是非常多的，仅仅依靠课堂教学也是不够的，我们可以将课堂教学和学生的课外活动巧妙地结合起来。比如，我们在课堂教学结束时，可以给学生留一些课后思考题，这些问题可以紧密联系生活实际，尽量结合学生感兴趣的事情引导学生对艺术文化的学习和思考。除此之外，我们可以利用学生课外活动的时间，组织一些体现不同艺术文化主题的文体活动。总之，要多策并举，加强音乐教育和艺术文化的融合。 随着教育改革的不断深入，人们对音乐教育越来越重视。因此，我们应该在充分认识音乐这门学科特点的基础上，加强音乐与艺术的融合，提高学生艺术思维能力，不断丰沛学生艺术文化的基础，从而真正提高他们的艺术鉴赏力和综合素质。 浅谈音乐教学论文:浅谈现代信息技术在中学音乐课堂教学中的应用 现代的中学生，接触的新鲜事物多，接受能力较强，现代信息技术使用得比较熟练，音乐教师应针对中学生的年龄特点与学习心理特征，与学生一起在音乐课堂中正确使用现代信息技术，营造宽松的学习环境，激发学生自主学习的兴趣，让他们充分发挥自身的音乐潜能。信息技术的飞速发展，必然会带动教育从目的、内容、形式、方法到组织的全面变革。同样，以信息技术为代表的现代教育技术也极大地扩展了音乐教学的容量，丰富了教学手段和教学资源。利用现代信息技术，可以使听视结合、声像一体、形象性强、信息量大、资源宽广等优势来为教学服务。 一、多媒体资源共享在音乐学科教学中的优势 教师可利用多媒体资源共享，如各类教育教学所需的文字材料、图片资料、图表资料，各种动画、声音、视频、课件和影视录像等等。教师还可以直接在网上多媒体资料库中查找所需的各类素材，如文字、图像、声音、视频，制成多媒体课件，可以通过教室的大屏幕进行教学，也可以根据自己的需要，调用现成的多媒体课件来上课。甚至还可以通过链接直接进入全国各地的网站，得到所需的素材，向学生讲解搜索引擎的使用技巧。学生通过教师讲解后可以进入“搜狐”、“新浪”、“网易”等等网站，查找相关网站和网页。这样，教师就可以方便、快捷的得到所需的多媒体素材，可以最大限度地资源共享，在制作课件、利用课件进行多媒体教学时，节省大量的时间、精力，避开了技术方面的困难，教师可以专注于专业课程的钻研和教学策略的研究。音乐教师在使用多媒体计算机的音乐教学中，应不断提高自身的音乐文化素养和音乐教学能力，用优美的琴声、动情的歌声、婀娜的舞姿配合现代信息技术的适当使用，将音乐的美传达给学生。在音乐教学中，要充分发挥学生的主体作用，启发、引导学生利用信息技术参与音乐学习的积极性，不包办代替，使学生感到他们是音乐学习的主人。 二、充分调动学生学习的积极性和主动性 兴趣是学生学习的巨大动力，是学生主动进行学习和研究的精神力量。欣赏音乐是一种能动的审美活动，在各种歌曲或器乐曲的欣赏教学内容中，其作品的创作、流传过程，作者的生平经历以及音乐风格的演变，都有许多翔实的资料和传说故事。以往的音乐教学中，只用乐谱、乐器、书本、黑板、挂图等教学媒体，教师讲，学生听，教学过程比较单调枯燥，如今多媒体、midi制作等现代技术在音乐教学中的出现，极大地提高了课堂教学效率，激发了学生的学习兴趣。结合音乐的基本思想内涵，选取能够体现其音乐段落主题的画面和适当的文字介绍，经过多媒体视听技术处理的音像资料，声像俱佳，形象逼真，为理解音乐作品的情感寓意拓宽了思路，开阔了视野，有助于学生对音乐基本内涵的理解，倍受学生欢迎。 三、提高学生的审美鉴赏能力 音乐鉴赏是培养学生音乐审美能力的重要途径，而课堂音乐欣赏是学生音乐鉴赏的重要途径。多媒体技术的应用，为音乐欣赏课提供了前所未有的便利条件，如在介绍作品《伏尔加船夫曲》的背景时，播放一些纤夫们拉纤的视频片段，以增进学生的理解。在赏听时，学生便会随着“拉纤”的动作理解音乐的节奏和音乐所要表达的情景和思想感情。在介绍欣赏《十面埋伏》时，播放一些有关楚汉战争或内容接近的战争视频片段或图片，再配合文字介绍，整个战争从开始到结束、以及中间的转换变化便一目了然地出现在学生的意海中，随之，音乐的结构和表达意义也自然而然地展现在了学生的眼前。让学生在“实际环境”中体验和作者“相同”的心境，既达到了课堂音乐欣赏的目的，又提高了学生鉴赏音乐的能力，培养了学生的审美情操。这种音画一体，尽管在某些方面来说有 一定的局限性，但针对全体学生及教学内容的客观存在，为了达到教学内容的要求，这种教育，更有利于学生理解内容，演绎、创造情景，挖掘更深层次的内涵，达到艺术的升华。 四、提高创造能力 创造是艺术发展的根本动力，是艺术教育功能和价值的重要体现。现代信息技术在音乐课堂尤其是音乐欣赏课堂中的应用，更大可能地挖掘了学生的潜力，加深了学生的情感体验，也更大地激发了学生欣赏音乐的兴趣。譬如我在给学生欣赏了管子独奏曲《江河水》时，通过“实际观察”，有一名学生在看到“当时的社会状况”，这样写到：“作为在辽南广为流传的鼓吹乐曲，《江河水》带有浓郁的地方色彩，全曲的感情基调是悲伤的，就像一篇优美的韵文诗，只要闭上眼睛用心去领会，我不认为该曲表现某一特定人物的感情和遭遇，一首民歌在流传许久之后已然融入了哪个地区所有人的悲苦和沉思。社会的黑暗使身世无依的东北人需要渲泄、需要呐喊，而《江河水》正表现着这一主题。深沉而悲亢的音调、反复的吟说展现了被压迫民族的心情与呼声，悲凉的曲调中不时透出一阵阵衰微的疾呼。”？曾经，我们的一位美术教师在课堂教学中，给学生播放了一首《草原上升起不落的太阳》，让学生根据自己的理解做一幅画，学生非常兴奋，当堂作画，很快都做出了自己满意的答案。 实践证明，信息技术的运用，有力地促进了学生的视听联觉，有助于学生的音乐感受力和想象力的提高。各种音乐教学软件、音乐制作软件的运用提高了学生的音乐学习兴趣，增强了音乐学习效率，培养了学生的创新能力和实践能力。进而为学生终身学习音乐、享用音乐奠定了基础。 浅谈音乐教学论文:浅谈高中音乐教学中如何使学生对传统音乐感兴趣 高一新生开学已经两个月了。好多次，在上课时我问学生，对传统音乐持什么态度，他们几乎都会用三个字回答——“不喜欢”。对此，我心里暗暗有了压力，一直想着怎样才能让学生对传统音乐感兴趣又能把课上好。 经过一段时间的认真思考，我觉得我们的学生音乐知识缺失得太多，有些学生甚至缺乏对音乐知识的基本了解。因此音乐教学只能仍然在一种不成熟的心理状态下进行，传统音乐仍然没有走到学生的心里。欣赏传统音乐的难度高，学生还不能像成人那样认识到知识的构成性、组织性以及知识学习的过程性。因为文化课的学习过程性、知识的组织性多是由教师掌握的，学生自己不需要了解太多知识的系统组成部分，学习过程基本是由教师安排好的，因此学生往往意识不到这一点，下意识地把知识看成一个不可分割的整体，看不到学习的过程性。一旦当他们置身于一个自主性学习比较强的环境中，内心期望一种一蹴而就的学习方法的状态时，遇到困难就不知所措，看不到希望，情感得不到满足，从而产生消极的情绪。我想，这就是学生对传统音乐产生“不喜欢”的根本原因。 众所周知，音乐可以表示心理的紧张和安静，但是它不可能告诉我们关于日常的挫折、失望，或生活的机遇等。它可能是欢快和活泼的，但是它不会告诉我们是什么东西在我们和其他人的生活中引起欢乐和兴奋。音乐是一种意合性的特殊语言，呈现的是一种以音乐示意的文化形态，以声音为基础且有着极其深厚的文化底蕴。因此，必须遵循音乐的学习规律，突出音乐的自由性、模糊性和不确定性，突出音乐的情感性、愉悦性、渗透性，突出音乐的实践性、操作性，突出音乐的艺术性、思想性，突出音乐的文化性、人文性，让学生在对音乐的感悟、体验、表达和积累中，学习音乐知识，提高音乐素养。 那么，中音乐教学中如何使学生对传统音乐感兴趣呢，我想从以下几个方面谈谈： 第一，感悟音乐形象。音乐的“意合性”特点，决定了它的学习不能靠条分缕析来掌握，而是要用心去感悟，要穿透音乐领会音乐背后之形象，进而穿透形象而领略其文化意蕴。歌咏歌咏，这“咏”，就是涵咏，就是“悟”。“悟”不同于“理解”，是意会式的直觉思维，它不遵循严密的逻辑规律，不循序渐进、严格推理，而是跳跃式的和整体式的。“悟”，就必须在反复聆听、想象、歌咏甚至演奏等音乐实践中，从整体上去感悟音乐所塑造的形象和意蕴，从而在音乐形象的感染与熏陶中激发文化意识，提高文化修养。 第二，在音乐情感的体验中培养文化美感。音乐特具情感性，在学习过程中一定要注意把握音乐的情感表达，让自己的情感也丰富起来；随之感受音乐美、鉴赏音乐美、表现音乐美、创造音乐美，以美育己，以美示人，培养审美情趣，让美的甘泉真正滋润心灵。这样，就在音乐情感的体验和对音乐美感的感悟中使人变得高尚。 第三，在音乐的意蕴的表达中领悟文化内涵。音乐的本质是主体内在“精神”、独特“个性”的自由显现，是生命力、创造力的声音外化。我们可以把音乐意蕴无拘无束地表达出来，畅通思路，放飞想象，激发自主创新意识和激活生命力。如听赏了《我和草原有个约定》这首歌，可以根据自己的想象和理解，自主设计动作，伴着优美的旋律，把歌曲所表达的对生活的希望、热爱尽情地抒发出来。这样，也就深化了对音乐文化内涵的领悟。 第四，在音乐知识的渗透中学习。音乐知识是文化知识的一部分。在音乐课上掌握相关的乐理知识和音乐常识是必要的。如了解一些音乐作品的特点、风格、时代背景（如《义勇军进行曲》的时代背景）和音乐家的故事（如聂耳、冼星海的故事）等知识。 第五，在音乐作品的积累中丰富文化底蕴。事实上我们的学生在音乐方面了解的知识实在太少了。如从小学到中学的课本知识积累几乎没有，甚至就连课本上的歌曲会唱的也非常少。这样，就常常陷入音乐课教学无法正常实施的局面。因此，我们要在今后的音乐文化学习中学会积累，如背唱一定数量的中外歌曲、训练比较感兴趣的乐器、多参加文艺活动等。 总之，在音乐学习中，我们要重视我们的传统音乐，我们的观念要解放一点，办法要多一点，在音乐教学实践中弘扬个性、完善人格，树立文化意识，扩大文化视野，增长智慧，丰富文化底蕴，提高文化修养，成为一个真正有文化品位的人。 浅谈音乐教学论文:浅谈音乐教学中课堂提问的方式和研究 摘　要：课堂提问时机的把握应是：提问于学生的疑惑处；提问于学生新旧知识的联系处；提问于教学环节的关键处；提问于学生思维的转折处。课堂提问设计的方式多种多样，主要有文中的几种方式等。 关键词：音乐课堂　提问　方式研究 中学音乐新课标所倡导的“自主、合作、探究”的学习方式，要求教师放下架子，不再以课程知识的唯一拥有者和权威自居，而是以参与者的身份与学生进行合作伙伴式的交往。心理学家认为，发现问题是思维的第一步，回答问题是思维的第二步。这样，问题——回答——问题——回答，就形成了一系列的对话。师生问答使整堂课形成不断地向前推进的思维流程，进而迸发出创造性思维。 一、善于把握提问时机 音乐课堂提问是教师授课过程中普遍采用的一种方式手段，它往往贯穿于教学全过程。既是教师发挥主导作用、引导学生理解运用知识的重要途径，也是体现学生自主学习、成为课堂学习主体的主要形式。在课堂教学中，课堂设疑提问的质量直接影响着教学的质量，影响着学生思维的训练。提问必须抓住时机，相机诱发，使提问收到应有的教学效果。 1.提问于学生的疑惑处 “学起于思，思源于疑”。提问，是为了启发学生通过自己的思考来获得知识、培养能力。孔子曰：“不愤不启，不悱不发。”教学中，教师要善于调动学生进入“愤悱”状态，引导学生“生疑”“质疑”“释疑”，培养他们发现问题、分析问题、解决问题的能力。学生有了疑问，就会产生求知欲望，就非要弄个水落石出不可。因此，教师在组织教学时，要善于根据教材内容，或课前设疑、引人入胜，或课中置疑、波澜跌宕，或课后留疑、回味无穷，使学生在音乐课堂上始终处于一种积极的探求状态。 2.提问于学生新旧知识的联系处 学生学习新知识需要旧知识的支撑。知识的“网眼”是相通的，旧知识可以作为学习新知识的开始，以故引新，以旧启新，新旧相连，不断拓宽知识的内容。思维一般都从问题开始，当学生遇到困难、发生矛盾时，思维就开始了。课堂提问要充分利用学生已有的旧知识，把新知识放在整个旧知识的背景中去思考，在新知识讲授之前，教师抓住新旧知识的内在联系，从学生原有的知识中找到新知识的认知生长点，设计出导向性的问题，铺设好“认知的桥梁”，促使新旧知识间的渗透和迁移，逐步建立完整的认知结构。在新旧知识的联系处提出问题，有利于帮助学生建立起知识间的联系，激发学生的求知欲和内动力，更全面地理解新知识 二、精心设计提问方式 课堂提问是一门学问，是一种艺术。是学问，自然有探索不完的奥秘；是艺术，自然是多姿多彩的。课堂教学中不仅要有“问什么”的问题，还有“怎么问”的问题。课堂教学提问要注意“怎么问”的问题，就要精心设计提问的方式与技巧。事实上，课堂提问没有标准的模式，提问的方式也是多种多样，教师要善于提问、精于提问。提出的问题，要问得开窍、问得“美”，能够启迪学生的智慧，确实渗透着教师艰辛的劳动和创造性的才华。这里笔者仅仅概述几种常见的提问方式。 1.“发明千千万，起点是一‘问’ 智者问得巧，愚者问得笨。”提问也有巧问与笨问之分。有的教师析疑解难时总是不精心设计提问的方式，或提问过于简单，或提问不分轻重主次，或提问过于空泛，或提问模糊不清，或提问缺乏新意，其结果没有起到培养学生思维能力的作用，而是束缚了学生思维能力的发展，致使学生的思维停留在最低层。提问必须有的放矢，箭中“课眼”，让学生学会思考，准确理解课文。 2.揭疑式提问 在教学中，教师于无疑中设疑，以利于激 学生的学习兴趣，培养学生的创新意识。教学中，教师就是要不放过教材中看似平常处、易懂处，注意深层思考，提出层层深入的问题。 3.曲径通幽式 教师不正面揭示问题的实质，而是迂回地指向问题，即问在此而意在彼，也就是常说的“曲问”或迂回问。这种提问富于启发性，吸引学生探究和发现，激起学生思维的浪花，产生“投石击破水底天”的教学效果。 4.由此及彼式 这种方法又可称为联想性提问，即从学生的已知出发，通过教材前后内容的联系，让学生自己类比出新的问题，达到知识迁移的目的，也可直接提示学生展开相似、相近、相对联想，从而培养学生的发散思维能力。与此同时，还可以对学生进行情感、态度、社会主义核心价值体系的教育。

初中美术教学论文:新课程初中美术教学方法探讨 一、对现代化教育手段充分利用 传统的课堂授课方式在新课程背景下的局限性越来越显著，将现代媒体教学向美术课堂引入已经发展为必然的趋势。传统美术教学充斥着太多的理性知识，欠缺感性方面的材料，难以使得学生的主体性得到真正发挥。怎样对美术教学过程动态、立体、全面反映，多媒体教学在这一方面显现出了显著的优势，它具有多种表现手法，能够有效融合形、声、色等方面，在对学生学习积极性调动方面显现出了良好的效果，这样美术课堂就能够达到美中育人，寓教于美，最终实现教学过程的优化。将多媒体教学引入初中美术教学，实践证明这种教学手段具有显著的效果。 二、以素质教育要求为依据，构建科学的美术课堂教学模式 在美术教学中有两种模式比较常用，第一种模式为“示范—模仿”。教师利用示范的方式将绘画过程提供给学生，使学生获得感情认识，此外对学生做好引导，使学生能够积极参与观察，认真思考，主动分析，对其中孕育的道理深切体会，也可以对可行的几种方法进行展示，这样学生就能够将思考、选择、模仿、体验同步展开。以对《水墨画的笔墨技法》这部分内容讲授为例，仅仅依靠口头的方面将中锋、侧锋、逆锋、拖笔等知识向学生表述，学生理解起来难度很大，教师对学生进行示范，学生积极观察，认真思考并与恰当的练习相配合,才能取得理想的教学效果。第二种模式为“尝试—指导”。教学中，学生对绘画方法展开自主学习，在学生尝试学习的过程中贯穿着教师的指导与分析。使学生一边对美术教材学习，一边研究如何绘画，在商讨过程中确定具体方法。教师需要注意有针对性地指导学生绘画，实现学生在技能上的提高，获得有意义的体验。 三、客观认识学生之间存在的差异 对教学环节安排与学生学习任务分配时,要对学生之间存在的差异客观认识，使每个学生均有机会展现自己的特长，教师对学生的表现应当积极评价,增强学生的自信心。以漫画教学为例，在作业设置方面使学生有四种选择,具体为：（1）结合生活中的趣事绘制一幅漫画；（2）为自己设计一幅关于理想中的自己漫画；（3）画一幅卡通人物漫画；（4）为你身边的人设计一幅漫画。学生不在作业选择上有很大的空间，难度不大，能够以非常愉悦的心情轻松完成作业。结合上面分析，在新课程背景下，初中美术教学一定及时更新理念，充分尊重学生的主体性，勇于探索，认真反思，积极主动地加强交流，这样才会实现初中美术教学质量的真正提高。 作者：李世斌 单位：青海省德令哈市第四中学 初中美术教学论文:初中美术课堂个性化教学 一、个性化教学模式 个性化教学就是尊重学生个性的教学，这种模式要求最大化地尊重和理解学生的个性、兴趣和爱好。个性化教学是应素质教育的要求而开展的一种切实有效的教学模式。这种教学方法不仅可以培养学生学习兴趣，激发学生学习热情，还能促使学生主动地投入到课程学习中。对于学生知识的增长、阅历的提高都是有帮助的。因此，在素质教育的大力号召下，应当将个性化教学模式科学地、合理地、有效地应用于课堂教学中，提高课堂教学水平，促使课堂教学更加有意义。 二、个性化教学模式在初中美术课堂中的应用 首先，要明确美术个性化的学习目标。这一点要求要以学生的整体需求和兴趣点为出发点，促使学生找到适合自己个性化学习的目标。我们可以将个性化的学习目标分为低级、中级和高级这三个阶段，这就要求教师要非常了解学生的状况，根据学生实际情况因材施教。 其次，探讨美术个性化的学习方法。这一点要求加强学生的体验互动式学习。通过不同的情境让学生得到情感的体验，激发学生的兴趣和动力，发挥学生在教学中的主体作用。在教学过程中，教师应该客观地去评价评定学生的提问或回答，美术学科的答案不是唯一的，提问或回答的目的在于让学生体会探究的成果，享受这一过程带来的成功和喜悦，增强学生的自信心，提升学生对美术学习的兴趣和动力，让学生学会自主探究、发现和解决问题。 最后，鼓励学生的个性化思维，教师应该鼓励学生选择自己喜欢的方式来表现美术作品，而不是要求学生用老师喜欢的方式去展现，这样就失去美术本身的魅力了。美术课程本身的艺术性就具有开阔性，每个学生理解的不同，展现的方式特点就不同。所以，美术教师应当对学生的特性、兴趣、爱好、学习能力等方面进行了解，因人施教，充分体现个性化教学的特点。 三、结语 总之，初中美术教学应该结合学科特点，利用个性化的教学模式，更好地调动学生学习美术的积极性，发挥学生个性化的创造力。 作者：李祥 单位：重庆市黔江区阿蓬江初级中学校 初中美术教学论文:有效性初中美术教学研究 一、初中美术教学的特点及存在的问题 1、初中美术学科的特点 众所周知，美术是一门学科，是培养学生从绘画到制作本领的学科，是实现美术教学的重要途径；而其也不仅仅是一门学科，更是开拓学生事业，提升其审美意识并培养各项综合素质的学科。初中美术课程作为初中基础教育的一部分，对于培养学生的各项能力有着非常重要的作用。 2、初中美术教学存在的问题 前面说到，美术课程是初中基础性的课程，因此常常不被重视，学生对于美术学科的关注也非常薄弱，大部分家长甚至学生都认为学习美术对于自身并没有好处。目前，我国初中学校的美术教学都存在一定的问题，首先，学生们的观念受到应试教育的影响已经根深蒂固。其次，很多学生与家长都认为，学习必修课程才是初中学生的重心，对于自己孩子的一些美术兴趣进行扼杀，认为其是不务正业。 二、提高初中美术教学的有效性具体措施 1、通过创设学习情境激发学生美术学习兴趣 学生能对美术学习产生兴趣，那么就有助于美术教学的顺利开展，因为兴趣不仅仅是学生们学习的最好老师，还是推动学生进行美术学习和探索的最大动力。一旦学生对美术产生了兴趣，就能让学生更快的吸收和掌握美术相关知识和技巧等。教学中，教师可以通过多媒体向学生设立一个学习情境，将美术作品中所想表达的内容和情感展现在学生面前，以添加声音等形式充分调动学生的感官，让学生有一种身临其境的体验，激发学生学习兴趣的同时还能培养学生的美术欣赏能力。 2、提高初中美术教师的专业素养和情感教育感染力 初中美术教师是初中生在艺术方面的启蒙老师，在初中美术情感教育中担当主导的角色，有必要将美术教师的专业素养不断提高，因为在初中美术情感教育过程中，美术教师需要有灵活有效的教育策略，为学生学习艺术的积极生动的学习情境，要用美术教师自身的情感去感染初中生，拨动初中生内心对艺术的真实情感，让初中生在欣赏艺术和感受艺术的时候获得审美体验，进而陶冶初中生的性情，净化其心灵，提高初中生的艺术思想境界。在初中美术教师进行情感教育的时候，一定要注重自身的感染力，初中生具有很强的模仿能力，当教师的感染力达到了一定高度的时候，初中生就会受到老师的感染，主动去学习，增强学生对未知领域的探求力。初中美术教师可以通过自己独特的肢体语言和教学语言对学生进行情感教育，吸引初中生的注意力，提高初中生学习美术的兴趣。 3、情感教育中多采用信息技术 初中美术教师在进行情感教育的时候，可以多采用信息技术帮助提高课堂学习氛围，通过图片、视频、音频等辅助方式，以此创造和传统美术教育不一样的教学情境，吸引初中生的注意力，毕竟初中生都是活泼好动的，美好、有趣的新鲜事物对学生都有一种特别的吸引力。利用多媒体技术引发初中生的好奇心，激发初中生对美术的学习兴趣和创造激情，在愉快的课堂氛围学习美术知识，培养初中生对美的向往心性。同时初中美术教师还能通过信息技术将抽象的美术知识直观的展现在初中生的面前，激发初中生积极参与到美术创作中来。 4、通过扩充美术资源提高学生的总体发展能力 美术教学的主要目标之一就是培养学生美术思维能力、创作水平以及审美、欣赏能力。因此在美术教学过程中不能缺少大量的视觉、听觉形象，利用多媒体能够让教学课件和内容变得更加丰富，其中的声音和动态画面也可以有效调节课堂学习氛围。当学生进入审美疲劳的时候，教师就可以利用多媒体技术进行另外一种教学模式，保证不浪费教学课时的同时让学生变得心情愉快，更加喜欢美术学习。而且音乐除了可以放松学生心情和消除疲劳外，还能让学生感受其中意境，净化学生心灵，为学生提供另类的创作平台，促进学生情感智商以及思维的发展。例如教师在对一些美术作品进行讲授的时候，就可以利用多媒体重点突出作品中人、事、物的特点，如果在讲授过程中再加入声音、色彩的刻意渲染，让作品变得更加鲜明和突出，便于学生理解和认识。这样在丰富教学内容的基础上，为学生提供更多的创作素材，有效提高学生的观察和分析的能力。结束语： 三、结语 总之，通过创设情境教学、采用多媒体技术等方式打造活泼生动的教学氛围，加强对初中美术教师素质的培养，运用情感教学等多种手段，以提高初中美术教学的有效性。 作者：唐盈盈 单位：泰山双语学校 初中美术教学论文:初中美术课堂教学论文 一、美术课堂上的教学示范需要注意的问题 美术新课程倡导培养学生创新意识，而传统教学重讲解，轻示范；重视运用灵活多样的教学手段，忽略了学生美术技能的扎实掌握和绘画方法的学习运用，造成美术课堂示范教学的缺失。所以，美术老师应认识到示范教学在课堂上的重要性，很多技能技法的传授需要教学示范。 （一）因材示范，根据学生的实际情况 示范教学过频或过淡，忽略学生的实际需要教师对每一个步骤演示讲解，学生观看熟记，这就带来了相对的缺陷：部分学生在创作时容易受教师示范的“定势”，使得自己创作的作品没有很强的“原创性”，更多的是教师作品的“影子”。这样过于频繁地示范只会使学生依葫芦画瓢，形成思维的惰性，而且也会让学生的作品风格单调划一。学生缺乏运用迁移的方法，去选择自己喜欢的方式，去尝试艺术的表现方法，也就无法在美术创造行为的表现过程中发展个性和气质，创造新的作品。美术课虽然是技能性很强的学科，需要合理的示范，但它与培养学生的兴趣，提高学生的审美能力，陶冶学生的性情，培养学生的创新能力并不矛盾，反而是相辅相成的。 （二）示范教学流于形式，忽略学生的学习效果 美术课堂示范教学具有形象性、直观性的特点，它能帮助学生理解和记忆操作的动作要领，启发学生形象思维，锻炼学生实践技能，培养学生观察、分析、解决问题的能力，从而取得良好的学习效果。美术教材呈现在欣赏者的面前是静态的，无论教师的解说多么仔细，步骤多么详细，都不如教师的示范能解决技法学习上的难点。通过示范，使其产生表象，进行形象思维，最后掌握知识技能。例如，讲解《水墨画—动物》时，教师首先要教给学生一些笔墨技巧，而这最为一目了然的方式是示范，学生通过示范的学习，初步发现了一些创造美的方法，找到了一些笔墨技巧，并跃跃欲试。这时，学生学习的自主性也得到了充分地体现，自然产生求知和探究的欲望，会把学习当作乐事，最终进入到会学和乐学的境界，美术教学的良性循环也会因此建立起来。 （三）示范教学应根据不同的教学目的讲究一定的量和度 示范必须根据教学任务的实际需要，有目的，有针对性地选用。示范是教学的手段，它本身不是目的，不能为示范而滥用示范，只能在完成教学任务需要它时，才恰到好处地选用示范手段。如果遇到较难的内容或者学生动手能力差的学习内容，教师不妨试着带领学生学习。例如，初学水墨画，教师可以从构图开始，对造型，对线条、墨色的处理方法一一示范讲解，学生看得明白，学得真实，能较快的掌握技法。同时学习的积极性得以持久，能有充分的信心完成创造美的活动。高年级的学生无论质疑、解疑能力，都比较强，他们思考问题有了一定的深度。因此，教师只需根据教学目的，在一些人物造型、形象设计、构图等方面略做点拨即可。“教有法而无定法”，在美术教学中，美术教学示范的创设方法也是灵活多样的，美术教学中良好的教学示范创设，不仅可以激发学生的学习兴趣，还可以让学生由此及彼，触类旁通，举一反三，扩散学生的思维，使学生逐步学习创作和设计的方法。 （四）示范教学应具有启发性，充分调动学生的积极性和参与性 示范的范围应该确定为以具有普遍规律或程式的技法训练示范为主，而具有创意性探索性的创作过程就要偏重于启发和引导，不宜做完整的示范。在一节剪纸课上，课堂中有两次示范，第一次是教师快速地折剪，展开后变成一个双喜字；第二次是教师快速地将双喜字上下的两个口字进行了变化，简简单单的“笑脸”和“心形”。第一次的示范是揭示课题，引起兴趣；第二次的示范是启发学生的创作欲望，示范简单而典型，可以让学生举一反三，又起到了直观、形象的示范作用。这堂课的示范就完整的融汇于整节课中。美术课堂示范应能够充分调动学生学习积极主动性，引导学生通过独立思考，融会贯通掌握知识，并发展能力。在上述这个案例中，教师在关键处示范，千方百计地把拟订的教学目标变成学生自己的学习目标，在这种条件下，学生积极主动的学，教师的主导作用和学生的积极主动性就找到了结合点。适量适度的示范可以达到“润物细无声”“曲径通幽”的效果。教师的示范赋予课堂于“形”，学生的创作赋予课堂于“神”，神形兼备，方为上品。 （五）不能过于强调学生的主体性，削弱教师的引导作用 新课程标准重视学生学习过程中的体验，强调学生的参与性和实践性，让学生参与知识探索，并通过体验与感受，构建属于自己的认知体系。如果误认为自主学习就是学生做主，自己学习，那就削弱了教师的引导作用。 二、结语 总之，新课程下美术课的示范教学仍然是美术教学中一个重要的环节，教师匠心独具的示范设计及精心演绎的示范过程对学生来说弥足珍贵。“集腋成裘、聚沙成塔”。教师如果抓好这一环节，便能更好地服务于课堂、服务于学生。 作者：赵姝 单位：河北省秦皇岛北戴河新区大蒲河中学 初中美术教学论文:初中美术教学策略浅谈 一、培养学生的美术兴趣 兴趣是最好的老师，也是迈向成功的基石。它可以激发学生去记忆、去探索、去学习，在快乐中获得成功。因此，培养学生的美术兴趣很关键。每个学生内心都是纯真的、率性的，他们不喜欢矫揉造作，不喜欢拐弯抹角，也不喜欢曲意逢迎，他们渴望自然，渴望本真，这对学习美术来说是最为可贵的品质。教师在美术教学中，只要把握住了学生这种纯真、自然的本性，就能够使学生对美术充满兴趣。初中学生的美术基础一般都很薄，因此，教师在安排课程内容时，要根据不同年龄阶段学生的情感和认知特征选择合适的内容，以活泼多样的教学方式进行呈现，培养学生的美术兴趣。美术教师在进行教学时还应注意课程内容要紧密联系学生的生活实际，使学生认识到美术知识和技能能够帮助美化自己的生活，使他们领悟到美术在实际生活中的独特价值。这样，学生就会对美术产生强烈的兴趣。此时，教师要积极引导学生，帮助他们把这种兴趣转化成持久的情感态度。 二、培养学生的主体人格 新课程理念明确了师生新的关系，强调在教学中，学生是主体，教师是主导。因此，初中美术教师在教学过程中，除了引导学生学习外，还应该培养学生的主体人格，使学生认识到自己是学习的主人，充分发挥主体作用，积极自主学习。教学中，教师不再高高在上，而是和学生平等的，师生间平等地进行学习、情感交流。所以，美术教师要创设宽松、民主、和谐的课堂氛围，建立开放的教学模式。教师要鼓励学生自主参与教学活动，积极地投入到活动的全过程，积极地观察、想象、收集资料，充分地讨论、表达自己的观点和见解，在教师的引导下快乐地学习构图、学习画法和技能，最后尽情地画出自己看到的、想到的、脑中形成的画面，把自己的想法淋漓尽致地表现出来。这样，学生在教学过程中真正成为了学习的主体，在轻松活泼的课堂氛围中与他人互动，激发了主体人格的形成。 三、培养学生的审美能力 《美术课程标准》指出：“美术课程要提高学生审美意识和审美能力”。生活中不缺少美，缺少的是发现美的眼睛。美术课是一门教给学生发现美、记录美、演绎美、创造美的课程。教师在美术教学中，不仅要教给学生发现美、记录美，还要培养学生的审美能力，提高学生的审美意识和审美能力，使美的事物出现在画布上的时候，不单显示出它本真的美，还应该具有画者根据自己的经历和体验演绎出的美、创造出的美。这样的美才是艺术的美，才能给人美的享受。教师在教学过程中，可以对美术作品中的线条、色彩、质感等进行分析、解读，然后对实物或者是实物的照片中的图案的线条、色彩、质感等进行分析、解读，之后对美术作品和实物照片进行联系、比较，以这种方式帮助学生形成对自然美和艺术美的整体知觉。教师还可以通过让学生观察、欣赏某一事物，来培养他们的审美能力。如欣赏具有中国特色的剪纸，观察它们的图案、线条、装饰，刀味、纸感，写意与寓意等，并尽可能地了解它们的制作工艺、文化内涵，使学生在观察、欣赏中发现美、追求美，并在脑中构成美，在手中表现美，弘扬民族文化，提高审美能力。 四、培养学生的创新精神 如果学生的美术作品只是真实地记录美，那效果肯定没有照片好。美术作品之所以美，是因为它融入了画者的情感、态度，对原物进行了创新。因此，教师在美术教学过程中，要注重培养学生的创新精神，使学生的这种创新融入到美术作品中，呈现给观者不一样的美感。学生的创新不能“闭门造车”，而应该来源于生活。教师在安排课程内容、给学生布置课下练习的时候，要注意与学生的实际生活紧密联系，选择学生熟悉的事物、题目。学生具有实际的生活经历和体验，不仅对教师出的题目有比较清晰的了解，还可把这种经验融入到美术作品的创作中去，从而具有了创新性。此外，学生在完成美术作品后，还可以返回到自己的生活中，与真实的事物进行比较、分析，在更加充分地认识事物的基础上，对美术作品进行充实、丰富和美化。因此，教师应鼓励和引导学生更多地接触实际生活，参与社会实践，为获取丰厚的创作素材、巩固所学知识、拓展想象空间，并为提高创新意识和能力奠定良好的基础。大自然是最好的老师，劳动也是最好的老师，教师应多多带来学生走出校园到大自然中去体验、去学习，去劳动，在实践去享受独立和自由，塑造创新型的人格，培养创新能力。 五、总结 总之，美术是初中教育中非常重要的一门课程。在素质教育飞速发展的今天，学校和教师要切实把美术教学重视起来，运用科学的教学方法和策略，使学生在学习中、生活中发现美、记录美、演绎美、创造美。初中美术教师在教学中，要培养学生的兴趣，培养学生的主体人格、审美能力和创新精神，使学生在美术学习中发展智力、道德和人格，提高美术鉴赏、创作修养，为全面发展奠定良好的基础。 作者：许江涛 单位：河北省青龙满族自治县隔河头镇初级中学 初中美术教学论文:初中美术教学快乐课堂构建分析 一、构建初中美术教学“快乐课堂”的必要性 在学生生涯中，学习是学生的本质，研究表明，有兴趣的学习对学生吸收知识非常重要，对他们来说反而会积极主动学习，让学生吸收知识效果更佳。那么怎么有兴趣的学习，就是要靠教师在教学中进行愉快教学，让学生在快乐的环境中，保持学习兴趣。在九年制义务教育中，美术是一门在初中必修的艺术课，通过美术学习，来提高学生智力发展，提升学生的审美观，提升学生的观察力与想象力，对提升他们的形象思维能力和创造力有一定的作用，研究显示，美术学习锻炼人的右脑，让智力得到全面的发展。一直以来，我国处在应试教育阶段，大部分学校都追求升学率，对美术教育并没有重视，这种状态必须得到有效的改革。对于教育政策应该真正从应试教育转到素质教育中，激发学生对初中美术热情学习。通过审美形态的教育，培养学生对艺术对自然美的形态的鉴赏和识别，让学生形成敏锐的审美知觉，有对美的感悟和欣赏能力。同时，在初中美术教学中，要让学生喜欢美术课，要在课堂上增强学生对于初中美术的爱好以及引起他们学习的兴趣与欲望。通过快乐教学，引导学生学习一定的美术知识，开阔他们的视野，促进学生全面发展，尝试构建初中美术教学“快乐课堂”，让学生爱上初中美术课。 二、构建初中美术教学“快乐课堂”的具体措施 构建初中美术教学“快乐课堂”的具体实施，应该针对美术这个课程，利用教材中的各种快乐元素，采用不同的教学模式，让学生对初中美术感兴趣，让学生在快乐的美术学习氛围中学到更多的美术知识，提升他们的美的全面认识。 （一）注重教态自然，创造快乐气氛。一直都说学生是祖国的花朵，而教师则是辛勤的园丁，对待祖国花朵，教师的态度应该是和蔼可亲的。教育教学的效果在一定程度上是受教师的态度影响的，教育教学是师生共同的结果。友善和蔼的教学态度能让学生感到快乐感到亲切，有利于提升学生对初中美术的热忱，教师教学言语情切，表情和蔼面带微笑，就能给予学生营造一种快乐的学习环境，让学生感受到教师对他们一直以来的鼓励与关怀，让师生之间形成一种没有间隙的亲密关系。高质量的教学保障源于良好的师生关系，在日常教育教学中，教师应该用真诚与和善的态度对待学生，让学生感受到教师的关爱。即便对待成绩较差的学生，教师用幽默的而言语，真诚期待的眼神，用微笑来沟通也比严厉的批评来的有效，让学生自觉改正缺点，消除负面对立情绪，建立良好的师生关系，创造快乐和谐的学习氛围，才能让学生真正的进入快乐学习状态，提升全面发展。 （二）巧用信息技术，创设课堂情境。随着社会主义的全面发展，高科技逐渐出现在人们的日常生活中，而教育教学中也频繁引入高科技手段，计算机多媒体已经逐渐运用到各大院校的教育教学中。传统的教育教学方法往往比较枯燥，久而久之学生失去了学习的兴趣与欲望，尤其是美术这种视觉艺术课。因此，教师应该巧用信息技术，灵活运用高科技器材与手段，为学生营造良好的教学场景。如果在美术教育教学中运用现代化技术手段来呈现美术作品，让学生真实感受。这种方式的教学模式直接刺激学生的视觉神经，让学生不断产生学习的兴趣，这样利于实施快乐课堂教学模式。学生吸收知识的水平都不一样，有的学生底子好，如果教师慢慢的进行授课会让他们觉得不耐烦，有的学生底子差，如果讲得太快他们又觉得没有学到东西，不知道如果完成。如果运用高科技信息科技手段来授课，比如用多媒体播放，先把美术作品的作画步骤与详细解说用多媒体播放一遍，对于能力强的学生来说，看完后可以直接进行作画，而对于基础较弱的学生来说，老师可以陆续讲解与辅导，慢慢师范进行，让这些学生也能全面吸收知识。这样的教学模式，不仅丰富了美术教育教学手段，同时又面向全图学生，创造良好的教育教学情境，达到良好的教学效果。 （三）优化组织形式，促进双向交流。现阶段课堂教育都是以学生的年龄编成一个学习单位，再按照学生的高矮与座位顺序编成一个学习小组，再根据传统的教育教学授课模式“秧田式”形成结构。这种结构不利于师生之间的双向流量，特别是美术课堂这种艺术课，如果采用圆形、月牙形、灵活形的授课模式，学生在学习与获取知识的同时，更加便捷的能与教师沟通，以达到双向交流的模式。作业辅导是初中美术教育教学过程中一个非常关键的步骤，教师在美术教育中对学生的作业应该进行相关解答，同时，对作业困难的学生要有针对性的启发教育，对于作业完成好的学生，应该让他们分享自己的构想，让其他同学受到学习启发，这样一来也激发了学生对美术学习的兴趣，拓宽学生的思路。优化课堂组织结构，可以让课堂变得更加有效。 （四）改善评价体系。传统的教学教育模式，对学生学习结果的评价都单一的只有成绩，这也让学生有了一种学习的压力。有压力的学习，必将让学生在吸收知识时减弱了效果，也容易引起学生的负面情绪与影响，成绩差的学生必然会有自卑心理，不利于之后的学习。教师在教育教学中必须改善这样的一种状态，采用多方面的综合评价，不要仅仅让成绩结果作为对学生的评价依据，发现学生在其他方面的优点。在平时教育中，多鼓励多关心学生，对成绩差的同学进行友善的建议和爱的教育，启发他们进行自我探索，提升他们主动性与思维开拓性。 三、结束语 在快乐的学习氛围中，学生能提高学习欲望，让学生在快乐的氛围中学习初中美术，激发学生对美术的浓厚兴趣，没有负担的完成学习任务，不仅能提升课堂效率，还能提升课堂质量。构建初中美术“快乐课堂”之路是必须存在的。 作者：刘嘉欣 单位：宁夏大学 初中美术教学论文:情感教育初中美术教学论文 一、在初中美术课程教学中渗透情感教育的方法 1．培养教师高水平素质，促进学生正确审美观的形成 美术老师是否具有爱岗敬业和为人师表的自身形象，能够对学生产生直接影响作用，由于“情生于境，境能移情”，因此，美术老师必须通过自己言行对学生进行感染，使自己在教学风格上具有严谨的态度，教学过程中则要对学生和蔼可亲，给其建立一种优良的学习气氛，从而使学生能够具有较高的积极性学习美术。因为情感教育是潜移默化的过程，具有润物无声的显著特点，所以在大部分时间需要将情感教育彻底地渗透到课程教学过程中，让学生能够获得美的感染，才可以使学生具有科学严谨的学习态度，从而培养他们具有无私奉献的精神，最终提高了学生的修养。例如，美术老师在一次非常良好的多媒体设计、没有瑕疵的授课安排、对学生学习具有认真负责的态度，甚至老师在讲课时的服装搭配都可以直接影响学生的学习效果，而且能够通过无形的情感动力引导学生形成正确的审美观和人生观。 2．挖掘情感题材，推动学生形成良好的道德品质 初中美术教材具有非常丰富的情感教育内容，有效地发掘学科教学内容中包含情感教育价值的素材，能够加深学生理解和认同学科素材中所包含的情感教育价值。人教版初中美术教材中能够指引学生具有正确的劳动态度、良好的爱国意识以及优秀的思维习惯的章节数量非常多，美术老师需要充分地发掘其中包含的情感教育素材，从而能够将情感教育在课堂上展开。例如，在初一上册的美术教材，有一节课程内容为“人类创造的源泉是劳动”的内容使老师非常容易指引学生认同劳动价值。特别是在当前我国独生子女数量多、大部分家长都比较娇生惯养的背景下，大部分学生在面对劳动时都没有端正的态度，因此将这些内容作为契机，再与一些恰当的美术作品相结合指引学生端正劳动态度非常必要。又如，在初二下册的美术教材中包含了与“装点居室”相关的课程内容，可以指导学生将生活中的废品“变废为宝”，如易拉罐和塑料袋等，从而使其形成良好的习惯;除此之外，初三美术教材中关于“中国古代辉煌的美术历史”这一内容，对于学生的爱国情感教育非常有利。美术老师可以利用一些中国古代画家的名作，对学生进行激励，使其具有爱国主义情感和民族自豪感，教材中蕴含的深厚的民族文化底蕴、灿烂的历史人文精神熏陶每位学生的思想，最终共同完成美育和德育的目的。 3．用丰富的第二课堂培养学生积极的生活态度 在生活中具有积极向上的态度来源于生活中对于美的发现，这样才能使学生领悟到周围环境包含的积极因素，从而形成一种优良的调控情感的能力。例如，在教授初三下册中国民间美术的课堂中，美术老师可以带领学生在课余时间参观民间的美术作品，如剪纸和窗花等，以此来指导学生们领悟到我国民间传统的作品中所具有的实用性和审美性的结合。例如，花纹型“灯笼”为美和照明相结合;“刺绣”为美和“穿着”相结合;“窗花”为美与“装饰”相结合等。其中初三下册中讲述的“蓝白之美”，主要是介绍我国江苏南通具有的蓝印花布，这作为传统的美与服饰之间的完美结合，包含了色彩美和搭配美等，是南通的民间美术所具有的劳动人民对未来美好生活的向往的典型代表。这类教学模式可以激发出学生对生活的热爱，从而使学生能够发现生活中存在的美，最终塑造了学生积极向上的生活态度。 二、结语 在初中美术教育过程中，美术老师需要注意各个年级学生之间具有不同的心理需求。除此之外，老师要避免在课堂上喧宾夺主，必须通过潜移默化的教学方式，与教学内容紧密结合，将情感教育润物无声地融入美术教学中，从而使初中美术课堂真正地达到“德育”与“智育”相结合，深入开展素质教育。与此同时，将情感教育彻底地贯彻到美术教学中，从而使教学人员能够充分地提炼出初中美术学科包含的教育价值。 作者：刘俊杰 单位：吉林省公主岭市第六中学 初中美术教学论文:美术资源在初中美术教学的应用 一、德州地方美术资源概述 地方美术资源指的是在该区域内经过人们逐步传承下来的一种美术资源和文化资源，更是人们生活集体智慧的成果，这种美术文化具有一定的历史研究价值和独特的风貌。德州地方美术资源是指在改地域内形成的具有代表性的文化资源，是德州地区人们长期生活经验和知识积累的过程。它包含了该地区的历史文化和精神传统，德州地区历史悠久，文化丰富，在漫长的发展历史中，形成了很多独具特色的美术文化资源。 二、德州地区初中美术教育特点分析 传统美术教学在初中课程中只是一门辅助课程，学校和家长都不十分重视美术课程，只有一些爱好美术的学生才认真学习，美术课程在传统教学中没有体现出真正的价值，更没有激发学生的学习兴趣。随着我国经济的飞速进步和国外新的教学模式的融入，我国加大了改革教学的力度和方式，全面贯彻深化教学改革，推行素质教育。因此新的教学大纲对初中生的美术课程提出了全新的教学理念和目标，主要体现在以下两点： （一）老师对美术课程的教学理念不够全面 国家为了培养中小学生的审美观、想像力以及创造力，规定在中小学课程中开展美术教育，随着国家教育的不断改革，美术教育早已经成为我国教育教学的重要组成部分。德州市作为三线城市。经济发展水平处于中等水平，与一线的发达城市相比，教育资源相对落后，特别是作为不列入考试内容的美术课程，老师更是缺乏创新的教育方式，传统的教育理念阻碍了该地区美术资源教育的进一步发展。主要分为两种类型：一是对于德州市区的中学老师来讲，老师基本能够按照国家教学的规定，利用先进的理念，指导学生学习，开发智力，将美术课程融入到大自然和历史文化中；二是对于处于农村的中学老师来讲，仍然按照传统的教育方式，不重视学生的美术课程，更不能将具有浓郁地方特色的地方美术资源与美术课程结合起来，美术课程没有得到全面的发展，因此，美术课程教学急需进一步改革。 （二）初中美术课程教学方法不够创新 初中学生正处于身心全面发展的时期，他们善于探索和发现身边的新事物。因此，这一阶段应以培养广大学生发现美和创造美的审美观念，尽可能的将美的东西与教学资源相结合，陶冶学生的情操，积极培养学生热爱生活、创造生活以及感受生活的兴趣。然而，目前很多老师只是把美术课程当成了一门基础的选修课，仍没有发现适合中学生成长的教学方法，没有提升课堂的教学目标。 三、德州地方美术资源在初中美术教学中应用的重要意义 将地方美术资源融入美术课程，对于地方美术课程教学具有重要的理论意义和现实意义。在现阶段，中学老师可以广泛关注国家教育改革的方向，积极引导学生向健康的方向发展。例如在当前保护环境的重要时期，老师可以引入环保美术工艺教学，积极引导学生深入生活。本文选取其中的一种具有代表性的美术资源-德州梁子黑陶文化作为分析的对象进行分析。德州梁子黑陶文化在2014年被列入国家非物质文化遗产，黑陶文化在德州的发展已经具有三千多年的历史，黑陶的制作工艺从成型到烧制再到雕刻每一个生产环节都与美术紧密结合，特别是在雕刻环节，雕刻大师更是将中国传统美术文化的影雕、素描以及浮雕等艺术与黑陶文化融合在一起，体现了我国黑陶文化的博大精深。 （一）培养学生学习的兴趣 黑陶的制作原料主要是泥巴，因此将德州梁子黑陶文化与该地区初中美术教学资源相结合，让学生在动手玩泥巴的过程中，不仅学习和了解我国的优良传统文化，感受文化带来的乐趣，寓教于乐，更能激发学生求知的心理。 （二）将地方美术资源融入美术课程，开拓学生的思维 当地的美术资源是一种文化的代表，更是该地区劳动人们生活习惯、生活环境以及心里愿望的表现。老师再让学生感受黑陶制作的每一个环节，学生都能体会到艺术的灵魂。例如，在制作黑陶时，要将泥巴不停地转动才能成型，艺术成型的过程体现了制作者心里的思维，然后，学生可以感受在自己制作的工艺品上用不同的工具雕刻成不同的图案，学生看到栩栩如生的动物、人物以及图腾出自自己的手中，在这个过程中，学生和老师相互沟通和帮助，他们充分发挥自己的想像力和创造力，开拓了自己的思维，提高了动手实践的能力。因此，积极挖掘地方美术资源，充分利用地方特色的美术资源，将地方特色美术文化和当地的美术课程相结合，不仅可以丰富中学生的课程教学，更能将我国具有优良的传统文化、民间深层次的文化艺术以及历史文化传承下来，同时这也是学校积极开发、探索以及实践的过程。 四、结束语 我国对素质教育的发展和研究越来越深入，为了培养新一代的人才，社会各个阶层都十分重视中学生美术课程教学。这种新的教学方法不仅提高了学生的学习动力，激发了学生的潜力，活跃课堂气氛，也更加提高了学生创造力、动手能力。将地方美术资源与美术课程相结合，已经成为我国新时期教育改革的方向和发展趋势。 作者：王娜 单位：德州学院美术系 初中美术教学论文:新课程标准下初中美术教学论文 一、新课程理念下审美能力的培养 美育的首要目标就是端正学生的审美观和培养学生的审美能力。所以，作为美术教师，须从自身做起，严格要求，不断进修学习，提高美学素养，通过日常教学中的言传身教，潜移默化地影响学生，陶冶学生的审美情操。在美术课堂教学中，教师须从学生实际出发，做好备课，课中创设生动的美术教学情境，课后反思教学效果，不断改进、完善课堂教学。调动一切教学资源、手段，激发学生的求知欲望，让学生深入到美术学习中，提高美术课堂教学实效。如教师可以组织学生积极参与美术评论活动，这是提升学生审美能力的重要方式。以前我们对美术评论有认识误区，认为不是学生学习范畴内的事情，与学生没有交集，是专业美术评论家的事。事实上，任何人看到一幅美术作品，一定会有独特的感受和认知。美术教师就应准确抓住学生的实际感受，作为认识和深入探究美术作品的突破口，引领学生完成对美术的欣赏。这样的教学过程，能激发学生主动探究新事物的能力，培养学生独立思考、解决问题的能力，增强学生探求新知的自信心。 二、新课程理念下创新能力的培养 创新是各个行业永恒的主题，艺术同样需要创新，需要新鲜血液不断注入其中。所以，培养学生的创新能力是美育的一个重要目标。初中学生思维认知能力最具张力和活力，可塑性也最强。他们对新事物很敏感，认识和接受新事物很快，充满热情，勇于探索。这些是形成创新能力要具备的基本素质，需要教师在教学中不断开发，激发其潜力。培养学生的创新能力，须尊重学生的个性特征、独特的思维和感悟，并为其思维能力无拘无束的发挥创造环境。教师应采用科学有效的、饶有趣味的教学手段和方法，吸引学生的学习兴趣，激发学生的创作欲望和美术表达的冲动。引导学生学会观察，学会准确分析事物的方法，培养学生用艺术的视角发现和理解事物，提高学生的艺术观察力和创造力。如在讲美术造型时，我让同学们利用课外时间，根据自己的观察和兴趣，用橡皮泥或胶泥制作一个造型作品，下次上课时带到课堂上，公开评选优秀作品。结果下次上课时，同学们带来的作品花样繁多，一个个踊跃展示自己的作品。有的作品制作得很精美，完全想不到是出自初中生之手；有的作品虽然不尽人意，但也能感受到学生努力的影子。可以看得出，同学们都发挥了自己的创造力，有了不小的进步。 三、新课程理念下合作能力的培养 团队合作是一个人取得成功的重要条件，在教学中培养学生的合作能力符合新课程标准提倡的自主、合作学习的理念。通过学生间的合作学习，可以培养学生的团队合作意识，帮助学生学会合作，学会沟通，这是他们走向社会，走向未来必备的能力。在小组合作中，还可以发挥学生的自主能动性，密切配合，调动各自掌握的资源，丰富学习内容和方式，优化学习结构和方法，进一步提高教学效果。在小组合作学习中，让不同特点、不同个性的学生都有机会发挥特长，献计献策，提出不同的见解，在完成共同的任务时，锻炼了发现、分析、思考、表达、创造等方面的能力。合作学习是值得教师在美术教学中进行尝试和探索的。如在美术欣赏课上，教师先呈现一幅美术作品，然后分组讨论，选出代表说出该小组对作品的分析和认识，再通过小组间的讨论，最后总结作品所要表达的内涵和精神；再如，在美术制作课上，教师先布置任务的主题，然后分成多个小组，让每一个学生都积极参与其中，充分发表意见，他们制作的美术作品往往出人意料。然后组织同学们展示各小组的作品，让大家评选优秀的作品，进行鼓励表扬。通过这种分组合作的教学形式，以学生为主体，活跃了学习的氛围，调动了所有学生的潜力，学生在互相帮助、合作的情境中，经常会有惊人的表现，教学效果自然得到提升。 四、结语 总之，新课程理念要求美术教师，不再只是知识的传授者，更应是教育方法和理念的实践者、探索者。在教授学生美术基本知识和技能的同时，还应注重学生能力的培养，为学生的终身可持续发展保驾护航。 作者：孟薇 单位：甘肃省庆阳市西峰区黄官寨实验学校 初中美术教学论文:初中美术新课改教学创新 一、尊重主体，培养学生创新精神 我们知道，所谓创新精神，“是指勇于抛弃旧东西，创造新东西。在现实生活中表现为有良好的创造性思维和很强的创造能力，进而常进行创造性活动”。毫无疑问，培养学生创新精神，要求教师教学首先要有创新意识和创新精神。这既是教师作为教学关系的“主导”方面的含义，同时也是艺术教育必须要有“教育艺术”的本质要求。因此，教学是一门艺术绝不是一句空话，其内涵，是要靠老师通过长期不断的探索、努力而不断注入的。这在反拨科学主义、技术至上和绝对理性的当代社会，如何教育、培养学生面对问题和疑难而能情理融会、随机变通的灵动性，其实是和培养学生的创新精神有着内在而深刻的逻辑联系。当然，根据个人体会，在教学活动中，培养学生的创新精神，使之敢于创造，最关键的是，教师不仅要有巧妙的构思、精心的设问，来激活学生思维，更重要是，还想方设法为学生提供一个有利于独立思考与实践行动的创造性的学习环境。因为这是培养学生创新精神的有效方法和途径。 二、抓住契机，实现学生的思维飞跃 无论从心理学还是从教育学上，培养学生创新意识、创新精神，都存在着身心发育与学习认知的基本规律。但这些规律性的东西，在不同的环境、不同阶段、不同的人的具体关系与表现上，又是潜在的、各不相同的。一切创新的活动都从创新性的想象开始。心理学告诉我们，想象与创造性思维有密切联系，它是人类创造活动所不可缺少的心理因素。根据这一特点，在教学中应鼓励学生大胆想象，并为丰富学生的想象力提供机会。经常引导学生从不同角度去想象，不但使学生的想象力得到锻炼，而且拓宽了学生的思路。例如教学生如何“废物”利用时，我要求学生充分发挥想象，超越自我，按自己的喜好进行制作。我讲完之后，学生拿出之前交待他们带的“废物”开始制作，有的学生用半块吸铁石、两个铜板和一小段铁丝竟然做出一辆摩托车，过一会儿又把它变成了一个大炮；有的用扣子、小梳子做成蜻蜓，一会儿又变成蝴蝶；还有利用三角尺铅笔做成飞机再变成手枪等等，他们完全摆脱了制作技巧，取得了意想不到的效果，得以了“超越”。 三、创设情境，激发学生创造欲 情境的创设在美术教学中占有重要地位。对于美术新课改更是不可缺少的。各类教学内容都离不开情境的创设，如果没有情境创设，再丰富的内容也会变的枯燥无味，美术课程改革也明确要求通过各种手段，最大限度的激发学生兴趣，培养学生的审美个性。因此在美术新课改中情境的创设非常重要，二者的关系既是相辅相承的，又是相互促进的。情境创设的不断应用，会更好地促进美术新课改的不断发展，随着美术课改的不断深入，情境创设的水平也会得到提高和发展。总之，让学生在学习中通过实践活动提高审美能力和创造美的能力，有效激发学生的学习积极性，发挥学生的主体作用，为学生创造了自我锻炼和自我完善的机会，从而激发学生参与美术活动课的积极性。人的全面发展和完善，是社会可持续发展的首要资源和保证一代接一代地永续发展。以科学发展观看，创造美好、和谐、诗性的社会，包括美术“新课改”在内的教学改革与创新，将同样是一个持续不断的探索、发展的过程。 作者：颜碧丽 单位：福建省永春第三中学 初中美术教学论文:关于初中美术教学存在的问题分析 一、学生拥有学习美术的兴趣，却缺乏学习美术的动力 兴趣是转化为动力的基础。可以想象做一件事如果缺乏了兴趣你还会愿意做吗?答案当然是不愿意。即使会做也不过是为完成任务而已，缺少了做事的积极性与主动性，人始终处于一种被动的状态。同理，在美术教育的过程中，学生拥有着对美术的兴趣爱好，这是很好的现象。只是这种现象出现的时间却并不持久，这就有一个问题了，学生对美术的兴趣不能转换为学习美术的动力。人的兴趣发展有三个阶段，即有趣、乐趣、志趣。“有趣”为时最短，即使学生在日常生活中感受美、追求美，在课堂上表现着对美术的兴趣，但在教学中不把学生对美术的有趣转成乐趣、志趣，也会让这短暂的“有趣”消失，所以若能够将其转变将会是一项重大的突破。只是在现在的美术教育中教师很难将学生引导并加以转变，原因有二：其一是上面提到的课程资源的欠缺，因其欠缺而不能给学生提供一个良好的学习场所，远离了美术的学习氛围，使学生兴趣逐渐流失；其二是美术课长久以来被当做副科学习，地位得不到提高，美术的价值得不到正确的认识，教师也在教学的过程中失去了工作的积极性，对学生的影响也不显著。学生在学习过程中对美术不够重视，了解也不够多，兴趣很难得到提升，也就无法转变为学习动力，久而久之美术的教育不但得不到提升反而会出现下降的趋势。但存在问题便有解决之道，只有对症下药针对性的改善才能提高美术教育的质量，使其得到更大程度的发展。 二、年轻教师专业培训和交流平台的欠缺 对于刚走上工作岗位的年轻教师，在教育理论方面往往会学习的不够，对教材和学生及面临的问题无法深入透彻的分析。并且理论知识的学习与实际的教学过程容易出现偏差，理论与实践往往不符合。因此，对于资历尚浅的教师要多提供相关的专业培训和交流平台，让教师可以分享教学心得，制定好的教学方案。将这些问题落到实处再经过长时间的实践，让教师在上岗前就能够得到培训和实践的机会，这样教学的磨合期将会大大减少，教师一在工作岗位上便能够迅速的进入角色，美术教学质量也会极大的得到提高。从目前的情况看来，每个初级中学的教师是为两到三人，而每位老师在教学上都具有自身的特点，当然也会有不足之处，如果缺少一个交流环境不足之处就难以得到弥补。虽然每所学校都会有教研组交流活动，但学校美术教师人数过少所导致的交流信息不够充足，达不到教师交流的应有效果，因而教师缺少交流平台也是制约着美术教学的一个关键因素。 三、注重培养学生的审美、创新、合作能力 美术教育的首要教学目的就是要培养学生的正确审美观和一定的审美能力。因此，教师在注重自身美学修养的基础上还要重视对学生审美观和审美能力的培养，并以最好的状态积极为学生创造一个良好的美术学习环境。通过声色形等环境为学生创造一种浓郁的强烈的探索欲望，潜移默化的接受美术的熏陶。同时加强学生对美术作品的点评能力，教师也可以介绍作品的创作环境，尽量使学生融入当时的创作意境，让学生学会以审美的目光去分析、观察得到结论，从而提高学生独到的审美能力。学生时期是思维最活跃的时期，学生善于接受和吸收新鲜事物，而现在正是他们创新意识处于潜在时期的阶段，需要教师的发掘以促进他们的发展。因此，培养学生的创新意识首先要注重学生的独特个性，给予他们发挥的空间，让他们积极主动的学习。教师在激发学生创新意识的过程中要培养学生的观察能力，通过敏锐的观察能力来提高学生的创造想象能力。合作作为新一轮课程改革中提出的学习方式，是一种创意与实效相结合的教学体系。通过合作学习树立学生的合作意识和团队精神，并调动学生学习美术的积极性和动手能力。合作学习不仅改善了传统教学模式，更是提高了学生的品质素养。不同的学生思维意识是不同的，但在合作的过程中思想火花的撞击却可以使其思维、表达和创造力得到全面的培养和发展。在美术教学过程中，运用合作学习，能更有效的提高学生的创造力，激发学习的主动性，营造更好的学习氛围。 四、结束语 总之，美术作为一门教育工作的重要学科，对培养学生审美情趣和审美能力有着极其重要的作用，极大程度的促进了学生的创造能力和个性发展。同时对于初中美术教育存在的几个问题，只有弄清问题的所在，针对性的提出解决方案，才能更好的改善美术教学问题，为未来培养更多的美术人才。 作者：张媛敏 单位：三门峡陕县实验中学 初中美术教学论文:小议初中美术教学的重要作用 在美术教学中， 为了能够更好地提高学生学习的热情， 我给学生营造了一个轻松愉悦的学习氛围，我一改传统的教学方式，让学生将自己所见的美丽瞬间记录下来， 体验美术教学的魅力所在。 例如，我以学生最为熟悉的日常生活经常见到的事物入手，将苹果、香蕉、桃子等水果组合成漂亮的造型，引导学生将这些美丽的造型用自己的双手描绘下来，学会记录美的美术描绘特长。 这样一来，学生的兴趣就会被充分调动起来， 结合自己的所见，并发挥自己的想象力和创造力，记录下教师所摆放的漂亮的水果造型。 美术教育能够改善学生的不良兴趣爱好。 随着科学技术的不断发展，各种电子科技产品也应运而生。 电子游戏被初中学生所喜爱， 有些学生甚至完全沉浸在了这虚拟的游戏当中，对现实生活不闻不问，对亲人和朋友也视而不见，渐渐地漠视了现实和人情。 这样长久下去，就会使学生丧失掉本该有的斗志，放弃自己的大好前程， 把全部的精力和心思都放到游戏上， 严重者甚至走上违法犯罪的道路。 而美术教学的有效实施，对学生进行美的艺术熏陶， 使其对审美和创造美产生浓厚的兴趣，喜爱上初中美术课。 这样就能很好地转移学生的不良爱好， 将玩游戏的心思转移到美术学习中来， 不但减轻了教师在管理这些学生时的负担， 也让学生和家长更加重视美术教育，对美术教师也会更加的尊敬。 学校便会为美术教育提供更好的教学环境和教学措施， 家长会尽可能地为孩子创造学习绘画的条件， 社会也会为爱好美术的学生提供更好的展示空间和发展舞台。 美术教育能够培养学生的学习能力和想象能力。 学习能力的培养是指学生在学习过程中，逐步掌握了正确的、适合自己的学习方式，能够帮助以后的学习更加快速和有效。美术不仅仅是让学生创造出一幅幅美丽图画的过程，它也是一门综合性的基础学科，在初中美术教学中， 包含着发现美和创造美两个方面。 美术教学，是学生将自己观察到的现实社会中的美通过自己的想象和创造力描绘出来，因此美术教学不是一个虚构的世界，它能很好地反映现实社会， 帮助学生提高自己的观察力，这样不仅使美术教学有所收益，对于其他学科如语文、英语、化学等都有极大的帮助作用。 美术教学是学生锻炼观察能力的最好教学方法。想象能力是学生在已有的知识基础上，通过自己的主观想象发挥创造出来的。 想象能力的提高有助于学生创新思维的形成。 丰富的想象能力能够促进学生的进步和社会的发展。 在美术教学中，学生要结合现实生活中的实例， 通过自己区别于他人的想象力才能创造出与众不同的美术作品， 才能形成自己独特的审美和创造美的风格。 久而久之，在美术学习的同时， 学生的想象力就会越来越丰富，越来越发达。 对于学生学习能力的培养和想象能力的提高， 美术教学起到了至关重要的作用。 因此，在初中教学中，美术教学的巨大作用不可忽视。 美术教育能够激发学生的创造力。 人类区别于其他动物的最大特点之一就是人可以按照自己的意愿与需求创造工具和改变世界。 而创造能力是人类在社会实践的过程中，不断摸索出来的。 现代教育中，培养学生的创造能力是每个学科都必有的教学目标。 美术教学中，对于创造力的培养就显得尤为重要。在美术教学中存在很多教学方式， 都能有效地培养学生的创造能力， 如教师可以让学生亲手设计和制作自己喜爱的图画，让学生通过自己的想象来培养学生的创造能力。 因此，美术教育能够激发和培养学生的创造能力。 由于时代和社会现实的影响，初中生这个年龄段都比较叛逆，他们渴望接触新鲜事物，且接受新鲜事物的能力也比较强，但是他们的思想变动又特别的大。 针对这一教学现象，在初中教学中安排美术教学就显得尤为重要，因为任何教学手段都比不上美育教学的效果明显。 初中生的思想正在由幼稚逐渐变得成熟和稳定，这时审美教育就起到了关键的作用。在初中生的这个年龄阶段，通过美术教学来培养学生的审美能力，锻炼学生稳重的学习性格是最佳的教学时期。 素质教育要求学生的德、智、体、美、劳全面均衡发展。 因此，在初中教育中教师应该重视每个学科的教学，使学生能够得到均衡的发展。 美术教育作为素质教育的突破口，在培养学生对美的观察、审视和创造上有着非常突出的教学效果。 因此，初中教学中美术教育能够更好地实现素质教育。总之，美术教育在初中教学中有着非常重要的教学作用，也能有效地促进学生的全面发展，因此作为初中教学的基础学科之一，美术教育应该受到学生、家长、学校及社会越来越大的关注和重视。 本文作者：李学斌 单位：河北省抚宁县牛头崖镇枣园中学

美术专业论文:浅谈高职院校美术专业的素描教学 摘要：高职院校的素描教学作为美术专业教学中的重要内容，对学生绘画艺术水平的提高，具有重要的基础性作用。搞好素描教学，教师要注重调动学生的素描学习兴趣，开展学习方法的指导，运用多种教学方法，达到提高素描教学效果的目的。 关键词：：高职院校 美术教学 素描学习 素描教学是美术教育中的一个重要内容。但是人们往往认为素描只是一种造型训练的方法，而忽略了素描也是一种艺术形式、一个独立的画种。其实，素描本身就是造型艺术，具备一切造型艺术的共同点，也能艺术地、能动的表现自然，揭示自然的本质。因此，素描历来是被作为“造型的精髓”、“绘画的根基”。在五年制高职师专的素描教学实践中，笔者以为，搞好素描教学必须从以下四个方面进行。 1 积极调动学生学习兴趣，找到每个学生学习素描的切入点。 兴趣是最好的老师。在素描训练过程中，构图、形体、结构、明暗、质感、空间感等是这门课的主要训练内容。素描这门课课时较长，易枯燥，需要长期的反复训练。但素描需要人真情实感的投入，只有真诚的热爱，才能触摸到艺术的灵魂进而迸发智慧的光芒。 如何调动学生学习美术的兴趣呢？首先，开展作品欣赏教学。我们组织了优秀作品欣赏，特别是西方文艺复兴以来各种优秀素描作品的赏析。在欣赏的过程中，有同学问：“为什么这些素描作品有些看起来很简单，但是却作为艺术品流传呢？”我抓住这个契机，对同学讲述自己对素描的认识： （1）、艺术家的素描往往是为创作服务的，在生活中有了认识，随之即兴一勾，看起来虽简单，实质是灵感火花的捕捉。比如拉裴尔见到一个认为很能代表圣母形象的青年妇女，恰巧手边又没有纸，就将其画在了一块薄煎饼上。他的圣母作品之所以传神，正是对生活的真正热爱与细心观察、勤奋实践的结果。（2）、素描艺术作为一门独立的画科，体现了画家不同的修养、气质。欣赏不同时期、不同画家的作品，没有千人一面的现象，好的素描作品都有独特的个性风格。 比如，达。芬奇的缜密细致，拉裴尔的优雅抒情，米开朗基罗的强悍以及强烈的生命张力，鲁本斯的性感，安格尔的含蓄、简洁及质感的表现，凡。高澎湃的激情，毕加索旺盛的创造性？？等等。这些个性鲜明画家的素描作品，一方面体现了他们的精神风貌，另一方面也展现了素描艺术所特有的魅力。通过欣赏教学，学生产生了浓厚的兴趣，纷纷跃跃欲试。其次，进行教师即兴作品展示和示范。要使得学生产生兴趣，作为教师也要进入“状态”。这对教师提出了较高的要求：一是要对艺术具有忘我的热情和不断探索的精神，这一点特别重要。二是心中要有一个至高的标准，这标准不是限制素描纸的大小、笔的种类，而是修养出的纯正品味。教师较好的水平和能力，能在自己的作品中体现出来，也会激起学生学习素描的浓厚兴趣。 2 对学生进行学习方法的指导，提高学生的素描认识水平。 一张画是反映作者作画时思维活动的过程、心理活动的过程、道德认识的提高过程。紧扣这些过程的每个环节，是指导绘画的关键。在学生作画的训练中，常常不自觉地用自己固有的思维方法学习，错误、混乱地表现对象，并麻木地进行下去，这一恶性循环的症状在哪里呢？其根本原因，就是对对象没有整体深入的认识、理解及全面的分析与把握。没有对感受到的第一印象进行追踪和提炼。而只凭臆造，概念、机械地表现对象。对此问题，教师不能采用单纯地纠正、修改画面的方法。而应由表及里地引导学生去正确把握自己的思维方法，达到教学目的。比如：当发现学生的形不准时，不是直接指出，而是由学生谈谈作画时怎么想、怎么看和怎么画，启发学生回顾作画过程中的每一个思维环节，针对问题出现的原因，建立起学生正确的认识方法，给予学生相应的画面方法上的微观指导，使学生学会运用的思维方式去学习并指导自己的艺术实践。这样，学生就会少犯或不犯类似的错误。 3 采用多种训练手段，使他们掌握正确的表现方法。 （1）素描因素分析法。首先，对学生在素描训练中遇到的各种因素如：形体、结构、透视、空间、色调、明暗等基本概念逐一进行理论的讲解，进一步使学生认识到各种因素间相互联系和所处的主次地位。如形体、结构等是物体内部最重要的方面，内在的结构形成了外在的形，形体与结构是不可分割的，是我们学习造型的关键，而色调、明暗等因素在我们观察物体时是生动的、丰富的，都是人凭直观感觉它们在光的作用下，起到增强形体感、质感和空间感的作用。让学生在思维上明确建立诸因素的基本概念，理解它们之间的相互关系，使之具备思维上的概括能力。 （2）移位、组合教学法。如改变光源的方向、物体的转向与移位、平面切割、触摸物体等，使学生对物象作全方位的观察、剖析，从中获取直观感受，以开拓原有的思维空间，达到对物象由表及里的全方位的观察和理解。物体移位、组合教学法是打破传统素描教学方法新的教学尝试。传统的方法是摆好实物的写生，有着或多或少的被动因素。教学中，我们采用随意布置的一组石膏几何模型静物，要求学生在想象中对它们进行重新移位组合，运用构图的形式规律，表达出一定的艺术情趣。在具体作画中，学生只能凭借眼前的实物获取一定的艺术信息，在沉思默想中形成有结构的意向，即创作构成有意识的主体空间。学生根据思维中形成的有结构的意象，运用具体的方法进行表现，在线条的使用和明暗色调的设计上具有鲜明的个性和强烈的情感。学生在这种具有艺术情趣的体验中，能更好地保持学习素描的兴趣。 4 开展多种评价方法巩固学生学习成果。 （1）教师激励性评价。“ 与君一席话，胜读十年书”——这正是教师的真正价值，也体现出教师在素描教学中评价所起的作用。在这个意义上，作为学生也迫切需要教师艺术观点明晰、修养深厚，既有独到见解、技法高超，又含兼容气度的好教师的及时的激励性评价。 （2）学生自我评价。学生自我评价过程是认识思维提高的过程。这一个过程的客观与否，直接涉及到学生是否能够有长足的进步。同时，这也是一个学生自我“领悟” 到“艺术真谛”的过程。这种领悟多次地、不规律的到来，就会使学生对艺术本质的了解不断深化，学习效果事半功倍。“领悟”不是教师所能给予或替代的，而是学生自我努力、不断进行自我评价，艺术修养不断提高、人生境界不断升华的结果。 （3）互相评价与他人评价。通过校园系列汇展汇看制度的正常建立，定期组织班级之间、不同专业之间的汇看汇展，同学之间的互相评价，教师及时点评，既可增进浓厚的学习氛围，又可虚心听取他人的评价，进行深刻的艺术反思，从而更好地进行素描训练。 美术专业论文:当前中等职业学校工艺美术专业人才培养与就业问题浅析 【摘 要】工艺美术专业在人才培养与就业问题上要转变思想观念，重新进行教育目标的定位，积极改革教学内容，拓宽就业渠道，要形成一种有效的机制来促进培养与就业之间的相互关系，以就业促发展、以培养促就业，使工艺美术专业良性健康发展，同时各级各类中职学校工艺美术专业在人才培养上要树立以能力为本位、以就业为导向的职业教育教学观，使学生相信：选择了工艺美术专业，就选择了一个好的就业机遇。 【关键词】培养 定位 模式 就业 转变观念 一 工艺美术专业在中等职业学校中的现状 在职业教育发展过程中，许多职校积极根据市场需求、区域特色和就业途径，相继开办了服装、财会、市场营销、电子、机电、数控等专业。工艺美术专业也在这股发展浪潮中脱颖而出，并且为社会培养了大量地具有一定应用与操作能力的职业人才，为社会需求提供了保障。但是当前不容乐观的是，许多职校工艺美术专业在人才培养和就业的关系上出现了严重的脱节。许多经过培养的专业人才没有找到合适的就业单位，招生人数也在逐年减少，有的中职学校由于学生就业难，索性把工艺美术专业改成了高考升学班，背离了职业教育所倡导的“以市场为需求，以就业为向导”的办学宗旨。以我校为例，工艺美术专业在校人数由2007 年的200 多人缩小到2010 年50 多人，工艺美术专业的生源人数在逐渐地减少，是什么原因呢？通过调查发现，许多职校在该专业的人才培养与就业方面存在着许多不和谐的问题。有的学校不能安置学生对口就业，有的学校在课程设置上不注重技能的培养，学生所学知识不适宜就业岗位的需求，有的学校学生对就业岗位满意率较低，所有这些问题制约了中职工艺美术专业的发展。根据当前的现状，工艺美术专业在人才培养与就业问题上要转变思想观念，重新进行教育目标的定位，积极改革教学内容，拓宽就业渠道，使工艺美术专业在职业教育发展过程中站得稳、立得牢，健康发展。 在中职工艺美术专业传统的培养模式中，班级上课制、师徒制一直是历年来沿袭不变的教学模式。有的学校教学资源匮乏，实验实训设施跟不上时代的发展与课程的要求，课程设置单一或繁杂，教学内容陈旧，导致了人才培养的发展与实用空间，有的中职学校甚至在既无师资又无实训设施的条件下，盲目开设此类专业，致使该专业在办学过程中向其他专业分流，造成了不良的影响。 二 优化培养模式的几种做法 1．优化课程设置 关于课程设置，我们可以借鉴国外职业教育的成功经验，并结合自己的实际情况来进行。目前，国外最典型的课程设置有德国模式和加拿大cbe 课程设置模式。其中德国模式较为突出，它的课程设置是以职业活动的行为过程为导向，将基础知识（美术基础类）、专业知识（美术设计类）合理的组成一个技术知识体系，普通理论（美术理论）教学内容较为浅显，不过多地强调高深的理论知识，做到浅而实在，学以致用，同时注重学生的专业实践，提高了学生掌握工艺美术技能的熟练程度，便于其迅速就业。 2．改革教学内容 工艺美术专业的教学内容要以培养技能为根本，充分体现培养目标，按照理论教学与实践教学并重、相互渗透的原则，适当增加实训比例，改革一些俗套、老化、不适应就业发展的教学内容，应积极适用反映新知识、新技术和新方法的课程与教材，积极研究和利用现代化的教学手段、现代电脑技术及校内外课程资源等，更好地促进教学。 3．强化实践训练 在工艺美术专业教学过程中，语言的讲授是让学生掌握美术方面的理论知识，示范与观摩是让学生对绘画、工艺的表现方法有直观的了解，但实践训练才是技能获得的主要途径。 4．增强创新能力 对于工艺美术专业人才的培养，我们不仅要关注学生造型能力的培养，还要关注学生创新能力的培养。例如让学生根据一面极其破旧墙壁上斑驳的印迹，找出可视的动物形象；让学生为我校设计学校标志；让学生运用废旧材料进行旧物改造等等。这些训练活动都能增强学生的创新能力，要积极鼓励学生进行创新，具有创新精神的学生能很快适应就业岗位，而且具有很强的发展潜力。 5．参加企业实践 参加企业实践活动是工艺美术专业学生提高技能的重要途径，能让学生在企业中接受职业教育。在教学过程中贯穿企业实践，既可以提高学生的感受能力和认知能力，而且能够培养学生在企业中的适应能力。学生在实践中学习，在学习中不断实践，并能在企业实践中找准自己的就业方向。 6．建设实习基地 针对工艺美术专业的培养目标和就业实际，中职学校应建立相应的实习基地或工作室，使其对口实习，实习基地的建设可以选择在校外或校内，学校应与实习基地保持密切的联系，确保学生实习安全、到位，如创建电脑美术设计实习基地、家居装饰实习基地、雕刻艺术实习基地、民间美术绘画实习基地等，使工艺美术专业在人才的培养上更趋于完善。 总之，当前中职学校工艺美术专业在人才的培养与就业上应转变观念，要形成一种有效的机制来促进培养与就业之间相互关系，以就业促发展、以培养促就业，使工艺美术专业良性健康发展，同时各级各类中职学校工艺美术专业在人才培养上要树立以能力为本位、以就业为导向的职业教育教学观，对工艺美术类专业的教育教学特点、教学规律、教学内容、教学方法等教学改革要作深刻的认识，要密切结合专业特点进行课程开发，使学生就业满意率不断提升，使每位学生都能够学到真正的专业技能，使学生相信：选择了工艺美术专业，就选择了一个好的就业机遇！ 美术专业论文:高校美术专业色彩写生教学的几点思考 内容摘要：随着高等教育大众化进程的加快，美术专业学生基础参差不齐的现象十分普遍。针对当前学生色彩写生基础的现状，提出强调科学训练的重要性，注重提高学生的美术鉴赏能力，以科学的知识作引导，加强对色彩知识的理解和色彩观察能力的训练，重视教学的示范性和直观性，重视教学的程序与方法的教学原则。 关 键 词：美术专业 色彩写生 教学方法 伴随着我国高等教育的高速发展，美术院校招生比例逐年扩大，学生色彩基础差且程度参差不齐的现象正不断困扰着美术院校的基础教学。色彩写生是美术专业的重要课程，是提高学生艺术素养、观察方法和表现手法的一个有效手段。目前我国大学美术专业在色彩写生教学中还存在着一些不尽如人意之处，诸如：忽视对学生美术鉴赏能力的培养；对色彩的观察与理解不够重视；教学方法简单，模式陈旧；教师教学随意，缺乏针对性；缺乏对教师进行行之有效的评价与监督的体系等。其产生的直接结果是学生对色彩的观察能力和理解能力普遍偏低，依赖心理强，缺乏创新的意识与能力。这些都在制约着色彩写生能力的提高，不利于学生的个性发展。因此，近年来围绕如何提高学生的色彩写生能力，进而培养高质量、高素质美术人才的呼声日益高涨。由于学生在入学前很少受过色彩写生的专业训练，加上艺术鉴赏能力不高，色彩知识欠缺，观察方法不正确，因此，在色彩写生教学过程中会面临许多问题，这就要求教师在教学时必须与学生的实际情况相适应，在教学内容和教学方法上不断地改进与提高。 一 美术鉴赏具有艺术再创造的性质，作为艺术鉴赏对象的艺术作品，既是艺术家认识生活的成果，也是鉴赏者再认识的对象。要使学生明确美术鉴赏对色彩写生课的重要性，通过美术鉴赏课教学，参观美展等形式，使学生进一步感受色彩的魅力，理解绘画色彩的表现规律。在鉴赏作品时，要尽量选择原作，原作的笔触清晰，肌理层次分明，色彩效果生动，印刷品无法取代。如果为条件所限，也可以选择画幅大、拍摄清晰、印制精美、色彩还原准确的作品。在鉴赏过程中教师要根据自己的经验引导学生聚精会神地反复观赏、品味，有的作品细节生动，有的作品整体和谐，有的作品技艺精湛，因此，要通过鉴赏别人的表现手法，汲取画面中的精华部分。通过对作品线条、色彩、形体、构成的琢磨，体验和谐、平衡、对称带给我们的美感因素，以此激发学生的表现欲。鉴赏过程要有针对性，例如：针对学生写生时出现的色彩单一、色彩冷暖意识模糊、片面强调固有色的通病，可以着重欣赏印象派画家的作品。印象派在观察方法和表现技巧上的大胆创新，在画面光与色上的大胆突破，对学生有很好的启迪作用，色彩写生时他们不再只盯着对象的固有色，而是在光线、环境和固有色中去寻找色彩变化。 二 自然界的色彩虽然变幻莫测，但又是有规律可循的，只要我们在学习理论的基础上不断地与实践相结合，就能正确地掌握色彩规律。 首先，要让学生了解光与色的关系。没有光就看不到色彩，物体在光的照射下，会呈现出不同的色彩，同是阳光，在不同的时辰也会有不同的变化。法国著名印象派画家莫奈，面对同一景物，每隔一段时间画一张画，生动地表现了不同时辰、不同光线下同一景物所产生的微妙变化。通过引导学生观察，使学生印证了一般情况下，早晨和傍晚的阳光、火光为暖光；中午的阳光、天光、月光为冷光；光源的冷暖是相对而不是绝对的，同为暖光，傍晚的阳光就比早晨的阳光要暖；同为冷光，月光就比天光要冷。理解了光与色的关系，学生们也就能更好地理解环境色与固有色的相互关系，画色彩时不再一味从固有色出发，而是充分考虑了光源色和环境色对物体的影响。例如：画绿树不再只用纯绿色去表现，而是用不同的颜料调和成不同冷暖、深浅的绿色，使它跟特定的光线、环境相协调。 其次，色彩的三要素也是理论学习的重点，它包括色相、明度、纯度。写生中学生们对原色、间色、复色的相貌较容易识别，而对混合次数增多产生的色相就难以识别。因此，教师在教学中要引导学生用正确的观察方法去加以识别。色彩往往由于其明度和纯度的变化产生了无穷的魅力。教师在上理论课时，要特意布置相应的练习，让学生用画色表的方法掌握色彩的明度、纯度变化规律。实践证明，这种方法行之有效。在写生中，学生们大都能用单纯的颜色，经过调配、组合，产生丰富的色彩效果，色彩写生中的一些难题在理论学习中得到了化解。 三 法国艺术大师罗丹在《遗嘱》一文中说：“所谓大师，就是这样的人，他们用自己的眼睛去看别人见过的东西，在别人司空见惯的东西上能够发现出美来。” 古今中外的艺术大师都是在观察生活的基础上，提炼出宝贵的艺术精华。没有观察就没有齐白石笔下游动的虾、跳动的蛙、横行的蟹……就没有莫奈笔下变幻的教堂、多彩的睡莲…… 人的眼睛都能观察物体，但并不是人人都有正确的观察方法，培养学生树立正确的观察方法是画好色彩的重要前提。在训练色彩的观察能力时，由于学生的基础不同，先天条件、接受能力各异，所以发展是不平衡的。有的学生对色彩感受较敏锐，一旦掌握了正确的观察方法，许多问题就能迎刃而解。而有的学生对色彩的感觉能力较弱，又没有掌握正确的观察方法，尽管付出很大的努力，仍然进步不大。因此，教师在教学中既要从大多数学生的实际情况出发，提出统一的要求，也要考虑个体的差异，针对每个学生的具体情况，因材施教。要让学生明白，在对色彩的辨别上，既有先天性，也有后天性，先天不足的完全可以通过正确的教育方法获得较好的色彩辨别力。有的人虽然对色彩的感觉更具有天赋，但不进行科学的训练，只会局部地辨别色彩，一旦从整体的角度来辨别色彩之间的相互关系及色彩的微妙差别时就感到束手无策了。 在自然界中，物体的色彩千变万化，错综复杂，如何从复杂的色彩中找出其规律性，就必须首先学会整体观察，观察中要善于发现造型的优美、色彩的和谐，把握物体的主要特征和大的色彩关系。有些学生在观察中往往容易犯孤立地看某一部分、不与其他部分进行整体比较的错误，结果画出来的色彩基本上是物体的固有色，缺乏光源色和环境色所带来的变化，这是色彩写生时最忌讳的。要想改变这一现象，教师必须在课堂中反复强调整体与局部的关系，物体的局部应该服从整体的需要，局部的色彩再丰富，也不能影响整体的色彩关系。观察时还要引导学生从不同的角度去比较、鉴别，注意冷暖对比、明暗对比、纯度对比。不进行物象间明度的比较，就无法获得黑、白、灰的变化关系；不进行色彩的冷暖比较，就无法获得正确的色彩关系；不进行色彩的纯度比较，就无法感知物体的色相特点。 四 色彩写生技巧的训练也是教学的重要内容，教师必须全面熟悉这门课的教学，掌握该课程一系列的知识和技能，不能只把课前画好的范画、作画步骤图展示给学生，而应该在课堂上加以演示，从构图、落幅，到铺大色块，深入刻画，调整完成，都要边示范，边讲解，使学生知其然又知其所以然。一些常见的技法，如干画法、湿画法、干湿画法、刀画法，以及如何用笔、如何用色，也应该进行示范。教师的直接演示，具有巨大的感召力，学生通过观看教师作画，对写生的方法步骤和表现技法一目了然，产生了跃跃欲试的激情，调动了学生的积极性。具体示范时，范围要大，要让全体学生都能看到，对重点、难点问题要反复强调。当写生过程遇到障碍时，要及时演示。例如，有的学生画面上常出现脏、灰、粉的毛病，教师就要对其进行调色和用笔的示范，并指出产生这些毛病的原因。除此之外，教师还必须具备其他画种的知识，加强画种之间的相互联系、相互渗透，才能达到预期的教学效果。 学生作业的相互观摩，也是直观性教学的有效形式。教学中要及早发现优秀的作业，指出画面的精彩处，使其起到示范带头作用。对于有典型问题的作业，应提示大家注意，使类似的问题得到及时纠正。一张作业完成后，可以组织学生进行讨论，让学生根据自己的经验，自由地发表意见，教师要根据具体情况进行必要的小结，肯定成绩，提出不足，或进行作业展示，对下一阶段的教学提出新的要求。 五 根据教材特点、学生情况，制定科学的教学程序和方法，加深对重点、难点的体会和理解，是确保色彩写生顺利进行的有效手段。 （一）单色画练习 素描是绘画的基础，单色画是素描的另外一种形式，学好单色画，对熟悉工具、材料的性能，丰富色彩写生的表现手法，提高学生的自信心有较大益处。为了让学生有一个适应的过程，可以先进行色彩的明度变化练习，以培养学生辨别色彩明度的能力，接着便可进行室内单色静物和室外单色风景的练习，为色彩写生打下良好的基础。学生有了单色画的基础，在光感的表现、空间层次的处理、色度的变化、水分的掌握、笔触的运用上也就有了一定的适应能力，色彩写生中的一些难题，在单色画中得到了化解，为画好色彩铺平了道路。 （二）大色块练习 刚开始作画时，学生的精力充沛，注意力集中，对色彩的感觉也较敏锐，这时要求学生在较短的时间内，用大笔触准确地表现出物体大的色彩关系。这样做的好处是避免了因长时间作画，感觉迟钝，或过多地表现细节，忽略整体的现象。这种大色彩稿可以保留下来，画长期作业时，用它来比较大的色彩关系会很有帮助。 （三）色彩冷暖练习 冷暖是构成色彩的重要因素，因为有了冷暖，色彩才更生动。在写生过程中，学生往往注意物体的明度和色相，忽略了冷暖，因此，在教学中应加强色彩冷暖的训练。在室内作画，物体的亮部偏冷，暗部偏暖；在阳光下作画，亮部偏暖，暗部偏冷。一般情况下，物体的暗部如果偏冷，亮部就必须偏暖；暗部偏暖，亮部就必须偏冷。同样的色彩，离我们近的暖、远的冷。 教学中可以依靠画色表的方式进行冷色和暖色、色彩的前进与后退的练习，也可以通过画不同光线下不同距离的物体，来达到练习的目的。 （四）循序渐进的练习 如何使课程循序渐进，由浅入深，顺应知识的内在逻辑顺序，这是考虑学生实际情况的一种教学方法。在我国古代，墨子曾提出：“量其力所能及”的教育方法。在循序渐进向前发展的同时，就要考虑量力性。在色彩写生刚进行时，应该先画结构清晰、色相明确的物体，由于它简明易画，能增强学生的自信心。有了成功的体验，再画结构复杂、色彩微妙的物体时就不觉得太费力。例如掌握了室内静物后，再去表现室外景物，这也是循序渐进。室内静物稳定不变，较少受时间、气候的影响，作画条件相对舒适，学生可以反复推敲画面，潜心研究物体的色彩关系。而室外景物变幻莫测，受时间、气候的影响较大，作画条件又相对艰苦，难度也就更大。所以，当学生具备了一定的室内作画经验后，才能更好地表现室外景物。 对于初学色彩的学生来说，写生中可能还会碰到许多问题，教师在教学中应从学生的实际情况出发，注意学生反馈的信息，适时调整教学内容和方法，只有这样，才能取得理想的教学效果。 美术专业论文:当前中等职业学校工艺美术专业人才培养与就业问题浅析 【摘 要】工艺美术专业在人才培养与就业问题上要转变思想观念，重新进行教育目标的定位，积极改革教学内容，拓宽就业渠道，要形成一种有效的机制来促进培养与就业之间的相互关系，以就业促发展、以培养促就业，使工艺美术专业良性健康发展，同时各级各类中职学校工艺美术专业在人才培养上要树立以能力为本位、以就业为导向的职业教育教学观，使学生相信：选择了工艺美术专业，就选择了一个好的就业机遇。 【关键词】培养 定位 模式 就业 转变观念 一 工艺美术专业在中等职业学校中的现状 在职业教育发展过程中，许多职校积极根据市场需求、区域特色和就业途径，相继开办了服装、财会、市场营销、电子、机电、数控等专业。工艺美术专业也在这股发展浪潮中脱颖而出，并且为社会培养了大量地具有一定应用与操作能力的职业人才，为社会需求提供了保障。但是当前不容乐观的是，许多职校工艺美术专业在人才培养和就业的关系上出现了严重的脱节。许多经过培养的专业人才没有找到合适的就业单位，招生人数也在逐年减少，有的中职学校由于学生就业难，索性把工艺美术专业改成了高考升学班，背离了职业教育所倡导的“以市场为需求，以就业为向导”的办学宗旨。以我校为例，工艺美术专业在校人数由2007 年的200 多人缩小到2010 年50 多人，工艺美术专业的生源人数在逐渐地减少，是什么原因呢？通过调查发现，许多职校在该专业的人才培养与就业方面存在着许多不和谐的问题。有的学校不能安置学生对口就业，有的学校在课程设置上不注重技能的培养，学生所学知识不适宜就业岗位的需求，有的学校学生对就业岗位满意率较低，所有这些问题制约了中职工艺美术专业的发展。根据当前的现状，工艺美术专业在人才培养与就业问题上要转变思想观念，重新进行教育目标的定位，积极改革教学内容，拓宽就业渠道，使工艺美术专业在职业教育发展过程中站得稳、立得牢，健康发展。 在中职工艺美术专业传统的培养模式中，班级上课制、师徒制一直是历年来沿袭不变的教学模式。有的学校教学资源匮乏，实验实训设施跟不上时代的发展与课程的要求，课程设置单一或繁杂，教学内容陈旧，导致了人才培养的发展与实用空间，有的中职学校甚至在既无师资又无实训设施的条件下，盲目开设此类专业，致使该专业在办学过程中向其他专业分流，造成了不良的影响。 二 优化培养模式的几种做法 1．优化课程设置 关于课程设置，我们可以借鉴国外职业教育的成功经验，并结合自己的实际情况来进行。目前，国外最典型的课程设置有德国模式和加拿大cbe 课程设置模式。其中德国模式较为突出，它的课程设置是以职业活动的行为过程为导向，将基础知识（美术基础类）、专业知识（美术设计类）合理的组成一个技术知识体系，普通理论（美术理论）教学内容较为浅显，不过多地强调高深的理论知识，做到浅而实在，学以致用，同时注重学生的专业实践，提高了学生掌握工艺美术技能的熟练程度，便于其迅速就业。 2．改革教学内容 工艺美术专业的教学内容要以培养技能为根本，充分体现培养目标，按照理论教学与实践教学并重、相互渗透的原则，适当增加实训比例，改革一些俗套、老化、不适应就业发展的教学内容，应积极适用反映新知识、新技术和新方法的课程与教材，积极研究和利用现代化的教学手段、现代电脑技术及校内外课程资源等，更好地促进教学。 3．强化实践训练 在工艺美术专业教学过程中，语言的讲授是让学生掌握美术方面的理论知识，示范与观摩是让学生对绘画、工艺的表现方法有直观的了解，但实践训练才是技能获得的主要途径。 4．增强创新能力 对于工艺美术专业人才的培养，我们不仅要关注学生造型能力的培养，还要关注学生创新能力的培养。例如让学生根据一面极其破旧墙壁上斑驳的印迹，找出可视的动物形象；让学生为我校设计学校标志；让学生运用废旧材料进行旧物改造等等。这些训练活动都能增强学生的创新能力，要积极鼓励学生进行创新，具有创新精神的学生能很快适应就业岗位，而且具有很强的发展潜力。 5．参加企业实践 参加企业实践活动是工艺美术专业学生提高技能的重要途径，能让学生在企业中接受职业教育。在教学过程中贯穿企业实践，既可以提高学生的感受能力和认知能力，而且能够培养学生在企业中的适应能力。学生在实践中学习，在学习中不断实践，并能在企业实践中找准自己的就业方向。 6．建设实习基地 针对工艺美术专业的培养目标和就业实际，中职学校应建立相应的实习基地或工作室，使其对口实习，实习基地的建设可以选择在校外或校内，学校应与实习基地保持密切的联系，确保学生实习安全、到位，如创建电脑美术设计实习基地、家居装饰实习基地、雕刻艺术实习基地、民间美术绘画实习基地等，使工艺美术专业在人才的培养上更趋于完善。 总之，当前中职学校工艺美术专业在人才的培养与就业上应转变观念，要形成一种有效的机制来促进培养与就业之间相互关系，以就业促发展、以培养促就业，使工艺美术专业良性健康发展，同时各级各类中职学校工艺美术专业在人才培养上要树立以能力为本位、以就业为导向的职业教育教学观，对工艺美术类专业的教育教学特点、教学规律、教学内容、教学方法等教学改革要作深刻的认识，要密切结合专业特点进行课程开发，使学生就业满意率不断提升，使每位学生都能够学到真正的专业技能，使学生相信：选择了工艺美术专业，就选择了一个好的就业机遇！ 美术专业论文:浅谈高职院校美术专业的素描教学 摘要：高职院校的素描教学作为美术专业教学中的重要内容，对学生绘画艺术水平的提高，具有重要的基础性作用。搞好素描教学，教师要注重调动学生的素描学习兴趣，开展学习方法的指导，运用多种教学方法，达到提高素描教学效果的目的。 关键词：：高职院校 美术教学 素描学习 素描教学是美术教育中的一个重要内容。但是人们往往认为素描只是一种造型训练的方法，而忽略了素描也是一种艺术形式、一个独立的画种。其实，素描本身就是造型艺术，具备一切造型艺术的共同点，也能艺术地、能动的表现自然，揭示自然的本质。因此，素描历来是被作为“造型的精髓”、“绘画的根基”。在五年制高职师专的素描教学实践中，笔者以为，搞好素描教学必须从以下四个方面进行。 1 积极调动学生学习兴趣，找到每个学生学习素描的切入点。 兴趣是最好的老师。在素描训练过程中，构图、形体、结构、明暗、质感、空间感等是这门课的主要训练内容。素描这门课课时较长，易枯燥，需要长期的反复训练。但素描需要人真情实感的投入，只有真诚的热爱，才能触摸到艺术的灵魂进而迸发智慧的光芒。 如何调动学生学习美术的兴趣呢？首先，开展作品欣赏教学。我们组织了优秀作品欣赏，特别是西方文艺复兴以来各种优秀素描作品的赏析。在欣赏的过程中，有同学问：“为什么这些素描作品有些看起来很简单，但是却作为艺术品流传呢？”我抓住这个契机，对同学讲述自己对素描的认识： （1）、艺术家的素描往往是为创作服务的，在生活中有了认识，随之即兴一勾，看起来虽简单，实质是灵感火花的捕捉。比如拉裴尔见到一个认为很能代表圣母形象的青年妇女，恰巧手边又没有纸，就将其画在了一块薄煎饼上。他的圣母作品之所以传神，正是对生活的真正热爱与细心观察、勤奋实践的结果。（2）、素描艺术作为一门独立的画科，体现了画家不同的修养、气质。欣赏不同时期、不同画家的作品，没有千人一面的现象，好的素描作品都有独特的个性风格。 比如，达。芬奇的缜密细致，拉裴尔的优雅抒情，米开朗基罗的强悍以及强烈的生命张力，鲁本斯的性感，安格尔的含蓄、简洁及质感的表现，凡。高澎湃的激情，毕加索旺盛的创造性？？等等。这些个性鲜明画家的素描作品，一方面体现了他们的精神风貌，另一方面也展现了素描艺术所特有的魅力。通过欣赏教学，学生产生了浓厚的兴趣，纷纷跃跃欲试。其次，进行教师即兴作品展示和示范。要使得学生产生兴趣，作为教师也要进入“状态”。这对教师提出了较高的要求：一是要对艺术具有忘我的热情和不断探索的精神，这一点特别重要。二是心中要有一个至高的标准，这标准不是限制素描纸的大小、笔的种类，而是修养出的纯正品味。教师较好的水平和能力，能在自己的作品中体现出来，也会激起学生学习素描的浓厚兴趣。 2 对学生进行学习方法的指导，提高学生的素描认识水平。 一张画是反映作者作画时思维活动的过程、心理活动的过程、道德认识的提高过程。紧扣这些过程的每个环节，是指导绘画的关键。在学生作画的训练中，常常不自觉地用自己固有的思维方法学习，错误、混乱地表现对象，并麻木地进行下去，这一恶性循环的症状在哪里呢？其根本原因，就是对对象没有整体深入的认识、理解及全面的分析与把握。没有对感受到的第一印象进行追踪和提炼。而只凭臆造，概念、机械地表现对象。对此问题，教师不能采用单纯地纠正、修改画面的方法。而应由表及里地引导学生去正确把握自己的思维方法，达到教学目的。比如：当发现学生的形不准时，不是直接指出，而是由学生谈谈作画时怎么想、怎么看和怎么画，启发学生回顾作画过程中的每一个思维环节，针对问题出现的原因，建立起学生正确的认识方法，给予学生相应的画面方法上的微观指导，使学生学会运用的思维方式去学习并指导自己的艺术实践。这样，学生就会少犯或不犯类似的错误。 3 采用多种训练手段，使他们掌握正确的表现方法。 （1）素描因素分析法。首先，对学生在素描训练中遇到的各种因素如：形体、结构、透视、空间、色调、明暗等基本概念逐一进行理论的讲解，进一步使学生认识到各种因素间相互联系和所处的主次地位。如形体、结构等是物体内部最重要的方面，内在的结构形成了外在的形，形体与结构是不可分割的，是我们学习造型的关键，而色调、明暗等因素在我们观察物体时是生动的、丰富的，都是人凭直观感觉它们在光的作用下，起到增强形体感、质感和空间感的作用。让学生在思维上明确建立诸因素的基本概念，理解它们之间的相互关系，使之具备思维上的概括能力。 （2）移位、组合教学法。如改变光源的方向、物体的转向与移位、平面切割、触摸物体等，使学生对物象作全方位的观察、剖析，从中获取直观感受，以开拓原有的思维空间，达到对物象由表及里的全方位的观察和理解。物体移位、组合教学法是打破传统素描教学方法新的教学尝试。传统的方法是摆好实物的写生，有着或多或少的被动因素。教学中，我们采用随意布置的一组石膏几何模型静物，要求学生在想象中对它们进行重新移位组合，运用构图的形式规律，表达出一定的艺术情趣。在具体作画中，学生只能凭借眼前的实物获取一定的艺术信息，在沉思默想中形成有结构的意向，即创作构成有意识的主体空间。学生根据思维中形成的有结构的意象，运用具体的方法进行表现，在线条的使用和明暗色调的设计上具有鲜明的个性和强烈的情感。学生在这种具有艺术情趣的体验中，能更好地保持学习素描的兴趣。 4 开展多种评价方法巩固学生学习成果。 （1）教师激励性评价。“ 与君一席话，胜读十年书”——这正是教师的真正价值，也体现出教师在素描教学中评价所起的作用。在这个意义上，作为学生也迫切需要教师艺术观点明晰、修养深厚，既有独到见解、技法高超，又含兼容气度的好教师的及时的激励性评价。 （2）学生自我评价。学生自我评价过程是认识思维提高的过程。这一个过程的客观与否，直接涉及到学生是否能够有长足的进步。同时，这也是一个学生自我“领悟” 到“艺术真谛”的过程。这种领悟多次地、不规律的到来，就会使学生对艺术本质的了解不断深化，学习效果事半功倍。“领悟”不是教师所能给予或替代的，而是学生自我努力、不断进行自我评价，艺术修养不断提高、人生境界不断升华的结果。 （3）互相评价与他人评价。通过校园系列汇展汇看制度的正常建立，定期组织班级之间、不同专业之间的汇看汇展，同学之间的互相评价，教师及时点评，既可增进浓厚的学习氛围，又可虚心听取他人的评价，进行深刻的艺术反思，从而更好地进行素描训练。 美术专业论文:地方高师美术专业学生美术考古能力的培养与专业资料室建设 内容摘要：地方高师美术专业加强学生美术考古能力的培养主要为了使学生能尽快适应地方文化发展以及地方基础教育改革的需要，也是自身特色发展的策略。以“研究性教学”为理念的“高师美术基础理论课程改革与教学实践”是培养学生美术考古能力的实施策略，其中专业资料室的建设将起关键作用。 关键词：美术考古 专业资料室建设 地方高师美术 从学科划分上看，美术考古学是属考古学，但又与美术学科尤其是美术史联系极为密切，它是以田野考古调查和发掘所获得的美术遗迹或遗物为主要研究对象，从史学立场出发，结合有关文献记载，进行历史分析研究和艺术分析研究。与美术史相比，都是以美术品作为主要研究对象，都需要图像解读和艺术分析研究，从这一点来看两者是一致的。只是美术考古学研究的美术品主要是通过田野调查和发掘所得，而美术史研究的美术品主要是曾经文献记载的或已有的现存实物——当然，这现存的实物也有可能是曾经或刚刚通过田野调查和发掘所得。所以，从美术研究的角度看，美术考古可以作为美术史研究的基础研究和重要方法，它可以为美术史研究寻找最新的一手资料，也可以是美术史研究的特殊角度。 由此可见，高等院校对大学生美术考古能力的培养不能仅限于考古学专业，对美术专业尤其是地方师范院校美术专业，把对学生美术考古能力的培养纳入其课程计划也是很有必要的。 一、美术考古能力的培养在地方高师美术专业教学中的地位 地方师范院校的办学特点与发展活力在于“地方”二字，即要立足地方社会经济文化发展实际，围绕地方基础教育的要求，确立办学指导思想与发展定位。地方高师美术专业作为地方师范院校的一个专业，不仅要考虑专业自身的特点，更应该考虑到它还是地方师范院校整体的一部分，因此，专业自身的特点与“地方”的结合才是其特色发展之路。 从基础教育来看，早在2000年，我国教育主管部门就已经启动了新一轮的改革，在改革实践的基础上，先后推出了《国家义务教育美术课程标准》和《普通高中美术课程标准》，并于2004年开始在全国推广试行。新课程标准着重改变以学科知识体系构建课程的思路和方法，以促进学生素质全面发展为旨归，致力于学生综合探索能力、研究能力和实践创新能力的培养。于是“研究性教学”成了新课改在方法上的必然选择，立足于地方实际的校本教材是各地新课改的重要内容。这就要求授课教师不仅要善于寻找和发现具有地方特色的美术课程资源，而且还要对这些课程资源有研究，要在教育教学过程中有对学生身边的地方特色的美术品进行研究的示范能力。 从具体的教育策略上看，在毕业论文写作这一教学环节，引导学生把自己家乡的文物或其他美术资源作为选题进行考察、分析、研究，不仅能有效避免抄袭、体现原创，从而保证论文质量，而且可以为学生搜集并研究地方特色的基础教育新课程资源，尽快适应当地基础教育改革的需要打下基础。 所以，美术考古能力的培养不仅可以使学生适应地方社会文化发展尤其是研究抢救地方文化遗产的需要，更是适应地方基础教育新课程改革的需要，当然，从自身来看，也是地方高师美术专业特色发展的策略。 二、“研究性教学”与美术考古能力的培养策略 事实上，美术考古在现行高师美术专业教育中是没有地位的。多年来，开设这门课的专业主要限于历史学，即使是美术史论专业方向的，也只是有师资的个别学校按选修课开设，绝大部分学校没有这方面的专业师资也没有开这个课程的理念。所以作为课程的开设是有难度的。 面对这一现实，以“研究性教学”为理念的“高师美术基础理论课程改革与教学实践”，即以有梯度的理论课程设置为主线，以适当的外出考察研究为基础，以相应选题的毕业论文训练为主要手段，引导并通过实践培养学生的美术考古能力应该是一个可行的策略。 首先，在基础理论教学过程中，可以选取若干知识点作为研究选题，通过研究示范不仅使学生熟悉并逐渐掌握相关研究方法，更重要的是可以启发学生对包括技法形式在内的美术相关问题的研究兴趣，激发学生探究的热情。 其次，以外出考察研究为基础把学生探究的目标引向现实，引向对身边或自己家乡的美术遗物的关注，并通过进一步的学习和训练把这种关注明确为毕业论文选题。 最后，以毕业论文选题范围为研究内容，以研究探索为动力，以学术论文的写作程序为规范，培养学生初步的美术考古能力。 当然，最终学生不一定能写出地道的美术考古论文，但最起码通过这一系列训练能够熟悉甚至可能掌握美术考古的相关方法，初步具备美术考古能力。 三、专业资料室建设在美术考古能力培养中的关键作用 高师美术基础理论课程改革尤其是指向培养学生美术考古能力的改革并非易事，这是一个复杂而且具有较大难度的系统工程，尤其是没有专任教师、没有专门课程。在这种情况下，专业资料室的相关文献建设将发挥非常关键的作用：一是相关研究资料可以给学生一个很直观的示范，二是相关理论研究成果可以给学生以研究视角、研究方法等方面的启发，三是相关记载可以给学生提供文献佐证依据。 但中国美术考古学所研究的美术遗迹和遗物涉及的领域太宽，既可以是被遗忘的或被忽视的在当时曾经代表主流的官方的美术遗迹和遗物，也可以是现在仍然存在的或即将消失的民间美术，涉及建筑、雕塑、绘画、碑刻、工艺等美术样式。对于一个地方师范院校的美术系而言，短期内备齐相关资料既不现实也没有必要。 有鉴于此，笔者认为，在学生毕业论文教学实践中有针对性地购置相关专题文献资料是行之有效的方法，即以“不求齐全，但求够用”的原则，根据学生确立的地方美术考察方面的毕业论文选题所涉及的范围，征集购买文献资料。 在具体的毕业论文写作教学实践活动中，一方面教师可以根据学生的选题提出相关推荐文献目录，另一方面学生也可以在老师的引导下去寻找相关文献，在自我探究过程中可以找到老师没有推荐过的更好的文献，而这些文献资料一般情况下资料室是没有的，尤其是最新资料，是需要添置购买的。资料室可以鼓励教师和学生自行购买。买回的图书及时到资料室登记编目再行借阅；没有买到或不易购买的文献资料，可把目录清单汇总由资料室统一购买。同时，已经完成的学生毕业论文也可以作为下一届学生的参考文献。 这样，滴水成川，慢慢积累，随着一届又一届学生毕业论文选题领域的扩大，相关资料建设也会越来越完备。从忻州师范学院美术系近三年（2008-2010年）本科毕业论文质量分析数据来看，有关地方美术考察类选题占毕业论文总数的比例，由2008届的4.1％增加到2010届的26.4％，其中每届良好成绩以上均占本选题的55%以上，并且都有优秀论文产生。 由此可见，不开设课程，没有专任教师，通过教学改革培养学生的美术考古能力是可行的，而美术专业资料室的建设在其中发挥了非常关键的作用。 美术专业论文:美术专业学科建设论文 1、美术专业学科建设的原因 当前时期，除了一些美术专业学校之外，很多高校也已开设了相关的美术专业。但是，从实际情况来看，美术专业学科建设比较滞后，教学理念比较陈旧，实际教学效果也不是很好。人们对美术专业的认识还存在一定的误区和偏差，例如，不少人认为美术专业其实就是一种单纯的绘图画画，是一种专业画画技能。而对美术专业在设计理念和思维创造能力方面的认识不足。在这种情况下，美术专业的教学更加侧重制图和绘画技能的训练，而对学生艺术设计理念和原始创造思维能力的培养不足。从长远来看，这种教学模式是不利于美术专业人才培养的。 2、美术专业学科建设存在的问题分析 2．1传统的美术教学方式和观念影响深远。 从当前美术专业的教学模式和教学方法，可以看出，传统的美术教学方法和观念依然发挥着重要的影响。教师在教学过程中，不敢放开手脚。大胆创新，对当前专业发展的趋势和市场实际需求把握不够准确，在一定程度上，影响了美术专业的实际教学效果。 2．2缺乏科学合理的美术教育模式。 从当前美术教育中存在的问题可以看出，其实，归根结底，还是没有形成科学合理的美术专业教学模式。现代化的美术教育理念没有形成，其结果导致美术专业教学基础单一、学科建设跟不上时代需求，重点不够突出。 3、美术专业学科建设的基本思路 3．1以市场需求为导向。 随着我国对经济增长质量要求的不断提高，经济和社会的发展对实践应用型美术专业和艺术设计人才的需求开始增多。比较明显的例子，在动漫游戏行业，近几年发展非常火爆，而相关专业的人才，尤其是优秀的艺术设计人才，非常缺乏。从这方面来看，美术专业学科的建设，一定要结合市场对人才的需求，在经过深入细致调研和充分论证的基础上，合理设置相关专业，并及时对课程体系的内容进行调整。 3．2优化专业配置，探索美术相关专业的互动教学 。美术专业的范围要适当扩大，同艺术设计、电脑美术、服装设计和摄影等专业深度结合，扩大专业学科的跨度，在实际教学过程中，教师要充分利用不同专业的特色优势，提高学生对美术专业的理解层次，通过相关专业互动教学的模式，实现对相关知识的深度整合，减少学生重复学习雷同知识的负担。 3．3建设高水平的美术专业教师队伍。 美术专业学科的建设，要注重从人的层面做起，首先应该是提升教师的专业素质，因为，教师的学科建设和教学改革过程中发挥着非常重要的作用，也肩负着推进学科进步，培养优秀人才的重要使命。因此，要建设高水平的美术专业教师队伍，把教师人才队伍的培养提高到重要的战略高度，培养一批专业理论知识扎实、教学经验丰富、敢于大胆创新和实践能力强的优秀美术教师人才。 3．3强化美术专业基础教学，重视学生人文素养的培育。 在美术专业学科建设过程中，要稳扎稳打，切勿过激冒进，要强化美术专业基础知识教学，让学生打牢基础，扩展学生学习的范围，在教学过程中，融入平面和立体结构的研究、材料的研究、色彩的研究等独立而又互相作用的知识模块，从而使美术教育摆脱艺术家个人化、自由化、非科学化的主观倾向;美术教育，坚持工作室(车间)制的教育模式，让学生亲自参与制作，充分发挥其潜在的创造能力的教学方法，突破以往纸上谈兵的局限。可以说美术专业的教育，不同于其他学科，美术专业是一种美学艺术，美学艺术教育有着很强的实践性和主观性。基于这种情况，教学要强调实践能力的培养，强化基础课教学。同时，还需要重视对学生人文素质的培养，强化艺术教育。艺术教育不是技术教育，单纯的技术传授不是现代艺术教育的全部内涵，深厚的文、史、哲修养是视觉文化创作者必需的文化积淀。 3．4美术教育理念要与时俱进、兼容并包，不断创新教育方法。 继承“兼容并包”的教育理念，强化创新意识，现代艺术领域之宽，跨学科之广，综合性之强是前所未有的。所以我区要继承“兼容并包”的教育理念，既博纳中西古今文化之精华，又吸收中外艺术教育的有效资源，以此营造一个宽松而充满活力的学术与创作氛围，旨在强化创新意识与能力的培养。相关院校应围绕教育教学的核心任务开展学生工作，现代美术教育方法着重从培养专业复合型人才。较之以往的传统教育方法，现代设计教育应该主要强调“启发式”、“协作参与式”和“开放式”三种教育方法，以此作为传统教育方法的补充和更新基础。 4、结语 综上所述，美术专业学科的建设，不是一朝一夕的事，在建设过程中，要注意总结经验，及时发现问题和不足，并且要敢于突破创新。在本文的分析研究中，主要是从现代美术教育的理念、优秀美术专业教师人才的培养、市场需求等几个层面探讨了美术专业学科建设的思路，希望可以对美术专业的发展起到一定的帮助作用。 作者：李明磊 单位：大连旅顺职业教育中心 美术专业论文:高校美术专业科研管理论文 一、国内美术院校科研管理中存在的问题及成因 1.缺乏科学有效的评价和激励机制 美术专业具有技能性较强的专业学科特点，强调日积月累的实践创作与艺术感悟，科研成果的形式大多是作品而非论文及著作，如绘画或雕塑作品参展获奖，企业形象设计或标志设计作品被采用等。各省市按照现行的科研管理条例对高校进行综合评价时，往往没有考虑到美术类学科的专业特性，经常以文章发表及专著的数量进行衡量，以至于在美术高校填写的上报表中，许多很重要的专业成果找不到相应的填写位置，因此很难获得更多的经费支持及成果奖励。更重要的是，由于各高校的日常科研管理条例及成果统计形式都是针对上级主管部门的要求制定的，因此，这些评价和激励机制不完善直接影响到了教师的职称评定及对优秀成果的奖励。 2.学科建设及管理模式的滞后性 目前，美术院校科研管理观念相对落后，管理模式僵化。美术院校传统的学科建设组织形式以设立二级学院及直属系为主体，按专业特点进行划分：造型学院、设计学院、媒体学院、实验艺术学院、国画系、史论系等。科学研究层级结构以校、院、系、研究所、教学研究室、课题研究组等形式进行设立，课题间及学科专业间的联系相对闭塞，缺乏长期有效的合作和沟通，阻碍了项目研究及学科专业的交叉与融合。近20年，国外新兴的视觉文化研究领域对以视觉为核心的各学科综合性研究非常重视，取得了显著的研究成果。相对而言，国内一些传统学科的组织形式制约了人才的流动，已经不能适应科学研究多样性与灵活性的需求，如何科学有效的利用软件和硬件的科研资源及人才队伍，是提高美术院校科研水平的重要环节。近些年，伴随高校绩效考核制度的深化及各校间科研成果的竞争，美术院校科研管理模式的弊端日益凸显。许多美术院校普遍存在重艺术创作而轻学术研究，重设计实践而轻理论总结，重教学工作而轻专业研究的问题，这些现象不断地积增，违背了大学教育发展的规律，迫切需要建立切实有效的科研管理创新模式。 3.科研管理人员的素质良莠不齐 美术院校科研管理队伍的建设良莠不齐，引进人员的教育背景几乎和岗位工作内容没有相关联系，其大部分管理人员的实践管理知识都是通过实际工作中的经验积累形成的，缺乏针对美术管理专业的系统培训。院校对管理人员经常重使用而轻培养，继续教育的环节薄弱，进一步造成非专业的管理人员与高水平的教师队伍之间的差距。同时，高校对科研工作的重视和支持，科研成果数量的激增，不断对科研管理者的工作提出更多的要求。成为一名优秀的美术科研管理工作者，不仅要具有高度的爱岗敬业精神和认真负责的服务态度，相应的科学管理知识储备，还需掌握全面的艺术专业知识，关注文化领域的最新学术动态，这样才能适应美术专业科研管理创新模式日新月异的发展趋势。 4.美术专业科研成果的转化率低 美术专业科研成果的推广与转化工作一直是各大院校科研管理中的薄弱环节，美术院校师生创作的艺术成果丰硕，但成果转化与推广程度不容乐观，这一现象与美术院校科研管理体系建设的不足有密切的关系，现行的科研成果量化与奖励制度只重视项目数量，专利总数、、刊物级别等，没有协助教师建立成果转化相应的渠道及搭建校企合作的平台。同时，大部分教师缺乏成果转化的意识，大多数艺术家只埋头进行专业创作，忽略了艺术成果和市场经济的对接。因此，许多艺术成果仅仅停留在学术研究、职称评定、论文撰写等层面，没有积极地进行推广，使成果转化为生产力，致使科研成果严重浪费。 5.科研经费管理中的弊端 美术院校科研项目负责人大多以副高级职称及以上的教师为主，青年教师和研究生只能是项目参与人，以这种金字塔结构为主体的固有模式进行配置，致使项目研究人员的组成缺乏多样性与灵活性。然而，科研项目的创造性劳动，绝大多数是由这些年轻人承担，他们长期大负荷的工作，却无法成为项目的主要承担人，这种过于严格的项目申请资格的规定，虽然符合国家的项目管理要求，但在实际应用中，却间接抹杀了青年教师及学生的创造热情，无法直接地激励他们的创新思维，阻碍了艺术创新成果的产生。近年来，国家对科研项目的资金支持逐年增长，而对于承担人员资格的过度限制，使得大量的科研经费集中于少数人的手中，科研成果的数量和质量不能得到有效的监控和保证，出现了同一成果多头结项的现象，严重影响了科研经费的良性运转。 二、提升美术院校科研管理水平的策略与途径 1.科研资金组织与资金管理优化 美术院校的科研资金组织与资金管理需要根据学科特点进行优化，参考国外诸多大学的管理模式，对我们的管理创新颇有启发。比如，我国科研项目的管理经费的报销环节，人工费用还需通过其他途径进行支付，这凸显出管理制度中相关条款的不合理现象。国外大学从申请项目时，就已经严格进行了预算明细审核，项目研究过程中的经费使用严格按照预算来执行，报账的管理体系与预算的管理体系完全分开。项目经费以直接费用和间接费用两部分进行划分，间接费用的比例可占到实际费用的一半以上，项目研究中的材料费及研究人员的福利都很多。同时，项目研究中对学校内设施的使用也要收取费用。这种资金组织及管理的透明化是需要我们借鉴的。 2.人才培养与科学研究紧密结合 科学研究与人才培养同时进行，已成为国外高校科研管理中的成功案例。在美国，人才培养与一些项目研究相联系，导师招收博士生的数量与项目直接相关，博士根据导师的项目经费及研究需要来做助研工作。导师可招收博士生和博士后的数量很大，在国外一流的大学里，学术研究的辅助队伍是相当庞大的。这种管理模式为我国美术院校的科研建设提供了诸多启示。回望美术创作的发展早期，可以追溯到师傅带学徒的作坊，在规模庞大及有名望的作坊里，一位师傅拥有众多的学徒，完成大的艺术定件。这种传统的艺术创作模式与国外的科研体系有很多类似之处。首先，它可以降低进入研究领域的门槛。其次，它可以在创作与研究中培养学生。最后，它可以为国家节省大量的学费资助及科研人员工作费用。需要严格把关的是相应制度的建立，当学生参与学校的研究项目时，对该生的各种成果及学术能力的综合评定，必须有相应的顾问来监督，并设立学科组对该学生进行评分和最终的资格考核。 3.发展战略组织与科研理念优化 西方发达国家中许多大学科研管理制度的建设比较完善。美国所有大学几乎都有科研管理手册，手册中对不同专业的科研管理都有详细的规定，而且各大学的管理制度如出一辙，普遍性原则对所有研究人员及机构都是适用的。统一的标准，营造了公平的学术环境。因此，我国高校美术专业科研管理也应根据学科的特殊性，设立行之有效的统一管理模式，美术类院校与其他高校科研管理的不同之处，主要在于众多复杂多变的艺术成果形式的评价与鉴定，全国美术类高校的科研工作基本相同，统一的艺术科研管理体系在全国院校都是可以使用的，具有共通性。因此，全国统一的美术科研管理体系有待建立，这既是提高管理效率及各院校横向比较的迫切需要，又是全国学术水平认定规范化的必然举措。 4.营造良好的管理文化环境 国内美术院校科研管理的文化有很多弊端，整个管理模式都是行政体制下的管理，缺乏学术研究的管理文化。许多高校把科研管理制度简单理解为项目管理、工作室制度、科研经费管理等，这是非常片面的，高校的科研管理制度不只是用于规范教师与科研人员的日常工作，更应自然成为每位教师心中的管理符号，形成普遍的约束力与认同感，同时对所有教师的行为与意识产生潜在影响。因此，以人为中心的人本管理，是高校科研管理的核心及发展方向。所谓人本管理，就是指在高校科研管理的所有活动中，首先应把教师放在最重要的位置，以服务教师学术研究的全面健康发展为宗旨，充分调动教师和管理者的积极性与创造力，从而使高校的学术成果获得效益的最大化。 5.美术专业科研管理信息系统的研发 随着科学技术的飞速发展，以数字媒体为代表的互联网管理技术的研发水平日新月异。经统计表明，全国绝大部分高校已采用了计算机和管理软件进行日常科研管理工作，但缺少适合不同学科特色的管理软件研发。因此，结合美术专业自身特点，自主开发适合美术专业科研管理的信息系统是十分紧迫的工作。现代信息技术监测在科研成果认定、质量监控、制度决策及成果创新过程中广泛应用，对于简化科研管理的流程，提供科研信息与数据的统一与利用，加强管理的科学性具有重要作用。互联网管理技术不只是信息化管理的媒介，还将成为管理工作的重要手段，伴随着数字媒体网络技术在美术院校科研管理中的应用，美术院校科研管理工作必将走向信息化与规范化。 三、高校美术专业科研管理评价体系建设与实践 全国独立的八所美术院校（中央美术学院、中国美术学院、天津美术学院、湖北美术学院、广州美术学院、西安美术学院、四川美术学院、鲁迅美术学院）经常组织联席会议，针对美术专业科研管理方面的问题进行研究与分析，内容涉及科研量化指标体系的建设、科研质量鉴定、科研成果转化、学术规范及学术不端行为的惩戒等。会议提出学术规范与管理规范的界限不能混淆，要把科研成果的量化管理变成社会评价、学术评价、长期评价而非单位评价、工作评价、短期评价的结果；要对当下美术院校的学术成果评价进行全面的检讨和反思，努力实现从行政思维转向学术思维，从形式评价转向内涵评价等问题。同时，针对部分高校试行的科研成果统计方法进行近一步探讨。试图建立起一套分值换算的方法进行美术成果量化的评价体系。美术院校科研成果评价体系由统计表格、分值说明、参考目录三大部分组成，统计表格与分值说明中10个方面的内容依次对应。首先，教师可以按科研成果形式的分类在表中填写内容，填好后根据分值说明计算分值，最后得出当年获得科研成果的总分值。例如，体系中将教师参展分成四个等级，一级为国际大型展览或国家级展览；二、三级为全国美术家协会和各专业艺委会主办的展览；四级是各省市美协主办的艺术作品展。科研处根据四个展览等级，分别列出历年展览的具体名称和相应分值。教师在填表时，很快就能查找到参展级别与获得分值。科研成果分值量化管理以整年为一周期，其中设有最低分值：助教最低需获得8分；讲师最低需获得10分；副教授和教授最低需获得15分。三年为一个奖惩周期。这种分值量化的方法，不仅为美术院校中不同专业的横向比较提供了依据，也为全国高校美术专业的总体衡量带来了可能。这些方法的探讨无疑为高校美术专业科研管理的科学发展带来了新的活力。高校的逻辑起点首先应是高水平的学术研究，因此，学术是高校的安身立命之本，那么学术管理也就成为高校发展建设的重要环节。科研管理无论采用何种运行方式，都应是保证和服从于学术研究及教学实践的。科学的管理方法对高校的长远发展具有非常重要的意义，高校科研管理部门的工作包括了特定的研究涵义，也就是说，高校科研管理具有其自身研究的学术价值，针对美术专业教学科研的实际需求而开展的学术研究，制订教学科研总体发展规划和计划；面向美术专业科研管理者的实践业务和管理专业的培训方案，对科学合理地做好美术专业科研管理工作具有非常重要的学术价值与实践意义。 作者：范晓楠 单位：天津美术学院 美术专业论文:美术专业平面设计论文 1平面设计课程教学的问题 平面设计课程的教学实践中，有的老师过分注重实践过程，认为这就是一门实践课，只注意学生们的作品的美观，也就是视觉效果，而忽视了它是一个设计的过程，这个问题很严重，从小学到大学的美术课上都可以发现这种问题，小学的美术课就是临摹课，很多学校都是让孩子临摹画画，然后看他画的好坏与否给予评分，这是一个严重的误区，美术课、平面设计课，是一种设计课程，开发学生想象力的课程，单凭作品的视觉效果给分只能限制住学生的思维，让他们把重点放到了制作方面而忽视了最重要的方面。这种方法培养出来的学生，他们是达不到设计家的水平，他们的设计思想很容易就得到禁锢。 2如何提高平面设计的教学效果 （1）创新课内实践环节 在平面设计课程当中，最常用的实践设计就是一个logo的设计，这种作为标志的设计能够让每个学生发挥他的想象力，根据自己对事物的理解，内容的理解创造出自己认为可以表达出该企业或该学校的一种文化，这个过程很难抄袭、很难借鉴最大限度的开发了学生的想象力和创造力，只能通过学生查阅各种材料，加深学生对设计对象的深层理解，同时涉猎很多艺术知识，还要站在观赏者的角度上去看艺术作品，是一个极其综合的艺术表现，此外对于不同的作品也会使他们对其他艺术作品有一定的分析，以后也能加强自己的分析。 （2）创新校外实践环节 对于这种设计课的实践环节，学校应尽可能的让学生打开眼界、放开思路、驰骋想象、敢于标新立异的思考去进行学习，可以带学生们去设计公司参观，具体观察一个设计成品的制作流程，增加感性认识，提高学生的设计兴趣，让他们知道他们以后工作的特点和需要，能够将学生独特和创新的思维与实践结合起来，让学生知道自己能做什么、爱做什么，该做什么，然后为之去努力，去奋斗，同时也让学生正视平面设计的难度，踏下心来一笔一笔的进行设计，一点一点地积累设计体会和经验。 （3）树立现代设计观念 理念决定一切，一个学校的教学理念是一个学校的灵魂，什么样的理念教学，就会产生什么样的学生，就会产生什么样的作品。因此理念是一个根本性的东西、最重要的一个东西。"设计"，英文表达方法叫做"design"，它包含了设计、图案、构思、纲要的概念，而中文"设计"的概念则是根据所达到的目的预先将图样和方法展现出来的一种手段。教师应积极的引导学生做一名成功的设计师具有的素质即：一个设计成功的设计师应该具有艺术家的情操、诗人的想象力、商人的经济头脑、科学家的智慧、促销员的坚持、工人的实干精神，既然选择了美术设计专业，从大一开始就该树立强烈的意识就是自己是一名设计师，必须以现代的设计理念来武装自己，时刻记住设计的概念，统观自己所有的需要修的课程，明确课程目的，设计学习方法，解决实际问题。教师也要根据这些方面去教学生与学生互动。 （4）学生的个性培养 设计是来自于设计人员的创造性思维。独特化、时尚化、艺术化、创新化是对设计师的要求，在平面设计教学中对理论性知识传授之后，就要倡导学生们的个性化创意、倡导与众不同的思维，挖掘每个学生的特色，使每个作品都带有鲜明的特点，尊重学生每个认真创作的作品，以鼓励的方式激励每个学生异想天开的作品，这样才有培养出不拘一格的学生、想象力丰富的学生、个性化的学生、创造性思维的学生，才能真正成为设计家，才能容易被社会接纳。 （5）提高学生的观察能力 平面设计当中观察是一个重要的环节，是一个重要的经验的积累。闭门造车的教训不能再历史重演，学生不了解社会新的变化、不了解人与人之间的关系、不了解目前企业的发展的情况和企业发展文化，就发展不了自己，因此要鼓励学生对周围的一切都仔细观察，积累生活经验，学校也要为他们举行各种设计活动及比赛，丰富他们的生活，激起他们的设计兴趣，生活中到处都是设计，到处都是学问，大家一起讨论每一个作品的优缺点，取之长，补己短。 作者：史地 单位：北华大学师范分院 美术专业论文:美术专业国画教育的革新措施 一、我国高校国画教育走向衰微的主要因素 我国美术高考内容缺失了国画教育内容，考的是西洋绘画内容，走向了西洋画教育的道路，在中国土地上培育西洋画的新苗。纵观我国近年来的美术高考内容，都是素描、水彩、水粉、速写之类的西洋绘画内容，无形之中把美术教育引向了西画教育，这种“扬西抑中”的做法无疑是高校中国画教育走向衰落最大罪魁祸首。由于学生从小就缺乏笔墨书法功底，在高校就是想学国画都是那么艰难，因为笔墨技法不是一蹴而就的，在短短的两年之内想打好坚实的国画基础比较艰难，别说什么国画创作了。高校课程设置的不合理，教学模式不但老化陈旧，而且采取西洋美术教学模式，重视西画基础教学，缺乏国画基础教学，教育导向已经严重偏离本土艺术教育，导致学生最终选择西画众多，选择国画专业的学生寥寥无几。以上几个主要原因就是导致我国高校国画教育走向衰微的主要因素，如果不改变上述这些现状，我国的国画教育将不堪设想。 二、我国高校国画教育改革势在必行 由于我国艺术教育偏离了“主航道”，作为土生土长的本土国画艺术，是我们中华民族几千年来的文化结晶，也是我们中华民族为之骄傲的艺术成就，到了今天却成了末日黄花，得不到世人的重视，得不到教育部门的重视，相反把外国的艺术教育引入中国后却了成了“座上宾”，这种崇洋媚外的做法实在有损中国人的自尊心。我们不反对吸收借鉴西洋绘画的技法，但不能因此把老祖宗留下来的文化精髓给抛弃了。虽然我们高校国画教育还在进行，但是它的没落不完全是时展造就的，而是一种人为的教育偏向导致的，是一种有意识的误导造成的。长此以往，我国几千年来的传统国画艺术将岌岌可危，没有这种忧患意识是很可怕的。所以有识之士要警醒起来，极力倡导我国的国画教育要从中小学抓起，在中小学普及中国画教育势在必行。只有打下坚实的国画基础，才能为高校输送大批合格的生源，也有利于高校培养顶尖的艺术人才。高校国画教学也要随之发生重大改变，不能再因循守旧，要打破常规，改革旧有的教学模式、教学内容和教学方法，极力改变陈旧的思想，把国画教育提高到应有的地位，把国画教学提升到一定的水平。 现在一些普通本科院校的国画教学力量很薄弱，由于师资力量的缺乏和教师专业水平存在的问题，也是导致国画教学质量下降的一个主要因素。一些著名高校由于教学条件远远优于普通本科院校，所以不存在师资不足和专业水平的问题，但是名校毕竟是少数，普及国画教育还是要依赖于普通高校艺术教育。作为承担国画教学主力军的普通高校，在引进国画人才方面比较困难，很多落后偏僻的少数民族地区的高校，由于很难招聘到艺术硕士、博士一类的人才，大部分艺术教师都是本科学历，由于学历不达标，无论教学水平还是知识修养、能力、教学经验都存在着一定的问题和差距，本科学生甚至瞧不起本科教师教学。由于国画教师缺乏和学生对于国画的偏见，导致国画教学力量非常薄弱。甚至有些美术学院的领导自身不画国画或者对国画的偏见也会导致学生重视西画，轻视国画。有的学院国画教师仅仅只会工笔绘画创作，对于写意画根本不敢接触，所以更不敢从事写意花鸟、山水、人物教学，这样就导致了写意国画的缺失，教学专业不完整，培养出来的学生也只能是“半成品”。针对以上种种情况，高校的国画教育的改革势在必行。 三、高校国画教育教学改革的措施 从以上我国高校国画艺术教学存在的问题来看，我们要加大教学改革力度，要改变过去那种的教育模式、教学方法。那么如何改革，笔者有以下几种建议，一供同仁参考和借鉴。 首先，我们的国画教育要从孩子抓起，从最底层、最基础抓起，万丈高楼需要从根基一步步建起。中国画是我们中华民族的国粹，教育学生热爱祖国的文化和艺术，从小学起，从我学起，大凡热爱国画，有一定艺术天赋的中小学学生，学校不妨集中起来，开个兴趣学习班，作为高校艺术生的后备军。在中小学发现了绘画人才就可以采取因材施教的方法，让他们在国画学习上“吃得饱，吃得好”。很多学校开始了一些艺术特色班，这是非常好的方法，可以有效地把有艺术天赋的、热爱学习美术的学生集中起来进行集训，有利于艺术特长生的成长。非常遗憾的是，这些特色班的教学只是为高考训练学生的西画基础技能、技法，完全忽略了国画教学内容，主要原因还是高考教学制度的问题。 其次，改革我国现有的美术高考制度，这不是我们普通教师所能做到的，需要教育部进行改革旧有的高校制度，我们只能呼吁吧。在美术高考内容中加入国画的创作或临摹。有意识的强化国画学习，把国画和书法作为高考的一项主要考试内容，扭转过去那种西画一边倒的局面。在考试内容上，增加国画线描、国画写意花鸟、山水画的临摹或创作。把西画中的水彩和水粉课程可以若弱化下去。这样就大大有利于中小学国画教育。因为在高校里还要进行西洋绘画基础教学的，所以加重国画考试内容比例，可以大大激发学生学习国画的积极性和主动性，在意识形态上要有意识地导向中国画教育。 第三、高校艺术教学模式的改革。很多高校在大一大二时完全都是西洋绘画基础教学，例如素描、水彩、水粉等课程的学习，等到了大二才开始分专业，专业分完了，学生真正学习专业的时间也不过区区一年多一点的时间，在这么短短的时间内学生又能学习到多少真正的专业技能和理论呢？最后都是学习点皮毛。学生感叹到4年大学自己的专业基础一点也不扎实。那么我们要改观这种教学模式，在大一时开设素描、水彩、水粉课程，为今后打下一定的造型能力和色彩感觉服务的。大二时就开始分专业，甚至在大一下半年就可以分专业。这样把学生最感兴趣的专业时间大大提高到2.5年———3年的学习时间，专业技能就能得到大大加强。尤其国画教学更是越早越好。大一时就应该加入一定量的国画学习，让学生学习国画线条白描，锻炼学生用线进行造型能力，还要求学生每天必须练习一定量的书法。那些真正爱好国画的学生不妨提前分离出来，成为独立的国画班，因为中国画不需要西方科学的透视法规，也不需要严格的光影效果和色彩。 第四、高校国画教学内容的改革措施。国画教学内容包含着书法教学、绘画技法教学、构图学、创作教学、艺术理论教学等内容。但是在实际教学当中，很多内容被忽略了。如作为基本功的书法教学是国画教学中必不可少的一项。它是练习用笔用墨的基本功，也是练习线条造型能力的手段，书法本身就是一门艺术，它与国画完美结合形成中国画特有的“诗、书、画、印”艺术形式。然而很多院校不重视这项内容教学，这方面要得到加强。还有就是只重视绘画技法教学，不重视艺术理论教学，中国画最高境界是“气韵生动”，画面意境之美的创作来自于画家自身的文学修养和高深的艺术理论修养，然而现在很多艺术生，由于高中文化课就很差，导致他们不喜欢文化课，更害怕艺术理论课学习，由于文学修养和艺术理论修养严重缺失，导致学生创作不出有一定水准的国画作品。加大艺术理论教学内容的同时，还要要求学生课外多读一些中外文学名著，具有丰富的文学知识是一个艺术家必备的。 第五、加强教师自身专业素质的培养和理论的培养。很多教师自己都不具备深厚的专业技能和理论修养，怎么能教好学生呢？很多教师国画技法单一，有的老师只会工笔，有的老师只会写意，有的老师只会花鸟，有的只会山水，这样由于自身专业的狭隘导致教学的严重局限，甚至个别学校国画专业教师都擅长工笔，写意画教学几乎没有，这样如何开展国画的全面教学呢？加强教师的专业技能，除了自己利用业余时间不断自我修炼之外，学院也要给教师提供进修的机会，把自己不足的专业给弥补上去。自己有一碗水，才能给学生半碗水。打铁还需自身硬的道理不用多说了。 四、小结 高校中国画教育教学存在的问题，已经严重阻碍了中国画的发展。几十年来的艺术教育已经扼杀了中国画的“特点”，作为高校艺术教育工作者，有责任呼吁中国艺术教育制度的改革，有义务进行高校国画教学的改革。应该建立以临摹为教学主要任务、以修炼笔墨功底作为主要教学手段、以艺术创作为宗旨的符合中国画传统的艺术教学体系，改变过去那种把西方艺术教育凌驾于中国画教育之上的做法，作为高校艺术工作者要为弘扬中华民族优秀传统文化和艺术精神做出应有的贡献。 本文作者：乌兰高娃 单位：呼伦贝尔学院美术学院 美术专业论文:出版美术专业素描教学的改革思路 一、出版美术专业素描教学的作用及现状 我校的视觉传达专业的素描课程以设计素描为主，强调设计。而美术教育专业学生以传统素描教学为主，学生追求画面的写实效果。两个专业的素描教学各具特色。本专业从2011年开始招生，教学现状主要表现如下：(1)、学生在进校前大都是通过专业速成进校的，在应试教育的前提下，大部分时间都花在短期作业、人物头像、半身像素描和人物速写上，而对静物素描的质感表现和细节表现缺乏训练，很少进行长期素描作业稿的训练，在进入我校后他们需要加强长期作业的训练。(2)、素描主要参照视觉传达专业的素描课程，以设计素描为主，但学生对于设计素描的创作形式和手段缺乏认识，创作思路难以打开。(3)、表现技法单一，传统的素描大都是用素描纸、铅笔或者炭笔作画，在表现上显得较为平淡，视觉冲击力不强。针对以上现状，要想使学生符合本专业的专业需求，既具备对对象的表现力又具备设计的创新性思维，需要我们对他们的教学体系进行相应的调整和改革，以下是我这两年来在实践中的改革思路。 二、出版美术专业素描教学的改革思路 1、对学生进行超写实素描能力的培养 （1）、超写实素描的概念 20世纪80年代，法国艺术家伊维尔在中国开设了第一个超写实绘画材料与技巧班，培养出一批优秀青年画家，他们又把超写实观念带入到各大美术学院，在工艺与广告设计专业的学习中，超写实表现素描发挥出很大的作用，成为一门重要的基础课程。 （2）、超写实素描的作用 超写实素描训练是最能体现技术和技能的训练，学生在进入学校之前，一直受应试教育影响，大部分为短期绘画作业，以表现大的黑白灰关系为主，而对于出版美术专业，学生将来需要更为细腻和艺术化的表现产品或者画面，超写实素描相对于全因素素描更偏重于塑造力的表现，特别是对物体质感和表面的肌理效果的塑造。同时，学生通过超写实素描的学习可以培养学生有序、细致、耐心的作画习惯，这在他们将来的设计工作中是非常关键的，为今后涉及到的商业绘画打下良好的专业基础。 （3）、超写实素描的教学安排与要求 在环节安排上首先以临摹为主，让学生在临摹中体会优秀的超写实绘画的表现手法，培养学生的耐心与技法。随后让学生在生活中寻找要表现的静物，比如一片树叶、一段麻绳，在传统素描中，一片叶子的表现只要求概括的表现它的形体的卷曲关系、光影和主要叶脉，而在超写实素描中，每一条细纹、虫蛀或者肌理都需要细致描绘出来，这对培养学生更为深入的观察力和表现力是非常有好处的。在作业量的安排上不宜过多，1到2张为宜。超写实素描比一般素描都要深入，需要学生花费大量的时间和精力去刻画、塑造，作业量太大，必然导致学生因为赶作业而不重视质量。学生在刚接触超写实素描时，对表现技法比较生疏，可以让学生画一个小的简单一些的静物练练手，待学生有了经验后再布置一张长期作业。在静物的摆放上，可以尽可能地激发学生的主动性，让学生有意识地去思考：如何运用点、线、面构成画面？如何处理静物的主次关系？什么样的静物搭配能够使画面和谐？静物怎样摆放有趣味性？在作画步骤上，要求学生“全面打稿-局部塑造-整体调整”，先用铅笔轻描出对象的轮廓，包括各个结构的细节，再从某个局部开始深入塑造，逐步扩展，最后整体调整。 2、学生设计素描能力的培养 西方国家的设计学科和设计教育体系已经趋于完善，我国针对设计素描教学的改革还在摸索阶段，国内一些美术院校都根据国外最新的教学经验，并结合自身特点，对素描教学进行改革。设计素描课程的开设也越来越多样化和具体化，以下是本人对于学生设计素描能力培养的一些探索： （1）、平面构成在设计素描中的作用本专业素描主要在学生进校的第一学期开设，学生进行素描课程学习的同时，也在进行设计类课程的基础课学习，如平面构成，在教学中，可以尝试把构成的思维引进素描教学，在进行了半个学期的超写实素描练习后，转而将学生引导到设计素描的思维模式，我们可以利用平面构成中的构成形式让学生来组成素描画面。如以眼睛为设计元素，可以从重复构成、近似构成、渐变构成、特异构成、对比构成、聚散构成、空间构成、分割构成等等角度去进行表现。在讲解的同时，我们也可以采用一些范画来启发学生。如在讲解近似构成构成眼睛的时候，我就找了一张较为经典的范画作品，该作品是用素描的形式描绘眼睛的不同表情，并将这些表情放在相同大小、排列整齐的圆里。学生看了后大受启发，立马产生了很多不同的想法，取得了很显著的教学效果。 （2）、设计素描中工具和技法的综合运用鼓励学生突破传统的表现技法，尽可能多地利用不同的工具、材料和技法，提高学生的创新意识，传统的素描所用工具一般为铅笔、炭笔，而在设计素描中，我们可以借助更多的工具去表现画面，如粉笔、水彩颜料、甚至是废弃的报纸或杂志，通过点、抹、染、裁切、揉搓、粘贴、烟熏等各种手段制造各种特殊的效果。 （3）、设计素描中的联想和“写意”作画的形式由学生照本宣科的描绘改为主动的思考构思，作品要求“写意”，或是写一种特定的形式美、或是引起人的一种思考，如进行想象和联想训练，联想是思维的翅膀，思维之间联系得桥梁，在训练中让学生通过某个物体联想到另一个事物，可以使接近的事物、类似的事物、或者有因果联系的事物，如以喝酒禁止开车为主题，学生用整个骷髅头作为背景，把汽车的外形和眼睛的形结合在一起，酒瓶组成鼻梁形状结合在一起，很好的诠释了喝酒开车的后果。 （4）、强调设计说明在设计素描中的运用要求学生每幅作品都写150字左右的设计说明，强化学生的设计意识，让学生会“想”会“画”的同时也要会“说”，这为将来学生面对广告文案的撰写和设计产品说明的撰写打下了有利基础。刚开始要求写设计说明时，学生常常不得要领，长篇大段下来就是不知道想要表达什么意思，没有切中要点，通过引导后好了很多。学生在撰写说明的时候，其实也是在反思自己的作品是否达到了预期的画面效果。 3、利用计算机辅助创作 随着现代科技的发展，计算机在设计中起着举足轻重的作用，创作中可以鼓励学生借助计算机进行辅助设计。计算机辅助设计在出版美术专业素描课程的作用主要体现在如下几个方面： （1）、上课前，利用计算机对上课对象进行快速创意设计。如将各种图像素材通过电脑进行修整、剪切、拼接，这样可以快速地了解创意的效果，并可以对多种创意效果进行比较，然后选择出最佳的设计。这种方式的效率是传统手绘方式无法比拟的。 （2）、创作过程中，利用计算机可以快速实现灵感的捕捉。在上课创作过程中，整个周期一般较长，很多时候都会随着实际的场景和对象变化、实际对象和事先准备的素材不完全一致和个人想法变化等，导致不停的有新颖的灵感迸发，那么需要我们能够快速地将这个灵感付诸实现，并看是否可行。这时候计算机就是一个有利的工具，可以快速的确定新想法的效果，以及是否需要及时调整创作路线与方案。 （3）、创作完成后，可以同学之间对各自作品进行互相评价和启发。一般的素描课程课后没有同学之间进行作品互评，或者只是针对已有作品本身进行表面上的评价。而如果采用计算机的话，同学之间就可以对各自的作品进行更深层次的评价和启发，比如某个同学对某个作品有某个看法或者观点，就可以在计算机上快速实现效果，直观地表达自己想法，而不是停留在口头上或者表面上。这样可以大大地促进同学之间互相学习与启发，真正意义上增进交流。 围绕上述计算机在出版美术专业素描课程中三个作用，为了能够充分利用计算机，将效果落到实处，在我所授课程中，针对学生的具体情况，采取了灵活多变的方式实施各项措施：（1）、在课前，提前给学生布置设计主题，并对学生进行分组，要求学生先在计算机上实现几个创意，组成成员进行互相选择，得到出较好创意方案。（2）、在课程中，如果有学生有新的想法，鼓励学生进行及时利用计算机进行快速的实现创作方案修订，但是在进行方案修改的前需要得到指导老师的认可，以免耽误过多的课程进度。（3）、创作周期结束后，除了老师对每个学生的作品进行评价打分外，增加以组为单位进行组内互评环节，对互评实施效果较好的组进行适当的加分，激励学生之间进行启发和再创作。 三、总结 以上是笔者对出版美术专业素描课程改革的几点看法。本专业属于目录外专业，其教学改革还在不断地进行。作为专业基础课程，不管是超写实素描还是设计素描，亦或是用计算机辅助创作，我们都需要取其精髓，为我所用，为学生今后的专业学习打好坚实基础。 本文作者：张莉 单位：长沙师范学院 美术专业论文:美术专业提升艺术理论素养思考 作者：张宽武 单位：郑州大学 作为一位从事高等院校美术教学的教师，我时常会为学生艺术理论知识的困乏而感到疑惑和惊讶。之所以会疑惑，是因为在我看来，作为一名接受高等美术教育的学生，不但要画得好，而且要对中国古代、近现代以及西方的绘画思想、理论、流派等都要有一个较为系统的了解；而令我惊讶的是，目前许多学生大都片面地认为只要把画画好，那些理论知识都是一些玄之又玄的空话和套话而不愿花大力气学习。其实，凡是正在从事美术教学和研究的工作者都会对这种疑惑和惊讶深有感触，也会对这种现状深感忧虑。尤其是近年来随着高等院校美术专业的招生规模的扩大，此类问题愈加令人担忧。倘若任其发展，不对其进行认真分析和思考并找出对策，那么在未来的发展中势必会造成中国整体美术教育质量的降低，对中国美术的未来发展产生不利影响。 一、高等院校美术专业学生理论素养低的原因 具体来说，高等院校美术专业学生理论素养低，既有学生自身的原因，也与社会、学校教育和教师素质有极大关联。 首先，学生对绘画缺乏全面认识和真正兴趣，重技法轻理论。有一些学美术的学生并不是一开始就对美术产生了浓厚兴趣，由于语文、英语、数学等分数低、基础差就转而学习美术，考美术只是一种临时的决定而非发自内心的兴趣与喜爱。此外，美术类高考招生对文化课成绩的要求较之其他专业相对要低，而近几年高校的扩招，对学生的文化课成绩的要求又比以前更低。等这些学生考上大学以后，由于本身文化程度偏低，再加上对自己的学习缺乏明确的目标，在专业学习时还一味看重自己所赖此考上大学的专业技能技巧的训练，以为只要画得好、画得像就等于学好了绘画。在思想认识上，对自己绘画技法和创作水平的提高很容易满足，觉得理论枯燥、抽象、乏味而忽略了对艺术理论的学习，致使自身对艺术的精神境界和内在本质认识不够，最终制约其创作实践水平的提高。因而，有识之士大声疾呼：“目前，美术教育中最大问题是不注意人的智能、想像力以及美术思想和社会意识方面的充实启发，更忘记了美术是人的事，必须培养出生动活泼的人，才有生动活泼作品……因之，当代美术教育，以技术培训为主，无论从培养画家，还是提高整个国民素质而言，皆不可取。”这确实值得我们认真加以反思和总结。 其次，高校美术教育思想和观念陈旧，专业与课程建设缺乏理论深度，缺乏自由开放的精神和艺术创新意识。目前，许多高等院校美术系在教学安排上主观随意性很大，理论课与实践课的课时比例严重失调，无视“因材施教”的传统教育理念，较少考虑各类学生的实际需求，没有从根本上对美术课程体系进行有步骤、有特色的深入研究，没有正确处理好美术课程与其他人文课程的关系，使得学生的艺术敏感度和对艺术理论能力的掌握都受到限制。 再次，高校美术教师重创作指导而轻理论引导，且自身理论素养有待进一步提高。由于受当前商业大潮的冲击和市场经济的负面影响，有一些教师往往急功近利，缺乏敬业精神和教学责任感，重视对学生绘画技法的指导而忽略绘画理论的学习，不注重借鉴相邻学科的知识，视野狭窄，见识短浅，偏重一些实用性较强的知识而不注重对自身教学理念、教学手段和教学方法的革新。长此以往，无疑会给美术专业学生理论素养的提高产生消极影响。 二、高等院校美术专业学生提高理论素养的意义 爱因斯坦在《培养独立思考的教育》一文中指出“用专业知识育人是不够的。通过专业教育，他可以成为一种有用的机器，但是不能成为一个和谐发展的人。要使学生对价值有所理解并且产生热烈的感情，那是最基本的。他必须获得对美和道德上的鲜明的辨别力”。从中，我们可以解读出完善专业教育的必要性，看到教师的责任感和使命感，而且可以解读出学生全面发展的重要意义。应用在高等院校美术教育中，那就是要把美术专业教育完整化，不但要学习专业技能，而且要加大理论学习的力度和强度，要求我们所有的美术教师要用心和学生进行沟通交流，把理论学习提升到一个与技法学习同等重要的高度。因为，优秀的艺术理论是无数画家和画论家长期实践的结晶，是绘画艺术发展的航灯，使画家和观众能够在理论的指引下找到自身评判艺术的标准和方位。正如陈传席在论及傅抱石的绘画成功原因时所进行的深情、合理的论述：“他绘画之成功……其中有一点要注意，就是他精通美术史”，“古今第一流大画家没有不通美术史的……。艺术固然是以技术为基础的，但却不是以表现技术为目的，技术不过是表达画家性情的一种工具，而且这种工具还要靠人的知识修养去控制……最重要的是，美术史作为学术能丰富人的精神，充实人的心胸，提高人的品质，增益人的学问”。其中深意振聋发聩，需要每一位有志于在绘画方面有所建树的学生细细咀嚼和玩味，以期对自己有所启示。理论永远是先行的，不论它是合理的，还是有失偏颇的，它都会对现实的艺术发展产生重要影响。可以说，美术界每一次大的浪潮都是由美术理论思想和观念的变革而引起的。当前诸如“中国画已经走入了穷途末路”、“中国画面临走向死亡的必然命运”、“中国画之墙非倒不可”的争论便是明证。由此，不重视理论的学习就会使我们迷失艺术的发展方向，就会使我们在当代艺术多元发展的进程中患上“失语症”，进而影响艺术技法的提高和改进。中国画何去何从的问题归根结底要寄希望于绘画思想和理论的创新。因此，我们当前迫切需要真正有价值的学术性的理论研究来引领，迫切需要高等院校重视对绘画理论人才的培养，迫切需要学生重视对艺术理论的学习和研究，以期在将来担当起开拓绘画理论话语空间、培养绘画人才的历史重任。 三、当下高等院校美术专业学生提高理论素养的对策 第一，美术教学和招生要有当下意识，注重学生全面知识的学习。当前几乎所有的美术教育在招生、教学上都是重视素描、速写、色彩等必需的专业训练，而忽略对学生全面知识的讲授，强调工匠式的教学而不是培养具有专业素养的画家，进校后仍然整齐划一地重复着这样的训练，使得我国美术专业的学生只是拥有几本画册和美术专业书籍的技术型学生。与此相比，“西方的美术系学生美术专业的学分只占40%，文史方面的学分占40%，还有20%要到数理化等学科中去选。这就是说他们注意培养有全面知识的人才而不是培养工匠。”更亟待解决的是，我国美术专业的学生对传统文化的冷漠和对绘画技法的过度关注令人担忧，我们必须要从根源和制度上改变当前高等院校美术专业的教学和招生，把当下意识贯穿其中，与时俱进，积极地融入活生生的社会现实。#p#分页标题#e# 第二，提高思想认识，开展多种形式，把专业技能学习与理论学习相结合。高校美术院系应该大胆革新教育理念，合理平衡美术技能课与理论课的课时比例，正确认识理论素养的提高对于学生、学校、社会的重要影响和巨大作用，从教育体制到教育体系上给理论学习以准确定位。学校、院系可以通过多种形式有效开展理论学习，邀请校外真正具有高超理论素养的专家和学者到校开设讲座，变抽象为生动，提高学生学习理论、研究理论、创新理论的兴趣。 第三，抓好美术课堂教学，不断强化理论学习。课堂教学是加强对学生理论学习的重要平台和直接途径。艺术理论的学习和研究应该穿插到美术专业各科教学之中，要特别强调在专业课中渗透理论研究，挖掘专业课的理论深度和内涵。在学生绘画过程中，教师就要有意识的培养学生的思维和表达方式的独特性。因为美术创作所要求的形象思维、直觉、灵感以及创造力等都可以在理论知识的讲授中得到体现。尤其是在讲授美术史论与美术鉴赏的过程中，教师应着力引导学生分析美术作品背后所蕴含的价值取向和审美意味，把重点落实到培养学生健全的人格、自由开放的精神和艺术创新意识上来。 第四，不断完善美术教师的人格魅力和理论素养，激发学生提高理论素养的自觉性。教师的人格魅力，对于学生的专业学习有着特殊的意义。俄国教育家乌申斯基认为：“只有人格才能影响人格的形成和发展，只有性格才能形成性格。”教师的人格具有崇高的价值，对学生具有巨大的感召力、凝聚力和渗透力，因而所有美术教师要明确自己在学生心目中的重要地位和影响。教师在教学活动中处于主导地位，教学内容能否跟上时代的步伐，教学理念、教学手段和教学方法是否先进，关键在于教师的素质和责任感。由于理论本身具有抽象、枯燥的特点，这就要求高校美术院系的教师要有深厚、扎实的理论功底，能在教书育人的同时，拓展思路，迸发创造灵感，以生动、具象的语言把美术理论和美术作品中所反映出的不同时代、不同国度、不同民族的绘画艺术以及画家的生活、经历、特点讲授给学生，启发学生思考，激发学生提高理论素养的自觉性。 第五，以优秀的绘画理论和优秀艺术家的事迹潜移默化地影响学生。无论是中国古代画论、中国近现代画论，还是西方画论，其精华都能给我们当下的绘画创作以高屋建瓴的指导和启发，例如魏晋时期顾恺之的“传神论”和谢赫的“六法”等。此外，古今中外所有优秀艺术家的事迹都会给学生直观、亲切的感受，使其见其文字、画作而想见其为人，不觉中深受感染，陶醉于艺术的愉悦之中。提高高校美术专业学生的理论素养迫在眉睫，它是一个系统工程，需要社会、学校、教师、学生的多方努力，需要我们开动脑筋，积极思考和解决这些问题，化解困扰当下阻碍高校美术发展的种种矛盾，推动我国高校美术教育的良性发展。

电影艺术中钢琴音乐的运用篇1 钢琴音乐属于电影艺术形式的一种特殊形式，它是听觉和视觉的完美结合。钢琴音乐作为一种独特而又复杂的表现形式，具有极强的表现力和感染力。在现代电影中运用钢琴音乐来塑造人物形象，渲染影片气氛，深化主题内容，推动剧情发展。钢琴音乐元素是任何一部电影中必不可少的元素，它在电影中的重要作用就是情感的刺激、情绪拓展和语境情境衬托。因此，本文从钢琴音乐的特性入手，分析了钢琴音乐对于电影艺术的具体意义，并探讨了钢琴音乐如何有效融入电影当中。同时，钢琴音乐也是一种流量。钢琴作为一种独特而又复杂的乐器，其音色优美、表现力丰富、演奏技巧高超等特点都为影片创作带来了极大的便利，使得电影作品更具感染力。钢琴在电影艺术中起着举足轻重的作用。 一、钢琴音乐的艺术魅力 钢琴音乐作为一种欧洲古典音乐，能够给人们带来良好的音乐享受和艺术享受，钢琴音乐的耐久性与其艺术感染力有关，钢琴音乐比其他音乐类型有着更深厚的文化底蕴。钢琴音乐是由多种元素组成的，其中包含了各种不同的演奏技巧，同时还需要演奏者具备良好的综合素养才能展现出优秀的钢琴演奏水平。本文主要探讨了如何提高钢琴音乐的艺术性。而钢琴音乐所展现出来的美不仅有旋律之美，还有音色之美的完美融合，这些美更加能打动人心，给人以强烈的视觉冲击和心灵震撼。钢琴音乐在现代社会中已经成为一种十分普遍的艺术表现形式，受到广大人民群众的欢迎与喜爱。钢琴音乐还能够通过演奏过程中所使用的技巧来展现出自己的特点。以钢琴音乐为例，它可以描绘雄伟的大海，大自然的鸟语花香，很多场景都可以用钢琴音乐来表演，让人们真正看到那些东西。钢琴音乐具有很强的表现力和丰富性，它的演奏特点与演奏的艺术魅力有着很强的联系。随着社会经济不断发展，文化事业不断进步，影视艺术得到迅猛发展，而电影作为一种大众化的大众娱乐方式，逐渐受到广大受众群体的欢迎，成为当今最为流行的大众文化形式之一。钢琴音乐与电影相结合，可以使人们获得更加深刻的审美体验。本文对钢琴音乐与电影之间的关系进行分析，探讨了两者相互交融所带来的影响。从不同角度出发去研究二者之间的联系。运用钢琴音乐创作电影需要艺术冲击力和艺术形式。钢琴音乐与电影形象的有效结合，可以形成完整的视听艺术效果，形成与观众审美观念相适应的完整的心理画面。一部优秀的电影包含很多因素，其中最重要的是音乐的选择、加工和利用。音乐本身也具有很高的审美价值和文化意义。电影是一种综合性的艺术形式。好的电影通常包含钢琴音乐，比如《海上钢琴师》，它使用大量钢琴音乐来扩展情节。《钢琴老师》使用简单而富有表现力的音乐元素来提高电影的视觉和听觉质量。《钢琴老师》讲述了一位钢琴老师在钢琴课上遇到一些问题的故事。音乐在整个电影中产生共鸣，它聚焦于一个有钢琴天赋的孤儿生活中的许多磨难[1]。 二、音乐在电影中的作用 （一）抒发情感 音乐作为揭示电影人物内心情感的重要手段，在许多成功的电影中被用来表达电影音乐人物丰富的情感。而这些电影音乐也往往成为刻画和深化影片主题的一个非常好的切入点。电影音乐是以音响为媒介来表达创作者思想感情的艺术形式。电影音乐与电影之间有着密切的联系。例如，在《泰坦尼克号》中，当女主角哼唱的时候，电影被无形地笼罩在悲伤的气氛中，这反映了她内心的感受。最重要的是，人们可以从电影人物的内心感受到真实的情感，这就使电影音乐与观众产生共鸣。 （二）推动剧情 音乐是电影艺术作品的重要组成部分，它可以推动电影剧情的发展。在电影中使用音乐，不仅能够增强观众对影片主题的理解与感受，还能起到画龙点睛的作用。电影歌曲就是这样一种具有强大感染力的艺术表现形式，电影歌曲也是如此。例如，在《泰坦尼克号》中，当杰克和罗丝决定一起跳舞时，播放了电影的主题曲，没有情节和对白，但是深沉的歌声很浪漫，音乐给了电影很大的推动力。另外，音乐还能使观众产生一种身临其境的感觉。在影片中，音乐可以帮助人们理解故事情节，并通过这种方式来表达情感，从而引发观众共鸣。这样就会增强影片的艺术魅力。因此，音乐是电影作品的激励因素。 （三）展现环境 电影作品往往有自己的时代背景，很多时候使用音乐可以表现环境，暗指时代特色或地方特色，很多时候一部电影作品中的音乐可以展现时代背景。因此，在进行电影创作时一定要注重对背景以及人物情绪等方面的分析与把握，这样才能够使影片更加具有感染力和吸引力。电影作品的背景音乐也会反映其所在时代的社会风貌。比如，电影《红河谷》的音乐表现出浓郁的黄土高原氛围，体现了西藏文化。因此，在电影作品中，音乐不仅可以设置情绪，推陈出新的故事情节还可以提示时代背景，揭示环境[2]。 三、电影中钢琴音乐元素的构成 电影是通过幻灯片投影和活动摄影相结合而发展起来的现代艺术。电影艺术包括许多学科，如艺术、文学、音乐等。随着现代社会科学技术和文化的不断进步，艺术和文化变得更加丰富，交流更加频繁，艺术表达手段更加多样。由于电影艺术是一门综合艺术，电影艺术的发展也带动了其他艺术形式的发展。电影音乐就是其中较为突出的一个组成部分，它是电影作品当中不可或缺的一部分，可以说电影音乐与电影之间有着千丝万缕的联系。电影音乐作为电影艺术当中一个不可或缺的组成部分，对整个电影艺术都有着不可忽视的影响，它与电影之间存在着密不可分的联系。钢琴音乐与其他钢琴演奏形式不同，它是由钢琴伴奏者用乐器来表达歌曲所要传递给观众的情感和思想，使影片更加生动形象地呈现。在电影当中，钢琴音乐起到至关重要的作用。钢琴音乐有很强的概括性，有些钢琴音乐是作曲家为电影主题创作的，曲目齐全，无后期音乐剪辑，反映了作曲家的创造力，展现了鲜明的个人风格，所以这些钢琴音乐都是在电影结束后完成的，人们可以单独欣赏，具有很强的艺术魅力。 四、钢琴音乐在电影艺术中的融合 （一）通过钢琴音乐来暗示电影的主题 每部电影都有自己的主题，很多都是钢琴音乐推荐的。钢琴音乐不仅优美，它还使抽象的场景更为立体，加深了电影的主题。因此，在电影中运用钢琴音乐具有重要意义。这里以《阿凡达》为例，对电影中的钢琴音乐进行分析。不同的内容、不同的主题在不同的语境不同的文体中得到体现。钢琴音乐可以加入电影的背景中，让观众更好地理解影片的主题和内容。此外，钢琴音乐还可以提高图像的层次感，给观众带来听觉愉悦。同时，它还具有丰富的表现力，给人以美感，唤起人们的共鸣，这对电影和电视工作尤其重要。因此，我们必须注意电影配乐中电影和钢琴音乐的融合，使电影更具情感性和吸引力，特别是一些具有强烈民族性和时间感的电影，以及一些具有时间感的钢琴音乐，深化了电影的主题，让观众感受到电影的动态美和真实性[3]。 （二）运用钢琴音乐来抒情 电影中的钢琴音乐是具有抒情作用的，不同类型的钢琴音乐在不同的场景中的运用会有不一样的效果，在紧张的气氛中一般都会表现出迫切的钢琴曲，在黑暗、哀怨的背景音乐中，在惊心动魄的场景中，音乐中一定会表现出情感歌词的跌宕起伏，而且钢琴音乐本身也能表达情感。本文主要从电影音乐与其他艺术形式的关系、对电影主题的贡献等多个角度来探讨电影中的钢琴曲作。电影音乐是一种独特而重要的艺术门类。钢琴音乐在电影中有很重要的地位，它具有很强的感染力，并且还能给观众留下深刻的印象。在电影中运用钢琴音乐不仅可以渲染气氛而且也有很强的震撼力。在特定的场景下使用合适的钢琴音乐可以表达人物的情感，而且音乐在表达情感方面的作用是非常大的，这样可以更好地影响观众，让观众更直观、更容易地感受到人物的情感和思想变化。钢琴音乐是电影艺术当中一个重要组成部分，它能够给人们带来美的享受和心灵上的震撼。钢琴音乐在电影作品当中有着不可替代的作用。在很多电影作品里都有钢琴音乐的运用。例如，在《钢琴课》中，女主人对丈夫的一些行为不满时，她就弹钢琴来发泄怒气；心情不好时，钢琴发出的音乐杂乱无章，观众可以通过杂乱无章的钢琴音乐感受到人物的复杂、不满和烦恼[4]。 （三）通过钢琴音乐来渲染电影的氛围 音乐能很好地利用气氛，并使电影艺术生气勃勃。以《海上钢琴师》为例，影片的高潮部分，主角与爵士大师多次斗钢琴，每次都令观众惊叹不已，是斗琴影片美学意义的完美诠释。主角以缓慢、深沉、有时令人心旷神怡的声调演奏钢琴，但钢琴整体美观大方，令人耳目一新，并带领观众接受音乐洗礼。音乐是一门特殊的表演艺术，它需要用情感去表达。在音乐的作用下，人们的心情会发生改变，从而达到更好的效果。因此，音乐与电影之间有着千丝万缕的联系。钢琴音乐可以用来调节电影的情绪，不管是喜怒哀乐，通过选择与故事的情绪相匹配的钢琴音乐更容易打动人。在电影《钢琴协奏曲》中，肖邦用独特的演奏技法给观众留下深刻的印象，使观众对这部作品产生浓厚的兴趣。肖邦在电影《一首难忘的歌》中遇到了他一生中最重要的女人乔治。肖邦和她相处得很好，在这段时间里，他创作了浪漫、轻快、甜美的歌曲，营造了一种平静的气氛[5]。 （四）运用钢琴音乐来表现人物的内心世界 很多时候，钢琴音乐能够很好地表现一个人的内心世界，在电影中，当一个人心情愉悦的时候，经常会伴随着愉悦、轻松的音乐，观众能够更加准确地了解这个人的内心世界。例如，电影《钢琴师》中的钢琴音乐就是一个经典的例子。这部电影的主角是一位对钢琴家有浓厚兴趣的钢琴家，他经常拜访钢琴大师。当一个角色情绪低落或痛苦时，电影也倾向于将该角色的情绪与悲伤、抑郁的钢琴音乐相匹配，这在情感上更能产生共鸣。例如，《钢琴别恋》中，钢琴的节奏感强，旋律流畅，旋律优美，主角的内心感受是生动的。除了主题音乐的运用，电影中还有很多地方用钢琴音乐的一些场景来表达人物的内心世界，通过电影和音乐来表达人物的情感，更好地塑造人物的形象。例如，当伊桑的丈夫开始带伊桑和她的女儿回家时，出现了反映伊桑对未来生活充满期望的快乐的音乐。爱坍出生于德国南部的一个小村庄，他从小就喜欢钢琴，并一直梦想自己能够成为一位优秀的钢琴教师，但他却没有实现这个愿望。因为他觉得自己的能力太差，无法胜任。后来，当一个邻居给爱坍买了钢琴时，爱坍十分兴奋，电影播放了欢快的钢琴音乐。在电影中，钢琴作为一种最常见的音乐媒介被广泛使用，它既是人物内心活动的外在反映，又是人物内心活动得以实现的重要途径之一。因此，钢琴音乐在电影中是不可或缺的一部分。钢琴音乐不同于其他艺术形式，它不仅可以表达人们的思想和情感，而且具有很强的感染力。钢琴是一种独特的乐器，它发出的声音富有情感和表现力。电影中主人公所演奏的钢琴音乐数量惊人，体现了钢琴音乐在电影中的重要作用，爱坍与音乐是一体的，音乐可以用多种音乐手段来揭示爱坍的内心世界，也可以通过音乐来揭示主人公的内心世界。在电影《钢琴师2》中，肖邦和他的朋友一起演奏了贝多芬的名作《命运交响曲》。这部电影中，肖邦演奏了《命运交响曲》的最后一首。肖邦在电影《一曲难忘的歌》中听到他最好的朋友去世的消息非常伤心，他演奏了贝多芬的《月光曲》，营造出一种非常伤感的音乐氛围。 五、结束语 钢琴音乐作为一种音乐门类，以其独特的艺术魅力和深厚的历史积淀，在电影艺术中得到了广泛的应用。其强大的艺术功能在影视音乐乃至影视艺术体系中发挥着重要作用。钢琴音乐不仅能够烘托影片气氛、渲染场景氛围，还可以增强影片主题情感表达。同时，钢琴伴奏也成为电影艺术不可或缺的重要组成部分。钢琴音乐与影视音乐之间存在着不可分割的关系。作为一种视听艺术，当电影艺术巧妙地运用钢琴音乐的时候，不仅为钢琴音乐本身创造了一个良好的发展的空间，也使电影艺术具有了更深刻的意义。然而，时代在变，观众的审美情趣和审美价值也随着社会的发展而变化。观众对影视作品中所呈现出来的人物形象、故事情节等方面提出了更高的要求，这就使得电影导演们开始注重如何使影片符合当代大众的需求。而钢琴作为一种乐器更是得到人们的喜爱。因此，在钢琴音乐的使用中，随着观众口味的变化，钢琴音乐的使用也会逐渐发生变化，并将与电影画面结合起来，使广大的观众愿意接受优秀的影视剧。 作者:杨阳 单位:连云港市艺术学校 电影艺术中钢琴音乐的运用篇2 钢琴艺术是一种特殊的艺术形式，能够寄托人类的情感，同样也能够帮助人们制造情感，电影是一种大众文化的传播方式，可以给人们带来一定的视听享受，同时影响人们的思维。音乐在电影艺术中具有重要的作用，能够烘托气氛，深化电影主题，推动故事情节的发展，表现出独特的艺术魅力。 一、钢琴音乐的艺术魅力 钢琴音乐是欧洲的古典音乐，能够带给人们很好的音乐艺术享受，钢琴音乐之所以经久不衰，和它具有的艺术感染力有关，并且钢琴音乐和其他的音乐类型相比，具有更深厚的文化底蕴，其历史非常悠久，体现了欧洲古典音乐的特征，这就使得钢琴音乐也表现出深厚的历史底蕴。钢琴音乐的情感表现力和内涵都非常丰富，其具有的独特艺术魅力能够将人们带入到非常精彩的梦想世界，促使人们经历情感洗礼。音乐本身是一种情感的表达和宣泄，钢琴音乐也能够让人们感受到各种各样的情感体验，随着音乐的变化，人们的感受和心境也在发生着变化，和钢琴音乐融为一体。钢琴音乐的音调非常多姿多彩，给人妙曼优美的感受，钢琴音乐不仅仅是人们情感的表达，同时也可以对大自然中的各种自然风景进行描绘，展示自然界中美妙的物质，能够表现出自然家中物体的强大生命力和灵气，从而激起人们内心的情感。例如钢琴音乐可以描绘气势磅礴的大海，表现大自然中的鸟语花香，很多景象都可以利用钢琴音乐表现出来，让人们好像真的看见了那些景物一样。钢琴音乐的表现力很强，并且非常丰富，表现出来的特征和弹奏着想要表达的艺术魅力之间具有非常紧密的联系。钢琴音乐在电影艺术中凭借着其自身的独特魅力能够大大增强电影艺术的表现效果，更好地促使观众产生情感共鸣，表达电影艺术的艺术思想。钢琴音乐在电影艺术中的应用可以推动整个电影艺术的视觉和听觉，钢琴音乐的节奏、声音和韵律都能够为电影增加更浓厚的艺术文化底蕴，表现出更深远的内涵。也正是因为这样，现阶段钢琴音乐在电影艺术中的应用越来越广泛，各种电影艺术作品的情景中都可以应用钢琴音乐，以更好的阐述主人公内心的想法和情感。电影画面能够将生活内涵的艺术表露出来，而钢琴音乐则通过音乐的形式来深化剧情，渲染人物的性格，塑造立体的人物形象。正是因为钢琴音乐具有这样的艺术魅力，所以人们很自然地就将钢琴音乐和电影艺术结合在一起，为了电影剧情的需求在适当的时候出现用来深化剧情。通过钢琴音乐来为电影塑造需要达到的艺术效果和形式。钢琴音乐和电影画面的有效融合能够塑造综合性视听的艺术效果，结合观众的审美观念就能够形成完整的思维形象。优秀的影片常常会和钢琴音乐结合在一起，例如在《海上钢琴师》这部电影中就使用了大量的钢琴音乐，通过钢琴音乐的应用来延伸剧情。这部电影主要讲述的是一个孤儿一生经历的很多磨难，这个孤儿具有钢琴天赋，整个影片中始终贯穿这荡气回肠的音乐。主人公出场的时候衣衫褴褛，所以此时是用动人柔和的曲调来营造氛围。在和二战有关的一些画面中，通过钢琴音乐配合画面给人一种非常煽情的效果。整个影片中使用的钢琴音乐非常多，钢琴音乐凭借着自身独特的魅力来牵动剧情的发展。 二、音乐在电影中的作用 1.参与叙事 电影艺术作品很多都是以叙事为主，在叙事的过程中，平淡无奇难以引发观众的情感共鸣，因此人们也常常通过钢琴艺术来参与叙事，让电影的叙事更加动人，表现出事情发展的变化，从而推动故事情节的发展。很多电影的主题曲都可以直接融入到电影内容中的故事情节发展中，或者通过钢琴音乐的节奏变化来表现故事的发展变化，或者通过音乐来促进男女主人公之间的爱情。电影艺术中的一些钢琴音乐直接由电影中的人物弹奏出来，电影中人物的情感就可以通过钢琴音乐表达出来，而观众通过钢琴音乐也能够很好地理解相关人物的心理活动和内心情感，起到很好地叙事作用。电影作品的画面具有连续性，而钢琴音乐的运用也可以促使电影作品中的情感持续进行，此时观众的思想活动也能够被钢琴音乐带入到更高的领域和境界。 2.抒发情感 音乐本身就是一种可以抒发情感的艺术表现形式，钢琴音乐非常细腻，可以进行多种变换，所以也能够抒发各种不同的情感。很多电影艺术作品中都存在着一些能够引起观众情感波动的场面，但是仅仅通过画面对观众的冲击还不够大，而此时如果融入钢琴音乐，电影画面结合钢琴音乐就能够有效加强电影艺术作品想要表达的情感，此时观众能够更直观地体会到电影中的情感，并产生触动。例如电影《城南旧事》中，作品中很多地方都应用了《骊歌》，淋漓尽致地抒发了人物的情感，更好带动观众的情绪，让观众的情感也随着电影中人物的情感波动而波动。因此，在电影艺术中应用钢琴音乐，就能够很好地抒发电影中人物的情感，明确地表现出电影作品的思想和主题内容，让观众产生更大的触动。 3.推动剧情 音乐是电影艺术作品中非常重要的内容，能够推动剧情的发展。例如在电影《泰坦尼克号》中，当剧中的杰克和罗丝决定一起跳下去的时候，此时电影的主题曲响起，在这个场景中没有剧情，也没有对白，但是深邃的歌声表现出非常浪漫的气息，这个音乐对剧情就起到了很大的推动作用，让电影进入了高潮。因此，音乐对电影作品来说具有推动剧情的作用。4.展现环境电影作品常常有自身的时代背景，而很多时候音乐的应用就能够展示环境，暗示时代特色或者地方特色，很多时候电影作品中一段音乐旋律都能够揭示时代背景。例如电影《霸王别姬》中的音乐都表现出很浓厚的文化大革命时期的风格，电影《红河谷》中的音乐表现出浓厚的黄土高原氛围，这体现的是西藏文化。所以，电影作品中的音乐不仅能够烘托气氛。推动故事情节的发展，还可以暗示时代背景，展现环境。 三、电影中钢琴音乐元素的构成 电影是由幻灯放映术和活动照相术结合而发展起来的一种现代艺术，电影艺术涉及到的学科非常广，包括美术、文学、音乐等，是一种综合体。现代社会的科技文化在不断进步，艺术文化越来越丰富，并且交流也更为频繁，艺术表现手段也更为多样化。由于电影艺术是一种综合体，所以电影艺术在发展的时候也带动了其他艺术形式的发展。电影音乐是在电影艺术发展的进程中产生的一种艺术形式，在电影艺术中已经成为不能缺少的部分。人们在欣赏电影的时候，电影音乐的应用能够提升电影内涵，表现出人物的情绪，也能够更好地配合电影情节的发展，而在电影艺术中使用的电影音乐，钢琴音乐是非常重要的部分。钢琴音乐的艺术概括性非常高，有的钢琴音乐是作曲家专门为电影创作的主题性的音乐曲目，是完整的音乐曲目，没有进行后期的音乐剪辑，能够体现出作曲家的设想和创意，展示鲜明的个人风格，所以这些钢琴音乐在脱离电影之后也是完整的音乐作品，人们单独欣赏一样具有很大的艺术魅力。另外，也有的电影中使用的钢琴音乐是从一部完整音乐作品中截取的部分片段，用来配合电影中的故事内容，以促进情节的发展。对于这种类型的钢琴音乐，可以进行二度创作，根据电影的需求创作来展现新的审美内涵和音乐气质。 四、钢琴音乐在电影艺术中的融合 1.通过钢琴音乐来暗示电影的主题 每一部电影都有自己的主题，而很多电影则会通过钢琴音乐来暗示电影的主题。钢琴音乐的旋律虽然非常优美和简单，但是可以让一些抽象的情景变得更加的立体和真实，深化了电影的主题。在不同类型和不同内容的电影中，不同的主题会通过不同的背景来体现，而将钢琴音乐融入其中，就能够很好地将观众的感性思维也融入到电影的背景中，从而帮助观众更好地领会电影的主题和内涵。尤其是在一些具有强烈民族性的电影和时代感的电影中，就会融入一些具有时代感的钢琴音乐来深化电影的主题，让观众感受到电影的动态美和真实感。例如在《一曲难忘》这部电影中，这部电影主要讲解的是音乐家肖邦的故事，所以故事的发展就必定离不开钢琴音乐，肖邦创作的钢琴曲数量非常多，而这部电影也是通过肖邦的钢琴演奏来体现肖邦的音乐才华，影片中使用了很多钢琴音乐，这让整部影片的表现力更强，给观众带来艺术的渲染力和感染力，最重要的是能够和电影有机结合，展示电影的情节，深化电影的主题。电影中选用了肖邦、贝多芬和莫扎特等音乐家的钢琴音乐作品，电影中少年肖邦出现的时候，首先弹奏了《一分钟圆舞曲》，虽然这首曲子非常简单、短小，但是影片中11岁的肖邦就创作了这首曲子，这就展示了肖邦的音乐才华，而整个影片也主要讲述的是肖邦的音乐才华，所以这首钢琴曲子的应用就很好地深化了影片的主题。 2.运用钢琴音乐来抒情 电影中的钢琴音乐具有很好地抒情作用，在不同背景的电影中通过不同类型的钢琴音乐来抒情，在紧张的氛围中一般会展示急促的钢琴音乐，在背上的氛围中会展示凄凉、哀怨的钢琴音乐，而在惊悚的场面中，一定会展示跌宕起伏的音乐，钢琴音乐本身就能够抒发情感，对于影片中一些情感的抒发，就可以很好地借助钢琴音乐来实现。在特定的场景中通过适宜的钢琴音乐的应用就能够抒发人物的情感，音乐传递情感的作用非常强大，通过这种方式可以更好的感染观众，让观众更直观、容易感受到影片中人物的情感和思想。例如在电影《钢琴课》中，当女主人对丈夫的一些行为感到不满的时候，就会通过钢琴的弹奏来宣泄自己的情绪，在情绪不好的时候弹奏出来的钢琴音乐也非常杂乱而不优美，观众就可以通过这样不优美的钢琴音乐来感受人物复杂、不满和烦恼的情绪。又比如在《一曲难忘》影片中，23岁的肖邦和老师一起去见出版商，遇见了李斯特，两人因为音乐结缘，而李斯特弹奏了肖邦的《军队波兰舞曲》，肖邦也和他一起弹奏，通过这首钢琴曲就将处于水深火热之中的波兰人民的勇于斗争的精神很好地表现了出来。 3.通过钢琴音乐来渲染电影的氛围 音乐能够很好地渲染气氛，从而让电影艺术展现出鲜活的生命。例如在《海上钢琴师》中，电影中的高潮时斗钢琴的画面，主人公和爵士大师两人又多次的斗钢琴，每一次的斗琴都让人非常惊叹，这个电影充分展现了电影的美学意义，主人公在表演钢琴的时候时而缓慢，时而低沉，有的时候又亢奋急促，但是整体上钢琴曲调非常唯美，这对于观众来说是一场听觉盛宴，带领观众进入到了音乐洗礼中。并且主人公演奏的感情音乐营造的氛围也很好地体现了主人公的心情，让人们感受到主人公内心的孤独，同时又惊叹于他精湛的钢琴技巧。主人公前面演奏的两首钢琴曲子给观众带来了一定的悬念，直到第三首曲子才豁然开朗，放松了观众紧绷的神经。整个电影中的钢琴音乐和人物的画面紧密结合在一起。又例如在电影《钢琴家》中，在一次躲藏中，军官还在楼下弹奏起了《月光奏鸣曲》，这是一种非常悲伤清冷的曲子，同时也充满人情味，营造出很悲愤的氛围，同时也为后面的情节发展奠定了基础。电影中无论是快乐的氛围还是忧伤的氛围都可以通过钢琴音乐来烘托，选择和剧情氛围相符合的钢琴音乐就能够更容易打动人心。在电影《一曲难忘》中，肖邦遇见了他一生之中非常重要的女人乔治，在和她相处的过程中，肖邦的内心非常平静，所以在这一时期他创作了很多浪漫、轻快和甜蜜的曲子，而影片中也通过这些曲子来营造出了舒缓的氛围。 4.运用钢琴音乐来表现人物的内心世界 很多时候，钢琴音乐都能够很好地表现人物的内心世界，当电影中的人物心情感到愉悦的时候，这时候往往会配合愉快、轻松的音乐来表现人物的心情，而观众也能够更准确把握人物的内心世界。当人物感到压抑、痛苦的时候，电影也往往会配合悲伤、抑郁的钢琴音乐来表现人物的心情，这样也更容易引起观众的情感共鸣。例如在《钢琴别恋》这部电影中，钢琴书电影的重要主题，电影中的钢琴节奏感非常强，旋律非常婉转流畅，将主人公的内心情感很生动地表现了出来。除了主题音乐的使用之外，电影中也有很多地方使用了一些场景钢琴音乐来表现人物的内心世界，通过影片和音乐同时来展现人物情感，更好地塑造人物的形象。例如开始爱坍的丈夫将爱坍和她的女儿接回自己家的时候，此时电影中想起了非常欢快的音乐，而这欢快的音乐正是爱坍内心世界的体现，此时的她对未来的生活充满了向往和希望。后来邻居用自己的一块土地为爱坍买回了钢琴的时候，此时爱坍的内心非常兴奋，影片中同样响起了欢快的钢琴音乐。这部影片中主人公弹奏的钢琴音乐数量非常多，这也体现了钢琴音乐在影片中的重要作用，爱坍和音乐已经融为了一体，音乐可以展现爱坍所有的内心世界，运用了大量的音乐手段来展示主人公的内心世界。在电影《一曲难忘》中，肖邦听说好友去世，内心非常伤心，所以他弹奏了贝多芬的《月光曲》，《月光曲》营造的音乐氛围就非常忧伤，这就很好地表现了主人公的内心世界，他在弹奏的时候非常忧伤，甚至到了后面弹奏不下去，通过砸钢琴将自己的伤悲、愤怒等表现了出来。 5.运用钢琴音乐来提升电影艺术的品味 钢琴音乐本身就具有高贵和高雅的特点，通过钢琴音乐天籁般的音色和行云流水般的音符能够为观众带来良好的音乐享受。人们都将钢琴音乐认为是一种高雅艺术，所以将钢琴音乐融入到电影艺术中就能够有效提升品味。《天使爱美丽》中，导演将钢琴演奏和具有法国风情的风手风情完美结合在一起，就给电影营造了一种细腻和纯净的境界，让观众在欣赏影片的同时也能够得到很好的艺术熏陶，从心灵上和情感上感受到钢琴艺术的魅力，此时电影的整个艺术品位也得到很好地提升。结语电影艺术是由画面和音乐构成的统一整体，将钢琴音乐应用到电影艺术中能够用音乐来渲染人物的性格，推动剧情的发展，很好地营造氛围，抒发人物的情感，解释影片的主题，最终提升整个电影的艺术品位。 作者:于亚男 单位:沈阳音乐学院 电影艺术中钢琴音乐的运用篇3 钢琴音乐以一种特殊的语言形式来表达丰富多彩的情感画面。电影画面也是多姿多彩情感画面，但是它需要一种辅助形式来使电影更加的多姿绚丽。钢琴艺术和电影艺术承载着丰富文化内涵的艺术，这样使它们之间的联系更加紧密。钢琴音乐以其独特的魅力架起了一座由电影通往观众的的桥梁，是一种文化的选择，也是一种艺术的倾向。 一、钢琴音乐具有独特的艺术魅力 钢琴音乐以多姿曼妙的音调，来演绎自然界的一切有生命的、充满灵动气息的物体。使自然界的景观、和声响通过音乐来表现其独特的魅力，钢琴音乐构筑了属于自己的空间范畴。钢琴音乐可以描绘出如诗如画的自然风光，也可以诠释人们心灵深处的情感；可以用音符来表现波涛惊骇大海的声响，也可以写实方法来表现抽象的画面。钢琴音乐艺术之所以有独特的魅力，其关键是在于其具有丰富的蕴含及情感表现。用其特有的精神指引人们走入梦想的世界，展示给人们的是丰富的画面，一次次情感的体验。人们可以感受到音乐中包含的的喜怒哀乐等丰富的情感，将自己置于画面中，其心理反应和音乐的真实效果联系在一起，从而使欣赏者的心境紧随着音乐的走势。 二、钢琴艺术具有一定的文化底蕴 1.钢琴音乐之所以备受青睐，是其具有悠久的历史文化溯源及丰富的艺术感染力。能为电影艺术的视觉和听觉提供了一个超越时间、空间的理想的助推器。音乐对电影而言不仅是其重要的有机组成部分，而且使其纵深感能够延伸到电影的剧情当中，以独特的形式深化人物形象。用本身特有的音符、旋律、声音、节奏及色彩等要素，为电影提供了隽永的意蕴和深厚的文化韵律。 2.钢琴音乐源于欧洲，被人们视为欧洲古典音乐，主要是与18世纪中期至19世纪初的古典音乐区别,注重强调的是它的永久不衰、百听不厌，常常会给人以美的享受,使人们的文化修养和精神文明有所提升。钢琴艺术作为欧洲古典音乐的主体,汲取了欧洲历史和艺术的内涵。拥有强烈的历史纵深感和蕴涵艺术美感的钢琴艺术正是电影艺术的完美钢琴艺术的魅力。钢琴艺术汲取了欧洲历史和艺术的养分。拥有强烈的历史纵深感和蕴涵艺术美感的钢琴艺术，正是电影艺术的完美配偶,声与影、音与画的完美结合更加彰显出电影音乐中钢琴艺术的魅力。 三、钢琴音乐与电影的融合 1.钢琴音乐主要是根据影片的剧情、视频分段叙述的影响下出现的，受影片的限制。为了剧情的需要，在恰当的时间内用来深化剧情。试听的综合感受主要是把电影画面和音乐的音响相结合形成的统一体。把画面和音乐同时展现给观众。电影音乐并不是单纯的时间艺术，把画面与音乐结合起来共同塑造一个具有综合性试听的艺术形象，并通过观众的审美观念构成一个完整的思维形象。 2.现代电影是画面与音乐的有机统一体。画面主要是表露生活内涵的艺术，电影音乐则是以音乐的形式渲染人物性格，深化剧情的。电影艺术和钢琴艺术所具有的功能是不尽相同的，如果两者选择同一个主题时，会出现音画合一的、音画平行、音画对立的局面。然而，钢琴具有独特的魅力，很自然的就会与电影融合在一起，并且可以为其塑造其所需要的艺术形式。 3.优秀的影片常与音乐相结合。在电影作品中有很多是通过钢琴音乐来表达的。在《海上钢琴师》这部作品中，为了延伸剧情，就大量运用了钢琴音乐。影片中描述了一个具有钢琴天赋的孤儿一生所经历过的磨难，塑造了一个集喜怒哀乐为一身的主人公形象，音乐一直贯穿着影片始终，特别是在涉及到二战画面时，与音乐紧密的联系在一起，那种荡气回肠的画面通过钢琴音乐的柔肠煽情来具体表现。在主人公以衣衫褴褛的形象出场的时候，用柔和动人的曲调加以衬托。在剧情悲怆的时候，一首让人称叹叫绝的钢琴音乐使影片达到高潮。在这部影片中钢琴音乐始终用自己独特的魅力牵动剧情,引导着情节的发展。 结束语 钢琴音乐以其独特的魅力应用到电影艺术中去，不仅增添了电影艺术的蕴涵，而且也为钢琴音乐本身带来了新的发展空间。钢琴音乐主要是为了渲染和刻画电影画面的，而与电影艺术的结合是现代电影的必然发展趋势。 参考文献： [1]袁科.论钢琴音乐艺术的审美情感表达[J].时代文学(下半月).2009.(03). [2]赵娟.钢琴演奏中的音乐想象力[J].吉林省教育学院学报.2010.(04). [3]刘琉.钢琴音乐艺术的审美情感表达和魅力[J].教育艺术.2010.(02). [4]胡水欣.论舒曼钢琴音乐中的浪漫主义特色[J].作家.2011.(08). [5]杜恩云.浪漫主义钢琴音乐的美学特征[J].艺术研究.2006.(01). 作者:赵地 单位:华中师范大学音乐学院

动画设计毕业论文:浅论传统艺术对动画设计的重要性 摘要：中国深厚、悠久的传统文化底蕴，为我国动画产业的发展提供了肥沃的土壤。该文首先分析了具有民族特色、传承意义的优秀传统文化艺术在世界文化交流中极高辨识度的品牌效应，然后就现代动画设计从故事情节、造型及场景设计、中心思想体现三个方面提出了深入挖掘传统文化内涵和精髓的方法，最后探讨了正确的创作态度对挖掘传统艺术文化的重要意义。 关键词：传统文化;现代动画;动画设计 动画起源于人类用绘画表现运动的意愿，发展到如今已经成为一个多元化的艺术门类。中国传统动画经历过一个辉煌的时代，被世界誉为“中国动画学派”。但如今，国产动画行业的发展不甚理想，究其原因，不仅在于高科技制作水平的欠缺，更是由于浮躁氛围影响下的一些现代动画从业者丢弃了艺术创作真正的精髓——文化精神的传承和创意。国产动画要重现辉煌，不仅要在故事剧本、造型设计方面从传统艺术中汲取养分，更需要深入挖掘传统艺术、思想文化内涵，以及在创作态度上做到平心静气与精益求精。纵观我国近几年的对外文化交流，无不将融合了中国传统文化元素的事物作为首选，如2008年奥运会开幕式的文艺表演及祥云火炬设计等。这充分说明，具有民族特色、传承意义的中国传统文化艺术正在逐渐成为我国最具辨识度的品牌LOGO而走向世界。无论艺术是采用传统绘画还是现代动画的表现形式，其中所反映的更深层次的文化内涵才是体现其独特气质的基础。尤其是动画这一集绘画、视听语言等多种门类于一身的艺术形式，自诞生之日起，就不断被艺术家探索着，逐渐衍生出了具有各国风情的不同流派。如，1956年，动画导演、上海美术电影制片厂厂长盛特伟先生提出了“探索民族风格”的口号，指明了中国动画电影的发展方向。从此，中国的动画作品开创了辉煌时代。不仅是中国，对传统文化加以利用在国外优秀动画作品中也屡见不鲜。如，《疯狂约会美丽都》中用简单的线条诠释了法国服饰文化的精髓，《埃及王子》中所提炼的埃及古老壁画的形象，等等。这些优秀作品中所展示的地域特色，非但不会降低艺术感染力，反而赋予了动画作品更为高雅、更有辨识度的视听效果。中国传统文化源远流长，这为我国的动画创作提供了丰厚的土壤。但要注意，创作具有浓郁中国传统文化特色的动画作品，最重要的是准确、深入地挖掘传统文化的根本特质。大体可分为以下三个方向。 一、故事情节方面 动画类似于电影，是一门极具感染力的视听语言艺术，因此，讲好故事才是一部动画作品应当首要考虑的。创作者在创作一部以展现传统文化为核心的故事剧本时，应注意故事情节和所要讲述的文化之间的承载关系——一个好故事是载体，蕴含的文化内涵是升华体现，轻重分明，才能形成一个稳定的金字塔结构。如果故事体系尚且单薄，就将晦涩的文化元素强加于故事之上，不但喧宾夺主，更易使作品丧失应有的感染力。 二、造型及场景设计方面 动画的设计风格是最直接地将文化元素以符号化的方式呈现给观众的部分，成功的设计能将传统文化的精华进行高度提炼。如，动画片《九色鹿》便是取材于敦煌壁画中的《鹿王本生图》，片中神鹿的形象具有浓郁的中国西域壁画风格。又如，《南郭先生》采用了画像石、画像砖的艺术风格，使古朴、浑厚的气息扑面而来，与故事中所要表现的古老的时代感十分吻合。还有《三个和尚》，虽然人物形象有些偏简笔画风格，但是在场景设计上参考了中国画空灵、博大的写意构图，并且通过片中的和尚挑水、奔跑、灭火等行为进一步展示空间感。值得一提的是，挖掘一个民族的传统文化并创作出具有鲜明辨识度的形象，并不会因种族和地域产生限制，反而会使文化内涵获得更多被发扬光大的可能性。如，美国梦工厂的《功夫熊猫》就是一部跨越了国界的经典作品，片中很多场景原型和动物形象取材于中国，令世界人民了解了中国传统文化的魅力。 三、中心思想体现方面 基于以上两点，动画作品中最终体现出的思想内涵才是其核心部分。这就要求创作者从根源上真正理解传统文化的内在本质和传承意义，绝不仅仅是在作品中掺入青花瓷、京剧脸谱和水墨场景等元素，这些流于表面的形式不过是披着传统文化的躯壳而已，并没有深入挖掘所要表达的深刻思想。创作者可以学习《不射之射》这部中日合拍的动画木偶片的创作手法，其利用木偶定格动画的美术特点和叙事方式，通过展现片中主人公纪昌不断追求学习射箭的过程，最终阐述“至为为无为，至善为无善，至射为无射”这种高深的物我两相忘的“道”之境界。结语动画这种艺术表现形式完全可以成功营造中国文化品牌。而创作者要想深入理解并挖掘传统文化的内涵，还需要做到戒骄戒躁、平心静气地将其中的精髓吃透，避免流于表面。古老的中华民族更多不为人所知的优秀传统文化，还有待创作者逐步挖掘并将其弘扬于世界。这不仅仅是动画艺术创作应有的态度，更是值得所有文化工作者铭记于心的责任。 作者:王洁云 单位:汽车之家媒体事业部 动画设计毕业论文:传统艺术在当今动画设计中的应用 摘要：本文拟对于中国传统艺术对于当今动画设计的价值进行分析，通过对于具体的成功应用案例进行理论探讨。挖掘出在当今动漫产业蓬勃发展的今天，我国应该更加好地运用传统文化中的优势，使我国动漫技术水平和动画产业和出口事业更好地发展。 关键词：动画；传统；设计 引言 现如今，全球动画产业正经历着重新洗牌的历史阶段。它的飞速的发展，已成为衡量一个国家或地区传媒与影视艺术发展的重要标志之一。几乎成为衡量和看待一个国家文化事业是否能够兴旺和发达的重要指标。然而，目前，从我国动漫行业的发展势头上看，还有很多影响我国动漫产业发展的瓶颈，比如人才和资金的匮乏，产业化程度低，产业链不完善，动画相关的衍生产品，难以得到设计和开发，难以实现市场化的规模效应，此外，还有动画知识产权和海外版权出售等问题。最终，难免使我国的动画事业在与西方国家的竞争中，处在落后的地位。 一、我国动画产业的现状以及发展优势 尽管我国在动画事业上，还处于起步时期，动画产业集群和规模效应尚未真正形成，但放眼全球动漫市场，我们还是有很多可以抓住机遇，还有很多大有可为的时间和空间，确保中国动画快速﹑持续的发展。从历史上看，《三个和尚》、《天书奇谭》、《大闹天宫》、《小蝌蚪找妈妈》这些上一代人耳熟能详的作品，曾经在国际动画市场辉煌一时，在世界动画影坛上享有“中国学派”的美誉。可由于中国国内历史的原因，以及世界其他国家动画水平的飞速发展，中国动画电影在世界市场上曾经一度低迷，甚至在市场上消失不见，失去占有率，但随着今年来动画事业的起飞和兴旺，尤其是去年《大圣归来》的横空出世，中国动画电影在国际上大获成功，中国元素的动画片又一次出现在国人和世界的视野中。 二、动画产业特征与中国动画产业的中国元素 动画产业是指以动画的内容创意为基础，以动画、漫画为呈现内容，通过图书、报刊、电影、电子游戏、舞台剧等多种形式，通过现代信息技术的先进手段，来繁荣和发展动画事业的产业集群。无论是动画产品的开发、生产、面世、和销售，还是与动画有关的各种衍生品，例如服装、饰品、食品、电子游戏，书本及日用品的生产和经营，还会与动内容相关的艺术设施、游乐场和餐馆等娱乐场所的经营。动画产业都被称为21世纪的支柱产业。其高科技﹑低消耗﹑无污染的优良特性在世界各个国家内部已经达成共识。成为逐渐取代IT行业成为经济新增长点之首。我国动画行业的优势在与中国传统文化中的瑰宝。水墨、黏土、泥塑、剪纸动画等“中国动画学派”的代表技艺，如能够实现这些中国传统艺术在当今动画设计中的应用。客观地说，必将为改变中国动画作为产业的发展节奏与中国经济的高速发展形成了巨大的反差的局面，提升我国的动画产业化进程做出贡献纵观中国动画电影这些年的发展，我们实际上已经走在了将中国传统艺术与动画技术进行创新融合的路上。虽然有过探索上的失败，例如，像《魁拔》这种具有模仿浓厚的日系电影风格的动画片，票房惨败，遭到民众的批评，以及像《一万年以后》这样的，为了模仿好莱坞风格而进行模仿的动画片。但还是经过一系列的探索取得了很大的成功。最有名的当属《大圣归来》的成功。总计这些经验和教训，除了说明中国传统艺术与动漫技术在创新和融合中，需要在品质上更加用心之外，中国文化元素和先进的西方技术的完美结合，才是它获得成功的最主要因素。因此，如果国产动画片，放弃中国元素和中国特色，靠单纯模仿外国动漫文化精神，难免不太容易获得市场认可，而如果过分突出中国传统文化而不能够很好运用动画技术进行表现，也会造成优势上的失利。从纵观国产动画片票房排行榜前十的内容上看，《大圣归来》第一，第二位则是《大鱼海棠》，剩下的基本被《熊出没》和《喜羊羊和灰太狼》这种由电视动画IP孵化出来的以儿童作为主导的电影所占据着。《大鱼海棠》虽然在风格上因为倾向于日本电影，曾遭到许多人的批评，但是相对于《魁拔》，已经带有很浓郁的中国传统文化元素，并在核心精神上倾向于我国具有中国文化特色的电影了。另外，说到中国文化元素，追光动画出品的《小门神》算是一个比较特殊的例子，它剑走偏锋，选取了中国传统文化里特别“冷门”的几个人物形象：门神神荼和郁垒。这些内容别说是当今的儿童和年轻人，即使是老一辈的中国人也未必能够有所耳闻。因此，在商业上没有成功，虽然投入了亿元巨资，但是最终却只收回8000万票房，难以继续推行。作为中国传统文化的代表元素之一，武侠在国际上拥有举足轻重的影响力。人们总是热爱传奇，崇拜英雄，追求忠勇、正义、公平，在英雄的成长故事中寄托自己对改变世界的希冀，这不仅具有普世意义，也是中国传统文化中"侠义精神"所表达的价值主张。此外，在动漫领域，虽然国产动漫在海外市场中频繁遇冷，但几部武侠题材的动漫却成功突围，在国内拥有超11亿全网点击量的《不良人》实现了国漫在海外市场的首次盈利，一系列衍生产品大获成功。《中华小子》、《武林外传》等吸收了传统武侠精神的国产动漫，也获得了市场认同。的确，在相当长的一段历史时间力，日本和美国当中的经典人物形象，影响了我国的年轻人。随着国产动漫的崛起，这一局面必将发发生扭转，尤其是一批具有浓郁中国风的动漫作品在海外受到追捧之后，国人将更多的目光放到中国动漫上来。动漫在成为传播中华传统文化的新载体后，必将实现更大的创新和突破。 作者：韩佳秀 张鑫洋 申子千 单位：沈阳理工大学 动画设计毕业论文:民间美术与动画设计关联解析 在越来越国际化的今天，民族的独特性显得尤为珍贵和突出，人们喜欢在视觉上看起来独特的东西，这些独特的东西正是一个国家内在文化的外在体现，是一个民族精神上的物质体现。中国民间美术是独一无二、与众不同的，有很多人在发掘和传承着这些与众不同的文化，中国民间美术需要继承、发展，在繁华嘈杂的都市中，人们有着对原始的、质朴艺术的渴望，犹如人们渴望单纯美好的事物一样，或是对纯真的怀念，或是单纯放松的开怀一笑，动画无需任何理由的成了人们精神上的消遣品。我国动画角色设计很多模仿日本或欧美风格，直接拿来别人的东西虽然方便但是却失去了本民族的特色，更别说文化内涵了，所以我们要设计本土风格的动画形象，有中国特色的独一无二的动画形象。民间美术中的造型和色彩等等都非常有特色，值得我们发掘，同时，通过动画角色的设计，动画片的播放，动画周边产品的开发，还可以发展和传承中国民间美术。 中国民间美术在动画中的应用 1.剪纸 民间剪纸非常有特点，常常以吉祥寓意为题材，它们的造型概括、夸张，具有丰富的想象力和创造力，具有浓烈的装饰味道。民间剪纸的造型融合了写实、抽象、装饰性的造型，并且把特有的民间审美观念、审美情趣融入其中，形成了一种独特的审美风格。夸张变形和善于把现实形态进行归纳概括并进行主观的装饰处理，是它造型方式的重要特点。夸张变形是指能够抓住对象的主要特点和可以装饰的因素，在繁杂的形象中对形态和线条进行加工、归纳，而不是单纯的照搬现实形态，因此，剪纸中的造型生动、概括，具有强烈装饰美感，形象更加突出，引人注目。剪纸造型中丰富的想象力、有民族特色的装饰性、简练的线条、生动的概括，是值得我们学习的典范。动画短片《猴子钓鱼》就是一部典型的剪纸风格的动画片，猴子的造型简练、夸张又不失生动活泼，色彩艳丽，具有强烈的剪纸风格和装饰美感，使整个片子看起来别具一格。 2.年画 我国的年画历史悠久，是一门古老的民间艺术，流行的很广泛，深受人们的喜爱。在以前，过年的时候贴年画是家家户户必不可少的一个项目，用来驱凶避邪，增添喜庆的气氛，随着现代社会经济的发展，年画逐渐淡出了人们的视线，由它的实用性转为了观赏性。中国不同地区的年画也有着各自的特色，但总的来说，年画的用色和造型可以归纳为色彩鲜明、线条单纯，表现出非常愉快喜庆的气氛，无论是看到哪里的年画都会有一种直接的、热烈的、单纯质朴的感觉扑面而来，在这个高度文明繁荣的现代社会中，年画带着特有的民族特色和乡土气息使人们重拾旧日的美好记忆，感受着淳朴的气息和旺盛的生命力。没有任何掩饰的、对比强烈、鲜艳的用色，吉祥质朴甚至有些笨拙的造型，对我们设计出富有中国特色的动画造型有着很重要的意义。动画短片《除夕的传说》中的人物造型就借鉴了年画的特点，使整个动画片呈现出浓郁的民族特色和乡土气息。 3.戏剧 民间戏剧的种类众多，同样有着悠久的历史，它作为一项非常重要的民俗艺术广泛流行，种类繁多，比如如京剧、昆剧、秦腔、晋剧、河北梆子、川剧、汉剧、徽剧、粤剧等，这些剧种的人物造型各异，既有相同之处又有着一定的区别，我国的一些动画角色造型设计就很好的吸纳借鉴了这些戏剧的造型。中国的戏剧在脸谱上和服饰上都很有特色。戏剧的脸谱造型常常会用到抽象、夸张，力图达到图案化的强烈装饰效果，用简练概括夸张的线条把人物的重要面部结构归纳到图案中，抓住并且扩大人物的性格特点加以描绘，来突出人物的性格特征，这样会更加的传神、生动、更加醒目，并且带有强烈的装饰味道。这是很符合我国的传统的美学思想，即神似重于形似，形似是为神似服务的思想。这一点同样可以用到动画造型设计中，动画形象的生动传神主要体现在对角色性格、身份的拿捏上，比如动画片《大闹天宫》，这部片子的装饰味道非常重，出现很多戏剧脸谱，像孙悟空、天庭的一些武官等等，这些脸谱化的特征和人物的身份、性格的结合恰到好处。再比如动画片《天书奇谭》里面塑造的几个狐狸精的形象就非常的生动传神，把三只狐狸分别设计成了老旦、花旦、小生的形象，老狐狸的老奸巨猾，粉狐狸的妖娆妩媚，蓝狐狸的愚蠢相刻画的非常生动。动画造型设计和民间美术有着发展和传承的关系，民间美术浓郁的本土特色给动画造型设计提供源源不断的灵感，促进我国本土风格的动画的发展，而动画造型设计也传承并发展了我国的民间美术，使民间美术以动画的形式出现，能够让更多人认知并更好地发扬我国的民间文化。 动画对民间美术的传承和发展 民间美术的造型具有一定的程式性和稳定性，这种程式稳定性取决于民间文化观念的传承性和稳定性，这种造型有着浓厚的趣味性和独特的形式美，为我国动画造型的借鉴增添了趣味和活力。在上世纪50年代早期，我国动画的常规表现形式为单线平涂，正是由于吸取了中国民间美术的造型风格，使中国动画摆脱了单线平涂这种常规的表现形式。把中国的戏剧、剪纸、年画等造型和色彩充分的融入到了动画造型当中，在1958年，中国人研制了第一步剪纸动画片《猪八戒吃西瓜》，为中国动画增添了一个新品种，并且富有鲜明的民间艺术特色，1959年拍摄的剪纸动画片《渔童》是我非常喜爱的一部动画短片，里面的造型和艺术风格取材自民间美术中的剪纸艺术，新颖独特。接着《济公斗蟋蟀》、《金色的海螺》等影片都取材自中国皮影戏和民间窗花的艺术特色，将动画形象塑造的生动、丰满，在增强了可观性的同时也是中国民间美术等到了传承和发扬，使更多的人认识和了解了中国民间美术。 中国民间美术和动画在当代社会的融合与发展 在越来越国际化的今天，我们要大力发展民族文化，彰显民族个性，民族的就是世界的，因为本民族的东西有着很强的生命力。现在有很多人在做具有民族特色的动画，然而我们说的“具有民族特色”并不是把民间美术的造型、色彩生搬硬套进来，使其概念化、符号化，更不是为了民族而民族，排斥国外先进的技术和创作手法，我们既要吸收本土文化资源的优势，也要学习国外先进的技术和知识，把这二者相结合才能取长补短，与时俱进，发扬光大我们民间艺术和本土动画。（本文作者：魏娟 单位：内蒙古呼伦贝尔学院） 动画设计毕业论文:动画设计中线描艺术的运用 传统线描艺术的发展源远流长，对线描艺术的认识和艺术实践已有2000多年的历史沉淀。谢赫的“骨法用笔”观念中线条的书写性、唐代绘画中线描造型的经典、古代绘画范本中线条技法的“十八描”、明清时期直述情怀的意笔线描等，还有随着当今时展而不断产生的新体，都丰富着中国传统线描艺术的表现范围、手法和样式。历代出现的许多绘画大家的线造型，对后期中国绘画和国外众多艺术形式，如日本浮世绘等都产生了深远的影响。但是我国明清以来传统线描造型的程式化也造成了线描造型风格发展的局限。因此，我们在学习动画线描造型的时候，需要将中国传统造型文化和西方造型观进行结合。 当代线描造型语言大致包括线性素描、线描（白描）、速写三种造型类别。线描是素描的一种，即用单色线条对物体进行勾画。以线为主的表现手法，抛弃物象所处的光环境，基本拒绝光影感、立体感、空间感，在表现客观物象的同时进行大胆的主观处理，强调线的意识，由此形成一种适合动漫创作的造型方法。在线性素描中我们可将中国画的线和西方素描的体面相结合，以线面结合的方法深入地观察、认识、研究物象，从而深刻地表现物象。线性素描线感性的浮雕式造型表现物象，体现线条的表现力，研究本体的内在规律美。如，西方的安格尔、荷尔拜因、席勒、萨金帕•费钦、霍克尼等的作品都可被称为具有线感的素描，是线性素描教学中可以借鉴的典范。线性素描吸收了结构素描、意象素描、全因素素描的有益因素，它是磨炼功力、训练观察能力最有效的途径。中国画中的线描又称白描，是用毛笔，或者钢笔、铅笔等，以描写的方式简约概括地表现物象。白描是用最单纯、最简洁、最直接的线性绘画语言，以最本质的方式表现物象的造型，展现画家的情感。速写是以速度见长，即短时间内完成表现物象，其方法可以是纯线条的，也可以是线面相结合的表现手法。线性素描、线描、速写三者都是训练线造型的必要方法，其核心就是训练观察方法和磨炼造型技巧，三者合而为一练就的功底几乎可以决定动画造型最终可能达到的艺术高度。 动漫设计是一种新兴的艺术语言，各国的动漫造型都来源于其文化艺术造型底蕴的影响。当今，日韩动漫以其简洁明了的平面造型和生动的故事内容而快速风靡全球，并迅速形成动漫作品的一种概念和模式。如，日韩动漫中美少女、美少男的形象已成为动漫创作中的模板，这种趋势可以在一段时间内流行，但随着人们审美需求的不断变化，模式化的动漫线描造型必将遭到淘汰。综合其原因，是缺乏对形象本体的直接研究，对形象的造型理解及能力的掌握均从已成型的艺术样式中盲目模拟而来，形成毫无个性的创造。动画线描造型的研究正是解决这一现状，在科学而又富于传统文化的训练基础上培养学生创造出崭新动画形象。动画线描造型以线的审美形式训练和培养学生坚实严格、灵动准确的造型基本功，并培养学生以线造型的自觉意识去感受对象，敏锐地觉察边线和形体之间的关系，形成造型意识。 研究线描造型语言在动画设计中的运用，是通过线条表现物象的规律，研究物象任何细节特征所产生的来龙去脉；通过线条的变化和组织表现形体结构、空间透视、体量质感，通过不同的线描技法表现丰富的形体内涵，刻画塑造生动有趣的动漫形象。总之，动画线描造型是通过直接写生的造型训练方法，敏锐地捕捉微妙的形体差异，抓住瞬间的形态，在复杂的物象外貌中塑造具有内在精神特征的形象，并通过写生中目识心记、默写其大意的造型方法，训练绘者对形体的个性感受和感情抒发，达到“求其神似”的造型境界。最后在线描语言训练的基础上，达到造型以夺生气之象的最佳境界效果，从而创造出有趣而生动的动漫形象。（本文作者：肖蓉 单位：湖北大学知行学院艺术） 动画设计毕业论文:影视动画设计的色彩艺术及视觉艺术 摘要：色彩是影视动画设计中的灵魂要素之一，也是渲染动画情节，增强动画视觉效果的重要载体。影视动画创作是基于客观事物色彩的观察，融入主观意识的综合性视觉表现艺术，其独特的艺术魅力与色彩个性，成为影视动画创作的重要特质。与造型、语言、声音、剧本等相比，色彩作为视觉呈现的重要手段，如何从表现形式、创作手法、制作手段中来拓深其价值，增强影视动画人物的塑造，抒发影视动画创作的情感，需要从色彩的功能、运用和视觉表现上进行阐述。 关键词：影视动画；色彩艺术；视觉表现 影视动画产业作为新兴的艺术表现形式迎来了新的发展机遇，影视动画艺术具有强烈的主观性、非写实性特色，尤其是在色彩语言表现上，多受到创作者的情感影响，而形成独特的视觉表现风格。影视动画的画面美表现在多个方面，比如人物造型、剧本情节、故事情景、色彩搭配与选择等等，而色彩却是贯穿整个影视动画创作的始终，并从不同场景、不同角色的运用中来彰显影视动画的色彩韵律，获得强烈的色彩视觉艺术效果。现就影视动画设计中的色彩艺术性与视觉表现进行阐述。 一、影视动画设计中色彩的特色 影视动画在技术表现上是动态的、连续的视觉现象，而色彩又是诸多色块的连续性运动和组合，从而表现出独特的艺术运动美和视觉感知美。其特色有四点。 （一）色彩具有连续性 影视动画在播放中，色彩是随着动画情景的发展而呈现连续性变化，并与故事情节、叙事语言、声音等共同烘托动画的意境。 （二）色彩具有叙事性 与其他动画设计要素相比，色彩是基于时间轴上的色彩图画，其在表现故事情节上，运用不同的色彩基调来突出影视动画的色彩风格，表达与作品相一致的思想主题。比如在《灌篮高手》动画色彩运用上，对主人公火红色头发的刻画，既突出了樱花木道的青春活力，又暗示了他急躁的性格与脾气。还有在《樱桃小丸子》动画人物色彩及环境基调设计上，始终以单纯的明亮色彩来烘托整部动画的故事情景，给观众带来愉悦、宽松的欣赏体验。 （三）色彩具有主观性 在影视动画设计创作中，色彩的艺术效果更为主观性，甚至超越客体的原本色彩，融入了创作者对影视动画情境氛围的独特感受，以获得与受众的情感共鸣。在《花木兰》动画色彩艺术运用中，花木兰替父从军情节中所选用的乌云密布，其色彩给人一种心理上的压抑感，从而表现花木兰的心理情绪变化，增强观众对动画色彩的主观感受。 （四）色彩具有象征性 用一定的色彩来刺激受众的视觉神经，并从中来激发某种心理情绪，突出色彩的象征性。比如在动画设计中，一些镜头被反复呈现，一些色彩被反复强调描述，往往是创作者想要表现某种艺术化象征手段而刻意为之[1]。 二、色彩艺术在影视动画设计中的意义 （1）色彩为影视动画注入了独特视觉美感。从影视动画设计风格来看，其色彩往往是最重要的。事物都有自己的色彩，而在影视动画色彩的运用中，并非局限于客观色彩的直接反映。创作者可以根据对事物色彩的理解、记忆，以重新搭配新的色彩视觉效果来展现动画作品的艺术审美。我们从影视动画的视觉表现艺术中，无论是造型、语言、声音、剧本等艺术形式，通常都是从其他艺术手段的融合中来激发观众的情感共鸣，来抒写创作者对作品所要表达的主题。当然，色彩并非是唯一的艺术表现手段，但却在影视动画设计中占据关键地位。所以，从影视动画设计中来挖掘色彩艺术与表现，需要从形式上、创作手法、制作手段等方面，来展现色彩的变化性、空间对比性、时间相继性等众多特性，才能为作品增添无限的色彩美感[2]。（2）色彩推动了影视动画设计思想的表达。从最初的黑白动画到现代多维彩色动画的发展，色彩并非孤立的艺术形式，而是在与其他影视动画技艺的配合中，更好的表达了创作者的设计思想。我们从影视动画镜头的呈现中，无论是人物的塑造，还是情感的表达，以及场景氛围的渲染，往往都依赖于色彩的丰富使用，来营造身临其境的画面感。比如在《疯狂约会美丽都》中，该片在色彩的选择上，以低对比度的暗灰色来渲染繁华的都市，表达了城市人群的冷漠，也与当时故事背景形成有力的契合。当然，在整个影视动画情节的延续上，多处场景以低饱和度的黄、棕、黑色来调和，虽然少了视觉冲击力，但却让受众能够从中感受到夸张与讽刺。可见，对于影视动画的设计思想，可以从色彩的运用中来反映主题，能够从色彩的合理搭配中来实现场景、人物等元素与观众之间形成某种心理暗示[3]。（3）色彩增强了影视动画与观众间的情感渲染。对于色彩本身具有一定的情感属性，这种对色彩的直觉感受，也往往被应用于影视动画的色彩设计中。色彩本质上并非表达情绪，但其在特定情境下，却能够激发人的某种情绪或情感。生活中的绿色有助于让人联想大自然，传达青春、生机、和平之意，也是最宁静的色彩；红色让人联想到火焰、血液，传达出激动、亢奋、积极向上之意；黑色最为深沉，可以让人联想到夜晚，传达出庄重、恐怖之意；黄色让人联想到丰收、希望、太阳，传达出充实、欣慰、明朗之意。同时，对于不同色彩的组合，也可以传达不同的设计意图，表达独特的情感，从而让影视动画在勾勒情境，表达人物情感时变的更加丰富。 三、色彩艺术在影视动画设计中的运用 （一）色彩艺术与动画人物角色的塑造 每一部影视动画的设计都离不开人物，人物是动画的灵魂，是推进动画情节发展的主线。色彩作为艺术表现方式之一，往往在人物形象的塑造中发挥了重要作用。一方面色彩可以为观众提供识别人物的符号，另一方面色彩可以突显人物造型的独特风格。将色彩与人物的性格特征进行融合，让观众从人物色彩运用中把握角色的形象，刺激观众的情感体验。我们从宫崎骏的《魔女宅急便》中，魔女琪琪是主人公，为了突显其身份，衣服的颜色被设定为褐色长袍，但为了表现琪琪的热情、乐观，宫崎骏又为琪琪增加了一个红色的蝴蝶结，利用红色来表现动画人物角色的独特性格[4]。 （二）色彩与动画人物情绪的表达 从动画作品的人物心理分析中，色彩的运用往往反映出动画的主题，也传递出创作者的思想情感。色彩不仅可以塑造人物的性格，还可以从色彩设计中表达丰富的情感属性。比如利用灰暗、低沉的色彩，来营造压抑、沉郁的氛围；利用明艳鲜活的色彩来强化观众的激情；利用清新舒缓的色彩来营造放松的情绪。比如在《白雪公主》影视动画设计中，白雪公主生活在森林里，其服饰及场景设计上多采用清新、明朗的浅色系色调，来表达主人公积极向上的心态。但对于巫婆的出现，画面的色彩也发生了变化，由明朗的绿色转为阴暗的灰色，以突显巫婆的险恶。色彩的变化，一方面让观众的注意力发生了转移，另一方面也刺激着观众对主人公的命运产生担忧。也就是说，利用色彩的刻意变化来带动观众的情感体验。 （三）色彩与动画场景的渲染 色彩具有多样性，而色彩的变化也是随着影视动画的情节而发生变化。作为艺术表现要素之一，色彩不仅要刻画人物、塑造形象，还要表达情感，营造与人物情绪相应的色彩场景。每一帧动画画面的色彩创作，都是对色彩审美的动态运用。但动画不是静态的画面，还要考虑色彩画面间的承接与转化。所以说，在影视动画色彩的设计中，既要从真实物象的色彩分析中来运用色彩的独特性质，还要从创作者的主观感受上来增强色彩的创造力。比如在《海底总动员》中尼姆与爸爸前往海底学校时的场景中，色彩的绚丽是丰富的，不同色彩如紫色、橘色、宝蓝、红色的多重组合，也渲染出热闹、激情的场景氛围。 （四）色彩与故事情节的搭配 色彩简单的来看是静止的，而在影视动画中，即便是在同一场景下，色彩在表现人物情感、塑造人物形象、刻画人物动作时，都会发生渐进的变化，通过色彩与人物来共同搭建故事情节的发展。不同的剧情变化，需要从色彩的多种运用中来表达情节的推进。所以，色彩的搭配，并非固定不变，而是要处于不断的变化中。在《萤火虫之墓》中，主人公与妹妹乘坐火车的场景，以浓郁的红色，以及浑浊的暗灰色为主，表达悲怆的氛围。在片尾战争结束之后，色彩骤然变得明亮，碧蓝的天空、葱绿的田野，所形成的欢愉色彩氛围与开篇的阴沉色彩形成强烈的对比，也让故事情节在色彩的变化中形成了独特的艺术视觉冲击力。 作者：王栋臣 单位：常州轻工职业技术学院 动画设计毕业论文:视觉元素在动画设计的应用 摘要：秦腔是中国西北最古老的的戏曲艺术之一，具有极富表现力的视觉元素。本文运用文献法、归纳分类法、实地调研法等研究方法，发掘秦腔这一传统戏曲文化中的视觉元素，并将其全面应用于动画设计，把秦腔的艺术魅力移植到动画表现中，为动画设计提供新启发、新思路。 关键词：秦腔；视觉元素；动画设计 一、秦腔与动画 秦腔是具有陕西地方特色的传统戏曲文化，是我国最古老的戏曲艺术之一。秦腔行当齐全，具有极富表现力的视觉元素，如脸谱、服饰、道具、动作程式等，在西北地区广受欢迎。然而，在当代娱乐形式多样、媒介发展迅猛的背景下，古老的秦腔艺术不断受到冲击，受众正在逐渐减少，秦腔艺术受到了冷落，年轻群体几乎无人关注。动画是深受年轻人喜爱的艺术形式，本课题的研究意在借鉴秦腔艺术视觉元素进行动画创作，将秦腔艺术的魅力移植到动画中，推介给年轻群体，发扬秦腔文化，使传统文化得到继承发展。秦腔艺术与动画具有共通之处，即不论是故事建构、造型，还是表演方式，都是高度提炼概括的、具有夸张形式的艺术，目的都是通过从各个艺术角度揣摩以提升戏剧性，达到最佳视听效果，二者互相符合对方的基本诉求和最终目标。但具体如何进行借鉴与创新，我们应在动画制作的各个环节中大胆尝试，以达到理想效果，这也是本课题要研究解决的问题。 二、国内外研究现状 国内对戏曲与动画的结合已进行了大量研究，并取得了一定成果，如周俊生的《图像化时代下戏曲动画的视觉传达研究——以豫剧动画研究创作为例》、黄玉杰的《传统戏曲与现代动画结合的研究》、王峰的《对中国戏曲动画发展的探讨》、李罡和陈辉的《传统戏曲对中国动画的影响》等。但分析国内的这些研究发现，学者大都针对戏曲的某一特征对动画的启发作用展开探讨，如表演程式、人物动作等，没有全面借鉴秦腔的整体视觉元素，也并未进行具体应用。还有一部分是关于其他地方剧种与动画的结合研究，罕有关于秦腔结合动画来呈现的方式方法的可行性研究。近年来，也有不少依据其他地方戏曲改编而成的动画，但大多人物造型粗糙，人物动作简单，难以表现戏曲的神韵与魅力。而关于秦腔视觉元素与动画设计应用相结合的优秀动画作品更是寥寥无几，国外亦没有此类研究。 三、研究对象与资料收集方法 （一）研究对象 本研究以经典的传统秦腔剧目——《三娘教子》为研究对象。 （二）资料收集方法 1.文献法文献收集来源于三方面：一是相关理论书籍，包括与秦腔视觉元素、动画设计、陕西戏曲文化等相关的书籍；二是期刊及互联网，查询各种有关秦腔视觉元素及动画设计的资料，三是走访中青老年秦腔表演者和动画界同行，收集文献资料。2.归纳分类法本课题采用归纳分类的方法，不仅符合从动画学角度认识事物的思维模式与习惯规律，而且可以对秦腔视觉元素与动画的艺术表现形式进行一一对比，分析现有的动画风格，对其要表现的秦腔视觉元素做纵向和横向比较，使人们深刻了解秦腔视觉元素与动画设计之间的联系。3.实地调研法通过实地考察秦腔艺术，调研秦腔视觉元素，具体、深入、细节化地观摩《三娘教子》，并通过拍摄照片和录制视频，获得一手资料。 四、具体应用 （一）借鉴的前提 在借鉴、应用之前，我们必须明确借鉴的前提。在努力迎合市场和尊重传统方面我们该如何取舍？毋庸置疑，必须以尊重传统为主。若过于片面地重视年轻人的欣赏趣味，势必会随意篡改传统视觉元素。不但会使其失去被研究的意义，还会对不了解秦腔的观众造成概念上的误导。所以，动画设计借鉴秦腔视觉元素要尽量遵循原有秦腔视觉元素包含的精神，不做大的改动。 （二）具体应用 本课题以一部经典的秦腔剧目《三娘教子》的视觉元素为例，试图用动画的表现形式完整表现传统秦腔视觉元素，下面主要从人物造型设计、表情设计、动作设计、场景道具设计等四方面探讨其具体应用。1.《三娘教子》剧目简介《三娘教子》改编自明末清初戏曲家、小说家李渔《无声戏》中的一回，剧中主要有须生、小生、彩旦、花旦、青衣、丑等角色。故事讲述了三娘王春娥重情重义，在艰苦的条件下抚养非亲生的亡夫之子长大成人，并考中状元，全家团聚，而背情忘义的大娘、二娘也终落得可耻下场的故事。2.人物造型设计在设计动画人物造型时，要注意不同脸谱和服饰对不同年龄、性格、身份和地位的体现，在设计前期深入研究秦腔中各主要角色的情况。首先，为动画人物绘制脸谱要依照传统秦腔中色彩的不同含义绘制不同的图案轮廓，以使人物性格化。比如，红色代表忠勇侠义，粉色代表阴险奸诈；包拯黑额头上有一白月牙，代表清正廉洁，赵公明面画金钱，凸显自己财神爷的身份，等等。其次，动画人物的服饰设计也要严格按照传统秦腔中固定的服装程式来表现，以准确判断角色人物的身份。如果随意设定动画人物的服饰，就失去了具有稳定性的程式表现模式，破坏了最能体现传统戏曲的精髓。以《三娘教子》剧中两位角色的人物造型设计为例。老生薛保——一位忠诚善良淳朴的老年家仆形象。薛保是三娘的家仆，在家主薛子约家境衰落后，仍忠心耿耿地与三娘一起抚养薛乙哥长大成人，并考上状元。所以有这样的造型设置：戴白色的三绺胡子，拿着拐杖走动时，两腿弯，腰弓，有点驼背，头部要有点微微的摆动。让观众感受到这个老头儿已是贫病交加，走路都困难了。娃娃生薛乙哥——一位稚嫩的儿童形象。薛乙哥被薛保和三娘辛苦抚养长大，在学堂被同学嘲笑为无母之儿，气愤回家，不认三娘为母，后经三娘教诲，考上状元。所以，其人物造型应设置为：身材较小，扮相清秀，头上戴着孩儿发，身上穿着小孩子的衣服，也称茶衣，行为举止活泼欢快，表情动作天真烂漫。3.面部表情设计生、旦、净、丑动画人物的喜怒哀乐要通过面部表情的设计来表达，准确按照秦腔演员的表情变化绘制动画，也可以通过设计细腻、夸张的眉、眼、嘴的动作，细致入微地刻画人物心理。例如，《三娘教子》中的反面人物花旦二娘——一个无情无义，放荡恶毒的年轻女子形象。薛子约的二房夫人，在误以为丈夫死后，夺取家产，引诱大娘改嫁，迫害三娘和薛保，使他们无处栖身。所以，其面部表情设计比青衣要灵活、夸张、轻浮些，着彩色短衣，或穿裙、袄，行为敏捷，眼神犀利，眼珠时常转来转去，以表现角色的泼辣机灵和歹毒。在这点上，动画可以通过特写弥补舞台表演中演员与观众有一定距离较难观察演员面部表情的不足。4.动作设计传统秦腔表演中的手、眼、眉、身架及势子具有独特风格，动画人物的动作设计也要保留这种风格，使人物每个动作的特定含义准确表达出来。比如，秦腔的步法表演程式包含八字步、丁字步、上步、撤步、亮靴底，等等，每一种步法具有不同含义。动画要准确传达戏曲精神内涵就必须依照戏曲中原有的动作形态，准确表现任务状态，以符合剧情，表达戏曲内涵。例如，《三娘教子》中的主角，青衣三娘王春娥：一位重情重义，正派善良贤德的中年妇女形象。其是薛子约的妾室，在得知丈夫已死的假讯后，不改嫁，坚持抚养二娘留下的婴孩薛乙哥，将其教养成人，后又得状元。其人物动作要按照传统的青衣规范设计：面容端庄素淡，身着素色长衫，一只手横放在胸口和肚子中间，另一只手贴在身子旁边，慢条斯理地坐、站、走，笑不露齿，袖不露指，显得稳重安详，以传达人物精神。同时，动态节奏要与剧中的音乐相配合，动静结合、自然流畅。5.场景道具设计秦腔的场景道具设计在不同年代也略有不同。随着时代的进步，观众审美意识的提高，技术手段、材料的革新和眼界的拓宽，秦腔广泛借鉴中外戏剧舞台美术的丰富经验，提高了秦腔的舞台表现力。为秦腔剧目更自由地表现生活、多侧面地刻画人物性格开辟了更广阔的天地，给观众提供了更广阔的想象空间。动画中设计场景和道具仍要以尊重传统为前提，但可以适当加入新鲜元素，使其具有时代特征。比如，场景的绘制可以采用绚丽的色彩，设置丰富的内容；一些主要道具如桌椅和坐骑，要按照固定程式设计，次要道具造型，如观赏物和碗筷等可以根据动画剧情的需要稍作修改。 五、结语 本课题对发掘传统秦腔的视觉元素，以及促进其与其他新媒介的结合有一定推动作用，对于拓宽动画设计思路、增加表现元素亦有帮助。将秦腔的视觉元素应用在动画中，利用动画先进的制作技巧和手段，能让更多人尤其是青年一代领略中国经典秦腔的魅力，同时赋予动画设计更丰富的内容和形式，为动画设计提供新思路。在中国电影市场日益繁荣及网络迅速发展的背景下，特色秦腔完全可以趁着中国传统题材动画发展的强劲势头在市场上抢占一席之地，展现自身的商业价值。 作者：梁蕾 单位：西安翻译学院 艺术学院 动画设计毕业论文:Flash动画设计对网络广告宣传的应用 【摘要】随着当代中国科学技术的飞速发展，带动了各行各业的发展，随着而来的就是广告的轰炸，各行各业都离不开广告的宣传，而传统的广告设计由于文字或者是设计方面缺乏灵性也开始被淘汰，随之而来的Flash动画设计在网络广告中的应用使得广告中的主题、字体、排版、运动路线以及创意设想都有了很多的选择与动态效果，为网络广告增添了几分美感与宣传力度。 【关键词】网络；广告宣传；Flash动画；设计应用；分析 中国经济的发展，互联网技术得到了广泛的认可与推广，同时互联网广告也推动了广告行业的发展，网络广告能够全方位的满足现在的顾客需求，在网络广告里面Flash动画的应用更是使得网络广告更加的具有吸引力，可以引起消费者在情感上的共鸣，更能满足社会大众的精神需求和审美观念，丰富了人们的日常的娱乐生活。 1网络广告的主要内容及形式 网络广告是当今流行的一种新的营销手段，其主要方式是让广告利用互联网发送出去，并且在发送之前Flash在网络广告当中的应用也为网络广告增添了新的用户，网络广告的主要方式是通过信息的阅读数以及点击量来获得新的用户或者是进行销售。是一种新的获得经济效益的模式，现在很多的企业采用这种新型的网络广告模式进行市场营销工作，并且Flash动画在网络广告中的应用也在逐步的完善与发展当中。 2Flash动画广告的设计特点 2．1较强的设计功能 Flash动画具有较强的设计功能，可以将音频，视频等与广告进行有效地连接以及整合，可以在广告中插入图片、艺术字等，使原本粗糙的广告具有了新的气息。而且，通过屏幕的滚动式流动可以实现消费者与广告之间的互动。例如:现在的腾讯视频、爱奇艺等视频播放器，在开始视频之前会有50－60秒的流动广告，在广告流动的过程中会有弹幕，消费者可以通过弹幕与公司进行沟通，增加对其产品的了解。Flash动画也具有较强的设计功能，在电脑上出现的巧克力的广告，将巧克力融入到口中的柔软的感觉演绎的惟妙惟肖。而这些情感的表达以及巧克力的丝滑口感也有一部分是通过Flash动画展现出来的。 2．2体积小、传播速度 Flash动画的设计具有体积小、传播速度快的特点。传统的广告体积过大，浏览花费的时间过长，但是Flash动画设计出来的广告的体积小，在很短的时间内就可以浏览完成，节省了观看者大量的时间。同时，浏览者也可以有选择性的观看广告，如果在看视频时不想花费太多的时间在浏览广告上面就可以选择一边看视频一边下载广告，另外一种方式就是在线播放。这样的选择方式凸显了广告的人性化，浏览者可以根据自己的需求进行选择性观看，与传统的广告相比具有极大的优势。 2．3具有冲击力的视觉效果 Flash动画最主要的优点之一就是具有较强的视觉冲击。人们都是视觉动物，在观看广告的时候也会用颜色来吸引浏览者，利用鲜艳的色彩对消费者进行视觉冲击。同时广告在屏幕上的滚动播放也节省大量的时间与金钱。而且视觉的冲击可以吸引消费者的注意力，在消费者的心中留下深刻的印象，并且通过简短的音乐或者是话语也可以使消费者在短时间内了解广告的基本内容，有利于广告的传播。 3Flash动画在网络广告中的设计应用 3．1确定主题 主题是一个广告的精髓，是重中之重，Flash的网络广告的主体尽量要剪短精湛，可以一读就了解其中内容的广告主题，在确定主题时要与广告的内容贴切在一起。争取用最简的语言突出广告的重点，吸引浏览者的注意力，根据具体的宣传文案制定明确文案的主题，突出重点内容。主题是一个广告的点睛之笔，主题设置的好与坏对于广告的影响很大。 3．2选择字体 字体在网络广告的设计中具有重要的作用，根据具体的宣传内容和主题来确定字体，用优美的字体或者是铿锵有力的字体来与广告的内容进行搭配，字体颜色的选择，字体的粗细的选择，这些对于广告设计的美感都是至关重要的。例如:在过儿童节的时候可以利用卡通的字体去体现这一个节日的主要人群以及表现出这个节日的氛围。 3．3设计排版 将Flash动画中的文字与图片根据读者的阅读习惯进行统一的排版，可以方便读者尽心阅读，一般的排版方式为从上到下，从左到右，将产品放在屏幕的左侧，并且在设计交换按钮时一般放在右侧，方便浏览者进行操作。 3．4设计运动路线 运动路线的合理的设计可以节省浏览的时间，增加浏览的速度，确保动画进入与出去的方向一致，保持画面的一致性，增加画面浏览的规范性以及流畅性。运动路线的规范性也在影响着广告的效果，如果运动路线不一致会造成乱的效果，失去了广告的艺术的欣赏。 3．5创意设想 创新能力是Flash网络动画设计中最重要的也是最发挥才能的地方之一，设计者完全可以在保留内容不变的前提之下对内容进行创意设想，并且这样的广告设计方式也可以提高设计者的创作热情，激发他们的想象力。他们可以在传统的广告设计的基础上增加新的艺术特点，从色彩的设计，到字体的设计都可以根据自己的创作灵感进行选择，给创作者留下了很大的创作空间，他们可以自由的发挥，来吸引消费者的注意力，给对方造成视觉的冲击，从而达到营销的效果。为公司赢得经济利益。 4结语 Flash动画在网络广告中的应用使传统的广告行业受到了很大的冲击，并且现在的网络广告也开始融合更多的技术含量得到了很大程度的改变与发展。通过本文的研究，希望对于今天Flash动画在网络广告中的应用具有借鉴性的意义。 作者：赵芳 单位：郑州市商业技师学院 动画设计毕业论文:CATIA三维机械模型动画设计研究 【摘要】本文简单介绍了将CATIA设计的三维机械模型转化成动画的设计方法及制作过程，比较了各自的优缺点，总结了在操作中常见的问题并提出了解决思路。 【关键词】CATIA3DVIAcomposer；运动仿真；动画 1前言 随着众多三维软件的开发，创建三维模型的技术得到了广泛应用，提高了装配过程的可视性及精确性，在大型产品的设计中显得尤为重要。其中CATIA软件是法国Dassault公司开发的一套完整的3DCAD/CAM/CAE一体化软件，在航空航天、汽车轮船及机械制造领域有了广泛的应用。在CATIA建模基础上，生成脱离软件环境，并可在Windows环境下独立运行的动画，对模型运动测试、干涉检查及产品，有着重要作用。 2模型的建立 动画制作要求先用CATIA软件建立完整模型，并且为了动画的美观，需要赋予模型材料、颜色等属性并进行渲染。模型内部有运动要求的部件要有装配关系，不能设计成同一零件(part)，当然在同一个模型里，产品(product)与产品(product)之间也可以实现相互的运动。 3动画制作 CATIA模型的动画制作可以有三种设计思路，分别是:视频录制器(VideoRecorder)，电子样机技术(DMU—DigitalMockup)和3DVIAcomposer软件的应用。对于CATIA模型来说，这三种是最为简便且行之有效的制作方法。 3．1视频录制器 CATIA环境下，可以通过【工具】(Tools)—【图像】(Image)—【视频】(Video)操作，打开视频录制器，按电影格式录制屏幕上设计人员的操作，自动生成AVI格式动画。 3．2电子样机技术(DMU—DigitalMockup) 电子样机技术(DMU—DigitalMockup)是CATIA自带的运动仿真模块，通过该模块中DMU运动机构模拟(DMUkinematics)功能，可以实现对装配模型进行模拟、分析和仿真，同时生成AVI格式动画。设计思路就是，利用装配件间的约束关系，将驱动部件的运动通过逐级传递，实现整个机构的动作。首先在装配设计(AssemblyDesign)模块里建立完整的装配约束关系(Constraints)。然后切换到电子样机技术(DigitalMockup)模块DMU运动机构模拟(DMUkinematics)功能，开始定义机构运动机制(mechanism)。利用装配约束转换(AssemblyConstraintsConversion)，将装配约束转换成运动约束(RevoluteJoint)，因为装配约束已经定义好了，采用自动转换(AutoCreate)。第三步定义驱动机构(Drive)。选择合适的零部件作为初始的动作机构，设置动作参数，驱动与之有运动关系的零部件传递相应动作，形成完整运动。第四步可以使用仿真(simulation)制作机构仿真及动画。当然，也可以直接在DMUkinematics模块里直接定义运动约束关系替代约束转化的操作。 3．3利用3DVIAcomposer软件 以上两种操作方法均是利用CATIA自身功能来实现动画制作，实际上Dassault公司开发了专门利用3D数据创建视角和动画的软件———3DVIAcomposer，与CATIA软件有很好的无缝式接口对应。catia模型可以直接在3DVIAcomposer上打开与编辑，该软件可作为CATIA制作动画的扩展软件来使用。设计思路有两种:(1)利用【视图】—【创建视图】操作，把视图区模型以照片形式保存，通过照片生成动画。该视图包含视角方位、模型属性以及视图区中所有可视零件。根据要播放的画面顺序，依次创建多张视图，然后将创建的视图拖入时间轴区作为帧，选择合适播放速度的时间间隔，软件会自动填补各帧间的连续动作，最后将文件另存为AVI格式生成动画。(2)通过在时间轴里直接创建关键帧操作，生成动画。关键帧是构成动画的基本组成单元，每个关键帧对应动画的相应动作，3DVIAcomposer包含三种关键帧，可以记录模型的位置、属性、视角、方位、特征。根据动画播放速度及每幅画面的停顿时间，选择合适的时间间隔设置关键帧，将文件另存为AVI格式生成动画。 4三种方法的比较 视频录制器简单易学，但表现力弱，生成的动画展示效果有限，只是如实记录下设计人员在屏幕上的每一步操作，所以多用于简单装配、视角转动以及配合DMU模块制作动画使用。DMU模块制作动画的优点在于，其自身拥有运动仿真功能，可以完整、真实的展现机构间的运动传递关系，便于干涉检查，通过驱动运动的创建就可以自动完成所有运动动作，不需人为干预。缺点在于对模型约束关系，也就是运动副的完整性、有效性有严格要求。对于大型装配模型来说，约束众多，从而容易造成由于约束关系的不完整及不合适而报错，无法生成整个运动的动画的结果。DMU模块要求正确选择驱动，从驱动的初始动作到最终动作的实现，之间传递过程基于严格的数学映射关系，而反之则无法完整实现。3DVIAcomposer优点在于专业的动画制作功能，在展现模型的装配关系、爆炸视图及突出细节方面有强大表现力。缺点在于相较CATIA环境，对于模型的修改比较麻烦，建议模型的修改在CATIA环境下完成，在3DVIAcomposer环境下更新对应的几何体和角色。DMU模块及3DVIAcomposer在生成的动画时要选择合理的压缩程序以及压缩比，这样既防止不必要的软件报错，同时又可以兼顾文件大小以及画面质量。 5结语 基于CATIA三维机械模型的动画制作可以将产品的设计理念、装配顺序及运动关系等直观的展现给观看者，具有较强的视觉艺术性及表现力，同时可以及时的发现装配错误和运动干涉。动画制作是CATIA软件很好的拓展与发挥，具有重要的现实意义与发展前景。 作者：李洪文 李扬眉 王凯 姜小玉 贺伟 司冀 单位：中国飞机强度研究所 动画设计毕业论文:高校三维动画设计教学研究 【内容摘要】随着三维动画在我国电影中被广泛应用，高校三维动画设计课程教学的质量亟待提高，三维动画设计课程的教学改革势在必行，如此才能推动我国三维动画的发展。文章探讨了我国三维动画电影与三维动画设计课程教学的关系，指出高校在三维动画设计课程的教学中应加强传统文化教育，同时还应加强技术与艺术的结合。 【关键词】电影；三维动画；高校教学 随着影视行业的多元化发展，三维动画设计技术在我国的影视动画作品中也逐渐增多。虽然我国的三维动画产值占GDP的比重远远不及美国、日本等动画电影发达国家，但拥有巨大的成长空间。虽然三维动画技术近几年在我国得到快速的发展，但是三维动画电影行业发展与三维动画设计课程教学的现状却令人堪忧。要改变这个状况，高校必须肩负起推动我国三维动画电影发展的重担，努力提高三维动画设计课程的教学质量，为三维影视行业输送可用的人才。当前，高校三维动画设计课程的教学面临与行业需求相脱节的问题，因此，广大教育工作者需要理顺我国三维动画电影与三维动画设计课程教学的关系。 一、三维动画设计课程教学的重要性 三维动画设计课程教学与社会需要接轨，高校也要将先进艺术观念与高端的三维技术融入到教学之中，培养动画影视行业急需、实用的人才。当前，严重滞后的传统三维动画设计课程教学已经无力承载我国三维动画电影发展的重任，致使动漫文化市场与高校动漫设计教育之间无法进行良好的衔接。人才的培养是与高校三维动画设计教学紧密联系在一起的，因此，高校必须尽快提升三维动画设计课程教学的质量，才能跟上当下我国三维动画电影快速发展的脚步。国家主管部门对动漫产业寄予了厚望，希望动漫产业能在政策的扶持下逐渐壮大起来。但是对于整个影视动画行业来说，既要积极响应国家的号召去打造影视动画精品，又要做好自身经营，其发展状况与政府对影视动画行业寄予的厚望还存在一定的差距。近几年随着影视行业的多维化发展，很多的电影作品开始大量应用三维动画技术，三维动画人才日渐紧缺，这就更加凸显了高校三维动画设计教育的重要性。三维动画人才的培养如果断链，三维动画影视产业必将陷入困境。目前，三维动画技术在影视作品里越来越火爆，关注的群体也越来越多。众多的高等院校和一些社会培训机构也瞄准了商机，认为三维动画设计教育能带来巨大的社会效益和经济效益，纷纷加入大潮之中。然而过去一成不变的三维动画教育模式，已经不再适应当前我国三维动画影视产业的发展。在过去的一年中，一些高校动漫设计专业开始停招，一些动漫公司也相继倒闭。和过去的几年相比，今年的三维动画影视行业发展情况必定会发生很大的变化，对于那些中小型的动漫公司来说，因为行业拔尖的人才都流向大的、一流的动漫公司，未来的发展必定会更为困难。如果高校三维动画设计课程教学的现状持续下去，三维动画设计教育质量是无法提高的，紧接着就会殃及到影视行业与动漫延伸产品的企业，乃至整个动漫产业市场。这些不得不引起我国高等教育的主管部门和教学从业人员的高度关注与反思。 二、高校三维动画设计课程教学中加强传统文化教育 中国传统文化源远流长，需要教育工作者去推广、传播。上世纪的60年代至80年代我国的水墨动画在国际上就声名远播，受到国际动画界的关注。无论是以中国传统的水墨画创作的电影，还是现在的三维水墨动画短片都获得了国际动画界的认可。笔者认为，如果我国的三维动画能与水墨画相结合，其视觉冲击力不言而喻，进一步开发三维水墨动画必将带来巨大的艺术与商业价值。当然这种艺术形式不但要传承下去，还要进一步创新，以便于与国际接轨，同时更需要高校在动漫设计教学中贯穿、继承与创新。从美国动画电影《功夫熊猫》，到“十二生肖”主题被国外动漫公司开发，在享受到我国传统文化和民族文化荣誉感的同时，我国高校动漫教育工作者也应认真反省，为什么这些题材不是被中国动漫公司开发出来的呢？可见，我们的“拿来主义”还没有学到位，但我们的文化却被别人“拿去”了。近几年我国在三维动画方面也取得了一些成果，先是《秦时明月》的出现，再到《熊出没》的播出，以及风靡一时、票房突破10亿的《大圣归来》，这些优秀的动画电影都是我国民族文化的直接体现。从动漫电影《木兰花》到《功夫熊猫》可以看到中国文化的在国际上的影响力，中国从来就不缺乏优秀的题材，只是我国动画工作者没有去深入挖掘，没有很好地正视我国民族文化的价值。由此可见，民族文化的推广与传播对我国三维动画电影的发展有着无比重要的意义与巨大的经济价值。因此，我国高校在三维动画设计课程教学中必须加强民族文化与中国美学的教育，让中国文化在中国人自己的三维动画电影中开花结果。每一个行业都需要有自己的独创精神，我国三维动画教育自开设以来大多是照搬国外高校的做法，严重缺乏自主性与本土特色，其结果是生搬硬套地照搬外国的三维动画作品形式，体现民族文化的三维动画片寥寥无几。近几年，虽然有受全国观众喜爱的三维系列动画影片《熊出没》，但与美国的三维系列动画影片《功夫熊猫》相比较，不管是艺术内涵还是三维技术均存在着很大的差距。残酷的现实见证了我国三维动画产业还处在发展初期，肩负着动漫人才培养的高校动漫设计教育更是任重道远。能否培养出适应我国动漫产业向三维动画转型的人才，是动漫产业发展的关键所在。 三、高校三维动画设计课程教学中加强技术与艺术的结合 三维动画技术的推广改变了现代电影的格局，近几年我国很多的电影制作都应用了三维动画效果，并获得了更广阔的发展空间。我国的真人与三维动画相结合的电影《捉妖记》（2015年）、《盗墓笔记》（2016年）、《微微一笑很倾城》（2016年）等均收获了可观的票房，《捉妖记》甚至刷新了电影票房纪录。三维动画技术给观众带来了如此多的惊喜，高校的三维动画设计课程教学势必有非常广阔的前景，改革势在必行。 （一）三维动画设计课程的教学模式要紧跟时代 2016年12月上映的由张艺谋导演的作品《长城》堪称真人与三维动画完美结合的代表，且得到国际电影市场和影迷的肯定。其以中国美学的形式向世界讲述中国的故事，让中国古代神话巨兽饕餮首次以三维动画的形式在电影中亮相，将我国古代的“五禽戏”融入到无影禁军的五支部队中并以五种颜色展示出来，向全世界传递我国传统文化内核。时代的进步让三维动画技术与我国神话故事在电影中相会，无疑是对我国传统文化最好的诠释与展现。诚然，动画电影技术已在悄然发生变化，其发展已成燎原之势。因此，高校三维动画设计课程的教学模式必须紧跟时代要求，一方面，让学生掌握三维动画设计与制作环节中的技术；另一方面，让学生掌握三维动画设计的艺术能力，自始至终遵循技术与艺术相结合、民族文化与三维动画相结合的人才培养模式。 （二）加强三维动画技术与艺术的关系认识 从我国三维动画电影的发展趋势可见，三维动画设计课程的教学所涉及的知识面非常广泛，包括造型学、色彩学、原动画原理、视听语言、美学等，还涉及到科学技术。目前，大多数高等学校的三维动画设计课程的教学存在如下两种倾向：一种是纯艺术类的教学，注重我国传统文化的传播，侧重于纯艺术性的三维动画创作，但对三维动画技术不够重视，致使培养出的学生有好的想法却不能展现出来；另一种是纯计算机类动漫教学，强调科技引领三维动画电影，侧重三维动画技术，轻视传统文化与艺术知识，导致培养的学生因为缺乏文化艺术思想而成为技术工人。其实，这主要还在于三维动画教学师资的问题，目前的现状是多数从事三维动画设计教学的教师自身能力远远不能胜任其教学工作岗位。为了培养出能真正推动我国三维动画电影发展的人才，高校引进的教师既要有扎实的绘画功底，又要有精湛的三维动画技术，这样高校才能培养出适合我国影视动画产业发展需求的人才。 结语 我国三维动画电影产业正在拉近与世界三维动画强国的距离，如果要想更好、更快地融于世界三维动画电影产业之中，必须要依靠整个动漫行业的共同努力、国家在政策上的支持，最为重要的是高校三维动画设计课程的教学要跟上三维动画电影发展的步伐，及时将业界的新知识、新技术通过微课、网络媒体等新兴的教学手段传授给学生，让学生适时地掌握三维动画设计能力。高校三维动画设计课程教学质量的优劣对我国三维动画电影的发展起着至关重要的作用，只有不断改进三维动画设计课程的教学方法，使课程体系进一步规范合理，才能更好地推动我国三维动画电影的发展。 作者：李默尘 动画设计毕业论文:谈APP交互动画设计与应用 【摘要】求的不断提高，使得互联网的成熟与推广得到更多的体现。尤其是新媒介的移动设备在我们的日常生活和工作中发挥着日益重要的作用，APP更是得到人们的高度关注与重视，本文对APP的交互动画设计与运用做了详细探讨。 【关键词】APP概述；发展趋势；动画交互设计；原则 计算机信息技术的发展，使得人们的界面审美观得到了更高的提升，对产品的界面提出了更高的要求，从而促进了APP的交互动画设计与运用得到了更多的推广，接下来，就针对具体的设计与运用做出探讨。 1基于APP的交互动画设计的简述 简单来说APP是手机的第三方应用程序，它之所以如此流行，主要是因为互联网信息技术的迅速发展推动了移动硬件和移动应用的发展进程，它是移动设备迅速崛起的成果。近年来人们对APP的关注程度远远超过对网页的关注，在其游戏与社交方面占据了花费时间的80%，它已经成为互联网界的新宠。交互动画是指播放动画时支持事件的交互功能。在播放动画时接受的某种控制是用户的某种操作，例如声控、点击等动作的操控.交互设计是指在进行产品设计时以使用背景、操作的感受为出发点，将产品和使用者进行动画的互动。交互式的特点是提供了用户参与并对播放内容能够进行控制的特殊功能，使得参与者的选择显得更为主动. 2APP交互动画设计的发展趋势 1）极致平滑的转场动效。各个页面之间的切换更为流畅，体验极致平滑的转场动效，甚至实现了切换页面的无缝平滑。2）指导引向具有多样化。静态图片的指导方法很容易被用户忽略，极力突破这种传统的蒙灰图片指导，让用户产生眼前一亮的感觉，得到前所未有的新鲜体验，指导的方式要吸引用户的目光，实现语音指导。3）改变信息的框架。将APP设计的效率体现到最大化，改变之前的弱化视觉效果，积极运用扁平化的设计理念，减少信息之间的层级关系，有效解决用户的操作成本增加方面的根本问题。4）进行跨平台布局。目前我国对于APP的需求是非常大的，跨平台布局多种移动设备，让移动网络呈现透明化，在正常运行的前提下让不同智能手机的用户得到有效沟通，它将适用于企业场景的发展。5）大视野背景。大视野图片成为交互设计的营造手法，将文字浮在透明层上，让元素体现出丰富感。6）任务窗口模式。利用小窗口来操作大屏幕，同时执行多个任务，从而有效解决手指操作受限的问题，将大屏手机的功能得到更好的体现，最终得到全新的动画交互体验。 3基于APP动画交互设计的现状及运用 1）交互动画设计的应用现状。APP动画交互设计对商业领域的高科技产品、电话等发挥着重要的作用，为企业的发展壮大起到了很好的推动作用，它主要以客户至上为原则，始终坚持客户至上的经营理念，为给用户带来不同的体验始终在进行创新产品的工作，引领并提高企业的竞争方向，满足不同特点用户的不同需求。2）动画交互的运用：①增强用户的操作体验。互联网技术的不断发展，移动设备软件的不断更新，促进了手机用户的需求也在不断提高，在体验手机功能的时候，更注重于简单的操作流程.例如IOS系统，桌面的图标会产生动感，还会给用户传达图标可以移动的相关提示，这种交互动画给用户带来了更加方便、更为舒服的使用体验;②激发用户的使用兴趣。采用交互动画的方式能让用户对产品的了解更加深刻。例如天气APP，打开天气的界面，会有天气状况的对应体现方式：下雨、雪、打雷等，用动画的方式给用户带来天气播报，表现的方式更形象;(3)强化品牌.交互动画是作为APP产品来表现自身品牌特征的重要途径，通过恰当的动效形式，更形象的体现出产品的个性，将品牌深深印在用户脑海中，从而得用户带来愉快的感觉，尤其是交互动画的屏幕滑动、返回、点击等操作以此成为产品宣传的重要代言。 4动画交互设计的技巧及原则 1）精确清晰。根据信息的重要性程度将其进行等级的区分，在有限的空间将手机屏幕界面空间的图像进行规划，例如返回、进入等操作。从而降低用户操作的难度，其主要方法如下：①明确自身的位置，使页面的跳转更为流畅，实现对空间的转场；②明显的示意过渡提示，引导用户及时理解界面的内容；③采用动态效果，将用户的目光对界面的关注上，促进动画交互的流畅，从而起到聚焦的作用。2）对动画的幅度和节奏的灵活掌握。不管是动态的文字还是图片，让人们的视觉得到更好的享受，进行对缓动效果的创新，尤其是拉伸、缓冲等步骤的设计技巧，可以通过更好的创新来提升动画设计的技巧。3）设计的原则：①简化页面的原则：了解界面变化的过程，处理好视觉元素的问题，通过设计动画交互，在使效果最完美的前提下，将操作的流程降到最简易；②风格和自然一致性：设计过程中将用户的需求放在第一位，尊重用户的喜好，将动画交互和动画风格保持一致，尽量不要触及系统的行为标准，设计出的产品要遵循物理的定律；③产品价值最大化：设计中及时测试动画交互的效果，不能完全沉浸在应用体验中，对动画交互的设计做到合理、有限制性的使用，提升动画交互的优化作用，保证其流畅性。 5结束语 产品的创新通过动画交互设计得到完美体现，也是企业提高社会竞争力、保证健康发展的重要途径，应积极的将动画交互设计广泛的运用于企业的产品上，坚持客户至上的经营理念，为达到用户的不同需求一定要为其提供全新的体验，创造有利于企业持续发展的价值。 作者：陈超 单位：陕西国际商贸学院 动画设计毕业论文:传统茶元素在动画设计的思路 动画资源是文化体系的重要内容，无论是传统文化体系，还是现代文化体系，都是一种文化艺术.随着当前人们对文化需求不断成熟，如今动画需求也在持续增加。相对于其他文化资源而言，动画设计的内涵与风格，对整个动画设计类型有着关键作用和价值。在动画设计活动开展过程中，传统茶文化元素有着重要价值，其不仅为动画设计活动提供了丰富元素，同时也为整个动画设计活动开展融入了丰富内涵。如果能够将传统茶文化运用到动画设计活动中，将两者相结合，不仅能有效促进动画产业发展升级，同时也为传统茶文化元素传承寻找到合理的途径和载体。茶文化元素融入到动画设计体系中，必然能够为整个动画设计活动优化提供重要帮助。 1传统茶文化元素的内涵与特点分析 我国有着丰富的传统茶文化资源，从唐朝开始，茶就成为人们生活中的重要因素。而随着人们饮茶习惯不断成熟，茶逐渐与社会文化相融合，形成了具有自身独立内涵的文化体系。通过对传统茶文化元素进行分析，可以看到其实质上是一种生活理念和价值体系.传统茶文化作为传统文化的重要内容，其中融入了我国丰富的文化内涵，是在多元文化成熟发展的今天，仍然值得我们继承和学习的内容。传统茶文化元素内容丰富，其中有着丰富的茶资源体系，以及与茶资源相关的其他资源体系，比如种茶区域多为自然优美的景区，这些与茶相关的物质资源体系，成为当前我们实质化认识传统茶文化元素的重要基础和载体。对于传统茶文化元素来说，其中有许多值得我们传承的物质元素。这些物质上的元素，都可以被我们借鉴应用到艺术设计活动中来，比如优美的茶香风光，优美的茶景照片等.除了物质元素之外，传统茶文化元素中，还有着丰富的文化惫识元素.比如描写茶乡人们采茶场景的舞蹈，描写人们采茶时期的内心喜悦等等，这些元素都可以被我们应用到艺术创作当中。对于传统茶文化元素来说，其最大特点在与其中融入了丰富的情感内涵.因此我们在继承传统茶文化元素过程中，应该从继承其文化意识内涵入手，只有融入了其具体情感内涵，才算真正理解中国传统文化。在动画设计活动开展过程中，融入茶文化极为必要，无论是动画设计内涵的融入，还是动画设计风格定位，都需要相应文化元素做支撑，只有充分融入相应文化内涵，才能从根本上满足人们对动画设计的新要求.最后，传统茶文化元素不仅是一系列文化元素的综合，其更关键的是多样文化的综合体，各种元素通过相互作用，互相推动，从而形成了具有自身独立内涵的文化体系。从传统文化的内涵及特点看，其中融入了我国传统文化中的优秀内容，在多元文化发展不断成熟的今天，传统文化在传承过程中面临极大阿题，尤其是缺乏合适的传承载体。而传统茶文化中所蕴含的文化内容，都值得我们在今天为其寻找到合适的传播空间和途径。动画设计不仅仅是一种动漫艺术创作，通过与世界其他地区动画设计状况进行对比，可以发现我国与世界动画设计水平之间存在较大差距。在我国动画设计活动中，最大的不足在于缺乏清晰的定位，无论是文化内涵融入，还是设计元素都存在较大差距。 2当前动画设计工作存在的问题和不足分析 通过对当前动画设计工作进行分析，可以发现随着我国信息技术资源应用不断成熟，加上动画设计理念不断成熟，如今动画设计工作水平实现了一定提升和发展.但是通过将我国动画设计一状况与其他地区动画设计工作开展状况进行对比，可以发现其中存在的问题和不足:首先，动画设计工作开展过程中，缺乏文化内涵的实质性融入。文化内涵是动画设计的核心，也是关键，任何一部动画片，如果没有完善的文化内涵，那么整个动画设计很难给观众足够视觉感。文化内涵的融入是动画设计工作开展的灵魂.离开文化内涵，缺乏文化内涵的融入和展现，是当前动画设计工作开展过程中普遍存在的问题和缺失。而对于我国动画设计工作来说，其需要融入合适的文化内涵，在多元文化不断发展的今天，融入中国传统文化是其发展的必经之路，从中国传统茶文化中寻找相应文化内涵和元素，通过体系化融入，必然能够为整个动画设计水平提升提供重要帮助。其次，从目前动画设计工作开展状况看，元素单一，内容缺失，抄袭现象严重，普遍存在雷同现象，整个动画设计有着明显的创意不足问题。日前在世界动画设计工作开展过程中，美国和日本有着重要地位，而这两个国家动画设计最大的优点在十设计活动创新，内涵创意丰富，能够给观众相应的视觉效应和联想力。动画设计木身就是抽象内容，其展现方式抽象，叙述事物的方式也与现实之间存在一定题离，而这恰恰就是动画本身的魅力，如果动画设计开展过程巾，与现实相差不大，那么整个动画设计的观赏性也必然大大消弱。但是从我国动画设计工作开展现状看，可以明显看到其中对日美动画设计的抄袭，即使自己独立创作设计的动画作品.其中元素单一现象明显，而内容卜的缺失，更使得很多动画设计成果不被人们所认可，整个动画设计巫待创意融入。最后，从当前动画设计工作开展状况看，存在设计理论落后，设计理念缺乏时代性，缺乏对多样元素的体系化融入.动画设计本身就是一项复杂工作，整个动画设计工作包括角色设置、角色形象塑造和角色形象勾画等一系列内容。整个设计过程中的复杂性和多样性，决定了我们想要设计出社会大众满意的动画作品，需要将各种能够有效融入到动画设计中的元素予以整合利用。但是当前动画设计工作开展过程中，更多情况下只是将其他元素嫁接到动画设计工作中，无论是元素利用效果，还是元素之间的结合，均存在较大出入。而想要设计出人们满意的动画作品，就必须注重对各种相关元素的体系化应用，从根本上实现动画设计水平的提升与发展。 3传统茶元素在动画设计中的运用思路分析 随着人们对文化消费需求不断更提升，如今动画作品作为社会大众文化消费体系中的重要内容，其有着庞大的消费需求，因此优化动画设计工作己经成为动画创作过程中的重要要求，而对于整个动画设计工作来说，应用传统茶元素的具体思路为: 3.1融入传统茶文化，丰富动画设计内涵 在动画设计开展过程中，想要实现其设计目的，需要清晰其设计定位，丰富其设计内涵。对动画设计来说，只有具备了相应文化内涵和客观情怀，才能让观众感受到其中所设释的内容，才能达到动画设计相应的深度。以往动画设计工作开展过程中，往往是将设计元素进行堆砌，因此在提升动画设计水平的今天，我们要通过融入传统茶文化元素，丰富整个动画设计活动的内涵，通过清晰其发展定位，进而实现动画设计效果。 3.2将茶文化元素体系化融入到动画设计 我国有着丰富的茶文化元素，无论是茶文化内涵，还是茶文化资源，都极为丰富。对动画设计活动来说，丰富的茶文化元素将为整个动画设计活动开展提供全面素材，其能够从根本上提升动画设计工作开展的具体水准。比如在动画设计过程中，可以将一些茶文化元素体系化融入到动画设计元素中，选择一些有代表性的场景，或者一些具有标识性内涵的素材等等。这些元素的具体融入，不仅大大丰富了动画设计的素材，同时更为重要的是实现了动画设计与传统文化的体系化融合。 3.3创新发展动画设计理念，提升其创意特性 对于动画设计工作来说，衡量其水平和内涵的最大特征在于创意，只有具备了相应创意，整个动画设计才能更吸引人.以往我们在开展动画设计活动时，往往忽略了创意元素的设计，大多动画作品雷同现象严重，很难有效激发人们的观赏欲。缺乏了创意的动画设计，很难从根本上满足人们的观赏要求。而创意的主要来源在于素材，传统茶文化体系内容丰富，形式多样，其中有很多值得我们挖掘和利用的元素，如果能够深入了解传统茶元素，那么必然能够为动画设计创作带来更多创意和灵感。 3.4综合利用传统茶文化元素，提升其设计水准 动画设计工作并非单一资源利用，其更多情况下是多样元素融合的产物，因此，正是其多样性和体系化，决定了我们在开展动画设计工作时，必须综合利用传统茶文化元素内涵，通过将传统茶文化的物质元素与精神元素相融合，从而实现对传统茶文化的全面继承。而综合利用传统茶文化的过程，也是提升动画设计水准的必经之路。在动画需求不断加大的今天，革新设计理念，融入有内涵的文化元素，极为关键。 4结语 随着现代艺术设计理念发展不断成熟，如今无论是设计元素的融入，还是设计水平的提升，都己经实现了时代跨越式发展。动画艺术作为现代设计艺术体系中极其重要的内容，同时也是现代文化发展的核心内容。对于动画设计来说，其不仅关系到我国动漫设计的水平，更是对相关设计元素的体系化应用。通过对当前动画设计发展状况进行体系化研究，可以看到我国动画设计水平与国外动画设计之间存在较大差距。对于我国动画设计来说，其差距和不足不仅在于技术上的落后，更为关键的是缺乏清晰的文化内涵和价值定位，因此通过体系化运用传统茶元素，将在大大丰富动画设计元素的同时，实现动画设计水平实质性提升. 作者：韩枫 单位：黄淮学院 动画设计毕业论文:动画效果在动画设计的运用 摘要：随着人们生活水平的提高，人们更加注重孩子的教育和产品开发，动画成为了现在电影市场的后起之秀。在动画设计中，动画特效是一种帮助产品的导演控制和组织镜头的手段。因为大多数的动画都是从手稿开始的，需要把手稿转化成镜头脚本，所以动画效果的设置和运用关系到整个动画片的画面质量。本文将会介绍镜头制作当中的动画效果运用，如何提高视觉感受，针对设计方面进行阐述分析。 关键词：动画设计；动画效果；运用 引言 从静态的图画到动态的镜头，需要每个分镜头脚本通过相机拍摄，再进入电脑进行动画合成，编辑每一个对话序列。利用类似电影胶片的原理，进行分镜头的计时，保证动画图片的每个动作都可以在时间顺序中正常运行。整个过程中，如何提高动画片的质量？那么就是通过对细节的精化，把动画效果渗透进入每一个图片中，那么动画效果如何在动画设计中大显身手，本文将会一一介绍。 1动画特效本质 1.1动画特效 动画特效是通过电脑进行合成制作，模拟出更加真实的虚拟效果。不仅仅包括视觉体验，也包括声音特效，而且现在动画特效不仅仅应用在动漫界，也会运用在电影包装、游戏界面当中。无论在什么场景中进行取景，三维特效可以让动画部分和现实背景完美融合。三维动画与特效的运用让影片的视觉效果提升了一个档次，观众会更加投入到整个故事情节当中。三维特效对动画特效的要求更加高，因为很多时候实景受到天气原因不能完成拍摄，所以需要动画特效进行合成，而且修改性比较强，质量更容易提高。 1.2动画特效的重要性 随着娱乐行业的发展，带动了影视行业的规模不断扩大，先进的技术运用让计算机图像技术不断成熟，现在的特效制作作用越来越大。动画特效属于数字影视制作技术，通过电脑中数字合成技术，实现整个电影模型的制作。可以分为三个方面：视觉特效，屏幕特效，卡通特效。早期的动画特效主要运用在动画片中，通过传统的拍摄手段，进行电脑扫描，进行模型的建立，计算机的运用给特效制作提供个更多的手段，让更多的特效加入到后期制作工作当中。随着动画特效技术的逐渐成熟，逐渐扩大运用范围，运用到电影的拍摄当中，原因有两个：（1）拍摄当中的模型现实生活中没办法找到，比如上古世纪的景象、外星世界等等。现实生活中的物体无法出现在同一个画面中，比如地震拍摄的时候环境条件的模拟。对于这些问题，动画特效的运用给予了解决的可能性，通过不同模型的合成，进行现实生活中物体的单独拍摄，然后把不同的画面进行拼接，给观众实际拍摄的视觉效果。这种效果让人体会到电影的真实感，带给观众巨大的视觉冲击力，提升电影的震撼力和愉悦感。数字特效合成技术取代了以前电影胶片拼接的笨拙手段，实现了“无中生有”的画面效果，还能进行大量的修饰提高美感，把影片的质量推上了另一个层次。 2动画效果的基本原则 动画效果的制作是数字影视技术中的重要组成，相对于动画取景来说，动画特效更加注重三维技术的运用和数字合成，给技术提出了更高的水平。不仅仅要让画面充满真实感，也让整个创作更加具有代入感。一般来说，合成画面的基本要素来源于不同的素材，可能是已经建好的模型，可能是漫画师手中的动画主角，这些基本来源的采取，通过三维动画的合成，让静止的画面有了活力，虽然拍摄的条件不尽相同，但是通过合成来让他们协调统一，让整个画面更加和谐。比如我们看到的外星人都是生活中不能看到的，但是通过动画特效的合成，让画面更加真实可行，现在大部分的动画电影都是这样的实现的。 3动画特效的制作流程 3.1前期方案的制定 前期方案需要进行合理的安排，根据不同的特效手段的好坏处，采取“因地适宜”的原则，来实现更加真实的特效场面。前期策划主要是讨论特效的拍摄，根据不同道具的制定和场景搭建，进行计划的分配。中期拍摄需要把拍摄元素都进行整合，这就需要导演的能力了，最佳方案就是通过经验的不断摸索，完成所需要的特效镜头。这样子通过人物戏和特效的配合，大大降低的资金投入，和拍摄时间。后期制作，是三维合成的重要环节，通过电子技术把实拍景象和虚拟模型进行结合，进行不断的美化，呈现出一张又一张的图像。 3.2中期拍摄和后期制作 有了前期的方案，中期的拍摄和后期的制作按照计划正常进行，如果发生什么问题，及时进行修改。保证所有的拍摄都是配合导演的，在开机之后，一定要让所需要的人物和模型参与进来，为后期的三维合成提供条件。动画特效在后期制作中非常重要，通过计算机建立一个虚拟的世界，然后按照需要表现的对象尺寸进行场景的铺设。三维技术让模型附上了特定的表达性，最后生成的画面更有视觉效果。 结束语 动画设计作为现在新兴产业，很多人开始进行这方面的发展。但是一定要注意动画特效的运用，保证动画片的质量，提升整个动画电影的竞争力。在多数情况下，动画特效作为整个拍摄的重头戏，配合更加成熟的PS技术进行美化，让整个画面更加具体真实感和代入感，给人们更好视觉效果。动画产业的发展，不仅仅需要技术人员的不断努力，也需要设计人员不断地灵感喷发，相信以后动画产业会有更好的发展。 作者：韩佳秀 申子千 芦晨烨 单位：沈阳理工大学 动画设计毕业论文:色彩对动画设计的运用 摘要:动画设计专业是当前所有专业中艺术与技术结合最完美的学科之一。随着计算机以及网络技术的发展，动画设计专业中的艺术表现方式也实现了多元化发展，这一巨大变化使得动画爱好者们有了更加多样化的艺术表现平台，而且这一变化也极大拓宽了艺术的发展空间。而在动画设计中，对色彩的运用可以让人们对动画产生不同的理解。 关键词:动画设计;色彩运用;多媒体技术 动画设计专业近几年在我国的发展速度相对较快，随着互联网的普及，各个国家的动画设计都实现了互相交流、互相沟通。不管是卡通动画的简洁形式，还是动画的写实神似，都需要有非常准确精美的配色来体现出动画中的人物及人物情感。可以说运用色彩成为动画设计中非常重要的组成部分，它可以帮助观赏者更好地去理解人物的角色、定位，对情节的发展也是起到了推动的作用。但是在实际的动画设计中，如何才能够更好地展现色彩，也成为很多动画设计者都在关注的重点问题。只有正确的运用色彩，才能够真正的提升动画的整体效果。本文主要针对动画设计中的色彩运用问题进行系统性的分析。 1动画设计中的色彩表达 色彩表达的情感色彩不仅仅是动画中非常重要的一个组成部分，色彩的变化会让人的感官和情感也发生变化。一般情况下，人们将色彩分为三大色系———暖色系、冷色系以及中心色系。在暖色系中主要包含了红、黄、橙等颜色;而冷色系包含了蓝、绿、紫等颜色。像中心色系，它包含的颜色就相对单一了一些，目前只有黑、白、灰三种。暖色系顾名思义，给人就是一种温暖的、和谐的、健康的感觉，像红色会让人联想到积极、喜庆、向上、健康，而黄色代表着高贵、尊贵、庄严。但需要注意的是，颜色在不同的动画设计中所表达的含义也不同，只是说从整体的角度对色彩进行了色系的划分，但并不代表这一颜色就只代表一个含义，像刚才说的红色是代表了积极、健康，但是在一些相对特定的情况下，它也代表着警告、恐怖等含义，这一含义往往在遇到大型事件或者是恐怖事件的时候出现的比较多。虽然说色彩具有一定传达情感的能力，但是这种能力的出现还需要观赏者自己去引导、去体会，也就是说观赏者在观赏动画设计作品的时候，自身的实际状况以及情感认知是很重要的。如果此时恰好观赏者的心情不好，处于一种焦虑状态，那么在看到动画作品中有红色的时候，他会感到更加的急躁和不安。但是换一种角度来说，如果此时观赏者的心情很好，在观赏动画作品的时候，不管是看到暖色系还是看到冷色系，他都会用一种积极向上的思维来面对。总体来说，动画设计者需要对色彩情感的表达进行设计的时候，一定要多联系当前的实际情况，让整个动画的色彩情感能够表达得更加清晰、流畅、明确。 2多媒体技术在动画设计中的应用 对于动画设计专业来说，多媒体技术在动画制作以及色彩添加上也体现出了自身存在的价值。在当前的多媒体时代，任何领域的发展都与多媒体技术紧密相关，人与人之间的沟通和交流都和多媒体技术是联系在一起的。在这种多媒体形势下，动画设计专业的教育教学也发生了很大的变化。比如说之前在动画设计专业的教育教学中经常会出现教学依赖讲解教案、一堂课基本上都在写板书，教学资源仅限于教材和一些零零散散的教学教具。而自从多媒体技术融入到动画设计专业中之后，教学也不再完全依赖教案，学生都开始选择多媒体辅助教学，板书的这种教学模式也不再占据主体位置，教学资源也不再局限于教材，而是互联网络，教学资源实现了多元化。在多媒体教学中，对色彩的运用也更加智能化、科学化。教师也逐渐转变了传统的教育教学理念，将多媒体技术融入其中，实现了快乐教学和个性化教学，这种教学模式也让学生的个性和主观能动性得到了最大程度上的发挥。多媒体技术在动画设计这一专业中的运用主要体现在以下几个方法:首先，多媒体教学的信息量非常大，可视化效果也是非常直观，而且这种教学手段与学生之间的互动也是非常频繁。再加上教师不断完善更新自己的教学观念，让动画设计教学更加多元化。其次，动画设计引入色彩的时候，多媒体教学技术可以帮助学生更加精准的使用色彩，让整个动画设计作品更加人性化，学生想要表达的情感和含义也能够通过色彩的添加而凸显出来。多媒体技术能够将不同含义的动画设计作品进行区分，并虚拟添加不同的色彩，以此来找寻出适合动画设计作品的色彩。由此可见，多媒体技术在动画设计专业的作用不容小觑。 3动画场景 在动画作品中，对场景的烘托和渲染非常重要，场景色彩的变换会让人的情感体验更加真实，观赏者会随着场景色彩的变化而跟随人物、故事的情节变化。一般作者想要表达温暖、热闹环境的时候，都会选择暖色系的颜色。而作者想要表达紧张、恐怖的环境时，所选择的色系就会是冷色系或者是中性色系。比如说在设计一个紧张环境的时候，这一环境的整体色调基本上就会被定位偏灰色，整个环境沉稳、孤寂，给人的感觉非常的压力、紧张，就好像这一环境中没有任何生机一样。冷色系和中性色系的加入更让人们对这一动画作品产生了紧张的情绪，这也就是色彩对人的影响最直接的状态。 4情节推动 色彩在整个故事的推动中，会随着故事情节的变化而发生变化，可以说色彩在这时会作为一种动态的色彩来根据故事的发展而改变自身。在很多的动画作品中，作品的走向都是先暖后冷，这种走向一般都随着主人公的发展变化而变化。比如说主人公在动画作品的前半段基本上都是非常善良的，此时的画风基本上也都是以暖色调为主;而当主人公逐渐黑化的时候，此时的画风就会逐渐转变为中性色彩;当主人公完全黑化之后，此时的画风就是完全是冷色系画风。虽然说前半段与后半段的画风差异过于明显，单独来看是比较突兀，但是当联系到动画作品本身的时候，故事情节的发展与色彩的运用又是恰到好处的。故事情节的变化一色彩的变化就形成了非常好的呼应。整个动画作品中故事的演变与色彩的搭配之间也看不出任何有突兀的地方，这也就很好的体现了色彩对动画作品的渲染作用。 5结语 本文主要针对动画设计中的色彩运用进行了系统的分析，并将多媒体技术在动画设计专业中的运用进行了阐述，色彩在动画作品中所起的作用非常关键和重要。它不仅可以体现出动画作品中的人物关系，而且还能够真实的表达动画人物的情感。除此之外，还会随着动画作品中故事情节的变化而发生改变，从而起到渲染动画作品的作用。在动画作品中合理使用色彩可以让整个动画作品想要表达的情感更加的自然生动而又合乎情理，让观赏者对动画作品产生更好的认知体验。而对于动画设计者来说，运用好色彩基本上就可以完成一部非常好的动画作品。 作者：刘靓 单位：内蒙古商贸职业学院 动画设计毕业论文:移动数字媒体动画设计研究 摘要：近年来，人们对信息质量及数量的需求随着社会科技的发展与日俱增，因此，数字媒体也就同时应运而生。本文笔者通过以数字媒体为出发点，分别介绍了现今数字媒体的定义、设备情况、人们对数字媒体的需求以及数字媒体硬件开发情况，进而探讨了移动数字媒体动画设计。 关键词：数字媒体；动画设计；移动数字媒体设备 前言 知识经济时代的到来，使得人们对信息的需求量也越来越大，然而报纸、期刊、书籍等传统媒体已无法满足。时代造就产物，因此，数字媒体崭露头角。它以惊人的速度渗透进我们的生产生活中来，比如教育、医药、军事、科研等诸多领域。本文则就数字媒体进行一些展开介绍，进而对数字媒体动画设计进行探讨，借以希望给相关工作人员提供一些帮助。 1、数字媒体的定义 从大方面讲，即广义来说，数字媒体主要是一类信息载体的总称，这类信息载体是以二进制的方式进行工作，进而完成信息的输入、存储以及传送，数字媒体将信息数字化。从小方面讲，即狭义来说，数字媒体就是具体的媒体形式，即数字化的图像、文字、动画以及音频等。 2、数字媒体的设备情况 数字媒体需要一定的设备作为其载体来完成其传播。数字媒体不能单独进行工作，因为它只是数字化的信息。数字媒体的设备随着时代的需要也几经变化，从最初庞大、移动性差的设备演变成现今多样的便携式可移动设备[1]。移动手机、笔记本电脑、ipad、掌上游戏机、电子阅读器等移动数字媒体设备在我们生活中随处可见。当然，众所周知，使用最广泛的移动数字媒体设备是智能手机，并且，它的使用人数以迅猛的速度逐年上升。有报道称，截止至2015年，中国手机用户量已超过7亿。使用手机人群的增加给手机技术的开发和创新带来了新的机遇与挑战。 3、人们对移动数字媒体动画设计的需求 动画产品质量的好坏也已经成为人们关注的重点。动画的产生是以一幅幅图像为基础，而图像的制作是数字媒体技术开发内容中的重要项目。图像主要有两种形式：静态以及动态。单帧的图像构成了静态图像，而一系列多帧的图像不间断的播放则构成了动态图像，即所谓的“动画”。现阶段，政府大力促进动画产业的发展，同时，提倡服务产业外包。在这种情况下，如果培养和塑造大量移动数字媒体动画设计方面的专业人才，那么一定会带来巨大的经济效益和社会价值。重要的是，要想在现今动画市场竞争激烈的形势下脱颖而出，对于思考怎么摆脱传统的常规设计模式，打破固有的老旧思维方式，设计出题材新颖、质量上乘的动画作品才是当务之急。只有这样才能和市场的需求同步，才能在新媒体时代力争上游。 4、移动数字媒体硬件开发的环境 任何工作都不能脱离环境而独自进行，移动数字媒体的开发也不例外，硬件以及软件则是数字化设计的专属环境。对于移动数字媒体动画设计来说，它设计所采用的方法以及使用的工具会随着移动终端的不同而有所变化[2]。移动终端主要有4大类，接下来会对其进行介绍。 4.1安卓移动终端产品 安卓是一种手机操作系统，现今被广泛应用在多种手机中，例如中兴、小米、华为、联想等，它主要是以Linux平台为基础。它的适用领域现在不是只局限于手机，平板电脑领域它也在逐渐渗透。 4.2苹果移动终端产品 苹果公司推出的数字终端产品使用区别于其他同类产品的硬件环境，例如iPhone，ipad等使用的通常是Macbook，iMac等苹果公司推出的电脑。 4.3WindowsMobile移动终端产品 以WindowsMobile为平台的移动终端数量十分庞大，因为它能够使得用户很快学会如何操作界面，不需要太多时间去学习。在PPC手机以及PDA等便携式设备中被广泛使用，它的硬件环境要求不高，通常的笔记本电脑就能应用。 5、移动数字媒体动画设计 动画设计的软件平台由于移动数字媒体的硬件环境不同会有所变化。其主要有两种，一种是需要美术设计人员和编程人员协力合作的。美术设计人员先负责将动画一帧帧画好，然后编程人员利用一定的编程软件使其连续播放。J2ME通常是这类编程软件的最佳选择。另一种是完成由美术设计人员负责，主要是通过使用FlashLite软件来完成。J2ME作为动画设计的开发环境的一种，其具有很多优良的特性。它安全性高，代码能够保持极大的完整，最为重要的是，代码的传输速度很快。现阶段，J2ME的商业领域也在不断开拓，因为移动数字媒体的需求越来越高。其设计动画的简要过程如下：工作人员最先应该制作环境所需要的开发工具，然后进行环境配置。接下来需要进行源代码的编写，进而生成相应的Java文件。最后用Canvas进行动画的制作。在图片制作时，有时会出现闪烁现象，即图片在极短的时间内进行刷新和重绘。因此，在动画设计时，要充分对效果和速度进行考虑，计算出一个平衡值进而达到优化图像的作用。 6、结语 移动数字媒体中的动画实时性很好，并且有很好的互动性，在数字化媒体快速发展的时代，已逐渐变成流行形式的一种。随着科学技术的快速发展，动画设计技术在未来也会得到更大的提高和进步。 作者：赵胜瑞 于群 母长领 单位：沈阳理工大学 动画设计毕业论文:动作脚本交互式动画设计分析 【摘要】Flash具有交互性的特征，通过脚本语言构建交互式flash动画，有助于优化flash动画集成制作。灵活使用动作脚本，让学生具备了flash动画制作能力，制作出更多优秀FLASH作品。分析了基于动作脚本的交互式动画设计，促进交互式动画设计有效进行，完善具体理论知识，也希望这次研究为实际设计提供一定的参考和帮助。 【关键词】动作脚本；交互式；动画设计 从实质层面上看，动作脚本也即Flash提供给我们的一些运算符与对象。Flash中脚本命令被简单地称之为工作脚本，英文表示为ActionScript。Flash的应用，为我们营造了更多逼真的动画效果，让交互性变成可能，当点击按钮，便可实施人机交互，这便需要使用到动作脚本。代码控制在动作脚本中，组成了Flash交互性不可缺少的一部分。将动作脚本方法应用在Flash，简单地划分为以下两种形式，一种形式是，将脚本编写到对象上，如，影片剪辑元件，另一种种形式是，将脚本编写到时间轴上的关键帧。 1Flash中不易分清的概念 FLASH动画的各个对象的位置关系是按照一定的层状结构展现各对象间的位置关系。其根为场景。各场景是相对独立的动画，FLASH设置各场景播放顺序，逐个衔接各动画场景，所以我们看到的动画是持续的，在编辑过程中，各场景实例是不能够应用在其余场景中的，最好应用在相同场景编辑中。对场景播放顺序，设置时，借助窗口一面板一场景。对具体的一个场景而言，和其余场景结构是相同的。均涵盖了一个或多个图层。 2动画的设计与实现 2.1动画实现的目标 动画多是为了让文字紧随鼠标来变动，以鼠标作为圆心，进行圆周运动，此外，文字颜色表现出色彩变动。 2.2动画原理的分析 ①窗口鼠标、文字、舞台坐标间的位置关系。鼠标移动同时，文字也要移动，同时围绕鼠标做圆周运动，文字坐标值指的是圆周上的某点。鼠标坐标值紧随鼠标移动而改变，同时，文字鼠标值也相应发生改变。默认的坐标原点O:(0，0)位在窗口左上角，圆心O:(h，k)代表鼠标在窗口舞台上的坐标值，在坐标系中，也就是将圆心O不再是，而被移到了(h，k)。按照圆心O:(h，k)，再次将直角坐标系构建起来，P点表示的圆心为点(h，k)，半径为r，为圆上一点坐标，是文字坐标位置所表示的区域。鼠标的坐标值(h，k)、P点的坐标值(x，y)二者之间的关系可用下述公式来表示：。事实上，Flash里对三角函数里的角做出了规定，其单位要为“弧度”，1度与π/180弧度是相等的，Flash中的P点的坐标可用下述公式来表示：arkyarhx180/.(sin()),180/.(cos()。在本次获得的动画效果中，需要的文字对象数目为N个，以鼠标为中心做圆周运动，圆周上面的平均分配的P点坐标数目需要N个，各P点坐标的表示则为：180/())./360sin((.)),180/()./360cos(()xryiNhriNkfalse[1]。圆周上的i代表的是圆周上的第几个文字。应当引起主要的一点是，P点坐标指的是文本域注册点的坐标值，在实践当中，要将文本域中心点移至P点位置。②关键的处理函数。Math．random()函数能够形成随意的小数，处在0～1间，Math．round()函数以四舍五入的形式获得相似整数，两者整合起来，应用在文字随机颜色创建中，让文字颜色不断表现出色彩变换；对addEventListener事件侦听函数，当有数值出现改变，其按照变化后的数值对其余变量数值做出新的计算。 2.3动画实现的流程 第一步，新建Flash文档，把舞台大小设置为550px×400px；第二步，新建影片剪辑元件，将其名字命名为apple，把眼球图形绘制到元件编辑窗口中，设定其半径为50，采用对齐工具，在眼球圆心中放入注册点，和途中的点B(a，b)保持对应关系；第三步，绘制左圆形眼眶，左眼眶中心(150，150)，绘制右圆形眼眶，右眼眶中心(400，150)，半径R=100，全部放置在场景编辑窗口中，和点A(m，n)保持对应关系，如图1；第四步，将2个apple元件实例于库面板中拖出来，一个命名为left_apple，表示左眼球，另一个命名为right_apple，表示右眼球；第五步，根据以动画原理分析为根据，同时结合获得的计算公式，将相应代码添加至图层1的第一帧中；第六步，装饰动画，把眉毛添加到眼睛上，同时将含微笑的嘴巴放到眼睛的下部，显得更逼真；第七步，经过测试，并得到影片，如图2[2]。 3结论 本次研究使用了Flash的动作脚本，让交互性动画生动地呈现出来，对脚本中的部分参数，做出设置，生成各种动画效果，如，变量d能够对文字的转动频率实施调控，计算公式d+=0．05中，0．05数值发生改变后，产生的文字转动频率是不同的，值变小，文字转动变慢，值变大时，文字转动变快，+/－号在公式中可以对文字的转动方向进行调控，变成顺时针/逆时针；文字字号大小设置公式公式format.在文字转动过程中，同时将文字调下或调大。像上述设置，结合实际需求，做出相应调整。切实掌握动作脚本，便能营造出各类交互性动画效果。 作者：迟文祥 单位：陕西国际商贸学院

校园电影育人离不开各类生态圈的构建，需要汇聚校内、校际、区域教研和不同领域的专门力量，形成合力，共同努力。电影是融合音乐、美术、文学、戏剧等多种艺术表达形式，借助现代影视技术，通过银屏传达信息、故事、思想、价值等内容的一种综合艺术作品。优秀的电影作品具有较高的育人价值，能促进中小学学生的全面发展，受到了各方面的重视。2018年，教育部、联合了《关于加强中小学影视教育的指导意见》，文件中指出要提高学生的集体观影量，增强教师、家长对影视教育的关注度，这为校园电影育人带来了新的发展契机。“校园电影育人”是借助有效策略和方法，连通学校的课程体系和活动安排，推进电影在校园中的深度应用，最终在中小学校园生活中更好地实现优秀电影作品对学生的育人价值。值得关注的是，近年来一些省市地区在中小学校园中部署了院线，开展校园电影育人工作，这拓展了电影育人的空间和时间，还为电影融入学校日常的课程与教学工作，发挥更大的育人价值提供了可能。然而，校园电影育人工作仍面临问题和挑战。对于校长、教师而言，如何落实这项工作，积极达成校园电影育人的目标，需要有深入的思考和探索。本文介绍了校园电影育人工作推进过程中的一种认识偏差、三类推进成本、两种衔接问题，并提供了相应的思考和建议，以期为推进校园电影育人工作的相关人员提供参考与借鉴。 一、对于电影育人的一种认识偏差 电影的育人价值目前仍存在争议。有研究者指出，电影等影视作品中，充斥着广告渗透、暴力画面、戏说历史等问题，容易对青少年的价值观带来负面影响。［1］但同时，电影的育人作用也得到了不少人的认可。有研究者认为，“电影既能很好地适应青少年身心需要，又具备强烈的时代特色，且能和整个学校教育及人生成长相得益彰。”［2］这两种看似矛盾的观点背后实际是对电影育人的一种认识偏差。电影的育人价值不是天然存在的，实现其价值需要通过一定的教学处理。由此，在推进电影育人过程中，要避免认识偏差，不能将电影的育人价值与其他价值混淆。“电影育人”的概念是选择优秀的电影作品，通过多样化、有目标的教育处理，以多种育人形态实现电影育人价值的过程。电影育人离不开校园，在物理空间上电影育人可以分为校内与校外，校内是主战场，而校外是校内的影响延续和重要补充。当中小学生的人生观、价值观、世界观尚未完全形成时，电影育人需要学校的支持，需要教师的精心处理，需要用系统化、科学化的方式实现学生价值观的正确塑造。其中，学校是推进电影育人的重要中间环节，承担整个育人体系的架构与保障，教师是电影育人的关键实施者，负责具体的实施。校园电影育人不能仅仅停留在简单观影上。观影不仅是一种形态，还需要融合了正确价值观而开展的多样活动或课程，包括学科融合、探索幕后、电影评论、片段赏析、实践拍摄、原著阅读等。 二、推进校园电影育人的三类成本 在正确认识的前提下，校园电影育人的推进仍非坦途，在具体过程中需要注意各类问题，其中尤以三类成本问题较具代表性，包括课程教学成本、师资培育成本、管理保障成本。 （一）课程教学成本 由简单观影走向专门的电影育人课程教学体系是提升校园电影育人质量的有效途径。有专家认为，“课程体系建设是我国中小学电影教育的核心。”［3］这一过程中需要考虑成本问题。（1）课程体系建设存在难度。课程建设的具体工作是复杂的，包括师资培育、学生培养、课程优化、成果输出等，这些都需要大量投入。例如，成熟课程的培育是师生长期互动的结果，需要时间成本保障课程建设中师生的磨合。又如，稳定的人员保障也是一门成熟课程背后的重要成本，不少学校曾经也建设过影视课程，有过影视教师，但是随着学校转型、领导调整、教师退休等问题，这类课程难免受到影响。（2）教学方式需要转型。在将优秀电影育人价值传递给学生的过程中，师生、生生的深度交流是核心，教师需要通过生动的形式将自己对电影的理解传递给学生，学生需要积极主动地参与到教学活动中，从老师和同伴身上获得更多的信息和想法。显然，在此过程中，传统的讲授式教学可能是低效的，这就需要突破传统课堂中“对错分明”“非黑即白”思维，转变教学方式，让学生慢慢地体会电影中影像、音乐、人物的感染力。 （二）师资培育成本 电影育人中直接面对学生的意见领袖之一是教师，专业师资队伍的匮乏是制约电影育人工作的重要原因，这体现在以下两个方面。（1）教师缺乏影视专业背景。教师队伍中很少有电影专业背景的人员，开展电影育人一般需要教师接受额外的培训。而脱离本职工作去学习影视教育专业知识、参加影视教育培训，就需要专门的职后培训体系和相关资源保障。（2）电影育人需要团队合作。首先，校方管理层、电影放映员、学科教师、信息技术员、教务人员等都是电影育人队伍的重要组成部分，一个都不能少；其次，电影是一种综合艺术作品，其需要跨学科的转化，所以电影育人活动不是某个学科教师的独角戏，需要不同学科教师的参与；最后，校外的专业力量也十分重要，需要与相关指导单位、校外专业团体构建合作关系，引入“外脑”来推进工作。 （三）管理保障成本 电影育人工作的实施离不开学校的管理和保障，这其中也存在着成本问题。（1）观影组织。大部分学校在组织观影时要考虑版权片源、观影场地、放映条件等问题，尤其值得关注的是安全问题，如交通安全、火灾隐患等。若在校园中专门设置观影场地，其场地建设或改造、放映设备购买及维护等也是需要成本的。（2）活动保障。与观影配套的各类课程、活动都需要校级层面的有力保障。一方面，学校需要统筹安排，为电影育人活动留出一定的课时；另一方面，一些相关的课程、活动对拍摄制作设备、场地配置、教学资源等要求较高，仅依靠教师较难解决，需要学校统一提供保障。 三、关注校园电影育人中的两种衔接 除了关注系统内的成本问题，在推进校园电影育人过程中，不同学段的衔接问题、不同专业领域的衔接问题同样值得引起关注。 （一）学段间的衔接 电影育人需要在尊重教育规律的基础上开展。小学、初中、高中阶段学生的认知水平、动手能力、学业压力等存在差异。一方面，小学、初中阶段更适合开展以观赏和体验为主的电影育人活动，可以适当重复教学的内容以助其直观学习、加深印象；另一方面，高中阶段是培养学生创新素养等能力的重要阶段，且高中生心智相对成熟［4］，因此可以在影视鉴赏课程的基础上开设拍摄、后期制作等课程。除了基础教育阶段的学段衔接问题外，还要关注与高等教育阶段的衔接问题。目前高等教育阶段《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》要求普通高校开设“影视鉴赏”等公共艺术课程。但在中小学中这类课程并未普及。再者，即使开设了这类课程，由于考试和升学压力，课时也易受到影响。不可否认有一部分影视艺术特色的学生参与艺考，其学校在影视艺术课程的课时、内容、师资上会有专门保障，但这种情况仅是专业教育的衔接，尚不构成整体结构性的改变。 （二）教育与文化领域的衔接 电影是文化领域中的重要组成部分，电影育人离不开文教结合，需要借助文化产业界的力量来推动，但目前教育与文化领域的双向衔接存在一些问题。一方面，教育领域中往往更重视电影在德育、美育、智育等方面的整体功能，而对专业的电影知识强调较少。同时，电影行业对于人才培养的专门需求未直接反映在中小学的课程中，电影专业知识在中小学更新少、授课少、实践少，造成了与文化领域人才需求的脱节。另一方面，文化领域的专家对中小学教学现实存在认识不足的问题。中小学的课程设计、课堂教学、学习评价等的落实需要标准和流程，需要学校作为主体开展符合校情、学情的课程与活动。但文化领域的专家对这些中小学教学的实际情况并不太了解。 四、校园电影育人推进工作的建议 推进校园电影育人的过程中，学校需要统整工作、因地制宜、调动资源，并构建不同的生态圈。 （一）连通学校课程体系，构建校内生态圈 电影育人工作不是额外的附加，需要与学校的课程体系、教学工作、德育工作等相融合。如上海闵行区田园外语实验小学成立了信息技术协调小组，把基础型学科、信息技术教师、电视台教师纳入小组中，定期开展影视培训，组织开展校园影视剧制作。在这样的氛围中，教师也通过影视专业知识的学习，拓宽了教学思路，不断创新课堂教学方式，形成了其在各类评比中的竞争优势。受到这些正向反馈的激励，学校管理层和教师团队积极开展“电影+英语”“电影+语文”“电影+艺术”等跨学科的结合。 （二）增强学校交流，构建校际生态圈 通过梳理本校电影育人活动的做法和经验，在校际间交流，可以相互借鉴，从兄弟学校的案例中找到工作推进的新思路和新路径。比如华东师范大学附属第四中学推动电影育人，建设专业的拍摄场地，鼓励优秀的信息技术教师开展影视社团和电视台工作，积极支持其他学科的教师和学生拍摄微电影，尤其是制作拓展型、研究型课程专题视频，影视作品多次获奖。校长支持、团队合作的和谐氛围对影视教育的发展形成了良性循环。该校的经验通过各类活动在校际间传播辐射，起到了引领的作用。 （三）联动区域教研，构建教研生态圈 部分学校的电影育人工作基础较为薄弱，需要教研力量的介入；学校教师专业发展需要市级、区级教研带动。区域教研为校园电影育人的推进提供了专业力量的支持、专业知识的交流、教学经验的传播。比如上海静安区艺术教师团队在区教研员领导下开展影视教师工作坊项目，实现教师团队专业发展的“三部曲”。工作坊的第一部分是充分利用影视特长教师对团队成员进行拍摄培训，开展剧本、分镜头、实体拍摄、摄影设备等主题内容培训，在教研员的指导下形成剧本；第二部分是教师分组形成团队，根据培训知识组织拍摄，制作团队影视作品和作品拍摄微报告，讲述拍摄流程和体会；第三部分是开展教师拍摄影视作品展映会，展映后讲述小组微报告，邀请第三方专家观摩点评，并形成相关研究论文。在这“三部曲”后，教师把自身接受的知识和经验汇总，融入到课堂中教授学生。一轮工作坊后，小组成员重新组合再次创作，以巩固之前所学相关影视知识技能，由此得到可持续的专业发展机会。 五、结语 在电影育人日益受到重视的大背景下，我们应该从实际推进的角度认识现状、厘清问题、梳理脉络、降低成本，构建电影育人生态圈，最终在中小学校园生活中更好地实现优秀电影作品对学生的育人价值。 参考文献： ［1］梅平乐，杨永刚.影视传媒对青少年价值观的负面影响与对策研究［J］.开封大学学报，2004（4）：30-32. ［2］周星.青少年影视教育的历史使命与实施路径［J］.浙江师范大学学报（社会科学版），2019，44（2）：58-64. ［3］刘军，陈圆圆.中小学电影教育课程体系建设原则的思考［J］.电影评介，2018（1）：1-5. ［4］桑子文.浅谈基础教育阶段的文化创意课程发展——以上海市田园高级中学为例［J］.文化产业导刊，2018（6）：67-70. 作者:桑子文 刘嘉秋 朱丹丹 张杰 单位:上海市教育委员会教学研究室;上海健生实业股份有限公司;上海新华数字电影院线有限公司

艺术设计论文范文:传统文化因素中艺术设计论文 1我国传统文化与艺术设计的有机联系 1.1我国艺术设计的现实情况。 相对于西方地区，我国的艺术设计起步很晚，主要得益于近代史上西学东渐的浪潮中，大量留美留欧的优秀人才把西方的设计文化与设计艺术带到了中国，尽管后来这种设计艺术不断吸收中国的文化因素，但自诞生起我国的设计艺术就具有西方化的色彩。现代科学技术的发展，设计艺术又出现了质的飞跃，传统文化因素的优秀成果与现代设计艺术开始出现分割、断裂的态势，这就需要引起相关人士的反思。 1.2传统文化与设计艺术。 表面上看，传统文化与设计艺术毫不相干，但实际上，传统文化因素可以为设计艺术提供创作源泉和设计灵感，传统文化因素融入到设计艺术之中，所设计出来的艺术作品会更具民族风格和艺术风采，现代设计艺术应该传统文化因素进行继承、吸收和借鉴，发扬优秀文化成果，弘扬民族特色，而不是对传统文化因素进行排斥和抛弃。假如艺术人士完全告别我国传统文化进行艺术设计，所制作出来的产品就会显得不伦不类，艺术风格也会磨轮两可，最终的艺术创作也会是无泉之水无本之木，毫无生机可言。 2设计艺术可供利用的传统文化因素 我国数千年的历史发展、多民族的相互融合，沉淀出了人类历史极具民族风格的传统文化。我国的同传统文化始终是前后相承的，中间没有出现断裂、消亡的情况，大量的文化因素都可以为现代生活和社会发展提供指导、帮助和借鉴。综合起来，可供我国设计艺术进行开发和利用的传统文化因素有如下几种： 2.1书法艺术。 书法艺术是我国独有的方块字艺术，能把汉字书写成造型艺术，全世界中独一无二，仅有汉字可以做到。汉子经过了数千年的发展和延续，经历了金鼎文、甲骨文、小篆、隶书、楷书、行书的演变，呈现了无数的书法艺术家，涌现出了大量的文字艺术作品，这些作品都是历史瑰宝，不同的字体、风格各异的作品，都可以为设计艺术所利用。民国初期，很多设计艺术家大胆采用我国文字元素，渲染了民族清洁，在民族危难之际传承了历史文化，助长了中华民族的志气，提升了民族信心，这种做法现代设计界也可以积极采用，在经济全球化的浪潮中弘扬民族特色。 2.2绘画艺术。 国画也是一种艺术奇葩，我国的水墨、山水、人物绘画一直有着至高的艺术造诣。我国绘画讲究的是气韵生动、应物象形、随意赋彩，往往使用的简单的色彩搭配就能画出不朽的艺术作品，比如齐白石画虾、徐悲鸿画马、张善子画虎、郑板桥画竹，等等，这种艺术风格在现代设计学界应具有生命力，是对过分使用色彩、图像、和造型的有益补充。 2.3印章和雕刻。 印章和雕刻艺术，又是我国传统文化的艺术成果，彰显了我国传统文化的多样化和艺术性。值得高兴的是，现阶段不少设计者已经大胆采用我国传统的印章和雕刻文化，进行艺术创作，涌现出了一些经典作品，比如在中国移动的3G标志中，就用水墨元素创作出了“G”的水墨标志，并且用传统印章的造型将“3”表现出来。这个造型整体上有着大气的视觉冲击，并且在颜色搭配上让人眼前一亮，是传统文化与现代文化有效结合的设计杰作。这个作品就可以看出我国传统文化因素的艺术魅力，传统文化在现代社会中仍然具有旺盛的生命力，只要专业人士敢于利用、勇于借鉴、智于开发，传统文化就不会沉积在历史档案之中，会重新焕发出艺术生命力。传统文化因素无处不在无处不有，如何使用，就得看专业人士的眼光和技能。 3传统文化在设计艺术中的应用方式 现阶段我国设计界人士不应排斥传统文化因素，而是应把这种宝贵的文化财富积极应用到设计创作之中，更新设计理念，把民族特色、传统艺术风格与现代设计理念进行有机联系，创作出属于中国特色的艺术作品。 3.1传承传统文化的思维方式。 我国传统文化的思维方式的特征表现为整体性、辩证性、因果循环性，其注重事物内部的辩证统一及相互联系，注重综合及归纳。因而，艺术设计需顾全大局，设计过程中，不能顾此失彼，而是顾全大局，就算追求层次美，亦要使得此次间错落有致、互相照应，正是这种思维方式，才使得艺术设计作品具有艺术性及可欣赏性。 3.2积极运用传统文化因素。 在艺术设计中体现出文化底蕴，则必须用传统文化的文化符号来装饰。这些文化符号有着传统象征内涵及比喻意义。其经历过岁月的洗涤，渗透着浓郁的历史凝重感，及拥有强大的生命力。可以说，传统文化在现实生活中无处不在，将其融入到艺术设计中，体现出了现代生活环境的古朴典雅。 3.3继承传统文化的陈设艺术。 我国传统的陈设艺术，已经成为了东方的一大亮点，其蕴含着两大品质，即：庄严典雅的气度，潇洒飘逸的气韵，象征超脱深奥的灵性意境。对传统文化中的陈设艺术的继承，是人性化设计的根本归属。艺术设计不能忘记传统，亦不能照搬传统，而是要继承，且要继往开来。 4结语 总之，文化因素的连续、连贯和继承的，我国传统文化汇集了历史发展中的文化资源，这些资源在现代社会中理应得到再次使用和发扬光大。我国传统文化由于在历史上具有独特的地位，一些国家和民族难以超越这种文化，这是值得我们骄傲和自豪的地方。设计艺术是现代生活的一部分，故此，我国设计学界应正本清源，与过分崇洋媚外的思潮作斗争，积极利用传统文化因素的优秀成果，创作出具有民族特色的艺术作品。 作者：刘书巡 单位：黑龙江煤炭职业技术学院 艺术设计论文范文:高端人才培养下艺术设计论文 一、2012、2013年上海CCI结构及发展规模分析 上海“国际文化大都市”和“设计之都”的战略目标，为艺术设计业发展创造了良好的建设氛围。2012年，上海CCI中工业设计、建筑设计业增加值分别达196.54亿元和301.93亿元，共占CCI增加值总量的22%，分别比上年增长15.3%和11.8%，对CCI增长的贡献率达到27.1%（见表1）；从表2、表3中CCI服务业总产出以及增加值比重来看，艺术业和工业设计、广告及会展服务业年增长率均超过15%以上，带动了整个CCI的迅速发展。2013年上海CCI增加值对本市经济发展的贡献率进一步提高，产业新业态发展迅速，产业发展氛围浓厚。动漫产业初具领先优势，如：上海入选文化部“2013年国家动漫品牌建设和保护计划”的动漫品牌和动漫创意项目达11个，位居全国各省市首位；设计产业与品牌建设、科技创新、文化原创等方面呈现加速融合趋势，一批上海原创设计产品获得IF、红点、红星等国内外知名奖项；上海家化和指南设计两家企业获得首批国家级工业设计中心、老凤祥获评“最具价值中国品牌100强”第58位，位列中国珠宝首饰业第一；上海动画制作企业形成联盟，通过与海外企业开展合作，开创中国原创动画电影集结进军海外市场的新里程。 二、CCI视阈下上海文化创意技能人才占有现状 我国第一个全国人才工作指导性文件——《国家中长期人才发展规划纲要（2010-2020）》提出：“走新型工业化道路、优化产业结构升级，提升以技师、高级技师为重点的高技能人才队伍的职业素质教育，预计到2020年，该高技能人才队伍规模达3900万人左右，其中每万名技能劳动力中的高端技能人才占比例为28％，人数达到1000万人左右”。与此同时，CCI视阈下国家产业政策业已由“中国制造”调整为“中国创造”，占区位优势的地方政府，都不同程度的建立了以创意产业为支撑点的CCI长期规划，但是高端技能人才的大量缺乏却是制约这一产业规划品质发展的瓶颈。统计数据表明：日本东京从事CCI的高端技能人才占工作劳动者总人数的15%，伦敦14%，纽约达12%，上海不足于0.1%。由此可见，上海高端创造性技能人才占有缺口较大，目前的人才状况远远不能适应CCI发展规划的客观要求。根据上海市CC“I十二五”发展的主要任务，加强CCI技能人才队伍的建设，完善该技能人才的培养、引进以及服务机制，为CCI发展提供有力的人才保障。CCI是一种复合性的知识密集型产业，需要大量的跨学科、跨领域的复合型人才，加强高端技能创意人才的培养，是上海艺术设计教育界面临的新挑战与机遇。 三、上海市本专科院校艺术设计类技能人才培养现状 为了更好地了解上海艺术设计类技能人才培养现状，项目组收集了2014年上海市本专科院校艺术学科专业的基本数据进行了统计分析。上海22个艺术类学科专业，主要集中在视觉传达设计、环境设计、工业（产品）设计、服装与服饰设计、数字媒体艺术等方向。专业布点共有133个，本科院校的75个艺术设计类专业布点主要集中在上海视觉艺术学院（9个）、上海大学（7个）、上海师范大学（6个）、上海应用技术学院（5个）、东华大学（5个）、上海工程技术大学（5个）、上海理工大学（4个）等。本科院校的专业体系构建，表现为专业设置数量不多，专业方向少。其中，没有独立设置装饰艺术设计、电脑艺术设计、珠宝首饰设计与制作、装潢艺术设计、游戏设计与制作、展示设计、多媒体设计与制作、交互媒体设计等专业方向。本科院校中上海视觉艺术学院所开设的专业占到该校全部专业总数的41%，占到本科类院校专业总数的64%。其他综合性院校的艺术类专业设置比例较小，如上海交大、同济大学、华师大、华理工等，都只有1-2个专业。高职院校的58个艺术类专业布点主要集中在上海工艺美术职业学院（14个）、上海出版印刷专科学校（7个）、上海电影艺术学院（6个）、上海电子信息职业技术学院（4个）、上海东海职业技术学院（4个）。在专业体系构建上着重反映社会分工的最新职业、产业结构变迁以及经济制度变革所需专门人才的规格和要求，具有明显的市场导向特征。其中，上海工艺美术职业学院所开设的专业占到该校全部专业总数的64%，占到专科院校专业总数的82.4%。由此可以看出，本科院校艺术类专业设置偏重于综合性的艺术人才的培养；高职类院校的专业设置相对更加具体化，比如影视动画、广告设计与制作、装潢、装饰艺术设计、应用艺术设计等，更注重实践和实际的操作技能人才的培养。但是统计数据也显示：上海艺术设计类高端技能人才的缺乏与CCI发展规划的人才需求类型极不匹配、高端技能人才的培养与上海CCI十二五规划的战略目标建设存在一定的差距，作为培养高技能人才主力军的高职院校，急需拓展艺术设计类高端技能人才培养思路与模式，以适应上海CCI的发展。 四、高职艺术设计专业高技能人才培养原则 《国家中长期教育改革和发展规划纲要(2010-2020年)》教育方针：必须大力发展职业教育体系。纲要提出政府必须切实将经济社会发展、产业发展规划纳入到职业教育体系中去，以促使职业教育的专业设置、教育规模与经济社会发展的需求相协调，统筹兼顾职业教育发展。计划到2020年，形成适应产业结构调整以及经济发展方式的现代职业教育体系，满足地方CCI发展规划对高技能型人才的需要。 （一）依托本地域CCI发展 高职院校必须依托本地的CCI发展架构，结合地方CCI发展政策，培养与地方CCI发展对接的高端高技能人才群体；同时按照优势互补、利益共赢的原则，结合自身强势学科优势，拓展CCI文化项目合作，打造适合本地域CCI发展的特色高端技能专业人才，突出适应地方CCI发展的专业办学特色，构建推动当地CCI发展战略的目标高技能人才培养思路。 （二）调整专业结构，提高内涵建设 强化高职院校艺术设计专业结构调整和专业内涵建设，依托就业市场需求情况，调整已有的教学计划、教学大纲等专业课程体系，拓展有利于高技能人才综合素质开发的的人文素养能力的培养，注重培养学生职业素质、应用能力的协调发展，树立“以技能为依托、以能力为本位、以知识为基础、以素质为目的”的“四位一体”的高技能人才培养思路。 五、CCI视阈下高职院校艺术设计类高端技能人才培养模式 高职院校肩负着培养面向服务、生产、管理和建设一线需要的高技能人才重任。艺术类高等职业教育作为培养高技能人才的主要基础力量，必须结合地方CCI发展规划纲要，提高高技能人才培养质量，为加快地方CCI发展，培育一批具有精湛技艺、创新能力的、“下得去、用得上、留得住”的高技能人才。 （一）制定个性化培养目标 随着地方CCI市场的极大繁荣，社会对高技能人才出现了多元化需求特征，不同层面的CCI规划，具体的人才培养目标，需求各不相同。比如：设计管理人才、设计创新人才、设计应用人才、设计策划与推广人才等。以上人才在共同的艺术设计学科培养目标基础上，还存在一定的个性化培养目标的要求。比如：设计管理类人才需要具备一定的文化营销、经营管理等学科背景；设计创新类人才则更加注重“逻辑＋思维”的“头脑”服务符号特性，通过借助艺术设计手段，创作出符合市场需求的高级原创性创新作品能力；设计应用人才则是需要对新材料、新工艺等具有较高的敏锐性，强调实际应用能力的培养；设计策划与推广人才则更注重把握设计的总体定位、设计成本的测算、营销、拓展传播、以及其他衍生产品的推广等。不同的高端技能人才需要制定相适应的个性化的培养目标。艺术高职院校必须构建以高技能为导向的个性化人才培养目标，推行个性化高技能人才培养方案，实现人高技能人才教育的多元化、个性化培养目标的实现。在实践方面，上海工艺美术职业学院先后与全球华人设计界中规模最大的台湾浩汉工业设计公司、国内数码制作行业标杆企业水晶石数字科技有限公司和全球最大市场营销传播服务集团WPP合作建立了水晶石数字艺术学院和WPP学院。全面对接企业用人标准和工作流程，开展深度的办学改革与创新实践，突破现行艺术设计专业以单纯设计制作为培养目标的局限，将学生创意设计能力（Design）延及市场分析（Marketing）、策略思考（Strategy）、售后服务（Service），培养基于产业全流程的职业素养，提升学生从业层次。 （二）推行“导师制”模式 “导师制”培养模式是高职院校实施“专业分向育人、学科分层施教”，培养高端技能人才教学改革的有效载体。高职院校需要积极组织动员师生参与、制定具体的“导师制”实施细则、成立“导师制”领导小组、完善“导师制”培养机制、评价机制以及导师的资格认定、学生的选拔、“导师制”高技能人才培养目标以及教学计划的实施等培养模式的论证等。确保导师在学生高技能人才培养中的指导作用的实现。2014年6月26日央视新闻联播报道：国家相关部门目前正在制定政策，未来我国职业教育将设置本硕博学历体系，这将为我国职业院校的学历教育推广“导师制”人才培养模式奠定了政策基础。 （三）加强学生动手能力的培养 动手实践能力，对于艺术设计类高技能人才的培养尤为关键。德国的“包豪斯”教育模式，是培养学生动手能力的典范，该模式提出了“工厂学徒制”的教学改革理念。“包豪斯”教育整个教学过程历时三年半，他强调重视设计工艺技艺，而非传统的美术课堂教学方法。学生最初半年接受、预科学习，主要学习“材料研究”“工厂原理与实习”“基本造型”三门课。然后参照学生自身特长，根据学生学习状况，进入后三年的“学徒制”教育学习，学习合格者发给“技工毕业证书”。技工毕业者可继续留下从事职业工作，成绩优异者可继续进入包豪斯的“研究部”进行实践，直至毕业获得包豪斯文凭。包豪斯设立了各种工厂，如同我国现在很多艺术类院校设置的“融合学工内涵的项目工作室”制度，工作室从事指导的既有专业教师也有企业技术人员，以项目为导向，融合的课堂教学、竞赛、项目设计以及实践与一体的应用实践模式。包豪斯对学生的教学强调直接经验，其动态的课程设置是提高学生的实践动手能力的有效保障，也是德国培养高端技能创造人才的摇篮。借鉴该经验，应对数字媒体对传统媒体的冲击，水晶石数字艺术学院和WPP学院，取消理论陈旧的《广告概论》等7门课程，新增《移动媒体创意制作》等11门课程；从工作实际应用出发重塑《三大构成》等5门课程；优化6门人文基础课程；引入合作企业高端培训资源编制43本校本教材。同时学院据此改造传统课程体系，在产业全流程及互联网技术之上，整合设计类教学内容，增加营销传播、创意思考、数码技术、团队合作（人际沟通）能力培养，适应4A公司岗位需要。实现了三年教育培养业界一流人才的高职梦想。 （四）合同约定模式 “人才定制”强调高职院校、学生以及企业三方主体，紧密结合利益共同点，创建校企、学生融合的长效的、契约式的、合同约束的紧密型的人才培养机制。合同约定学生在企业的培训轮岗、顶岗实习、订单式培养、实训基地的培训等理论、实践以及综合能力培养的具体内容，“人才定制”旨在建立校企合作的长效、常态的、有利于三方共赢的高技能人才培养模式。在实践方面，河北艺术职业学院与广州长隆欢乐世界、深圳欢乐谷、等文化企业构建的实践、实训基地，业已成为高职院校、艺术设计学生以及文化企业三方受益的合作舞台。 （五）借鉴国外的“双元制”、CBE、CBET国际化的教育理念，设计、控制教学过程 世界范围的国家化人才模式，主要有德国的“双元制”培养模式；美国、加拿大为代表的CBE模式；英国、澳大利亚技术教育为代表的CBET模式。以上教学理念主要采用以能力为导向的、非学科式的人才培养理念；强调以市场为风向标、教学计划和教学评价等教学建设体系；采用以学生为中心的，“探究式”教学改革方法；采用目标管理的重视教与学过程的质量控制、评估的教学管理方法；重视“行校企”合作的密切合作，改变传统的人才培养模式、探索适合高职院校高技能人才培养的国际化培养理念。 （六）借助“双证制”制度，推进CCI产学研合作 课程体系构建是高端技能人才培养的关键所在，也是高技能人才培养改革的难点。在高职院校艺术类专业课程结构设置中，引入国家职业资格标准，围绕国家职业资格综合考核能力，展开综合职业能力、岗位技能等教学改革。鼓励艺术类高职院校加强CCI学科建设研究，提升CCI岗位实践服务的能力，促进高技能专业人才培养与CCI发展规划紧密结合，深化产学研合作的CCI高端技能人才培养模式。如山西艺术职业学院创演的《一把酸枣》、湖北艺术职业学院通过多家产学研机构联合创作的《家住长江边》等众多产学研合作的CCI高端技能人才培养项目。 六、结语 高职院校应借助上海示范性、国家级高技能人才公共实训基地，依托大型骨干CCI企业（集团），紧密协同企业实践平台，大力推行“导师制”“包豪斯”“人才定制”“学工融合的项目工作室”等艺术设计类高端技能人才培养模式，借鉴国外的“双元制”、CBE、CBET国际化的教育理念，促使高职院校为上海的CCI发展，提供智力支持和人才支持，推动我国以及上海地区的CCI发展，实现“中国制造”到“中国创造”的经济发展模式的尽快转型，完成高职院校为社会和地区培养输送高技能人才的重任。 作者：吕洋 单位：上海工艺美术职业学院高教研究所 艺术设计论文范文:多媒体教学下艺术设计论文 1.多媒体课件设计要简洁明了，突出重点 多媒体学习简单的来说其所指的就是广大学者通过文字与图像相结合的方式来获取知识的方式。其中，文字包括书面文字和口头文字，而图像主要包括静态的照片、图形，以及动态的视频影音等，多媒体技术的广泛应用有效地缓解了传统教学言之无物教学的局限性，使得抽象的系统的知识教学课堂变得丰富多彩，大量的图片、音频影像资料有效的吸引了学生的注意力，激发了学生的学习兴趣，提升了教师开展教学的感染力。具了解，现阶段艺术设计专业教师的课件制作主要应用微软的powerpoint软件，这个软件有效的传承了过去幻灯片方法的特点，也又结合了新时展下视频、音频等音像技术，由于该软件功能强大，在艺术设计专业教学中得到广泛应用。另外一个应用较为广泛的软件就是flash，它现对于powerpoint更具有优势，尤其是对于新时展下的艺术设计专业人才的培养，更是如鱼得水，但是，不管软件怎么样，最终的操作还得回归于人，在艺术设计专业教学中还得有赖于我们教师，即不管采用哪种软件，如果课件的制作水平比较低，也就不会取得较好的教学效果。对于像艺术设计专业这样实践性较强的专业，教师在制作多媒体课件应注意到理论与实践相联系，在课件中有效的突出重点。如在课件中如果涉及到艺术设计专业术语时，应将必要的关键词在字体上、符号上、色彩上与主体部分不同，应该着重强调，来吸引学生的注意力，这样就不至于让整个多媒体课件产生盲目性，分清楚主次。其次，在图表课件的制作过程中，应该有效的避免一个版面上出现过多的张数，如果张数过多，就会给学生的视觉带来污染，且会改变图片的大小，使图表信息得到削弱。 2.授课方式的优势结合、互动沟通 2.1.现阶段，多媒体教学方法在艺术设计专业教学中广泛应用 但是如果教师不结合自身教学环境、学生实际情况而照抄照搬的应用多媒体教学，不仅不能提高课堂教学效果，而且还会让学生陷入迷茫，影响专业知识、专业技能的学习。下面我们来探讨下多媒体加薪手段的优化运用。第一，一套好的设计专业多媒体课件应该是以大纲的形式呈现，里面涉及到提出问题、理论支撑、方案建议、方案对比、再次提出问题、学生提出方案等内容。在运用课件时，由于课件只是起到提纲挈领的作用，教师的讲授和黑板的使用就显得尤为重要，教师的语言魅力和课堂感染力也主要是通过这些来表露。现代的设计专业虽说不是师傅带徒弟似的工匠培训模式，但是教师的言传身教的确是很重要的。一些关键词汇的再次强调和简易图形在黑板上的表现可能比纯粹通过课件的放映给学生的感受更为深刻。 2.2.诚然，多媒体课件的互动效应是其一大特点，学生可以利用现代化的手段实现同学之间或者与老师的沟通互动 但是由于多媒体课件是依赖电脑和相关软件，这就不可避免地出现展示空间大小、操作难易程度、是否方便快捷等诸多限制，互动的效果较难保证。教师在设置问题环节可以借助多媒体手段，而在学生参与解决问题的过程中则可以利用黑板。学生可以在黑板上通过文字和图形无限制地阐述自己的观念和思想，所有的同学一起组成解决问题的团队，每一个人既是参与者又是评判者，这样有利于增加互动的氛围并且在一定的程度上能够锻炼学生的表现力和表达能力。 2.3.课堂上的互动教学能在很大程度上提高教学质量，但是教师仅仅在课堂上采取这样的交流手段还不足以达到良好的教学效果。 教师在教书育人的同时，也应该时时刻刻寻找机会提高自己的能力，那么在课后与学生的广泛沟通就显得尤为重要了。一套好的课件在课堂上通过老师的讲解阐述，信息最终到达了学生那里，但并不意味着这套课件使命的结束，教师应该在课后再与学生交流心得，听听他们的心声，以期进一步完善和改善课件的体系。 3.结语 综上所述，在高校教学评价体系日益完善的过程中，显然对于多媒体教学效果的考核、评价还不够重视，使得大量高校在应用多媒体教学手段时缺乏合理性。这就要求高等院校、教师共同努力，不断优化运用多媒体教学手段，尤其是针对大量应用多媒体教学的艺术设计专业。 作者：陶智 单位：黑龙江农垦科技职业学院 艺术设计论文范文:传统青花纹样陶瓷艺术设计论文 一、传统青花纹样的艺术构成 1.造型 青花纹样的造型各异，我们需要基于不同的载体表现其艺术特色。由于现代陶瓷艺术载体的多样性，其装饰纹样也围绕载体的造型发生了微妙的变化。因此为了更好地表现现代陶瓷作品的意蕴美，我们需要注意青花纹样的造型与装饰之间的契合。众所周知中国传统装饰纹样在陶瓷艺术设计中构图设计严谨统一。从青花装饰的构图设计上来看，蓝色和白色的纹样穿插形成了强烈的对比，使整个构图协调统一；从审美角度来看，为了装饰效果的需要我们还要选择合适的青花纹样造型。为了使造型富有动态美，形象层次清晰，青花纹样在组织图案造型的时候，一定要按照构图的主次、先后排列，这样才能使造型富有节奏的韵律美。 2.装饰 随着建筑陶瓷、生活陶瓷、陈设陶瓷、卫生陶瓷等多种现代陶瓷艺术注入人们的生活，青花装饰在现代陶瓷艺术设计中的呈现是整个设计界对青花图案的再现和文化的继承。在某种程度上已经成为各个民族时代的物质和审美文化的标志。下面我们主要在釉色和纹样上进行分析。 （1）釉色 青花纹样的色彩很美，是一种单色彩绘，高贵中有质朴。其艺术特点和水墨画相似，在装饰时多采用青白对比的方式，特别讲究青与白的和谐关系。在现代陶瓷艺术设计领域，青花纹样以不同浓淡的色调进行装饰的目的是为了能够使整个图案细腻地跃然于面，并且极富层次感，呈现的效果甚至好过五彩。 （2）纹样 中国传统青花纹样种类有很多，大部分依然是线描的方式，可以分植物、动物、画配诗等纹样装饰元素。像龙、凤生动活泼的造型属于动态纹样，与其相反，植物、花草则属于静态的纹样。为了满足人们的审美需求，青花的纹样需要随着时代的变化而不断创新。传统的青花装饰纹样以及文化元素与现代陶瓷艺术相碰撞，产生一种时空感，形成一种新的艺术语言。 3.题材 青花纹样的题材众多，有花卉、龙凤、人物等。除此之外，戏曲和小说也对青花纹样有一定影响，并且在陶瓷纹样上出现了大量戏剧故事，这充分体现出了一种温润的人文精神。 二、陶瓷艺术的发展 随着社会的发展，陶瓷艺术已经不同于传统陶瓷的表现手法，逐渐从“器”的概念中解脱出来，并且大量地运用在公共空间中。现代陶瓷艺术在公共空间中的运用已经成为社会上的一个热门话题，世界各国在建筑、陈设、生活等现代陶瓷领域逐渐得到了发展。特别是具有现代装饰风格的陶瓷界面，将现代生活中对陶瓷艺术美的感悟和体会很自然地融入到了公共环境中。由此看来，青花纹样有很强的生命力，那么依据现代陶瓷艺术特性，它介入公共空间是一种必然的可能。 三、传统青花纹样在现代陶瓷艺术设计中的表现 青花纹样是现代陶瓷设计中不可或缺的装饰元素。越来越多的设计师将其和现代设计元素完美地结合在一起，赋予了它新的时代感和生命力。由于现代陶瓷涉及到陈设、卫生、建筑、生活等不同领域的陶瓷艺术，因此青花纹样需要在这种新的文化结构下延续它的审美价值。 1.陈设陶瓷 青花纹样在室内陈设陶瓷艺术上，一直是大众心中陶瓷的代表装饰。在陈设瓷中的应用多种多样，并且起到画龙点睛的效果，其重要性是不言而喻的。通过了解青花装饰在现代陈设瓷中的应用，发现有不少文人的诗情画意在室内陈设陶瓷品中得到展现，给空间带来朴素而典雅的氛围。 2.卫生陶瓷 随着人们审美观念的转变，青花纹样以其圆润的线条和简洁的造型用在卫生间的台盆、浴缸等陶瓷领域。在卫生陶瓷的外形和印花中可以看出浓厚的中国风，都散发着古老的中式韵味。青花纹样以其特有的艺术特性点缀着人们的生活，并且逐渐拉近了人与生活的距离。 3.建筑陶瓷 青花纹样在室内界面装饰中有所体现，在柱体、柱头等建筑结构节点部位也是很常见的。大多数的现代人追求的是简洁大方的装饰设计风格，而使用青花纹样，恰好能够满足人们的这种需求。在现代化的室内设计中，青花纹样借助于现代设计技术，装饰出的空间往往使人眼前一亮，给人一种平静祥和之感。适当地将青花元素与新的艺术形式相融合，不仅能够给沉闷的空间带来一些凉爽和清新的气息，还可以创造出具有民族特色的文化的空间。 4.生活陶瓷 不得不说青花瓷器最早起源于餐具的制作，如家中使用的青花盘、碗、茶具等。除此之外，像带有青花纹样的毛笔、砚台、笔架等一些文具类用品也属于生活陶瓷。其清淡的青花纹样增添了生活的情趣，它就像恢复人们身心疲劳的艺术品一样，可以使人的心情得以安宁。使生活陶瓷不单单只是以日用品为主，更是在青花纹样的造型上赋予现代陶瓷艺术品新的文化内涵。由此可见，青花纹样运用在陈设、卫生、建筑、生活等陶瓷艺术领域，都会使得人们的心灵得到抚慰。传统青花纹样与现代陶瓷艺术的碰撞，将随着中国陶瓷艺术家的思维和创作逐步发展，并且在提高质量的基础上赋予青花纹样新的内容，带着它独具中国特色的陶瓷装饰纹样在世界陶瓷艺术中展示独有的风采。 四、传统青花纹样在现代陶瓷艺术设计中的发展 随着现代生活节奏不断的加快，在现代化的陶瓷艺术设计中，青花纹样借助于现代设计与其他艺术形式相互融合，创造出富有民族文化的艺术作品，对促进各国人民之间的友好往来和文化的交流有很大的作用。 1.色彩的运用 色彩是设计的音符，并且色彩的情感语言对空间存在一定的指导作用。尽管青花纹样只有一青一白两种颜色，但是青花纹样运用在现在陶瓷艺术中不仅对各种装饰风格有很大的适应性，而且青花纹样以其典雅苍翠的色彩还可以营造出朴素、明净、光洁的艺术效果，深受人们的青睐。 2.意境的创造 自古以来，传统青花纹样的本土特色在陶艺界独树一帜。它所营造的自然朴实风格一直符合人们的审美心理。仅用两种颜色和优美的线条即赋予了青花装饰深刻的内涵。随着载体不断的创新，人们对意境美的要求不断提升，在现代陶瓷领域，传统青花纹样所创造出的反璞归真的艺术特色一直深受大众的喜爱。不论是历史故事、戏曲、吉祥图案，还是水墨画，不一样的主题运用在现代陶瓷艺术设计中，都拥有原始的自然情调，并且传递出了不同的意境之美。 3.文化的传承 传统青花纹样运用在现代陶瓷艺术中可以传达出不同时间、地点的文化意蕴，地域的延续性不被空间、距离所阻隔。它不仅具有实用、欣赏的功能，还融入了中国人的精、气、神。例如吉祥图案运用在青花纹样中，它作为一种装饰手法与同样有历史渊源的陶瓷相结合，更有了象征特性。青花纹样的文化是具有连续性的。它的装饰性格特点将会影响整个空间气氛带给人们的感受。文化延续性越好的装饰元素，其文化、经济反哺效果就会越好，互动性就会越强，反之其反哺性就会越差，互动性也会越差。所以青花纹样运用在现代陶瓷艺术设计中能否传达给用户所追求的感受，是青花纹样设计语言在各种现代陶瓷艺术表达模式中能否成立的关键因素。 五、结语 传统青花纹样既朴素又华美，既繁复又统一。它作为中国陶瓷装饰的重要代表，寄寓了中华民族最传统的审美观念与审美情怀，在不同的领域下，将其与不同的现代陶瓷相互结合，充分体现了它的审美价值。由于青花纹样的造型、纹样、色彩等艺术特性都是值得我们进行借鉴和再创造的，因此不论在建筑、生活、卫生、还是陈设等陶瓷艺术上都要敢于挖掘青花纹样在现在陶瓷艺术设计中的物象美、情感美、韵律美、意境美、精神美，以创造舒适的生活环境，提高人们的生活品质，并且达到对鲜明的民族特色和深厚文化的创新与传承。 作者：杨亚平 马云林 单位：昆明理工大学艺术与传媒学院 艺术设计论文范文:高职院校艺术设计论文 1设计类专业基础课程的设置及存在的问题 1.1课程侧重失衡 艺术设计专业是一个广义的概念，它包括平面广告设计、装饰艺术设计、影视动画设计、服装设计、产品设计等，而一些社会培训机构或部分高职院校把所谓“专业核心技能训练”作用无限扩大，这种急功近利所表现出的结果就是单一的着重软件学习，忽略美术基础手绘的训练。殊不知这些设计的表现都是通过造型来体现的，可以说造型是这些设计表述的基础。造型能力的培养使学生表现和刻画形象的能力增加，任何绘画形式都体现这一能力。所以，专业基础课对于造型能力的培养是绘画艺术的基础。 1.2学生学习兴趣低 有些学生由于文化课基础差，为了进入大学校门，走上了艺考道路，或者许多学生并非艺考生，只是分数不够才入大专学习因此所在专业未必是自己想学的，开设什么课程其实都不是他们的兴趣所趋，对未来的迷茫使得他们学习热情不高。 2高职类院校艺术设计专业发展新思路 2.1明确时代要求定位硬件设施 高职院校的发展要有一个科学合理的办学理念，要给学校一个明确的定位。这个定位是根据学生入校时的文化和专业水平，拟定出适应毕业后融入社会的培养计划。只有定位准确，教学才能有针对性，避免盲目设置课程。尽可能为了学生的发展逐渐完善着教学设备，以社会需要来尽量丰富开设的课程。 2.2鼓励特色专业的发展 随着现代社会的进步，接受并普及新的便利的科技手段服务于教学实践是非常必要的，计算机辅助教学手段的应用，对高职院校教学改革，提高教学质量有着重要的实际意义，但手绘同样重要，注重培养学生主观能动的构思、钻研的时间应该尽量充足，避免学生听讲感觉疲惫枯燥乏味，直至对上课的学习产生怀疑，教学效果不理想。 2.3采用多种教学方法，平衡专业基础课与其他艺术专业课比重 根据学生的特点，通常情况下高职院校会把课程模式定为前两学年在校学习，后一学年在校外实习。在这样短暂的时间内，学校尽可能的把职业技能传授给学生，运用现代化直观教学，设计激发学生学习兴趣和创作热情的教学方法，但是如果专业基础不打牢一味盲目追求适应企业的课程，终归如“不会走就想跑”的想法，到最后设计思路跟不上去，想走捷径实际上绕了更大的圈。采用多种教学方法，平衡专业基础课与其他艺术专业课比重，不能缺少技能操作，同时培养学生的实际动手能力，引导学生如何应用所学的知识来解决实际设计问题。为了实现这样的要求，就要在教学方法上废止“注人式”，实施“启发式”，同时要实行师生互动，学生与学生交流。在贯彻“启发式”教学原则上，通过交流教师们又创造了许多卓有成效的具体方法。例如：项目教学法：教师如公司的经理，引导学生思考，将学生分团队工作，使学生自己得出最后结论，教师再加以总结，给出准确表述的答案。 3开展产学研一体化教学模式 这种模式具有合作伙伴固定，彼此之间相互熟悉的特点，有利于知识在参与者之间的交流和共享。这种模式特别是在毕业生就业压力越来越大，教育经费相对紧张的情况下，将学生实习要求输入到企业实践学习和锻炼中，实现理论与实验相结合。比如我校动漫设计专业在教学改革过程中，逐渐开始重视加强实践教学工作，在学生入校学习期间逐步加入企业代表的实际授课，让学生体验到校企链接的逐步实现。让学生对专业理论知识有了一定的储备后，在实地考察中体验并应用所学知识解决问题，在最后一年企业实习中更加得心应手提高自己。加强高职院校艺术设计专业的建设，不仅关系着学校的生存与竞争，更是我国大专院校艺术教育的一次改革和完善，为培养各层次人才起着关键性的作用。 4结语 教学探索运用于实践中是一个漫长进步的过程，我们从中体会的经验有些地方可能很肤浅，甚至以偏概全。为了保证高职院校培养出来的人才能够适应社会对人才的需求，那么进行艺术专业培养学生设计思维、设计想象能力、创作能力的教学模式和体系教学模式创新是社会发展的必经之路，需要我们在漫长的教学道路中共同去探索。 作者：孙嘉 单位：黑龙江信息技术职业学院计算机工程系 艺术设计论文范文:生态文明观环境艺术设计论文 1生态文明观的内涵 由于工业文明给人类社会和生态环境带来了前所未有的危机，人类的生存和发展面临着严重的威胁，使得生态文明陷入极端的困境中，因此，为了响应我国的可持续发展战略，生态文明观便在这样的条件下应运而生，给人类文明带来了曙光。生态文明观要求全社会共同树立生态、环保、可持续发展的价值观和发展观，有效地将可持续发展与生态发展提高到了社会文明的新高度，对构建社会主义和谐社会具有十分积极的作用。要做好生态文明建设，首先要节约能源，提高资源利用率；其次要控制污染，在生产和发展中尽量避免对环境破坏；再次在社会不断进步和发展过程中要通过技术手段改善生态环境；进而，国家要加强生态环境建设的监督力度；最后，生态环境建设需要全社会的共同参与，树立全民生态文明观，实现社会的可持续发展。 2生态文明观下的现代环境艺术设计 2.1生态文明观下的室内环境艺术设计 2.1.1空间的合理规划。 在进行室内环境艺术设计的时候要注意空间的合理规划，在生态文明观的指导下，根据建筑的结构设计出舒适的室内空间环境，这样能够使室内装修的内容和过程得到简化，并且能够减少在进行室内装修的时候对环境造成的污染。 2.1.2装修材料的减省。 在室内环境艺术设计过程中既要为人类活动营造一个适宜的环境，也要尽量减省装修材料。这就需要室内环境艺术设计者进行创新设计，多采用一些既能保证室内环境艺术设计质量又能做到减省装修材料的新造型，切实将生态文明观落实到现代环境艺术设计当中。 2.1.3使用安全无害的装修材料。 环保系数差的装修材料会对人类健康和环境造成不良的影响，因此，室内装修材料方面一定要选择安全无害、对环境无污染的环保材料，例如竹、藤等天然材料。由于室内环境装修使用的人造板、漆等可能对人身体造成伤害的材料，因此，在选择这类材料时必须要选择达标的产品，最大程度地降低室内环境污染系数，为人类活动提供一个健康舒适的空间。 2.1.4注重装修过程中的环境保护。 处理好室内环境装修中产生的废弃物，避免这些废弃物对环境造成污染，这是生态文明观下的室内环境艺术设计的重要要求。 2.2生态文明观下的室外环境艺术设计 2.2.1合理利用土地资源。 当前，我国城市土地资源十分紧张，因此，在进行室外环境艺术设计的时候要合理利用土地资源，对于设计中出现的空余边角地带进行充分利用，可以设计成花圃、小草坪等等，这样既能有效地利用土地资源，又可以为我国城市绿化做贡献。与此同时，要对环境进行合理规划，利用植物、山石、喷泉等为人类营造一个自然化的生活环境。 2.2.2尊重设计环境中栖息动植物的自然属性。 景观设计是室外环境艺术设计的重要组成部分，景观设计过程中，要首先对环境进行一个大致的规划，对于环境中栖息的动植物要充分尊重，尽量进行破坏，保持它们的自然属性，把它们变成景观设计中的一个特色，促进人类社会与自然环境的和谐发展。 2.2.3节约设计成本。 景观设计一定要在生态文明观的指导下进行，对于占地面积较大的景观的设计、选址一定要科学合理，避免对建筑材料和土地造成浪费。对于这类型景观的设计形式上要进行创新设计，有效地节约设计成本。 3结语 由于我国对科学发展观的大力提倡，生态文明观逐渐深入人心，在人类的各项活动中已经融入生态文明观，有效地促进人类社会与生态环境的和谐发展。而环境艺术设计作为一门与人类生活息息相关的艺术，在生态文明观下进行现代环境艺术设计已经是人心所向，因此，如何将生态文明观与现代环境艺术设计完美融合在一起，这是现代环境艺术设计者要考虑的重要问题。 作者：宋霞 单位：武汉商贸职业学院美术学院 艺术设计论文范文:职业生涯教育视野下艺术设计论文 一、调研及分析 从调查结果显示，确实相当一部分高职学生的学习状态让人堪忧。主要表现在： （一）没有明确的学习目标和学习计划 调查中，在问到您的学习目标时，257名学生中只有103人的回答是贯穿大学整个阶段乃至更长时间的，而近46%的学生没有长远的学习目标，仅是一两个月或一两周的，甚至还有31名学生直接回答没有学习目标。在问到您会根据学习目标制定学习计划吗，答经常的只有40名，仅占15.5%，而回答有时或很少的则有206名，占80.2%，还有12名学生回答从不。 （二）学习兴趣不浓，对专业前景感到渺茫 调查中，只有16.34%的学生表示在大学期间的学习劲头比高中时更大了，而65.76%的学生则认为和以前差不多或者比以前劲头小，还有46名学生表示越读越没劲，后悔当初考大学。在问到对自己专业的兴趣方面，有115位学生回答有意义、有兴趣，占44.75%；有90位学生回答有意义、无兴趣，占35%；还有25位学生选择入学时无兴趣，现在有兴趣；有27位学生选择入学时有兴趣，现在无兴趣。此外，在对专业前景的看法中，只有75名学生表示乐观，占29.18%，表示一般或悲观的有165名，占64.2%，另有17名同学表示不知道自己的专业前景是什么。 （三）自我约束能力差，缺乏主动学习的精神 调查中，问到你旷过课吗，只有143名同学表示从未旷过课，占55.64%，其余学生都或多或少旷过课。问到旷课的原因，有41位学生回答对所学知识不感兴趣，有24位学生表示不喜欢老师的讲授方式，有22位同学认为上课学不到有用的东西，还有7位同学表示因为上课老师不点名。问到上专业课时的学习态度，有96位学生表示上课认真听讲，记好笔记，占37.35%；122名学生回答不记笔记，只划出书中有关段落或纯听老师讲课，占47.5%；还有21名学生表示上课主要是做自己的事，比如玩手机，看其它的书，与同学聊天或睡觉发呆。此外问到上课前后有无预复习，有28位学生表示所有功课都会预习，占10.89%；重点学科预习和偶尔预习的学生都是109位，分别占42.41%；还有11名学生表示从来不预习。另外回答课后及时复习当天功课的有43位同学，占16.73%，而有63.8%的学生表示只在测验或临考前才复习。问到课余时间主要做些什么，有94位同学表示主要是学习拓展与专业相关的知识；有153位同学回答主要是上网游戏、看新闻、购物、聊天，体育运动或者其他兴趣爱好，占59.53%。综上所述，尽管艺术类学生越来越多，但学生的学习素质却未有明显提高，学生对学习普遍缺乏动力，由于学习动力不足导致的旷课、上课不认真听讲、迷恋上网甚至厌学等现象，不仅制约着学生自身的发展，也使得高职院校因为不能为社会输送高素质技能型的艺术设计人才而影响专业和学校的长远发展。学习动力是艺术设计教育的核心，有了学习动力才能激发学生主动学习，有效学习，进而激发他们的创新意识和创造能力，因此，积极探索高职艺术设计类学生学习动力提升的途径和方法十分重要和必要。 二、职业生涯教育与高职艺术设计专业学生学习动力提升的关联性分析 学习动力是指各种力量按一定关系组成的，对个体的学习起着始动、定向、引导、维持、调节和强化作用的系统合力。根据其对学习的作用方式可以分为内部动力和外部动力。内部动力是由学习者自身需要而驱动学习的一种力量，主要包括学习动机、兴趣、态度、情绪、情感意志等非智力因素。外部动力则是由外部的激励或压力所推动的，包括社会、家庭、学校、课堂等环境因素诱发的一种学习力量。其中内部动力起主导驱动作用，外部动力起推动促进作用。职业生涯教育，是依据职业生涯的基本理论及个人成长成才的客观规律，有目的、有计划地引导、培养个体规划自我职业生涯的意识与技能，发展个体综合的职业能力与素质，促进个体职业生涯发展的综合性教育活动。它最早起源于美国，经过几十年的发展在西方国家已得到普遍的推广与实施，形成了比较完善的职业生涯教育体系。近些年来，随着就业形势日益严峻，职业生涯教育也逐渐提上了高职院校的日常工作日程。从表面上看，职业生涯教育与高职艺术设计专业学生学习动力提升似乎没有太多交集，但仔细分析艺术类高职学生学习动力不足的原因，以及职业生涯教育的理念目标、内容实施等，我们可以清晰的发现，两者是密切相关的。首先，从内部驱力来看，由于艺术类高考所需文化分数较低，艺术专业成为一部分考文理没法上大学的学生的选择，这些学生对艺术设计学习没有初始动机，大多是在高二临时转道突击，入学时无论文化基础还是艺术功底都相对薄弱。笔者在访谈中也了解到，很多学生在填报大学志愿时并不了解自己所学的专业和今后职业方向的关系，大多数是受父母、师长的影响而填报，另外还有相当一部分学生是由于第一志愿考分不足而转专业过来的。所以说这些学生入校后有一个共同点，即普遍比较自卑，对自己的认同感和自我评价较低，自信心不足，对所学的专业及今后的职业发展不清晰等，这些都直接影响了学生学习动力的提高。而开展职业生涯规划教育，通过指导学生进行科学的自我评价以及对学业和未来职业的探索规划，其目的不仅是帮助学生毕业后找到一个具体的工作岗位，更在于帮助学生真正了解自己的优势和特长，正确认识自己和所学专业的特点，职业岗位的需求，找到一条适合自己发展的道路。其次，从外部动力来看，随着社会竞争和就业压力的增大，加上社会转型时期，整个社会处于一种焦虑、浮躁和急功近利的氛围中，大学生多元化的价值取向，艺术专业学生张扬奔放的个性和一些非规范性的行为和思维习惯使得他们在面对压力时往往采取两极分化的态度，要么积极面对，化压力为动力时刻激励自己，要么采取消极、逃避或沉溺于虚拟网络世界等行为，很多学生只看到了就业竞争的表象，忽略了其实真正有实力素质高的人才很多企业行业还是求之若渴的，以至对未来无信心，对学习无动力。另外从学校层面看，部分高职学生习惯了中学时期传统教育模式，即重施教主体、轻受教主体，重外部灌输、轻内在引导，在进入高职学习后未能及时调整学习方法，无法适应大学以自学为主的教育方式。加之高中时期还有个考大学的目标，家长和教师在身边不断盯着，上大学后离开了家乡来到陌生的环境，许多学生会觉得一下子有些无所适从，不知道自己要学什么，怎么学，没有近期和长远的学习目标和规划，导致学习劲头相比中学反而降低了。而开展职业生涯教育，除了有助于学生加深自我认识和进行恰当的自我定位，还可以强化学生发展的目的性与计划性，通过制定合理可行的生涯目标和职业理想目标，促使学生去规划自己的学习和实践，在对职业生涯目标强化和管理的过程中，一方面增强了学生学习的有序性，另一方面也让学生获得持久的学习动力。 三、职业生涯教育视野下高职艺术设计专业学生学习动力提升策略 上述分析中可以看出，无论是高职学生，还是高职院校，都要认识到职业生涯规划对提高学生学习动力的积极意义，从一入学就加以重视并将之贯穿于学生三年学习的全过程。而在调查中，问到您是否觉得一个较为系统的职业规划有助于加强学习动力时，数据显示87.56%的学生表示认同，仅有32位学生认为其作用一般或没有实质性帮助。但在访谈时，许多学生均表示学校目前开展的职业生涯教育内容有些片面，实施方式方法较为单一，另外学生十分希望学校能提供专业有效的个性化生涯辅导。可见学生对学校开展职业生涯教育还是迫切希望的，尤其是艺术类专业学生的人才培养目标是具有创新设计能力的应用型人才，更需要在培养时针对专业特点和学生特点，将专业教育与生涯教育相结合，全员、全过程、多形式地开展。下面笔者就加强职业生涯教育，提高艺术设计学生学习动力提出几点策略。 （一）明确目标，突出重点，分阶段实施各有侧重的职业生涯教育 大一阶段，学生刚入校，面对新的环境、生活和学习方式，新生们往往会感到迷茫，找不到正确的目标和方向，此阶段可通过专业介绍，优秀学长座谈，到校外实训基地或相关企业参观学习，开设职业理想与生涯规划课程等方式，指导学生科学认识自我，了解所学专业及其职业适应范围，认识生涯规划的重要性，初步确立未来职业目标。大二阶段学生基本适应大学生活，处于生涯探索期，教师要指导学生根据职业目标、根据自己的实际情况制定各阶段学习目标和具体实施措施，同时指导学生征求家人、朋友、专业人士对自己职业选择的意见和建议，不断完善职业目标和自我规划。这阶段还要引导学生在明确思想认识和找准奋斗目标的基础上，通过各种渠道努力提高自己的“硬件”和“软件”，加强实践技能、综合素质和职业能力的培养。最后一年是职业准备、就业冲刺阶段。学生的知识储备、能力锻炼、素质培养，在前两个阶段基本完成，因此这一阶段的主要任务是，指导帮助学生参照个人的职业生涯规划果断抉择，克服心理偏差，加强自我调节，掌握就业的基本知识和基本技巧，提升就业竞争力。学校可通过人才素质测试以及模拟演练、实践体验等方法，引导学生确立合理的就业期望值，辅导学生掌握求职择业的技巧和方法，让学生能够切身感受职业工作环境及所面临的各种实际问题。 （二）在专业教学中渗透职业生涯教育，注重学生知识、能力、素质的培养 专业课教师对学生进行职业生涯规划指导往往有潜移默化的效果。在专业教学中渗透职业生涯教育，不仅能使学生从思想上中重视，也具有可操作性。首先，院系要更新育人观念，坚持职业生涯教育以人为本的理念，设计个性化人才培养方案，调整教学内容、改革教学方法，将职业生涯教育融入到各个教学环节和日常管理中，融入到各学科课程的学习和实践中。其次，专业老师在教学设计时，要根据学生的职业生涯目标和市场需求，为学生设计科学的、个性化的课程模块和知识体系，依据每个学生的学习能力和特长，指导他们分时间、分阶段地学习某方面的课程模块，并指导他们处理好主修、选修或辅修的关系，分清学业成绩、专业素养与就业的关系。 （三）开展个性化测评、辅导与咨询，培养学生良好的心理素质 设立学生学习与发展咨询室，为学生提供个性化测评、辅导与咨询，研究和解答学生学习中的各种心理问题，引导学生了解学校和专业的培养目标，正确认识自己，理性地对待生活学习中遇到的困难和挫折。高职学生到二年级时易产生两级分化，一部分学生经过一年的磨合，对自己对未来有了更明确的认识，还有一部分同学逐步进入学习疲劳期，他们中的部分学习激情减退，厌学情绪上升，部分学习困难的学生更是自我放纵，导致旷课、迷恋网络和暴力现象时有发生，因此这一阶段的个性化的心理咨询辅导尤不容忽视。教师应科学利用自我激励法、词语暗示法、挫折训练法等，引导学生培养客观独立的自我意识、勇于挑战的竞争意识、敢于战胜逆境的意志品质。此外，在信息化的大环境下，学校应充分利用现代科学技术，建设通畅、有效的职业生涯教育网络服务系统，使职业生涯教育更加深入和普及，为学生提供职业生涯相关的各种信息资料和工具，搭建方便学生自助学习的平台空间。如在线测评系统和互动服务系统，为学生完成对自我职业生涯规划的测评、咨询提供服务支持；信息服务系统，为毕业生和用人单位获取信息和进行信息交流提供平台等。 作者：徐亚 单位：江苏城市职业学院 艺术设计论文范文:民间绘画色彩现代艺术设计论文 一、民间绘画色彩在平面设计中的应用 通过对现代平面设计作品进行分析不难发现，那些深受国际认可和中外人士称赞的平面设计作品，往往都具有一定的传统民间绘画元素，并表现出鲜明的中国民族艺术特色。此外，在人们日常生活中可见的包装材料、宣传海报或者印刷品上都能够发现其大部分都是运用了民间绘画色彩进行艺术创造的，用民间绘画色彩进行信息的传递和眼球的吸引，无疑更能够吸引全世界人民的眼光，而且还能赋予作品新的寓意。典型代表作2008年北京奥运会吉祥物“福娃”，这五个福娃的色彩丰富而又具有文化意蕴，对民间绘画色彩的应用可谓是恰到好处。整个设计团队以动物为雏形，深入挖掘动物在中国统计文化中的深层内涵，重新赋予这五个小动物新的生命，并使用不同的民间绘画色彩，设计出世界闻名的奥运会吉祥物。如五福娃中贝贝以中国吉祥动物鱼为基础，辅助水波浪图案，以民间绘画色彩蓝色为主调，加以简单的红、绿、白三种颜色，营造一种清爽、明快的视觉效果；又如晶晶以中国熊猫为基础，辅助莲花纹样，以黑色作为主色调，并配以白色、鲜绿色，呈现出一种生机盎然之感。加之熊猫原本就是中国的国宝，也很符合传统文化的寓意。设计者将中国文化和民间绘画色彩元素融入了五福娃中，五福娃的形象恰当的表达了中国的形象，让全世界认识了当代中国的艺术魅力。更要重声的是，五娃还印证了中国民间绘画色彩的哲学观，中国民间绘画色彩讲究“五色观”，也就是将白色、黑色、赤色、青色和黄色五种颜色来表达不同的内心世界，搭配出不同颜色，表达不同的文化内涵。民间美术在色彩的搭配上往往别具民族特色，并习惯于将对比强烈的色彩进行搭配，从而造成强烈的视觉冲击，吸引观赏者的眼球。 二、民间绘画色彩在装饰艺术设计中的应用 在现代艺术设计的装饰艺术设计中同样应用了不少的民间绘画色彩。民间绘画色彩与现代装饰设计的搭配，使得设计作品呈现出浓厚的民间艺术气息。民间绘画是老板姓智慧的结晶，反映了老板姓的生活习惯和风土人情，同时还颇具地方文化的特色。因而，在现代装饰艺术创作中也往往会贴合当地习俗文化来进行设计，从而凸显地方特色。如位于南京地铁一号线的壁画，就融合了民间绘画的色彩与现代的设计理念。作为中国四大古都之一，南京的历史十分悠久，名胜古迹也特别多，如果要想在设计上突显南京古文化的城市气息，就要从民间绘画艺术角度进行考虑，如采用陶瓷的彩绘作为表现形式来展现南京城市风韵，提取青花元素来构成南京的自然景色和名胜古迹。在构图上也十分简洁明了，色调轻快。在表现形式上采用的是瓷板雕刻加影青釉底青花复合工艺，让画面更具立体感，同时还利用了民间青花进行装饰，使得设计独具特色，并与民间绘画色彩进行了良好的互补。南京地铁站的空间装饰也运用了民间绘画的色彩搭配，色调柔和给人以视觉上的舒适感，人们在地铁站时除了能够欣赏到南京这座城市的优美风光，同时也能够感受到民间绘画元素的魅力。 三、民间绘画色彩在服装设计中的应用 在服装设计中，民间绘画色彩的运用也十分的广泛。服装风格就由服装要求所决定的，人们对于服装的认识，一般都是从款式、面料和色彩开始。但色彩却是服装要求中最为重要的一个，起到了决定性的作用。在服装设计的色彩运用方面常见民间绘画的踪影，很多设计师也非常乐于从民间绘画中寻找灵感。设计师们通过充分利用民间绘画色彩及其深层次的文化意蕴，巧妙地将少数民族的文化底蕴和全国各民族各地区的优秀文化结合在一起，为服装设计积累了不少的经验和文化元素。在服装设计领域最常用的颜色不外乎为彩陶色、青铜色、青花色等，而民间绘画艺术中的饰品元素也常常作为服装设计领域的灵感元素，如剪纸、年画、彩塑等等。这些色彩与饰品都在服装设计领域发挥巨大的作用。在服装设计当中，民间绘画色彩集合了五十六个民族的文化与特色，作为现代服装设计的艺术宝库，民间绘画艺术为服装设计提供了诸多的益处，如服装典型代表作品《春天的故事》充分利用我国民间绘画的纹样，注重民间绘画色彩的炫丽，色调庄重鲜明，款式简洁，营造一种春天积极向上的氛围。在这个作品中，民间绘画色彩赋予了作品新的生命，引导了我们现代服装设计的新方向。 四、结语 总之，作为现代艺术设计的灵感来源地，民间绘画色彩在现代艺术设计中的作用也在日渐突显，民间绘画色彩元素的运用必然会给现代艺术设计带去新的发展方向。 作者：展庆召 单位：石家庄信息工程职业学院 艺术设计论文范文:仿生学艺术设计论文 一、艺术设计中的仿生学应用 （一）园林设计中的仿生学 仿生学在园林设计中的应用十分广泛，因为园林设计多是室外设计，有着广阔的环境背景和天然的自然环境气氛，在园林设计中使用仿生学理念，不仅能够体现出园林设计的匠心所在，还能使园林的自然感显得更加活泼和生动。很多园林设计中的仿生学应用都极具代表性，例如，长春和吉林、哈尔滨等地的小区园林设计中，经常放置仿生的小区景观小品，如假山、仙鹤、小鹿等仿生雕塑作品，这些作品，使小区的园林景观更显东北物产丰富的状态，也使得小区景观的审美价值有所提升。 （二）家居设计中的仿生学 仿生学应用于家居设计，是家居设计进入后现代设计阶段以后盛极一时的设计理念。家居设计中的仿生学被应用到许多方面，大到房屋的室内设计整体构思，小到杯盘器皿，都有仿生学的痕迹。与园林设计中的仿生学应用有所不同的是，室内设计的仿生学应用经常表现在材料和生物理念上，因此大多数家居设计中的仿生学作品，都具有高度的抽象性，作品的美感在于体现出生命力，审美的价值在于传达生命的意义。例如，现代设计家居设计中的沙发座位是有意凹陷下去的，靠背也是不规则的内陷型，还有些阳台椅是明显的蛋形，这些家居用品都给人一种舒适、安全、被保护的感觉，无论是从外形还是从使用感受上，都更像一颗“蛋”，这就是仿生学要表达的生命、安全的意义。 （三）服装设计中的仿生学 服装设计是设计艺术中的重头戏，随着人们对服饰审美标准的提升，服装设计已经从简单的满足人们穿衣需要发展成为展示人们生活艺术的重要领域。在服装设计中应用的仿生学也成为人们直接表达穿衣理念以及对自然的态度的方式。服装设计中的仿生学应用之中重要的一点在于服装材料的变革，科技的进步以及环保主义的盛行使得那些直接使用动物皮毛的服装材料发生改变，仿生学理念促使动物皮毛演变成皮毛的仿制品；另外，在服装设计中，许多裙装的轮廓与花朵的形状类似，这种设计的目的在于体现女性如花朵般的美丽，还有些服装设计直接将仿生动物安置在衣服上，如蔡康永在主持“康熙来了”的节目时，服装上经常停着一只仿生的鸟儿，以此体现他主持风格的活泼和睿智，这也是服装设计中的仿生学应用。 二、仿生学在艺术设计中应用的意义 （一）展示艺术设计的自然魅力 大自然的魅力在仿生设计中得到了充分的体现，自然界万物为设计师提供了源源不断!取之不尽的灵感与素材，并为设计思想的表现提供物的载体。师法自然，进而激发出设计师的设计灵感与思想火花，汲取自然界中生物形态优化!合理的一面,再运用科技成果加工改造自然，创造人工生态美的环境，达到人工环境与自然环境的融合。设计师借仿生设计固有的意义，将其出神入化地融合在载体意义上，创造出更符合人们心中理想的意境。仿生设计因其自然美妙的魅力丰富和美化了人们的生活，而受到广泛的青睐。 （二）体现人类生存的基础 自然界中各种生物都蕴含着造物者赋予的自然美感。例如对称美、自然重复、无序排列、有序无序的构成等等。自然界中许多生物（包括人类在内）的身体蕴含着比例的美感，有“黄金分割点”的呈现等。人类诞生之初就受到自然物象的熏陶，也形成了人类对于生物外表一定的审美取向。仿生学应用在艺术设计中，能够对人类生存的基础进行完美的展示，使人类的生活环境美感提高。 （三）使艺术设计的思想得以发展 仿生设计的运用丰富了社会的物质文明，得到了人们一直的喜爱。在当代社会环境下，仿生设计运用在陈设设计里，完全是现代工业社会心灵的解药，艺术家们正逐渐把眼光由繁复奢华的创意，转向大自然赋予心灵平静的力量。仿生设计把大自然的力量附属在了人们日常最贴近的环境，让人与自然时刻都亲近，把自然的平静带进了人们的生活中，让人感受和触摸到了大自然的质朴，宁静与温馨，极大地满足了现代社会人们渴望回归自然的心理需求。 三、艺术设计中的仿生学未来发展 （一）仿生学应用范围扩大 仿生学在艺术设计中的应用，会随着艺术设计本身的发展以及人们对仿生学理念的理解而扩大范围。目前的仿生学主要应用在人们日常生活中经常应用的那些艺术作品中，而在未来的发展过程中，仿生学理念可能被应用在高精尖艺术设计领域中。 （二）用仿生学表达“人本”的创意理念 仿生学理念表达了人类对“自然性”的追求，因此，未来的仿生学将把“人本”理念的展示作为创意的基础，通过艺术设计去展示、追求人类需要中最基本的东西，使人们与艺术设计作品之间的共鸣不仅在于应用性，更在于精神方面的满足和交流。 四、结语 综上所述，艺术设计中的仿生学应用存在于各种各样的艺术设计作品之中，在使用仿生学设计手法的同时，艺术作品中所包含的自然要素和人本美学元素也因此凸现出来，可以说，仿生学的应用时目前艺术设计中的热门话题。随着人本理念的进一步推进，仿生学在艺术设计中的应用范围将不断扩大，“人本”的创意理念也会在仿生学应用中得到极大发展。 作者：周通 单位：许昌职业技术学院 艺术设计论文范文:培养创新能力艺术设计论文 一、艺术设计专业培养学生创新性的要求 （一）艺术设计专业学生创新能力培养的发展趋势 在我国教育事业的发展过程中，高职院校的改革模式正处在发展的适应期，高职院校主要以培养应用型人才为主要教育目标。但是在现阶段的发展过程中，对于人才培养而言仍存在一些需要改革的地方。而学生艺术设计创新能力的培养是在教育改革的过程中逐渐认识到的。因此，在现阶段的教学过程中，提高学生专业知识的掌握能力的同时要在一定程度上激发学生的艺术创造能力，让学生在学习的过程中紧跟时代的发展，及时调整方向。通过教育改革的创新为社会的发展奠定良好的基础。 （二）培养艺术设计专业学生创新性思维的意义 就目前我国的教育现状而言，创新能力的培养可以为学生未来的发展奠定良好的基础。因此，在提高学生专业技能的同时要培养艺术设计专业学生的创新能力，可以通过以下三个方面来实现。第一，由于我国社会主义市场经济的不断发展，高职院校的学生在学校学习的知识并不一定会满足未来工作时的变化模式，因此，在教学的过程中要培养学生的创新能力，让学生在不断的创新过程中适应时代的发展。第二，学生在学习中如果拥有了创新的能力，那么在专业知识的学习上以及未来事业的发展中都会有更好的发展，在艺术设计的过程中提高学生的思维能力，可以让学生设计出更好的作品。第三，通过创新能力的培养还可以在一定程度上激发学生思维的灵活性，在遇到作品设计的问题时可以让学生更好的解决问题，提高学生的综合能力。 （三）艺术设计专业学生创新性能力的培养 在现阶段的高职院校的教育工作过程中，高职院校的教育工作正处在一个发展的阶段，因此，在人才培养的过程中应该提高学生的创新能力。首先要培养学生的社会适应能力。在由于社会的不断发展，学生在艺术设计的过程中一定要适应时展的步伐，提高学生的人际交流的能力，让学生在未来的工作中可以更好的融入到社会之中。其次，要提高学生的专业技能水平。注重学生专业技能的培养，保证学生的专业素养可以顺应时代的发展。最后，要提高学生的创新能力。在学生具备专业知识的同时激发学生的创新能力，让艺术设计专业的学生能够得到全方位的发展，为我国教育事业的发展提供保障。 二、艺术设计专业学生创新能力培养的多维教学模式的探究 （一）改变传统的教学模式 在传统艺术院校的教学过程中，教师们往往对学习成绩相对较好的学生寄予厚望，也希望他们可以适应未来社会的发展。但是在学生步入社会之后，学习能力相对较弱的学生通常会表现出非常强的创新能力。出现这种情况的主要原因就是，在传统的教学模式中，教师只注重知识的培养，学生更多的情况下都是被动的学习，学生的主观能动性逐渐被忽略。因此，在教学的过程中，应该推进课程的改革模式，改变以教师为中心的教学理念，让学生在课堂上充分的发挥主动性，及时的发现问题，并自己解决问题，提高学生的创新能力。在艺术实践的过程中，学校可以聘请一些专业的专家学者在校进行知识讲座，在演讲的过程中学生们明确了未来的发展方向，同时也激发了学生们的学习兴趣，从而有效的改善了传统的教学模式带来的局限性。 （二）为学生营造良好的学习氛围 对于艺术专业的教学而言，教师在教学的过程中可以将艺术文化的素养及专业的技术知识贯穿到整个课程的实践过程中，为学生营造一个良好的学习环境，提高学生的创新能力。因此，学校可以定期的开展校园文化活动，让学生在参加校园活动的同时设计出与校园文化相关的作品，不断拓展学生的创新能力，激发学生的创作动力，从而构建出一个适合人才发展的教学环境。让学生在艺术气息浓厚的环境下自主学习，充分的发挥自己的才艺，展示自己的作品，让学生在竞争中找到发展的方向，激发学生的求胜心理。通过比赛学生们可以互相学习、相互进步，从而形成一种和谐发展的艺术设计氛围，为学生的学习提供良好的保障。 （三）培养适合社会发展的复合型人才 在艺术设计专业的教育改革过程中，除了培养学生专业知识的学习能力之外，还要丰富学生的文化素养，通过文化素养的学习激发学生的创造力。目前，很多学生在学习的过程中往往会认为，艺术设计的重点就是设计，从而忽略了理论知识的学习，这样的发展形式会将学生带到学习的误区。在艺术类的考试过程中，其文化成绩会相对较降低，因此，学生在进入高职院校之后应该注重加强自身的文化知识，提高自己的文化素养，丰富自己的头脑，这样才可以在艺术设计的过程中充分的发挥自己的现象力，从而丰富作品的内涵。当然可以通过新的技术手段提高自己的专业素养。与此同时，在作品设计时更应该让学生细心地观察生活，激发学生的灵感，从而可以将设计的作品形象化的表达出来。因此，在教学的过程中，要充分的发挥学生的主观能动性，激发学生的创新能力，将学生培养成全面发展的复合型人才，为我国艺术设计人才的培养提供发展的方向。 三、结语 总而言之，在教育的改革过程中，创新能力的培养是艺术设计的核心内容。在高职院校的学生创新能力培养的过程中，要全面考虑学生的发展因素，加强教育改革机制的建立，不断激发学生的创新能力。改善传统的教学模式，优化教学课程，让学生在实践的过程中提高自己的专业素养。在教学的过程中，教师要根据学生的不同特点，找到适应学生发展的教学理念、因材施教，从而顺应时代的发展提高学生的综合能力。因此，在满足社会需要的同时实践高职教学的最终目的，为国家的发展输送更多适用型人才。 作者：吕娜 单位：琼州学院 艺术设计论文范文:高职艺术设计专业素描教学论文 一、学习设计素描的价值 设计素描是从纯绘画形式中分离出来的一门独立的视觉造型艺术，是具有明确功能性和实用性的一种设计基础训练方式。作为艺术设计专业的素描教学，其目的是为提升学生专业设计能力服务的，它的目的性和功能性都十分明确。艺术设计的素描教学，要将艺术性与科学性相结合，理性思维与形象思维相结合，实用性与审美性相结合。设计素描的本质是功能性与审美性的结合，是以实用和审美为目的的。设计素描的学习要建立在良好的基础素描造型能力之上，只有具备了良好的素描造型能力，才能达到“笔随意转”的境界。 二、认识设计素描 设计素描是现代设计的绘画表现形式，是用素描表达的方式传达设计师对事物的构思、设想、策划、规划和解决问题的方案，使设计直观化、艺术化、渲染化，它是设计师表达造型创意、交流设计方案的语言和手段。设计素描把传统素描的造型能力拓宽转变为对设计构成的表现与研究，是培养学生形象思维、创意思维和表现能力的有效途径。设计素描拓宽了素描的基本内涵，以宽阔的视角来重新认识素描的价值与意义。学习设计素描，要着重培养自己的设计意识、图形意识、创造性表现意识和美术设计的思维技能。设计素描是与传统素描有着明显区别的一种素描形式，它在观察方法、表现形式、思维方式和目的等方面与传统素描有着明显差异。设计素描的应用极为广泛，包括工业产品设计、平面设计、建筑设计、环境艺术和包装装潢等领域。 三、设计素描有着自身的造型特点 设计素描作为艺术设计基础造型的训练方式，有其自身的特点。设计素描与传统素描不同，不以真实地再现自然为目的，而是从研究自然形态入手，以获取客观事物的本质特征。在此基础上，将从客观事物中获得的感性认知上升为理性，以更加主动性的姿态进行重新构建与创造，可以说，这是一个质的飞跃。它有如下特征。 1．客观性。 设计素描应以客观物象的本质特性为依托，通过研究客观物象的形态特征，来获得设计的构想与创意。设计不是无本之木、无源之水，不是凭空的臆造和胡思乱想，设计素描是对客观事物本质的理解、归纳和概括，既要有新意，又要给人以真实可信之感。 2．逻辑性。 客观物象之间都存在着相应的逻辑关系，逻辑性是设计素描的重要特征，逻辑的推断、逻辑的关联、逻辑的迁移等，都成为设计素描造型的重要因素。因此，强化逻辑训练，养成对客观事物逻辑的分析与理解，从事物表象中发掘新的判断与认知，是提高设计创意思维能力的重要手段。 3．综合性。 设计素描的表现形式极为丰富，它不仅研究客观物象的结构构成、形态构成，而且将材质、肌理、媒介等应用于设计之中，大大提升了素描的表现手段和语言。因此，设计素描的研究内容十分广泛，表现形式也更为多样，对现代艺术设计的创意与表现起着重要的作用。 4．创造性。 设计素描是以培养设计师的设计创意能力为目标，设计需要创新，没有创新的设计是没有价值的。设计素描通过主观的认知和理性的思维方式，创造性地去认识和发现客观事物的本质特征和规律，从中获取新的设计元素，形成全新的现代设计理念。 四、设计素描学习的意义 设计素描从传统素描中分离出来，成为一门独立的学科，具有十分重要的意义。结构素描学习的目的性和指向性更加明确，其目标就是培养实用型艺术设计人才，造就未来的设计师，满足高度文明的现代社会对新型设计人才的渴求。设计素描以其独特的艺术教育理念和方式，对培养设计师的艺术素质和创意构想起着重要的作用。设计素描成功地将基础素描的学习转换为能力,将基础素描学习和设计应用有机地结合起来,使基础素描服务于专业学习的需要,改变了传统素描的“纯绘画”性。设计类的素描教学，是以培养锻炼设计人才的造型力、创意力和综合素质为目的的，设计素描的教学始终围绕设计教学来开展，并将素描教学引向实用，目的性更加清晰。设计素描将观察与理解、分析与判断、具象与抽象、肌理与材料等造型因素融为一体，打破了传统素描表现语言的局限性，具有更为宽阔的造型方式和设计表达方式，形成透过事物的表象探索事物本质特征的思维习惯。设计素描的学习对于设计专业的学生来说是十分必要的，它是形成学生设计理念的一种表现形式和手段，是整体设计过程的重要环节。设计素描的表现过程也是创造的过程，是造就优秀设计师的基础。 作者：王光辉 单位：南京中华中等专业学校 艺术设计论文范文:艺术设计中汉字字体设计论文 一、汉字字体设计的基本原则 作为一种抽象元素，主题汉字的字体设计本身就是由点、线、面组成的，同样的它们也可以再次构成新的点、线、面。在现代艺术设计中，这种点线面的构成表现会使汉字的字体设计带有明显的内容与基调，人们很容易从中感受到汉字的字体设计所要表达的情感，达到包装与消费者之间的情感沟通桥梁作用，同样也是视觉美感的再创造。将“中华”汉字的字体设计，具有很好的视觉效果，便于识别、记忆。“京”字，2008年北京奥运会中的“中国印”标志设计选择了“京”作为文字图形的一个符号。形象地表达了一个人在跑步的运动，突出了奥运运动健康主题；同时人们通过这个汉字的字体设计知道了2008奥运会在“北京”开展的；另外“京”字符号设计成了一个像“文”的文字，凸显了“人文奥运”的时代主题。文字的现代图像化同时融合了“北京奥运”、“人文情怀”和“运动主题”三个主题信息，并且以中国印章（篆刻）这一最为深刻的古老的艺术的形式出现，既突出了这个汉字图形化的时代主题，又向世界人民展示了中国古老的文化艺术，起到了传扬中华民族文化的效果。 二、汉字的设计定位与艺术设计的关系 （一）汉字定位与艺术设计的形象战略关系 汉字的字体设计在艺术设计中的运用最突出的特点是易于识别，充分体现了产品信息化、视觉化、艺术化等视觉语言特征。汉字的字体设计在艺术设计中的运用是企业文化与品牌形象的整体而简练的概括，汉字的字体设计在艺术设计中无论表达什么、指示什么，无论是寓意还是象征，含义与企业文化都应是相统一的。在艺术设计中，既可以利用汉字的字体设计作为诠释商品属性的媒介，通过改变字体本身外形和字体的结构进行图形化处理；也可以从版面空间排版关系上进行合理利用与调配，即将文字看作是最基本的点、线、面元素加以编排设计，使其具有极强的形式美感。但无论哪种表现形式都是从文字本身去寻找可以运用的图形元素，根据商品属性进行汉字图形化字再设计，增强商品的视觉表现力，体现出产品品牌的风格形象。 （二）汉字的设计定位与艺术设计的视觉形象关系 有时候主题文字的图形化在艺术设计中占据了一大部分甚至是全部，这种主题文字本身的图形化设计可以通过象征、寓意的手法对字体进行增减笔画、添加装饰或改变字体结构来拓展字体形象，强调字体所传达的深刻含义和视觉效果。 三、汉字字体设计在艺术设计中的应用 （一）汉字字体设计在包装设计中的应用 从概念上来说，面的形成是由线的移动轨迹所产生的。面的不同分割和布局都会产生不同的视觉效果，可以产生轻松感，也能形成压迫感，映射出不同的视觉动势。主题文字的存在使整个包装版面相当生动饱满。以面构成时，统筹各元素的关系和画面的和谐，在必要时甚至可以在包装上做出些空白处理，在立体包装上，还可以将文字编排进行两个平面之间的跨越，增强视觉张力和艺术效果。汉字的字体设计的方法主要有以下几种： 1.以书法字呈现 书法的笔墨意韵具有一种流动方向性，不可重复的书写过程本身就是一种图形化的表现，是一个以时间带动空间，以动作过程带动视觉的表现方法。如：茶叶艺术设计就是以书法字呈现，中国文字的古韵将茶叶的绿色韵味充分体现出来，艺术设计是产品投放市场的首要印象，下面的茶叶包装给人焕然一新的初步印象，引起消费者的好感。 2.拆分文字笔画 将一个或者多个中文字的笔划进行拆分，结构重组，这时文字的识别性降低，但是图形化增强，一般需要注释。拆分后重新组合的文字失去了直白的解释功能，但新的图形形态具有更加深刻的寓意。月饼包装，“回”字的巧妙变换，充分体现了月圆中秋与回家与亲人团聚的美好愿望，包装生动、形象地传达了产品的主体思想。 3.文字留白 汉字字体在平面广告设计中的应用可以突出产品的亮点，体现在平面广告的构成要素的差异化创意方面。汉字字体在平面广告设计中的应用形状、大小、色彩、深浅，发散，组合能够给人带来不同的视觉和心灵感受和不同层次的艺术魅力。近几年来商业广告设计艺术中汉字字体的表现形式获得了多角度的视觉效应，显露时代风格。“花开富贵”礼品袋，清新简约的字体和简洁，四周的空白留给消费者适当的想象空间。在立体包装上，还可以将文字编排应用于包装与产品之间的跨越，加强包装与产品之间的联系“。花开富贵”礼品袋的包装设计中选取具有东方古韵的折扇汉字字体装饰，在外包装上，生机勃勃的蝴蝶和牡丹清晰了反应了礼品的高雅，在“花开富贵”三个字的运用上，利用不同的字体、字的不同大小突出的特色品牌，整个包装采用文字图像化的设计，除了保留花开富贵文字标志、红牡丹、蝴蝶外以及少量的商品信息外，几乎不再运用任何的图案装饰，整体包装效果简约鲜明，达到优雅的视觉效应和心理效应，传达了源远流长、品味生活的一种从容态度。这种充满文字图形化的设计使得整个包装更加突出品牌形象，成功地在其功能和情感诉求上达到了一个平衡考量。 （二）汉字字体设计在网页设计中的运用案例分析 汉字字体作为网页设计的一种元素，直接影响着网页的整体形象。汉字字体在网页设计中的运用作为一种网络信息传播平台，丰富了人们的生活，带来与传统媒体不一样的视觉效果和心理效应。在隶书与楷体、黑体与宋体之间浓淡变化形成缤纷的色彩层次，字体的线条为虚实相生，字体的大小、粗淡可以随意调整，使网页艺术设计产生出悠远豁达之意境，将中国汉字的意境融入到新媒体传播中。 （三）汉字字体设计在书籍装帧设计中的运用案例分析 将汉字字体以标记、点缀、插画形式应用在书籍装帧中，带来焕然一新的效果，对汉字字体文化也起着传播的作用。无论从装饰性还是艺术设计的设计运用上，都继承了汉字字体的线条特征表现出来的灵动韵致。书籍中的汉字字体插图，营造了文化、活跃的氛围，使书籍焕发活力。如《星火燎原》一书选用了的狂草，大气磅礴，飘逸洒脱，不用其他元素，仅凭这四个字已经凸显出书籍版式设计的特色。另外，有的书籍装帧采用了书法家的书法来题写书名，由于书法家的知名度和对书的理解与创作，提升了书的艺术个性；有的将书法字体与图书的内容、构图、图案等元素搭配，并在边缘关系处寻找新的灵感融入主观的意念，书籍装帧的效果就更加富有感染力。 （四）汉字字体设计在唱片封套设计中的运用案例分析 根据汉字字体提炼出丰富多变的图案，通过线条组合，可运用到与中国的唱片卡套设计中，唱片卡套设计不仅仅要是汉字字体的引用，还是对中国文化艺术精神的继承。随着音乐的飞速发展和计算机艺术设计的开发，汉字字体文化开始以唱片卡套这种形式随着唱片的热卖以更快更新的渠道传播，使汉字字体艺术与现代平面广告设计接轨，实现音乐与画的和谐共存，让唱片外观既具有浓郁的民族风味，又不失时尚气息，既反映出唱片音乐的主题，又使唱片封套充满了文化底蕴。 四、结论 随着社会的发展及经济体制的转变，生活节凑加快，人们希望信息传达、交流更方便、快捷、直观，基于这种需求，文字的图形化设计在艺术设计中得以更快地传承，文字设计在艺术设计中的应用开始趋于简单化、抽象化、符号化。尤其是在艺术设计中，文字设计能够更简练、直观、形象地表达产品信息和产品内涵。消费者通过文字对产品产生初步认知、记忆和是否购买情感考虑，主题汉字的字体艺术设计是企业品牌的形象展示，是提升产品形象的关键因素，是连通着消费者与产品之间的视觉纽带，主题汉字的字体设计的合理、科学对产品的市场推广、营销策划起着重要作用。主题汉字的字体设计作为现代艺术设计的一种视觉元素，在对其运用过程中，除了鲜明地表达产品信息外，还应融入审美理念和文化内涵，不断创新，满足消费者视觉上审美效应和对产品的情感诉求的心理效应，才能让产品形象深入人心，历久弥香。 作者：吴双 单位：安徽电子信息职业技术学院 艺术设计论文范文:神性审美主义中艺术设计论文 一、反工业化的神性审美倾向 19世纪末到20世纪初期的工业化大潮中，机器被看作是人类劳动的替代者，整个欧洲都沉浸在对机器力量的惊叹和礼拜之中。我们都很熟悉的巴黎埃菲尔铁塔便是在那样的环境下建成的，据说其囊括人类对圣经中的巴别塔的隐喻，另一个隐秘的灵感则是其象征着人的体形。“除了罗马的圣彼得大教堂以外，欧洲还没有一个大都市，是那样的在视觉上被一座单独的建筑物所控制；甚至今天，埃菲尔的芒尖在自己的城市中比米开朗琪罗的大穹窿更普遍的昭著显眼。”这是那个时代对机器的顶礼膜拜，是对自我力量的肯定，这种崇拜甚至要超越对宗教的崇拜力量，人类由此越发失去对自然尺度的敬畏之心。一些艺术家开始发问：我们是不是一种制度的受害者？那种制度是我们自己创造的，却被强加在了我们头上，它使我们建造出工厂以后，就势必不惜一切代价地填满它们，却不问我们是否是为了我们的心灵才需要它们；它使我们让轮子转动起来以后，就不得不使它们不停地运转，却不管它们在做些什么。解决这个难题的办法是什么？那个办法是否就是一种生活？其中人人都能快乐而自由的以某种方式表现自我，从事完全由自己支配的工作；那种生活最推崇人的价值，而位于人的价值之上的，则是一种万物都具有神性的感觉。这些艺术家属于“拉斐尔前派”，他们肩负着那个过度兴奋年代里的人类良知。一些设计先驱们积极反对机器崇拜，在设计作品的形态上表现为中世纪装饰风格的回潮。中世纪的美学观认为，艺术之美源于“神溢”，认为艺术创造者不能从其作品中体现本身的审美思想，而是把审美心理趋向于神秘的直觉，要求“与神契合为一体”才能见到最高级的美。这种虔敬的态度是反工业和反现代的态度，在这个方面可以说其是消极的。但是消极之外，我们能够看到理想主义化的艺术设计先驱们，对现实的反思和对神性审美尺度的自我坚持。神性审美主义对艺术的影响就在于，其建立了一种尺度，一种凌驾在艺术作品和设计作品之上的、精神性的、自律的尺度。20世纪初期的许多艺术设计先驱，面对旧日审美的迅速流逝，皆以神性尺度为作品创作之首要根据。他们强调自然的力量，坚决抵制工业化，他们尝试以各种手段呼唤审美回归，退回到中世纪神性与自然的审美精神之中，在浩浩荡荡的工业时代企图唤回人对神性的敬畏之心。虽然这些艺术家们其志可嘉，但是我们不得不承认，面对新的技术革命，这种坚守是不理智的。 二、新时代呼唤新的审美范式 20世纪初的机械化生产带来了时代的进步，技术的飞跃，但同时也践踏了人类的传统审美感受。粗糙、肤浅的产品大量涌现，替代了传统手工文化形成的优雅、精致的手工制品。在工业化时代以前，人类的日常用品和生活环境中，凝结了几千年光阴洗练出的审美范式。一钵一罐、一衣一履，皆有缓慢铸就的设计规范和审美习俗。这种审美体系是由最具消费能力的贵族阶层的审美习惯建立起来的。物质生活富足的贵族，对待使用物的观念不同于平民，他们并不是仅仅要求“物”具备使用功能，而是要求“物”体现出精致、完美的形态，追求蕴含在“物”之中的精神文化内涵。我们现在在工业革命以前日常用品的形态中，可以看见宗教故事、神话传说、吉祥寓意等造型元素，这就是手工艺人为迎合贵族审美习惯而慢慢形成的设计风格。但是，18世纪“平等、自由、博爱”的思想，带领了欧洲一次又一次的平民化革命，贵族与平民实现了精神上的隐性融合。19世纪的大工业化时代的到来，使资本主义的经济体制渐渐完善，更进一步消弭了贵族与平民间的阶级壁垒。贵族阶级被严重削弱，而资产阶级和普通市民阶级异军突起，成为策动社会变革、影响社会审美的主导力量。这种阶级上的平等正在改写整个欧洲乃至世界的历史，同时，新的社会结构和消费意识也在呼唤新审美体系的建立。一部分艺术家和教育家清醒地意识到工业化潮流无法避免，他们坚定地接受工业时代，并坚信通过在艺术形态上的努力探索可以达成“美”与“用”的统一，建立新的审美范式。 三、契合神性审美主义的艺术设计教育体系 （一）方向：艺术与技术的统一 在不断的尝试和探索中，一些艺术家开始意识到，某种新的审美思潮在渐渐萌芽。同时，一些专门的艺术设计学院诞生了，而其中最负盛名的就是“公立包豪斯设计学院”，其办学宗旨即是“艺术与技术——一种新的统一”。包豪斯的创办者们意识到，新的时代已然开启，那为新的科学技术、新的工厂与市民阶层的生活而进行的艺术设计活动，关键在于寻找一条审美的“中道”。包豪斯第一任校长沃尔特•格罗庇乌斯（WalterGropius）的态度与反工业的艺术家们截然不同，1922年2月3日，格罗庇乌斯在包豪斯的形式大师们中间散发一份备忘录：“我们既能称道装配良好的飞机，又能称道创造性的双手做成的艺术作品，这样好不好呢？我们不是那种非此即彼的人，很明显，我们同时在思考着两种创造过程，它们互相之间完全是隔绝的，但是又在同步进行着。并不一定其中的一个过时了，另一个就准是现代的；它们都在继续发展着，而且看来还会渐渐的互相靠拢。”格罗庇乌斯的见解，也是20世纪初许多艺术设计先行者们的共识。包豪斯提出，让科学、技术与艺术结合，将“功能主义”引入艺术设计，让设计为生活服务，顺应新技术的要求，并表现艺术设计者的审美思想。这是艺术史上殊难跨越的一步，以往孤高自赏、服务于贵族的手工艺品，现在不但需要兼顾“美”与“用”两面，还要符合工业量化生产的技术要求。“用”即物品的功能性，这一点是一切人类用品的基本属性。但是如何使日常用品更“美”，如何使用品符合审美的要求，符合什么阶级的审美要求，则是一个不断随着时代变迁的问题。尤其在20世纪初，当旧的生产方式、生活方式渐渐被替代的时候，新的审美尺度应该如何建立？沃尔特•格罗庇乌斯以前瞻性的姿态论述新的审美尺度：“只有不断的接触先进的技术，接触多种多样的新材料，接触新的建筑方法，个人在进行创作的时候才有可能在物品与历史之间建立起真实的联系，并且从中形成对待设计的一种全新的态度，比如：坚决接受这个充斥着机器和交通工具的生活环境。遵循物品的自身法则，遵循时代的特质，进行有机的设计，避免罗曼蒂克的美化与机巧。”彼得•贝伦斯（PeterBehrens，德国艺术设计先驱）说过：“什么时候，用什么方法，才能把我们这个时代的伟大技术成就变成一种成熟的、高级的艺术，这个问题至关重要，在人类的文明中具有深远的意义。”这就是公立包豪斯设计学院创办的初衷，也是艺术设计先驱们努力尝试辨明的方向。 （二）内省：伊顿式“预科教育”的核心 在研究和整理中，包豪斯初建时的一位重要人物，自称“色彩艺术的大师”约翰内斯•伊顿（Jogannesltten）的教学方式和审美思想引起了笔者的注意。伊顿是包豪斯设计学院预科教育的奠基人、艺术家，同时是虔诚的拜火教徒。值得注意的是，他的信仰与他的教学方法是联系极其紧密的。伊顿推行的预科教育重点在于通过对精神与身体的双重净化，释放学生内心沉睡的创造性艺术潜能。预科教育只有半年，不能通过预科的学生比例非常大，他们会被劝退；而通过了预科的学生则被各个作坊吸纳，成为包豪斯设计学院正式的学生。这种教学方式非常接近神秘主义，在课堂上，学生们首先要学习的是控制呼吸与沉思冥想，从而磨炼身体与意志。然后，才涉足色彩、图形与材料的基础综合实验。伊顿所重视的，是如何激发学生的艺术才能、激发感性的艺术本能，使学生受到艺术精神的感召。激发艺术才能的切入点，是鼓励学生从隐然不可猜度的神秘虚空中发现自我。这种作用于艺术设计初级课程的神秘主义，其出发点不再等同于中世纪的僧侣将全部的创作热情奉献给某位神明，而是艺术家对自我创造性才能的发现。其创作目的也不再是将作品奉献给神，成为神明的忠诚信徒，而是融合自我与普罗大众，将倾注了自身审美思想的生活用品，应用于可批量生产的工业技术，然后出售给新兴的城市居民。我们可以基本推知，通过了伊顿式预科教育的学生，他们对艺术设计的审美要求在本质上符合神性审美精神，尊重自身灵性的先验式审美体验。作品的“灵晕”借由设计者个人灵修式的创作方法而显露出来。即使他们的一些早期设计作品显得有些“古怪”，但形态上的演变通常需要一段时间积累才能渐渐趋于稳定。我们在包豪斯中后期创作的产品形态中，不难看到伊顿基础教育的影子：那些简洁流畅、质朴而丰满的物品形态，无一不凝结着艺术家天才的灵光。 （三）契合：尊重神性审美尺度的设计观念 1924年，沃尔特•格罗庇乌斯写成了一篇文章《公立包豪斯的观念与发展》，行文之间他承认，这所学校应该感谢“‘英国的拉斯金和莫里斯，比利时的范•德•维尔德，德国的奥尔布里希，贝伦斯……以及其他一些人，最后，还有德意志制造联盟’，他们全都‘苦心探求，并且最先找到了一些方法，重新把劳作的世界与艺术家们的创造结合起来。’”这些“方法”是尊重、承认、契合神性审美的吗？笔者认为是的，当设计者在设计行为开始之初，首先寻找自己内心深处完整的世界，并将其中带出的美感体验形态化。这种在视知觉层面“推己及人”的审美方式，非常近似于中国儒家精神中个人意志反映上天意愿的神性审美思想。在儒家文化中，作为人类，自我的行为不仅对个人有意义，而且对人类群体、对自然和上天也都具有意义。这种态度既符合实用理性的原则，又承认神性是永恒存在的。《中庸》第二十二章提到人与物、与天地的关系：“惟天下至诚，为能尽其性。能尽其性，则能尽人之性。能尽人之性，则能尽物之性。能尽物之性，则可以赞天地之化育。可以赞天地之化育，则可以与天地参矣。”人与天地可以并称三才，正在于其无限的创造性，设计师恰当地发挥其心灵的创造性，结合工业生产的量产化技术，则可以将属于个人化的创作行为扩大到惠及整个人类。儒家的核心精神认为，我们的情感、思想和观念不必然是我们的私有财产，他们越是个人的，就越不必是私人的。这个观念也正是现代艺术设计的思想源泉：通过工业产品媒介，设计者将自己体会到的艺术美感共享给所有人。 四、结语 斯诺宾莎在《伦理学》中谈到了一个命题：“人的心灵具有神的永恒无限的本质的正确知识。”而中国的《六祖坛经》里则有：“何期自性，能生万法”。事实上，不论东方宗教、哲学，或是西方哲学都肯定这一点，即在人的心灵之中有高于人类本性的能量存在。20世纪初期，以包豪斯设计学院为源头发展起来的艺术设计教育，其目的即是训练设计师和艺术家从自我的心灵出发，寻找适合于主流人群审美共性的设计语言，并在适合人类审美共性的基础上，由艺术家的内省式思维激发出更高级的审美体验，将之凝练在艺术品、日常用品、服装、海报等形态之中，提升受众的审美感受。虽然后来由于种种原因，包豪斯停办，人类历史上最惨烈的一次战争使得当代审美观念从本质上发生异化，战后的现代主义风格并不是完全沿着包豪斯式的艺术设计体系发展起来，而是走上了另外一个方向。但是，我们依旧可以说由包豪斯设计学院引发的包豪斯设计运动，在通往新造型的路上迈出了关键一步，从形态的角度给予了现代设计全新的视角。虽然20世纪初的艺术设计教育没有获得全面的成功。但这些艺术设计家、教育家和理论家们，就像是闯进未知树林的拓荒者，他们开拓出的条条小路给森林带来了充足的灵气、空间和可能，将后来的行进者带往那未有人涉足的、未被踏折的完整茂密之林木的所在。我们应该承认，正是由于对神性审美尺度的肯定，才使一部分工业产品得以保有设计者的“灵晕”，缔造出现代主义风格的形态特征雏形。而艺术设计教育体系最初和最基本的神性审美倾向，则不断引导艺术设计的教育方式，给后来的设计者们打开了一个完整、辽阔而无限的空间。 作者：侯双双 单位：天津外国语大学国际传媒学院 艺术设计论文范文:构思方法视域下艺术设计论文 一、师法自然，造化无穷 人类本身就是自然界的一部分，人对自然的认同感是与生俱来的。因此，到自然界去寻找设计的灵感来融入设计，很容易获得人们的认同。各种生物在自然界长期的进化过程中，经过物竞天择，保留下了最能适应现在这个自然状态的功能和造型，是我们发掘不尽的宝库。师法自然，既可以是造型上的，又可以是功能上的，我们要根据设计对象、目标人群的不同，进行灵活的处理。从自然界汲取设计灵感，绝不是简单地照抄其形态，而是加以提炼和加工。照抄形态不等于设计。“设计”是可以进行提炼，将其形态中本质的美找出来，应用到设计中。齐白石说过，画画妙在“似与不似之间”，用到对自然界的借鉴上，同样适合。将对自然的借鉴融合到设计中去，与其功能和适用对象相适应，才是一个成功的设计。 二、追本溯源，去繁就简 在设计构思开始时，剔除所有外在的干扰因素，从设计对象最根本的设计目的入手，再逐项做“加法”。设计师在进行设计构思的过程中，很容易被既有的各种因素所干扰，对设计对象最根本的功能反而有所忽视。比如过于专注于“造型”的“美感”和表面的装饰，却忘记了产品所承担的功能；再如过于重视海报的“色彩”“布局”，却忽视了要传达的最重要的信息等。追本溯源，就是要剥去这些所谓的“设计要素”，从本质入手，扫开迷雾，看到真相，抓住主要矛盾。很多时候，我们被过多的“设计技巧”“美感要求”所困扰。在设计的过程中，总是想到各种设计的“要则”，美的“规律”。想得周到是好事，但是有时想得太多反而会成为打开设计思路的负累。在这种情况下，我们不妨先放开那些因素，直奔主要功能，反而会豁然开朗，做出直击内心的优秀设计作品。在设计中要敢于抛开次要因素和各种外来条件的干扰，直面产品最基本的功能，直面自己最原始的想法，在确定了要解决的最主要问题之后，再逐渐发散开，用最简洁的设计语言完成设计。现代主义的设计中，简洁正在成为主流，是对最根本的设计目的的诠释。 三、情由境生，物随人变 无论何种设计，归根结底是为人服务的。人在不同环境、情势下往往会产生一些新的灵感。很多新的设计就是由于人的需要被创造出来并不断完善的。当我们又遇到一个设计课题时，可以想象将目标人群置于某个有需要的情境之中，看看在这样的环境下，人们会有什么需要。能给人们带来便捷、舒适的设计就是好设计。在某些情境下，这些需要会自然地表现出来，而设计灵感的出现也就水到渠成了。在现代社会，以人为本已经不仅仅是一种理念，而是决定一件产品能否成功的关键。随着物质生产的丰富，功能的实现已经不是产品之间竞争的主要因素。能否给人愉悦的使用体验，能否设身处地为人着想，创造更舒适的生活，成为价值取向的核心内容。因此，在这种背景下，运用“情境法”，设身处地的换位思考，所做出的设计，可谓是恰逢其时。要做好设计，就必须随时关注人（包括自己）的需要，在不同情境中，尽可能将这些需要记录下来，成为我们的灵感库。情境法可以用“故事板”的形式进行表现，当故事讲到某一个阶段，目标人群的需要和设计灵感往往就会出现了。 四、头脑风暴，妙手偶得 头脑风暴是设计与其他创造性活动中常用的方法。头脑风暴一般是以小组的形式进行。一组人不受任何约束地就所设计的课题发挥自己的想象。每个人可以畅所欲言，随意发表观点。头脑风暴有时候采取联想图的形式，从甲事物，通过天马行空的联想，与乙事物联系起来。头脑风暴的方法是在运用过程中，对任何有可能、有价值的想法进行记录。其是对头脑的一次洗礼，古诗说：“文章本天成，妙手偶得之。”其实这里也是“灵感本天成，妙手偶得之”。头脑风暴的关键是既能“放得开”，又能“收得回”。“放得开”是在讨论期间可以不受任何限制充分发挥，天马行空，不受约束；“收得回”，是能够从众多的信息中提炼出有价值的部分，并深入进行剖析。头脑风暴的讨论完成以后，要对内容进行分析、归纳，提炼出有价值的部分，往往在设计中可以得到运用。 五、热点追踪，紧随时代 任何艺术作品其实都是主观情感、审美标准和客观世界的混合体，艺术设计的作品也不例外。但是，设计师不同于艺术家。纯艺术创作在以客观对象为表现对象的同时，往往更多地表现创作者内心的情感与审美趋势。设计师则必须充分考虑大众的审美取向，从某种意义上说，为了尽可能提高产品的销量，设计师其实是在为“大多数”人进行设计，必须考虑大众，尤其是目标人群的关注点。因此，设计师必须对社会热点有敏锐的触角，迅速接受并融入自己的设计。由于社会热点即是大众的注意力之所在，我们也可以将这种设计灵感的来源称为“取巧”，但是如果运用得好，往往会在短时间内产生显著的经济效益和社会效益。社会热点诸如重大赛事、流行趋势、热门影视作品等都可以成为我们的取材对象。比如在推销某些商品时，常常说“某明星同款”，就利用了大众这个心理；再比如奥运会、世界杯等重大赛事的吉祥物设计、标志设计、色彩使用等，在不侵权的前提下，都可以大胆借鉴和学习。 六、传统文化，不竭之源 中国的设计师要做出蕴含文化特色的设计，才能真正在世界设计界占据一席之地。中国的传统文化博大精深、浩如烟海，可以说传统文化中蕴含着令人震撼的美感，更值得我们用一生去学习和借鉴。且不说中国传统文化的整体，仅仅是艺术的部分，我们所能学习的也仅仅是沧海一粟。国画、书法、戏剧、雕刻、刺绣等，从造型到技法，从形式到内容都蕴含着无穷的智慧。平面设计大师靳埭强运用中国书法所设计的系列招贴如行云流水，在清晰表达信息的同时，传递出书法之美；设计师汉斯•瓦格纳设计的“中国椅”正是受中国明代家具的启发；德国“红点奖”获奖作品“太极沙发”也是对中国传统哲学的借鉴。如今，很多领域从传统文化中汲取营养，艺术设计也不例外。学习传统文化绝不是对传统文化进行生搬硬套，而是理解其在美感上的内涵，提炼并运用到设计中。照抄不仅不能提升设计水准，反而会“画虎不成反类犬”。传统文化中蕴含着值得自豪的内涵，从传统艺术形式中学习、借鉴、提炼，不仅提供了设计的灵感之源，更是文化独立和文化自豪感的体现。一切方法都是有局限的，只有不断地学习、探索和实践，才能真正掌握设计的精髓。作为一名设计师，或是一名设计专业的学生，只有广泛涉猎，敏锐地把握热点和流行趋势，并且留心观察，才能逐渐确立专业优势，使设计水平不断提高，设计灵感不断涌现。构思的方法运用必须依靠坚实的知识基础并加以灵活、科学的运用，才能真正发挥作用。 作者：侯可新 单位：湖南工艺美术职业学院 艺术设计论文范文:创新教学模式下艺术设计论文 一、以最新成果的接受为和实践为主的“四个结合” 对于艺术设计类专业来说，它的最为核心的竞争力就是创造性思维，而创造性思维的培养不仅要对于历史上著名的艺术设计作品接受，而且也要对最新的艺术作品和成果接受，因为只有这样，才能时刻的把握时展的律动，站在时代的最前缘，设计出自己别具一格的作品，因此在教学的过程中，教师可以采用实地参观、多媒体展现等多种方式来对当前艺术设计类专业的最新成果和作品进行展现，以此来丰富学生自行设计时的素材。实践不仅是对知识教育与能力培养相结合的一种检验方式，而且也是课堂教学与课外实践相结合的具体要求，因而是“四个结合”中的关键，它能从根本上把艺术理论与艺术实践结合起来，而这种结合起来的最好模式就是“工作室制”，这种人才培养模式最早出现在1919年的欧洲，以“知识与技术并重，理论与实践同步”为其核心，是现代艺术设计教育的先河，我们应该取其精华，弃其糟粕，以学生为本，以工作室为依托，依据当前的艺术设计类专业的发展大势，使得教学与工作室相衔接，从而提高学生的就业能力和专业水平。 二、以实践式为主的三个探索 在上文中的实践为主的四个结合中，谈到了实践式为主的三个探索的主要思路，那就是“工作室制”。工作室能够促进师生角色的转换，它不同于教室和教研室，而是以个人负责和项目负责为依托，教师以企业老板的身份进行管理，指导学生学习，而学生则可以以员工的身份深入到工作的全过程，定期轮岗，适应不同的工作要求。在工作室工作的过程中，教师可以有意识的加入教授课程的内容，同时也能够吸收外面的企业项目，以任务为主体来完成所有的课程教学，同时又能够使得学生与外面的市场需求零距离接触，解决了今后必将会面临的就业问题。工作室运行的核心思想应该体现为适应艺术设计类专业的教学和实训，而且与外面的企业相结合，保证工学一体化。工作室是设计公司的一个缩影，在艺术设计类专业学生的学习生涯中，除了公共课程的学习，所有的课程都可以在工作室完成。在工作室的设计和组建的过程中，人才的选用要求老师有着敏锐的洞察力，能够保证学生各尽其才、各司其职，只有这样才能真正的成为人才培养的模式，否则将会葬送学生美好的学习时光，因此在工作室组建的过程中，应该建立起“工作室建设改革领导小组”与“工作室建设工作小组”，以此来保障工作室顺利的运行。同时在工作室建立的过程中，应该在运行一段时间之后，适当的进行总结，并且可以采取专家论证的方式，总结工作室的缺失，人员安排是否合理，项目设置是否能真正地体现教学。在工作室管理的过程中，不仅能够提高学生的相关能力，可以利用这个平台，检验师资力量，同时也能与企业相结合，从而形成产学互动，校企双赢的良好的运营模式。 三、以创造性思维能力为主的“四种能力” 随着科技的进步与社会的发展日新月异，新的观念与材料，新的技术与信息的出现可谓层出不穷，这从物质上也从技术上为艺术设计的创新提供了可能，同时也对艺术设计师的创造性思维提出了更高的要求。如上文所述，创造性思维能力是高职艺术设计类专业的核心竞争力，因为艺术设计本就是一个思维创造的过程，因而这也就决定了艺术设计思维是一种创造性思维，它需要创造性思维全程参与。创造性思维是一种以感知、记忆、思考、联想、理解等能力为基础，他的特征是综合性、探索性和求新性，也正是因为这样的一种办法，才导致了创造性思维能够调动起大脑中所有的信息和知识，借联想、想象等灵感来发现独特的解决问题的办法。对于艺术设计专业来说，最为关键的就是创造性思维，对其创造性思维的培养主要有三个方面，首先是要对文化传统有良好的把握，创新与传统是辩证统一的，没有继承就没有创新，艺术设计是一个学科交叉与综合的学科，他涉及到了自然科学、人文科学等多个领域的学科，因此必须对各个学科的文化系统有一个良好的把握，才能真正地培养出创造性思维；丰富的设计理论与实践经验，设计理论包含了设计史、艺术史等多个学科，它们能够帮助我们了解中外艺术设计的传统，我们只有充分的了解才能不断的提高自身的设计与审美情趣，并且将理论与实践相结合，并拥有丰富的实践经验，只有这样才能培养出创造性思维；最后创造性思维的培养需要有一个开放的思维模式，不能墨守成规，依照惯性的思维模式来构思，比如对于西方非理性思维艺术大胆新奇的思维借鉴，但是也不能太片面的一味的追求创新，我们应该用创造性思维，开拓设计的多样化、个性化与非标准化，从而能够做到真正的创新。 作者：徐薇 薛慧峰 白松楠 单位：内蒙古商贸职业学院

学前教育美术论文:论学前教育美术课程改革 教学是学校教育活动的中心，课程改革是专业建设的核心工作。美术课程是职业院校学前教育专业的必修课程，旨在培养学前教育专业学生的美术素养与能力。近年来，随着我国教育综合改革的深化，学前教育改革也引起了越来越多的关注。本文对职业院校学前美术教育的教学现状、课程设置、评价模式等问题进行深入探讨。探讨并解决这些问题对于提高职业院校学前教育质量、深化职业教育改革具有重要的意义。 一、当前学前教育美术课教学现状 1.课程内容较为陈旧 美术教育是培养形象思维的有效手段，没有自由发挥的想象力就无法培养形象思维。但我国目前职业院校学前教育美术专业，大多仍在使用以前的教材进行教学，在内容上并没有及时调整和更新，绘画教程机械简单，多以临摹为主，理论内容单一，缺少想象力的发挥，难以进行个性化的绘画创作。总体来看，美术教育课程设置不符合新形势下美育教育的需要。 2.课程教学模式单一 在职业院校中，大多数教师在对学前教育专业学生进行美术知识教学时，会对基础知识和技巧进行理论性讲解，偏向于纯美术绘画技能的学习，教师在上面画，学生在下面跟着画，以画得像不像为标准，较少与具体的幼教实践活动相结合，从而忽略了学生技能的运用。实际上，美术基础理论的传授并不是美术课程的最终目标，而是应该向学生强调美术课程中的知识在学前专业上的技能运用。3.缺少足够的实践时间不论哪个阶段的学习，都应该注重理论与实践相结合，尤其是美术这门实践性较强的课程。如果缺乏实践活动，学生只能掌握书本上的美术理论知识，学到的是模仿教师传授的绘画技术、描摹对象的能力和逻辑思维，而最重要的形象思维得不到发展训练，在未来走上工作岗位后就不知道应该真正从幼儿的好动天性方面去教学。实践活动是学前教育美术专业的一个关键环节，但是在实际教学活动中，很多教师大篇幅地讲解书本知识，没有给学生足够的实践时间，也很少组织学生参与实践活动。学生的学习只是为了应付考试，并没有考虑到将来如何成为一名优秀的幼儿教师。 二、学前教育美术课程改革的要求与特点 1.学前教育美术课程改革的基本要求 学前教育美术课程的教学计划、教学课程、评价体系都必须围绕着其课程改革的目标展开。职业院校的学前教育美术课程教学大都是以绘画基础、儿童画、手工等内容作为培养手段，但不论课程如何设置，都要强调培养学生的综合素质和审美能力。学前教育美术课程的改革就是让学生掌握幼儿教师的美术基本功和激发幼儿思维的基本方法，同时将所学知识运用到实际生活中，陶冶生活情操，提高审美能力。 2.学前教育美术课程改革的特点 当前，我国经济社会发展给我国教育改革提出了新的要求。按照素质教育的要求，职业院校学前教育美术课程改革，应该具有以下特点：一是教学以培养学生综合素质为本，二是注重学生的个性培养、潜能开发、智力培育，三是更加注重道德教育和人文的教育，四是课程更加注重生活化、社会化，五是课程与现代信息技术结合等等。 三、学前教育美术课程改革的主要措施 1.调整理论课与实践课的学时 学前教育美术课程的设置首先要将理论课与实践课结合起来，合理安排二者的学时，适当进行调整。职业院校的学前教育美术课程理论知识内容庞杂，涉及很多相关专业知识，所以，需要适当增加实践课程的学时。学时可以分主题模块，一个理论知识对应一次实践课堂，让学生在实践过程中加深对理论知识的理解，加大美术课程与其他相关技能的培养。学校可与幼儿园联系以每月一次的主题活动开展美术课程实践，比如进行幼儿园的环境创设、区角布置等，让学生走进幼儿课堂，在实践中加强专业技能训练。 2.增加富有地方特色的美术教程及思维训练方法 我国地大物博，每个地方的美都具有不同的表现方式。富有地方特色的美术教程，就是以美术课程为主要载体，以地方特色为背景，将古人传承下来的各种资源加入到教学中，进行一定的调整和删减，使得学生发现美、创造美，可以对当地的风景、伟人事迹、民俗等进行艺术加工。 3.采用趣味化教学模式 喜欢绘画的人普遍具有较强的好奇心，他们喜欢关注常人不屑于关注的事物，而且常常涉猎面很广，旅游、探险、考古、摄影、民俗、各门类艺术等等，从工作到生活各个方面。这些连带的丰富的兴趣爱好不但可以极大地丰富一个人的精神生活，而且同时也拓展了一个人的发展空间，增强人的社会竞争力。因此，美术可以作为一个突破口、一个切入点，以点带面，培养一个人广泛的兴趣。美术课程教学相对于其他课程而言具有更大的灵活性，但是如果采取填鸭式教学模式，反而会使美术课程变得呆板无趣。所以，学前教育美术课程可以充分利用多媒体资源、自然条件等，向学生展示不同境界的美，也可以组织学生出游写生、进行手工比赛、根据所处学期的节日进行主题绘画创设教学等。在教学过程中采用多种好玩的方式，比如讲故事、做游戏等，创设情境，定好主题模拟体验，进行主题教学。只有采取灵活、有趣的教学模式，才能够激发出学生对美术课程的热爱，使得美术课程的教学环境更加愉悦、放松，教学方式更加灵活，也有助于激发学生对美术的学习兴趣。 4.教学方式多元化 “美国老师从来不担心学生画出蓝月亮，怕的是他们画的月亮与天上的月亮一模一样。”这是詹华如《美国教育为什么有后劲》中说的。很显然，他们的美术教育不是简单的技术传授，相反，是被当做突破规范思维的训练手段，其结果是让他们挣脱了思维的枷锁。学前教育美术课程的教学方式关系到学生学习的效果，多元化的学习方式能让学生更加主动地学习。目前许多美术教师会在课前搜集一些富有吸引力的素材，让学生根据素材完成作业，严重阻碍了学生想象力的发展。如果教师让学生自主绘画，或是提供给学生一个主题，学生就可以遵循自己的内心进行创作。也可以对学生进行分组，一组为教师组，一组为儿童组，让儿童组的学生尽可能提出各种问题，教师组的学生进行示范讲解，这种角色扮演的方式不仅能够让每个学生都参与进来，还能充分调动学生的积极性，进而达到理想的教学效果。学校可多设置一些美术选修课，或是成立与美术相关的社团，通过举行艺术比赛等为学生提供更广阔的创作空间。教学模式中可以加入一些生活的元素，如折纸、制作收纳盒等，这些制作有助于培养学生的耐心，同时也可以使学生学会生活中的一些小技能。 5.建立科学的教学评价体系 由于美术的特殊性，在进行美术评价时，没有一个固定的标准，作品评价没有硬性统一规定，因人而异，可采取学生自评、互评等方式。针对学生在外实习的实践，考评体系应该更加全面，考评内容应包括美术教案，课程设计，幼儿园区域设置，幼儿园环境创设，园方、家长、幼儿评价等。只有通过这些直观、丰富的书面材料，才能反映出一个学生是否能够承担起一名幼儿教师的教学责任，也更能体现出职业院校学前教育美术专业的教学水平。 四、小结 总而言之，学前教育阶段是儿童智力开发的关键时期，深化学前教育美术课程的改革势在必行。各院校首先要认识到这项改革的重要性和必要性，不断更新美术理论知识系统，改变单一的教学模式，适应新时期教育发展的需要。 作者:肖寒 单位:广西轻工技师学院 学前教育美术论文:学前教育美术手工教学分析 摘要：随着时代的发展，人们的思想水平也随之不断提高，学前教育作为启蒙教育为人们所重点关注。作为幼儿综合素质中重要的组成部分，美术手工教学对于促进幼儿身心的全面发展具有重要的意义。良好的美术手工教学启蒙离不开学前教育美术手工的教学。因此，必须研究学前教育专业美术手工教学方面的知识，使得幼儿教育更加专业化、科学化，并培养出更多优秀师资。 关键词：学前教育；幼儿全面发展；美术手工教学 素质教育越来越被如今的社会所重视，学前教育作为启蒙教育，决定了幼儿素质能力的高低。而想要培养出优秀的幼儿，为将来的社会输送高质量的人才，首先就需要培养出优秀的幼儿教师。学前教育美术手工教学能够培养幼儿的动手能力、创新能力、和想象力。可以说，在学前教育中，美术手工教学占据了十分重要的地位。 1学前教育美术手工教学的目的 美术手工教育是为了能够培养出学生发现美的能力，即是审美能力[1]。不仅能够培养学生的审美能力，还能慢慢开发学生大脑的潜能，有助于理解力、想象力的发挥。而在学生与美术手工教育接触的过程中，幼儿会提升对美好事物的敏感度，还有鉴美能力，充分激发出学生的想象力。接触美的事物还能让学生真切的感受到大自然和社会生活中的美，对学生的成长百益无害。美术手工教学的过程中，教师需要对学生进行手把手的教学，这样的话，学生就会和老师一起进行手工操作，学生处于幼儿的年纪，对于一切新鲜的事物都会模仿，学生会模仿教师创作的过程。这一过程中学生不断重复模仿着教师的动作，其动手能力也会有一定的增强。 2学前教育美术手工教学的现状与不足 就学前教育美术手工教育的现状来说，主要存在以下几个问题和不足：一是学前教育中选择最多的是关于音乐方面的，对于美术手工方面的教学不是特别重视。这就导致美术手工教学的师资水平没有达到应有的标准；二是在教学中错误安排课程，大部分的课程都是强行的给学生欣赏一些作品或者灌输一些美术知识。这种做法过于看重基础，忽略了美术本身的趣味。这样只会让学生感觉枯燥无味，产生消极态度；最后是因为材料的缺乏，或者师资力量的不足等方面的原因导致美术手工课程得不到重视。有的甚至没有设立美术手工这一学科。而在开设了美术手工教学的课堂上，其教师的教学模式就是让学生按部就班的模仿，教的内容就是传统手工课内容，类似于折纸之类简单的手工制作。不论是课程的设立，还是课堂上教师的教学，都显得过于随意，没有合理的规划。这种陈旧老套的教学方法极大的限制了幼儿的创造力，根本不能达到学前教育美术手工教育的目的。 3进行学前教育美术手工教学的方法和具体措施 美术手工教学作为学前教育中重要的一部分，必须有自主的原则。在进行学前教育的美术手工教学过程中，一定要以学生为中心，让学生自己做学习的主人[2]。但是因为学生是幼儿，发育尚不成熟，这就需要教师考虑到幼儿的实际情况，合理加以引导。在具体的课堂教学上，应对教学内容进行细致的调整以符合学生的实际情况，尽量为学生提供丰富的课堂资源。另外在美术教学过程中，要注意培养一下学生不同角度观察事物的能力。幼儿具有天生的好奇心，我们对学生这种好奇心进行一个正确的引导，让学生非常自然的接受新鲜的美好事物的启发和熏陶。另外，好的创作环境和一个热心的鼓励，将会激发出学生的创作热情。这时候教师就需要发挥自己的职责，教授正确科学的美术手工基础知识给学生，然后呵护好学生的创作热情，这对学生日后美术手工方面的发展无疑打下了一个很好的基础。具体措施如下。 3.1合理安排理论与实践课的比例 美术基础的教学主要内容是对一些基础的美术知识进行了解，然后就是对知名作品进行欣赏或者对作者的一些信息就行了解。传统的教学方式比较偏向于这方面，让学生对于美术有一个全面的认识，了解的知识面广泛，但是这种方法过于机械化，一味的学习书面知识只会让学生感觉枯燥无味，容易导致学生的思维仅仅局限在书本上，从而体会不到学习美术的乐趣所在。除了上述的美术基础以外，美术教学部分还包括了手工创作这一方面，其主要表现为绘画和手工制作等方面。为了避免单一的学习书面知识而导致学生丧失学习的兴趣，最好的解决办法就是让学生多多实践，让学生自己把在书本上学到的知识在实践中运用出来。这样不仅仅能够增强学生的动手能力，还能巩固学生学习到的书本知识，可谓一举两得。 3.2开创新颖的教学思路，调动学生的积极性 上面一点说到学习书本知识是一个鼓噪无味的过程，长久下去容易导致学生丧失学习美术的兴趣。那么如何调动学生的积极性，培养出其对美术学习的兴趣，这就需要教师开拓新的教学思路，想办法把枯燥无味的书本内容调剂成有趣味，好玩的东西传授给学生。举个例子，在进行手工绘画的教学中，要教会学生们画小动物，那么就可以在画画的教学过程中，穿插着讲述一些关于小动物的故事。画蛇可以讲《农夫与蛇》的故事、画老虎可以讲《狐假虎威》的故事、画狼可以讲《狼来了》的故事。学生都是幼儿的年纪，心智不成熟，而讲述寓言故事是能够打动幼儿的方式，这样不仅是让学生学习到了很多人生的道理，懂得了真善美丑，也达到了传授美术教学的目的。这样使得美术教学有了一定的内涵，而不是仅仅是表面上的技能教学。 3.3合理借鉴民间传统艺术，“寓教于乐” 美术教学中的手工创作方面，主要是以培养学生的动手能力和创造能力为主[3]。这一点上，可以把手工创作教学的内容融入到中国传统民间艺术作品中。学生都在幼儿的年龄，恰是爱玩的年纪，既然是玩。为什么不让学生自己动手创造，玩自己创作的东西。比如民间传统的皮影戏，老师可以先通过皮影戏这一经典的艺术作品勾起学生的好奇心，然后利用学生的好奇心。指导他们学习并且制作传统工艺品，还可以鼓励学生利用自己创作出的作品，表演不同的皮影戏。学生在享受到表演乐趣的同时，也有了创作上的收获。在这过程中，教师还可以针对不同的工艺品来讲解对应地区的风土人情，或者一些特色文化，传说故事等。采用这种“寓教于乐”的教学方法，不仅能够培养学生动手创作的能力和兴趣，亦能够培养学生的文化底蕴，了解我国灿烂的历史文化，一举多得。 3.4开办集体性展览 美术手工是一个技术性的特长，那么必将会有一个缓慢的学习过程。那么我们就应该在这个过程中，让学生能够主动的不断学习进步。用画展的形式来展示学生们的成果是一个不错的选择，学生取得进步时要及时赞扬，退步时要及鼓励安慰。看到自己的作品被展示出来，甚至得到了别人的赞赏，这在很大程度上会激发学生学习和创作的热情，期待下一次更好的展示。学前教育的美术手工教学是一个需要不断引导和发展的过程，这种方法可以让学生不断的了解、认识自己。教师需要做的就是鼓励、认可、并且赞扬。学生有了动力，才会不断的主动去追求新的发展。除此之外，在画展开办的过程中，学生还可以在团队中和别的同学互相交流学习经验，这有利于学生团队协作能力的锻炼。 4关于学前教育美术手工教学的作用 学前教育是一个启蒙的阶段，这年龄段的学生都在幼儿的年纪，还保留着人的天性。而学前美术手工教育能够让这年龄段的幼儿体验到学习美术的快乐和美妙。学前美术手工教育除了让学生接触到周围环境中那些美好的事物以外，还让他们有着自由表达的机会，不受任何束缚的去亲近生活和大自然，让学生真切的感受到美。并且在受到艺术熏陶的同时，让学生体会到艺术的奥妙，激发出对美的创作热情兴趣。 5总结 “经济基础决定上层建筑”这一说法不无道理，作为任何教育阶段的启蒙期，学前教育的重要性可想而知。而美术手工教学作为学前教育的主要内容，锻炼了幼儿的各方面综合素质能力，为以后的人才输送，打下坚实基础。为此我们应着重研究学前美术手工教育，可以说这几乎关联着社会的幼儿教育问题，对我们以后培养出综合素质全面发展的社会人才有着不小的帮助。 作者：吴韧婕 学前教育美术论文:优化高师学前教育美术教学模式思考 摘要：作为高师学前教育的专业课程，有着其独特的定义。它与专业美术教学不同，其教学内容更加浅显广泛、教学形式更加多元化，教学评价机制也由对专业基础和专业技能的评价转对学生的情感、态度、价值观以及思维创新能力等的多方面评价。本文试图从以上三方面对高师学前教育专业的美术教学模式进行思考，并提出自己的见解。 关键词：学前教育；优化；美术教学；模式 随着经济的发展和人们生活水平的提高，让孩子赢在起跑线上的思想逐渐深入人心，家长们对幼师的要求已不仅仅是看好孩子的衣食住行。他需要幼儿教师必须全面提高自身综合素质，在看护好孩子的同时还要传授多方面的知识。这就对作为幼儿教师的培训摇篮——高等师范学前教育专业提出了更高的要求，如何培养高素质的全面发展的学前教育人才成为我们思考的问题。美术教学是高师学前教育专业的必修课，是幼儿园教师重要的基本功之一，它是个性化教学，提高教师综合素质的重要武器。但由于该课程起步较晚，正处于探索阶段，在教学中还存在一些问题，比如教学内容片面、形式单一等，因此，对于高师学前教育美术教学模式需要我们更深入地去思考和研究。 一、完善教学大纲，优化教学内容 学前教育专业美术课程与专业院校的美术课程不同，不是对专业技能、技法的反复训练，而是具有自己的专业特点。它是针对未来的幼儿教师设置的，要求学习者既要学习一些美术基础知识与技能，又要把所学到的美术知识与技能应用到以后所从事的幼儿教育当中。如何陶冶学生的审美情操，提高其生活品质，同时又能掌握必备技艺，形成职业素养，成为我们优化教学内容所要考虑的问题。美术课程作为人文性质的课程对技能技巧的要求偏高，针对学前教育专业的学生，我们对技能技巧方面的要求要尽量广一些，浅一些，要能为他们今后从事幼儿教育工作奠定一些必备的基本技能。在课程设置方面需要开设一些简单的绘画基础，这里包括幼儿所接触的一些简单的绘画形式，我们尽可能广泛地进行学习，如简笔画、儿童版画、儿童国画、儿童手工艺术等。同时也应增设一些中外美术作品欣赏、民间艺术、简易动画、设计与工艺方面的学习内容，使学生在完成艺术作品、欣赏经典中掌握必备技艺，形成良好的职业素养。 二、充分利用教学资源，优化教学形式 美术教学的优势在于它的灵活性和机动性，不少教师受传统教学模式的影响，忽略了这一优势。他们偏重书本知识的传授，照本宣科，很少带领学生走出教室，融入自然和社会，既缺乏对美的感知能力的培养，也忽视了社会实践，不利于营造活泼的学习氛围。学前教育专业的美术课教学，应根据其教学内容的不同，充分利用各种教学资源，采用不同的教学形式，丰富教学内容，激发学生学习和探索的欲望，提高学习效率。例如，在进行素描、色彩等绘画基础教学时，可以根据学习内容带领学生去参观一些书画展览，也可以组织学生观摩美术专业的学生作画，并与他们进行学习方面的交流。在进行儿童手工民间艺术的教学中，可聘请民间艺人进课堂，也可组织学生到民间艺术基地去亲身体验其中的神奇与奥妙。又如，在进行幼儿园环境创设课程的教学中，可以利用学校与幼儿园的合作之便，组织学生到各幼儿园实地参观考查，使学生在对幼儿园环境有了直观的了解后，再进行针对性教学，既能减少教学的难度，又能增强学习效果，使教学活动顺利进展。教学资源的开发要建立在课程设置的基础上，要突破传统的教学模式，加强教师的引导作用，这就对我们的高校教师提出了更高的要求。坚持以学生为本，发挥最大资源优势，增强学生学习的积极性和主动性。 三、根据课程目标，优化评价机制 学前专业的美术教学培养的是幼儿教师，是能够欣赏美、创造美和传播美的适应现代教育需要的新型教育人才。这就需要我们突破传统的美术教育评价机制，从过分重视专业基础和专业技能转为多元化的针对学前教育专业美术课程的评价机制。从学生的情感、态度、价值观以及思维创新能力的角度出发，对其美术作品进行评价。尽可能针对每个学生的不同发展水平，尊重个性的培养。评价时要多鼓励，充分肯定学生的优点，针对性地提出学生的不足。促使学生成为全面发展的高素质的优秀教育人才。 四、结语 美术课是学前教育专业的重要课程，传统的美术教学方法和内容不能满足本专业的实际需求。如何针对专业需要提高教学水平和教学能力，成为摆在我们面前的重要课题。作为学前专业的美术教师，更应该从实际出发，加强教学研究力度，增强教学能力，不断探索和改进教学方式方法，使我们培养的学生能更好地适应到现代教育一线当中，成为一名高素质的学前教育工作者。 作者：钟丽娟 单位：咸阳师范学院 学前教育美术论文:学前教育美术课程的问题及对策 摘要：本文从学前美术教育的重要性出发，提出了改善学前美术教育的措施，为目前学前教育的管理和发展提供了理论支撑，更为学前美术教育的长远发展指明了方向。 关键词：学前教育；美术教育；问题；对策 随着教育体系的改革，学前美术教育受到重视，幼儿天真质朴，可以无拘束地将他们的情感生活画出来，所以，学前美术教育对于学生的创造性、想象力的影响是十分深远的。儿童的情绪也可以在美术作品中得以体现，这加深了对学前美术教育的研究。 一、学前教育中美术课程的现状分析 学前教育已经基本形成一个整体的教育体系，美术课程在学前教育中的地位也日益受重视。现代美术教育课程的内容呈现多形式、多态势。美术课程作为学前教育的一门基础课程，具有不可替代的地位。学前教育是整个教育体系的重点内容之一，而美术课程更是学前教育的重中之重。除了学时有所增加，课程内容也更趋向于多元化、多样化。 二、学前教育中美术课程存在的问题 1.对幼儿创造性思想的禁锢目前，我国现代学前教育对美术教育的安排还存在以模仿为主的教学管理问题。表现为教师先画一幅美术作品，然后让幼儿照着模仿，以模仿的相似度进行考核评价。为了得到好的评价，幼儿往往摒弃自身的想象空间，配合教师安排，长此以往，幼儿的创造性和想象能力都被禁锢了。2.忽视幼儿美术观念的形成很多人认为美术只是单纯地涂涂画画，其实美术观念渗透在我们日常生活的每一个细节，这种片面思想导致个别学前教育机构忽视对幼儿美术观念的建立。当然，幼儿师资培训不足也会影响到幼儿美术观念的形成。3.学前教育中美术专业教师师资不足学前教育中美术课程的教授一般由幼师担任，不会设置美术相关专业的人来讲授，幼师教育虽然包含美术专业相关知识，但与真正的专业技能有差距。这样的师资队伍使幼儿美术教育效果不显著。幼儿美术教育区别于成人美术教育，目前美术教育还存在以大众的眼光来判断，无法对幼儿进行启蒙式思想教育与引导。 三、如何提升美术课程的教学质量 1.转变学前教育中的美术教育观念教师在美术教育中的引导作用应有正确定位，转变美术教育观念，用可持续的、科学的眼光看待学前美术教育。政府应在学前教育中多加引导，学前美术教育不是为了学习绘画之类的技术，而是以激发幼儿的想象力为目标，用科学的手段引导教育，建立系统性教育教学体系。2.改进学前美术教育的教学方式方法学前教育应该分析教育对象的特点，幼儿普遍存在好动、难以集中注意力、难以管教、语言沟通较难等特点，在安排学前美术教育课程时，教师要选择合理的教学方式，采用多角度的教学方法，避免单一、死板；利用多种教学工具，吸引幼儿的学习兴趣；利用影音资料帮助阐释教学内容；利用多种组合模式活跃课堂气氛，及时肯定幼儿完成的成果，帮助幼儿建立自信心。3.加强教师的能力及素质幼儿园应组织现有幼儿教师定期进行美术素养培训，稳固教师的专业知识，加强行业交流，建立长效合作的互评机制，完善学前教育的美术师资培养计划，设定多种培养方案，全面培养教师美术素质，为学前教育美术教育的发展培育合适的领路人。4.完善课程内容，增加有趣且符合幼儿需求的课程美术不单只有绘画，还包括各类动手制作的内容，如折纸、剪纸等。用多种材料制作美术作品，如蛋壳、花生壳、沙子、毛线、彩色玻璃、碎布条等。使用新材料进行创作，更能激发幼儿对美术的热爱及兴趣，在日常生活中可以随时发挥自己的想像力。5.改进对幼儿美术作品的评价环节教师对幼儿的美术作品评价，不能以成人的标准去判定，而是应该站在幼儿的角度去思考，让幼儿之间进行多种交流及沟通，以幼儿的标准去评价，多给幼儿鼓励及信任。这种做法不仅能提高幼儿的欣赏能力，还能培养他们的审美观。6.注重幼儿艺术情感的创作方式一些国外心理学家和教育工作者对儿童艺术很感兴趣，将其作为理解儿童心灵和情感的一扇窗户，特别是那些情感上可能受到伤害或经历了某种精神创作的儿童。这类儿童创作的素描、油画和雕塑主题以及他们在作品中描绘自己和他人的方法，甚至他们用艺术材料进行创作的方式等，能为教师提供有关他们情感生活的线索，这些方面也是艺术治疗师关注的方面。 作者：邹琳媛 单位：农垦宝泉岭管理局局直幼儿园 学前教育美术论文:高校学前教育美术专业教学的实践 摘要：目前，我国对学前教育不断进行改革，尤其是对学前教育中美术教育的探究正处于最关键的时期。美术教育对学前幼儿有非常大的影响，其能够培养幼儿敏锐的观察能力和创新性思维，提高幼儿的自主学习能力。笔者对目前学前美术教育在发展过程中存在的问题进行深入分析，并提出相关的解决对策。 关键词：学前教育；美术教育；实践与思考 一、美术教育在教学过程中存在的问题 1.美术教材的内容没有及时更新 在学前教育中，美术教育占非常大的比重。但在美术教学过程中，普遍存在教材内容不符合幼儿的接受能力；幼儿园安排给幼儿的美术课时间也比较少；幼儿园没有足够的幼儿教师等问题。这些问题导致幼儿对美术学习失去兴趣。 2.教师的专业素养不足 教师在美术教学过程中，能否顺利地将教学活动进行下去，其专业知识和技能发挥着关键的作用。但是，笔者调查发现，很多高校的学前教育专业的美术教师大都出自美术专业，没有系统学习过学前教育的相关知识，导致学前教育专业的学生进入幼儿园后，所学的美术知识不符合幼儿的身心发展规律，无法顺利开展美术教学活动。 3.美术教学的方法太过单调 在美术教学过程中，教学方法将直接影响教学结果。但目前许多幼儿教师喜欢用让幼儿模仿自己画画的方法，这种方法枯燥无趣，很难提高幼儿的学习兴趣。而且美术知识正多元化发展，教师却仍然依据陈旧的教材内容进行教学，导致幼儿的思维被束缚。 4.“重理论、轻实践”的现象仍然普遍存在 在开展和落实学前教育专业的美术教学工作时，美术课程的设置也很重要。美术教师应以培育学生的幼儿美术教学能力为基础，对美术课程进行精心而科学的设计。但不少院校和教师在设计美术教学课程和绘画训练实践方面存在问题，其中最典型的就是重理论、轻实践。对该专业的学生来说，美术教学的实践训练远比接受理论教育重要得多。 二、针对美术教学存在的问题提出的相关对策 1.美术教育要有明确的教学目标 学前儿童的身心发展不同于其他年龄阶段的学生，教师在设计教学活动时要充分考虑幼儿的心理特点。对幼儿进行美术教育，不仅是为了教给幼儿简单的美术知识，让幼儿理解各种绘画技巧和方法，还要提高幼儿的绘画水平，培养幼儿发现美、感受美的能力。 2.对学前美术教育的课程进行改革 学校在给学前教育的学生安排美术课程时，应考虑到所学课程需要结合幼儿的年龄特点和心理发展规律。幼儿教师在设计教学活动时，其教学方案要适合幼儿；在教学过程中，对幼儿的绘画技巧不能要求太高，要先教给幼儿美术知识，再让幼儿用绘画等美术方式表达自己的想法，感受美术的乐趣。教师要对美术课程的各个环节进行规划，让幼儿学习系统化的美术知识，用多种教学方法提高幼儿的学习效率。 3.不断创新，丰富教学方法 教师在美术教学过程中，应加强对幼儿观察能力和创新思维的培养。新课程标准的改革要求教师在教学时做到以人为本，不仅要重视幼儿的全面发展，还要挖掘幼儿的个性特点，注重幼儿的个性化发展，使每个幼儿都能成为独特的个体。教师还要注重培养幼儿对美术的学习兴趣，有了兴趣，才能更好地学习，因此，教师要改变传统单一的教学模式，运用多媒体提高幼儿兴趣，满足幼儿的心理需求。 4.提高教师的专业素养 教师的专业素养与教学活动能否达到预期的效果息息相关，因此，幼儿园的美术教师不仅要有扎实的专业知识和技能，还要不断吸收其他方面的知识，使教学活动得以顺利开展。幼儿天性好奇，会提出许多奇怪的问题，并希望得到教师的解答，因此，在美术教学过程中，若教师不具备解决这些问题的能力，就无法满足幼儿的学习需求。教师在评价一节课的时候，应更看中幼儿的表现能力，要想提高美术课的质量，就要为幼儿提供更多表现的机会。因此，美术教学时，应将幼儿看作课堂的主体，运用多种教学方法引导幼儿主动探索、提高兴趣，充分挖掘幼儿的潜力。总之，学前教育专业中的美术教学，是以培养优秀幼儿教师为目标，为了更好地满足幼儿教育的实际要求，成为对学生进行全面教育中不可或缺的课程组成部分。 作者：郭晶晶 段伟红 单位：咸阳师范学院 学前教育美术论文:学前教育美术课程改革措施 摘要： 随着我国幼儿园的迅速普及，我国也逐渐对学前教师提出了相关专业的教学要求，在教学中教师要能培养学生德智体美全面发展，尤其是培养幼儿的审美能力，这才是最重要也是最关键的。因此，在对美术教育的改革的过程中，要能够使学前教师熟练掌握扎实的美术知识和美术技能，同时，也要对幼儿园环境创设，研究各种开发幼儿思维的玩具和教学材料，从而使有效的对学前教育的美术课程进行改革。 关键词：学前教育；美术课程；改革 前言： 尽管随着新课程的改革，我国各阶段的教育教学都有了相应的变化，到在对学前美术教学的改革中，却仍然存在很大问题，美术教学缺乏师资，教师缺对美术教学的创新观念，因而，使得学前教育的美术课程的教学质量始终得不到提升，而在此过程中，也阻碍了教师教学水平的提升，教师无法合理的培养幼儿的各方面的能力，使得幼儿对美术课程也没有良好的学习兴趣，这样就会导致幼儿不会主动的参与到教学过程中，也就不会配合教师教学，因而，要加强对学前教育的美术课程的改革，使良好的改革理念深入到每个教师和学生的心中。 一、关于学前教育美术课程的现状 在现代学前教育的美术教学过程中，许多美术教学的教师都自身专业不符，由于这些教师缺乏专业的技能，教师在教学就无法有效的培养幼儿的美术技能，教师也无法根据幼儿的身心发展特点进行教学，这样学前美术课程的教学发展始终停滞不前。美术课程是一个可以培养人审美情操的课程，如果能够能够从小培养幼儿的审美情操，就会使幼儿形成良好的美育，也会使幼儿对美术课程产生兴趣，从而在日后积极主动学习美术课程，但现在美术课程发展受到多方面因素的影响，教师就要能够积极主动提升自身的专业素养和专业知识，从而在教学过程良好的培养幼儿的美术学习能力，只有这样才能消除影响美术课程发展的因素[1]。 二、关于学前教育美术课程改革存在的问题 1、美术教学课程缺乏专业的师资队伍 目前，我国建立的幼儿园越来越多，这也就使得幼儿园的在某些专业课上缺乏严重的师资，从而导致幼儿不能全面的发展。由于缺乏专业的师资队伍，幼儿园也没有明确的教育教学方案，在对安排课时的问题上也没有合理的解决方案。甚至某些幼儿园取消对美术课程的安排，将主科的课程代替美术课程。与此同时，在另一些幼儿园，由于缺乏专业的美术教师，经常会出现一科教师担任多科的课程中，这也使得教师的压力增加，这样教师就不能全部的身心放在培养幼儿的审美能力方面，从而导致学前教育的美术课程的教学质量始终得不到良好的改善和提升。 2、美术课程缺乏系统的评价体系 在学前教育的美术课程中，由于缺乏明确的评价体系，教师就不能够根据幼儿在此方面存在的问题教学，这就使得教师不能因材施教，而这样也会导致美术教师无法根据教学大纲进行教学，如果美术课程美术系统的评价体系，美术教学课程也就无法根据幼儿的年龄阶段，合理的制定教学方案，从而严重影响到教师的教学效率和对美术课程的改革[2]。 3、教师缺乏明确的教学目标 学前教育的美术教师要想能够及时的有效对美术课程改革，教师就要能够明确美术课程教学目标，理解美术教学的重要性，从而制定合理的教学方案，但多数学前教育的美术教师对此毫不重视，教师在教学过程中，只将书本的知识讲授幼儿，而没有对教学内容拓展延伸，从而使得无法培养幼儿的思维创造能力和审美能力，教师在教学过程中缺乏明确的教学目标，教师就不能有针对性的教学，使得教学秩序混乱，毫无规范性，幼儿也无法理解教师所教学的内容[3]。 4、美术教师的教学方法古板，无法激发学生的学习兴趣 在学前美术教学的过程中，部分教师采用传统的教学方法教学，而这样就会使得原本生动形象的美术教学内容变得毫无吸引力，幼儿在学习的过程中无法发现学习美术的兴趣，既然而然就会对美术课程失去兴趣，而与此同时，教师缺乏对教学方法的创新，在教学过程中缺乏调动幼儿学习美术的积极性，从而导致美术课堂氛围死气沉沉，压制了幼儿各方面能力的发展，也使得教师无法培养幼儿的美术素养。 三、针对学前教育美术课程改革提出的策略 1、建立完整的美术教学大纲 在对学前教育的美术课程改革前，要能建立完整的美术教学大纲，这样才能使教师能够明确教学内容和教学目标，从而结合教学内容制定合理的教学方案，并教学过程中采用新颖独特的教学方法，吸引幼儿的注意力，这样就会激发幼儿的学习兴趣，只有幼儿对美术课程产生兴趣，幼儿才会积极主动的参与到美术教学过程中，与此同时，教师也要能够根据教学大纲，在教学过程中，适当对幼儿进行指导和引领，而教师既要能够及时的改变教学观念，对教学方法进行创新，也要能培养幼儿的美术素养。只有这样，才能美术课程的改革起到真正的教学作用。例如：美食教师可以教学内容分为三部分教学，《美术基础》为一部分；《儿童画》为一部分；《手工与应用》为一部分；将这三大板块合理的划分，可以有效的培养幼儿的美术技能，也可以让幼儿参与实践活动中，从而使幼儿能够发展学习美术的兴趣[3]。 2、适当的调整课程 在对学前教育的美术课程课时安排时，要能够科学合理的安排，只有这样才能使幼儿能够介绍美术课程，如果没有合理的安排课时，就会使得幼儿的学习压力增加，因而，要能对美术课程适当的删减，如不是非常重要的教学课程，可在教学过程中，简单的教授，而将时间放在主要内容上，这样就好促进幼儿的美术学习效率。如每周两节或三节美术课程，但不要连续安排美术课时，在激发起幼儿的学习兴趣后，这样就可以激发幼儿的学习欲望，从而使幼儿也能够在课后主动对对教学内容进行复习和预习。 3、改善幼儿园的教学环境 在对美术课程改革的过程中，教师可以带领幼儿一同布置学习的环境，使幼儿主动参与到活动中，这样就可以培养幼儿的实践动手能力，而布置的良好学习环境，也可以使幼儿在学习受到良好的潜移默化的影响，这样就可以激发幼儿对美术课程的情感，从而能够融入到教学过程中，这样就可以加深自身对美术教学的理解和含义，从而能够更好的学习美术知识，而良好的教学环境也可以活跃课堂氛围，带动每一个幼儿学习的积极性。因此，学前教育的美术教师要能够为幼儿创建一个良好的学习氛围，这样也就可以做好美术课程的改革工作。例如：在教学过程中，教师可以创设情景教学，利用先进的多媒体播相关教学的视频和图片，吸引学生的注意力，然后教师在采用生动的语言对其进行讲解，使幼儿能够感受到真实的教学内容，这样幼儿就会对教学内容产生情感并融入到教学过程中。 四、结束语 总而言之，要想做好学前教育美术课程改革，就要对其加大力度宣传，使教师能够改变传统教学观，将新课程改革的要求深入人心，只有这样，才能教师能够行动中落实美术课程改革，从而培养幼儿的综合能力和审美能力，与此同时，对美术课程的改革也可以提高教师的专业素养和教学水平，使教师能够全心全意的教育每个幼儿，美术教师也要适当对美术教学方法进行创新，这样才能在教学过程中，激发起幼儿对美术教学的兴趣，从而使幼儿能够积极主动对美术教学内容探索研究，这样就可以使教师在减轻教学压力的同时，也能够提升美术课程的效率，也只有这样才能顺利的完成学前教育的美术改革。 作者：吉轶 单位：盐城高等师范学院 学前教育美术论文:技工院校学前教育专业美术教学 一、结合学生实际情况设置美术课程 1.结合学生的年龄层次进行设置 技工院校所招收的学前教育专业学生基本为初中或高中毕业生，学生的年龄较小，自学能力、独立思考能力较差。因此，在美术专业课程的学习中需要教师进行更多的引导，需要教师明确地规定好所有练习的内容，并按步骤演示给学生。为了解决这一问题，教师在教学过程中可以采用以点带面的方式进行教学。教师先把成品范画展示给学生，然后通过理论授课的方式讲授相关知识。学生掌握理论知识后，教师可以通过播放绘画视频的方式让学生直观了解绘画的过程及可能出现的具体问题。在学生对理论、技能有了初步了解的基础上，教师让其挑选简单的图例进行练习。在练习的过程中教师巡回指导，遇到问题后教师再通过修改和示范的形式解决。例如教师教授学生彩色铅笔技法时，可以先展示给学生一副彩色铅笔作品成品，接着讲授彩色铅笔的特性、配色原理、涂色技巧等相关的理论知识，再通过图片及播放视频的方式分步骤讲解这幅作品的完成过程，以及在绘制过程中出现的问题和解决方法，然后让学生尝试自己临摹这幅作品，在学生练习的过程中教师巡回纠正错误。在整个美术教学过程中运用到了展示范例、理论讲解、播放视频、学生练习、教师演示等多个步骤，教学的过程更加直观、生动，学生更易接受。 2.结合学生的美术基础进行设置 学前教育专业学生在入学时没有美术方面的考核，对美术相关专业的技能没有要求。因此，绝大多数学生是没有美术基础的，美术课程开设时需要教师从初级的美术教学开始。教学内容要包含素描、色彩、各种美术工具的运用、各种画画种类的介绍等等，在美术教学设计中课程内容设置比较多。 3.结合学生的兴趣爱好进行设置 对于主攻美术专业的学生来讲，通常情况下，美术课程的学习一般从几何石膏、素描静物等课程开始，逐步展开美术专业的学习。但是学生在学习初期很枯燥、单调，教师所教授的内容也较难理解，因此学生在学习的初期很难有愉快的体验。如果在学前教育专业美术课程开设的初期也按照上述方案进行教学，学生很难体会到学习美术的成就感，在多次的挫折下很多学生往往就选择了放弃。因此，在美术课程开设的初期可以选择《秘密花园》涂色练习这样简单易学的课程作为开始，在教学的过程中穿插色彩搭配、调色等相关知识。这样学生在学习的过程中兴趣较高，也很容易产生成就感，教学效果良好。 二、结合托幼机构的实际工作设置教学内容 检验美术课程教学的成功与否，取决于毕业学生能否满足托幼机构的教学要求、能否适应幼儿园工作的需求。在托幼机构实际工作中，有如下几个方面可以体现美术及美术课程的作用。 1.幼儿园美术教学 学前教育专业学生在托幼机构工作后，首先要能够完成托幼机构的美术教学任务。通过开设美术课程，让幼儿学习色彩、素描、国画等内容，可以开发幼儿的智力。还要通过油画棒、泥塑、等多种工具的使用，锻炼幼儿的观察能力及感知能力。根据幼儿的心理、生理的发育特点，合理安排教学，寓教于乐，在教学过程中最大限度地提高幼儿的综合艺术素质。因此，学前教育专业学生在美术课程学习中要熟练掌握多种绘画工具及技法，这样在毕业后才能胜任专业对应的各项工作。 2.幼儿园环境创设 环境是幼儿园的一项重要教育资源，幼儿园的环境创设更像是一种“隐性课程”，在开发幼儿智力、促进幼儿个性发展等方面具有不可低估的教育作用。班级环境创设上又有主题环境的墙面创设与游戏区域环境创设。通过环境的创设，可以把班级的墙面设计作为课程教学的延续。如在墙面上绘制各种卡通人物，让幼儿自己将这些卡通人物的故事讲给小朋友们，从而锻炼幼儿的表达能力。同时，在幼儿园环境创设中也可以废物利用，让教师和学生自己动手进行环境布置，这可以激发幼儿的探索兴趣及动手能力。因此，学前教育专业的教师在实际的美术教学中，要结合幼儿园的实际需求开设课程，让学生多做一些这样的练习，进而让学生熟练掌握环境创设的技巧，使学生在参加工作后能更快地融入到工作中去。 3.幼儿园主题活动 主题活动也是幼儿园教学的一个重要环节，幼儿围绕着一个主题，进行自主观察、探索，教师适时适度地予以支持和引导的一种系列活动。它的特点是有核心、有主体、有连续性和发展性。在主题活动中需要教师运用到较多的美术技能去制造道具，绘制各种动植物，因此，在课程的设置上要有针对性地开展教学。授人以鱼不如授人以渔。在教学中教会学生具体操作固然重要，但是让学生学会方法，能够独立开展活动才是根本。 三、结合美术课程特点设置教学环节 1.选择合适的教材 在学前教育美术课程教学中还没有形成具有权威性的教材范例，不同的学校在美术教学中选用的教材版本也不相同，教师们在美术教学中的侧重点也不相同，因此挑选一本合适的教材尤为重要。首先，根据学生的实际基础，教材的内容不宜过深，过深的教材内容会影响学生的学习兴趣，不利于教学。其次，学前教育专业的学生毕业后在实际的工作中所教授的对象年龄较小，浅显易懂的内容更为合适。再次，幼教学生毕业后的工作中涉及蜡笔、油画棒、彩色铅笔等多种画具的美术技能。因此，教材所涉及的面要广泛一些。 2.结合实际准备作业范例 目前市面上出版的美术教材往往以理论讲解为主，教材中穿插范画。教材无法满足实际的教学需求，一是范例太少，无法满足学生临摹练习的需求；二是范例往往只有成品，没有作画的步骤，学生学习起来困难重重。因此，在美术课教学中教师可以根据实际情况在教材之外再准备一套适用的图册，图册的内容可以包含范例及作画步骤、使用的具体工具及方法等内容，内容越详细越好。这样可以有效、直观地帮助学生学习课程内容。 3.理论与技能相结合 在美术教学过程中，教师如果只强调理论知识，忽视实际的技能操作，那么培养出来的学生将动手能力差，只会纸上谈兵，无法在实际的工作中发挥作用。相反，教师如果只强调实际操作，不注重理论知识的讲授，学生在学习过程中就很难运用理论知识指导实践，技能水平提高较慢。因此，在美术教学中采用理论加实践的一体化教学最为合适。 4.课程设置以课题形式进行 采用一体化的教学形式后，美术课程设置可以尝试以课题的形式进行。大多数的技工院校一周开设2节美术课，一个课题可以安排四周，即8节课。第一周引入新课为主，以介绍绘画工具、基础知识讲解为主；第二周可以讲解示范简单的范例并让学生加以练习；第三周可以在前两周的基础上深入讲解知识点，加大授课的难度；第四周再进行复杂范例的示范及练习。一般情况下一个学期有20个教学周，因此，在教学计划的安排上可以根据实际情况安排4～5个课题。在第一学年可以开始色彩基础、素描基础、油画棒技法、水彩笔技法、彩色铅笔画技法、简笔画、线描画、国画等简单课题。第二学年可以开设较为复杂的课题，如水粉技法、水彩技法等，也可以从第一学年所授课程中挑选需要深入的课程进行课程延伸。第三学年可以开设卡通画、插画、黑板报、海报、美术字等难度大且与未来工作结合较为密切的课题。第四学年，学生已经基本掌握美术绘画的多种技法并能熟练运用的情况下，可以开设幼儿园环境布置、主题活动设计等课题。 作者：胡兆娟 单位：淄博市技师学院 学前教育美术论文:高职学前教育专业美术教学方法 美术课程是学前教育专业的重要组成部分，它是培养学生创造力和丰富学生想象力的有效途径，对提高学生的审美能力、美学素养具有特殊的作用。然而现行的学前教育专业教学美术课程体系与教学过程中，还依然存在单纯技能训练较多，忽视了从学前儿童美术教学的角度出发的教学误区。学前教育专业的美术教育不是一般美术训练的照搬，而是依据教育原则和儿童心理对美术资源进行咀嚼、消化的过程，它的主要目的是让学生掌握一定的美术技能和美术教学能力，能够为学前儿童设计实施科学、合理的美术教育，那么美术教学课程构建的方法与手段都要围绕此目的进行。我在多年的教学过程中探索了一些新的教学形式，设计新的教学内容与方法，目的就是让学生能够做到“一专多能”，这里的“一专”就是“要专”，即要在儿童美术教育和儿童美术创作艺术领域有专长；“多能”是指在儿童美术教育和儿童美术创作中尽可能具有多方的能力与办法。在多年的实践过程中，取得了较好的教学效果。 一、培养独立的观察习惯 基础造型训练是美术学习的必经之路。但是高职学前教育的美术课每周只有两课时，无法进行一个长期的作业训练，且学生都没有美术基础，容易对单一的美术训练感到枯燥。针对这种情况，我让学生了解学习素描的目的、意义与作用，然后就将重点放在培养观察能力、构图能力、造型能力。调整课程结构，在课堂教学中追求短、频、快，每周安排新内容，提供不同类型的观察对象，训练学生观察事物，迅速抓住事物的特征，运用光影素描、结构素描、创意素描、速写写生等不同的表现形式来进行作业，为下一步的学习奠定坚实的基础。 二、培养创造性思维 学前教育专业的学生更应该具备创造性思维。如何培养学生的创造性思维？我在色彩教学中改变了传统的色彩静物写生，打破常规从装饰色彩学起，并且把重点放在了色彩肌理，让学生尝试用水粉颜料、水彩颜料、油画棒、油墨、粉笔等各种色彩原料进行搭配，并与油、盐、水、牛奶等生活中常见的材料进行混合，看看会出现什么效果，画在不同的材质（素描纸、吹塑纸、玻璃、塑料等）上又会出现什么效果，利用不同的技法如滴、淌、流、刮、擦、揉、印、拓等也会产生意想不到的效果。学生就是在这种不同尝试、不断创新中培养出创造性思维的习惯，并且能够将这种创造性思维运用到以后的教学中去，可以更好的引导孩子的想象力、创造力。 三、游戏性教学 儿童的天性喜欢游戏，玩中学、学中玩是他们最乐于接受的学习方式。这就要求我们的学生能根据教学内容组织游戏，能用游戏的形式进行教学。在我的美术课上，我经常根据不同的教学内容设计很多的游戏环节，提高学生的兴趣，也能让学生耳濡目染，掌握一些组织游戏教学的方法。在三年级的教玩具制作的课程设计上，我放弃了传统的老师示范学生照搬模式，因为她们已经具备了一定的美术手工基础，制作技巧对她们不是难事，关键就在于如何能有创意的自己设计运用制作教玩具。我将学生分为几个小组，从搜集材料到设计制作都由组员们合作完成，然后根据本组的教玩具设计游戏式教学并进行演示，有其他组来找出有点及不足，并进行评分，最后由老师进行总结和点评。运用这种教学法，学生是主动学，有了竞争，学生的积极性高，主动到图书馆、网上找资料，制作的作品和游戏很有新意。 四、体验式教学 幼儿教师不仅是孩子们的良师，还要是家长的益友，如何让学生能够更好的适应这些角色？我在课堂教学中运用体验式教学法，在进行幼儿美术教育的教学中，我请学生分别扮演老师，家长和孩子，让她们从角色角度对儿童作品进行描述、评价，由此产生矛盾、争论，在产生问题到解决问题的过程中，学生体验到了不同的身份会从不同的角度看问题，让学生能更好的理解孩子的感受，体会家长的心情，可以更科学地引导孩子、更理性地指导家长，对于幼教工作会有更深的体验。同时让学生的口头表达能力、控制现场能力、对理论知识的掌握与运用都得到了很好的锻炼。特别是对于出去实习过的同学，能将她们在实际工作中遇到的问题提出来，同学老师展开讨论，找出更好的解决方法，可以在这种体验式教学中学会换位思考，从而更好的改进完善自己的教学态度、教学手段及方法。 五、鼓励教学法 我运用鼓励教学法主要是从两个方面入手：第一是语言，我们都知道好学生是夸出来的，要找到学生的闪光点。每一个学生的资质不同，能力有高低，我会去找他的优点，创意不行的肯定技巧，技巧不精的肯定创意，让学生知道自己的长处在哪里，也知道要努力的方向。只有做到言之于物，有的放矢才能真正地让学生得到鼓励。第二个方面是手段，对于学生来说都非常希望得到展示的机会，这也是让学生得到鼓励与肯定。我经常为学生举办作品展览，也许水平并不专业，作品稍显稚嫩，但只要努力去做了，我都会尽力为她们提供一个展示的平台，学生都还是非常珍视这种机会，会花更多的精力去完善自己的作品。我还将学生的优秀作品以视频、图片的形式系统地保持下来，留作资料，给以后的学生参考，这些方式让学生非常有成就感，进而更加努力的学习。通过在实际教学中运用这些方法，提高了学生对美术课程的兴趣，在掌握美术技能的同时还提高了审美能力和美学素养，增加了对幼教工作的认知与信心。但随着时代的发展，现代化教学手段的日新月异，我的教学手段和形式也要进行更新换代，但是万变不离其宗，无论是什么方法，目的都是让学生爱上学习、自主学习。 作者：丁晓景 学前教育美术论文:学前教育专业美术教学改革论文 一、学前教育专业美术教学改革研究 1.对教学方法的改革 通过以上的分析可以看出，在当今学前教育专业美术教学中，教学方法使用不当会对美术教学效果产生负面的影响，甚至会影响到学生学习美术的兴趣以及对美术的认知。对此，笔者建议，应对教学方法进行深入改革。首先，在学前教育专业美术教学中，教师需要对学生的现有水平以及接受能力等进行全面的分析，根据个体差异性，对学生因材施教，更有效地将对学生的整体教学与个体教学进行结合，全面提升学生的学习效果，及时解决个体学生的个别难题。其次，教师应采取引导式教学方法，将学生的主体性充分发挥出来，引导学前教育专业学生认识美术、了解美术、学习美术以及积极地探索美术知识等，避免以往教学中存在的单向教学方式。教师要加强与学生之间的互动教学，通过互动交流让学生对美术重难点知识进行定位，这样对于拉近师生关系，为学生营造良好的教学环境有着重要的作用，从而有效地激发学生的学习热情。再次，应加强对学生的实践教学。如，可以将一些影像资料、图片等作为学生绘画的精品模板，一方面可以引导学生将其作为参照物尝试去画，另一方面可以引导学生将自己对精品模板的观点表述出来，并与其他同学进行分享，活跃课堂教学氛围，这样更有利于学生的学习和发展。 2.对教学内容的改革 教学内容的不合理会对学前教育专业美术教学效率带来直接的影响，因此，在课程改革背景下，应对教学内容进行改革。首先，应加强教学大纲的优化，合理修订学前教育专业美术课程教学计划，并在原计划的基础上分析美术课程教学规律，丰富教学内容，并引导学生自主完成教学内容探索，给学生足够的时间，将学生的主体性充分发挥出来。其次，应适当增加实践教学内容，相比之下，实践教学内容对加深学生对知识的理解效果更佳，同时对培养学生的动手能力也有着很大的作用，而美术本身对动手能力的要求较高。因此，作者建议在教学内容改革中，应多增加实践教学内容，这样才更有利于学生的学习和发展。另外，要适当调整学前教育专业美术课堂教学，尤其是在学前教育专业要求不断提高的情况下，更要注重对学生综合能力的训练。因此，在学前教育专业美术教学中，应对课程进行合理设计，加强学生对知识的理解，同时，在丰富教学内容的前提下，培养学生的学习热情。另外，教师可以充分发挥多媒体设备的作用，将多媒体技术应用到学前教育专业的美术教学中，充分引入网络资源库中的教学案例，不断丰富美术课堂教学内容，为提升美术教学效率提供支持，拓宽学生对美术的认知面。 3.对教学体系的改革 学前教育专业美术教学体系的改革，首先，应确定改革的方向，结合院校的实际发展情况以及实际教学情况等合理改革教学目标，打破以往大纲式的教学目标设置，注重对学生创新能力、专业能力、审美能力等方面的培养，帮助学生树立正确的价值观。其次，应对教学专业课程设置进行改革，做到理论与实践结合、课堂与生活结合等，主要以培养学生学习兴趣、积极性等为目的，让学生自主学习美术、探索美术知识，从而有效提升学前教育专业美术教学效果。再次，应注重教学评价方式的改革，打破以往问卷考试的评价形式，要从学生的实践实习中进行评价。如，针对学生在幼儿园进行的试讲，对学生开展实践性评价，让学生清楚地认识到自身的不足，并不断改进。另外，要通过丰富教学评价的方式，从多种角度、多个方向对学生展开评价。如，以学生自评、生生互评、教师总结等方式提高教学评价的有效性，从而促进学前教育专业美术教学工作高质量完成。 二、结语 随着教学改革的不断推进，幼儿教育也越来越受到重视，尤其是幼儿教师的培养，更为关键。学前教育专业美术教学主要是对幼儿教师美术教学能力的培养，应对其进行不断的改革，才能更好地满足当今教育发展的要求。笔者通过对学前教育专业美术教学改革的研究，结合自身多年的工作经验，对当今学前教育专业美术教学中存在的问题进行剖析，同时也提出了教学方法、教学内容、教学体系等几个方面的改革策略，希望通过文章的分析为提高学前教育专业美术教学质量提供一定的帮助，进而为社会培养更多的学前教育人才。 作者：崔贺 单位：沈阳师范大学学前与初等教育学院 学前教育美术论文:高职电脑美术学前教育论文 一、目前高职院校学前美术教育存在的问题 目前，多数高职院校学前美术教学形式多以教师讲解、辅导，学生临摹绘制为主，一幅四开大小、难度适中的简笔彩色画大约需要6个学时才能完成，有的学生还要利用课余时间才能完成作业。这种教学形式费工又费时，会使学生的思想停滞，感觉迟钝，并且极大地浪费原本就很少的课时。现在一般中高档的幼儿园大都已实现电脑设备教学，环境美化也都是用电脑设计、绘制好后喷绘输出，或者采用幼儿园专用环保装饰墙贴，即便一个小小的指示牌都是用电脑雕刻的，既高档、防水，又方便清洁。手工绘制或制作的墙饰时间长了会变色、粘灰、脱落。以往培养学生动手能力的观点和“形准”的评画标准，在快节奏的当下是有待商榷的。教学当随时代，现代幼儿园美术教学多采用电、光、声、影等多媒体综合形式或者在游戏活动中认色知形，很少用粉笔或者颜料手工绘制教学。笔者认为，学前的美术教学若主要以手工绘画和制作为主，是不太可能在极少的课时条件下很好地完成教学任务的，也不能适应当今时代的要求。要解决上述问题，笔者认为除了要拿出三分之一的课时用来开设电脑美术教学外，还要把音乐、舞蹈与电脑美术教学结合起来，设计一些美术游戏活动课程。 二、伊顿12色相环的色彩原理及电脑绘制 笔者以学前大专班上的第一堂色彩基础课程的授课内容与步骤为例，探讨高职院校学前教育专业电脑美术教学改革的方法。该教学内容如果按以往的教学模式，先讲解然后手工绘制、填色需要4个课时，而借助电脑教学只需要2个课时就可以完成，可谓事半功倍。学生既学习了色彩知识，又掌握了电脑绘图技能。学习色彩要从认识色相环开始，了解色彩形成的过程，即色彩是怎样从三原色开始，经过不同的组合出现间色、复色，又是怎样排列后形成色相环的，以及色相环对学习色彩具有哪些作用。认清这些问题，学生将会对色彩有一个初步的认识。 1.伊顿12色色相环原理 约翰内斯•伊顿（JohannesItten）是一位瑞士画家，也是一位著名的色彩大师，他设计的12色相环非常鲜明、直观地展示了色彩规律，把本来十分复杂的色彩理论简化得十分通俗，非常适合初学者学习。它的构成原理是由红、黄、蓝三原色开始，两个原色相加出现三个间色，再由一个间色加一个原色出现三个复色，最后形成12色色相环。 2.电脑绘制步骤 第一，打开corelDRAWX4软件（简称CDR），在左边工具箱中选择基本形，在出现的基本形面板中选择梯形，按住鼠标左键向下拖动画一个正梯形，通过垂直镜像得倒梯形。第二，用挑选工具双击倒梯形，使之成为旋转状，按下键盘上的快捷键ctrl，垂直向下移动旋转轴心。第三，从菜单栏“排列”下的“变换”中选择旋转，在出现的旋转面板的角度框中输入30，点击“应用到再制”11次，得到图6的组合圆形。注意，倒梯形的旋转间距是靠移动旋转轴心的上下调节的，要想将12个倒梯形刚好组成一个圆，需要反复尝试。第四，根据伊顿12色色相环的色彩原理，先填上红黄蓝三原色，先用挑选工具击活最上面的倒梯形，在调色板中点击黄色即可，图7为填充后的效果。第五，根据伊顿12色色相环的色彩原理，在黄与红的中间填上间色橙色，在红与蓝中间填上间色紫色，在黄与蓝中间填上间色绿色，是填充后的效果。第六，根据伊顿12色色相环的色彩原理，在黄与橙的中间填上复色黄橙色，在红与橙中间填上复色红橙色，在红与紫中间填上复色红紫色，在蓝与紫中间填上复色蓝紫色，在蓝与绿中间填上复色蓝绿色，在黄与绿中间填上复色黄绿色。第七，CDR软件的调色技巧：在填复色黄橙色时，先填上黄色，按住键盘上的Ctrl键用挑选工具点击调色板中的橙色，即可在黄色中加入橙色，加入的多少与点击的次数有关，以此法依次为其他5种复色点击调色。第八，6个复色填好后，整体观察每个级别的过渡是否自然。如发现有的色过深或者过浅就要进行调整，调整好后用挑选工具框选所有图形，用鼠标右键点击调色板上的“去掉轮廓”按钮完成最后的制作。 作者：郑雨田 单位：荆州教育学院 学前教育美术论文:美术手工教学学前教育论文 1.学前教育进行美术手工教学的方法 学前教育的美术手工教学过程中要以学生为中心，考虑到教学实践中学生的具体情况，合理地对课堂教学内容进行微调，为学生提供丰富多样的教育资源。教师要注重培养学生多角度观察事物的能力，提升学生对美好事物的好奇心，乐于接受美的事物的熏陶和启发。儿童有着天生的好奇心，在美术手工教学过程中，教师要对于这种好奇心进行正确的引导，指导学生学到科学的系统的美术知识。教师要为儿童营造一个宽松快乐的学习环境，给予学生充分、自由的创作空间，鼓励学生进行大胆创新，积极呵护学生的创作热情，为学生将来的美术创作打好基础。 2.学前教育美术手工教学工作的具体措施 美术手工教学想要保证高效的教学质量，达到锻炼儿童能力的目的，就要依靠正确的教学举措。因此，教师要根据实际情况，采取具体有效的教学措施，做好学前教育的美术手工教学工作。 第一，构造情景故事，调动学生的学习兴趣。在美术手工教学过程中，不能单单只是让学生完成课本上的任务，还要通过一些生动的故事，来对课本上的知识以儿童能够接受的形式进行传授。这样不仅只是传授了课本的知识，更吸引了儿童的好奇心和求知欲，将他们的学习兴趣充分调动了起来，从而达到理想的教学效果。例如，可以在画动物的教学过程中，给他们讲一些动物的寓言故事，《农夫与蛇》《东郭先生》和《狼》等。寓言故事是一种很能打动学生的方式，让学生能够生动的了解善恶美丑，懂得真善美的真谛。使得美术教学不仅停留在技法表面，而是有了比较内涵的东西。 第二，结合地域文化，借鉴当地民间艺术，把传统民间艺术手法应用到学前教育的美术手工教学实践中。例如，甘肃的布老虎、山西的皮影、粤西的木偶戏等，通过指导学生利用普通的手工材料，学习传统工艺的制作、表演过程，选取符合学生自身特点的故事背景加以创作，还可以让学生突破传统段子，自己制作简单的人物和场景，比如可以在皮影戏学习的时候，鼓励学生创作一出表现当今儿童在课堂上的可爱表现的皮影戏，让学生在即兴表演之余，收获创造的乐趣。带领学生进行木偶的制作过程中，除了对木偶的制作过程的讲解，也可以讲解一下该地区的风土人情和流传的神话故事，培养学生的文化底蕴，让学生了解我国悠久灿烂的文化和世界变迁的历史。 第三，练习布置画展，增强学生的整体能力。举办画展既能激发学生对美术作品的创作热情，锻炼学生进行美术手工的动手能力，也能很好地考验学生在进行团体活动中的应变能力。在布置画展的过程里，学生可能会遇到这样或那样的问题，而这些问题极有可能就是学生成长路上必须经历的考验。所以，现在就要对学生的应变能力进行实践锻炼，使得学生通过画展，不仅锻炼了美术手工制作能力，还在团体活动中学到许多与同学合作的经验，与他人交流沟通的经验。美术手工教学作为学前教育的主要内容，不但锻炼了儿童的美术手工动手能力，还使得他们的各方面能力都得以加强。美术手工教学的实践研究，关乎全社会的幼儿教育，对于我们进行素质教育改革，培养出综合素质全面发展的学生有很大帮助，从而为我国当代的教育事业发展做出贡献。 作者：余海艳 单位：江苏省滨海县五汛中心幼儿园 学前教育美术论文:美术课堂学前教育论文 一、传统美术课堂教学模式的弊端 随着新课改的实施，传统美术教学的弊端逐渐暴露出来，严重阻碍了学前儿童对美的探求。首先，在传统的美术教学活动中，教师多采用讲解、板书、多媒体等的方式来向学生讲授知识，学生也只是被动地接受美术知识。这种“填鸭式”的教学模式禁锢了学生的思维，忽视了学生创新能力的培养，进而导致了孩子们对美术课失去了兴趣。课堂教学主要是“以教师为中心、以教材为中心、以美术知识为中心”的传统模式，这种传统教学模式与美术这一要求非常个性化的艺术背道相驰，难以培养出具有活力、创造力的学生。其次，在传统美术教学中，教师主要是通过点评学生们的作业效果来判断其对技能的掌握情况，而点评作业依据的又是专业的美术技能知识，“像与不像”便成为了评价学生作品的重要标准，只有那些画得像真实事物、画得像教师所画的作品才是优秀的。这种单一的评价标准使得美术教学完全偏离了素质教育的轨道，阻碍了美术教学的发展。再次，在美术教学过程中，所采用的美术材料内容仅仅局限于美术知识的范围，只看重学生能否掌握专业技能，而对其他知识的涉及则较少，其内容脱离了儿童的生活，使得学生对美术课产生了疏离感。传统的美术教材过于重视美术知识的严密性，使得儿童发挥空间较小，无法培养学生个性化的兴趣和审美能力。 二、实施美术课堂有效教学模式的意义 美术教学的最终目标是培养学生的审美情趣，让儿童了解美、感知美、创造美。教师在美术教学过程中，针对儿童的心理特征、年龄特征可建构有效的教学模式，进而逐渐培养他们对自然、社会中的美好事物的审美能力以及对艺术的热爱，使得他们在追寻美的活动中能够潜移默化地获得美的感染，陶冶情操，从而逐步提升了自身的艺术素养水平。 1.建构有效的教学模式 有利于培养儿童的创造力美术教育是培养儿童创造能力的最佳途径之一，美术教育的本质就是创造性的教育，这也是素质教育的基本要求。美术教学活动的最终目的是培养儿童全面而个性化的发展，建构有效的教学模式，引导和挖掘出儿童的个性潜能，发现、保护、发展并强化他们的艺术个性。如在美术课堂教学中，教师可以通过写生、记忆、欣赏等方式来激发学生们的创造思维，培养学生们的创新能力，鼓励他们要发挥自己的艺术个性，创造出真正属于自己的作品。同时，教师建构有效的教学模式，也能够锻炼儿童的观察力、感知力、想象力，培养他们的主动性和创造性。 2.建构有效的教学模式 有利于培养儿童非智力因素的发展非智力因素主要是指除了智力因素之外的心理因素，主要包括意志、求知欲、自信、独立、自我意识等。传统学科教学主要注重儿童智力因素的培养，而美术课堂教学，主要依据的是儿童的心理特征来建构有效的教学模式，进而可引导学生在欣赏美术作品时，能够培养其求知欲和对艺术的兴趣；在进行作品创作时，可通过让学生完成一幅作品来培养其坚定的意志、耐心。建构有效的美术教学模式也有利于逐渐树立起学生的自信心，通过对学生的作品进行展示和点评，来让儿童树立起良好的自信。 3.建构有效的教学模式 有利于培养儿童展现自我的能力美术教育主要是通过培养儿童一些美术技能，来让他们学会欣赏美、发掘美，并将其以独特的方式表现出来。建构有效的美术教学模式，教师可将自己的教学思想、课堂教学内容与儿童的认知特点有机地结合起来，为学生们创造一个活泼、轻松的课堂氛围；通过各种鼓励方式，让学生们在美术学习和创作作品过程中，学会发现自我、认识自我、展现自我。 三、建构美术课堂有效教学模式的策略 美术教育主要有两个层次的教学任务，一是形式层面，即通过教学活动让学生们掌握各种美术技能和知识；二是内容层面，即通过学生们的自我创作来让他们准确地表现出自我情感以及对美的认知。建构有效的美术教学模式恰恰就是依据美术新课程的标准巧妙地连接了两者，唤醒了儿童的审美意识，来让儿童主动建构自我的创造能力。 1.建构以训练儿童想象力和创造力为主的有效模式 美术教育的最终目标是培养与实现儿童创造力和创作能力的提升。在美术课堂教学过程中，只有通过教师引导学生们自我唤起其想象力和创造力，才能真正地发挥美术教育的价值，逐步培养学生们从不自觉创作转变为自觉创作、热爱创造的过程。首先，在美术课堂教学过程中，教师应依据学生们所要表达的情感来进行大小画交替的教学模式。教师可以让学生画较大物体时用小张纸来画，而画较小物体时用大张纸来画，以帮助儿童提高其构图能力。比如，在静物的描绘课程中，教师可以将纸裁剪为不同形状和不同尺寸的大小，来让学生运用不同的构图方法来画同一事物，即先将画纸尺寸逐渐缩减，之后再将画纸尺寸逐渐放大，注意画面主题要一致，以培养儿童对画面的驾驭能力，这种教学模式对儿童创造力的培养大有裨益。其次，在美术课堂中，教师应采取让学生画想象画与现实画相结合的教学模式。教师要以现实画为基础向他们讲授绘画的基本技能，然后积极鼓励孩子们“异想天开”地创造作品，这样的教学模式，既可以让儿童打牢基础技能，又能够锻炼他们的思维想象力。在美术课堂教学中，美术教师要积极引导儿童体验美、认识美，还要结合学前儿童的年龄特点、心理特征、表现能力等实际情况，采用多元化的教学方法，灵活调控教材，并运用各学科知识，有计划、有目的地对儿童进行想象训练，给学生搭建一个丰富的想象平台。再次，在美术教学过程中，教师可以采用绘画故事的教学模式，可选取一些诗歌、故事的情节或学生自己编写故事，然后让他们描绘连续的图画，以提升儿童思维的连贯有序，丰富儿童的表现能力、创新思维能力以及综合分析能力。但采用绘画故事的教学模式相对来说要比描绘单幅绘画有难度的多，然而学生对自己所熟悉的诗歌、故事等内容兴趣较大，在美术教师的引导下能够很好地表达出自己的内心情感，进而提升儿童的创造能力。 2.建构以激发儿童兴趣为主的有效模式 兴趣是开启美术教育的大门，因此，美术课堂教学应实施以激发兴趣为主的教学模式，利用学前儿童的年龄和心理特征来安排和设置一些感兴趣的活动。首先，教师可以在课堂教学时创设一些小游戏，让学生参与到游戏活动之中，以游戏为题材进行绘画，以加强儿童的集体感和情感交流能力。比如，在美术课堂教学中，教师可以设置“画自己”的绘画课程，绘画完成之后，让学生之间进行相互评价。其次，教师在课堂教学中，可以运用多媒体手段来优化教学模式，以提高儿童的绘画水平和欣赏水平。比如在课堂上可让学生观看一些优秀的故事片、美术片，其屏幕上美好的形象、绚丽的色彩可潜移默化地促进儿童的观察力、想象力以及审美情感的形成，培养学生对美术的学习兴趣。再次，在美术课堂教学中，教师应依据教学实际条件将教学课堂搬出教室。比如教师可以带学生去参观美术展览，以开阔他们的视野，让他们在观赏的过程中产生丰富的想象和感悟，引发他们对美术创作的冲动和激情。同时，教师还可以带学生到大自然中，体验自然带给我们的美，让他们对不同季节的树木、人物等进行描绘，使他们能熟悉美术的造型和色彩旋律。 3.建构以培养儿童造型感和色彩感为主的有效模式 美术教育对儿童造型和色彩的训练主要以形象感觉为主。在美术课堂教学中，教师运用了直观图模式对儿童的造型感和色彩感进行培养。比如，教师可以准备一组静物，先让学生对这组静物进行观察，然后迅速打乱静物的摆放位置，之后让他们对这些静物进行重新摆放，这样便可以培养儿童对事物的造型感。同时，教师还可以采用填色训练的模式，用以测试和训练儿童在色彩表现上的个性、情感，以强化儿童对色彩的了解，进而提升学生的色彩表现力水平以及对色彩的敏感度。比如，教师让学生对一幅冬日的图画进行填色，有的学生会用偏冷的色彩，而有的学生则会选用较暖的色彩，之后教师要予以适当的点评，以便让学生自己能够感知不同色彩下的冬日主题，并有针对性的讲解一些色彩知识。 四、结语 美术教师对有效教学模式的探究不仅能够提升儿童的审美水平和美术素养，也为美术新课标的实施提供了一些实实在在的探索。美术教学的模式是多种多样的，我们应通过具体的实践教学去验证这一模式。为此，美术教师要积极结合学前儿童的心理特征、年龄特征，以新课标为基础，来建构出具有科学性、系统性、有效性的教学模式，进而激发学前儿童对美术学习的兴趣，开拓儿童的美术思维，陶冶儿童的艺术情操。 作者：曹静 单位：河南省安阳幼儿师范高等专科学校 学前教育美术论文:学前教育专业美术课程改革思路 摘要：伴着“二胎”政策的热潮，学前教育专业在各大高校纷纷上马或升级，尤其是强调特色、重视应用型技能人才培养以及牢牢瞄准人才市场需求灵活决策的各大民办院校。然而，问题也随之出现。就学前教育专业美术类课程凸显的问题而言，笔者拟从教学理念、课程设置、培养模式、考核体系等方面提出相应的措施和方法，希冀对教学实践与改革有所裨益。 关键词：应用型；技能人才；学前教育；美术；改革创新 近年来，学前教育专业受到了社会前所未有的关注，很多以应用型技能人才培养为目标的民办院校也纷纷开设此专业。然而，由于各院校的历史背景、战略导向、学科优势和资源结构等方面存在较大的差异，它们在形成各自学前教育专业特色的同时，也出现了很多问题。单就美术类课程而言，诸如课程设置不合理、强调应用型人才培养特色而在教学观念与方法上因循公立院校做法、教授内容与幼儿园需求脱节、忽视学生综合素质培养等问题，亟待解决。 1应用型人才的概念及学前教育专业应用型人才的培养 一般而言，应用型人才有别于专业性理论研究人员，其更加侧重于按照特定领域的理论成果和技术规范从事非学术研究方面的工作，主要的职能在于将抽象难懂的理论知识或构想应用于实践。学龄前儿童的教育是终身教育的发轫之处，比之中等教育和高等教育，学前教育专业学生的培养须更加注重专业知识的应用，而非学术研究；相较于职业教育，其毕业生的就业主要面向幼儿园，其工作又有一定的启蒙性和研究性，因而这又不同于职业教育。 2以应用型技能人才培养为特色的学前教育专业异军突起 从国家层面而言，近年来，国家对于学龄前儿童教育的关注、重视和引导无疑会牵动诸多社会因素。很多大中专院校都接收到了这个信号，纷纷升级已有专业或新开设学前教育专业。同时，为了应对人口红利消失、老龄化加剧等问题，国家逐渐放开“二胎”。这自然也刺激了以应用型技能人才培养为特色的学前教育专业的异军突起。此外，作为计划生育政策影响下的第一代，“80后”的生长环境、受教育经历也使得“80后”对于学龄前的教育尤为重视，这也为高校学前教育专业的发展提供新的机遇。最后，学前教育专业实践性强、注重操作、强调专业知识的实际应用等特征与应用型技能人才培养模式之间有着天然的机缘，这是以应用型技能人才培养为特色的学前教育专业遍地开花的另一诱因。 3应用型人才培养模式下学前教育专业美术类课程的问题与改革思路 3.1课程设置不合理 虽然国家教育主管部门提供了学前教育专业的课程标准，但很多院校在结合自身实际设计和修订其专业培养方案时却出现了很多差异。一部分院校因本身便设置有人文或教育类相关专业，于是在美术课程的设置上要么平均用力，要么充分利用现有师资，突出某一方向的课程。还有一些院校在学前教育美术课程的设置中，学科带头人或受教师自身专业优势的影响，课程设置被“绑架”，导致整个专业美术课程设置不合理。对此，相关院校应以国家教育部门提供的课程标准为基础，结合自身特色和模式做适当调整，并请领域内的专家和一线幼儿园美术教师提出意见，最大限度地使本专业课程的设置科学化、合理化。 3.2强调应用型人才培养特色而在教学观念与方法上陈陈相因 应用型人才培养模式是许多民办院校尤为重视的办学方向，实践也能证明，这些院校在充分发挥自身优势、努力打造特色的同时，确实也为中国青年提供了更多受教育的机会，也着实培养了一批公立院校忽略或不愿介入的专业人才。然而，学前教育专业有其特殊性，部分院校一方面强调应用型技能人才的培养模式，另一方面却在学前教育专业美术课程的教授实践和摸索中依旧借鉴公立院校偏重理论和研究的模式，陈陈相因。既然是以应用型人才培养模式为特色，那就更应该因地制宜，在教学中结合自身生源与教学环境大胆创新，在保证教学效果的同时最大限度地体现出特色和差异性，切不可盲目照搬外部经验。 3.3教授内容与幼儿园需求脱节 学前阶段的幼儿因其智力、心理、活动环境等因素的影响，其获取的信息也较为单一。如此一来，极具传播时效性的网络、电视等信息渠道便极大地影响了幼儿的认知。于是，儿童世界中，时下最流行的要素也就进入幼儿的脑海，其中有关美术、音乐方面的信息最为丰富。可是，多数以应用型技能人才培养模式为办学特色的院校由于办学时间相对较短、缺乏建立长期合作的高品质幼儿园、资金限制等诸多因素的影响，其在美术课程的教授上一定程度地脱离了幼儿园和幼儿本身的实践与认知。笔者以为，以应用型人才培养模式为办学特色的院校在美术课程的教授中一定要多做调查、加强教研，切实做到理论联系实际，保证同步于幼儿园的需求。 3.4课时不足、缺乏实践 学前教育专业的美术课程会涉及基本造型技能、色彩知识、儿童绘画、纸工制作、泥工制作、布艺、综合材料画等方面的内容。很显然，这些内容很大程度上都与实践相关。众所周知，由于受教育对象的大脑与肌肉在熟悉和适应一定的技能时往往需要一个相对较长的过程，偏重技能与实践方面的学习其所需时间一般也相对稍长。无独有偶，多数院校基于师资短缺或降低教学成本等因素考虑，大都存在不同程度的压缩课时的情况。原本科学合理的学时计划出现缩水，学生的实践无法得到有效保证，势必会导致教育质量下降。课时和实践环节是保证高校学前教育专业美术类课程教学效果的生命线，相关院校应分清主次，划定红线，切实保证美术类课程的基本课时与实践。 4结语 美术类课程对于学龄前幼儿想象力、创造力的开发以及审美能力的培养有至关重要的作用。以应用型技能人才培养模式为办学特色的院校在学前教育专业的办学中除了要突出自身的特色和理念外，也一定要遵循美术课程的教育规律，不断自查和反思自身在办学中出现的问题，并积极解决，如此才能真正办好学前教育专业，培养出更多高素质的人才。 作者：王航科 单位：西安思源学院 学前教育美术论文:学前教育专业美术教学新法分析 摘要：随着社会的发展，时代的进步，教育事业取得了突破性的进展。对于高职学前教育来讲，美术教学是极其重要和关键的，同时也是培养高职学生思维创造能力和想象力最有效的方法，对提升高职学生审美能力和美学素养具有十分重要的作用。但是现阶段的专业美术教学体系和方法依然存在大量的问题，这不利于高职学生的能力培养。因此，要对高职学前教育专业美术教学方法进行深度的思考和整理，这样才能够强化高职学生在美术课堂中的学习效果。 关键词：高职学前教育；专业美术教学；新法 在整个高职学前教育中，美术专业是非常重要的课程，开展这项课程的主要目的就是培养出更多具有审美能力和实践能力的美术教育人才。在社会经济的不断发展中，教育改革逐渐深化，对高职学前教育也提出了更高的要求，但不可避免地出现了大量问题，不能够满足社会对美术教育人才的需求。所以，教师要找出全新的教学方法，从而培养出更多的高素质、高能力的专业美术教育人才。 1美术教学在高职学前教育专业中的地位和作用分析 美术是高职学前教育的重点科目，同时也是培养学生创造力的有效途径。学前教育专业美术教育与其他美术教学存在一定的不同，是按照教育原则和儿童心理来进行的，主要的目的就是让学生掌握美术技巧和美术教学能力，在日后的实际工作中能够为学前儿童设计出科学合理的美术教育课程。我国的美术教学通过多年的教学经验探索出了全新的教学方法，教学内容方面也作出了改进和提升，目的就是为了能够让学生做到“一专多能”。“一专”指的是在儿童美术教育和儿童美术创作领域上具有特长；“多能”指的是在儿童美术教育和儿童美术创作中能够运用更多的方法，这样使学生在日后的学前教育工作中能够发挥出自身的潜力。 2高职学前教育专业美术教学新法的分析 2.1培养学生的独立观察能力 在高职学前专业美术学习中，基础造型训练是基础。但是高职学前教育美术课程每周大约只有两节，要想实现长期训练就显得极为困难，况且学生的美术基础相对较弱，一味地进行训练会使其很快丧失学习兴趣。面对这种情况，教师要让学生掌握学习素描的意义和作用，之后将重点放在培养学生的观察能力、构图能力以及造型塑造能力方面；将课程的设置进行适当的调整，每周的课时都安排具有特色的内容，提供不同形式的观察对象，培养他们观察事物的能力，使其能够快速掌握事物不同的特征，并且利用光影素描、结构素描、速写写生等形式来完成作业任务，为日后的学习作好铺垫。 2.2培养学生思维的创造能力 对于学前教育专业的学生而言，思维创造能力是非常重要的。怎样培养学生的思维创造能力是现阶段教师重点思考的问题。教师要在色彩的教学过程中，将原有的色彩静物写生形式加以改进，打破传统的束缚，让学生从装饰色彩开始学起，将重点放在色彩肌理方面，让学生尝试利用水粉颜料、水彩颜料、油墨等来做好色彩的合理搭配，将其与生活中常见的例如油、盐等材料进行融合，观察其效果；在颜料搭配完成之后可以在不同的材质上进行作画，看看产生的效果如何。利用不同的技法也能够呈现出不同的色彩效果。学生就是要不断地尝试和创新才能够提高思维创造能力，而且将思维创造能力在日后的教学中进行充分的应用，就能够正确地引导和指导幼儿。 2.3游戏的形式教学 孩子的天性就是好玩、好动，在玩耍中学习、在学习中玩耍是最好的一种教学方式。所以，高职学前教育专业美术教学要增强学生根据教学内容合理开展游戏的能力，利用游戏的形式来开展教学工作。在实际的美术课程上，要结合教学内容来设置游戏环节，这样就能够提升学生对学习的兴趣，使其通过耳濡目染就能够掌握更多的游戏教学方法。在玩具制作课程中，不能照搬原有的形式，因为他们已经具有一定的美术手工基础能力，所以重点就是教学生怎样根据自己的创意来制作玩具。在实际的教学中可以将学生分成几个小组，从材料的整理、查找到设计制作全部由小组合作完成，之后将成果进行展示，由教师和其他组别成员来找出不足和优点，教师再根据实际情况作出评价。这种游戏的教学方法能够激发学生的主动意识和创新意识。 2.4体验的形式教学 幼儿教师不仅是孩子们的导师，也是家长的益友，怎样让学生更好更快地适应角色呢？在实际的教学过程中，教师可利用体验的形式来开展教学，在幼儿美术教学中，邀请学生来扮演教师、幼儿和家长的角色，让他们从不同的角度来对作品作出评价。在这个过程中会产生矛盾和争辩，但是学生就会发现视角不同，看问题的层面也就发生了变化，使得学生能够了解不同身份，体验到不同的感受，从而能更好地引导幼儿和理性地面对幼儿的家长，对幼儿教学工作有深层次的体验和理解。与此同时，这也能够促进学生表达能力、现场掌控能力的提升，准确掌握和应用专业知识。尤其是一些有实习经验的学生，他们对这种感觉会更加深刻，可以让他们谈谈在实际工作中遇到的难题和困惑，之后再展开讨论，就能够找出更好的解决方法。由此可见，这种体验形式的教学能够增强学生换位思考的能力，从而改进自己的学习态度和教学方法。 2.5鼓励形式的教学 运用鼓励形式开展教学工作可以从两个角度出发。首先是语言，众所周知，优秀的学生不是骂出来的，而是夸出来的。教师在日常的教学中要将学生们身上的闪光点找出来，将其扩大就是学生的优点和优势。对于高职院校的学生而言，他们的资质和能力存在一定的差异，所以教师就要善于找出学生的优点，使得学生能够了解自身的长处，给他们指出明确的方向。其次是手段，无论是什么水平的学生，都渴望得到更多展现自我的机会，得到肯定和赞赏。因此，教师就要为学生尽量创造展现自我的机会，如举办作品展。虽然说有的学生的作品还不够专业，但是只要学生有努力就应该给他们提供一个展示的平台。作为学生来讲，他们对于机会也是非常珍惜的，也会花更多的时间和精力去准备。通过这种方式能够增强学生的自信心，在活动中取长补短；也可以将优秀的作品以图片或者视频的形式记录下来，为以后作参考。这种教学方式能够使学生更加富有成就感，对美术的学习更有积极性。 3结语 高职学前教育专业美术教学利用全新的教学方法，不仅能够提升学生对美术的喜爱程度和兴趣，也能够促使学生掌握美术技能和技巧，培养他们的审美能力和美学素养，增强他们日后参加学前教育工作的信心。 作者：郑华丽 单位：三明医学科技职业学院 学前教育美术论文:高职学前教育专业美术学习途径 摘要：美术教育能够促进儿童综合素质的发展，幼儿园教师应具备相应的美术素养以培养儿童的美术能力。从高职院校学前教育专业的美术课程设置情况看，美术课程的学习资源和学习时间较为有限，学生在课程内的学习难以达到未来工作岗位对他们所提出的要求。基于此，该文对当下幼儿园教师应具备的美术素养和学前教育专业学生美术课程的学习现状进行了分析，并提出拓展学生美术学习的途径。 关键词：学前教育；美术课程；学习途径 儿童美术教育是将审美和教育相结合，并借助自然美、社会美和艺术美等审美活动提高儿童的素质和修养，从而促进儿童综合素质发展的教育活动。《3～6岁儿童学习与发展指南》（以下简称“《指南》”）明确了幼儿美术教学的目标，即培养幼儿感受美、欣赏美、表达美和创造美的能力。要达到这一教学目标，幼儿园教师必须具备相应的美术素养。 一、《指南》背景下幼儿园教师应具备的美术素养 美术素养是指个人了解与学习美术知识之后,所形成的与之相关的感知、想象、思维、表达、设计、审美、评鉴以及参与人际交往等方面的意识和能力，同时包括与之伴随的情感、意志、态度等个性品质。《指南》背景下幼儿园教师应具备的美术素养包括以下几个方面：1.较高的审美能力审美能力是指个人发现美、认识美、评价美的能力，它包括审美感受力、判断力、想象力和创造力等。幼儿园教师必须具备较高的审美能力，这是因为儿童早期的绘画表现为一种涂鸦式的抽象画形式，具有模糊性与不具体性等特点，这些与抽象绘画艺术的构成形式非常相似。对儿童的这种抽象绘画进行赏析，要求教师具备一定的审美意识，因为这时画得像不像已经不能作为绘画作品的评价标准了。抽象绘画是一种非理性的表现形式，它所描绘的对象大多在现实生活中并不是客观存在的，观者需要从点、线、面的构成与色彩的搭配等方面赏析绘画作品。所以，幼儿园教师需要立足大的美术观、把握多元化的评价标准评价儿童的绘画作品。此外，在幼儿园的环境创设等日常工作中，也需要教师充分发挥自身的审美能力。2.基本的造型能力在美术范畴中，造型能力是指能够准确、概括、完整地把握物体造型的能力，通俗的理解就是对创作对象形状的观察、理解以及对物体外在和内在的形体结构的把握。美术又被称为“造型艺术”，可见造型能力对于美术学习的重要性。造型能力可以说是一切美术活动的基础，如果连基本的造型能力都不具备，抛开绘画课程不说，就连欣赏课程或者手工课程都难以展开。如，欣赏一幅绘画作品，很多时候需要对作品中的造型进行赏析。又如，在开展折纸活动时，对于折纸图解的空间性解读和对折叠处在整个纸张中的大概比例的把握也对教师的美术造型能力提出了要求。此外，幼儿园环境的创设一般需要教师参与其中，有些环节甚至需要教师绘制完成，所以幼儿园教师必须具备基本的造型能力。3.灵活运用色彩的能力儿童的好奇心十分强烈，更容易被鲜艳的色彩吸引。在美术教学中，缤纷的色彩对于儿童来说有着巨大的吸引力。幼儿园教师应充分利用幼儿对色彩的好奇心，积极培养幼儿对色彩的感知能力，丰富幼儿的审美体验。这就要求幼儿园教师能够较好地感知色彩在各种对比、调和中产生的变化，并能根据需要正确地掌握和配置色彩关系，灵活运用色彩和搭配色彩。值得一提的是，虽然现阶段人们并不能完整地解释人的情感与色彩之间的关系，但可以肯定的是色彩在很大程度上能够折射出人的心理状态。马萨诸塞大学（波士顿）心理系教授格罗姆在研究儿童通过绘画表达情感的能力的实验中，发现年龄越小的儿童越是喜欢用色彩表示不同的心境状态。所以，幼儿园教师在正确把握色彩的情感知识后，能够通过学前儿童的绘画作品进一步了解儿童的情绪和心境。4.扎实的手工制作能力手工制作是儿童十分喜爱的活动，包括纸艺、布艺、泥塑等内容。教育家陶行知在《创造的儿童教育》一书中提到要“解放孩子的双手”。手工活动对于培养儿童的观察能力、动手能力、空间概念以及创造性思维有着重要的作用。同时，这些手工活动都是以中华民族传统工艺为基础，简化制作工具后发展而来的，对于中国传统艺术的传承具有一定的作用。幼儿园教师应具备一定的分析与制作能力，并能根据自己的分析选择合适的材料、工具和方法进行制作。 二、高职院校学前教育专业美术课程学习现状分析 1.学前教育专业美术课程设置 课程设置主要规定课程类型和课程门类，及其在各年级的安排顺序和学时分配，并简要规定各类课程的学习目标、学习内容和学习要求。虽然各高职院校在具体的美术课程学习模块与学时上有所差别，但总体的学习内容都是以幼儿园对幼儿教师在美术素养方面的要求为基础，由美术鉴赏、图案、绘画、手工几个方面整合而成。以武汉城市职业学院学前教育专业为例，美术课程设置情况如下：本课程的名称确定为“美术应用与实践”，属于学前教育专业的必修专业课程。学生在第一学年完成基础教学模块共计64学时的学习，学习内容包括素描基础、色彩基础、美术欣赏和手工制作等。第二学年完成“应用教学模块”共计64学时的学习，学习内容主要有简笔画、泥工、装饰画以及各种绘画形式的学习。第三学年完成“职业能力模块”共计32学时的学习，学习内容主要包括美术教学法、教玩具的设计与制作、幼儿园环境创设等。 2.学前教育专业学生美术课程学习存在的问题 美术活动对于儿童的发展具有重要的作用。我国的美术教育随着素质教育的推行而受到了人们的重视，在这以前，美术教育在我国国民教育中不受重视，即便开设了美术课程，也是倾向于技能的学习，这种学习是十分片面的，而且课时量较少。以学前教育专业学生的情况看，除了参加美术高考的学生，其他学生的美术素养较为缺乏。而美术高考生也只是经过了几年美术造型基础的学习，这样的美术教育是有偏差的。总体来说，学前教育专业学生的美术基础存在不足。基于这个情况，学前教育专业的美术课程设置包含素描基础、色彩基础等大量的基础知识的学习。此外，由于学前教育专业学生需要学习的课程数量较多，按照教学计划，每周只有两个学时的美术课程学习时间。所以，学前教育专业学生的美术课程呈现出学生美术基础差、课程学习内容多、课时量少等问题。美术课程学时是在整个专业发展需求的基础上综合考虑后安排的，要想通过增加美术课程的课时量提高学生的美术学习质量是较为困难的。因此，拓展高职院校学前教育专业学生美术学习的途径就显得十分有必要了。 三、高职院校学前教育专业美术学习途径拓展的措施 1.开设美术课程兴趣小组 一般来说，兴趣小组是将课程教学中表现较为突出且对本课程有着积极学习态度的学生组织起来，在课余时间开展课程学习活动的学习小组。学习小组的学生人数有限，但是带来的积极效应是能够放大的。因为小组成员参加学习活动会引起其他学生的注意，小组成员通过兴趣小组能够获得成长，进而受到其他学生的关注。这个过程中，其他学生的学习积极性必定能被带动起来。同时，教师可以将这种正面的影响融入美术课堂教学。教师讲授完教学内容后，可以将学生分成小组，并请兴趣小组的成员担任组长协助教师辅导其他学生。开设学前教育专业的美术兴趣小组时，小组学习内容可以结合美术课程的教学计划，并超前于班级的学习进度，这样兴趣小组成员在辅导其他学生时就能更加准确、有效。开设美术课程兴趣小组不仅能够提升全班学生的学习效果，而且对于提升小组成员的能力也有很大的帮助。在开展美术兴趣小组学习活动前，应该配备负责教师。小组的负责教师需要针对学生的学习内容提前做好计划，结合学前教育专业美术课程的特点，主要安排绘画、手工、欣赏三个方面的学习内容，可以参考小组学生对本门课程的学习兴趣点，为学生的兴趣与特长的发挥营造良好的氛围，保证学生的学习热情。此外，在学习时间和地点上要有具体的规定，兴趣小组管理应规范化，保证学生准时参加活动，这样小组的学习活动才能持续开展。 2.举办画展 利用校园资源举办画展，可为学生提供展示自我的舞台。可以选择一个固定的场所，如走廊、空教室、教学楼大厅等，这样有利于画展的持续举办。画展看似只为个别学生提供了展示美术才能的机会，实际上它对于渲染校园艺术氛围、丰富学生的校园生活和提升学生学习美术的热情都是有帮助的。举办画展前，应在校内广泛征集学生的美术作品。可以拟定一个主题，激发学生的创作热情，不限制作品的表现形式，绘画、摄影、手工均可，为学生的创作留下足够的空间，充分尊重学生的特长与个性。虽然最后展出的作品数量有限，但在征集过程中，为画展做准备的学生人数肯定是多于这个数量的，这样就可以增强整个学生群体对于美术的关注与兴趣。同时，为了不打击落选学生的积极性，可以利用学校网站展示所有投稿学生的作品。 3.互联网课程学习 21世纪，人们的生活深受互联网的影响，互联网影响人们的交往、工作和学习等方面。互联网有着资源丰富多样、时空跨越性、信息更新速度快等优势，而学前教育专业美术课程学时安排的有限性和课堂学习的局限性决定了教师只能讲授基础知识，所以美术课程应该充分利用丰富的网络资源提高教学质量。课后，教师可以结合本节课的学习内容为学生提供与课程相关的网络资源，并要求学生根据网络课程继续学习。教师提供的互联网教学视频应该是对课堂教学内容的巩固与延伸，学生可以根据自己课堂上的学习情况自行选择巩固课堂练习或延伸课堂练习。同时，教师可以借用微信平台向学生分享美术相关的有趣的信息，以此开阔学生的眼界，提高学生对美术课程的学习兴趣。教师也可以鼓励学生将完成的美术作业发到朋友圈，通过朋友圈与教师、同学、朋友甚至家人交流学习情况。互联网不仅能够为美术课程提供丰富的教学资源，提高课堂教学质量，还能够满足学生个性化的学习需求，改进师生交流的方式。 4.充分利用美术馆等社会公共资源丰富学生的美术欣赏活动 美术馆具备独特的教育资源，即艺术收藏品。美术馆开展的教育活动多样，除了陈列艺术品的形式，还有名家讲座、艺术家公开制作、开放工作室、公演会等，这是很多高校都无法具备的。美术馆有着相对先进的设备，部分美术馆还配有讲解员，并且场地较大，相较于美术课堂，可以展开大规模的美术活动。所以，美术课程应该利用美术馆等公共文化机构，将美术馆教育作为学前教育专业美术课程的拓展与延伸。大多数学生的观展经验较少，教师应引导学生进行观展活动。参观画展看似简单，不过是进入美术馆后走到每件艺术品跟前看一看，但学生如果以这种无目的的方式参观展览，最后有可能一无所获。所以，教师应该分三步对学生的观展活动进行引导：第一步，在学生参观以前，教师应该为美术馆的艺术展做一个导览，向学生介绍展览的基本情况和参展画家的简介。第二步，为学生分析、讲解艺术展的典型作品。第三步，针对此次艺术展览作品进行再创作。观展后，教师可以在课堂上请学生分享自己观展后的感受，再请学生根据此次艺术展中自己最喜欢的作品进行再创作，使学生能够深层次地理解作品，拓宽学生的美术视野，提高学生的美术鉴赏水平。 5.手工体验馆 美术的形式是多种多样的，鉴于课程课时量较少，而且学校资源有限，如陶艺类的课程内容是无法在课堂上展开的。这个时候，教师可以推荐学生到陶艺店或其他手工体验馆学习、体验。虽然这种学习形式需要消费，但新鲜的内容仍然能吸引学生。任何一种手工艺品的制作，从材料的选择到制作方法、步骤的确定，从动手制作到不断修改和调整，都是一个提升创造意识和动手能力的过程。特别是在创作过程中，个人形象思维和逻辑思维的交融是其他学科都无法取代的。此外，绘画与手工看似相去甚远，其实内容是相通的，主要通过色彩、造型进行创作。所以，制作手工的过程也是一个提高美术综合素质的过程。高职院校学前教育专业的美术课程将绘画、欣赏和手工等内容压缩成一门课程，而且在学时安排上仅为每周两个课时，要想进一步提高该专业学生的美术素养，拓展学生的美术课程学习途径就显得非常迫切。笔者认为，通过上述学习途径，可最大限度地丰富学生的学习形式，增加学生的知识量，从而提高学生的美术素养。基金项目：2016年武汉城市职业学院校园文化项目：高职院校学前教育专业美术学习途径研究。 作者：赵一婷

小学美术优秀论文:现代教育理念下小学美术教学策略 摘要：教育现代化在教育教学中有着极其重要的地位，它并不是社会现代化之外的东西，而是社会现代化的组成部分。在教育现代化的框架下，以信息化来推动教育体系的结构重组、流程再造、和思想变革，才能实现教育的创新发展。塑造孩子从被动学习转变为主动学习的认知方式，尝试大胆地实践并与他人交流分享。 关键词：教育现代化；信息技术；综合实践 当前教育正全面推进教育现代化，教育观念的改变，这为现今美术课堂中带来一缕春风。为扩大优质教育资源的覆盖面与创新的教与学方式的实现创造了新契机。也为培养学生信息素养、综合发展奠下夯实的基础，为提高学生艺术素养，促进学生个性全面健康发展发挥更重要的作用。 1美术与信息技术整合，激发学生创新思维 随着课程改革的深入推进，在课堂教学中出现了一系列竞相开放的局面，“让学生得到最大发展”的新理念得到进一步的完善。在美术教学上，它更是一道最具特色的风景线。 1.1巧造氛围，激活兴趣 德国教育学家、教育家赫尔巴曾经说过：“兴趣意味着自我活动。”我运用多媒体巧妙创设氛围，激发学生的学习兴趣。在上国画课时，我利用媒体教学将国画的表现手法与诗情画意结合，诵读古诗、欣赏优秀名家作品，感受“诗是无形的画，画是有形的诗”的意境，提高学生内在的美术涵养。整个教学过程文图并举，声情并茂，视听结合，渲染了气氛，创造出了原诗的意境，使学生在轻松、愉快的氛围中获取知识，为课堂教学带来生机和活力。 1.2设疑解惑，突破难点 在美术的学习过程中，学生由于缺乏生活经验，对课程内容的理解产生一定的限制，作画时经常会茫然无措，不知从何下笔。我在教学中运用多媒体技术，紧扣画题词句，重点设疑，启发学生带着问题去思考，去学习，起到牵一发而动全身的作用。如：《童眼看世界》一课，为了让学生更深入地观察大千世界中美好的景物，我搜集了一些大自然中的美景，通过eLearning交互平台，让学生如同插上了想象的翅膀，将自己眼中所有的美好事物都一一展现。通过情景绘画示范的微课，学生在平板上一个个独特见解的讨论，课堂教学异彩纷呈，井然有序。 2开展美术综合实践课，促进学生综合素质 “以学生发展为本”。让学生全面发展，提倡差异发展，鼓励共同发展，培养学生学会学习，学会生活，学会自我发展的能力。 2.1扭转学习方式，侧重自主学习 现在美术教材渐渐地融合人文、自然、生活等领域，但作为授课的老师，可能因为本身专业特性与思维方式的制约因素，在讲授时，比较侧重于绘画技能的训练。从而忽视了教材所传递的一种信息，哪就是它除了教育功能外还有社会作用。在美术教学中开展综合实践课，对于教师们来说是一种崭新的教学模式，它因整合了不同学科的内容，所以在课程结构上更加丰富，教师的教学方法与手段也要求灵活多变，重视教学过程中评价多样性、合理性，这对传统教学提出了挑战。当我们教师面对这一新生事物时，必须树立素质教育观、学生自主观、能力和应用观，这也正是新课改所倡导的。美术综合实践活动课的开展，让学生从过去被动获取知识的学习方式中解脱出来，主动学习，乐于探究，积极参与实践体验，不断完善自我。 2.2倡导综合探索，培养学生审美观 美国费德门教授的欣赏程序提出了叙述、形式分析、解释、评价四个环节，它从浅层的叙述到中层的作品分析，再到解释与评价深层的拓展，让学生从作品中分享个人的情感。结合这四个环节的指引，我在上《民间玩具》（欣赏、评述）一课时，展开探究步骤如下：（1）学生只需认真看我提供的玩具与视频、图片资料。（2）从玩具的形状、结构、色彩三方面来分析地看，并简述各自的观点和看法，提出问题，在小组内分析、讨论解决问题的方法，小组长作笔记。（3）小组长汇报各组的独特见解，并提出本小组无法解决的问题，师生共同对学生存在的疑难问题进行探讨。（4）师生共同对民间玩具进行欣赏和评价，小组内再次谈体会，把个人的见解和集体的智慧融合起来，不断完善自己的观点，把握民间玩具传递出的文化信息。通过以上四个环节的尝试，不单培养了学生审美观，还提高了观察力、分析能力及与人交流思想能力。 3注重运用美术的语言，培养学生人文精神 我们常说要把课堂还给学生，让孩子们在寓教于乐中快乐学习。因此，在课堂教学时我们应选择基础的、有利于学生发展的美术知识与技能，让学生逐步体悟美术学习的特质，形成基本的美术素养和学习能力，为终身学习奠定基础。 3.1展现美术学科的特性，学会美术语言 美术的语言其实就是引导学生用形状、线条、色彩、纹理等因素来分析作品，它们可以通过各种各样的巧妙组合，创造出绚丽多姿、千变万化的视觉形象，表达丰富复杂的客观物象与思想情感。教学中鉴赏优秀的美术作品，让学生找一找作品中有哪些构成因素，并鼓励学生在作业中发挥自己的个性，大胆运用这些构成因素进行表现，允许学生的差异性。 3.2置身美术作品的情境，丰富美术语言 《义务教育美术课程标准（实验稿）》基本理念之一就是：“在广泛的文化情境中认识美术。”因此在美术教学时不能停留在单纯的技能技巧的欣赏层面，而要把美术作品放到一定的文化情境中，引导学生通过学习，从中体会美术表现语言的丰富性。我在欣赏课中有时让学生口头作欣赏讨论，有时根据具体情况要求学生写成小短文，然后大家交流，从中尝到乐趣。 3.3灵活运用美术语言，彰显自主性 在教学中我通过多种方式来引导学生对美术表现语言进行创新运用，让学生挥洒灵感，展示个性。我鼓励学生对曾经描绘过的对象进行再创造。比如可以让学生改变视角重新表现，可以运用放大、简化、变形、变色等手段，对已经描绘过的对象或画面进行处理，从而获得全新的视觉效果，综上所述，在现代教育理念下小学美术的教学中，教师应该遵循学生的特点，真正实现审美、认识、教育三者并举的功能，提高学生的思维能力、创新能力，促进学生个性化与全面化的协调发展，使得美术这门艺术课程更具生命活力与艺术魅力。 小学美术优秀论文:小学美术教育中的个性教学分析 【摘要】小学美术作为素质教育的基础，对培养学生的创新意识具有重要意义。教师通过个性化的美术教学来挖掘学生的艺术潜能,美术本身具有较高的思想性和艺术性，利用学生丰富的想象力，并借助多功能辅助工具，可以塑造出梦幻而又美丽的画面，让学生对美术的学习充满期待和无限想象，加大了学生的积极性。本文通对小学美术教育的分析，提出了一些个性化教学的方法，对培养学生学习美术兴趣、发挥创新思想有至关重要的作用。 【关键词】小学美术；美术教育；个性教学 随着素质教育的发展，美术学科成为了小学教育基础的重要组成部分，同时美术教学成为了发展学生个性，培养和创新潜能的必备学科之一。通过个性化教学使学生全面化发展，为以后的成长打好基础。某位学者曾说过“多一把尺子，就会多一批人才”。因此教师通过特色教学，扩展知识的广度、深度，培养学生的个性品质，激发学生的创新思想，促使学生全能发展成为社会的有用之才。 1.小学美术教学存在的问题 1.1固定思维模式 起初学习美术，学生的美术天赋各有不同，几乎所有同学对美术概念的认知度和思想范围都不在一个方向上，而教师的审美观基本接近（教学标准）。按照固定的一个标准来评判学生的作业，从而抹杀了有些学生开启新思想的信心，以此扩大了学生“思维局限性”的范围。例如，教师给一个半成品圆，让学生自己组合完成任务，学生根据自己的所见所闻完成了作业，但是分数却出乎意料，有现实规模的，得到表扬，而一些学生通过科幻想象等完成的作业，有教师的不认可、有学生的嘲笑各方面的因素，打击了学生的自信心，让这些学生创新思想没有得到施展，在以后的学习规模中形成了固定思维模式。从而对学生的个性发展没有任何意义。 1.2学生缺乏主动性 在小学美术教学中，对于塑造美术框架、构思模块、如何绘画等各方面的知识，学生都很欠缺，因此他们没有对美术的学习表现出强烈的主动性和积极性。但是“爱美之心人皆有之”，人都喜欢美的事物，然而学生却没有发现美术真正的“美”，从而没有调动他们的主动性，来更好的激发他们的发挥空间。 1.3师生缺乏交流 美术教学模式的单一，比如，没有组织学生户外写真，只是在课堂上根据一个标本自由发挥，学生不能衍生物品特征（实物接触），不能更好的发挥想象力。最重要的是学生与教师之间没有更多的交流互动，教师没有从思想、心理各方面去重视学生对美术的学习，因此教师不能很好地掌握学生的喜好特点，无法引导学生的发挥能力。由于这些问题的存在，学生无法提高事物的审美观，也不能培养学生的创新思想。 2.小学美术个性化教学的有效措施 2.1激发学生创造力、培养学生学习兴趣 对于任何人，只要是感兴趣的事物，都会对它产生好奇，对它进行研究、分析。对于学科也一样，培养学生学习美术的兴趣，就会激发他们的创造力和想象力。每个美术教师都希望学生在学习期间全身心投入到课程中，由于有些同学没有美术天赋，从而放弃美术的学习，不能说美术与以后生涯毫无关系，但它现在至少可以减轻学习压力，让小学生有一个梦幻完整的童年。从而加强了学生的认知度，对学生的审美观、价值观具有重要意义。让学生用美的眼光来欣赏美术课程，来激发他们的创造力，培养学生的创新意识。在小学生的眼里世界是五彩缤纷的，他们的思想单纯，而在此时就是大胆引导他们学习美术知识、大胆激发他们丰富的想象力。使学生对美术概念有了新的认识，从另外角度去发现美术的有趣。有效的培养了学生的学习兴趣和创新能力。 2.2建立个性化施展舞台 在美术教育的最前端，开设一个话题让学生自由发挥施展个性，给学生一个艺术舞台，来施展他们的魅力，激发他们的想象力。学生通过这些活动，拿起手中的画笔，给他们一个自由空间尽情发挥，中途学生有不足的或者无法继续完成的，老师给予耐心的教导，与学生多多交流与沟通，来培养学生的主动性。不论学生作业完成的好与不好，老师应对学生给予奖励和鼓励，让每个学生对作业有自己的看法和意见，让学生对绘画信心十足，来培养激发学生的积极性。 2.3组织室外活动 一般的教学活动都在教室，但对于美术课而言，它内容的延伸性与扩展度较广，需要借助一定的工具和外景配合，才能体现美术的生动与活力。对于小学生来说，好动就是他们的一大特点，或许加入一些户外活动，可能会让学生全神贯注投入到学习中。教师通过组织室外活动（尤其是夏天），不仅使学生对审美有了定位，而且使学生的视野范围更加开阔，对美的认知度有了提升。才能让学生的想象力超常发挥，有些画面还能让学生的灵感突现，激发美术的创新潜能，完成与众不同的美术作业，对美术课程有新的认识，能从全方位描述事物特征，积极发挥学生的主观能动性。 3.结语 在小学教育中，美术作为一门基础课程，要让学生全力投入学习，应从学生的思想抓起，加强与学生的交流，扩大学生的想象空间，来体现美术的真正意义。利用一些个性化的教学，培养了学生的积极性和主动性，丰富了学生的想象力，激发了学生的创新意识，使学生的价值观和审美观提升一个层次。让学生在成长的路上发现和探索美术的奥秘。 作者：钱智慧 单位：宝应县开发区国际学校 小学美术优秀论文:小学美术教育的特点和方法 【摘要】小学美术教育是九年义务教育的有机组成部分，其教学质量的好坏对学生造成不可逆转的影响。在美术教育过程中，教学方法和教学思想都潜移默化的影响着了学生的审美能力、艺术情操以及大自然的感知能力，进而可以有效促进小学生综合素质的提高。因此，笔者针对当前小学美术教育的特点进行剖析，然后在提出一些建议性的教学方法，供读者参考，以便我国小学美术教育更好的发展。 【关键词】小学美术教育；艺术感受；教学特点；教学方法 对于小学美术教学来讲，是通过色彩和图形的感知而进行的教学，利用生动形象的美术画面，可以有效的激起小学生学习的兴趣，在一定程度上可以使小学生养成良好的学习习惯。从小学美术教育特点视角出发，美术课程教育应当在认知发展规律基础之上进行开展，进而有效的提高小学生的知识和技能，以便小学生德、智、体、美的全面发展。 一、小学美术教育的特点 对于九年义务教育来讲，是小学生心理和生理逐步完善的特殊阶段，对于这个特殊时期的教育工作来讲，它对小学生今后的思维发展和认知能力都有着很大影响。小学美术教育是从小学生的注意力、想象力、观察力等不同方面来加强对学生综合能力的培养，对学生的心理完善起着非常重要的作用。 （一）审美教育的全面参透。 对于小学生来讲，无论是审美能力的培养，还是审美意识的形成，都是九年义务教育阶段美术教学的核心内容。就目前小学美术课程教学来讲，它的审美教育特点尤为突出，进而有效的促进了小学生审美观念的发展。在德、智、体、美全面发展的过程中，小学美术教育又体现出一个重要特点，即综合学科教育的特点，将美术教育与其它形式的艺术教育进行有效的结合，在一定程度上拓宽了学生的艺术视野。 （二）教学内容趋于生活化。 对于小学美术教育来讲，其教学内容的呈现方式主要是物质原料，在教学过程中，利用相应的教学辅助工具来展现相关事物的空间和面积，以便增强学生对美术的认知，因此，将教学与现实生活进行有机的结合成为当前美术教育发展的主要趋势。从现实生活中获得较多的启发后，可以促使学生发现生活中的发现美、感受美、理解美等，并在不同形式上赋予美更多意义，进而影响了学生的思维能力和想象能力的发展。 （三）满足不同阶段学生的心里特点。 对于小学生来讲，特别是较低年级的学生对任何事物都充满了强烈的好奇，在探索和求知的趋势下，他们可以有效的挖掘出身边事物的隐藏特点，小学生嘛毕竟没有太多的社会经验，一时之间很难分辨真实和虚幻，无法全神灌注的进行对事物的分辨。而高年级的学生，由于知识和经验的不断积累很容易跳出当前学习规律的束缚，将探索和求知的空间进一步升华，以满足他们对艺术审美的需求。如此以来，小学美术教育不得不满足小学生的阶段性这一心里特点。 二、小学美术教育过程中的有效教学方法 （一）创造科学合理的教学情景。 对于小学美术教育来讲，对于专业师资队伍的培训，不能是单纯的局限在专业知识的培训上，还要加强艺术学科综合知识的培养，进而在教学过程中可以形成全方位的艺术关联，将舞蹈、音乐、文学等不同的学科，通入到模式教育过程中，可以有效的促进小学生对美术课程的理解。如此以来，这就给美术教师提出了更高的要求，要求美术老师在课堂教学的过程中，要有意识的、有针对性创建科学合理的教学情景，并不断引导小学生在特定的环境中审美意识和创造意识的展现。通过现实生活和美术教学的有机融合，不仅为老师创造出良好的教学情景，还有效的提高了美术课程教学的质量。 （二）将课堂内容和课外内容进行有机的融合。 对于小学美术教学来讲，一般情况下是先进行理论讲解，然后在进行实践操作（画图），这种传统的教学模式有待进一步改进。至于怎么改进，主要是看学生对知识的掌握程度，例如，在学生还没有完全掌握课本知识的情况下，老师可以采取理论讲解与实践操作同步进行的方式来进行课堂教学；当学生完全掌握课本知识时，老师可以采取先实践，在图形完成之后，根据图形讲解相关的理论知识。将实践内容和理论内容进行有机的融合在一定程度上拓展了小学生的思维空间。此外，外出写生对于美术教学来讲，不但可以有效提高小学生的观察力，还丰富了小学生的想象力。 （三）多媒体辅助教学工具应用到美术课堂。 对于多媒体辅助教学工具来讲，在小学美术课堂已被广泛使用，在一定程度上有效的提高了课堂教学效果。但是如何开展多媒体教学还需要进行掂量思考。例如，在美术教学过程中，可以利用多媒体辅助教学工具给学生播放一些优秀美术儿童作品，或者是利用网络教学指导来进一步提高小学生对画面的整体感知。 （四）尊重小学生的个性发展。 对于小学生来讲，个性发展与心理差异有着必然的联系，在九年义务教育阶段要引起教育者的高度重视，特别是在美术教育过程中，关于个性发展的重视尤为重要。对于传统教师为主的教学模式来讲，在一定程度上限制了学生个性的发展，将小学生的绘画能力扼杀在摇篮里，进而降低了小学生学习的积极性。由此可见，小学生的个性发展对其学习的积极性，有着一定的促进作用。 结束语 对于小学美术教学来讲，是在基础教育过程中学生认知社会的有效途径，有效的促进了小学生身心发展。从小学生这个特殊的心理阶段发展来看，不同的时期心理阶段有着不同的认知，所以在美术教学过程中，要根据这一特点设计出一套科学合理的教学内容，进而从全方位展现美术教学的知识结构。 作者：王明升 小学美术优秀论文:小学美术教学中学生创造力的培养 摘要：小学美术是对小学生进行美育的重要课程，不仅能够提高小学生的审美能力，还有利于帮助小学生养成良好的想象力和创造力，为小学生今后的发展奠定基础。小学美术教师在教学中应该坚持“以人为本”的教学理念，提高教学水平，采用多种有效策略培养小学生的创造力，激发小学生的美术学习兴趣，促进小学生综合素养的提升。 关键词：小学美术；美术课堂；小学生；创造力 小学美术是九年义务教育阶段的必修课程，在实施素质教育过程中具有不可替代的作用，不仅是对小学生进行美育的重要渠道，也是培养小学生想象力和创造力的关键，为小学生今后的发展奠定基础。传统的小学美术教学中存在诸多问题，很多人都认为小学美术是很容易学的，只要跟着美术教材的示范进行描绘即可，美术教师不必懂太多的美术专业知识和技能。还有一些小学美术教师在教学中采取“填鸭式”的教学方式，只注重小学生的课堂秩序和教学目标是否完成，忽视对小学生美术素养的培养，也间接地使小学生仍然处于“涂鸦阶段”。因此，如何发挥引导作用，提高课堂教学效率，激发小学生的创造力，就成为小学美术教师应该思考的问题。 一、创设教学情境，培养学生的创造兴趣 小学美术教师要善于创设具有童趣和生活化的教学情境，充分展示美术课程的特点和优势，让小学生在具体的情境中学到更多的美术知识，从而培养小学生的创造兴趣，促进他们积极地参与到美术课堂。同时，轻松愉悦的课堂氛围有助于小学生展开想象的翅膀，发挥主观能动性，积极地进行思考和探究，找到学习美术的乐趣。在创设情境时，小学美术教师需要遵循以下几点：首先，必须要尊重小学生的主体地位，给小学生提供展示的平台，让小学生可以在公平公正的美术课堂中学习和成长。其次，必须要积极开展师生互动交流，与小学生做朋友，让小学生可以打开心扉，跟随美术教师学习美术知识。最后，必须要鼓励小学生进行提问和反思，找到自己在美术绘画中的不足之处，从而积极进行改进，让小学生能够真正地融入到美术课堂。俗话说：“兴趣是最好的老师。”只有小学生拥有了创造兴趣，才能够发挥创新能力，创作出一幅幅优秀的美术作品，逐渐养成终身学习的意识。 二、根据学生的个性特点，锻炼审美意识 小学美术教师应该充分掌握每个小学生的个性特点和实际情况，从而有针对性地进行美术教学，锻炼小学生的审美意识，活跃美术课堂氛围，提高小学生的课堂参与度。儿童绘画有着很多共性的地方，比如绘画较为夸张，喜欢鲜明的色彩；主观性强烈，不受绘画对象的限制。因此，小学美术教师在教学中要善于根据小学生的个性特点来制定教学方案，规范小学生的绘画习惯，让小学生在绘画中提高审美能力。比如，在教小学生画太阳时，我先给小学生在黑板上画出各种造型的太阳范画，并给小学生讲解怎样能把太阳画出个性和趣味。可以把太阳拟人化，变成发着光的慈祥老人，也可以变成美丽的小姑娘等。我还告诉学生可以从四季的特点来画太阳：春天的太阳光芒是枝条，夏天的太阳光芒是火焰，秋天的太阳光芒是果实，冬天的太阳光芒是糖葫芦等。这种以各式各样的图案化的形式来表现太阳，更加符合小学生的认知，也有利于激发小学生热爱大自然的思想感情。 三、欣赏美术作品，激发学生的创作灵感 在美术教学中，小学美术教师要经常开展美术作品欣赏课，让小学生欣赏一些具有启发性和引导性的美术作品，从而形成独特的审美感受，增强自己绘画的信心和决心，并且提高创作才能。同时，在欣赏美术作品时，还有利于激发小学生的创作灵感，鼓励小学生对美术作品提出自己的看法，在班级中开展交流活动。而且，小学美术教师还可以带领小学生到博物馆或者美术展览馆去参观，接触到更多的优秀美术作品，增强自己的美术素养。值得注意的是，小学美术教师在选择美术欣赏作品时要从小学生的实际出发，选择贴近小学生实际水平的作品，避免选择过于抽象的艺术作品，防止对小学生的思维造成困扰。比如可以欣赏齐白石的群虾，张择端的清明上河图等。在美术作品欣赏过程中，小学美术教师要善于引导小学生读名画、赏名画，从而拓宽小学生的视野，陶冶小学生的情操，提升小学生的人文素养和创新能力。 四、勇于实践创新，提高对美术喜爱程度 小学生的社会经验少，实践能力有待提高，因此小学美术教师要经常开展美术实践活动，教授小学生的美术绘画技巧，提高小学生对美术的喜爱程度。通过美术实践，不仅能够巩固小学生的美术理论知识，还能够增强小学生的操作能力，让小学生找到学习美术的方向。小学美术教师必须要坚信每个小学生都具有学习美术的能力，并都具备不同的潜质。教师还要面向全体小学生，用发展的眼光看待他们，促进小学生健全人格的形成和发展。比如讲冀教版小学美术《化装舞会》时，这节课的教学相比以前做头饰和面具等更具有人性化，而且增加了服装和背景的设计，让小学生有身临其境的感觉。我鼓励小学生自己去选择服装、设计海报和背景，并且让小学生自主选择化装舞会的音乐等。我则对学生进行及时的指导和帮助。最后全班在一起进行联欢、表演。表演完后，可以互相谈谈体会和感受。通过这次化装舞会，可以引导小学生大胆地表现自己，培养他们的团队协作精神。 五、运用多媒体技术，增强美术活动情趣 随着多媒体技术的普及，给小学美术教学带来了新的发展机遇，小学美术教师可以运用多媒体技术辅助教学，增强小学生的美术活动情趣，培养小学生的创造力，拓宽小学生的美术知识面，鼓励小学生进行探究。比如在讲冀教版小学美术《我们的节日》一课时，本课的教学目标是通过探究性、综合性的美术活动灵活运用已有知识完成小组设定的目标，认识美术与生活之间的密切关系，发展综合解决问题的能力。在探究中体验愉悦与成功感，在创作中体验想象的大胆与自由。在教学时我首先通过多媒体教学课件给小学生展示了一组与节日有关的图片，让小学生欣赏节日的盛况。然后，我用多媒体课件出示主题：“我们是怎样庆祝六一儿童节的？”让小学生分组讨论庆祝节日的方法，最终每个小组选择一名小学生进行总结发言。通过多媒体辅助教学，使小学美术课堂充满了生机与活力，小学生也更加喜爱美术课，可以发挥创造力去设计各种各样的活动道具。 作者：任正伟 单位：河北省迁安市五重安乡小关完全小学 小学美术优秀论文:中日小学美术教育的异同分析 摘要：日本与我国在文化，历史，经济各方面可谓是同宗同源。这在两国的美术教育上体现的尤为突出。众所周知，日本是一个善于接受并学习外来文化的国家，日本美术教育也是如此，不断的吸收外来美术教育理念，结合自身的教育方法进行充分的融汇贯通。在现阶段，中国的美术教育正处在一个发展并进步的阶段，如何在与其他国家美术教育进行全方面对比的之后，对自身进行改良并创新，这具有很重要的现实意义。通过对中日两国小学美术教育进行比较，本文将分别从两国小学美术教育的指导思想、课程目标、课程设置内容进行分析，比较异同，最后从中得到有利于对我国今后的美术教育得到发展的启示，进行研究。 关键词：日本；小学美术；教育 一、中日小学美术教育的指导思想之比较 我国美术教育的指导思想颁布的大纲明确指出:“美术课是义务教育初中阶段的必修课，是对学生进行审美教育的重要途径，它对贯彻德、智、体、美，全面发展的教育方针，提高国民的综合素质，培养有理想、道德、文化、纪律的社会主义公民。”应对这样的指导思想，开展美术课程，就应该为我国的基础教育教学发挥更为积极的作用。美术学科与其它学科是相互关联的，它可以激发学生的创造力、审美能力等人格的综合素养，对其它学科以及生活有积极的帮助。在当代教育中，我国与其它发达国家同样的意识到开展美术教育的重要性，尤其在小学低年级阶段，进行小学美术教育更是必不可少的。小学美术教育在日本，称为小学图画手工课，也称之为造型教育、美术教育或造型美术教育。日本教育部门认为，在义务教育阶段的学习中，更应该把重点放在体验创造性表现的喜悦中，并应该与其它学科相应的统合整理起来，发挥其特殊的作用。而在日本文部省的相关指导资料中明确地阐述了日本学校教育的这一基本指导方针。与我国美术教育意义一样，日本的小学美术也是培养审美感知、感情、情操的教育学科。两国均认为美术教育与其它学科存在相应的联系，开展美术教育有利于发挥学生的创新能力，同时有助于其它学科的开展。 二、中日小学美术教育的课程目标比较 根据我国的教育部制定的《义务教育美术课程标准》（2011年版），我国美术美术课程总目标按“知识与技能”“过程与方法”“情感、态度”和“价值观”三个维度设定。根据总目标的设定的要求，我国的美术教育要求学生在参与美术教学活动，通过美术语言和美术教学的表达方式及方法，再运用各种材料和工具进行创作，目的在于激发学生的创造性。同时了解我们的文化生活，提高自身的审美能力。学生在美术学习的活动过程中，形成独特的视野，丰富触觉和审美经验，从而形成独特的审美意识，培养人格的健全，为社会培养全方位的人才。日本文部省关于图画手工课的指导目标是“通过表现以及鉴赏活动，在培养造型性创作的基础的同时，体验到表现的喜悦、培养丰富多彩的情操。”在这样的总目标中，日本美术教育注重培育儿童主体创造的丰富性，而这个总目标也是日本美术教育所要依赖的深厚的基石。日本小学图画手工课教育的特殊之处在于关注所有学生的欲望和他们的兴趣个性，而非表现技能效果的高低，使学生们在体验到学习带来的创新乐趣的同时，培养审美能力，健全个体人格的发展。然而，中日两国所设定总目的都关注学生的创造力与主体性，但在不同的年级的具体教学中又还有一定的差别。在具体教学实施中，中日两个都将小学美术课程根据学生的身心发展水平划分为分为低、中、高的年级阶段。在每个不同的阶段中，两国均设定了不一样的具体教学目标。在低年级的具体教学目标中，两国都重视儿童的天性是无拘无束的，在课程的教材、材料工具上都重视丰富性与多元化，让学生们可以体验到美术色彩造型活动的乐趣。我国在实施的美术教育，倡导能在根据每个学生不同的潜质上获得不同程度的发展。在这个阶段，两国虽然都比较重视学生的主体性与创造性，通过游戏活动提高学生的学习兴趣，但在日本更是把之称为造型游戏，把游戏活动作为学习的目的。与小学低年级不同，在中、高年级阶段，我国则会注重学生对专业技能的培养与知识的获得，例如在教学活动中，我国的教师会根据教学进行教学重点难点进行分析，确定教学目标要求学生进行学习掌握，让学生在学习基础理论与技能的基础上，再进行创造性的培养，陶冶学生的情操，并提高学生的思想道德水平。与日本文部省制定的学习指导纲领对比，对中、高年级的具体教学目标有一定的差别，如，中年级“着重培养学生对事物的认识能力和（用不同）表达方法表现的能力，使之能运用绘画和立体表现观察到的想象的事物”。高年级则需要加深理解深度，练习规定的主题构思，并要求从实用与审美的角度，能够运用绘画和雕塑的技巧表现等等。日本在此分阶段的目标中，比我国更注重以学生为中心，培养学生审美的态度与意识的同时，仍非常重视学生的主体性与创造性。 三、中日小学美术课程设置内容之比较 我国的美术课程与其它学科，如：政治、语文、数学等单纯以本学科的知识构建的课程学习不同，而是根据美术学习活动的方式划分为“造型•表现”、“设计•应用”、“欣赏•评述”、“综合•探索”四个学习领域。所谓的“造型•表现”是指倡导学生的自由发挥，创新表现，丰富自己的情感和认识。“设计•应用”主要是指在学习领域中的设计和工艺方面的学习内容，在此学习活动中不但要求形成自我的创意意识，还要求关注学习活动的目标与功能。“欣赏•评述”领域中则注重学生通过欣赏美术作品，结合感受，表达自己的情感，要求学生能够根据知识构建，形成审美心理情感。“综合•探索”是当代教育发展的一个新特点，综合性学习是指在此学习领域中把“造型•表现”、“设计•应用”、“欣赏•评述”几个学习领域，美术跟其它学科领域，以及社会功能等相关的方面综合而来的学习活动，在这个学习领域中它注重要求培养学生的综合实践能力和探究发现能力的发展。根据我国义务教育将美术课程按照学生的身心发展水平划分的学习阶段，与四个学习领域设计课程内容和学习活动相结合，根据不同阶段学生是身心特点、认知能力和实践能力进行课程学习教学。例如：在低年级的“造型•表现”学习领域中，我国的美术教师会鼓励学生们尝试运用不同的材料工具展示造型表现的活动，在游戏中体验美术的欢快式教学的乐趣，我国在低年级以游戏方式教学为主，而到了中、高年级则注重学生对专业技能的培养与知识的获得是相应的。与我国美术学习活动的划分方式不同，日本小学的图画手工课则分为“表现”和“鉴赏”两个部分。在日本的美术教育中，将绘画与制作称为“表现”，而观察则称为“鉴赏”。日本的美术教育课程内容中，日本在小学阶段是以“表现”学习领域为中心，“鉴赏”则是伴随着“表现”学习领域进行的。与我国类似的是日本美术课程根据小学各年级的具体实际情况，将学生分为低、中、高三个年级，并从整体上进行了循序渐进的安排。同样的是日本在低年级把造型活动与游戏结合起来，把“造型游戏”贯穿于整个教学活动，也以此为指导内容。而到了中、高年级，日本教育也低年级的指导内容的基础上，发展“绘画表现”的具体内容，同样也重视专业知识技能的传授。然而，日本的教育会根据学生自身、学生与学校的实际情况而把握指导内容，进而制定一年的指导计划。这样它会考虑到每个阶段学生的不同身心特点，学校、教师、教材与实际实践教学，充分把握每个学生的个性和能力，正确选择题材再指导，使每个学生都能体验到美术表现学校的喜悦。在这一点日本比我国做的更好的是，他们更注重学生如何能在学校中体验到真正的学习乐趣，不论哪个学习阶段，用实践教学得到证实。这虽然也是我国的美术教学活动所追求的，并在新课改中所倡导的，与日本相比，我们在理论方面做得同样很出色，但在理论与实践相结合上我们需做更好的努力。 四、中日小学美术教育之比较对我国现小学美术教育的启示 我国与日本虽然有着相似的文化背景，而两国的教育制度有一定的差别，但俗话说：“他山之石，可以攻玉。”通过两个小学美术教育的一些方面的比较，为促进我国美术教育又好又快的发展，我们可以“取之精华，去之糟粕”。下面，在通过中日两国的小学美术教育之比较的基础上提出几点启示。 1、更关注学生的主体性与创造性 虽然不同年级的学生有着不同的思维判断能力，在低年级通过游戏方式让学生体验教学，那么在高年级中，教师在教学活动中不要着急的灌输学生相应的专业知识与技能。“玩”是孩子们的天性，我们更应该根据学生的潜能与兴趣特点，挖掘他们的潜能，培养他们的实际能力。美术之所以是一门特殊的学科，是它所具有开放性、创造性性质的学科课程，画苹果时，苹果不一定都是圆的，花儿不一定都是红的，避免公式化、概念化教育，更关注于学生的主体性，发挥其创新能力。 2、更注重学生实际与教材，做好教学设计 我国现代的小学美术教育越来越偏重于知识的传授，然后对于小学生，我们不应该如此。在日本，教育学者们普通认为，美术教育之所以能激发学生的创造性思维，这与好的课堂授课方式是有很大程度的关联的。 3、更加强吸收国外的优秀学习经验 通过与日本小学美术的比较，分析两国小学美术教育的异同，我们能更明显的看出我国小学美术教育的优势与缺陷。我们现在都在追求全方位的社会经济文化的发展,闭关锁国并不利于一个国家的发展，教育也是如此。因此在教育中，我们更应该加强与国外的教育文化教育，分享成功的教学经验，并有选择性的进行引用和学习。 五、结束语 美术教育教学是完成美育的重要途径。其中美术这种学科的育人功能相比于其他的学科尤为突显。通美术教育既可以激发人的美感想象，又可以开发大脑的创造性思维。通过美术教育，尤其是初级的美术教育可以使学生培养开阔的眼界以及自己的世界观，从而来培养自身的情操，完成从想象到创造的发展过程产生的质变。将中国美术教育与国外美术教育进行对比，可以直观的认识到自身存在的不足和自身拥有的优势，既能“取之精华，去之糟粕”，又可以增强自己的责任感。总之，与国外的美术教育进行比较分析，最终是为了我国教育事业能得到新的发展。 作者：陈少博 小学美术优秀论文:中日小学美术教育比较分析 摘要：日本与我国在文化，历史，经济各方面可谓是同宗同源。这在两国的美术教育上体现的尤为突出。众所周知，日本是一个善于接受并学习外来文化的国家，日本美术教育也是如此，不断的吸收外来美术教育理念，结合自身的教育方法进行充分的融汇贯通。在现阶段，中国的美术教育正处在一个发展并进步的阶段，如何在与其他国家美术教育进行全方面对比的之后，对自身进行改良并创新，这具有很重要的现实意义。通过对中日两国小学美术教育进行比较，本文将分别从两国小学美术教育的指导思想、课程目标、课程设置内容进行分析，比较异同，最后从中得到有利于对我国今后的美术教育得到发展的启示，进行研究。 关键词：日本；小学美术；教育 一、中日小学美术教育的指导思想之比较 我国美术教育的指导思想颁布的大纲明确指出:“美术课是义务教育初中阶段的必修课，是对学生进行审美教育的重要途径，它对贯彻德、智、体、美，全面发展的教育方针，提高国民的综合素质，培养有理想、道德、文化、纪律的社会主义公民。”应对这样的指导思想，开展美术课程，就应该为我国的基础教育教学发挥更为积极的作用。美术学科与其它学科是相互关联的，它可以激发学生的创造力、审美能力等人格的综合素养，对其它学科以及生活有积极的帮助。在当代教育中，我国与其它发达国家同样的意识到开展美术教育的重要性，尤其在小学低年级阶段，进行小学美术教育更是必不可少的。小学美术教育在日本，称为小学图画手工课，也称之为造型教育、美术教育或造型美术教育。日本教育部门认为，在义务教育阶段的学习中，更应该把重点放在体验创造性表现的喜悦中，并应该与其它学科相应的统合整理起来，发挥其特殊的作用。而在日本文部省的相关指导资料中明确地阐述了日本学校教育的这一基本指导方针。与我国美术教育意义一样，日本的小学美术也是培养审美感知、感情、情操的教育学科。两国均认为美术教育与其它学科存在相应的联系，开展美术教育有利于发挥学生的创新能力，同时有助于其它学科的开展。 二、中日小学美术教育的课程目标比较 根据我国的教育部制定的《义务教育美术课程标准》（2011年版），我国美术美术课程总目标按“知识与技能”“过程与方法”“情感、态度”和“价值观”三个维度设定。根据总目标的设定的要求，我国的美术教育要求学生在参与美术教学活动，通过美术语言和美术教学的表达方式及方法，再运用各种材料和工具进行创作，目的在于激发学生的创造性。同时了解我们的文化生活，提高自身的审美能力。学生在美术学习的活动过程中，形成独特的视野，丰富触觉和审美经验，从而形成独特的审美意识，培养人格的健全，为社会培养全方位的人才。日本文部省关于图画手工课的指导目标是“通过表现以及鉴赏活动，在培养造型性创作的基础的同时，体验到表现的喜悦、培养丰富多彩的情操。”在这样的总目标中，日本美术教育注重培育儿童主体创造的丰富性，而这个总目标也是日本美术教育所要依赖的深厚的基石。日本小学图画手工课教育的特殊之处在于关注所有学生的欲望和他们的兴趣个性，而非表现技能效果的高低，使学生们在体验到学习带来的创新乐趣的同时，培养审美能力，健全个体人格的发展。然而，中日两国所设定总目的都关注学生的创造力与主体性，但在不同的年级的具体教学中又还有一定的差别。在具体教学实施中，中日两个都将小学美术课程根据学生的身心发展水平划分为分为低、中、高的年级阶段。在每个不同的阶段中，两国均设定了不一样的具体教学目标。在低年级的具体教学目标中，两国都重视儿童的天性是无拘无束的，在课程的教材、材料工具上都重视丰富性与多元化，让学生们可以体验到美术色彩造型活动的乐趣。我国在实施的美术教育，倡导能在根据每个学生不同的潜质上获得不同程度的发展。在这个阶段，两国虽然都比较重视学生的主体性与创造性，通过游戏活动提高学生的学习兴趣，但在日本更是把之称为造型游戏，把游戏活动作为学习的目的。与小学低年级不同，在中、高年级阶段，我国则会注重学生对专业技能的培养与知识的获得，例如在教学活动中，我国的教师会根据教学进行教学重点难点进行分析，确定教学目标要求学生进行学习掌握，让学生在学习基础理论与技能的基础上，再进行创造性的培养，陶冶学生的情操，并提高学生的思想道德水平。与日本文部省制定的学习指导纲领对比，对中、高年级的具体教学目标有一定的差别，如，中年级“着重培养学生对事物的认识能力和（用不同）表达方法表现的能力，使之能运用绘画和立体表现观察到的想象的事物”。高年级则需要加深理解深度，练习规定的主题构思，并要求从实用与审美的角度，能够运用绘画和雕塑的技巧表现等等。日本在此分阶段的目标中，比我国更注重以学生为中心，培养学生审美的态度与意识的同时，仍非常重视学生的主体性与创造性。 三、中日小学美术课程设置内容之比较 我国的美术课程与其它学科，如：政治、语文、数学等单纯以本学科的知识构建的课程学习不同，而是根据美术学习活动的方式划分为“造型•表现”、“设计•应用”、“欣赏•评述”、“综合•探索”四个学习领域。所谓的“造型•表现”是指倡导学生的自由发挥，创新表现，丰富自己的情感和认识。“设计•应用”主要是指在学习领域中的设计和工艺方面的学习内容，在此学习活动中不但要求形成自我的创意意识，还要求关注学习活动的目标与功能。“欣赏•评述”领域中则注重学生通过欣赏美术作品，结合感受，表达自己的情感，要求学生能够根据知识构建，形成审美心理情感。“综合•探索”是当代教育发展的一个新特点，综合性学习是指在此学习领域中把“造型•表现”、“设计•应用”、“欣赏•评述”几个学习领域，美术跟其它学科领域，以及社会功能等相关的方面综合而来的学习活动，在这个学习领域中它注重要求培养学生的综合实践能力和探究发现能力的发展。根据我国义务教育将美术课程按照学生的身心发展水平划分的学习阶段，与四个学习领域设计课程内容和学习活动相结合，根据不同阶段学生是身心特点、认知能力和实践能力进行课程学习教学。例如：在低年级的“造型•表现”学习领域中，我国的美术教师会鼓励学生们尝试运用不同的材料工具展示造型表现的活动，在游戏中体验美术的欢快式教学的乐趣，我国在低年级以游戏方式教学为主，而到了中、高年级则注重学生对专业技能的培养与知识的获得是相应的。与我国美术学习活动的划分方式不同，日本小学的图画手工课则分为“表现”和“鉴赏”两个部分。在日本的美术教育中，将绘画与制作称为“表现”，而观察则称为“鉴赏”。日本的美术教育课程内容中，日本在小学阶段是以“表现”学习领域为中心，“鉴赏”则是伴随着“表现”学习领域进行的。与我国类似的是日本美术课程根据小学各年级的具体实际情况，将学生分为低、中、高三个年级，并从整体上进行了循序渐进的安排。同样的是日本在低年级把造型活动与游戏结合起来，把“造型游戏”贯穿于整个教学活动，也以此为指导内容。而到了中、高年级，日本教育也低年级的指导内容的基础上，发展“绘画表现”的具体内容，同样也重视专业知识技能的传授。然而，日本的教育会根据学生自身、学生与学校的实际情况而把握指导内容，进而制定一年的指导计划。这样它会考虑到每个阶段学生的不同身心特点，学校、教师、教材与实际实践教学，充分把握每个学生的个性和能力，正确选择题材再指导，使每个学生都能体验到美术表现学校的喜悦。在这一点日本比我国做的更好的是，他们更注重学生如何能在学校中体验到真正的学习乐趣，不论哪个学习阶段，用实践教学得到证实。这虽然也是我国的美术教学活动所追求的，并在新课改中所倡导的，与日本相比，我们在理论方面做得同样很出色，但在理论与实践相结合上我们需做更好的努力。 四、中日小学美术教育之比较对我国现小学美术教育的启示 我国与日本虽然有着相似的文化背景，而两国的教育制度有一定的差别，但俗话说：“他山之石，可以攻玉。”通过两个小学美术教育的一些方面的比较，为促进我国美术教育又好又快的发展，我们可以“取之精华，去之糟粕”。下面，在通过中日两国的小学美术教育之比较的基础上提出几点启示。 1、更关注学生的主体性与创造性 虽然不同年级的学生有着不同的思维判断能力，在低年级通过游戏方式让学生体验教学，那么在高年级中，教师在教学活动中不要着急的灌输学生相应的专业知识与技能。“玩”是孩子们的天性，我们更应该根据学生的潜能与兴趣特点，挖掘他们的潜能，培养他们的实际能力。美术之所以是一门特殊的学科，是它所具有开放性、创造性性质的学科课程，画苹果时，苹果不一定都是圆的，花儿不一定都是红的，避免公式化、概念化教育，更关注于学生的主体性，发挥其创新能力。 2、更注重学生实际与教材，做好教学设计 我国现代的小学美术教育越来越偏重于知识的传授，然后对于小学生，我们不应该如此。在日本，教育学者们普通认为，美术教育之所以能激发学生的创造性思维，这与好的课堂授课方式是有很大程度的关联的。 3、更加强吸收国外的优秀学习经验 通过与日本小学美术的比较，分析两国小学美术教育的异同，我们能更明显的看出我国小学美术教育的优势与缺陷。我们现在都在追求全方位的社会经济文化的发展,闭关锁国并不利于一个国家的发展，教育也是如此。因此在教育中，我们更应该加强与国外的教育文化教育，分享成功的教学经验，并有选择性的进行引用和学习。 五、结束语 美术教育教学是完成美育的重要途径。其中美术这种学科的育人功能相比于其他的学科尤为突显。通美术教育既可以激发人的美感想象，又可以开发大脑的创造性思维。通过美术教育，尤其是初级的美术教育可以使学生培养开阔的眼界以及自己的世界观，从而来培养自身的情操，完成从想象到创造的发展过程产生的质变。将中国美术教育与国外美术教育进行对比，可以直观的认识到自身存在的不足和自身拥有的优势，既能“取之精华，去之糟粕”，又可以增强自己的责任感。总之，与国外的美术教育进行比较分析，最终是为了我国教育事业能得到新的发展。 作者：陈少博 小学美术优秀论文:农村小学美术教学中应用小组合作学习 摘要：小组合作在美术教学中起到积极的作用，是当前教学中新兴的一种教育模式，能够促进学生形成良好的学习习惯，有利于课堂氛围的提升。美术是对学生进行美育的重要课程，小组合作能够更好地帮助学生形成审美观念和探索能力，是素质教育的要求，应用小组合作的美术课堂会收到更好的教学效果。 关键词：美术课堂；小组合作；教学理念 随着农村人们生活水平和审美能力的提高，对美的要求也越来越高。美术教育作为对小学生进行美育的关键课程，在教学中受到的重视也逐渐增大。在美术课堂上运用小组合作学习，可以将学生的学习兴趣大大地提高，还能够形成良好的学习风气。小组合作学习是指根据学生的实际水平，按照一定的标准将学生分为若干个小组，然后通过小组内或者小组间比赛等形式来提升学生的参与度。对于美术的教学需要美术教师严格按照教学大纲的要求，落实新课改后的规定，给小学生带来全新的美术课堂。在现实工作中，经常会遇到小学生对美术课不重视、上课不认真听讲、安排的作业不能及时完成等情况，给美术教学带来严重的影响，这种情况的产生是由于美术教师教学方式落后、教学思路模糊、教学理念不明确导致的。小组合作在农村小学美术教学中的应用较广，由于农村学校的教学条件和师资力量相对较差，所以教师要充分利用现有资源，丰富美术教学内容，但是在实际分组合作过程中还需要注意一些事项。首先，美术教师要充分了解学生，了解他们的性格特征和学习习惯，做到分组搭配合理，学生水平不会相差太大，人员搭配合理才会发挥小组的最大作用。其次，对小组成员分工要合理，具有明确的目标，每人负责一项内容，有管理者，有策划者，小组内成员互相制约和帮助，做到不浪费资源。最后，小组合作要根据实际情况进行调整，要经常性地更换小组，增强学生的新鲜感，也有利于班集体的发展和建设。总之，对于小组合作学习，美术教师要进行充分的验证和准备，争取收到较好的教学效果。下面将对小组合作学习在农村小学美术教学中的应用策略进行研究。 一、通过美术基础知识教学，培养学生的合作意识 教小学生画画并不是一蹴而就的事情，是要从一笔一划开始，如果绘画基础打不好，那么小学生就不会在美术上有更高的造诣。有的美术教师认为只有幼儿园里才会让学生分小组合作，其实这样的思想是完全错误的，小组合作学习是一种具有发展性和创新性的教学方式，美术教师在课堂教学中要为小学生建立合作学习机制，为学生形成合作意识做好铺垫。美术教学不能忽视基础，无论是颜色的搭配，线条的挑选，还是冷暖色的调节都要教给学生技巧，引导学生完成美术基础学习。比如，在教小学生用橡皮泥创作作品时，由于一个人的力量是有限的，我会给学生分成小组，让他们进行集体创作，小学生在集体中会发挥聪明才智，通过讨论产生更好的创作思路。小学生对于美术的重视程度还有待提高，很多学生认为美术学不学都行，反正自己也不想以后成为画家，其实学生这种思想是错误的，学习美术是为了提升学生的审美能力，提升学生的道德修养，陶冶学生的情操。 二、抓住重点教学内容，锻炼学生的合作能力 美术教学的重点与难点都是小学生比较头疼的地方，美术教师要在教学中注重对小学生绘画技巧的指导，培养学生的学习习惯，让学生对美术产生浓厚的学习兴趣，这样才会全身心地投入到绘画当中。在学习美术过程中，当学生提出一般性的问题时，我会让其他同学回答，合理激发学生的积极性。当学生提出比较难理解的问题时，我会让学生分小组讨论，因为集体的力量大，最后教师再给学生做出正确的解析。学生的互助合作是素质教育的要求，也是新时期具有创新理念的体现。美术课要多给学生欣赏美术作品的机会，因为优秀的美术作品是人们智慧的结晶，可以给学生带来美的享受，刺激学生的视觉，让学生对美术产生兴趣。农村的学生得不到太多的美术锻炼机会，条件相对城里较差，很多学生的美术水平不高，更加需要美术教师多给予引导和支持。小组合作被越来越多的教师运用，因为它具有简单、便捷、高效等特点，小学生也特别喜欢小组合作，因为他们认为分组以后思维更加活跃，摆脱单一枯燥的学习氛围。 三、循序渐进的激发学生合作互助的学习习惯 合作互助学习为小学生提供了良好的沟通平台，学生喜欢分成小组以后的学习方式，这样可以让他们得到发挥个性和锻炼能力的机会。对小学生的教导要注重方法，要循序渐进，给农村小学生广阔的发展空间，将小学生的潜力和天赋充分挖掘出来，为学生将来养成良好的学习习惯而努力。学生要想在美术方面有新的突破，就要学会倾听，学会分享。美术课较多的时间都是在绘画，由于农村小学生的爱好不同、水平不同，所以对美术知识的掌握速度也不同，美术教师要根据学生的差异，合理安排教学内容，逐步培养小学生的能力。比如在手工制作课上，为了让小学生都能够积极地参与到教学活动中，我会对学生进行分小组学习，手工课是最能体会到分小组学习的，如果能够恰当地进行分组，就会极大地提高学生的制作效率。如果分组不当，就会影响教学效果。教师安排小组合作要有目的性，不能随意地进行分组，分组是为了更好地促进学生学习，让学生形成良好的学习习惯和勇往直前的探索精神。四、组织美术课外活动，提升学生的合作能力由于美术教学的课时量有限，小学生的思维得不到有效的拓展，所以美术教师要经常组织美术课外活动。作为对美术课堂的延伸，美术课外活动极大地激励小学生学习美术的兴趣。丰富多彩的美术实践活动使小学生实现从初步的认知到动手实践，为学生的美术基本功打下坚实的基础。我在课余时间组织学生到户外或者操场上写生，在写生的时候根据小学生的水平进行分组，最终每个小组选出一幅最佳的作品，与其他小组的作品进行对比，选出最具有创新性的作品，经过一学期的训练，学生会基本掌握写生的正确方法。通过在美术课外活动中锻炼学生的小组合作能力，会大大增强学生的团队协作能力，吸引学生的绘画兴趣。可以成立美术课外兴趣小组，定期组织绘画比赛或者其他竞赛，发挥学生的优势。学校也可以组织更多的课外活动，比如美术作品展或者美术讲座等，促进学生积极地参与到美术学习中，将中华民族的优秀艺术传承下去。 综上所述，小组合作学习在美术教学中极大地提高了学生的学习兴趣，促进小学生养成良好的学习习惯，有利于形成积极向上的班级风气。同时，小组合作学习在培养农村小学生团队协作精神方面也具有优势，很多农村小学生希望得到平等的待遇，他们非常珍惜得到的来之不易的锻炼机会。美术课堂让学生分小组学习顺应了新课程标准的规定，符合素质教育的要求。美术教师要提高自身素质，学习专业技巧知识，创新教学理念，将美术课堂的主动权还给学生，促进美术教学繁荣发展。 作者：陈杰 单位：河北省秦皇岛市北戴河区教育局 小学美术优秀论文:比较中日小学美术教育 摘要：日本与我国在文化，历史，经济各方面可谓是同宗同源。这在两国的美术教育上体现的尤为突出。众所周知，日本是一个善于接受并学习外来文化的国家，日本美术教育也是如此，不断的吸收外来美术教育理念，结合自身的教育方法进行充分的融汇贯通。在现阶段，中国的美术教育正处在一个发展并进步的阶段，如何在与其他国家美术教育进行全方面对比的之后，对自身进行改良并创新，这具有很重要的现实意义。通过对中日两国小学美术教育进行比较，本文将分别从两国小学美术教育的指导思想、课程目标、课程设置内容进行分析，比较异同，最后从中得到有利于对我国今后的美术教育得到发展的启示，进行研究。 关键词：日本；小学美术；教育 一、中日小学美术教育的指导思想之比较 我国美术教育的指导思想颁布的大纲明确指出:“美术课是义务教育初中阶段的必修课，是对学生进行审美教育的重要途径，它对贯彻德、智、体、美，全面发展的教育方针，提高国民的综合素质，培养有理想、道德、文化、纪律的社会主义公民。”应对这样的指导思想，开展美术课程，就应该为我国的基础教育教学发挥更为积极的作用。美术学科与其它学科是相互关联的，它可以激发学生的创造力、审美能力等人格的综合素养，对其它学科以及生活有积极的帮助。在当代教育中，我国与其它发达国家同样的意识到开展美术教育的重要性，尤其在小学低年级阶段，进行小学美术教育更是必不可少的。小学美术教育在日本，称为小学图画手工课，也称之为造型教育、美术教育或造型美术教育。日本教育部门认为，在义务教育阶段的学习中，更应该把重点放在体验创造性表现的喜悦中，并应该与其它学科相应的统合整理起来，发挥其特殊的作用。而在日本文部省的相关指导资料中明确地阐述了日本学校教育的这一基本指导方针。与我国美术教育意义一样，日本的小学美术也是培养审美感知、感情、情操的教育学科。两国均认为美术教育与其它学科存在相应的联系，开展美术教育有利于发挥学生的创新能力，同时有助于其它学科的开展。 二、中日小学美术教育的课程目标比较 根据我国的教育部制定的《义务教育美术课程标准》（2011年版），我国美术美术课程总目标按“知识与技能”“过程与方法”“情感、态度”和“价值观”三个维度设定。根据总目标的设定的要求，我国的美术教育要求学生在参与美术教学活动，通过美术语言和美术教学的表达方式及方法，再运用各种材料和工具进行创作，目的在于激发学生的创造性。同时了解我们的文化生活，提高自身的审美能力。学生在美术学习的活动过程中，形成独特的视野，丰富触觉和审美经验，从而形成独特的审美意识，培养人格的健全，为社会培养全方位的人才。日本文部省关于图画手工课的指导目标是“通过表现以及鉴赏活动，在培养造型性创作的基础的同时，体验到表现的喜悦、培养丰富多彩的情操。”在这样的总目标中，日本美术教育注重培育儿童主体创造的丰富性，而这个总目标也是日本美术教育所要依赖的深厚的基石。日本小学图画手工课教育的特殊之处在于关注所有学生的欲望和他们的兴趣个性，而非表现技能效果的高低，使学生们在体验到学习带来的创新乐趣的同时，培养审美能力，健全个体人格的发展。然而，中日两国所设定总目的都关注学生的创造力与主体性，但在不同的年级的具体教学中又还有一定的差别。在具体教学实施中，中日两个都将小学美术课程根据学生的身心发展水平划分为分为低、中、高的年级阶段。在每个不同的阶段中，两国均设定了不一样的具体教学目标。在低年级的具体教学目标中，两国都重视儿童的天性是无拘无束的，在课程的教材、材料工具上都重视丰富性与多元化，让学生们可以体验到美术色彩造型活动的乐趣。我国在实施的美术教育，倡导能在根据每个学生不同的潜质上获得不同程度的发展。在这个阶段，两国虽然都比较重视学生的主体性与创造性，通过游戏活动提高学生的学习兴趣，但在日本更是把之称为造型游戏，把游戏活动作为学习的目的。与小学低年级不同，在中、高年级阶段，我国则会注重学生对专业技能的培养与知识的获得，例如在教学活动中，我国的教师会根据教学进行教学重点难点进行分析，确定教学目标要求学生进行学习掌握，让学生在学习基础理论与技能的基础上，再进行创造性的培养，陶冶学生的情操，并提高学生的思想道德水平。与日本文部省制定的学习指导纲领对比，对中、高年级的具体教学目标有一定的差别，如，中年级“着重培养学生对事物的认识能力和（用不同）表达方法表现的能力，使之能运用绘画和立体表现观察到的想象的事物”。高年级则需要加深理解深度，练习规定的主题构思，并要求从实用与审美的角度，能够运用绘画和雕塑的技巧表现等等。日本在此分阶段的目标中，比我国更注重以学生为中心，培养学生审美的态度与意识的同时，仍非常重视学生的主体性与创造性。 三、中日小学美术课程设置内容之比较 我国的美术课程与其它学科，如：政治、语文、数学等单纯以本学科的知识构建的课程学习不同，而是根据美术学习活动的方式划分为“造型•表现”、“设计•应用”、“欣赏•评述”、“综合•探索”四个学习领域。所谓的“造型•表现”是指倡导学生的自由发挥，创新表现，丰富自己的情感和认识。“设计•应用”主要是指在学习领域中的设计和工艺方面的学习内容，在此学习活动中不但要求形成自我的创意意识，还要求关注学习活动的目标与功能。“欣赏•评述”领域中则注重学生通过欣赏美术作品，结合感受，表达自己的情感，要求学生能够根据知识构建，形成审美心理情感。“综合•探索”是当代教育发展的一个新特点，综合性学习是指在此学习领域中把“造型•表现”、“设计•应用”、“欣赏•评述”几个学习领域，美术跟其它学科领域，以及社会功能等相关的方面综合而来的学习活动，在这个学习领域中它注重要求培养学生的综合实践能力和探究发现能力的发展。根据我国义务教育将美术课程按照学生的身心发展水平划分的学习阶段，与四个学习领域设计课程内容和学习活动相结合，根据不同阶段学生是身心特点、认知能力和实践能力进行课程学习教学。例如：在低年级的“造型•表现”学习领域中，我国的美术教师会鼓励学生们尝试运用不同的材料工具展示造型表现的活动，在游戏中体验美术的欢快式教学的乐趣，我国在低年级以游戏方式教学为主，而到了中、高年级则注重学生对专业技能的培养与知识的获得是相应的。与我国美术学习活动的划分方式不同，日本小学的图画手工课则分为“表现”和“鉴赏”两个部分。在日本的美术教育中，将绘画与制作称为“表现”，而观察则称为“鉴赏”。日本的美术教育课程内容中，日本在小学阶段是以“表现”学习领域为中心，“鉴赏”则是伴随着“表现”学习领域进行的。与我国类似的是日本美术课程根据小学各年级的具体实际情况，将学生分为低、中、高三个年级，并从整体上进行了循序渐进的安排。同样的是日本在低年级把造型活动与游戏结合起来，把“造型游戏”贯穿于整个教学活动，也以此为指导内容。而到了中、高年级，日本教育也低年级的指导内容的基础上，发展“绘画表现”的具体内容，同样也重视专业知识技能的传授。然而，日本的教育会根据学生自身、学生与学校的实际情况而把握指导内容，进而制定一年的指导计划。这样它会考虑到每个阶段学生的不同身心特点，学校、教师、教材与实际实践教学，充分把握每个学生的个性和能力，正确选择题材再指导，使每个学生都能体验到美术表现学校的喜悦。在这一点日本比我国做的更好的是，他们更注重学生如何能在学校中体验到真正的学习乐趣，不论哪个学习阶段，用实践教学得到证实。这虽然也是我国的美术教学活动所追求的，并在新课改中所倡导的，与日本相比，我们在理论方面做得同样很出色，但在理论与实践相结合上我们需做更好的努力。 四、中日小学美术教育之比较对我国现小学美术教育的启示 我国与日本虽然有着相似的文化背景，而两国的教育制度有一定的差别，但俗话说：“他山之石，可以攻玉。”通过两个小学美术教育的一些方面的比较，为促进我国美术教育又好又快的发展，我们可以“取之精华，去之糟粕”。下面，在通过中日两国的小学美术教育之比较的基础上提出几点启示。 1、更关注学生的主体性与创造性 虽然不同年级的学生有着不同的思维判断能力，在低年级通过游戏方式让学生体验教学，那么在高年级中，教师在教学活动中不要着急的灌输学生相应的专业知识与技能。“玩”是孩子们的天性，我们更应该根据学生的潜能与兴趣特点，挖掘他们的潜能，培养他们的实际能力。美术之所以是一门特殊的学科，是它所具有开放性、创造性性质的学科课程，画苹果时，苹果不一定都是圆的，花儿不一定都是红的，避免公式化、概念化教育，更关注于学生的主体性，发挥其创新能力。 2、更注重学生实际与教材，做好教学设计 我国现代的小学美术教育越来越偏重于知识的传授，然后对于小学生，我们不应该如此。在日本，教育学者们普通认为，美术教育之所以能激发学生的创造性思维，这与好的课堂授课方式是有很大程度的关联的。 3、更加强吸收国外的优秀学习经验 通过与日本小学美术的比较，分析两国小学美术教育的异同，我们能更明显的看出我国小学美术教育的优势与缺陷。我们现在都在追求全方位的社会经济文化的发展,闭关锁国并不利于一个国家的发展，教育也是如此。因此在教育中，我们更应该加强与国外的教育文化教育，分享成功的教学经验，并有选择性的进行引用和学习。 五、结束语 美术教育教学是完成美育的重要途径。其中美术这种学科的育人功能相比于其他的学科尤为突显。通美术教育既可以激发人的美感想象，又可以开发大脑的创造性思维。通过美术教育，尤其是初级的美术教育可以使学生培养开阔的眼界以及自己的世界观，从而来培养自身的情操，完成从想象到创造的发展过程产生的质变。将中国美术教育与国外美术教育进行对比，可以直观的认识到自身存在的不足和自身拥有的优势，既能“取之精华，去之糟粕”，又可以增强自己的责任感。总之，与国外的美术教育进行比较分析，最终是为了我国教育事业能得到新的发展。 作者：陈少博 小学美术优秀论文:优化小学美术课堂教学 摘要：小学美术教育作为素质教育不可分割的一部分，逐步受到教育部门的重视。如今的小学生学习任务繁重，各门功课都要兼顾，所以优化美术课堂教学是非常必要的。本文针对目前小学美术课堂中存在的一些问题，结合教学实践经验，本人认为：小学美术课堂教学的优化应从内在优化和外在优化两方面着手,从而诱发学生学习动机，调动学生学习积极性，发展学生的智力，培养学生的审美能力，提高学习效率，使整个小学美术课堂保持新颖、独特、富有创造性的氛围，让学校能真正培养出德、智、体、美、劳全面发展的人才。 关键词：小学美术；教学；优化 1引言 诸多的科目中，美术课能发挥儿童的想象力，进行自由的表达。剪剪贴贴、涂涂画画，大概是所有小朋友的天性，因此，上美术课时，小朋友的热情都很高，很喜欢动手做一些手工，或是用彩色的笔描绘自己所观察到的世界。可以说，美术课是很有趣味、很科学的一门课，它能开发孩子的想象力、创造力，对逻辑思维能力和智力两方面的发展都有很好的作用。我认为，小学阶段的美术课非常重要。但由于客观条件的限制，小学美术课在其所有课程中，始终处于被忽略的角色，被认为是副课，没有太大的意义，恰是因为这种习惯和偏见，小学美术课没有得到应有的重视，与之相应的教师主体素质的培养也没有跟上，导致了目前小学美术教育的尴尬现状。近些年，小学美术教育作为素质教育不可缺少的一部分，逐步受到教育部门的重视，但真正要把小学美术课上好，仍需要多方面的配合和完善。笔者对于小学美术教学中的不足有一些自己的看法，在这篇文章中进行了有益的探讨，主要从外在和内在这两个方面谈如何优化小学美术课堂教学。 2外在的优化 小学美术课堂教学外在的优化就如同计算机的硬件优化，显而易见，是对外在的辅助条件进行改善。小学美术课堂外在的优化主要体现在教具和教学环境两方面。 2.1教具的优化：笔、纸、泥塑等美术材料的运用 在本人所实习的小学，学校发给学生的是一个普通的图画本，学生的美术课基本是围绕这个图画本去实现。如果学生一个学期都在图画本上进行绘画，美术课堂就失去了新颖性、创造性、多样性，久而久之学生丧失对美术的兴趣。由沃尔特等人对200名学生的调查发现，对学业不感兴趣是导致他们学习成绩不佳的最主要原因。同时，兴趣是除努力之外促使学习优异的第二重要原因。小学生的学习兴趣还不稳定，比较笼统模糊，易对学习过程的形式感兴趣并从中得到满足，任何新颖的、形象的、具体的事物都会引起他们极大的兴趣。因此，小学美术课堂教学应注意教学方式灵活多样，教学内容生动活泼以及教具的新颖具体，可见教具的重要性。比如，在美术课上，绘画用的笔除了普通的铅笔还可以用碳笔、木炭条、彩铅（普通和水溶性的）、油画棒和彩笔等，纸除了普通的纸还可以用卡纸、刮画纸、刮沙纸、水彩纸等。小学美术课上可以适当地采用这些材料丰富教学。这需要学校和家长双方面的支持：一方面，教师需从正规美术院校或学前教育毕业，或有相关的学习培训经历，具备一定的教学素质，这个在文后展开讨论；另一方面，也需要提高家长对美育的认识，才能在美术材料方面支持孩子。 2.2教学环境的改善 何谓教学环境？从狭义的角度看，即从学校教学工作的角度看，教学环境主要指学校教学活动的场所，各种管理、认识水平、教学设施、艺术氛围、人文精神、师生关系等。 2.2.1专门的美术教室 自从国家教委批改《农村普通中小学建设标准》的通知后，很多学校重新修建，学生们拥有了宽敞的教室，教室的数量也有所增多，大多学校都配备了专门的美术教室，从而改善了美术课堂的教学环境。 2.2.2营造布置美术教学氛围 在我所实习的小学，美术课一般排在上午的最后一节或是下午的第一二节。学生一天中学习最有效的时间都在上与考试有关的科目，神经是紧张的，小学美术课对学生的升学、成绩的影响微乎其微，学生要运用强大的意志力迫使自己努力学习美术的可能性不大，除非是那些天生对美术就有着极大兴趣的学生。所以，当我们去接触学生时，首先要想怎样才能让美术课吸引他们，在学生的心目中保持美术的一席之地，激发学生学习美术的兴趣。学生的学习兴趣是在具体的学习环境中激发和发展起来的，在特定的条件下，美术教学环境中的各种因素都可能成为影响学生学习美术的诱因。如何吸引他们呢？可采用多种方法，如：墙上可以贴学生、教师的优秀作品，各种不同的材料做成的作品，名人名画的复制品等。课桌可以分成组摆放，让学生面对面来完成作品，使学生不感到拘谨，同时也加强了同学之间的合作互动，使班集体更加团结协作。 3内在的优化 课堂教学的内在优化就如同计算机的软件优化，是对教师的教学能力、教学方法、教学内容等进行优化。 3.1教师能力的提高 3.1.1专业的美术教师 在我实习的学校没有专业的美术教师，都是由一些其他科目的老师兼任。语文、数学等其他科目的老师与美术老师的思维能力、想法、教学方法不一样，导致学生的获得也不一样。最重要的是其他科目的老师通常用“快、静、齐”来衡量课堂教学氛围，用学生的听话来代替学习中的主动和活跃。而对于美术教学的实际情况有碍于学习的进步和人在学习中的实际需要。还有就是美术这一门学科包含一定的知识和技巧能力，其他科目的老师没有经过系统化的学习，对色彩、构图等没有一定的了解，对艺术这一领域没有一定的眼界，必然不能更好地完成美术教育。实习的时候，一位英语专业的教师兼任的小学美术，这位教师一般不做示范，照着教学参考书完成课堂教学，对作品完成的形式没有创新，简单的色彩平涂使美术作品失去创造性和新颖性。在期中或期末考试之前，美术课直接上与考试有关的科目，导致美术书上的内容没有讲完，抑制了学生美术知识的获得。因此，应该是美术专业毕业、具有美术素养的老师从事美术教学，这样才有可能实现真正的美育，更好地上好美术课，使学生从中得到愉悦的体验，从而培养学生的创造力和实践能力，促进学生的全面发展。 3.1.2培训学习少儿美术教育 学校教育以考试成绩作为教学成败的标准，教材内容不能随意改变，教师一直依赖教科书和参考书，从而约束了教师创作性的发挥。新课程突出了教材内容的综合性和弹性力度，为教学留有更多可支配的余地，为教师潜能的发挥开拓了广阔的空间。教师可以根据学生的特点和教学需要，对教材内容进行开发，采用最合适的教学形式和教学方法。例如，在一些课程中，教科书中介绍的作业形式只有简单的一种，需要教师对教材进行开发，采取多种作业形式，使学生对课堂感兴趣。有些课程由于一些外在因素的影响，无法正常进行，需要教师对课程进行调整。如何培养教师的这种能力，学校应不定期地组织教师进行外出培训，学习更为创新的少儿美术知识和技法，开拓眼界，运用到教学上。我国大教育家孔子说过：“抑为学之不厌，诲人不倦，则可谓云而已矣。”他的学生子贡解释他的话说：“学不厌，智也；教不倦，仁也。仁且智，夫子既圣矣。”其意思是说，孔子的“学不厌”“教不倦”，体现了优秀教师仁与智两种至高无上的品德，接受新的知识从而做到严谨治学。这对刚踏入小学的美术教师尤为重要，美术教育方面的经验少，仅仅依赖教科书和参考书是不行的，这就需要教师不定期地通过进修学习等渠道不断地提高自己的能力，这样才能给学生带来新颖的学习方式和学习内容。 3.2教学方法的优化 为了避免小学美术课堂的枯燥，教师应根据儿童的特点，用新颖实用的教学方法来授课。 3.2.1竞争机制 儿童争强好胜，教师根据这一点可引进竞争机制。小学美术课一个星期只有一两节，美术工具很难保证所有人都携带齐全。教师可将班内的人分成几组，每个组都有组长，提示组员携带工具。采取奖惩的方法，携带齐全的发小红旗之类的以授表扬，以图示的方法在全班公布。从小的方面讲，使个人与个人之间形成竞争的机制。教师可以准备一些学生们喜欢的小礼物在学生面前展示。制作独特的表扬卡，以获得三张表扬卡兑换一个小礼物为标准，使获得小礼物成为学生的动力，发放表扬卡也有利于课堂秩序的维持。 3.2.2利用计算机等信息技术拓展思维 儿童喜欢形象思维，教师利用计算机等信息技术进行直观教学对学生完成优秀作品有辅助作用。有的学生平时观察得少，见得少，脑海里的形象少，创造力较弱，所以，在讲授每一课时多准备有关教学的图片，至少展示两件实例作为参考。范例的使用越得当，学生作品的完成效果越好。范例能够给学生提供丰富的想象空间，避免他们对范例盲目模仿。同时，对实例进行探索分析，从而吸取优秀的元素来完成自己的作品。 3.2.3延伸户外观察实践 在课堂上让学生画一些小动物或花草，有的学生会呆那儿不知怎么画或只是一种形态没有变化。在生活中观察得少，见得少，脑海里没有更多的形象，画不出来很正常。对学生多进行户外写生课，观察事物的形象、色彩，也有助于学生的创作。创作建立在写生的基础上，具有实物形态的美术作品允许创作者对其进行构思改进、回溯和延伸，更加客观地加以考虑并且有意识地对其进行调整。因此，可以根据上课的需要，在不同的季节针对所规定的课题带孩子多去户外写生，锻炼孩子的观察力和记忆力。 3.3教师素质的提高 作为一名新时代的教师要理解培养人才的重要性，不断提高自己对教师职业的社会作用的认识；要以优秀教师为榜样，学习他们在岗位上无私奉献的精神；在教育观念上树立创新，现代化的教育观念，在培养目标上改变过去以传授知识为主的观念，向以培养能力为主的观念转变，特别要培养学生自己获得知识的能力。 4结语 总之，美术教育是九年义务教育的重要组成部分，在长久发展中却得不到应有的重视，使学生的欣赏能力和审美能力受到局限，影响素质的全面发展。在素质教育及新课改的要求下，教育部、学校、教师应从内外两方面着手，优化小学美术课堂教学，使小学美术教育上升到一个新台阶，真正培养出德、智、体、美、劳全面发展的人才。 作者：申淑妍 单位：辽宁师范大学 小学美术优秀论文:新课标小学美术教学策略 摘要：随着我国的经济不断飞速发展，学生教育也越来越被家长所重视。因此，现代化教育改革不断深入，美术教学的理念也在不断的革新与发展。在小学美术教学中最主要的目的是让学生不断提升自己的艺术修养和创造力的表现，激发小学生美术学习潜在的兴趣与爆发力。因此，本文为了提高小学生对美术学习的兴趣，对新课标下的小学美术教学方法进行了探究。 关键词：新课标；小学；美术；方法；教学 引言 新课改革下的小学美术课程中，教师最主要的目的是让学生不断的提升自己的艺术修养和创造力，所以老师在教学过程中应该提高教学效率和课堂效果。而以往的美术教学模式一般都是老师在上面讲学生听或者是老师画学生看，这种传统的教学模式虽然可以让学生掌握美术方法，但是教学内容枯燥乏味教学方法呆板无趣，会导致学生对美术失去兴趣。因此，为了提高小学生对美术学习的兴趣，提出了以下几点的教学方法并进行了探究。 1设计教学情境，激发学生兴趣 教师在美术教学的过程中，应该要懂得创设教学情境，借助形象生动的教学方法来激发学生的学习动力，调动学生在课堂上的积极性。尤其是小学生好奇心比较重，对新奇的事物都会想要去了解它。因此，老师可以根据课堂上要学习的内容为学生设计不同的教学情境。比如，老师在小学一年级上册《会动的小纸人》这堂教学课程中，可以自己先剪一些小纸人表演一个节目，激起学生的学习兴趣。然后将班上学生分成若干组，要求每个小组根据自己的想象力来创新小纸人的形象，选出几个学生和老师一起当评委，给每个小组打分数，营造出一个比赛现场的模式，激起学生的好胜心［1］。在这种教学情境下，不仅能激起学生的兴趣，还能提高教学效率和课堂效果。同时，老师在设计情境教学的时候一定要注意循循渐进，由未知到已知和抽象到直观。并且要有针对性的设计，让课堂的教学知识与教学情境相结合，更重要的是在设计情境教学时要注重新知识与旧知识的联系和之间的矛盾。 2设置教学游戏，活跃课堂气氛 在小学美术新课改革下就一直提倡要寓教于乐，要在教的过程中让学生能够感受到学习的乐趣，让学生主动的去学习，以提高学生的学习兴趣。老师在美术教学课上可以将一些小游戏融入到教学的过程中，比如，老师在小学一年级下册《小挂饰》这堂教学课程中，老师可以将教学内容与游戏结合起来，在课堂前可以将班级学生分成几个小组，然后准备一些小的挂饰，每样都根据几个小组来分发相同的数量。这时候让学生打开课本，在老师分发下去的小饰品中找出与课文中相视的图片。在规定的时间内看哪组学生找出的速度快和准确。通过这样的小游戏，能激起学生的学习兴趣，并且对小挂饰产生浓厚的兴趣［2］。老师在这个游戏过后可以趁着学生兴趣较高的情况下，教学生一些简单的小挂饰制作和绘画的技巧。 3鼓励学生，增强学习自信心 每个人都渴望得到别人的认可，尤其是处于成长阶段的小学生，老师的表扬与肯定对他们来说是非常重要的。加上每个学生的成长背景和个性以及智力发展水平不同，对老师的一些批评都有不同的承受力。因此对一些美术艺术潜力不够画画水平差的学生，老师要多给予鼓励。比如，老师在布置一次课堂画画作业时，一些学生画画速度慢或者是画的不够好，导致完不成课堂作业。在这种情况下，学生自身心理就很紧张和不安，生怕老师会责骂自己，学习的积极性被打击。所以老师在这个时候就可以给予学生一些力量，也许只是一个浅浅的微笑或者是一个激励的眼神以及一句“没关系，你还是很棒的”这样简单的动作和语句，就能安抚学生害怕和不安的心理，从而对美术学习充满兴趣［3］。随着社会的不断进步，对学生的能力要求也越来越高，同时，老师在教授学生绘画技巧的时候，还要让学生学习在生活中发现美和欣赏美，并且记录下来，这样才能全面提升学生的艺术造诣。 4培养学生创新意识与想象力 为了培养学生的创新意识和想象力，教师在教学过程中可以让学生自己主动思考，在艺术创造中自由发挥，想什么就大胆画出来，这样不仅可以让学生把想象与现实结合，还能高于现实。比如，教师老师在小学一年级下册《汉字中的象形文字》这堂教学课程中，教师可以先学生介绍中国汉字演变的发展，将古代的一些经典故事与汉字发展史进行有效结合，打开学生的想象思路，提高学生对美术课的兴趣，让学生感受中国汉字的博大进深。只有让学生充分的了解汉字中的象形文字的含义，才能画出学生心目的“想象文字”，发挥学生的想象力［4］。同时，在教学过程有很多学生在画画时都会受到限制，所以老师在这个时候要适当的鼓励学生进行创新并且支持学生。 5结语 综上所述，新课标下的小学美术教学方法有很多种，首先就是创设教学情境，借助形象生动的教学方法来激发学生的学习动力，调动学生在课堂上的积极性。其次就是提倡寓教于乐，要在教过的过程中让学生能够感受到学习的乐趣，让学生主动的去学习以及提高学生的学习兴趣。再就是鼓励学生，增强学习自信心，尤其是对一些美术艺术潜力不够画画水平差的学生，老师要多给予鼓励。最后是为了培养学生的创新意识和想象力，在教学过程中可以让学生自己主动思考等。 作者：顾太有 单位：吉林省大安市实验小学校 小学美术优秀论文:小学美术课堂创意教学思考 摘要：教育事业的快速发展，让审美能力的培养成为各个学科的教育目标。美术学科，具有艺术性与审美性，学生的美术能力，直接影响着个人审美能力。在素质教育全面实施的今天，教育工作者的教学思想也在变化。小学美术课堂教学活动的创新，已经成为其发展的必然方向。丰富小学美术课堂教学的创意，给小学生提供完全不同的美术课堂体验，才能促进美术教学目标的全面实现。 关键词：小学美术；创新教学；活动；策略；思路 前言 小学美术课堂创新教学，需要教师突破传统教学模式的限制，改革传统的教学方法。在长期的小学美术教学中，小学美术教学一直利用黑板、粉笔进行教学，让小学生吸收课本上的美术知识。传统的教学，很难调动小学生的美术学习积极性，也不利于小学生审美能力的提高。用创新的教学方式实施美术教学，让小学美术课堂变得与众不同，才能让更多的学生参与到课堂活动中来，提高教学效率。 1创设具有创意的小学美术课堂氛围 提高小学美术课堂教学活动的创意，需要教师给小学生营造一个相对轻松的学习环境。小学生的创新潜能是无限的，要将小学生的创新潜能激发出来，教师要给予小学生积极的引导，用轻松的课堂氛围使小学生找到创新的勇气。教师要认识到自己并不是教学活动中的主体，从传统的教学思想中走出来，认识到学生的主体地位，于教学活动中最大程度上调动小学生的课堂参与积极性。放下教学权威的架子，多与小学生进行交流，帮助小学生消除上课恐惧感，积极交流，能够促进小学生思维的活跃。比如在讲《瓢虫的花衣裳》时，如果教师一板一眼地进行教学，让小学生画一只瓢虫，那小学生的画出的东西可能是一模一样的。积极与小学生讨论，用开放性的问题组织小学生畅所欲言，能够促进创意课堂氛围的形成。用“如果你是一名设计时，给瓢虫设计一身美丽的花衣裳，你想要设计什么样的衣裳呢？”这样开放性的问题鼓励小学生去思考，提出自己个性化的看法，会让每一位小学生都成为独具特色的设计师。肯定小学生异想天开的想法，并引导他们落实，能够让小学生自身成为创意课堂的打造者。 2组织具有创意的小学美术教学内容 传统的小学美术课堂教学内容，往往来自于美术课本。只重视课本美术内容的讲解，会让小学美术教学受限于课本内容，也会让小学生感觉美术学习太枯燥，没有美术学习的兴趣。在教育技术不断更新的今天，教师可以利用网络媒体去寻找更多的课外美术教学内容。利用信息化的内容，开展丰富多样的美术学习活动，促进小学生的开放化，并提高美术学习兴趣。美术，是一门视觉艺术，无论是美术作品的创作还是欣赏，都需要利用视觉去完成。因此，美术教学内容具有直观性与形象性，在教学中利用多媒体，给小学生提供更为震撼的视觉体验，有利于美术教学创意化发展。在多媒体的支持下，让小学生利用视觉去欣赏美术作品，找到创作的灵感，有利于传统教学问题的解决。比如在讲《太空里的植物》时，如果教师一直用语言去描述，或者结合课本内容讲解，并不能让学生理解太空里植物的真正意义。教师可以用多媒体给小学生播放一段有关于太空植物科学类视频，让学生理解太空植物的特点。引导学生想象自己将自己最喜欢的植物带到了太空，画出它发生变化后的样子。在多媒体支持下，小学美术课堂的创意性大大提高，小学生也更乐于参与。 3引入具有创意的小学美术操作活动 多元化的美术操作活动，是促进小学生发挥个人美术学习潜力的重要方法。让小学生在美术课堂中找到自己的个人价值，发现自己的创新能力，有利于创新能力的发挥。每一位小学生都具有不同的思维特点，对于同一美术主题有着不同的理解，擅长运用不同的绘画技巧。一些小学生喜欢用线条绘画，一些小学生则乐于用色彩涂鸦。根据小学生的美术学习兴趣去开发全新的教学活动，促进小学生发挥想象力，自由选择材料与工具，有利于美术课堂创意性的提高。像在引导小学生画自己的家乡时，教师可以给小学生准备粉笔、水彩笔、水粉、铅笔、黑板、宣纸、打印纸等不同的工具，让小学生自主去选择。小学生对工具的个性化选择，会催生多种绘画操作活动，直接推动课堂教学的创意化。 4实施具有创意的小学美术教学评价 教师的教学评价是否具有创意性，直接影响着小学生的创意美术学习积极性。在小学美术教学中，教师要认识到每一个人的审美标准是不同的，创作能力也是不同的。美，并没有统一的标准与完整的定义。因此，在美术教学活动中，教师要积极去肯定小学生各种各样的想法，只要小学生积极去创作，积极去思考，就要鼓励他们去完成。宽容地对待小学生，才能让美术教学创意无限。像在做“巧用瓶盖”的活动时，一些小学生用瓶盖粘成了一个小帽子，一些小学生将其做成了一副眼镜，还有学生用瓶盖做了一条腰带。小学生的想法无限，创意无限，如果教师批评学生“胡来”，无意抹杀了小学生的美术学习积极性。用欣赏的眼光看待学生，夸赞学生的创意，才能推动美术课堂的创意化发展。 5结语 综上所述，构建创意性的小学美术课堂，需要教师先改变自己的教学思想，通过个人教学行为的积极化，来推动小学美术课堂的创意发展。用轻松的学习活动拉近师生之间的距离，引入新的教学内容与教学方式，丰富课堂教学的信息量，培养学生的审美思维，才能让小学美术教学突破限制。让小学生成为美术课堂中天马行空的主体，才能实现创意化教学的目标。 作者：白杨 单位：吉林省四平市铁东区六马路小学 小学美术优秀论文:农村小学美术教育的思考 摘要：美术教育是小学教育中的重要组成部分。当前农村小学美术教育存在教学观念落后、师资队伍薄弱、教学设施不完善、美术教育资源不丰富等问题，应该深化农村小学美术教育改革，从转变美术教育观念、加强师资队伍建设、改善美术教学条件、因地制宜因材施教等方面推动农村小学美术教育发展。 关键词：农村；小学美术；发展 对策小学美术教育属于小学生教育的必须课程，在培养小学生绘画能力、创新力及审美情趣等方面具有极其重要的作用。然而，在农村小学，有些学校尚未高度重视艺术教育，由于班级较少，教师忙于数学、语文等课程教学而忽视了美术课。但是，对于农村小学生而言，在客观上是喜欢美术的，是希望学会美术课程的，提升自己的绘图能力的。因此，应该将农村小学艺术教育给予重视起来，要千方百计真正落实小学美术课程教学及教育，从而推动农村小学生全面发展。笔者近年来对农村小学美术教育进行了研究，认为要发展农村小学美术教育，必须了解当前存在的问题，并针对这些问题查找应对策略，这样才能更好地推动农村小学美术教育。 1农村小学美术教育目前存在的问题分析 1．1教学观念比较落后： 有部分农村地区，因为信息比较闭塞，基础教学设施简陋等原因，导致小学美术教育观念比较落后，许多小学教师没有意识到实施美术教育的价值及重要意义，仅认为美术课就是画画，就是一门选修课程，可学可不学。因此，美术课程的教学时间被语文、数学等课程所挤占。在这种情况下，学生也就消极应对美术课程，没有投入比较多的时间去学习。这样就不能让学生系统性地学习到美术知识，不能让学生有效掌握美术知识，不能激发出美术教育在培养小学生的创新力及动手能力的作用，从而阻碍了农村小学美术教育的发展。 1．2师资队伍薄弱： 虽然在一些农村小学，开设了美术课程，但是专职从事美术教学的教师比较缺乏，许多美术教师均是语文及数学等任课教师兼职担任。由此可见，农村美术教育的师资队伍比较弱，教师没有经过系统的学习、训练，没有专业的、扎实的美术基础知识，所以兼职教师上的美术课程教学质量就比较低，不能给学生传授一些示范性强的专业知识，学生只会简单的临摹，全凭自己的想象力进行涂画，难以有效地提升小学生的美术鉴赏及欣赏力。 1．3美术教学设施不够完善： 因为农村地区的经济条件受到限制，在农村小学办学方面投入的经费严重不足，致使小学美术教学设施不够完善，比如教具不足、美术教室不够等，这在一定程度上就是阻碍了农村小学美术教学的发展。值得一提的是，与城市小学生比较，农村小学更是缺乏幻灯机与投影仪等现代多媒体技术设备，所以难以采用多媒体技术对小学生开展美术教学，影响了农村小学美术教学效果的提升。 1．4美术教育资源不够丰富： 我们知道，和语文与数学等小学基础课程比较，小学美术教学往往需要一定的物质基础及丰富的教育资源。在一些农村小学中，美术教育资源只是局限在美术教材当中的附图、插图，还有美术教师在课中所展示的一些教学挂图，难以让农村小学生享受及利用到美术馆、博物馆与画廊等各种丰富的美术教育资源，更是难以让小学生欣赏到一些大画家的佳作。所以，农村小学美术教学的资源不够丰富，比较欠缺。 2农村小学美术教育发展的对策思考 2．1积极转变美术教育观念： 当前，我们大力倡导质教育，而实施素质教育离不开加强小学美术教育。为此，我们应该积极转变美术教育观念，优化农村小学美术教学方法，提高教学质量，不能封闭式教学，而是应该开放式教学。笔者认为，一方面，农村小学、小学任课教师、学生家长一定要在思想观念上，端正学习美术的观念，要意识到学习美术的重要性，应该鼓励学生努力学习好美术课程，积极参与美术课程的教学。另一方面，农村小学美术教也应该积极改变教学方法，创新教学方式，改变传统的教学模式，不能在课堂中进行满堂灌，应该善于利用新的教学方法，破解教学瓶颈，改变满堂灌的教学方式，要善于抓住学生之兴趣点，积极营造出一种愉快、轻松与和谐之课堂教学氛围，千方百计调动出农村小学生积极学习美术课程的主动性及积极性，不断提高小学生的美术学习素养及审美能力。 2．2强化师资队伍建设： 要不断推动农村小学美术教学质量的提高，必须要有一支思想素质过硬，专业知识强的专任美术教师。农村小学既可以引进一些专业美术教师，也可以对现有的美术教师加强培养，提高其专业技能，提升其专业素养，可通过短期培训、继续教育等方式给予培养。只有大力提高农村小学美术教学水平，提高小学美术教学质量才有保障。 2．3改善农村小学美术教学条件： 目前，有些农村地区的社会经济水平比较低，对农村小学美术教学的各种经费投入不够，致使小学美术教育基础设施比较差。为此，农村小学应该积极改善办学条件，尤其是美术教学条件。可以通过自筹方式，也可以争取政府财政支持，力争能够在小学美术教学事业上投入更多的办学、教学经费，从而提升教学条件及改善教学环境。农村小学还应该适当增添用于小学美术教学的教具及多媒体教学设备，尽量给学生提供一些多媒体影像资料、丰富的美术素材，给予更多的写生场地，为学生搭建多交流、多沟通之平台，这样才能更好地陶冶小学生之美术情操，大力引导及提升其审美能力。 2．4因地制宜，因材施教： 小学美术教师要结合农村的教学资源、教学状况，因地制宜，做到因材施教，有效整合农村小学美术教学资源，努力做好农村小学美术各项教育工作。教师可以鼓励学生在户外，描写人物、描绘风景，这样也可以培养小学生对大自然的热爱，对生活的热爱，进而提高其审美能力。教师也可以指导学生运用农村地区本身得天独厚之自然风光，科学运用石子、树叶与树枝等学生比较熟悉的事物来贴画造型搞艺术创作。与此同时，有条件的农村小学，也可以与城市小学建立起小学美术资源共享，引入先进的、各种有效的小学美术课程资源进行教学。 综上所述，农村小学美术教学应该给予高度重视，多方查找存在的问题，进而多方发力、仔细研究应对策略，这样才可以提高农村小学美术教育质量。 作者：张丽丽 单位：山东省蓬莱市北沟镇徐家集完全小学 小学美术优秀论文:小学美术教学对学生完美人格塑造研究 摘要：美术教学对学生人格的的塑造具有积极的意义，在美术课上，不但要提升学生的美术能力，还要培养学生完美的人格。本文分析了小学美术教育的作用，提出了美术教学与学生人格塑造的关系，建议加强美术教学，塑造学生完美人格。 关键词：小学美术教学；完美人格；塑造 美术教育也可以称得上是一种人格的教育。长期以来，中小学的美术教育主要是对知识和技能进行传授，却忽视了美术教育中对人格的塑造，教师要把陶冶人的情操、塑造人的人格放在重要位置，这也对美术教育起到了约束作用。所以，要完善学生的人格素质，发挥美术教育的功能。小学美术课上加强技能训练与基本素质提高，有利于个性品质与思想情操的发展，对小学生人格的塑造起到了推动作用，有利于符合社会发展的德才兼备人才的培养，这也是现代美术教育的结果。 一、美术教育的作用 1、美术教育有利于学生学生审美能力的提高 从小学生开始，让学生接触到高水平的美术作品，有利于学生的审美能力的提高。实际的美术教学活动中，有些教师担心大师的美术作品过于高深，怕小学生看不明白，不能接受画中的意思。事实并非如此，大多数学生面对大师的作品时，他们会有些不同的想法，曾有人所说：孩子具备天生艺术家的才能，他们具备与大师直接对话的能力。这点我是深信不疑的。我曾让小学生欣赏过《米罗》。课堂上，他们欣赏完米罗的几幅名作，学生受到了启发，在我的引导下，能够较好地思考、理解并解释画的内容。同时，他们能用把自己的想法表达出来，说出了画家所要要表达的意思。通过讨论、解释作品，来引导学生们体验、思考，从而提高了他们的审美能力与情趣。但是，单一的美术欣赏活动，对提高学生的审美能力是无益的。我国著名美术教育家尹少淳曾说过：纵向深入会使横向关注更直接，只有较深地学习一个学习内容，才会对与之相关的作品加以关注，才会对定风格以及艺术家的相关内容加以关注，从而提高他们的审美能力。 2、美术教育有利于学生创新能力的成长 创造力为人类所特有，而想象力是创造力发展的重要因素，起到了决定性作用，我们会所想象力比作创造力的翅膀，让学生乘着它飞向创造力的宝库。受传统教育影响，许多美术教师只是单纯地灌输知识，而学生也只是简单地接受知识。不但要激发学生们的创新精神，还要打破这一纯粹的接受式的教学。在美术教育教学中，教师要创设教学的情境，创造有利于学生了解与观察周围环境的条件，让学生的眼界拓宽。前苏联教育家霍姆林斯基提出过：一切智力方面的工作，都与兴趣相关。兴趣有利于人们积极地认识事物或者关心某种活动。心理学家提出：学生在愉悦的气氛中学习，有利于观察力的培养，有利于记忆力的增强，丰富了学生的想象力，学习劲头足，心情更愉悦，在个性的积极性和创造性方面有促进作用。结合小学生这一特殊的心理特点与兴趣特点，美术教师还要结合自己的言行，对教学的过程进行设计，选择切实可行的教学方法以激发学生的学习兴趣。 二、加强美术教学，塑造学生完美人格 1、挖掘教材，以德育人 新课程背景下的美术课，不仅肩负着美育的重要责任,还担负着德育的重要任务。美术课主要是对美术教学与德育的有机渗透,坚持“学画画先学做人,要做人首先要立德。”为在美术课上成功实施德育教育，教师还要深入研究教材内容，挖掘教育的内涵，在教材中自主地寻找德育素材。比如：在欣赏课中，教师还要鼓励学生欣赏教材所提供的相关美术作品，并且收集一些工艺美术图片，通过多媒体进行播放，让学生从中感受到中国工艺美术作品之魅力。与此同时，教师还要适时地对外国的工艺美术作品加以选择，让学生在古今中外的作品中学会比较与鉴别，把欣赏活动搞好、搞实。使学生的美术鉴赏力得以培养，使小学生更加热爱祖国，更了解自己民族的文化，培养他们的民族自豪感。另外，在小学美术教材中,大多数的作品都蕴含着某种特定的思想品德教育内容,利用这些内容对学生相关的爱国、爱家、爱美思想加以培养，培养小学生为有德少年。 2、提高绘画能力，陶冶学生情操 在美术基础教学中，老师最常用到的是临摹与写生。在临摹中，学生懂得并掌握了线条的组织，对造型的塑造，对色彩的调绘，对构图的平衡，进而对每幅作品的艺术美有了深切的体会。美术中的视觉元素对学生的情感教育具有积极影响，情感是美术教育的重要特性。学校的情感教育主要是培养学生的高尚情操的，它具有理智性与与正确的价值评价，将其结合在一起具有高水平的情感教育作用。现在的心理学感受到具有高尚情操的学生可以实现自觉地学习，他们的学习也更刻苦，他们追求真理，他们的身心也是健全的，他们具有最完美的人格。我要求学生在生活中学会观察，让他们到校园中画风景和建筑；到市场中画场景和人物；画自己的老师与同学。这种课程设计主要是促使让学生关注身边的事、物，从而提高学生的绘画能力，也让他们更加热爱生活。 3、开展美术教学活动，促进学生全面发展 当今的社会非常丰富，个体间也存在着差异，尊重与保护人的个性是非常有必要的。保护个性主要是保护社会的丰富性，丰富而自由的个性有助于丰富创造力的的发展。美术教学中对自由性有所提倡，在评价标准的多样性与课程设置的创新性都有所设计。美术无处不在，与我们的生活息息相关，它发展了学生的直觉想象，对学生的思维及表达交流有着重要的作用。美术促进了学生对不同于其他的非人文学科的探索，促使学生理解主客观的事物，丰富学生的文化修养，是对学生完美人格的塑造。 作者：方晓丽 单位：浙江省温州市龙湾区海滨第二小学 小学美术优秀论文:在小学美术教学中进行审美引导研究 美是无处不在的，美术是引导学生形成正确的审美意识的重要手段。小学美术教学过程就是一个让学生了解美、发现美、品味美，使学生产生对美好事物的追求欲望，从而形成正确的审美观的一个重要过程。作为小学美术教育工作者，在教学过程中要利用美术教学的特点，将美潜移默化地渗透在学生的潜意识中，从而引导学生树立正确的审美观念。 一、利用美术教学，让学生了解美 美术教学是一个循序渐进的过程，作为小学美术教师，我们不可能要求学生一下就能够成为世界知名的大画家。作为学生的引导者，我们就是学生了解美丽的使者，应当引导学生去寻找美、了解美。美是什么？这个概念涵盖了太多的内容。作为小学美术教师，我们要通过我们的教学过程让学生知道什么是美好的，什么是丑恶的。在我们的教学过程中要利用美术教学的特点，让学生品味大自然中的、生活中的美好。我们要利用各种教学方式，让学生能看到美丽的东西：我们寻找美丽的山水图片，让他们了解高山流水的美丽；我们寻找著名的景观影像，让他们了解人类建筑的美丽；我们带着他们走向大自然，让他们观察风云变幻，让他们观察花草树木让他们用画笔记录住这些美丽，让学生在教师的引导过程中，真正地了解美。 二、通过美术教学，让学生发现美 美丽无处不在，我们要教会学生发现无处不在的美，即使一件丑陋的事物，通过不同的角度去观察，也有可能发现美丽的一面。在小学美术教学过程中，我们要教会学生从不同的角度去观察事物，静止的、运动的，让学生在细致的观察中去发现它们在不同角度的不同形态。我们可以在教学过程中，将一些立体图形通过不同的角度进行放置，让学生们在不同的角度进行观察，让他们发现相同的物体在不同角度摆放过程中体现出来的美，并让他们在观察的过程中讲述各种美丽的不同，让他们能够在生活中、学习中去发现美。 三、通过美术教学，让学生品味美 美术教学是小学生开发智力、培养空间想象能力的重要教育方式。在学生智力开发过程中，色彩艳丽的图片，让人震撼的美丽影像，会给学生留下非常深刻的印象。在学生欣赏这些美丽的过程中，小学美术教育工作者应当让学生能够品味美。小学生的理解能力不深，如何让他们能够品味美呢？对美的品味是一个逐渐深入的过程，是一个思想发展变化的过程，是一种心灵体会，对培养学生的思想道德也能起到重要的促进作用。在小学美术教育过程中，我们应当尝试让学生去品味美，让他们在看到美好的事物后将看到的东西说出来，并引导他们在自己的绘画过程中进行运用，让他们能够感觉到原来自己也能够创造美。 四、通过美术教学，让学生产生对美好事物的追求 小学美术教学应当让学生产生对美好事物的追求欲望，只有有了对美好事物的追求欲望，才能让学生去追求美，产生追求美的潜意识，让他们在未来的生活过程中追求美好事物。美术教学在很多学生的学习过程中是很短暂的，很多学生在后期的学习中会放弃美术学习。但是，作为小学美术工作者，我们要在短暂的教学过程中激发学生对美好事物的追求欲望。我们可以利用各种媒体让学生去观赏美好的事物，拍摄精美的纪录片，品鉴商场里精美的物品，欣赏优美深邃的自然景观让他们在行走的过程中去追求美。 五、在美术教学过程中，引导学生形成正确的审美意识 审美是人类欣赏美和创造美的实践过程，作为小学美术教育工作者，我们应当引导学生形成正确的审美意识，我们不仅仅是画者，同时也是人类灵魂的工程师。在美术教学中，我们既要让学生感知自然美，也要让学生感知心灵美。我们首先应当为学生提供那些大艺术家的画作图片让其欣赏，看那些大艺术家们是怎样用画笔体现美的，并在学生欣赏的同时为他们讲述那些大艺术家的成名之路，让他们能够发现那些艺术家持之以恒的心灵美；其次应当为学生提供众多自然景观的资料，让他们去观赏大自然的美，能够去体会大自然，促使他们去了解自然景观所在地的人文文化；最后在教学过程中，应当引导学生用画笔去展现自己所看到的美，通过大艺术家、众多自然景观体现出来的美来促进学生们对美的深层次体会，引导学生形成正确的审美意识。 作者：宋光宇 单位：内蒙古自治区赤峰市红山区第一小学 小学美术优秀论文:新课程改革背景下的小学美术教学 摘要：美术学科对提高学生的综合素质有着举足轻重的作用。美术教学能扩大学生的视野，陶冶学生的情操，丰富学生的文化生活，提高学生的审美能力，对学生潜力的挖掘，学生的全面发展，都具有重要的作用。 关键词：新课改美术教学多元化发展 在小学美术课堂教学中，可以丰富学生的艺术感，激发学生的创新能力。随着新课改的不断深入，小学美术教育也要与时俱进，从学生的学习需求出发，依据人性化的教学策略，注重学生创新能力和审美能力的培养，从而使他们的作品富有个性，并真正掌握美术学习的精髓，从而提高学生的综合素养。 一、教师角色的转换 在新课改背景下，教师不再是一个主导者，要树立以学生发展为本的教学理念，引导学生自主发展。1.在传统的教学模式中，教师一直都是知识传授者的角色，在美术课堂教学中，教师注重知识的传授，师生交流的方式是单向的，忽略学生主体性的发展，缺乏师生互动的交流沟通。按照新课标的要求，教师要转变传统的教学观念，勇于打破宁静的课堂，让学生走向讲台，并进行课堂延伸，利用学生生活中的美术素材，和学生一起观察和讨论。在课堂上实现多向交流方式，建立融洽、互动共生的师生关系。2.教师要转变自己的角色，成为学生的促进者。在新课改下，教育要面向全体，促进学生全面发展。研究学生的个性差异，实施因材施教，找到适合不同学生的教学策略。在我们的美术课程中，要通过多种教学方式让每一个学生积极参与活动，根据学生的不同发展需求，以及学生的认知能力，争取使每一个学生都能有所收获。 二、全面促进学生的多元化发展 在新课改大环境下，我们应培养热爱生活、乐于进取、善于创造、为全面推进社会发展而努力奋斗的新时期综合人才。要想落实这一目标，首先应激发学生热爱大自然的情感，令孩子深入接触大自然，到大自然中去写生，通过大胆想象把对大自然的情感通过绘画展现出来。活泼好动是孩子们的天性，如果能让学生走出教室，到自然中去创造，他们就会兴趣盎然，眉开眼笑，对大自然中的一草一木都充满好奇，因而会主动用笔描绘，把自己内心的感受和体会描绘出来，从而提高他们的绘画技巧。同时，在美术教学中，教师要把教学内容和学生的生活接轨，让学生认识到美术在生活中是实用的。比如，教师在教给学生剪雪花的过程中，鼓励学生把剪好的雪花制作成自己喜欢的贺卡，然后送给同学、老师、父母；还可以让学生把五颜六色的雪花装扮教室，营造良好的文化氛围。在报头设计课程中，开展小组竞赛活动，并从中选择具有创意的板报作品进行展览，这样学生制作认真、主动，作品形式丰富多彩，内容新颖，极富创造性。不但强化学生的竞争意识，还培养学生的合作精神，把学到的美术知识运用到实践中去，锻炼学生的艺术创新能力。 三、营造宽松的氛围，开展合作性学习，提升教学效率营造宽松的学习氛围，有利于调动学生的积极性。 如，在教学想象画“遨游太空”时，老师让学生伸出双手，模仿驾驶飞船。在音乐声中，同学们慢慢闭上眼睛，跟随老师的描述升入太空中。在这其中，自然地引发学生的想象力，这时候老师让学生想象眼前浮现什么情景，有的学生看到了外星人，有的学生和外星人对话，还有的学生已经到外星人家里做客等等。学生自由想象，大胆描绘着自己的神奇世界，尽情地体验这太空奇遇。在美术课堂上，营造宽松的学习氛围，有效提高学生的学习效率。有了轻松的氛围，促进合作学习的有效开展。针对不同兴趣爱好的学生，打破固定的座位，把不同能力，不同兴趣的学生安排在一起，给他们创设分工合作的机会。让两个学生共同完成一个作品，让喜欢画画的学生带动不喜欢画画的学生，在画画的过程中，让他们自主分工。通过同伴间的相互合作，提高他们语言表达能力和思维能力，增进彼此间的交流。可以看出，学生在讨论分工合作的时候非常有激情，无形中提高了不喜欢画画学生的学习兴趣。 四、采用多媒体教学来提高学生对美术的兴趣 随着科技的进步，多媒体技术在美术教学中得到普及，从而激发学生的学习兴趣。利用多媒体能向小学生展示丰富的视频资料，大大满足新课改下教学多样化的需求。通过多媒体为学生呈现了独特的画面，改变传统的教学模式，以自身独特的艺术魅力受到同学们的欢迎。运用多媒体进行教学，有效提高课堂教学效果，并且节省了很多工具和材料。同时也拓展了学生的思维，提高学生的创造水平。因此，作为新时代的教师，应具备一定的操作能力，不断学习，提升自身的综合素质，这样才能不被这个时代淘汰。 五、激发学生兴趣，主动学 学习兴趣对学生学习效率有着很大的影响。一节枯燥单调的美术课，很难让学生拥有学习的动力。在这样的课堂上，他们只能被动地接受知识，这样获取的知识远远不如让他们自己探究获得的知识更加有效和牢固。因此，兴趣是最大的学习动力。只有让学生对美术学习产生兴趣，学生才会积极地吸收美术知识和技能，并愉快地完成老师布置的学习任务。在美术课堂上，教师可以运用多种教学方式，增强课堂的趣味性，让他们保持其新颖性，引发学生的注意力，调动他们的兴趣，让他们全身心地投入到学习中去。在上课的时候，老师可以讲故事，还可以提出一个能引起学生好奇心的问题，营造一个愉快、宽松的学习氛围，提起他们的兴趣，为高效课堂奠定良好的基础。学生在绘画的时候，老师还可以放一些轻音乐，让学生热情高涨地完成作业。兴趣的激发能成为学生绘画的动力，同时也是他们自信的源泉，成为作品创造力的阶梯。总而言之，随着新课改的不断深入，我们的教学要适应新课改的要求，提高小学美术课堂教学效率，这需要广大美术教师用心去感悟。在教学实践中不断探索，不断尝试，不断总结新经验，让学生在美术课堂上自主学习，乐于学习。只要教师全身心投入到教学过程中，一定会培养出一大批合格的美术人才。 作者：王珊 单位：徐州市特殊教育学校

环境艺术毕业论文:高校环境艺术设计专业毕业设计质量探析 本篇文章以笔者学院环境艺术设计专业的毕业设计课程为研究方向，剖析毕业设计课程水平降低的缘由，归纳了毕业设计教育实施阶段的履历，对课程范围的制定、评估方式和监管体系的创建等部分展开了讨论。本文结合对提升毕业设计水平的探索，研究适合于技能型高校人才培育目的的办法，力求找到符合现实需要的毕业设计教育理念及管理方式。为加深执行《教育部关于全面提高高等教育质量的若干意见》，每所大学把提升整个教育体系的质量摆在了首要位置。毕业设计是大学整个教育阶段中最后一个关键的生活化、情景化、社会化的教育阶段，对于看重实践的技能型高校显得特别关键。毕业设计是对同学们所学到的理论常识与技术的查验与综合应用过程，是提升学生革新能力的关键环节，是学生迈入社会的必经之路，在专业人才培育中起着关键的作用，大连艺术学院是一所以艺术文化为主的多种学科协同发展的艺术类大学，通过长时间以来的教育实践，不停的研究怎样提升毕业设计教育水平、为创建毕业设计管理活动等方面进行了主动的钻研和分析，获得了很好的成效。本人也依据对环境艺术设计专业毕业设计课程诸多年的教导履历归纳出怎样提升毕业设计水平的肤浅意见。 1.毕业设计水平降低的缘由 最近几年技能型大学环境艺术设计专业毕业设计的走势，缘由通常情况下有四个方面：首先，伴随大学环境艺术设计专业招生范围的不断扩大，教师水平程度单薄。一些刚步入教师行业的老师没有充足的履历辅导毕业设计。其次，一些学生不看重毕业设计，受应聘、考研等的影响，不能够全身心的渗透到毕业设计当中去，对自己的要求不高。再次，毕业设计流程监管不够苛刻。因为毕业设计时间长，很难监管毕业设计流程；最后，毕业设计条件，评估方式标准有待提高。一些大学没有制定一个具体的条件、评估方式和毕业设计样板。这样就造成学生们没有可以依照的标准，毕业设计格式五花八门。 2.提高环境艺术设计专业毕业设计水平举措 （1）做好思想教育工作和教师队伍建设 开展思想教育工作，增强传播毕业设计的关键性，使教师与学生的认识得到提升。依靠开会和专门技术人才报告方式进行毕业设计课程的初期动员。着重提出毕业设计的关键性，使学生弄清毕业设计的宗旨和道理。让学生在开展毕业设计之前明确弄清毕业设计时间计划、详细工作、格式、标准。联系到环境艺术专业人才缺乏，企业需求实践经验丰富的学生的特征，动员学生的主动性和关心程度。大连艺术学院毕业设计和学生是否可以顺顺当当的完成学业密切相关，是提高学生毕业设计水平的有效路径。增强毕业设计辅导老师的队伍创建，提升导师专业技能。大连艺术学院环境艺术设计专业一向就特别看重辅导老师的构成，经过对辅导老师的业务水平的和自觉性的提高来使毕业设计水平提升。遵守准则为以聘请外面大学的具有高级职称的老师为主，经过对年青老师的培育、勉励年青老师到外校去学习深造、去工厂实习、主动参加研发项目等方式培育自己的辅导老师团队。2015年应届毕业生共有70人，参加辅导的老师有11人，不算本校的2名讲师外，别的全部具有副高级以上称号。 （2）创建管理体制，看重流程监管 确定选题界限，拟定选题联合比赛和实际活动进行，彻底制止学生无目的的选题，严格控制选题范围。学生决定的选题要通过学校毕业设计辅导小组的严苛审阅，通过后才能接着进行。中间阶段查验需要学生必须都回到学校，严苛审查学生毕业设计进度状况，展开中间阶段的评判。需要学生完结毕业设计日志，仔细记载每天的完成状况。学生找辅导老师教导的次数、看待毕业设计的看重程度和仔细程度等当做学生日常成绩的主要指标。严格把控毕业设计答辩关。在答辩前要求学生遵照有关资料准备文字资料、设计成就和展板内容。答辩是评定毕业设计水平与学生培育水平的主要路径。设立答辩小组，遵循学校拟定的相关文件精神对学生的毕业设计展开评价。对学生苛刻的流程监管是提升毕业设计水平的条件。严格把控毕业设计的辅导关。对老师辅导流程的管理是提升毕业设计水平的一个主要因素。在辅导老师的选用上，挑选具有丰富实践经验的高级职称老师，对年青老师进行培养训练后在辅导。依靠限制每名老师辅导数量保障辅导老师有充沛的精力来辅导学生。规定导师每星期必须和学生见面辅导毕业设计一回。指引学校环境艺术专业对学生进行全程监管。注重学生选题记载是不是用心、辅导成效好坏将当做导师是不是可以接着承担下届毕业设计辅导老师的根据。创建管理体制，设立毕业设计监管领导小组，拟定进度表和量化表，拟定各类监管体系，固定时间对毕业设计完成状况实施检查，实施管控。发现问题及时处理。 （3）制定标准的毕业设计文件 拟定适合于艺术类并且科学可行的毕业设计管理规章体系及教学资料。大连艺术学院环境艺术设计专业拟定了多种相关文件来规范毕业设计，从选题、辅导、答辩到写作要求等实施标准化，毕业设计水平有了显著提升。大连艺术学院环境艺术设计专业最近几年着重毕业设计教育流程控制与质量关联的探索和实践，得到了有效的成果。依靠严格标准化的监管与管理体制的创建，毕业设计水平显著得到了提升。 作者：赵亮 单位：长春光华学院视觉艺术设计学院 环境艺术毕业论文:环境艺术设计毕业论文 经过科学家的分析宇宙里存在的大约有1900万种颜色，一个正常人可以辨别大约680种的色彩，能感受到的主要是环境色彩和固有色。英国物理学家牛顿是第一个发现太阳的七色光谱，从而是人类科学的认识地认识了色彩。在室内装饰中每一个地方和物体都是有他的色彩的，主要包括吊顶，墙地面，家具，织物色彩等。随着时间，文化，区域，制度，科技等等的发展和变化使人们对建筑的功能和要求也有不同的追求，从而出现了很多的流派和风格。 在我看来色彩对我们每一个人来说都是离不开的，色彩是对我们今天的社会非常重要的。对于建筑室内装饰也是一样，从人类认识色彩的那一刻起人类就对每一种色彩的认识有了一个基本的概念，随时间的发展和各个区域对人类对每种色彩的不同爱好，在加上每个民族区域的风俗习惯和地理环境的不同是每一个区域的建筑也有很大的区别，从而使每一个不同的建筑风格有他相对统一的色彩。 室内的色彩包括吊顶，墙地面，家具织物色彩的设计和选择。科学的用色有利于人的身心健康，除了视觉产生影响外，还直接影响人的情趣和心理，要充分利用色彩的多种变化，既符合功能要求又要能获得更美的效果，室内空间不论的吊顶的处理还是家具的款式，大小，形状和色彩等，都不能脱离它所处的实体空间环境，色彩和形态具有同样重要的作用，有时候甚至色彩比形态更重要。 室内装饰风格流派的色彩体现 1.色彩的搭配的价值和重要性 （1）论述色彩的属性 谈到色彩我们都知道它有三大属性：明度、色相、饱和度 所谓明度就是表示色所具有的亮度和暗度被称为明度。色彩可以分为有彩色和无彩色，但后者仍然存在着明度。 作为色相，指的是这些不同波长的色的情况。在色相环上排列的色是纯度高的色，被称为纯色。在色相环上，与环中心对称，并在180度的位置两端的色被称为互补色。 用数值表示色的鲜艳或鲜明的程度称之为彩度。 有彩色的各种色都具有彩度值，无彩色的色的彩度值为0，对于有彩色的色的彩度（纯度）的高低，区别方法是根据这种色中含灰色的程度来计算的。彩度由于色相的不同而不同，而且即使是相同的色相，因为明度的不同，彩度也会随之变化的。 （2）论述如何更好的搭配色彩 在室内的装修中色彩的搭配是有很重要的讲究的，如何能利用色彩的合理搭配创造出更好的居住空间，要从自己对色彩的喜爱程度，色彩对个人的心理属性以及自己对空间的心理需求来确定的。不同的颜色进入人的视野，刺激了大脑，使人产生冷，热，深，浅，明，暗的感觉，也产生了安静，兴奋，紧张，轻松的情绪效应。一般小型化结构的住宅以单色为宜，采用较明亮的色彩，如浅黄、奶黄，以增加住宅的开阔感，利用住宅色彩衬托您的家具使住宅或显朴素大方或显庄重高雅。一般来说每种风格居住空间的色彩搭配都有他自己的原则。具有‘阳光味’的黄色调会给人的心灵带来暖意；如果不想要统一的色调在整体中带点新的变化，采用活泼的色彩组成，粉红色配玫瑰白，搭配同样色系组成的沙发，窗帘，靠垫委婉而多情；冷灰色常给人粗糙，生硬的印象。但在宽敞的明亮的空间，大胆选用淡灰色，反而使你的白色床具和窗棱更为肃静高雅。不过也要穿插一些讨自己喜欢的鲜艳色彩；蓝色有镇定情绪的作用，非常适合有理智感的选择。 2.各种装饰风格的色彩搭配体现和分析 （1）古典欧式风格 欧式风格的底色大多采用白色、淡色为主，家具则是白色或深色都可以，但是要成系列，风格统一为上。在古典欧式风格只能中主要分为巴洛克式，洛可可式等类型。起主要构成手法有三种，第一类的室内构件要素，如柱式和楼梯等；第二类是家具要素，如床，桌椅和几柜等，常以兽腿，花及螺钿雕刻来装饰；第三类是装饰要素，如墙纸，窗帘，地毯，灯具和壁画等 巴洛克式，产生于公元17世纪，它的主要特点是在造型上以椭圆形，曲线和曲面为主要形式，强调变化和动感；将建筑空间设计与绘画和雕塑结合营造出富丽堂皇的室内效果；室内色彩以红，黄等纯色为主，并大量饰以金箔，宝石和青铜等材料进行装饰，表现奢华的效果。室内和家具的豪华，富丽的特点，充满了强烈的动感效果。 洛可可式产生与公元17-18世纪，他在设计上追求华丽，精致和繁复的艺术效果，主要特点是室内装饰呈平面化，注重曲线的使用，室内色彩以鲜艳的颜色为主，比较明快，如靛蓝，嫩绿和玫瑰红等；线脚多用金色，还采用大量中国式装饰和陈设，喜欢闪烁的光泽，大量镶嵌镜子，悬挂晶体玻璃的吊灯，墙面多用磨光大大理石，喜欢在镜前安装烛台，造成摇摆的迷离的效果。 (2)现代风格 现代风格它是比较流行的风格，追求时尚和潮流，以造型简洁新颖，实用为目的，注重室内空间的布局合理与使用功能的完美结合。没有过多的复杂造型和装饰，也不追求豪华，高档和绝对的个性，重视家居的选用及色彩的搭配，追求‘少就是多’的观点。现代设计派大师赖特提倡室内设计与建筑设计协调一致，不仅满足现代生活需求，而且强调艺术性，具有当今时代感的建筑形象和室内环境。如一间现代风格的居室，利用不规则墙面形成壁面家具，同时这一墙面也起到美化居室的作用。地面、天花板均朴素、淡雅，无一多余饰物，显得简洁、舒适、大方，令人赏心悦目。 （3）后现代风格 它是由对现代主义纯理性的逆反而出现的一种设计风格，反对现代主义‘少就是多’的观点，强调建筑的复杂性和矛盾性，使得室内设计繁多复杂。 ①强调室内设计应具有历史的延续性，崇尚隐喻与象征手法，提倡多样化与多元化。它通过传统建筑原件以新的手法加以组合来实现。 ②多用夸张，变形，断裂，折叠，二元并列等装饰主义的设计手法，在表现上具有刺激性，使人有舞台美术的视觉感受，达到了雅俗共赏的目的。 （4）混合形式风格 混合形式风格是指把不同时代，不同风格，统一时代不同风格和不同民族，各不相同的东西糅合在一起，把同一民族和新旧各不相同的东西结合在一起，也就是说把不同国家，不同风格元素结合在一个室内空间里，呈现多元化的风格特征。 用非传统的元素结合传统构件，给人以现代传统室内装饰的种种联想。但并不是将各种形式任意拼凑，互不协调，缺乏整体感，而是把传统文化脉络与现代设计观念和方法相结合，是多样丰富的设计语言。例如贝聿铭先生在北京香山饭店的设计中，以中国的影壁，牌楼，粉墙，灰砖，天井，方圆母题，民间磨砖对缝的工艺，以及云南的石头，东北和山东的卵石作为传统的设计元素。 兼容并蓄，推陈出新，反映时代性，民族性与地方性。在室内设计中，采用传统，民族，地域或自然等元素并加以简化，提炼，在用新的手法组织这些简练了形式，构成具有新意义的形式。既趋于现代实用，又吸收传统的象征，融古今中西与一体。 （5）简约风格 简约风格现代主义建筑和室内的主流风格之一，是一种符合审美规律的艺术简化，追求的是由发杂趋于简单的视觉效果。装饰要素有金属灯罩、玻璃灯，高纯度色彩，线条简洁的家具。它主张设计中突出功能，强调自然，形式简洁，在设计时奉行删繁就简的原则，减少不必要的装饰，色彩的凝练和造型的力度也是“少就是多”更高层的体现。简洁要克服现代主义的单调乏味，缺少人情味的缺点，追求丰富，多层次和多方位的表现，但丰富的表现并不是无意义的堆砌，而是经过提炼后符合时代精神的简洁形象。简洁与丰富是并存的，简洁的设计形式是现代社会的特点和发展趋向，具有丰富的包含性，丰富的词汇融合在简洁之中。在简约室内设计中空间简约了色彩就要跳跃出来。苹果绿、深蓝、大红、纯黄等高纯度色彩要大量运用，大胆而灵活，不单是对简约风格的遵循，也是个性的展示。（6）中式风格 中式风格中国室内设计的传统风格比较讲究端庄气质和丰富的文化内涵，从家具的陈列到陈列品的布置，常采用对称的手法来达到稳健，庄重的效果。装饰要素有红木灯、羊皮灯＋咖啡色、适当的金色＋中式家具，在色彩方面很多人都感觉中式的室内色彩略显呆板，其实只要是搭配好都很漂亮，中式家具或配饰一般颜色较深，而适当的金色则会让中式更有味道。因为在中国传统文化中，金色是权利和地位的象征。金色的小面积点缀和运用，可以与深色家具形成鲜明对比，使色彩变化更丰富。主要用色有红，黄，紫色，金色等，装饰品及黑、红为主的装饰色彩上。室内多采用对称式的布局方式，格调高雅，造型简朴优美，色彩浓重而成熟。新中式家具偏重暖色调，表面大都作亚光处理。避免繁复的“雕梁画栋”造型，简简单单更能体现典雅大方。 （7）地中海风格 地中海风格地中海周边国家众多，民风也各有不同，但独特的气候特征还是让他们出现了一些相同的特点，他们的设计元素主要是白灰泥墙，连续的拱廊与拱门，陶砖，海蓝色的屋瓦和门窗。这种风格的灵魂目前比较一致的看法就是''''''''蔚蓝色的浪漫情怀，海天一色，艳阳高照的纯美自然’。他的主要色彩搭配有蓝与白，这是比较典型的地中海颜色搭配，希腊的白色村庄与沙滩和碧海，蓝天连成一片，甚至门框，窗户，椅面都是蓝与白的配色，加上混着贝壳，细沙的墙面，小鹅卵石石地，拼贴马赛克，将蓝与白不同程度的对比与组合发挥到机制。 黄，蓝紫和绿，南意大利的向日葵，南法的薰衣草花田，金黄与蓝紫的花卉与绿叶相映，形成一种别有情调的色彩组合，十分具有自然的美感。 土黄及红褐，这是北非特有的沙漠，岩石，泥，沙等天然景观颜色，再辅以北非土生植物的深红，靛蓝，在加上黄铜，带来一种大地般的浩瀚感觉。 3．案例分析 案例来自成都一个普通白领阶层的装修方案，由于是年轻人，不喜欢太过复杂的装饰，采用了现代的装饰风格。住宅是一个100平方左右的住房，主人暂时没有孩子，把原有的老人房改为书房。 主人在色彩方面喜欢大面积的暖色，特别是乳黄色所以在设计的时候客厅和餐厅的背景墙上实用了大面积的淡淡乳黄色，看上去比白色稍黄一点，即达到了主人的意思，也更好的使空间不完全被同一种色所包括。电视墙是用黄色的硅藻泥材料做成，使主人刚刚进门的感觉给人一种温馨家庭的感觉，同时在家居方面特别是沙发点缀了一点是冷颜色，因为如果在大面积的黄色背景下没有一点冷色，会使人的心情变的急躁，长时间会有抑郁的趋向，所以在家居的选用上我们选用的了冷一点色彩。在地面的色彩选用上，地砖还是采用了淡黄色的地砖，但是在客厅的中沙发的地毯我们选用了黑色的地毯，一方面是考虑在整个空间里没有重颜色的沉稳，还有就是搭配一点黑色能使空间看着更加的舒服。再在空间配置一点绿色的植物，使主人进门的感觉即温暖又清新。 总结 我对室内装饰风格色彩体现的主要认识是，由于时代的进步，精神，物质等诸方面都有了很大的提高，在室内装修色彩的方面也同样如此，很多的现代人把原来固定风格的装饰色彩给打破，注入新的血液。在我看来不管是原来某种风格内的主要传统用色还是现在的新色彩都能接受，因为色彩搭配的一个重要的基础或者是底线就是色彩没有绝对的对和错，只有合理的和不合理的区别。所以在室内装饰色彩的搭配上，利用每种风格的传统用色和客户自己的喜爱色彩，最后在根据设计师的统一调和处理。总之不管怎么搭配都是为了室内色彩的效果更好的体现出来。 环境艺术毕业论文:环境艺术设计专业毕业设计 一、毕业设计选题 广州工程技术职业学院环境艺术设计专业学生的选题必须符合环境艺术设计专业培养目标的要求，只有与环境艺术设计专业有关的课题才能作为毕业设计的选题。同时课题要满足运用知识和培养能力方面的综合训练。选题应尽可能地结合生产、科研、管理、教学等方面的实际需要，力求通过毕业设计为社会做出有益的贡献。也可以选用符合教学要求的模拟题目。选题要难度适中，任务量要饱满，以保证学生经过努力在规定时间内完成为宜。从2003年开始，广州工程技术职业学院环境艺术设计专业毕业设计选题的方式根据学生的实际情况不断调整，主要分为以下三个阶段：第一阶段，学生自主选题，以学生选题为主导。即由学生根据自己平时的积累、专业特长和兴趣提出选题，或者学生结合自己所在的实习单位中正在运行的项目，把该项目作为毕业设计的选题等，最终学生需要与导师沟通、探讨，在征得指导教师同意后方可开题。第二阶段，学生自主选题，以辅导教师选题为主导。这个阶段除了沿用第一阶段的方式以外，还增加了来自指导教师的选题。即根据指导教师主攻的科研课题或科研方向，由指导教师列出选题，然后向学生公布，再由学生选择自己所喜爱的题目，最终得到指导教师的同意后方可开题。第三阶段，辅导教师命题为主导。在经过第一、二阶段的实践后，笔者发现部分学生的确会根据自己的兴趣爱好进行设计创作，但是他们的创新能力受到一定程度的限制，并且他们的潜能没有被最大限度地发掘出来，设计作品也不能显示出其三年来的最高设计水平。同时出现较为明显的两极分化，即大部分学生都选择家装类型的选题，而不愿意选择工装类型的选题。另外，部分自制能力相对较弱的学生往往选题趋于简单，抱着能毕业就行的心态，对自己要求不高。所以在第三阶段，我们又一次进行了改革。选题全部来自校企合作的单位和企业，由指导教师小组共同探讨研究，根据本届学生的整体情况，在其中选择几个适合作为毕业设计选题的项目。同时，又可保证选题涵盖的合理性。再由指导教师将选题分派给每位学生，即指定选题。当然，前提是基于指导教师对于每位学生的能力都了如指掌，能根据学生的水平进行对应的选题指定。事实证明，经过第三阶段的改革，学生的毕业设计作品水平有了很明显的改善。经过以上三个阶段后，毕业设计指导小组达成共识，选题需要满足以下条件：第一，体现选题的多样性，避免出现选题分化的现象；第二，按照专业培养目标的要求，选题应能让学生发挥出良好的设计水平，培养学生独立工作的能力，拓展学生的知识面；第三，强化职业岗位所需技能，尽量满足实际工作岗位的要求；第四，做到因材施教，能根据学生水平制订合理的选题与要求。 二、毕业设计辅导 毕业设计辅导过程是整个毕业设计的重要环节，这也是毕业设计管理的关键步骤。一直以来，我们主要采用当面辅导和网络的形式进行辅导。定期组织学生当面进行探讨，在面谈过程中，更能一针见血地指出问题。在组织管理上，每次的面谈辅导中，学生所提交的阶段成品的质量都会作为平时成绩的重要参考。教师主要针对以下内容进行辅导：第一，设计构思的生成以及表达；第二，设计理念的提炼；第三，如何利用草图进行设计理念的表达；第四，设计效果的表达；第五，施工图的规范绘制；第六，作品手册与展板的版面设计；第七，陈述ppt的制作与答辩思路的设计。同时，以网络的形式加以辅助。从2010届开始，广州工程技术职业学院OA系统开始启用毕业设计系统，该系统有效纪录每次的毕业设计辅导，从开始开题报告的撰写到中期的检查，再到最后答辩记录以及作品的提交，都能够通过该系统记录，并且是双向的：学生可以通过该系统填写问题，指导教师可以通过该系统进行审阅与回复。此外，指导教师也由以前的校内导师改革为当前校外指导教师和校内指导教师相结合。 三、毕业设计答辩 毕业答辩是毕业设计的最后一个教学环节，是一项庄重而严肃的教学活动。在此环节中，教师可以考查学生的口头表述和理解能力，对学生的专业素质、学生知识面的宽窄以及学生对所学知识的掌握程度均可从中了解。毕业答辩对于学生来说是一个非常好的学术交流平台，在此过程中，学生可以从方案陈述过程、评委点评与提问、学生回答中获得学习的内容，同时也是学生展示设计师风采的好机会。当然有些学生也会因为紧张、没有把握而胆怯、缺乏自信。为了使学生有更好的机会不断学习，我们也一直不断改革答辩的组织形式。在2010届之前，我们采用的是各小组同步答辩的形式，每个小组的评委分别是来自企业的客座教授和校内指导教师。采用这种答辩的形式，因为各小组的整体水平有高低之分，即有某些小组里学生的设计作品水平较高，但有些小组里学生的设计作品水平相对较弱，形成了两极分化的现象。所以示范性的效果不太明显。故从2010届开始，我们又进行了改革，采用优秀答辩的形式，在各小组中按一定比例选择水平较高的作品进行答辩，形成具有良好示范性的公开答辩形式。答辩评委来自企业的客座教授、兄弟院校的教师以及指导教师，评委的阵容扩大了，在优秀答辩的会场上，学术气氛非常浓厚。而其余学生则按小组进行答辩。经过这两年的实践，此种方式的确发挥了良好的示范作用，而且相当一部分学生具有强烈的上进心，往往会更加努力，学生之间形成无形的竞争，最终学生都可以较高的水平完成自己的选题。不过同时也衍生出另外一种负面现象，个别学生只求在小组里进行答辩，所以在毕业设计中没有投入太多精力。对于这种现象，我们也在寻求更好的答辩形式。 四、成果与展望 经过师生的不断努力，学院环境艺术设计专业的毕业设计获得了一些收获，每年我们都在每届的设计作品中选送10件作品参赛，先后获得了喜人的成绩。我们要在循序渐进的改革中继续前行，进一步实现服务社会的目标，让学生的毕业设计能够实实在在地应用于社会的各个行业。 作者：陈婕娴 单位：广州工程技术职业学院 环境艺术毕业论文:环境艺术专业毕业设计研究 一、艺术设计专业毕业设计教学目的 前些年专家们把设计分成平面设计、立体设计和空间设计，或叫二次元、三次元和四次元的设计。也有将设计分成建筑设计、工业设计和商业设计三大类。还有将设计归纳为视觉、产品、空间、时间和时装设计等五个领域，把建筑、城市规划、室内装饰、工业设计、工艺美术、服装、电影电视、包装、陈列展示、室外装潢等许多设计领域系统地划分在不同的五个领域之中。近些年来，越来越多的专家倾向于构成世界的三大要素：“自然-人-社会”作为设计类型划分的坐标点，按设计目的之不同，将设计大致划分成：为了传达的设计--视觉传达设计；为了使用的设计--产业设计和为了居住的设计--环境设计三大类型。环境艺术设计是对人类的生存空间进行的设计。区别于产品设计的是：环境设计创造的是人类的生存空间，而产品设计创造的是空间中的要素。协调“人-建筑-环境”（“人-建筑-环境”是1981年国际建筑师协会第十四届会议主题。这里指的建筑与环境可以分别理解为人造环境因素和自然环境因素。）的相互关系，使其和谐统一，形成完整、美好、舒适宜人的人类活动空间，是环境设计的中心课题。环境设计的类型分为城市规划、建筑设计、室内设计、室外设计和公共艺术设计等。“安全、健康、便利、舒适”是联合国世界卫生组织对于城市环境的四个评价标准。环境艺术设计不是阳春白雪、茶余饭后享受的东西，而是一种社会生活需求，所以毕业设计教育不能光是上课听课，学生必须亲自从事设计，在实践课题中训练自己，通过四年时间学会扩展运用知识的能力。环境艺术艺术设计毕业设计教学是艺术设计类人才培养计划的重要组成部分，是本科教学过程中重要的实践教学环节，是对人才培养质量全面的、综合的检验，是对学生毕业和学位资格认证的重要依据，同时也是衡量高等学校办学质量和办学效益的重要评价内容。艺术设计专业毕业设计教学的目的是培养学生科学的思维方式和正确的设计思想，以及分析和解决实际问题的能力，是学生毕业前全面素质教育的重要实践训练。在毕业设计工作中，要认真贯彻理论与实践相结合，教学与科研、生产相结合，教育与国民经济建设和社会发展相结合的原则，加强多学科理论知识和技能综合运用能力的训练，加强学生创新意识、创新能力和创业精神的培养。 二、目前艺术设计类毕业设计教学存在的问题 2014年以来作者所在学校启动了“毕业设计（论文）形式多样化改革”,根据艺术类专业特征，制定了凡事学生在市级以上展出独立完成的优秀作品；被企业、政府、机构等采用、收藏的艺术（设计、绘画）作品，并取得相关采用、收藏证明可以进行艺术毕业设计的多样化改革，根据作者长年的环艺毕业设计教学经验归纳仍有如下问题： （一）毕业设计中指导教师与学生的互动不够，学生迫于就业、考研、公务员考试或其它就业考试花在毕业设计上的时间不够； （二）环艺毕业设计的选题面窄，设计类型单一，很多选择室内设计中的家装设计，毕业生选择意愿不强； （三）对设计市场的调查研究依赖于网络，缺乏真实市场的考察研究，指导教师则缺乏“双师型”教师； （四）因缺乏对市场的熟悉所做施工图没有市场实用性与规范性，理论与实践脱离，大部分设计作品都是“虚拟”设计； （五）毕业设计的检查、评分制度走形式、不客观、不规范，因有毕业设计没过的学生跳楼自杀（如2015年5月18日中南大学学生跳楼事件）而降低毕业设计严肃性，出现有的学生放松毕业设计要求依赖别人或网络代做毕业设计。 三、环境艺术设计专业毕业设计教学改革的举措 （一）以指导教师为第一责任人，加强管理，规范流程制度 艺术设计专业的毕业设计组织与管理工作直接在主管院长领导下，一般为校、系、专业教研室三级管理，校系对毕业设计的管理主要为宏观组织与管理，如制订毕业设计工作的管理制度、教学质量监控工作、组织毕业设计检查、评估、考核和经验交流活动。毕业设计主要工作为系部有关毕业设计工作的管理制度和工作部署，结合专业培养目标和特点，拟订毕业设计具体工作计划和实施细则，安排毕业设计教学任务，进行毕业设计。毕业设计的直接管理与教学者为指导教师，指导教师在确定毕业设计任务书时要结合自身专业特征进行毕业设计课题公布，检查和督促毕业设计质量和工作进度。 （二）完善毕业设计课程指导体系 环艺专业的毕业设计课程体系内容涵盖了艺术设计的专业知识与所有基础与专业课程。在就业竞争激烈的环境下指导教师更有职责带领学生走进市场，结合实践完善课程教学模式，在市场调查研究中开题，避免学生毕业设计开题的盲目性、随意性，在阅览丰富后充分设计撰写好开题报告，参考优秀经典设计作品去分析观察挖掘环艺设计的特性，在开题报告中可以自定题目，也可以参考优秀经典作品题目，更可以根据市场考察后自己确定开题。指导教师审核学生的开题是否有市场前景、创新性，选题是否切入性强，初步设计思路是否明晰，设计方案是否可行，施工图、效果图能否顺利完成，毕业设计方案的构思是关键环节，根据方案最后效果的表达是否优化了空间结构与外部形态，在材质、色调、尺度方面搭配是否合理、材质运用是否得当，施工图的图层、线型、界面、节点等等是否规范标准。在这个过程中教师需要一对一的辅导，有条件的采取“双师型”辅导，在成绩评定中客观、真实公平。我们采取了指导教师评、阅卷教师、答辩教师、教研室集体这几个步骤平分。科学严谨实用的毕业设计教学指导体系是教学保障，如毕业设计的图纸规范化，设计方案系统完整、艺术表达效果、设计的原创真实、设计元素、设计文化内涵都需要有一整套的体系。 （三）环境艺术毕业设计的应用型发挥 “荒年饿不死手艺人”，在就业竞争压力膨胀的年代，人们都希望学技找工作，“不求所有，但求所用”是应用技术型高校新的教学理念，应用型高校的毕业设计是对所学知识技能的展示与总结，是探求科学研究的基本实践，是将艺术、技术融入实践中，培养人才的创业、创新实践能力的重要环节。在毕业设计开题之际指导教师必须带领学生进行市场调研，收集开题需要的详细现状信息，按照环境艺术设计的国家与地方标准进行设计，了解本专业领域的新材料、新技术与工艺，开题报告要对选题进行详细的课题的来源、目的、意义（包括应用前景）、国内外现状及水平进行阐述，要根据自己现有的专业基础对课题研究的主要内容、研究方法与工程技术方案和准备采取的措施做好规划。指导教师要对学生开题报告的可行性、程序计划做全面的审查评价。鼓励引导学生大胆创新，利用电脑辅助手段绘制施工图（不少于二十张）、效果图不少于六张并进行设计说明的撰写，设计方案在指导教师指导下不断完善包括设计的功能区的平面布置图设计、设计元素的利用、设计审美造型效果、材料色彩搭配等等细节做深入工作。 四、环艺毕业设计教学改革的实效 通过近几年的毕业设计教改，面向市场改掉了缺陷，规范了毕业设计程序，探索了一系列可行措施，不少同学的毕业设计具有创新性与市场性，如我校艺术设计专业08届毕业的三十多名学生毕业，在北京就业的有十名学生，许多学生在装饰公司任设计总监，年薪突破十万元。还有些学生自主创业，成立至今的装饰公司。08届学生参加邵阳市室内设计大赛中获得一等奖二等奖各一名。不少学生的设计作品获得参加全国规模最大、最专业的第七届中国国际室内设计双年展资格；2011届学生赵树凯参加第八届中国室内设计双年展获得专业组铜奖。2013年7月学生参加大广赛获得省级一、二、三等奖、三等奖、优秀奖有二十多人，因成绩突出，湖南省教育厅决定2015年全省大学生大广赛在邵阳学院艺术设计系举行。2011届环艺毕业学生杨鸿丽现为中国建筑装饰（ICDA）高级室内设计师，她的室内设计作品在中央电视台2015年5月30日的《交换空间》栏目播出。我们在环境艺术毕业设计教学的改革紧随时代，坚持把知识与能力融入社会实用之中，探索富有创新特色的毕业设计模式，在人才培养中注重全新的教学理念，调动学生的艺术设计创造能力，面对激烈的就业竞争能凭自己的技能素质找到专业对口工作，通过教改，学生的就业竞争能力大大增强，学生的独立思考、独立学习和独立判断能力增强，艺术设计的自立创新与实践能力得到提高，学生通过毕业设计训练也懂得了设计的多元化行业特征，以良知和社会责任感关怀现实，注重社会伦理道德，树立高度的社会责任感，服务社会中更多的人。做“无害”设计，考虑长远的利益，平衡人、环境、社会、企业之间的关系，倡导持续创新、合作无间的团队创造好作品，理解和实现有社会价值的设计，实现“为人类的利益设计”，为“中国制造、中国创造”而设计。 作者：聂世忠 单位：邵阳学院 环境艺术毕业论文:环境艺术设计与毕业设计论文 1环境艺术设计毕业创作的课室需求 普通课程的课室需求相对简单，可集中授课，而环境艺术设计毕业创作大部分需要用到电脑，而且是配置高的电脑，同时每个学生创作方向不同，很难像普通课程那样统一教学。设计创作所需的设计软件也比较特殊，如常用的3DMAX效果图绘制软件，不同版本之间存在兼容问题，每个学生所用版本也会不同，而学校机房则为一体化软件版本，由此便给统一教学带来难度。它的运行数据比较复杂，工作时所产生的数据会保留电脑的各个路径，如果统一到指定课室授课，学生则需要把未完成的创作文件归档拷贝过去再重新打开，这样经常会造成丢失数据或损坏文件，导致前功尽弃。综合以上问题，普通课室的安排无法满足授课需求。 2自由化工作室制毕业设计课程教学指导模式 就毕业设计课程教学目的而言，学生是主体，整个课程的教学过程老师扮演引导辅助的角色，整个课程周期长，将思维转化为设计图纸，需学生不间断地分析、归纳、完善方案。我校环境艺术设计班级约40人/班，定时定量的教学方式无法最大限度地兼顾到每位同学，因此，可借鉴工作室将上课学生分组教学，以办公类空间、家居别墅空间、商业酒店空间等为主干，将学生细分组别，有针对性地辅导，并且可加强学生间的相互讨论与竞争意识，达到市场分工细致的结果。设计类公司招商投标模式的浅层次尝试，使得毕业设计深层次地引导学生创新竞争意识。其次，以工作室制指导形式带动学生外出考察景点设计实例，从中搜寻设计元素与设计手法，正视学生对毕业设计与市场化需求的对接，加强两者之间的联系，可使设计落到实处，这便是高职院校培养学生职业技能的要求所在。 3毕业设计成果答辩与展示 3.1高职院校毕业设计成果答辩 由于高职院校教学特点，毕业设计课程学分的修读可借助校内毕业设计与校外毕业实选一的模式开展，实习期间设计案例作为毕业设计成果记入该门课程学分修读部分，由于大部分学生提前进入社会，致使毕业设计课程修读后期对毕业设计答辩流程不够重视，使得部分学校缺失该过程。而校外实习学生工作情况记录方面，由于从事设计类工作职位多为制图类岗位，接触客户机会有限，缺乏对自我设计作品的表述机会，就高职院校设计类学生毕业设计答辩形式而言，近年来随着高职院校的发展，已逐步重视市场对设计类学生口才表述能力的要求，销售自我设计产品转变为设计师自我修养的一种能力，例如对于尚品宅配这样的驻店设计师而言，直接面对客户谈单成为设计师的主要业务收入。这就要求高职院校加强对学生自我表达沟通能力的培养，但由于发展时间短，经验不足，对毕业设计成果答辩的重视程度还需加强。其中学校部分可通过答辩内容、答辩场地、答辩委员会成员的设定，加强对该过程的重视，以此给予答辩学生一定的压力，从而锻炼其表达能力。 3.2高职院校毕业设计成果展示 观察广东地区各大高校艺术类毕业设计的展示模式，有以下几种：第一，借助学校自身的展厅等硬件设施，以校内展示为主，借助于校企合作等平台，邀请兄弟院校领导与校企合作企业领导到校内观摩毕业生作品成果，其中美术学院的此种展示成果最为有效，借助院校自身能力发展壮大。第二，以校内展示与校外展示相结合，选定校外一公共场地，由老师带队，学生干部负责的形式将学生优秀毕业设计作品送出，以此锻炼学生策划、布展、宣传能力，向社会公开化地展示学生作品，也可起到宣传学校教学成果的目的。第三，借助互联网平台，以网络展示的形式展出学生优秀作品。将学生作品展示出来，经历市场人群的检验，以便搜集意见，提高设计能力。 4结语 毕业设计是高职院校专业教学成果的一场集中展示，既是学生专业学习成果的总结，亦是师资能力的集中体现，它的特殊性赋予了它市场化宣传的天然条件，由此，对毕业设计课程教学模式的探讨要求教师不断着眼于市场，体现高职院校人才培养特点，以接轨市场需求为己任。 作者：周泽文 环境艺术毕业论文:毕业设计教学的环境艺术设计论文 1环境艺术设计专业毕业设计存在的问题 1.1毕业设计选题不当目前来看，在毕业设计的选题过程中，学生对该如何选题把握不够，并且存在一定的跟风意识，盲目并缺乏主见，不从自己擅长的项目入手或者不善于挑战自己最弱的项目，往往跟随大流，从根本上说，其实也是对毕业设计不重视的一种体现。这些跟风意识又造成在后续的内容确定中对风格把握的不确定性。 1.2缺乏实地（市场）调研及收集资料综合多年的毕业设计指导情况来说，缺乏实地（市场）调研是目前毕业设计环节中存在的最大问题。学生所提供的实地调研资料很多都只有零星的几张现场照片，无细节，无分析，甚至缺乏人与人之间的交流沟通内容。在资料收集的过程中，对网络的依赖性过大，书籍资料不查阅。所以，在后续的设计中，对内容及设计的理解偏差颇大，以致经常会有无法进一步深入设计的情况出现。 1.3设计内容或风格的不确定选题确定后，对设计内容及风格的不确定又耗去了较长的时间。通常常见的情况包括：对自己所选风格的认知程度不够，一知半解，左右为难。通俗地讲，就是以好看不好看来判断一个项目的风格设计。设计的内容大多是以常规的必需的来进行，极度缺乏创新意识。 1.4设计过程及设计草图表现不够一个项目的设计是需要反复思考的过程，在这个设计的过程中，会有大量的草图表现，其实它就是一个从无到有，优化完善的一个过程。学生在这个过程容易出现的问题有：照搬照抄，依样画葫芦。正是因为前面几个问题的累积，造成了学生理论知识无法支撑项目的实际内容，所以在设计过程中才会出现这样的问题，最后呈现的设计效果往往也是不尽人意的。 1.5毕业设计教学模式存在缺陷从目前环境艺术设计专业的毕业设计教学模式来讲，大都存在着一定的问题。例如，在毕业设计过程中，每个环节缺少切实可行的操作方案，有很多不明确的因素，前期设计任务下达的不明确，中期与学生缺乏沟通与交流，后期对毕业设计质量的把关不严等等。 2环境艺术设计专业毕业设计教学的改革思路 2.1正确引导，提出重视专业及教师对毕业设计的严肃态度决定了学生是否对毕业设计的重视程度。首先，本专业应该制定严肃的考核制度，由指导教师对学生每个阶段的毕业汇报进行考核打分。再者，指导教师要做到严格要求，引导学生树立正确的观念，组织学生进行每一阶段的指导。 2.2以市场为导向，设定选题范围，先做后选所谓先做后选，是指在设定了选题范围后，由学生自由选择自己感兴趣的命题，做出预案设计，再由指导教师根据预先分配的大体范围挑选学生。这样的改变带来的一个好处是，令学生具有竞争意识，增强学习的积极能动性。 2.3重视市场（实地）调研强调市场（实地）调研的重要性及其步骤，要求学生做好采集，记录，摄像，摄影，采访等一系列调研工作，提前做好调研计划。在与指导教师沟通时，要形成一定的电子资料结合口述完成汇报。 2.4增加教学成本投入，完善专业用书的采购及电子书库的建设图书杂志，专业期刊，电子书籍及网络课程等对学生的知识量的填充都起到较大的作用。硬件配置在专业建设中已属标准配置，在互联网发达的年代，电子书籍的购买应用也非常方便快捷，只需要适当的管理，就能为专业学生提供方便快捷的查阅，运用先进的理念来完善专业建设也不乏是一个好的想法。 2.5毕业设计教学模式的优化设计环境艺术设计专业的毕业设计环节一般时间跨度较长，但应该适当控制这个时间跨度。历时较长，往往指导教师及学生都觉得疲惫生厌；历时较短，又不足以完成整个项目设计，所呈现的效果也不尽人意。因由专业组织研讨调整确定毕业设计的合理用时，确保毕业设计顺利进行。成立毕业设计领导督查小组，对毕业设计过程进行定时定期的检查，规范毕业设计前中后三个时期的进度安排，明确指导教师及学生各自的责任。在毕业答辩的过程中，要充分发挥毕业答辩总结、示范、交流的作用，严肃答辩会场的气氛，在答辩教师小组中加入企业兼职教师，并进行组别与组别，指导教师与指导教师之间的交错调整，从而杜绝学生松懈的态度及能轻松过关的想法。 环境艺术设计专业的毕业设计教学环节，需要学生、教师及管理人员的积极作用，通过该环节的不断实践和研究，做出更深一步的调整。毕业设计的环节是实现创新人才培养的重要环节，在使环境艺术设计的毕业设计环节更加符合课程需求的同时，更要与市场人才的需求相结合。通过新一轮的改革与组织，才能进一步构建起符合市场及社会需求的专业型应用型人才，环境艺术设计专业也一直将培养该类型的人才作为本专业的人才培养目标。环境艺术设计的毕业设计环境的探讨研究还将一直继续。 作者：程燕单位：金华职业技术学院艺术设计学院 环境艺术毕业论文:环境艺术专业毕业设计实践性研究 一、环境艺术设计专业实践教学的现状分析 环境艺术设计专业脱胎于20世纪90年代我国最初设定的工艺美术范畴的室内装饰专业，伴随着我国社会改革和市场化的进程，社会经济、技术、文化各方面日趋发展，室内装饰专业逐渐融入了城市规划设计、建筑设计、景观设计、公共艺术设计、人机工学及文化生态学等多学科的理论与实践，涉及工程、技术、经济、生态、文化等各个领域，发展成为一门内涵深广边缘综合的新型学科。目前，国内高校的环境艺术设计已经成为艺术类招生的热门专业，就业形势也随着人才市场的逐渐扩大而显得异常火热，但是在这种大的背景形势下，环境艺术设计行业却面临着人才匮乏的局面，归根结底，是环境艺术设计专业在实践教学方面的不够深入和缺乏实践训练，这最终导致毕业生在进入行业后，面临真实的设计项目时缺乏经验，而不知所措。据了解，目前在高校环境艺术设计专业的实践环节教学中，大多数的实践平台和大多数学生的学习时间都只能使项目设计停留在方案阶段，使其不能客观地指导设计工作。而概念创意设计教学着重强化学生基础素质的培养，通过概念创意的创新设计教学，使学生能掌握基本的设计思维与工作方法，其结果未必能够实现，但却培养学生发现问题分析问题的能力，感性思考和理性策划的能力，为其留有进入专业领域后可持续发展的动力和后劲。因此，环境艺术设计教育必须立足当下，针对环境艺术设计“内涵深广边缘综合、实践性强”的专业特性，来寻求学科发展的方向与需求。 二、结合毕业设计的实践性教学课题研究 (一)课题概述。毕业设计是学生在校的最后专业训练课程，要求学生综合运用以往所学知识和技能并针对性地补充和学习实际项目所涉及的有关政策法规和技术规范，了解项目设计的过程和要求。湖北文理学院作为保康县歇马镇地方经济和文化发展服务的援助单位，美术学院环境艺术设计专业接受了歇马镇政府的邀请，承担了所在镇的21个村庄进行规划设计，课题组团队成员由带2011届毕业班的专业辅导教师组成，团队结合本次课题纳入了毕业设计的实践性课程，结合学生毕业考察和毕业设计进行展开，学生通过这一毕业课题的学习和训练，了解和掌握项目设计的基本运作，并对新农村建设中的规划原则、现行政策法规以及新农村规划设计相关政策和方法规范等有较为深入的了解和认识，树立对新农村建设的可持续价值观，有利于今后参与同类项目实践，提高专业设计素养和实战水平。 (二)课题的目标与要求。每年毕业设计课题都因项目而有所不同，往年美术学院环境艺术设计方向的学生大都以虚拟训练课题为主，设计目标和对象比较模糊，设计要求也不太明确，本次的毕业设计课题作为真实项目进行开展，目标明确，并要负担责任，因此对课题设计的要求和所要达到的目标相对较高。 1．课题项目背景分析。本课题名称为“保康县歇马镇新农村规划设计”，歇马镇地处保康南部，驻足沮水河畔，背依荆山腹地，大小山头418个，其中标名大山头37座，山峦重迭，沟河纵横。东与两峪乡的大岭交界，南与兴山榛子乡的黄家垭接壤，西与马桥镇的高桥河相连，北与后坪镇大石脑毗邻。属山区热带季风气候，因地势高低不同，气温差异较大，有“高一丈、不一样，阴阳坡，差得多”之说。歇马镇地域较广，地形条件复杂，海拔较高，其旅游资源丰富，产业目前以烟叶为主，以后着力发展以九路寨为中心的旅游产业，但是21个村庄的规划各有特色。 2．设计内容和要求如下。第一，以设计村庄的自身产业特色和村庄形态特色为入手点，对所在村庄的地块环境进行实地考察和分析，对地质地貌、产业结构、基础设施条件、民居建筑的历史、形制、风格、使用状况及周边环境作进一步现场调查和资料查证，并参考国内外相关实例的成功经验，完成调研报告。第二，根据《中华人民共和国城乡规划法》及《村镇规划编制办法》、《保康县总体规划(修编)》(2002～2020年)等有关政策规定，结合歇马镇提供的规划资料及有关建设意见，提出对所规划村庄的具体规划设计方案，包括如下内容:村庄产业、基础设施、居民点等规划设计方案;居民点详细规划设计方案;风景区沿线的景点规划设计;近期环境改造方案(包括环境和旧建筑的改造);新建居民点的户型和效果图方案;规划编制说明。第三，以本课题为基础，挖掘和整理农村民居建筑的历史人文价值和风格特点，以探索如何通过改造使新旧结合，重新彰显出其历史风采和地域特色为命题，完成毕业论文的创作，并结题。 三、毕业设计实践教学内容与教法的创新与特色 毕业设计阶段是学生从学校进入社会或继续深造前一个重要的过渡期，因此选择合适的毕业设计课题，以及深入现场的教学方法是把握这门课程的两个关键要素，也是毕业设计教学实践的特色所在。 (一)创新特色一:教学和科研相结合解决毕业设计选题。毕业设计选题常常困扰着毕业设计的指导老师，选题的好坏将直接影响教学效果。自2003年课题组申报了鄂西北新农村民居建筑模块设计的省级科研课题，课题组成员一直关注新农村建设和规划设计，自2007年开始课题组就将每年的毕业设计选题与新农村建设进行结合，课题逐步由虚拟性转向真实性，强调理论研究与实践相结合，2009年课题组参与第一个新农村建设规划项目，针对保康县城关镇的9个村庄进行设计实践，并关注农村快速发展和新农村建设规划中的问题与再生话题，与湖北襄阳所处的鄂西北大环境发展的背景、社会环境以及工程实践紧密联系起来。2007～2010年历年毕业设计选题都采用真题真做的方式，确保课题的时效性和挑战性。一是教学的介入必须在项目进行前，使学生能了解村庄现状的真实情况:课题组成员的教师带领毕业班学生进入保康项目所在地，并驻扎在所在村庄，深入农户和田间地头，进行为期一周的田野调查，从产业结构、土地利用现状、村居建筑分析等方面取得了珍贵的第一手调研资料，并形成调研报告;二是选择历史价值深厚或有突破性利用的区域和乡镇为课题对象，对所在项目区域的地域特色、民俗民风、民居特色等作深入的调查和分析，有所重点地进行研究，特别是景区村庄形成的历史风貌，人文特点等作了更为详实的考证，使课题的深度和高度有所加强。三是村庄及其环境规模宜小巧适中，以便学生能集中精力深化设计，在实践过程中，选择难度较小、特色相对不明显的村庄让学生全程参与并完成规划方案的设计实践，鼓励学生组成课题小团队独立完成项目。 (二)创新特色二:深入现场的教学方法。项目进行前或早期是开展毕业设计教学的最好时机，这样学生可以针对村庄的基本现状做实地考察并撰写考察报告，到现场了解许多真实的村庄现状以及实施所面临的具体情况，并且联系县镇的政府代表、规划局、旅游局和相关技术负责人等在现场或其他同类项目带领参观和技术讲解，使学生学习兴趣提高、印象深刻，对他们日后快速适应工作岗位需求有着积极的推进作用。通过以上谨慎的选题和现场的指导，使学生在乡镇规划设计、室内设计和环境设计、建筑保护利用等方面逐步建立起批判性视野，启发他们去思考新旧对话与共生问题。通过产学研的互动，不断建立一个将历史保护与可持续发展相结合的教学新模式。 (三)毕业设计实践性课题研究的体会。一是通过对国内外环境艺术设计创新性教学实践的比较分析，围绕教学中针对设计创意、设计逻辑等问题展开研究，注重拓展学生的创新设计思维与方法。二是利用专题性、实践性较强的环境艺术教学课题和课程设计，提高学生综合素质培养以及分析问题、解决问题能力的培养。三是以跨学科为启发点、依托毕业设计等实践性课程，提出多学科交叉融合密切的综合课题，引导学生作出基于对建筑造型艺术、技术、文化、生活经验等多维因素综合思考的创新设计结果。四是通过本项目，组建一批观念活泼、创造力旺盛的教研团队，以教师为表率迸发出设计原创爆发力来影响学生。利用不同学科背景的教师针对同一课题，从不同的视角来分析研究，取长补短，全面系统地满足专业教学。 四、结语 针对环境艺术设计的专业实践性教学展开创新型教学研究，通过开放型的合作教学模式，实践性教学应该是一种开放型的、师生平等的、讨论式的互动过程。注重强调学生创造力的释放和开掘，更好地培养学生的思维能力和创新能力。通过突出跨学科(专业)的课题设计实践教学、毕业设计等环节，让学生在多角度、系统化、开放型的训练中提高自己的综合设计能力。比如，采用工作室“主题讲授+公开讨论+设计研究+成果展示”的教学与实践模式，为师生提供一个开放型的教学环境，从而能更广泛地锻炼学生的独立工作能力、沟通能力、分析与解决问题能力及评判能力。真正增强教师和学生的自主意识，充分调动教与学的积极性、主动性和创造性。教师是人才培养教学体系的执行者。一个良好的教研团队是教学得以顺利进行的基本保证。鼓励教师走出课堂参与到设计实践的第一线，不断积累第一手资料以拓展视阈、更新知识，从而丰富专业教学，为真正实现“产学研”结合打下基础。 作者:尚晓明 单位:湖北文理学院美术学院 环境艺术毕业论文:环境艺术设计专业毕业设计研究 一、毕业设计选题 广州工程技术职业学院环境艺术设计专业学生的选题必须符合环境艺术设计专业培养目标的要求，只有与环境艺术设计专业有关的课题才能作为毕业设计的选题。同时课题要满足运用知识和培养能力方面的综合训练。选题应尽可能地结合生产、科研、管理、教学等方面的实际需要，力求通过毕业设计为社会做出有益的贡献。也可以选用符合教学要求的模拟题目。选题要难度适中，任务量要饱满，以保证学生经过努力在规定时间内完成为宜。从2003年开始，广州工程技术职业学院环境艺术设计专业毕业设计选题的方式根据学生的实际情况不断调整，主要分为以下三个阶段：第一阶段，学生自主选题，以学生选题为主导。即由学生根据自己平时的积累、专业特长和兴趣提出选题，或者学生结合自己所在的实习单位中正在运行的项目，把该项目作为毕业设计的选题等，最终学生需要与导师沟通、探讨，在征得指导教师同意后方可开题。第二阶段，学生自主选题，以辅导教师选题为主导。这个阶段除了沿用第一阶段的方式以外，还增加了来自指导教师的选题。即根据指导教师主攻的科研课题或科研方向，由指导教师列出选题，然后向学生公布，再由学生选择自己所喜爱的题目，最终得到指导教师的同意后方可开题。第三阶段，辅导教师命题为主导。在经过第一、二阶段的实践后，笔者发现部分学生的确会根据自己的兴趣爱好进行设计创作，但是他们的创新能力受到一定程度的限制，并且他们的潜能没有被最大限度地发掘出来，设计作品也不能显示出其三年来的最高设计水平。同时出现较为明显的两极分化，即大部分学生都选择家装类型的选题，而不愿意选择工装类型的选题。另外，部分自制能力相对较弱的学生往往选题趋于简单，抱着能毕业就行的心态，对自己要求不高。所以在第三阶段，我们又一次进行了改革。选题全部来自校企合作的单位和企业，由指导教师小组共同探讨研究，根据本届学生的整体情况，在其中选择几个适合作为毕业设计选题的项目。同时，又可保证选题涵盖的合理性。再由指导教师将选题分派给每位学生，即指定选题。当然，前提是基于指导教师对于每位学生的能力都了如指掌，能根据学生的水平进行对应的选题指定。事实证明，经过第三阶段的改革，学生的毕业设计作品水平有了很明显的改善。经过以上三个阶段后，毕业设计指导小组达成共识，选题需要满足以下条件：第一，体现选题的多样性，避免出现选题分化的现象；第二，按照专业培养目标的要求，选题应能让学生发挥出良好的设计水平，培养学生独立工作的能力，拓展学生的知识面；第三，强化职业岗位所需技能，尽量满足实际工作岗位的要求；第四，做到因材施教，能根据学生水平制订合理的选题与要求。 二、毕业设计辅导 毕业设计辅导过程是整个毕业设计的重要环节，这也是毕业设计管理的关键步骤。一直以来，我们主要采用当面辅导和网络的形式进行辅导。定期组织学生当面进行探讨，在面谈过程中，更能一针见血地指出问题。在组织管理上，每次的面谈辅导中，学生所提交的阶段成品的质量都会作为平时成绩的重要参考。教师主要针对以下内容进行辅导：第一，设计构思的生成以及表达；第二，设计理念的提炼；第三，如何利用草图进行设计理念的表达；第四，设计效果的表达；第五，施工图的规范绘制；第六，作品手册与展板的版面设计；第七，陈述ppt的制作与答辩思路的设计。同时，以网络的形式加以辅助。从2010届开始，广州工程技术职业学院OA系统开始启用毕业设计系统，该系统有效纪录每次的毕业设计辅导，从开始开题报告的撰写到中期的检查，再到最后答辩记录以及作品的提交，都能够通过该系统记录，并且是双向的：学生可以通过该系统填写问题，指导教师可以通过该系统进行审阅与回复。此外，指导教师也由以前的校内导师改革为当前校外指导教师和校内指导教师相结合。 三、毕业设计答辩 毕业答辩是毕业设计的最后一个教学环节，是一项庄重而严肃的教学活动。在此环节中，教师可以考查学生的口头表述和理解能力，对学生的专业素质、学生知识面的宽窄以及学生对所学知识的掌握程度均可从中了解。毕业答辩对于学生来说是一个非常好的学术交流平台，在此过程中，学生可以从方案陈述过程、评委点评与提问、学生回答中获得学习的内容，同时也是学生展示设计师风采的好机会。当然有些学生也会因为紧张、没有把握而胆怯、缺乏自信。为了使学生有更好的机会不断学习，我们也一直不断改革答辩的组织形式。在2010届之前，我们采用的是各小组同步答辩的形式，每个小组的评委分别是来自企业的客座教授和校内指导教师。采用这种答辩的形式，因为各小组的整体水平有高低之分，即有某些小组里学生的设计作品水平较高，但有些小组里学生的设计作品水平相对较弱，形成了两极分化的现象。所以示范性的效果不太明显。故从2010届开始，我们又进行了改革，采用优秀答辩的形式，在各小组中按一定比例选择水平较高的作品进行答辩，形成具有良好示范性的公开答辩形式。答辩评委来自企业的客座教授、兄弟院校的教师以及指导教师，评委的阵容扩大了，在优秀答辩的会场上，学术气氛非常浓厚。而其余学生则按小组进行答辩。经过这两年的实践，此种方式的确发挥了良好的示范作用，而且相当一部分学生具有强烈的上进心，往往会更加努力，学生之间形成无形的竞争，最终学生都可以较高的水平完成自己的选题。不过同时也衍生出另外一种负面现象，个别学生只求在小组里进行答辩，所以在毕业设计中没有投入太多精力。对于这种现象，我们也在寻求更好的答辩形式。 四、成果与展望 经过师生的不断努力，学院环境艺术设计专业的毕业设计获得了一些收获，每年我们都在每届的设计作品中选送10件作品参赛，先后获得了喜人的成绩。我们要在循序渐进的改革中继续前行，进一步实现服务社会的目标，让学生的毕业设计能够实实在在地应用于社会的各个行业。 作者:陈婕娴 单位:广州工程技术职业学院 环境艺术毕业论文:跨专业角度下环境艺术设计毕业布展实践课程中作品选题和展示的探讨 摘要：以石河子大学文学艺术专业中毕业设计布展和选题的发展为依托，探讨毕业设计作品的选题跨专业结合的可能性。分别从室内设计家装设计、景观设计、雕塑、室内设计空间搭建几方面阐述与平面和产品、美学结合的可能与可实施性。 关键词：环境艺术设计 毕业设计 毕业选题 毕业设计展 一、石河子大学的毕业设计展出课程发展介绍 石河子大学地处我国西部，而除石河子大学外，在新疆开设环境艺术专业的院校有新疆师范大学、新疆艺术学院、昌吉学院。石河子大学美术系还和重庆大学、江南大学建立对口关系，所招收的学生分别来自山东、河北、甘肃、新疆，早在五年前还招过湖南地区的学生。几年来，石河子大学建有文学艺术学院人文基地非遗基地，依托非遗平台做了很多民间美术和民俗方面的课题与田野调查，在和当地企业谈落地项目的时候，发现一个项目最终的完成需要不同专业的支持。 现在企业招收毕业生时，也对复合型人才有较大需求。从环境艺术方面的就业来看，发展了很多软装的，还有展览空间，都是复合人才和跨专业的体现。这样就要求石河子大学美术系对毕业设计作品的选题进行细化，并对展出方式作出新的调整。 石河子大学近五年的毕业设计都是对外公开展出。2008-2012年，在对外公开展出的过程中，环境艺术设计作品和平面设计专业分别展出。而在2012年，石河子大学对毕业设计进行了调整，提出新的方案，出现了毕业设计的个人展，意味着成绩优秀的学生可以专心地只做毕业设计，不必写论文。在经历了三年的毕业设计实践课程改革后，学生们有一部分作品留在了学校，还有很多作品陈设和家具类直接进行了出售。而在2015年的新一轮人才培养方案中，石河子大学美术系开设了毕业设计布展这样一门课。这门课的执教人员要求最好是班主任和一位教师合作担任，其中一位教师相当于策展人的身份，毕业设计的主题设定、宣传、展出方式都由两位教师商定。 二、毕业设计布展课程环节及内容 毕业设计布展的调度一向是一个较难开展的环节，在这个过程中，执教的两位教师会要求各专业教师集中进行评估。虽然是环境艺术设计专业学生毕业设计作品的开题，但是参与审查的教师来自各个专业，有理论方向的教师，有平面方向的教师，还有校外请来的专家。 在这样一个跨专业的教师合作评审下，保证了作品的跨专业的整合性。这样有成组的学生可和平面专业的学生一起做毕业设计，当然也不排除和美术学方向专业的学生一起做一个主题的毕业设计作品展。 进行了第一轮的定稿后，两位专业教师会在中期再进行一轮检查，对进度落后或进行不下去的设计进行调整。这就是新开的毕业设计布展课程的主要内容。 三、石河子大学环境艺术毕业设计选题 （一）室内设计方案方向 室内设计专业的学生的课程多为CAD、3D、室内设计基础、商业环境、办公环境，学生在四年学习中经历了设计方案的统合设计和设计思维的确立。而毕业设计的目的是展示学生对方案完整性的一个把控，也可以从各种角度考查学生四年所学的文化知识与技能知识。 1.选题方向 不可为室内设计家装方案，可为室内设计中商业环境空间、办公空间、展示空间。设计立意方向从中国元素出发，或从地域性文化出发，或室内设计如何与当下的设计热点问题相结合。在做方案设计时，学生的毕业设计可为概念化设计，也可以对现实中已有方案进行的再设计与改造。 2.设计过程要求 （1）资料收集：每个室内设计的方案都有设计背景、设计说明、区位分析与设计的相关立意材料，学生在做方案时做好前期方案成立与设计立意相关的图文资料。 （2）前期立意O计主题资料收集：相关室内方案资料图，阐述清楚项目位置、设计立意。 （3）前期立意设计元素草图：设计元素1张，设计元素提取2张，设计元素运用1张。设计方案整体表述草图2张。 方案初期阶段：室内设计方案平面图1张，室内设计方案效果图3张。方案中期阶段：室内设计方案效果图与施工图表达图与建筑视频动画制作初稿。方案终期阶段：室内设计方案展板排版与部分施工图表达，建筑模型与建筑动画。 详细要求：将室内设计方案制作展板，数量不少于3件；尺寸要求单幅1.2M×2M；设计最终以实物展示为主，展板要有形式感，可用木框石材进行形式结合，不可只为；模型体现主题性与制作性，做工精美，最小尺寸为40MM×50MM；建筑动画设计必须原创，展示内容为空间内外和设计过程说明，视频5分钟；展板展示包括设计说明文字、设计分析过程图，各层功能流线图、精彩空间节点效果图。 （二）雕塑及壁画方向 雕塑专业方向的学生本科四年学习了装饰画、设计素描等课程。雕塑专业在大多高校都放在美学方向，也有放在环境艺术专业下，所以在毕业设计时环境艺术设计专业雕塑及壁画都可以做这个方向的作品。 1.雕塑选题方向 雕塑设计，真材雕塑，玻璃钢及名人像雕塑。学生在题材上三选二，雕塑设计必选，真材雕塑，玻璃钢名人像雕塑二选一。 详细要求：将雕塑设计方案过程与场景图制作展板，数量为2张；尺寸要求单副0.6 M ×0.4M；设计雕塑可以为各种材质，可写实，可抽象，可为一个场景；一组尺寸最少为3个，体积根据设计稿由指导导师定，不低于80MM，如低于80MM，数量最少为5个；真材雕塑包括装置等，一组尺寸最少为3个，体积根据设计稿由指导导师定，不低于80MM。如低于80MM，数量最少为5个；玻璃钢名人像雕塑，数量为1个，尺寸为1.8M×2M。 2.壁画选题方向： 壁画制作与壁画设计。两个方向都为必选。 详细要求：壁画设计为小尺寸，壁画制作为大尺寸；壁画制作尺寸单幅尺寸最少为2M×2.4M最少为两幅；壁画设计最少为两幅；尺寸由指导教师自定。 （三）家具陈设类 家具陈设是最新加入环艺专业的核心课程，虽然没有形成一个专业，大多倾向将其归为产品设计，但在本文中我们更多地认为它可以是环境艺术的一个内容，这个作品的完成也需要人体工程学、材料与工艺相关知识。选题方向包括组合家具设计，家居空间实体搭建。 1.组合家具设计 可做各种空间所需要的家具。 详细要求：将设计方案过程与场景图制作展板，数量为2张；尺寸要求单副0.6M×0.4M；家具设计的要求必须功能与形式给合，不能实用功能不强；家具设计的个数最少为4个，尺寸由正常家具尺寸为基础。 2.家居空间实体搭建 实体搭建建筑与家居内部空间，可包括各种功能空间的空间墙体与家具。 详细要求：将设计方案过程与场景图制作展板，数量为2张； 尺寸要求单副0.6M×0.4M；空间实体搭建设计的要求必须功能与形式给合，不能实用功能不强；家具设计的个数最少为5平方米，尺寸以正常家具尺寸为基础。 （四）景观设计方案方向 景观选题的学生四年系统学习了植物配置、城市规划、建筑形态空间、公共空间等课程，景观设计从改变人类居住方式，推行绿色城镇化建设方面出发提出专业的方案。 1.选题方向 不可为小区规划方案，可为城市公共空间、展示空间。在设计立意方向从中国元素出发，或从地域性文化出发，或设计如何与当下的设计热点问题相结合。在做方案设计时，学生的毕业设计可为概念化设计，也可以对现实中已有方案进行再设计与改造。 2.设计要求及详细要求 （1）资料收集：每个景观设计的方案都有设计背景、设计说明、区位分析与设计的相关立意材料，学生在做方案时做好前期方案成立与设计立意相关的图文资料。 （2）前期立意设计主题资料收集：相关方案资料图资料，做到阐述清楚项目位置，设计立意。 （3）前期立意设计元素草图：设计元素1张，设计元素提取2张，设计元素运用1张。设计方案整体表述草图2张。 方案初期阶段：景观设计方案平面图1张，景观设计方案效果图3张。方案中期阶段：景观设计方案效果图与施工图表达图与景观视频动画制作初稿。方案终期阶段：景观设计方案展板排版与部分施工图表达，景观模型与景观动画。 详细要求：将景观设计方案制作展板，数量不少于3件；尺寸要求单副1.2M×2M；设计最终以实物展示为主，展板要有形式感，可用木框石材进行形式结合，不可只为；模型体现出主题性与制作性 ，做工精美，最小尺寸为40MM×50MM；景观动画设计必须原创，展示内容为空间内外和设计过程说明，视频5分钟；展板展示包括设计说明文字、设计分析过程图、精彩空间节点效果图。 四、毕业设计选题和过程中的问题 从毕业设计的形式上来看，有视频和模型，而展板的形式也是由二维走到三维，与多种装置给合。这和我们跨专业的视域和多种技能是分不开的。教师应在不同的形式和学科发展背景下提出更多毕业设计的可能性。 毕业设计就像是一个深化设计的过程。毕业设计是毕业生最后一次的专业展示。我们的陈设设计和平面设计做的LOGO及VI设计形成一体，做成一整套的毕业设计。这是一个陈设设计和平面设计作品整合的案例。 在家装设计中，毕业设计作品可以和平面设计中的版式设计与家居中的图册进行平面的接合。在家装设计中最后的展示可以是视频，也可以是网页中的360°旋转的全景页面。 而在雕塑设计中，不仅要展示作品，更要让作品周围的环境与雕作品有机融合。有时，一个雕塑作品需要与大量的背景板和软装进行结合，有时需要对产品设计进行创新。 而景观设计中的展板，有时一个展板可能是一堵砖墙，有时可能是很多不规则盒子的组合。 五、结语 石河子大学环境艺术设计这T课程虽然还是一门新课，学时也较少，但是从毕业设计抽离出来，还有一定的程序。而学生的选题和学生毕业作品跨专业的结合，能更好地展示学生的作品，体现作品的连续性，能够从形式和内容上让学生的作品更加完整和符合市场的需要。 环境艺术毕业论文:浅析环境艺术专业毕业设计的教学改革 【摘要】在专业教学计划当中，毕业设计是其中极为重要的一个构成部分，是达到专业培养目标的关键性环节，同时还是评定学校教学质量的指标之一。文章将对环境艺术设计专业的毕业设计教学中存在的问题进行分析，并提出有效措施对毕业设计教学进行改革。 【关键词】环境艺术专业 毕业设计 改革 一、前言 环境艺术设计专业毕业生的最后一门学习课程就是毕业设计课程，毕业设计的全过程中包含选取课题、课题调研、资料查找、构思草图、设计制作以及统一展览等，整个过程需要历时10周以上，由此可见，毕业设计课程的重要性，近几年来，越来越多的人从事或学习环境艺术设计，各项信息资源获得了较好的利用，我国的环境艺术设计专业得到了飞速的发展。然而，从毕业设计质量来讲却不是很好，学生的设计中存在各种各样的问题。这种情况与教学过程、学生本身有关系。因此，必须加强对环境艺术设计专业毕业设计教学的改革。 二、环境艺术设计毕业设计中的问题 1.教学模式开放性与灵活性不足 当前，大部分学校所使用的毕业设计教学体系依然延续传统的方式，在人才培养的计划中，通常是将毕业实习、设计以及答辩等环节安排在同一个学期，教学模式相对而言较为封闭。很多学校将这些环节与教学课时相联系，尤其是毕业实习期，一些学生可以在规定的时间内找到单位实习，一些学生在找实习单位时花了过多的时间，进而影响了毕业设计的进行，所以，在毕业设计教学过程中，应采取人性化设计[1]。 2.毕业设计选题存在较大的局限 在毕业设计题目的选择上，一些题目延续使用了很多年，与实际情况相脱离，没有实用的价值，而创新性与个性化就更加无从谈起。在选题的难易程度方面，一些题目较为简单，与平日的实训与课程设计的水平差不多，工作量较少，还有一些题目较难，远远高于学生的实际水平。从设计方法上来讲，采取老旧的方式，过于看重验证，极少使用一些较为新颖的技术与方法。由于毕业设计与实际相脱离，最终将导致学生缺乏实践经验，并且出现抄袭、雷同等现象。 3.毕业展示缺乏新意 完成毕业设计之后，必须对毕业设计进行最后的展览。而当前，大多数学校的毕业设计展示所采取的方式是传统的展示方式，即打印展板的方式，这种方式极为刻板，无法将毕业设计的闪光点充分展现出来，进而吸引参观者的注意力。 三、环境艺术设计专业毕业设计课程的改革策略 1.转变思想观念，加强认识 毕业设计是学校教学计划中的一部分，是开展设计科学教育、加强工程思想意识、强化实践水平的关键时期，是培养学生综合素质的关键渠道。另外，毕业设计的成果将服务于社会经济，具有社会功能，因此，有关教育部门、教师以及学生等人，应当充分认识到毕业设计的重要性，加强对毕业设计教学模式的优化与创新，从而认真完成毕业设计课程的培养目标。 2.与其他的学科相结合，优化课题的选择 众所周知，环境艺术设计工作的完成，必须融合诸多方面的知识，同时联合其他学科的成员，其所涉及的范围十分广泛[2]。所以，在展开环境艺术设计时，应当与其他的学科相结合，融合与交叉。跨专业、跨学科展开联合毕业设计教学，这是我们未来毕业设计教学的发展方向。比如，在毕业设计中，将展示设计专业的毕业生和室内设计专业的毕业生联合在一起，形成一个大型室内空间展示设计对位，通过这种方式，展示设计专业的学生就可以了解到如何将三维形体空间的美学表现出来，怎样才能打造出优秀的美学空间。而室内设计专业的学生同时也可以对会展和商务营销、展示和信息传播以及展示和策划等知识，有一个系统地、全面的认识与了解。采取这种方式来进行毕业设计，有助于实现不同知识的融合与交叉运用，使毕业生的就业面得到有效的拓展。此外，来源于企业的实际工作项目，同样可以作为环境艺术专业毕业生毕业设计的主题，通过不断地努力得到企业的设计项目，从而实现企业设计项目和毕业设计课程教学的接轨，同步实行，最终达到企业人才需求与学校人才培养相匹配的，促使环境艺术专业毕业设计获得本质上的提升。 3.强化毕业设计的展示 毕业设计不仅要注重选题、构思、设计、制作等程序，最后一个环节的设计展览也是极为关键的[3]。毕业设计展示的好坏将会在一定程度上影响到毕业设计的质量，毕业设计展示不好，那么设计作品中的亮点就难以被发现。因此，学校在展示环境艺术设计专业毕业生的设计作品时，应当打破传统的展示方式，选择多样化的展示方式，例如多媒体技术的运用。另外，还可以融入装置艺术、装潢设计、现代艺术等展览方式，以便有效提升毕业设计展示的效果。 四、结束语 毕业设计是对教学效果的概括与总结，同时也是对专业课程学习成果的一种检查，必须教师与学生一同努力，并且要联合校内外的各项要素，积极参与其中。因此，学校不断对环境艺术设计专业毕业设计教学进行创新与变革，采取各种有效促使，以便有效的提升毕业设计的质量与水平。 环境艺术毕业论文:考察法在环境艺术设计专业《毕业设计》课程中的应用 摘要：本文通过对德国职业教育教学法的学习与实践，分析了其中的考察法的定义及内容，以及考察法在实际应用中的注意事项，总结了考察法在高职环境艺术设计专业《毕业设计》课程中的应用过程及成果，对高职环境艺术设计专业的教学提出笔者自己的经验和体会。 关键词：考察法；德国；职业教育；毕业设计 1背景资料 2012年10月29日至11月3日，笔者参加了由珠海市教育局主办，广东科学技术职业学院协办的“德国职业教育教学法”师资培训班。本次培训班共有3名资深德国专家授课，其中舒尔茨教授主要讲授微观教学法和引导文教学法；史侯德先生讲授项目教学法和案例教学法；劳伦斯先生讲授考察法和媒体辅助教学法。 笔者所在的班级第一位教师是劳伦斯先生，他讲授的考察法使笔者受益良多，对笔者正在同步进行教学的环艺专业《毕业设计》课程有直接的应用价值和现实指导意义。现将笔者本人的学习经验以及应用的成果总结如下，期待与同行进行交流。 2考察法的定义及内容 考察法是指在实践中对事实、经验及行为方式等进行有计划地现场考察的方法。它是由教师和学生共同组织，学生独立自主完成的。考察法在执行过程中一般分六个步骤：准备――计划――实施――评估――展示――反馈。 在准备阶段，教师应首先注意如何用考察法来实现本专业教学目标；其次是确定考察地点与主题；第三是与考察地负责人确定考察时间、安全问题、活动安排等。第四是考虑如何到达考察地点、往返要多长时间、必要的设备和工具等问题；第五是要明确哪些知识必须在考察临行前教给学生；第六是注意考勤信息。 学生方面，在准备阶段要落实考察中需要弄明白教学内容、激发考察兴趣；其次是思考考察对象、内容及预期结果；第三是与考察地负责人确定考察时间、安全问题、活动安排等。这个阶段学生独立自主的完成，教师只提供引导和建议；第四是准备考察时的提问技巧、采访技巧、书写技巧、结构化技巧。 在制定考察计划时应注意三个问题：第一是全班共同讨论并确立考察任务，学生制定考察任务及标准，教师应确保考察目标与培训目标一致；第二是构建不同任务的工作组，也可以安排多个工作组相同的考察任务，通常3至5人为一个工作组。第三是获得考察地点的第一手资料，从企业官方网站或企业宣传册或询问相关人员。 在实施考察计划时，要确定考察组内各成员的工作任务，如询问、记录、观察、评估、测量、拍照等。工作组准备必要的考察材料，如采访清单、调查问卷、考察记录等。其次是确定由谁来购置考察中所需要的辅助技术设备（相机、摄像机、麦克风）。在计划阶段结束时，各小组须在班内展示考察方案，并在讨论中对原方案进行优化。 最后就是考察反馈，包括评估、展示和反馈三个步骤。评估可以由教师做出标准，如按百分制打分，或者给予一段比较中肯的评语，也可以由各小组之间互相评估。展示方面，可以采用作品展、成果汇报展的方式，也可以采用制作ppt.或者视频等方式给予展示。反馈阶段主要是针对本次考察的结果收集学生的反馈信息，以方便教师总结经验，发现不足并在下次教学中吸取经验教训。 3考察法在高职环艺专业《毕业设计》课程中的应用 考察法在艺术设计专业课程中是非常适合使用的，如在环境艺术设计的《餐饮空间设计》、《居住空间设计》、《展示设计》、《毕业设计》等专业设计课程，都适合使用考察法。 笔者在培训期间恰好正在上2010级环境艺术设计专业的《毕业设计》课程，该课程安排了2个选题：一是中山菌香园的主题餐厅设计，二是珠海金湾区三灶镇富都小区景观设计。根据设计任务书的要求，并结合本次培训的学习心得，笔者安排学生首先进行设计选题的确定，然后再根据选题进行一次有针对性的调研（考察），并要求一周内以ppt.的形式提交考察报告。 学生大多数选择主题餐厅设计课题，从最后提交的ppt.情况来看，各小组均较好地完成了预定目标，也能够较好地理解并应用“考察法”。其中有一个小组所做的调研报告ppt.内容详实，也比较完整，成为本次毕业设计的典型案例，现摘录如下： 该小组以“咖啡时间”西餐厅及康师傅私房牛肉面馆两个典型的主题餐厅为考察对象，从餐厅的设计定位及立意、空间布局、风格形式，以及在色彩、材质、灯光等方面的设计进行分析，进而从流线组织、功能分布、室内装饰（包括设计定位、空间组织、风格形式、色彩、材质、灯光、陈设）等方面比较两个主题餐厅室内设计的优劣，最后对本组毕业设计方案的初步构想。 首先，他们通过实地考察了解到“咖啡时间”西餐厅的设计定位是以“咖啡文化”为主要设计理念。整个空间以怀旧色彩为基调，通过木质的餐桌，藤编的座椅，木质的隔断窗格等等，这些装饰元素来营造“咖啡文化”的主题。整个餐厅给人一种悠闲舒适的感觉。其次，餐厅的空间布局多以半封闭的形式进行分布，通过屏风隔断对空间进行分割。整体呈现现代简约的设计风格；色彩方面，整个空间在色彩上运用了大量的黑白色的对比，空间以重色为主调；材质方面，运用上用了大量的木材和藤编等自然生态的材质；灯光运用了柔和的暖光，整个空间灯光以暖色调为主，使得空间显得温馨惬意。最后，通过绘制简单的功能泡泡图，分析了该餐厅的交通流线组织和功能组织。 第二个考察对象为康师傅牛肉面馆，因为康师傅私房牛肉面馆的主要菜色以中国传统的“面食”为主要菜系，因此在设计上应用了一些“中国元素”。 餐厅的整体设计以中式餐厅的形式进行设计。空间布局以中轴对称的形式进行分布，通过屏风隔断对空间进行分割。整体呈现中式现代简约的设计风格。色彩方面，运用了红黑色的对比，空间以“中国红”为主色调；木制“花”形图案的设计元素是整个餐厅设计的亮点，它贯穿着整个餐厅的主体空间；灯光方面运用了柔和的暖光，整个空间灯光以暖色调为主。 通过以上两次考察并对比分析后，该小组决定综合两个考察对象的优点，立足本土文化，创作简约、温馨的主题餐厅设计方案。他们的毕业设计选题最终确定为“潮州菜馆”主题餐厅设计，并拟将潮州方言、潮剧、潮州工艺、潮汕民居建筑、潮州木雕、潮绣、潮州大锣鼓等潮州文化融入设计方案。 “考察法”帮助该小组迅速、顺利地确定了毕业设计的选题及设计方向，可见，考察法在高职环境艺术设计专业《毕业设计》课程中具有非常切合实际的用途。 4结语 考察法作为职业教育的教学方法之一，其由来已久，在以往环境艺术设计专业的课程教学中也已有使用，只不过以往称为设计调研，而且其内容比不上德国专家讲授的考察法这么具体，在执行过程中也缺乏贯彻的力度，有时甚至只是象征性地提交一份调研报告而已。此次劳伦斯先生所讲授的考察法给笔者印象比较深刻的有以下几点： 一是整个“考察法”从概念到执行过程都相当完备，理论详实而具体。劳伦斯先生在介绍主要理论内容时不厌其烦，哪怕是看似人皆共知的常识内容也逐一详细讲解，展示了德国专家特有的严谨、细致的工作精神。 二是对实践过程的严格掌控。在理论讲授结束之后，劳伦斯先生便提供了六个选题让各小组成员选择，并要求在规定的时间内完成“考察法”的实践训练。这些实践过程都有规定的时间限定，并在他的课件中以读秒的方式计时，时间一到便要求提交（当然这也与德国专家来校讲学的行程时间有关）。比如小组讨论确定选题和小组成员分工，给定的时间是三十分钟，时间一到便提交确认。这种方法虽然给各小组成员造成一定的紧迫感，而且由于没有过多的时间考虑，后期制作上也难免仓促，但却有效地避免推托、重复劳动和做无用功，反而有助于提高工作效率，这点恰是以往我们在教学中的弱点――学生经常拖延时间，影响设计进程。比如这次笔者布置给学生的调研任务，完成时间是一周，而劳伦斯先生给定的时间只是一个下午。最后的成果证明，这一个下午和一周时间做出来的东西其实差不多，虽然一个下午做出的报告内容难免粗糙，但由于不假思索，执行力度强，反而容易迸发思维的火花。 第三是考核讲评，劳伦斯先生让各小组学员之间互相提问题并评分，充分调动了学员的课堂积极性，并且在互相讲评中产生新的收获，这点也是值得我们学习的。 第四，劳伦斯先生在上课过程中不仅展示了德国人严谨、严肃的一面，也展示了他风趣幽默的一面，比如对迟到的学员处罚唱歌，或是黄牌警告。在他讲课过程中会忽然对不专心听讲的学员提问，这些提问的问题相当简单，有时只是让人猜猜他的课件中下一个笑脸图案是什么颜色的，对于答对者给予一块巧克力等小奖赏，答错者也没什么处罚。只不过即便没有惩罚，也足以有效的制止学员不专心听讲的行为，并且能有效地调节课堂氛围，使课堂变得不那么枯燥。这些方法看似无关紧要，其实都值得我们中国教师学习。 短短一周的学习时间虽然很快过去了，但德国专家的治学精神和教学态度却给笔者留下了深刻的印象，他们所讲授的教学方法，笔者也将在今后的教学中逐一实践，这或许会给我校乃至全省的职业教育带来全新的面貌。 环境艺术毕业论文:环境艺术设计专业毕业设计教学改革探讨 摘　要：环境艺术设计专业毕业设计是该专业学生毕业之前最重要的课程，是对学生在校期间学习成果的检阅和展示，毕业设计的效果直接反映着高校的教学水平和学生的自主创新能力。本文从近年环境艺术设计专业毕业设计的重要性及存在的突出问题出发，探讨了该课程在教学改革上的可行性措施。 关键词：环境艺术设计；毕业设计；教学改革 环境艺术设计专业的毕业设计课程是该专业学生毕业之前的最后一门必修实践课程，整个毕业设计过程从课题选择、调研、资料搜集、草图构思、设计制作、集中展览历经时间超过十周，很少有专业课程可以达到这么长的时间，所以其重要性不言而喻。近年来，从事环境艺术设计这一专业的师生不断增加，网络、图书、期刊等信息资源也得到了很好的利用，国内环境艺术设计专业发展迅速。但是从毕业设计的质量上来说形式却不容乐观，在学生作品中出现了许多错误的倾向和亟待解决的问题。出现这些问题的原因有学生自身的原因，也有教学过程的问题，因此我们有必要探讨环境艺术设计毕业设计的教学改革。 一、环境艺术设计毕业设计的重要性 环境艺术设计专业毕业设计是该专业学生毕业之前的重要实践课程，对于培养学生的创新能力和实践能力具有重要的作用。 （一）毕业设计是学生四年所学专业知识的综合检阅。毕业设计中会综合运用课题选择、市场调研、装饰材料与施工工艺、造价与预算、计算机辅助设计、模型制作、建筑制图、建筑构造、印刷工艺、中外设计史、设计学概论、三大构成、外语等各学科知识。 （二）毕业设计是学生实践能力的集中体现。毕业设计是环境艺术设计专业最重要的实践课程之一，对于项目调研、个人科研、项目实施等各方面实践能力的锻炼具有重要作用。 （三）毕业设计是学生独立科研及创造性培养的关键课程。 毕业设计中学生对课题的选择和分析和制作过程都需要亲身实践与创新，都是对自身科研能力的锻炼，对于以后的工作和继续深造作用巨大。 二、环境艺术设计毕业设计存在的问题 （一）不够重视。学生对于毕业设计的重视程度正在不断降低，这其中有多方面的原因。首先，教师要求不够严格，毕业设计成绩是由教师主观打分，几乎是全部都能通过，而毕业设计成绩的高低与评优评奖的关系又不大，这就给了学生应付了事的借口；其次，学生在毕业之前已经找好工作，没有将全部的精力放到毕业设计中；再次，不重视与实际项目的结合，学生的毕业设计往往与实际项目的结合度过低，不利于学生主动性和能动性的发挥。 （二）选题不当。根据近两年的毕业设计来看，学生对于毕业设计课题的选择上还有很大的盲目性与跟风性。盲目性主要体现在学生选题的随意，没有从实际情况出发，要么就是高谈阔论的要设计一个“城市”，要么就是缺乏新意的要再造一座“拙政园”。跟风性主要体现在选题的相似性，缺乏设计的独特性与新颖性，往往涉及的层面较窄，要么是清一色的商业空间，要么是清一色的居住空间。 （三）缺乏调研。学生对毕业设计的调研持有无皆可的态度，课题调研流于形式。仅仅依靠网络和图书馆的资料。对于课题的调研不够全面深入，导致对设计课题的理解存在偏差甚至误解，表现深度不够，随后的设计效果可想而知。 （四）草图潦草制作粗糙。草图阶段是毕业设计过程中调研完成后学生根据调研情况和个人思维的第一个阶段，一个准确、完整、有意味形式的草图对于毕业设计具有重要的作用。学生在这个阶段往往出现两个问题：第一，设计方案的创新性有待提高。学生群体相对视野狭窄，缺乏深厚的理论支撑，容易受到现有设计的限制而难以完全发散自己的设计思维，往往是“照猫画虎”；第二，方案缺乏文化性，学生做的方案90%以上为“方盒子式”的现代主义的空间设计样式，从中很难找到文化内涵的融入，这对于新世纪文化竞争下的设计发展是不利的；再次，在草图阶段，往往草草了之，没有对方案进行深入的分析，甚至具体的尺度、比例、造型、色彩、材质、灯光等没有细致推敲就开始进行下一步的工作。在最后阶段的设计制作上，模型制作技术、软件操作、手绘表现等熟练程度和制作水平都或多或少存在一定的问题，往往设计思路与设计制作上出现脱节，因表现手法或表现方式的不完善而没有达到预期的设计效果。 三、环境艺术设计专业毕业设计课程的改革措施 针对毕业设计过程中出现的以上问题，提出如下改革措施供各高校和业内人士探讨： （一）转变观念，提高学生对毕业设计的重视程度。首先教师做到严格要求，积极进行毕业设计指导前的学习，挖掘教师自身的潜力。有必要的情况下可以聘请校外设计院或企业的一线高级设计师或策划师担任导师，对毕业设计的实践环节进行指导。教师严格要求，对于毕业设计明显应付了事的学生一律不能给与相应的学分，增强学生对毕业设计的重视程度；其次针对学生已经工作的情况，可以要求学生提前进行毕业设计或利用下班时间主动找导师交流毕业设计进展情况，毕业设计导师要掌握学生毕业设计的每个过程。 （二）毕业设计课题选择阶段。首先，提前对学生进行毕业设计宣传动员，让学生提前将毕业设计选题落实到某一点上，而不是某个面上，同时结合毕业论文会更增加毕业设计的分量，让学生的毕业设计选题不会仓促和盲目；其次，学生在课题选择的时候参考导师的意见和建议，积极主动的与导师沟通交流，同时尽量避免和同学之间出现雷同选题的情况，以“独一无二”为选题标准，；再次，课题的选择可与各类环境艺术设计大赛接轨，既可以作为毕业设计来做，又可以作为作品参赛，或者选题结合实际项目也是很好的选择。 （三）毕业设计调研阶段。让学生主动进行课题调研，详细讲授调研的程序，特别强调对课题调研过程要进行人员分配、数据收集、采访、抄录、录音、拍摄等详细程序，提前规划好调研的线路及时间，准备好采访、抄录、拍摄的内容，如果多人合作一个课题可细化调研人员调研分工，具体到某个人担负什么调研任务做到心中有数，同时成员调研完毕后需将不同的调研内容撰写调研日志并统一归档。待全部人员调研工作完成以后，结合调研日志撰写课题调研报告，从所选课题的背景、课题现状、可行性、课题拟解决的实际问题、设计重难点、初步设计思路等多方面阐述所选课题。 （四）草图阶段和设计制作阶段。前期草图阶段要让学生从课题的空间造型、色彩、材质、灯光等各方面进行全面的分析，详细的画出该课题的平、立、剖面图，并着重推敲空间造型的比例、尺度及创新性与文化性。让学生主动联系老师指导草图，对出现的问题及时作出调整。加强学生传统文化知识的学习，鼓励学生进行形式的创新和文化元素的导入。 （五）增加教学投入。首先图书、期刊杂志、网络课程、电子图书、计算机等硬件设施对于拓展艺术设计专业学生的视野尤其重要。特别是在毕业设计阶段，增加图书、期刊杂志、网络课程、电子图书、计算机等硬件设施的投入，多方面设计资源及材料的搜集整理及参考对于设计创意的形成阶段、制作阶段具有关键作用。其次是拓宽毕业设计实践环节的投入，针对学生毕业设计与实际项目结合度低的情况，健全校内实训基地和校外实训基地。所在学院或教研室要与实际项目做好调研、实习等的沟通并与项目实施单位建立良好的合作关系，有条件的学院或教研室可成立专门的实训基地或工作室，让学生的毕业设计能够更好的结合实际项目，充分利用实训基地，做到课题的设计与施工一体，从项目实践中获得准确的数据，从实践中获得设计经验和心得体会，将所见所学应用到毕业设计中去，为走上工作岗位奠定专业基础。 （六）实现规范的过程管理，严格毕业设计评审。要制定好毕业设计的初期选题、中期检查、进度计划等一系列教学计划。严格要求教师和学生分别制定毕业设计的进度计划，按期检查，实现进度汇总，并严格按教学计划组织毕业设计进程。定期走访学生，了解学生的需要，及时发现问题、解决问题。教师对学生在毕业设计中存在的实际问题做出弹性的调整，以适应不同水平学生的设计。制定规范的毕业设计评审标准，从选题、草图、调研、设计制作等多方面综合评审，聘请具有丰富实践经验的校内外专家、教授和具有丰富项目经验或实践经验的工程师、设计师等参加毕业设计的评审，实现对学生的设计思维、创新能力、设计成果的综合评价。同时对教师创新意识、指导方法、科研水平进行集中检阅。对于不能达到毕业设计要求的学生，责令限期重新制作，或成绩评定为不合格，不给于学生毕业设计相应的学分。对于在毕业设计中不尽职尽责或其所指导的学生整体毕业设计较差的指导教师，在教师年度或学期考核中给与不合格并取消其毕业设计指导教师资格。 环境艺术毕业论文:基于项目课程的高职环境艺术设计专业毕业设计教学创新与实践 摘 要 高职教育培养面向生产、建设、管理、服务第一线需要的，实践能力强、具有良好职业道德的高技能人才，毕业设计实现高职教育培养目标的重要教学环节。高职环境艺术设计专业毕业设计，根据职业教育项目课程理论，从项目设计流程构建基于环艺项目设计工作过程的课程模块，并从合作企业引进真实完整的项目，学生在教师团队的指导下，以小组协作的方式，完成完整的环境艺术设计项目，效果良好。 关键词 高职教育 项目课程 环境艺术设计 毕业设计 环境艺术设计专业是高职教育的一个新兴专业，经过几年的不断探索和实践，高职环境艺术设计专业课程体系的改革取得了突破性的进展，跳出了本科“压缩饼干”的模式，构建了以基于工作过程系统化为主线的课程体系。然而，在教学实践中，高职环境艺术设计专业毕业设计究竟应如何进行改革，这始终是一个困扰着我们的一个亟待解决的问题。随着高职环境艺术设计专业教学改革的进一步深入与发展，探讨和研究毕业设计教学的改革，既是毕业设计现状的急迫要求，也是环境艺术设计专业培养“高端技能型人才”的重要课题。 1 高职环境艺术设计专业毕业设计的教学理念 1.1 高职教育毕业设计的重要意义 毕业设计（论文）是实现培养的重要教学环节。毕业设计（论文）在培养大学生探求真理、强化社会意识、进行科学研究基本训练、提高综合实践能力与素质等方面，具有不可替代的作用，是教育与生产劳动和社会实践相结合的重要体现，是培养大学生的创新能力、实践能力和创业精神的重要实践环节。教育部针对目前高校扩招，大学生毕业设计（论文）的质量出现了滑坡现象，重申毕业设计的重要意义。① 近年来，随着高职教育教学改革的不断深入，高职教育的毕业设计是本科模式的缩水版还是按照高职教育特征进行教学改革等诸多问题，逐渐显现出来。“高职高专学生的毕业设计（论文）的质量和整体水平还存在较大差距”。②“在实际的操作过程中，因为培养方案、学生学习能力等方面的原因，往往不能达到预期的效果”。③许多高职院校的设计类专业，在毕业设计方面很大程度上仍停留在纸上谈兵、脱离实践的“图纸设计方案”或“模拟设计项目”的状态之中，不利于毕业生的零距离就业。 高职院校环境艺术设计专业相对于本科院校来说，学制较短、培养目标和知识结构也显著不同，理论知识的广度和深度相对有限，如何保证并提高毕业设计教学的质量，是我们苦苦思索并寻求突围的课题。 1.2 德国职业教育真实完整的项目工作的启示 近年来，我们一直学习和分享世界职业教育的经验。其中，德国职业教育的理论和实践常常给我们以启示。二战结束后，作为战败国的德国,百废待兴。德国人以“双元制”的教育模式培养大批各种职业专门人才, 它是战后德国经济起飞的“秘密武器”。德国职业教育中有一重要的教学环节，在形式上类似我们的毕业设计，即在长达半年的时间里以一项真实完整的项目工作来系统训练学生，最终的目的是让学生在一个模拟的工作情境中，训练完成整个工作过程各阶段的任务。德国职业教育真实完整的项目工作给环境艺术设计专业毕业设计教学改革提供了重要的启示。 1.3 高职环境艺术设计专业毕业设计的教学理念 教育部在《关于加强普通高等学校毕业设计工作的通知》中明确指出：高职高专学生的毕业设计要与所学专业及岗位需求紧密结合，可以采取岗前实践和毕业综合训练等形式，由学校教师与企业的专业技术人员共同指导，结合企业的生产实际选题，确定训练内容和任务要求。 因此，高职环境艺术设计专业的毕业设计教学改革时，应解构本科毕业设计教学模式，以绿色的生态环境意识和以职业能力的培养为核心的教学理念建构适和高职特征的毕业设计教学模式，即遵循高职教育的规律，从其培养目标和教学要求出发，从社会需求、专业特点和学生综合能力培养的实际出发, 选择具体的环境艺术设计项目，在具体的设计情境中，培养学生的综合职业能力。具体而言，高职教育环境艺术设计专业毕业设计的成果不是论文形式而应当是环境艺术设计作品，即实现毕业设计的项目化。高职学生毕业设计的要求也不同于本科生，轻论文的理论性和学术性要求，注重对设计作品的技能性和实用性的考察。 2 基于项目课程的环境艺术设计专业毕业设计教学改革与实践 所谓项目课程，是指以工作任务（项目）为中心，选择、组织课程内容，并以完成工作任务为主要学习方式的课程模式 。 项目课程起源于职业教育，却并不是职业教育的专利，而成为一种有着深厚理论基础的课程模式，并被广泛地应用到了各种类型的教育中，如职业教育、幼儿教育、高等教育。当然，在不同类型教育中，其具体表现形态是一样的，如职业教育中体现为产品制作或服务提供，而幼儿教育中体现为主题活动，高等教育中体现为课题研究。 环境艺术设计是指环境艺术工程的空间规划，艺术构想方案的综合计划，包括环境与设施计划、空间与装饰计划、造型与构造计划、使用功能与审美功能的计划等。在环境艺术设计专业毕业设计教学中，我们以项目课程来选择、组织毕业设计的选择、组织课程内容。具体而言，即以环境艺术设计项目为中心，选择、组织毕业设计课程内容，并以完成环境艺术设计项目工作任务。 2.1 依据项目设计流程构建基于环艺项目设计课程模块，实现课程结构模块化 环境艺术设计一般需要经过“立项资讯决策实作研究完成规范化方案自我评估交付检验”等工作流程，在这个工作流程中需要完成以下工作任务（见表1）：即概念方案计划、模型方案设计、方案线图绘制、效果图制作、文本制作、施工工艺流程与预算。依据项目设计流程和工作任务，环艺专业的毕业设计项目课程选择组织的课程内容如下：即《项目方案设计与汇报》、《模型设计与制作》、《CAD完整施工图制作》、《3DMAX效果图制作》、《图文呈现方式后期制作》、《施工工艺流程与投标报价》等。 图1 环艺毕业设计项目课程模块图 按职业需求和学生的个性，环艺专业设定了“景观设计”、“公共空间设计”、“家居空间设计”三个职业方向，并根据这三个方向开设相应的课程学习领域，并集合为毕业设计项目课程的学习领域，实现课程结构模块化。（如图1所示）主要体现在：其一，项目课程开发以环境艺术设计设计的工作分析为基础，其课程体系、课程内容均来自于工作任务模块的转换，从而建立了以工作体系为基础的课程内容体系。这是“重构”意义上的模块化。其二，课程内容以具体化的设计工作项目（行动化的学习项目）为载体，每一个项目都包括实践知识、理论知识、职业态度和情感等内容且建立了相对完整的系统。这是“综合”意义上的模块化。其三，在课程设置和课程内容设置上，学生根据自身的职业定向和兴趣爱好，自主选择“景观设计” 、“家居空间设计” “公共空间设计”，这即是“自主”意义上的模块化。 2.2 以真实的设计项目为毕业设计项目课程的载体，实现课程内容的综合化 项目课程内容综合化，主要体现在理论知识与实践知识的综合，职业技能与职业态度、情感的综合。实现“综合”的关键是课程载体的具体化。课程载体来自于职业岗位的具体设计工作内容。我们坚持实用性、应用性与创新性原则，从校企合作的相关企业中，选取市场需要的、适合学生现有知识和能力的真实设计项目，如“松潘古城景观规划”、“重庆工商职业学院合川校区校园景观设计”、“画家之家――废旧工厂改建工程”，根据设计项目的难度和工作量大小，学生一组一题，少数家居空间设计项目为一人一题。所有的学生都承担了真实的设计项目，这就使课程载体由抽象的概念转变为具体的设计工作任务，并且融理论、实践一体，融技能、态度和情感一体。因此，这样的载体不仅是课程内容的载体，还是教学实施的载体。学生在真实项目的设计过程中，学习以设计工作体系为基础的课程模块，训练完成整个工作过程各阶段的任务。以完整的项目工作过程贯穿整个毕业设计教学环节，理论与实践相结合，最后完成具体的设计工作任务。这就综合训练了学生的创新能力、分析问题和解决问题的能力，增强团队意识，对学生提前进入“工作角色”有积极的作用。 2.3 融“教、学、做”为一体，项目课程实施一体化 在毕业设计项目课程的实施中，实施主体、教学过程、教学场所等三方面的发生变化。 就教学实施主体而言，我们组成了专兼职结合的教师团队，团队中专职教师是融教师、“设计师”（或工程师）为一体双师型教师，还有来自企业的设计师、工程师。毕业设计项目课程若干模块，由相关专业特长的教师带领完成。每个“子模块”设置一位老师担任负责人，由该负责教师召集相关老师，具体研究教学内容、教学办法；教师团队的带头人统一考虑课程安排、实施、保证课程连续性、完整性。 就教学过程而言，毕业设计的教学过程与设计工作过程的结合，学生经历了惶惑、焦虑，认知，知觉、感觉、想象，知识转换成能力；视知觉整体性，任务的整合及能力迁移，注意与设计，认同感等心理过程，这种心理过程与最初方向选择、方案设计到设计的最后完成的行动过程融为一体，也就是融“教、学、做”为一体。 就教学场所而言，传统教室、专业实训室、工作室、企业工场的三者结合。毕业设计项目课程的教学场所除了传统教室外，更多地在专业的实训室、工作室、企业工场开展教学。 2.4 在评价标准、评价主体和评价过程上，践行多元开放的评价 科学的评价体系是实现教学目的的重要后盾和手段，为此，毕业设计项目课程践行多元开放的评价，主要体现在评价标准、评价主体和评价过程三方面：第一，评价标准立足社会需求，做到课程标准与职业资格标准的接轨，实现课程标准与学生职业生涯发展的协调。第二，评价主体不仅是学校和教师，还有学生、企业、行业协会。第三，评价评价过程不仅要落实教师评价和学校评价环节，要着重落实学生自评、互评和社会评价环节，并建立学生自评、互评和社会评价的规范程序及方法体系。 首先，根据评价指标由教师、学生、企业共同评定小组成绩；以小组成绩为基础，经过学生自评和互评，确定个人成绩。此外，还要接受社会的评价。采用“作品展示、企业招聘、行业评价、作品参赛”的评价方法。每年组织学生毕业设计作品年展、并将毕业设计作品展与人才招聘会有机结合，邀请企业领导、行业协会专家共同参与毕业设计展。这些社会评价是对毕业设计教学质量重要的考核和检验。 3 环境艺术设计专业毕业设计教学改革的效果分析 从2005年到2011年，我们连续进行七届毕业设计教学环节的改革实践，收到了明显的效果，得到了社会、企业、学生各方面的认同和赞扬。同时还在毕业设计教学环节的改革上走出了一条有创新之路，较好的解决“纸上谈兵”式毕业设计教学与社会需求脱节的问题。学生的设计由过去的“从资料中来，到资料中去”变成了“从企业中来，到设计中去”，融“教、学、做”为一体，在教学过程中强化了学生的职业能力 ，增强了学生的就业竞争力。 3.1 总体情况 毕业设计项目课程体系紧贴岗位要求，从实际工作任务、工作过程出发，按照环境艺术设计专业职业能力的形成规律，科学设计、合理布局，实现学校、企业“零距离”培养，课程教学效果显著提高，学生职业能力得到强化训练。 3.2 学生就业、创业情况 实现了学习领域与工作领域一致；学习过程与工作过程一致；学习任务与工作任务一致，培养了学生的职业能力，增强了学生的就业竞争力。近三年来，我校环艺专业毕业生一次性就业率98.3%，签约率93.82%，专业对口率从原来的56%上升到84%。 3.3 培育了学生创新成果 产生了一批学生创新成果，如重钢旧址公园改造方案、重庆永川松溉古镇景观修建性详细规划等设计作品。环境艺术设计专业毕业设计作品在参加各种全国性（本专科）作品比赛，取得了优异的成绩，5年来在全国的各大赛事中共取得了金奖8个，银奖11个，铜奖8 个，优秀奖3个，一等奖3个，二等奖4个，其中包括在全国有影响力毕业设计作品竞赛： 2008-2011年，连续四届获得“全国高职高专艺术设计专业优秀毕业设计作品展”金、银、铜奖；2009-2011年，连续两届获得“中国环境艺术设计学年奖”两个金奖和三个银奖。得到专家和同行的认可，在全国取得良好的声誉。

艺术硕士论文:艺术硕士教育教学培养管理思考 【摘要】分析现有艺术硕士教育教学培养管理模式的现状，结合我校的主流办学特色，借鉴国内及国外目前艺术硕士教育管理的先进经验，查找存在的问题，对我校艺术硕士专业学位研究生培养管理方式进行重新构建，建立与艺术硕士专业学位研究生教育相配套的具有自己特色的专业学位研究生教育管理方式，将通识教育传承发展，使我校的艺术硕士教育站在高起点上开展起来，这对提高我校艺术硕士专业学位研究生教育培养质量有重要的指导意义。 【关键词】创新型人才培养；通识教育；艺术硕士教育 一、高等艺术专业教育教学的现状 艺术硕士是2005年国务院学位委员会21次全体会议通过并批准而设置的，经过几年的发展，在规模和数量方面都有所扩展，但是相随的是艺术硕士专业学位研究生教育培养中的问题也日显突出，特别是由于教育观念、培养方式、办学条件限制等原因，导致在培养目标、课程设置、培养模式上安排不够科学、合理，影响了艺术硕士研究生的培养质量。所以说，高等教育一直重视专业教育，忽视通识教育，而且专业划分越来越细，以至于同在一个大学而在不同学院、或在同一个学院而专业不同的教师交流沟通很难。这种学科单一性，专业单一性虽然有利于深入地进行某方面的研究，但它不能解决综合性的问题。因此，对我国现行的艺术硕士研究生培养管理问题应该加以反思，对于培养目标、课程设置、质量评价等等都需要重新定位。虽然我国艺术硕士教育有了一定的发展，但是总体来看，我国艺术硕士教育起步晚，面对培养更多适应社会文化艺术发展的高层次人才的客观需要，艺术硕士研究生培养管理中问题日显突出，解决这些问题是我国艺术硕士教育健康快速发展的前提。 二、什么是通识教育 通识教育与博雅教育（LiberalEducation）紧密相连。古希腊哲学家亚里士多德（Aristotle）认为博雅教育是适合劳心者的教育。劳心者就是不做他人的奴隶，也不当工资奴隶的劳力者。博雅教育应追求自我而受教育，而非追求外在的需要而受教育。博雅教育是以训练一个有思想、文雅的人为目的。通识教育与博雅教育的概念相关而理念不同,通识教育的涵义比博雅教育更为广泛。通识教育的英语名称可译为“GeneralEducation”，早期多译为“通才教育”。它有狭义和广义之分。狭义的通识教育指的是现代通识教育。广义的通识教育既包括现代通识教育，又包含传统自由教育的基本要素，即指在高等教育阶段面向全体学生所普遍进行的基础性的语言、文化、历史、科学知识的传授，个性品质的训练、公民意识的陶冶以及不直接服务于专业教育的人所共需的一些实际能力的培养。通识教育是人文教育的一种形式，其重点在课程的建设，使学生具有丰富的知识结构，打破单一的专业人才培养模式，培养学生开阔的胸襟、宽广的视野与人文气质。就课程开设而言，通识教育就是在大学开设通识课程，使学生从不同的“理解模式”来认识现象、获得知识，使学生的视野开拓，了解与人生相关的知识与原则、方法，由人文科学的文学、哲学、史学、社会学、经济学、政治学与自然科学领域的学习中，建立共识，发展出高层次的学识，掌握与沟通信息，了解他人及社会化的能力。学生经过通识教育，其心灵将会更开放，思维更为广阔，适应能力更强，在变迁剧烈的社会，更具包容才能，从而个人的整个人生更为清新活泼并得以健全发展。 三、通识教育的研究思路 （一）加强学校特色课程与选修课程 大学是培养学生的圣地，毕业生不仅要获得专业的能力、适应社会的综合能力，还要具备创新精神。而这必须靠通识教育来完成。在长期的办学实践中，我校已经形成了“崇德、务实、求是”的办学特色,依据太行山精神，是所有师生员工和睦相处、共同学习的生动写照，是通识教育的源泉。为此，要充分借鉴国内外大学的经验，充分了解社会需求、学生需求，不断完善通识教育课程体系，为学生提供更多的选择余地，同时要加强选课引导，将我校学校特色与选修课相结合，使学生对学校及我校雄厚的历史有一个正确而客观的认识,使他们清楚作为该学校的学生应该具备哪些知识,充分体现课程的引导性作用和特色。 （二）加强通识教育课程的师资队伍建设 一方面我们要鼓励教师尤其是名师积极从事通识教育的教学研究工作，为他们提供必要的工作条件,提高课堂教学的授课质量；一方面要加强开课教师之间的联系与科研合作；此外还要积极改进教育教学方法,注意培养学生的科学思想、人文素质、综合能力；注重培养学生的自学能力；优化课堂教学过程,提倡“启发式”的教学和训练方法；注重现代教育技术手段在教学中的应用,提高课堂教学效果；重视与第二课堂的结合,重视加强各类实践教学环节、各种专业比赛对提高学生素质的作用,并以学分的形式给予肯定,使学生拥有大量的选择余地,真正实现以学生为主体、以学生发展为中心、能力与素质培养为目标的教育思想。 （三）充分重视专家教授的参与，加强通识教育的管理 倡导资深专家教授的参与，使通识教育课程建设与管理步入规范化与专业化的健康轨道。因为通识教育课程体系中,既涉及到社会科学，又涉及到自然科学等各类学科知识的融合,对课程内容、教材内容与结构的适用性、发展性和灵活性提出了更新和更高的要求。而专家教授在这方面拥有深厚的教学功底及学术智慧，他们参与通识教育的讨论到决策的整个过程，会站在全校的高度，站在高等教育的高度，科学的规划，严格的论证，并在实施过程中起模范带头作用。此外，条件许可时还可以成立一个类似于北京大学的“元培计划”、复旦大学的复旦学院等等的专门的机构来统一管理通识教育。 四、结论 依据全国艺术硕士专业学位教育指导委员会审定的参考性培养方案，结合各高校学科建设基础与特色，我们制定详实科学的课程计划，是艺术硕士教学管理工作的一项基本建设。其中涉及教学思路、教学目标、教学过程、教学内容与方法、教学队伍建设与教学管理等方方面面的工作。通识教育能够让学生获得心智的训练和提升；通过了解历史的变迁，通识教育可以引导学生对人生和社会进行充分的反思；而通过了解不同知识的内在统一性和差别性，了解不同学科的智慧境界和思考方式，所以，通识教育能够让学生对客观对象进行更高境界的把握。 作者：喻珊 卢国新 单位：河北农业大学艺术学院 艺术硕士论文:艺术类硕士生教学 一、引言 近几年来，国家加大了艺术类硕士研究生的招生力度，这支队伍不断壮大。与此相适应，艺术类硕士研究生的公共英语教学得到了发展，取得了一定的成效。艺术类硕士生在学习英语的过程中也收获颇多。但不可否认，在当前的艺术类硕士研究生的英语教学与学习中还存在一定的问题，影响了教学效果。下面就这些问题做一探讨，以求教于广大的同仁及学友。 二、艺术类硕士研究生英语教学中存在的问题 就目前来看，研究生英语教学所使用的教材各地各校都不太统一。有的学校用的是《大学英语》①及其相关辅导教材，有的用的是《新概念英语》②，还有用的是公共类硕士研究生英语教材，如《研究生英语》(上下册)③，有些学校则自编教材。而专门针对艺术类硕士研究生的英语教材目前还未出版。笔者所在的学校在教学中使用的教材是《大学英语》三四册，共学习一年。由于采用的是普通大学的公共教材，内容程度偏低，专业性不强，于是教师就很难调动起学生的学习积极性和做到因材施教，也有相当一部分学生存在厌学情绪。此外，目前市场上虽然也有一些艺术类的英语辞典，但普遍缺乏权威性，不够规范。例如《英汉汉英艺术辞典》④2、《英语音乐基础知识》⑤、《美术英语》⑥等。因此，有一些专业术语很难查得到，如广西壮族音乐中有一种体裁叫“尼的呀”，词典中根本就没有。此外，一些专业词典则不具备艺术类专业英语学习的功能，如(牛津简明音乐词典)(第四版)⑦。缺乏有效的词典工具更增加了专业英语学习的难度。 由于许多艺术院校只是近几年才开始大规模招生，所以在艺术类硕士研究生的教学当中，很多艺术院校在师资力量及相关的培训上跟不上发展的步伐。一些教师在教学时没有注意到艺术类硕士研究生的实际英语掌握情况，以及专业英语教学上的特殊之处，教学方法单一，存在着“灌输式”的简单教法，有的学生就称自己被老师当成了小学生来对待。老师在课堂上只管讲自己的课，很少注意到下面学生的学习动态，缺乏双向交流与沟通。这种僵化而保守的教学模式自然引不起研究生学习的兴趣，课堂气氛经常是沉闷而又乏味，学生学习得非常被动而吃力。同时，很多艺术院校在图书馆建设中也很容易忽视英语学习读物及英文核心期刊的配置，也给研究生的英语教学与学习带来了很多不便，他们不得不自己掏钱到外面书店购买，甚至到大城市去搜集资料，增加了学生的经济负担。 三、艺术类硕士研究生英语学习中存在的问题 艺术类硕士研究生在学习过程中也出现了一些问题。首先是学生的英语程度参差不一，普遍底子较差。为了照顾艺术类硕士研究生考生的特殊情况，国家在录取时降低了艺术类的分数线。另外，学生来源广泛，有些是应届本科毕业生，有些是工作了好几年才考取的，还有些则是没有接受正规大学教育，靠自学成材的。还有很多学生，他们已经结婚生子，年龄偏大，更增加了学习英语的难度。因此学生入学时英语普遍较差，且差别很大，听说能力也不强，要达到申请硕士学位的英语要求还存在很大的难度。笔者在本校曾进行了一次统计，2001级研究生共11人，第一个学期通过大学英语四级考试(CET4)的学生只有2人(我校要求，申请学位的条件之一是必须通过大学英语四级考试)，2002级17人中只有3个通过，2003级24个人中也只有9人，比例相当低。许多学生考了好几次才拿到四级证，甚至以前还出现过因没有四级证而拿不到硕士学位证书的情况。至于六级证，到目前为止只有一人拿到。 第二个问题是学而不致用。很多艺术类硕士研究生都感到，学习英语纯粹是为了应付，用不到自己的专业学习当中，收获不大(例如美术学中的国画专业研究生，此种情况更为明显)。为了学好英语，他们要花 大量的时间与精力，难免与专业学习相冲突。有的人甚至戏称自己要变成英语专业的学生了。为什么是这种情况?关键就在于学生的专业英语程度差，所学的英语到最后很少能用得到。长此以往，他们就很难接触并了解到当代国际最新最权威的学术成果与动态，因此也就很难跟上、甚至超越相关学术研究的步伐。 四、结语 为此，我们首先要加强艺术类硕士研究生英语教材的建设，尽快出版一批针对艺术专业特点的教材与配套辅导资料和读物，组织相关专家编纂出版一套具有权威性的艺术类英语学习辞典。第二，建议有关部门将艺术院校的英语教师集中培训，重点是改革艺术类英语教学教法，突出专业性与实用性，加强艺术院校英语教师队伍的建设和教学管理。第三，艺术类硕士研究生自己也要调整英语学习的态度与心态，认清英语在研究生学习中的重要地位，刻苦学习，学以致用。只有如此，艺术类硕士研究生英语教学与学习才能获得新的提高与发展。 艺术硕士论文:艺术教学艺术硕士 目前我国基础教育课程改革正在不断深化当中，其中课堂教学作为基础教育课程改革的核心环节备受关注，而教学的艺术是提高课堂教学质量的重要因素；但就目前情况看，教学艺术的问题并未引起足够的重视，特别是艺术课程教学的教学艺术未受到重视。我们完全可以说，不具备教学艺术的艺术教学不是真正的艺术教学，因此，在艺术课程改革中解决艺术教学中教学艺术化的问题刻不容缓。 教育教学必须具备艺术性往往是许多人所忽视的，而在具体教学中对教学的艺术化问题的思考更是淡漠的。在艺术教学领域里，对于教学的艺术性问题，可能思考得多一些，但是常常有这样一个误解，想当然的认为在艺术领域中的教学由于所教授的内容是艺术本身，那么教学就自然而然、也毋庸置疑地具备了艺术性，艺术教学也就是一种艺术化的教学。这是一种片面甚至错误的理解。 艺术教学是教师向学生展示艺术美的形式、传递美的本质，并和学生一起欣赏美、感悟美的过程，因此艺术领域的教学更需要让教学遵循艺术审美特征，让教学审美化、艺术化。而艺术教学的艺术化不仅仅体现在教学的内容是艺术的，而且教学的方式、教学的理念、教学的结果等都应该是艺术化、审美化的，是符合美的规律的，教学的全过程和教学的结果都是与艺术的本质、艺术的特征息息相关的。 随着基础教育的改革和发展，近年来艺术教育取得了有目共睹的成绩，但是艺术教学的情况是不容乐观的，存在的问题亟待我们共同探讨与研究。艺术教学遵循传统的教学模式，没有突出艺术审美特征，缺乏艺术性，教学的内容艺术含量不足，教学方式缺乏艺术性都是艺术教学中存在的主要的、突出的问题。在艺术教学中，艺术的审美特征和审美本质没有完全贯通在教学的整个过程中，也没有融入在教学的细节中，教学的内容、方法，都没有得到艺术性的深化、艺术性的整合和创新，或者，即便教学的内容是艺术的，但是教学的方法却是非艺术的，艺术的审美特征和审美本质只附在教学的表层，甚至完全脱离了教学。造成这种状况的原因很多，最主要的是很多艺术教师对艺术和艺术教学本身认识不足，同时缺乏教学艺术的意识和能力，从而导致教学理念、方法陈旧：一方面体现在艺术教学遵循传统教学模式，艺术教学的教学内容、教学方式缺乏艺术性，另一方面体现在运用艺术化形式教学的能力不高。 探讨艺术教学中的艺术化的教学究竟是怎样的一种教学形式，我们必须从艺术谈起！对艺术和艺术的本质的研讨是我们阐述艺术领域中艺术化教学问题的前提和基础！ 一〉艺术的审美本质和审美特征 艺术是人对真实世界审美认识、精神掌握之后的意识和表现，是一种精神生产活动和精神活动物化的结果。艺术是对世界的一种认识，艺术通过人的精神动机和精神活动认识体验世界，展示所获得的对生活的独特的审美认识后进行的创作和表现，同时将这个过程和结果物化。这种认识活动是一种能动的认识，是主体个性化的精神和情感主动作用于客体对象，同时对客体进行艺术加工、艺术提炼、艺术创造的实践过程。在这个认识过程中，认识事物的重点是事物的特征、个性和美，同时以高度概括的、具体可感的形式和形象揭示事物的本质。因此，艺术就具备了具体性、概括性、感染性等形象性的特点，同时所塑造的形象是感性和理性的统一、是主观和客观的统一。 艺术与美是密切相关的，美是艺术的灵魂，审美是艺术的核心本质。“一般地说，艺术有以下几个主要的审美特征： 1．实践性和主体性 2．合目的性和合规律性 3．形象性 4．形式美和形式感 5．创造性 6．情感性”（《艺术概论》p102页） 7．自由性 8．真实性 下面我们简单阐述艺术的审美本质 深入全面地把握艺术的本质，是我们探讨艺术教学和艺术化教学的关键所在。艺术与美是密切相关的，美是艺术的灵魂，艺术来源于现实美，又形成一种高于现实的美，这种美是需要人的意识和精神去审视、感知、体会才能重现的一种抽象的美。艺术中所蕴含的美是我们无法用具体的言语和文字能够表达的，可以说是无法翻译的，这种不可翻译性使得艺术的美必须直接面对人的鉴赏和判断。“美”的面前如果没有一双审美的眼睛，一颗审美的心和欣赏美的情感，那么“美”的价值就会大大减弱，甚至不复存在。因此，审美是艺术美存在的依托，艺术美的根本价值是审美价值。“审美的问题是贯穿在艺术理论的核心问题，艺术的认识是审美认识，艺术的创造是审美的创造，艺术的欣赏是审美的欣赏，可以说，审美是区别于其他社会事物的根本性质。”（《艺术概论》p78页）敏泽：“艺术之所以为艺术，其根本特征和价值根源在于审美。”（转引自《文学理论：回顾与展望》第72页，河南大学出版社1993年版） 杨恩寰也认为：“审美是一切艺术的审美本质，无审美也就无艺术。”（杨恩寰主编《美学引论》第161页，辽宁大学出版社1992年版。） 审美是艺术美得以形成和存在的前提条件。我们说艺术来源于现实美，又形成一种高于现实的美。现实的美如果没有审美的认识和创造，就只能永远是一种自然的、天然的美，审美先于艺术而存在，而后促使了艺术的形成，我们说审美是艺术得以产生和形成的最根本的、无可取代的条件；同时，审美也是艺术得以传承的前提条件，艺术一旦形成就以凝练、完善的形式融集了丰富的艺术文化，汇集了深远的艺术意蕴，也不同程度地聚集存留不同时期、不同文化背景的积沉，以及不同艺术家的审美经验、审美趣味、审美情感。没有创造者的审美，艺术的美将不会存在，没有欣赏者的审美，艺术中所凝聚的艺术美将不可能再现。 审美是艺术的本质。一般说来，审美是主体通过对美的物体的鉴赏和体验，从而在精神上获得愉悦和享受。那么审美具有什么样的性质，或者说审美的过程需要遵循什么样的精神原则呢？ 艺术不是为了直接满足使用的需要，而是在满足人们的审美需要中，给人以精神上的影响。艺术的美是一种在情感上具有感染力的形象，给予人精神上的陶冶、愉悦和感染，这种愉悦是超功利性的，没有具体的、现实的目的。康德认为美学意义上的美是一种不受功利、概念、目的束缚的美，是一种用最纯真的眼光来看世界所发现的美，而审美也不是用日常的目光对事物进行美与丑的判断和褒贬，而是用最纯粹的眼光洞察事物本身。同时，审美是一种完全开放的状态，在审美过程中主体是自由的，是解放的；审美也是一种充满着联想想象和创造的状态，审美主体把自己投入到作品中，面对作品中最富孕育性、情感性的点，结合自己的阅历体验和价值取向进行联想和自由创造；审美还是一个饱含情感的过程，没有蕴含情感的艺术品是不可想象的，也是苍白无力的，同样，一个审美的过程没有情感也是不可想象的，只有用情感才能感受到情感，只能用情感才能感动情感。 二〉突出艺术审美本质、体现艺术审美特征的教学才是真正的艺术化教学 艺术与美有血缘般的联系，艺术和美始终是水乳交融的。美是艺术的真谛，是艺术的生命之源，艺术是按照美的规律从事创作的领域，因此说到艺术，不能不谈美，而说到艺术教学,我们更不能不谈艺术和美。我们追求艺术化教学，就是追求美化的教学，追求突出艺术审美本质和审美特征的教学。不具备教学艺术的艺术教学不是真正的艺术教学，突出艺术审美本质、体现艺术主体性、形象性、创造性、情感性、自由性等审美特征的教学才是真正的艺术化教学。 俄国著名的教育家苏霍木林斯基说：“我一千次的确信：没有一条富有诗意的、情感的和审美的清泉，就不可能有学生全面的智力发展。”同时他又强调：教育，如果没有美，没有艺术，那是不可思议的。 教学艺术是教师娴熟地运用综合的教学技能技巧、按照美的规律而进行个性化的独创性的教学实践活动，这种教学可以营造课堂教学生动鲜活的面孔和朝气蓬勃的生机，使课堂教学有了活的灵魂和永恒的生命力。教学艺术不仅将教学引入审美的境界，而且赋予教学无穷的魅力，焕发师生学习和创造的激情。艺术化的课堂教学必定是一幅“教师青春常在、学生如沐春风、课堂春意盎然”的绚丽画卷。 艺术化教学首先能够淋漓尽致的展示艺术的美和艺术的本质。艺术的东西、美的东西，如果不能用美好的方式和手段去展现，虽然内在的美本身不会被打折，但是美却不能淋漓尽致的展现出来，学生所领略到的美就不完全。其次，艺术化的教学能够提高教学质量，让教学方法达到最高层次，实现教学的最优化。教学艺术是一个不需要增加学习时间、教师数量和设备，甚至不增加教学的内容，就能优化艺术教学的效果的方法，同时实现教学的最优化。我们可以这样打个比方:教学的效果是教学内容和教学艺术的“乘积”，即便教学的内容丝毫不变，只要教学艺术化程度越高，值越大，则“乘积”（教学效果）就会（越）大。阎增武在《浅析教学过程中的审美感》中认为：“教学艺术是通过诱发和增强学生的审美感以提高教学效果的手段，这种手段的运用能使学生在有益身心健康的积极愉快的求知气氛中，获取到知识的营养和美的享受。” 勿庸置疑，教学存在美。教学的美使学生愉快、激动、向上，使教师获得成就感和满足感。因此，教学美可以使教学生动活泼，情趣盎然，教学效果也会很好！朱作仁等编写的《教育辞典》中指出：“教学艺术是能够达到最佳教育、教学效果的各种知识、条件手段和方法的综合。” 其次，艺术化教学能够做到以美引入，以情感人，情景交融，形声并茂，让学生在美好的学习气氛中，获得学习的愉悦。在艺术教学中，艺术化教学必然体现美学特征，给人以审美感受。教师通过艺术作品的生动形象和艺术感染能力，使课堂形成一种感情和艺术气氛，创造最佳效果，学生则以主动愉快的心情，在审美中接受知识，并从教师的教学艺术和感知生动的艺术形象中接受潜移默化的艺术感染和熏陶。凡是具有艺术性的东西总是具有美感的，即有非凡的魅力，能够感染人、愉悦人，能够让人倾倒、迷恋。艺术领域内的教学一旦具备了艺术性，经过教师的精雕细琢形成一种美的形象和手段，就能让学生由厌学变成好学、乐学，在课堂学习中乐此不疲，在愉悦的气氛中如沐春风。教师通过创设美的情景，酝酿美的情感，挖掘美好的感觉，置学生于一种情感激发、陶冶的气氛中，使之感动、愉悦，从而转化为强烈的学习动机，获得最佳的学习效果。 《礼学*学记》中讲：“善学者，师逸而功倍”，这就是教学艺术的体现。而在教学中，如果没有艺术的教学，学生没有置于美好的学习气氛、没有受到感染、没有得到学习的乐趣，就失去了善学与乐学的基础和前提。与此相对，在艺术化教学中，教师把自己的知、情、意融入教学中，构建创造了一个美的教学环境，使教学达到激情洋溢、生机勃勃、意象情思纷至沓来、愉快轻松的感觉不可遏止的最佳教学环境。 三〉艺术教学和教学艺术的关系 教学艺术和艺术教学是是手段和目的的关系。艺术教学的主体内容是艺术，蕴含着美的作品，艺术教学是展示美，传播美的教学，艺术教学蕴涵着丰富多彩的生动活泼的艺术元素，这些艺术元素如果没有最合适的形式，没有最佳的传播方法，就不能由教师的一端传向学生的另一端。而教学艺术是教师按照美的规律进行的教学，它用美的方式将美的内容展示得淋漓尽致，而且将教学引入审美的境界，赋予教学无穷的魅力，实现艺术教学的教学目标。可以说艺术教学和教学艺术一个是目标，一个是实现目标的有效方法和手段。艺术教学需要展示美，教学艺术的过程不仅展示了艺术的美，也展示了教学的美，艺术的美也在艺术化的教学中得到升华。 艺术教学和教学艺术的另一种关系，我们可以概括成包含与被包含的关系。艺术化教学也是一种艺术，一种教学领域中的艺术。从构词逻辑看，教学艺术，教学的艺术，教学艺术是归属艺术的。人们通常所指的艺术具有相对独立的自身形态，如文学、音乐、绘画、雕塑等。虽然教学艺术不是此种意义上的艺术，但是教学艺术同样具备艺术的特征，教学艺术是一种不能脱离审美本质的艺术，是一种具有个性、创造性、主体性等审美特征的艺术。展示教学的方式的美，本身就是一项必不可少的艺术教学的内容，而且，艺术教学中，教学若无艺术性，不但艺术的美不能展示，教学方式也就成不了艺术教学的内容。 四〉教学艺术的困境 艺术领域内的教学艺术问题是不容乐观的，主要问题一是艺术教师对艺术教学本身认识不足，二是艺术教师缺乏教学艺术的意识和能力。审美本质是教学艺术的灵魂，艺术的审美特征也必须贯穿在整个教学当中。艺术教学当中，艺术的审美性质和审美特征在教学的内容和教学的形式上都应该有所表现。而在具体的教学当中，对于艺术教学领域内的艺术化教学有许多种误解，这些误解散见在整个教学当中。比如有：误解一：想当然地认为在艺术领域中的教学由于所教授的内容是艺术本身，那么教学就自然而然、也毋庸置疑地具备了艺术性，艺术教学也就是一种艺术化的教学。即便教学的形式没有遵循美的规律、教学的形式没有贯彻审美的本质，教学的艺术性也丝毫不会有所减少。误解二：教学的内容具备了审美特征，艺术教学中的教学内容就一定实现了艺术性，就符合艺术教学艺术化的要求了。艺术教学内容的选择不需要考虑学生的艺术欣赏水平和审美心理特征，教学内容的艺术性不需要考虑整体内容的整合，也不需要考虑所选的教学内容在教学当中的最佳顺序和比例。误解三：艺术教学中必须注重艺术技能教学目标、可以忽略艺术欣赏教学目标；在艺术欣赏教学中，只需要完成对艺术形式的欣赏，不需要加强艺术精神的领略、人文知识的学习等等。 所有的教学都是以一定的教学思想和观念为基础的，如果教学思想、教学方式、教学手段和教学研究滞后，那么教学就不能适应新时代的需要，同样，艺术教学也就跟不上时代的步伐。艺术教师对艺术教学本身认识不足，对艺术教学的目标和艺术价值的片面理解，直接导致了艺术教学没有突出艺术审美特征、缺乏艺术性！其主要的、突出的问题是艺术教学中只注重艺术课程的外在价值，而忽略艺术的内在价值和本质价值——审美价值，只注重艺术非审美的体验（知识、技术、历史、思辨）而忽略审美体验（联想、想象、创造、情感），漠视艺术在开发潜能、培养创造力、完善人格、美化人生等方面所起到的不可取代的作用。同时，艺术教学依然遵循传统的教学模式、教学理念，方法陈旧，停留在“教书匠”的水平上。在艺术教学中，一些过时的、保守的、封闭式的教学观念，严重的束缚着艺术教学的手脚。我国传统教育观念陈旧、方法落后、弊病众多，在教学目标上偏重艺术知识技能的传授；在教学内容上注重单一、高深、繁难的知识技能，没有向学生提供能够拓展视野的丰富多彩的艺术文化知识；在教学形式上长期停留在单一枯燥的形式上。长期以来，教学过分地强调整齐划一，强调共性，漠视个性，强调统一，无视差异，无形之中扼杀了许多颇具创新、颇有建树的设想；教学中处处充斥着刻板的程式、机械的灌输、单调的训练。我国传统教育基本是灌注式教育，在灌注式教育中，衡量学生好坏的唯一标准是对知识的掌握。艺术教育是与灌输式教育是水火不相容的。但是由于人们缺乏正确的认识，艺术教学在一段时间内成为灌输的俘虏，教师一味要求学生掌握技巧，耗费了学生许多时间和精力，却事倍功半。这种艺术教学从根本上违背了艺术本身的精神，学生在学习中领略不到学习的乐趣，享受不到美，感觉不到愉悦，整个课堂死气沉沉，呆滞僵化，没有活力和生机。 缺乏对艺术教学的认识，同时忽略对体系中的新教学思想、教学观念和方法的研究，直接导致了艺术教学的水平停滞不前。而在具体的教学当中，运用艺术化形式教学的能力不高，也直接导致了艺术教学的非艺术化。正确把握、运用教学的方法和艺术性，是教学中至关重要的。在艺术领域内，要求艺术教育者既是教育家，同时也是艺术家，艺术教学更需要艺术教师具备艺术家和教育家的双重素质，能够将教学和艺术两者融会贯通，将艺术的手段和形式融入教学当中。 我们都知道，一个专业技能很强的演员，并不一定是一个称职的教师，因为它可能缺乏教育知识和教学能力。同样，一个具备非常丰富的教学理论的教师，如果对艺术的本质不了解，对艺术的领悟能力不高，在艺术教学中也是不会称职的。因此，一个合格的艺术教师的教学技能包括两个部分：艺术化教学的能力和艺术能力。只有在教学中将这两部分相交融和才能共同构成艺术教师的教学技能。 本论 一〉艺术教学内容的艺术性 艺术教学从本质上来讲是一种审美教学，这就在本质上决定了在艺术教学中必须以艺术为主，艺术教学的教学内容必须具有审美特征、审美价值，教学内容构成的主体应该是体现艺术审美本质和艺术精神的。艺术教学所选择的作品的内容必须是美的，只有美的内容，才能体现艺术的本质，才能让学生得到美的熏陶，才能引导学生置身美的艺术境界，才可以培养学生健康的、高尚的艺术品位，才能提高学生美的感悟能力，达到高层次的艺术鉴赏水平。 当然，并不是教学的内容具备了审美特征艺术，教学中的教学内容就一定实现了艺术性，就符合艺术教学艺术化的要求了。我们举一个非常通俗的例子：中学课堂上的艺术教学，所教授的内容是专业化程度很高的艺术知识，老师讲得津津有味，学生却听得一头雾水。这样的教学内容虽然突出了艺术的美和艺术的审美本质，但由于不符合学生的艺术欣赏水平和审美心理特征，我们就可以说这样的教学内容是不具备艺术性的。基于这样的认识，我们认为：教学内容构成的主体应该是体现艺术审美本质和艺术精神的，所选择的内容要求是艺术的，同时内容的整合和组织也要求具备艺术性。在教学中，首先要选出符合学生心理特征与艺术审美水平的艺术作为教学的内容，同时这些艺术的内容又必须经过筛选、整合。在这个过程中，必须注意内容取向的多样性和综合性，使其成为教学中适宜而经典的成份。因此，教学内容的选择和整合也必须具备艺术性。除此之外，组合这些适宜而经典的内容，让其在教学中具备最佳的顺序和比例构成也是教学内容具备艺术性的一个方面。 在艺术教学中对教学内容上的把握，艺术教师必须同时把握好下面几个方面： 第一个方面：教学内容的主题内容必须突出艺术的审美本质和艺术特征。 突出艺术的审美本质和艺术特征一方面可以来源于艺术精品，另一方面可以来源于自然和生活。 艺术教学必须充分利用中外一切优秀的、具有经典性的艺术文化遗产，把经典的艺术引进学生的课堂，选择具有代表性的经典作品。经典的艺术作品具有经典性和永恒性，在艺术形式上、技法上是优秀的，同时“它往往反映人性最深处、最本质的东西、代表了一个时代、一个民族、一个地区的最高成就，所以能经得住历史的筛选和考验”。（《艺术课程标准解读》98页）因此，其中所内涵的精神是一笔不朽的精神财富。在艺术教学中，把古今中外经典的艺术遗产融入课堂教学，并引导学生充分接触和感悟经典的艺术，细细体会，品味其中所蕴含的生命力、所凝聚的艺术魅力，学生课堂和生活就有了重要的文化养分。 艺术教学的内容，可以来源于生活，来源于大自然。把现实生活和大自然的美引进学生的学习当中，既可以让学习的艺术形式更加丰富多彩，还可以让学生更贴近艺术的源泉。十九世纪法国著名的艺术家罗丹说过：“美是到处都有的，对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现”。艺术中的美经历了人类的高度概括与提炼，融入了人类鲜活的个性和充满智慧的创造，是高于生活和自然的。但是艺术的源泉是大自然，大自然中的色彩、声响、形状甚至动态等都是艺术形成的基础，都是艺术美赖以生存和提炼的源泉。一位学者说过：“如果一个人看过蚂蚱，抓过蛐蛐，挖过蚯蚓，摸过鱼，那他对人类和大自然的感觉会完全不同”，他眼里心里的艺术形象也会更加鲜活和动人。现实生活中的美和大自然的美是艺术的有利根据和根源，在教学中引进大自然中的美，让学生扎根于艺术的源泉，学生形成的艺术感觉就会更真实、更鲜活，审美愉悦的实现就更容易做到水到渠成。 第二个方面：艺术教学尚未真正树立起“以学生发展为本”的教育理念。在课程结构和教学内容的选择上，无视学生心理与生理的需求，很少考虑学生的认知过程中的心理顺序，这是教学内容缺乏艺术性的体现。教学内容的选择必须符合学生心理特征与艺术审美发展水平，遵循学生的心理活动规律和认识规律，本着以学生发展为本的原则，从学生的兴趣、能力和需求出发，结合学生的生活经验，遵循学生生理、心理以及审美的认知规律，提供学生感受艺术、表现艺术、创造艺术以及学习艺术文化知识的机会，为学生终身学习和艺术素养的发展奠定基础。 第三个方面：教学内容选择和整合的综合性。艺术教学本身就是一种美的艺术创造实践，这种实践不是封闭的，而是开放的，不是单一的，而是多元的。艺术在自身的发展中，不断经历着分化和综合的过程。每个艺术门类以及其中的各种样式，都是一个个开放的体系，而不是各自闭关自守的领地。只要具备一定的条件，它们都会从其它艺术中吸取营养，甚至同其它艺术结合起来而创造出新的艺术品种，以丰富和发展自己，并使得整个艺术体系得到发展。（《艺术概论》186页） 艺术教学的内容的组合要注意体现综合性、融合性的原则。艺术的多元化和艺术风格的多样化，也为艺术教学追求教学手段和教学内容的多元化、多样化提出了要求，并提供了条件。而且“不同的艺术门类之所以能够相互结合在一起，首先是因为它们有着共同的本质。也就是说他们都是客观世界在人的意识领域的审美反映，都是以感性形象反映世界。这是他们共同的“基因”，是他们能够相互联系和融通的根本原因。” 美国著名的音乐教育家雷默提出了“综合审美教育”这一概念。他认为：每种艺术都有自己的主要要素，音乐中有旋律、和声、节奏，绘画中有色彩、线条、质感，诗歌中有比喻、形象、韵律，如此不一而足。每一种艺术都可以借用其他艺术的要素，再与自己的领域同化，同时许多艺术又，还可以借用非艺术的要素，艺术地加以运用，转化成表现素材。 同样在《艺术标准解读》中所说：“由于社会对具有艺术素质的综合型人才的渴求，促使艺术教育自身也不断向综合的方向发展，形成各学科之间相互交叉、渗透和综合的大趋势。不仅音乐、美术、戏剧、舞蹈、影视等不同艺术门类开始以生态的方式交叉和融合，美学、艺术批评、艺术史、艺术创造等不同领域间也开始相互渗透。”美国部分学校的艺术教育采用了把各种艺术学科结合起来的综合艺术教学形式，即利用绘画、音乐、舞蹈、刺绣以及其他不同的艺术的共同点和不同点去启发学生。 艺术教学内容上的融合可以从两个层面上把握：一个是艺术和非艺术门类之间的融合，另一个是艺术自身各要素之间的融合。艺术教学要注意发掘艺术各门类的文化内涵，加强姊妹艺术之间和其他相关文化的联系。艺术教学是一个与姊妹艺术及相关文化相互联系与渗透的教学。艺术教学可以把相关艺术门类的艺术特点结合，进行知识整合；可以把视觉艺术听觉艺术触觉艺术等融为一体。霍斯曼曾这样说过：“一个不需要增加学习时间、教师数量和设备、却能扩充艺术课程的方法”，就是使整个艺术教学课程一体化。这种教学强调所有艺术之基础的、共同的东西，即艺术的审美性、创造性、表现性的东西。艺术教学可以把视觉艺术、听觉艺术、触觉艺术等融为一体。 艺术教学可以同其他学科，或者是个艺术门类之间相互交织在一起，这样可以相互增强活力，否则艺术教学将是贫乏的。提倡艺术教学内容的融合和综合性发展，是对传统艺术教学观念的一大突破，是我国教育改革深入发展的一大成果。 著名的德国音乐家舒曼说“有教养的音乐家能够从拉斐尔的圣母像得到不少启发。同样美术家可以从莫扎特的交响乐获益匪浅。不仅如此，对于雕塑家来说，每个演员都是静止不动的雕像，而对于演员来说，雕塑家雕塑的作品又何尝不是活跃的人物？在一个美术家的心目中，诗歌却成了图画，而音乐家则善于把图画用声音体现出来。”（《舒曼论音乐与音乐家》第148页，人民音乐出版社1982年版） 在教学中，利用现有的教学内容，需要再组织一些延伸和拓展的材料，形成结构化网络化的教学知识。第四个方面：教学内容顺序和比例的合理设计。 在当前的艺术教学中，教师往往采用单一的教学手段，单线条的设置教学的程序，而并没有从多维的角度来考虑教学的目标，立体的设计教学要包含的内容。 为达此目的，教师应当具备很强的分析教材和组织教材的能力，对所选择的内容能够控制有度，既要放得开，选取丰富多样的教学内容，又要能收得拢，做到重点突出，言之有物。这样再根据内容选用恰当的教学手段，就能使课堂教学生动，特色突出，取得良好的教学效果。 同时，教学程序是教与学之间形式和内容安排的和谐组合。具备渐进性、创造性和突破性的组合，能够激发学生学习的自然性和主动性，使得学生能够由浅入深的领悟美，并能触类旁通，富有创造力。 所以好的老师，要将教学内容合理搭配，给不同深度、不同方面的教学内容分配合理的比例，并使各部分内容保持合理的出场顺序，从整体上把握教学内容的艺术性和完整性。 二．教学方式的艺术性 在艺术教学中，教学的内容应该是体现艺术审美本质的，教学的方式也应该遵循艺术的美的规律和审美特征，使得艺术教学本身艺术化、审美化，让艺术教学这一行为和过程具备艺术的美，同时也让其本身成为一种美的艺术。因此在教学实施中，艺术教学在具备各门课程教学所具备的教学艺术的同时，更应该强调艺术教学所特有的教学艺术。基于这个原因，本文从一般课程的教学艺术和艺术课程所特有的教学艺术两个方面来陈述。首先，针对一般课程所应具备的教学艺术，简单阐述了教学意境的艺术性、教学节奏的艺术性、教学空间的自由性；其次，阐述艺术教学特有的教学艺术：一方面根据艺术教育的审美规律，主要针对艺术主体性、形象性、创造性、情感性等审美特点提出了艺术教学的个性化、艺术教学的直观性、艺术教学的即兴创造性、艺术教学的情感艺术；另一方面遵循艺术美学原理，主要针对艺术审美心理特征提出艺术教学的距离美、艺术教学的移情美。 一 教学意境的艺术性 意境是一种艺术境界，是一种在思想感情上极富感染力的艺术效果。艺术教学中教学意境的营造能将学生带入一个美的境界，让学生置身在美的情韵和诗意般的境界中。具备意境的教学是一种具有艺术魅力的教学，这种教学让学生在课堂上始终充满激情，保持愉快的心情和审美愉悦。艺术从来就是一种充满情感和美感的东西，在艺术教学中，遵循艺术的审美特征，就可以营造出艺术化的教学境界。具备艺术性的教学意境，应该是一种景真、情深、意切，情景交融的意境，这是一种以“实”情实景营造的教学意境。除此之外，在艺术中常用“艺术空白”的引导和启发下，我们以“空”代“实”，同样营造出一种高层次的教学意境。 情景交融的教学意境 情景交融的教学意境在教学中处处洋溢着美和迷人的魅力，其实现的前提首先是有“情”也有“景”，然后再实现情与景的交融，构造出景真、情深、意切，情景交融的美妙境界。 这种意境的实现，可以说是需要将视觉效果、听觉效果甚至触觉效果融合在一起方能达到。在艺术教学中，我们可以这样去促使情景交融的教学意境的形成。在教学语言上，用散文化的言语去描述对象。散文化的语言是一种美丽的、富有诗意的语言，她能真切而细腻地表达出人内心美妙而短促的思绪和情感，同时其中蕴涵的袅袅流动的韵味和激情可以将学生带入一种美的境界，让学生获得美的愉悦和情韵；在教学表示上，用美丽的画面展示对象，画面是静态的、固定的、明晰的。流动的音乐是一幅流动的风景；流动的风景以线条、色彩的形式停留下来，就构成了一幅美妙的图画。艺术的形象以图画的形式凝固，静态的图画展示着流动飞扬的情感。艺术教学把听觉艺术和视觉艺术融为一体，引发学生的审美想象和审美愉悦服务。美丽的图画、流动的风景、诗意般的言语融入着教师的情感，同时带动着学生的情感，一种情景交融的教学意境展示着美的空间和深远的意蕴，也将学生引入美的艺术境界之中。 “空白”的教学意境 空白艺术是美学史上一个重要研究范畴，“空白艺术”的渊源可以追溯到老子《道德经》中的八个大字“达音希声，大象无形。”在老子看来，无声是最美的声音，无形是最完美的形象。中国画家常常用“空白”来藏境，空白是构思立意的一部分，是集中、提炼、概括的结果，是创造意境必不可少的，它留下联想、想象的余地和空间，可以表达更多的东西。 在艺术教学中，运用“空白”来营造一种教学意境，是教学艺术化的表现。 艺术作品留下的空白，并非空无一物，它是以空显示实，由实而空，“空”正是情感充盈的艺术空间，是作品的艺术内含所在，清代袁枚在其《随园诗话》中对艺术之“空”有这样的论述：“凡诗文妙处，全在于空”。空白艺术就是对那些能够引起激发人们想象的地方进行画龙点睛的提示，通过暗示和隐语将真正艺术想象的空间及其作品所要直接表达的真正艺术内含和意蕴留给欣赏者，接受者，以最少的笔墨从侧面间接而不是直接地展示作品的艺术魅力。 在艺术领域中，空白的运用是很受青睐的。空白的运用是为了更好的表达作品的蕴涵和思想情感，驱动想象和情感的驰骋。因此，在教学当中，教师更应该尊重这种空白的存在，切不可枉自聪明地去填补。空白艺术正如道家的无为之无，这无并非空无之意，而是“无为而无不为”，突破了时局局限的“意无所制”，其范围更加广泛。在教学中运用空白营造教学的意境，以“空白”诠释“空白”，可成就一种超越的教学艺术。 有人把空白的艺术称作是“召唤”“空筐”的艺术，认为空白可以召唤学生发挥其潜在的创造力，空白为学生打开了一个个空筐，等待学生用自己的思索和想象去填充。艺术空白营造的教学意境可以让学生在空白中驰骋自己的想象，进行再创造以获得完整的美感。不同的学生完全可以“各取所需”，在艺术的想象空间创造美妙的形象，获得美的享受，而教学中的“空白”因此可能变得非常的丰富和异彩焕发。艺术化的教学意境应该有意无意的设计许多境界空灵，意趣无穷的艺术“空白”，让学生去补充和创造，让其在自己的创造中获得最大的艺术享受。 在艺术教学当中，运用空白艺术营造教学意境可以学习国画中“计白当黑”之法，音乐之空白的“休止”之法，雕塑中断臂的维纳斯雕像，诗词中“不着一字，尽得风流”的做法等等。除此之外，艺术教师还可以运用沉默来达到艺术空白美的效果，实现艺术化的教学意境。在教学中用来“布白”的沉默，不是没有内容、空洞无物的。空白，虽无，却有，似无，却又可见；沉默虽无声，却奔涌着情感。它能使人想到“象外之旨”“弦外之音”“境外之物”，它具有一种无限性。“沉默”这种无言无语的“空白”，胜过了明白直露的千言万语，富有极强的艺术感染力，正如白居易《琵琶行》中“此时无声胜有声”的境界，只可意会，不可言传。 二 教学节奏的艺术性 节奏是自然界和社会生活中一种普遍存在的方式。音乐要有节奏，诗歌要有节奏，平仄相间，动静相间。美学家朱光潜说：“节奏是一切艺术的灵魂”。一张一弛，文武之道，是课堂教学的一大艺术。艺术教学在课堂教学中讲究教学的节奏性，体现了教学的艺术化。艺术教学节奏是指教学活动的组织富有美感的规律变化，给人以艺术的享受。 在教学中，不能不追求教学节奏的艺术性。首先，教学本身就是一门艺术，需要遵循艺术的本质和特征，因此不能不注意教学节奏的协调。艺术教学的教学过程应该像奏乐一样，按照主旋律，曲调抑扬顿挫，音节疏密相间，节奏明快相联。其次，追求教学的节奏美，让教学过程中各要素有秩序、有节拍、有动律的变化，会使教学节奏呈现出一种明快、生动的韵律之美、流动之美。这种美有利于学生学习和创造，有利于学生心理健康和身心健康的发展，又能这种美能够感染学生，让他们受到美的熏陶，也有利于师生间思维与情感的沟通交融，达到优美和谐的境界。再则，教学中要增强感染力，提高教学的效率，就不能不注意教学节奏的协调。具备节奏美的教学可以吸引学生的注意，激发学生的求知欲，促进思维发展，提高课堂效率，使课堂生机勃勃，优质高效。实践证明：凡是课堂教学效率高的教师，必定是善于控制教学节奏，或有张有弛，张弛得法；或有密有疏，疏密得法；或有高有低，错落有致；或新颖多变，起伏和谐。课堂教学能否具备鲜明的节奏感，是提高教学效率的关键之一，也是衡量教师课堂教学成功与否的重要标志。 在把握教学节奏上，最重要的是教学的节奏应该遵循学生学习中的心理特点。教师要善于根据学生的认知规律，科学地安排教学程序和时间。心理学研究认为：青少年的认知节奏和生理节奏像潮涨潮落一样呈现出波浪式状态。教师只有遵循学生生理特点和心理规律，以曲线式的节奏推进教学，设置课堂教学的若干“浪峰”“波谷”。巴甫洛夫高级神经活动学说中这样认为：人脑接受刺激引起的兴奋点如果不断转移，那么相对来说人就不容易感到疲乏，反之，某一兴奋点持续活动，就容易由兴奋转入抑制，同时抑制还可以扩散，一旦出现这种现象，人脑就会出现困倦乃至睡眠状态。教学中节奏的艺术性可以让学生解除学习的卷怠感和单调感，使学生在课堂上也能回归精神的“自然保护区”。美学大师朱光潜说：“人用他的感觉器官和运动器官去应付审美对象时，如果对象所表现的节奏符合生理的自然节奏，人就感到和谐而愉快。” 一堂课平铺直叙，没有起伏，没有跌宕是缺乏节奏艺术的表现；课堂上始终紧锣密鼓，不留一点空闲，不留一点空白实际上是一种没有节奏的课堂；课堂上教学气氛松散平淡，杂乱无章，课堂气氛压抑，沉闷也是没有节奏美的表现如此不一而足。在这样的课堂上，学生自然觉得枯燥无味而昏昏欲睡，正如）著名特级教师于漪说：“如果40分钟都是一个调子，平铺直叙，像流水般地淌，学生也会感到乏味，打不起精神。”。 那么，课堂教学中如何把握艺术化的节奏呢？在教学中，通过动静搭配、张弛交错、疏密结合、起伏有致等多种对比和转化，形成强烈的节奏感，并和学生的心理节奏像切合引起共鸣，产生美感。 动静搭配：动，应该是有控制、有节律、有针对性地对问题的研究，而不是杂乱无章、随心所欲的；静，是指教学过程中学生积极的思考，认真的钻研，而不是一潭死水般的沉寂，而是在酝酿一个成熟的见解，是一种“此时无声胜有声”的恬静美。艺术教学中，教学的节奏应该是静中有动，动中有静的和谐统一。 疏密结合：（空白）密的地方要求教学内容的容量较大，教学速度较快，用紧张的节奏要求学生集中注意力，思维敏捷，反应迅速；疏的地方要求教学的内容较少，教学的速度比较平缓，同时留给学生的空间大，自由思索的余地大。“疏可走马，则输出不是空虚，是无长物，还得有景，密不透风，换得有立锥之地，切不可让人感到窒息”，艺术教学中疏密结合要求是宽松而不涣散、严谨而不威慑的和谐统一。 张弛交错：一张一弛，文武之道。在艺术教学中，教学节奏也应该是有张有弛有起有伏的和谐统一。所谓张，就是紧张、急促；弛，就是轻松、舒展、宽松，张与弛既是对立的，又是统一的。张和弛如果没有得到有效的统一，教学中要么会显得平淡无奇要么，不能突出波澜和高潮，整堂教学就陷入没有弹性，没有张力的状况；只有有张有弛，张弛交错才会既有“大弦嘈嘈如急雨”，又有“小弦切切如私语”，相得益彰，韵味无穷。 三 教学空间的艺术性 艺术教学需要营造艺术化的教学意境，同时也需要给学生留一个艺术化的空间，一个自主、自由的空间。 1．自主的空间 人作为独特的、精神的主体，有形成自我的本能，也一直在成为他自己的过程中表现出自主性。人的自主性表现为他可以产生自己的情感、形成自己的思维、决定自己的行为，不断地在自知自觉中把握世界、形成个人主体生命的意义，在确定自己的行为当中主动积极的形成自己、完成自我。 德国的卡西尔用“人是符号的动物”来解释人的自主性，认为人是一种能以符号的形式来解释世界的动物。艺术便是符号中最生动的一种，人类在不断地通过艺术的形式体现着人的自主性、也发展着人的自主性。艺术来源于生活，又高于生活，是因为艺术融入了主体的呼吸和生命，融入了生命主体完成自我、超越自我的行为和过程。“艺术作品之所以源于生活而又高于生活，就是因为艺术创作主体对生活原料进行了创造性的选择、提炼、想象、虚构，并在其中渗透着自己的认识和评价，从而表现出自己的意愿、情感和审美理想。因此，艺术作品融入了主体的呼吸和生命，体现了对生活的新发现和审美的独特建构；艺术创作活动是凝聚了创作主体的全部心血的、个性化的、能动的、艰辛的创造性生产过程。”（--《艺术概论》第277页）在艺术创造和艺术作品之中，艺术家都毫无例外地表现出他们的主体能动作用和主体个性。 在艺术教学中，需要留给学生自主的空间，一是由人的自主性特性所决定的，二是由艺术的主体性特征所要求的。在艺术教学中，教学的内容始终是艺术，只要有艺术存在的地方，艺术的审美本质和艺术的特征就会毋庸置疑地跟着存在。在艺术创作全过程中，艺术家这个主体起着决定性意义，在体验艺术家这个主体所释放出来的意蕴时，学生这个主体毋庸置疑同样起着决定性的作用。艺术教学可以说是主体与主体之间交流的过程，教师的主体和学生的主体、作品包含的主体和学生的主体都应该处在不断地交流和融合之中。 在艺术教学过程中，学生并非是被动的、消极的、不做任何变动的适应。人都有自己的主体性，能够主动地、创造性地接受。教学的过程实质是学生的认知过程，学生的学习是有意识、有目的的自觉行动，离开了学生的这个主体，教师的主导作用就会落空，教学内容和教学手段也就失去了存在的价值。学生认知的目标最终要依靠学生的主观能动性才能完成。在艺术学习中，学生在欣赏、创造等过程中，感受、领悟、审美都是要通过自主的活动才能完成的，离开主体的能动性，教师传递出去的知识就得不到学生的接收和内化。 教学中，应该淋漓尽致地发挥学生的主体作用，给学生以发现、探索、创造的自主发展的空间，使其充分施展个人能力，由学习的奴隶变成学习的主人，这既是我国教育改革的目标，也是我们不断追求的教学艺术。 2．自由的空间 “在艺术活动中，人们并没有在主观上带着掌握世界的功利目的，但却足以在享受到精神自由状态所带来的愉悦和惬意中掌握了世界，可见，艺术是具有自由品格的。正是艺术的这种自由品格，使得人们在艺术审美活动中，能够细腻而充分的体验自身的情感和想象，从而达到各种心理机能和谐统一的自由境界。”《艺术教育论》p3艺术是一种情感自由的、自主的表现，创造艺术、鉴赏艺术是人追求美、追求自由的象征。人在自由创造中发展了艺术，酿造了美，而美的根源也落在了人的自由创造之中，正如杨辛教授在《艺术美学原理新编》中所作出的结论：“美的最终根源在于人的自由创造”。（《美学原理新编》第19页） 艺术教学作为一种以艺术为参照对象的教学，必须体现艺术的特征，自由性是艺术的审美特征之一，也是教学所应该突出和遵循的；同时教学作为一种自由活动，与其他各种艺术活动一样，需要体现出人类的精神、意志活动的自由性，必然要以自由性为其特征的；而且对于艺术主体来说，追求精神世界的自由是最高境界，将自身从自然和社会必然性的束缚中解放出来，获得精神世界的自由，是艺术家甚至全人类的追求。庄子就是追求自由生活的典范，他不断地以自由的方式追求人的全面发展。 自由自觉的活动是人类区别于动物的最根本特性之一，也是艺术美的最终根源。康德认为，自由是艺术的精髓，各种“自由活动”或“自由游戏”均具有审美价值，美感是自由的结果，比如他认为诗是“想象力自由的游戏”，音乐是“感觉自由的游戏”，自主活动是解放人的手段，能给每个人提供全面发展和表现自己的、内在的全部能力的机会，这种自由活动本身就是一种快乐，不仅包含着丰富的艺术性，而且能给人真正的美感。20世纪西方人本主义学派的主要代表人物卡尔罗杰斯认为每个人只有在自由的气氛中，才能通过彼此真诚的自我表露实现相互的承认和接受。 在艺术教学中，审美是令人感到解放的，观照是自由的。课堂上给予学生一个自由的空间，让学生的主体能动性得到充分的发挥，让主体生命和自我得以实现。自由不是随意、任意，而是包含了一种解放，一种畅怀的宣泄。这种自由的情绪状态使人的感知、回忆、想象诸功能充分的调动起来，无障碍的运动，这种自由能够激起身理器官正常的运转。自由的环境才能让学生无尽地畅想，畅所欲言，自由的氛围才能让学生在不由自主当中解放自我，让生命的激情得以释放，让生命得以张扬。没有束缚，没有捆绑，因自由而舒畅，因自由而愉悦。因此在艺术教学中，以给予学生自由的空间来诠释、扩展艺术作品所包含的自由空间，是必然的，也是必不可少的 艺术硕士论文:传统民间艺术的硕士人才培养路径 摘要:文章以传统民间艺术为出发点，分析了高校艺术类硕士人才培养方面面临的一些问题，进而构建艺术硕士人才培养模式。通过建立一批真正双师型教师，将传统民间艺术整合到艺术类课程体系、教学方法、民间艺术活动、研究生思想政治教育、民间艺术创业实践等环节中，培养适应社会需求的应用型艺术人才，以期为高校艺术类硕士创新教育提供参考和借鉴。 关键词:传统民间艺术;艺术类硕士;人才培养 十八大以来，同志对继承发扬中华优秀传统文化发表了一系列重要讲话，他认为“要认真汲取中华优秀传统文化的思想精华和道德精髓”、“中国传统文化博大精深，学习和掌握其中的各种思想精华，对树立正确的世界观、人生观、价值观很有益处”、“把继承传统优秀文化又弘扬时代精神、立足本国又面向世界的当代中国文化创新成果传播出去”等等。同志的讲话深刻揭示了继承和弘扬中华优秀传统文化的重要作用，它对激发学生的爱国主义情怀和弘扬社会主义核心价值观有重要的意义。近年来，随着各类新兴艺术的日新月异、飞速发展，作为一种优秀的传统文化民间艺术在时代的浪潮中被人渐渐地遗忘，没有大众关注、没有观众去欣赏而无法传承，民间艺术正遭受着严峻的考验。[1-2]因此，要真正做好优秀传统文化民间艺术的研究、保护和传承工作，高校育人是一个重要途径，从高等教育做起，将传统文化教育纳入到高校艺术类硕士人才培养体系中，用教育串起中国传统文化的珍珠，如何将传统民间艺术与人才培养体系相结合，是目前亟需研究的课题。 1构建高校艺术类硕士人才培养模式的必要性 1.1高校人才培养模式已经无法与社会发展相适应 近年来，随着全国各大高校不断扩招，我国高等教育由精英教育逐步向大众化教育发展，艺术类招生规模迅速扩大，在此背景下，一般高校人才培养存在着一些弊端，已经无法与现代社会的发展相适应，比如：人才培养体系门类比较单一、教学方式和课程设置不合理、人才培养结构与社会需求结构失衡等。[3]艺术类研究生在学习和科研的过程中表现为思维活跃、个性独特、求知欲强、想象力丰富，而在此人才培养体系下已经不能满足研究生的学习欲望与需求，逐渐表现为与社会发展不相适应，培养的毕业生素质和能力不适应社会发展的要求，毕业生就业难或者就业适应期较长，需要花费很长一段时间适应才能顺利进入工作状态。 1.2高校艺术类硕士人才培养体系中忽视传统文化教育 在中西文化大融合的背景下，我国高等艺术类硕士人才的教育和培养偏重专业知识和实践技能训练，忽视传统文化的教育。长期以来，我们对传统文化物质和非物质文化遗产缺乏科学合理的规划，不重视对中国传统文化精髓的吸收，没有清理和发掘传统文化的积极内涵。因此，要真正做好优秀传统文化的研究、保护和传承工作，这要求我们从高等教育做起，将传统文化教育纳入到高校艺术类人才培养体系中，在教学、科学研究体系中加强传统文化教育。 1.3民间艺术的传承逐渐呈现后继无人的局面 民间艺术作品的完成需要花费的时间比较长，几个月甚至几年时间，能坚持下来的人不多，尤其是一些年轻人耐不住寂寞，熬不过艰辛，等不及作品产生收益；许多人不了解艺术作品，认为手工艺品很简单的手工，民间艺术作品能带来的价值还未能得到广泛的社会认可；现有手工艺人受客观条件所限，再创作力不强，不懂得打造自己的品牌，使得民间艺术很难出精品，严重制约其长远发展。因此，民间艺术被渐渐地淹没，民间艺术的传承问题普遍存在青黄不接、后继无人的局面，大量优秀的民间艺术资源正逐渐走向衰亡，急需要青年学子担负其这一重任。近年来，由于西方文化的冲击，不少学生往往对我们传统民间艺术不屑一顾，认为民间艺术是“土”的东西，不如西方“洋”的东西，使得研究生在专业学习中注重对西方文化技能知识的学习，而不愿从传统文化中寻找带有本民族设计的源头。 2基于传统民间艺术的高校艺术类硕士人才培养模式的构建 通过建立一批真正双师型教师，将传统民间艺术整合到艺术类课程体系、教学方法、民间艺术活动、研究生思想政治教育、民间艺术创业实践等培养环节中，构建新型高校艺术类硕士人才培养体系，培养适应社会需求的应用型艺术类硕士人才。同时，利用高等教育提升并创作民间艺术作品，使民间艺术进一步发扬光大。 2.1建立一批真正双师型教师 教师是教育的关键人物，直接影响到艺术类硕士人才培养质量。由于一些历史原因，艺术类教师和其他教师相比，学历水平比较低、外语能力普遍较差，这些严重制约了艺术类人才的培养。高校要培养真正的双师型教师，不仅要求教师在思想素质上有强烈的社会责任感和职业道德，而且在技能上掌握现代的艺术类教育方法，专业知识扎实，实践经验充足。才能培养出适应社会需求的应用型艺术类硕士人才。 2.2优化课程设置体系 现代社会对大学生的文化素质和知识结构的要求越来越高，在基础知识方面具备扎实的基本功，在课外知识和交叉领域也需要广泛的涉猎和储备。所以，在人才培养体系中改革课程设置，朝着有利于学生创新能力和综合素质提高以及培养学生的社会责任感的方向发展。为了更好地优化课程设计体系，更新人才培养理念是关键，充分认识和理解在大众化教育背景下，探索课程体系以学生能力为本位的人才培养新途径。然后，通过汲取传统民间艺术精髓，增加传统民间艺术课程到学生专业基础教育中，构建合理的课程体系。 2.3丰富教学方法 课堂教学是教学的基本组成形式，学生的社会责任感、创新精神以及综合能力的培养必须渗透到教学过程中。传统的教学只重视传授知识，不注重发展能力，按照一个模式培养学生，不利于对学生进行素质教育和创新能力培养。因此，需要丰富教学方法，由于艺术类专业的个性化、独立性特点，上课方式多样，不拘于课堂，在专业学习、参加科研项目、外出调研、研究创作等培养过程中较为独立，宜采用走出去的方式，即：出外民艺考察；出外民艺实践；出外民艺调研。 2.4开展民间艺术活动 文化育人真正进入高校艺术类人才培养领域，需要最大限度地利用校内外的各种资源，让学生在校期间接受民间艺术教育，既能激发学生的爱国主义情怀，又能充分挖掘民间艺术遗产，使中国的民间艺术遗产在中国的大地上得到传承和发展。民间艺术活动主要包括民艺讲坛、民艺讲座、民艺实践、民艺创作等形式。学生受益面比较广的一种方式是在校内定期举办一系列民艺讲坛、民艺讲座，拓展学生视野，提升学生艺术欣赏能力。民艺实践是指把最基层的民间艺人请进教室，让学生参与民间艺术创作，建立学生和民间艺术直面接触的体验平台。组织学生开展专题设计创作，增强学生对民间艺术元素的专业应用能力，开展以传统文化为主题的民间艺术设计比赛，增强对承载着民族情愫、民族灵魂和民族根基的传统节日文化的关注；鼓励学生以中国优秀传统文化为内容，用专业所长参与校园文化建设，使同学们在民间艺术创作中受到艺术熏陶，在对传统民间艺术弘扬和传承中得到思想道德的启迪。 2.5民间艺术融于研究生思想政治教育 思想是行动的先导，受外部环境的熏陶而潜移默化的改变，民间艺术恰好是研究生思想政治教育的一个重要载体。它是我国优秀的民间文化，其形式具有美感，且饱含情感，同时具有很强艺术感染力，在培养研究生的社会责任感、创新精神和实践能力等方面有着积极作用。因此，将民间艺术有效地融入到高校研究生思想政治教育中，[5]有利于唤起他们对民间艺术的记忆、了解和认同，有利于培养研究生的热爱和继承传统文化的思想感情，使他们成为传承和保护中国传统文化的生力军。 2.6创建民间艺术创业实践基地 民间艺术作品是一笔宝贵的财富，为了更好的保护传统文化，让传统文化长久地存活下去，最好的办法是让更多学生去了解他们，喜欢他们，并把民间艺术作为创业就业的载体长期发展下去。作为高等院校，创建民间艺术创业实践基地，[6]帮助学生提供更多的实习、见习岗位机会，多鼓励艺术生发挥自身专业优势，以文化传承为主旨，发扬民间艺术创业实践精神，服务地区经济建设，在各自岗位上施展才华。总之，无论是传统民间艺术的保护、传承与发展，还是高校艺术类硕士人才的培养，都是一个循序渐进漫长的过程，二者相互依存相互发展。因此，将传统民间艺术纳入高校艺术类人才教育中，不仅能形成对传统民间艺术的传承与创新，同时更能形成有效的人才培养路径，这对培养艺术类研究生的社会责任感、提高创新精神和实践能力都具有非常重要的意义。正如同志所言：“中华文明绵延数千年，有其独特的价值体系。中华优秀传统文化已经成为中华民族的基因，植根在中国人内心，潜移默化影响着中国人的思想方式和行为方式。 作者:唐丹丹 张莉 单位:郑州轻工业学院 艺术硕士论文:音乐艺术硕士培养模式探索 摘要：重庆师范大学以培养具有系统音乐专业知识，适应我国社会、经济、文化和音乐事业发展的高层次、应用型音乐表演、音乐创作等领域的专门人才为目标，探索出“人文综合素养+专业理论基础+艺术实践+创新创业能力”的音乐艺术硕士培养模式。为保障音乐艺术硕士培养模式的顺利实施，学院制定了有效的音乐艺术硕士招生模式，为师生搭建了校内外艺术实践与艺术科研活动平台，同时推行双导师制，校内外联合培养硕士。 关键词：地方师范院校；音乐艺术硕士培养模式；课程体系建设；双导师制 艺术硕士培养模式是指在现代艺术教育理念的指导下，为了实现艺术硕士研究生的培养目标，在培养过程中所采用的特定标准的构造样式及运行方式。艺术硕士培养模式是一个完整的系统，同时又具有泛型性，也具有一定的开放性。又因为培养模式是一个系统，所以它包含着一些固定的要素，即导向性要素（即培养目标）、组织性要素（即培养过程）、调控性要素（即培养考核）。因为培养模式具有泛型性，所以一经形成便可以为培养单位所遵循。但培养模式一经形成之后，同时也具开放性。也就是说，培养模式不是僵化不变的，培养单位应根据本单位的实际情况不断以开放和改革的态度探索适合本单位实际情况的培养模式。 一、重庆师范大学音乐艺术硕士培养模式的指导原则 重庆师范大学音乐艺术硕士培养模式的宏观指导思想是：“密切与音乐行业接轨，注重音乐艺术实践，突出音乐职业导向。”在音乐艺术硕士培养方案制定过程中坚持了以下原则：一是注重培养模式与行业标准密切接轨。学院邀请了遵义演艺集团艺术总监王小平、重庆高戈广告有限公司董事长阎旭、重庆市广播电视集团（总台）频道总监寇锦等业界精英共同制定培养方案，并参照相应行业标准设计课程模块。二是注重知识发展性与职业导向性的密切融合。艺术硕士专业学位教育具有学术性的价值取向，这是艺术硕士教育不同于一般意义的职业艺术教育的根本所在。艺术硕士教育培养的不仅仅是艺术行业精通技巧的从业者，而且是艺术实践能力和创新创业能力兼备的复合型高端人才。三是突出艺术职业岗位能力和艺术职业素养的培养。着力加强实践教学，课程设置中注重理论与实践相结合，增加实践学分权重。联合艺术创新实践基地，充分利用各基地的师资和硬件设施以及其他资源，培养学生的职业素养。 二、重庆师范大学音乐艺术硕士培养模式 音乐艺术硕士的培养目标是：培养具有系统音乐专业知识，适应我国社会、经济、文化和音乐事业发展需要的德、智、体、美全面发展的高层次、应用型音乐表演、音乐创作等领域的专门人才。音乐艺术硕士培养模式必须符合这一培养目标的需求。为了有效地实现这一培养目标，重庆师范大学音乐学院经过理论探索与教学实践，逐渐摸索出“人文综合素养+专业理论基础+艺术实践+创新创业能力”的音乐艺术硕士培养模式。在这一培养模式中，培养目标是导向性的要素，是培养工作的出发点和最终对培养工作进行检验的立足点。课程设置和教学安排是培养过程，也就是组织性要素。毕业环节则是对整个培养过程的最终考核，也就是调控性要素，通过这一环节检验所培养的学生是否达到了培养目标的要求。 （一）音乐艺术硕士培养模式的课程内容和教学安排 重庆师范大学音乐学院以音乐艺术实践能力培养为核心，基于“面向社会、服务地方需求、促进音乐事业繁荣发展”的理念，构建了“2+1”的课程体系，即理论课程、实践课程+行业实训，实践环节以课内实践、专题创作实践、作品展演、行业实训等多种不同的方式完成。根据艺术硕士教指委颁布的艺术硕士专业学位研究生指导性培养方案（2015年修订版，以下简称指导性方案），艺术硕士（音乐）的课程类别为公共课、专业必修课、实践环节、选修课。重庆师范大学艺术硕士音乐领域各类课程的学分数及所占比重可参见表1，公共课与专业必修课见表2。在重庆师范大学音乐艺术硕士课程中，马克思主义文艺理论、艺术原理、音乐艺术实践、音乐心理学、音乐美学等课程属于理论课程。专业主课、高级视唱练耳、音乐论文写作与学术规范等课程属于理论与实践相结合的课程。音乐艺术实践属于纯粹的实践性课程。学院要求这一实践性课程的考核形式为音乐会或实践性成果的展示。比如，对于声乐方向的学生，培养方案要求他们必须开两场音乐会，方能获得该门课程的学分。重庆师范大学音乐学院将音乐艺术实践类课程纳入必修课程中，并占有一定的比重，这样做主要是为了满足培养目标的需要。此处的实践课程同独立实践环节不同。独立实践环节侧重的是总结性评价，是对学生艺术实践能力的最终检验。而必修课中的艺术实践类课程侧重的是对学生艺术实践能力的形成性评价。实践类课程可以在课内进行，也可贯穿于课外活动中；可以在校内进行，也可在校外的实践基地进行。为了增强学生理解作品的能力以及在作品创意表达和风格呈现方面的能力，学院开设音乐美学、音乐心理学、音乐作品分析、视唱练耳等课程。在培养过程中，首先让学生树立正确的艺术理念和美学观念，而很多学生在本科阶段并没有接受到这方面的学习和训练。基于此，重庆师范大学音乐学院在培养方案中开设了音乐美学课程。音乐心理学类课程主要是为了让学生能够应对音乐表演中一些较为复杂的心理问题，比如，音乐创作过程中的心理问题、演出中的怯场等。开设音乐作品分析课程的目的是让学生了解和掌握不同时代、不同风格的音乐作品的分析方法。通过分析方法的掌握，使得他们能够很好地在表演中呈现作品，在创作中把握好作品的风格特质。此外，学院还开设了一门视唱练耳课程，帮助学生解决音乐表演过程中的音准问题。除了必修课程中的音乐艺术实践课程，还有独立实践环节，包括毕业实习、毕业论文、专业能力展示（毕业音乐会）三项内容。该校的培养方案要求在艺术实践基地的行业实习、实训时间不少于一年，同时学位论文（设计）须建立在艺术实践基础上。该校艺术硕士培养实行双导师制，由校内专职教师和校外兼职教师共同承担培养任务。学生修完培养方案所要求的课程，通过学位论文（设计）答辩，同时还须通过艺术行业职业资格认定，方可毕业授位。“2+1”课程体系即两种课程（理论课程、实践课程），加上行业中的实习、实训，更有利于培养目标的实现。 （二）音乐艺术硕士培养模式的实施途径 为了更好地实现音乐艺术硕士培养目标，重庆师范大学音乐学院采取了一系列的举措，以保障培养模式的顺利实施。1.探索有效的音乐艺术硕士招生模式音乐艺术硕士招生录取工作可以说是整个培养过程的起点，也是培养模式和社会大环境的中介。音乐艺术硕士培养工作的顺利开展，离不开优秀生源的选拔。经过近十年的探索实践，我国艺术硕士（音乐）考试科目的设置和考试内容的安排已基本符合培养目标的需要。重庆师范大学音乐学院也在不断探索适合本校情况的招生模式。学院在招生考试内容和细则方面做了较为细致的设计。首先是考试科目及内容的安排。初试除了英语和政治这两门国家组织命题的科目以外，还有两门学校自命题的专业科目。很多院校目前都考一门艺术学原理类的课程，有的院校考艺术概论，有的考查艺术学原理等。作为将来的实践性音乐高级人才，掌握艺术学原理是很有必要的，因此，安排在初试也比较合适。该校所设置的考试科目名称为艺术基础理论，考查的重点内容为马克思主义的文艺理论。一般地方师范院校初试环节的另外一门专业课考试往往是安排一门音乐理论课，如音乐作品分析或音乐史论课程等。笔者认为，初试环节的另外一门专业课，应该安排音乐技能面试。艺术硕士（音乐）和音乐与舞蹈学的学术型硕士的培养目标不同，前者的培养目标更侧重于音乐实践能力。在招生考试中，招生单位应该尽早地对考生的音乐技能有所了解，选择音乐技能优秀的考生通过初试，以便更好地保证生源质量。2.搭建校内外艺术实践与艺术科研活动平台学院加强原有的三春湖之韵演出季、研究生半月音乐会、缪斯讲坛、导师讲坛、研究生学术沙龙等品牌活动的建设，努力将其打造为音乐学术品牌，使其成为艺术硕士人才孵化基地和音乐艺术创新实践的平台。学院高度重视合唱团、行进管乐团、舞蹈艺术团等学院艺术团的建设工作，探索有效的乐团运行机制，吸收音乐艺术硕士加入艺术团。这些艺术实践活动和艺术实践团体为音乐艺术硕士提供了充足的校内艺术实践机会，大大提升了他们的音乐艺术实践能力。缪斯讲坛始于2012年，学院邀请校外知名教授、艺术家为学院师生在该讲坛讲授大师课或作专题讲座，迄今已经举办20届。学院组织校内导师在导师讲坛为学生作讲座，组织学生参与研究生学术沙龙的学术研讨。通过组织和鼓励学生参与这些活动，提高了学生的科研意识和从事音乐科研的积极性，使学生逐步进入研究性学习状态。为进一步密切与行业的联系，重庆师范大学音乐学院与重庆市歌舞团、重庆市歌剧院、诗仙太白集团文工团、遵义演艺集团、人民武装警察部队重庆武警总队政治部文工团、璧山县文化馆等十余家艺术企事业单位共建了艺术创新实践基地，并长期保持联系。这些基地行业认可度高、设施完善、艺术实践活动丰富，可为艺术硕士音乐领域的师生提供广阔的艺术实践空间。通过与艺术实践创新基地的合作，学院艺术硕士师生参加了多项文艺演出和艺术创作，为重庆市乃至全国的文化建设做出了突出的贡献。通过与行（企）业合作，锻炼了师资队伍，同时也提高了艺术专业学生的艺术实践能力。学院积极建设艺术实践管理制度，探索改革艺术实践活动的管理模式，努力将艺术硕士音乐领域师生的音乐艺术实践活动真正推向社会，主动参与到地方社会文化生活中，尽量满足当地人民群众的音乐文化需求，加强校外音乐艺术创新实践基地建设，使得艺术硕士的人才培养工作与服务地方社会文化生活形成良好的互动。3.推行双导师制，校内外联合培养和学术性硕士研究生培养模式不同，作为专业学位的艺术硕士研究生培养模式的另外一个重要特点就是注重学校和艺术企事业单位的联合培养，同时应该大力推进双导师制度。根据研究生教育质量报告编研组编著出版的各年度研究生教育质量报告，我国专业学位研究生校外实践和校外导师的情况并不乐观。重庆师范大学音乐学院在艺术硕士中较为广泛地推行了双导师制度，在校外艺术实践创新基地中选拔优秀的行业专家担任艺术硕士研究生的校外导师，与校内导师共同指导学生，取得了良好的效果。 作者：齐江 艺术硕士论文:环境艺术设计专业艺术硕士教育的思考 【摘要】环境艺术设计是一门关系到自然生态环境与人文社会环境多个层面的学科，“追本溯源”属于其中的基础性内容，也是学习和研究的关键点和难点。对传统环境营造文化的“追本溯源”对环境艺术设计专业艺术硕士的培养具有特别重要的意义。文章分析了这一基本内容的结构框架，以传统图绘作为切入点对“追本溯源”进行了相关教学实验，并总结了教学中的经验教训。 【关键词】追本溯源;环境艺术设计结构框架;营造思想;传统图绘 20世纪80年代，我国城市建设正式全面启动，短短几十年间各地就发生了翻天覆地的变化，创造了神奇的“中国速度”，极大地改善了人们的生活环境。然而，这一过程中产生的问题也较为明显：城市普遍丧失了视觉上的辨识性；乡村在城镇化的蚕食下沦为“城中村”；许多传统历史街区、古村落以保护之名，被简单粗暴地改造为喧嚣鼓噪的商业和旅游产品集散地……究其原因，一方面是西方文化的影响，另一方面，国内环境艺术设计专业教育对传统环境营造文化的忽视也负有不可推卸的责任。环境艺术设计非无源之水、无本之木，要形成对环境营造的合理价值判断和哲学思考、创造符合中国现实和特色的优秀设计作品，就必须改变设计师“知今而不知古”的局面，扎扎实实地展开对传统环境营造文化的追本溯源。 一、追本溯源是艺术硕士教育阶段的重要任务 对环境艺术设计的追本溯源，理解和探究其广博的内容和深刻的内涵，不但是一个长期、持续的过程，而且收效也较难立竿见影。与追求较高产业效益的设计机构相比，高校作为教育和科研的主要场所，应该也必须担负起这项基础性内容的教育和研究工作。追本溯源应该在艺术硕士教育阶段积极展开。根据2005年国务院学位委员会和教育部对专业设置的要求，艺术硕士的培养目标是高层次的创新型人才。显然，与本科的应用技术型教育相比，艺术硕士教育的重点应该是培养学生获取信息和处理信息的能力、专业批判的精神以及综合性、创造性地解决问题的能力。要达到这样的培养目标，就离不开对设计理论、设计模式、设计发展趋势的学习和理解，离不开对社会人文、技术发展与设计之间的关系的探究和思考，而这也正是追本溯源教育和研究的基本内容。艺术硕士也正是追本溯源基础性学术研究的生力军。一方面，与本科生相比，追本溯源研究的参与者不仅要有扎实的专业技能，并且还要具备深入观察和思辨的视野和能力。作为本科生中的佼佼者，艺术硕士已经初步拥有了这样的专业素养。另一方面，现阶段对传统环境营造文化的追本溯源研究还不够全面和深入，亟待展开全面的探索和补充，而该研究的第一个关键步骤就是对内容庞杂的传统营造资源信息的收集、梳理、统计和初步分析，以及对传统遗存进行实地踏勘和感官体验。这要求必须投入足够的人力和时间，与研究任务繁重的博士研究生相比，艺术硕士研究生可更加有效地保证该项学术研究的投入和产出。 二、研究的结构框架 对传统环境营造文化进行追本溯源的教育和研究，应具有清晰的结构框架。环境是人类进行生产和生活活动的场所，是人类生存和发展的物质基础，它是一个系统化的组织，囊括了人类生存、生活的方方面面。这些方面既各自独立，又具有某种关联性，共同构成了环境营造文化的内因系统。这一内因系统在一定程度上就是环境营造文化发展与变迁的根源。不同时期的国家和民族，由于传统文化习俗、自然环境、技术能力等条件的不同，发展出各具特色的环境营造思想。对不同时期的各个国家、民族的环境营造思想，尤其是我国传统环境营造思想的学习和思考，是追本溯源教育和研究的起点和基本路径。环境的类型多种多样，不同环境类型构成元素的配置、空间安排多具有一定的惯常性，这种惯常性构成了特定的营造模式。但是，即便是同一种环境类型，由于某些具体条件的差异，在营造细节上也很难完全一致，由此彰显出了不同的空间价值和等级。认识不同环境类型的营造模式、更为细致地分辨同一环境类型不同案例之间的差异，正是追本溯源教育和研究的主要内容和基本目标之一。教育和研究的最终目的是能深入理解和把握传统环境营造文化和营造模式，减少认知上的混乱，避免误解和过度解读，并寻找传统与当代营造的契合点，实现传统环境营造文化与城市现实空间发展的合理关联。 三、教学实验 追本溯源教育和研究的结构框架不仅涉及到建筑学、城市规划学等内容，还牵涉到地理学、经济学和社会学等，在有限的条件下，研究者很难以一己之力展开教育和研究，必须选择合适的切入点。值得注意的是，追本溯源教育和研究的结构框架具有明显的生长性和开放性。所谓生长性，指的是对于结构框架中的营造内因系统、传统环境营造思想以及种种环境类型和典型案例来说，不管是自上而下还是自下而上地进行，均可通过一般状况概括与典型案例分析并行的方法彼此促进。这就使得人们在教学和研究的过程中，选择关键的时间点、地域和一定的视角展开相关教学和研究具备可行性；而开放性指的是不同院校、不同教育和研究的主体，可以在更大的范围内搭建起开放性的协作平台，促进资源共享，逐步建设起完善的资源数据库。基于上述对追本溯源教育和研究的设想，笔者针对近年来艺术硕士呈现的特点，选择传统图绘作为研究对象展开教学实验。图绘是指一切图画和图像资料，在古物大多不存的情况下，传统图绘中包含着传统营造的相关信息，弥足珍贵。与古典文献资料相比，传统图绘能更加直观地展示出某些历史时期的真实环境（或环境片段）或当时的画家（或国家政权、特定人群）心目中的理想环境，它是人们认识和理解传统环境营造文化的重要依据。但是传统图绘描绘的内容较为丰富，为了更有效地开展教学和研究，笔者在教学中进一步限定出城市图、山水画两个专题，学生可以根据自己的兴趣选择不同的研究对象。具体教学过程分为五个步骤：第一步，广泛收集不同专题的传统图绘，进行合理选择，并完善有效图绘的相关背景，建立专题图像数据库；第二步，对有效图绘中涉及到的环境营造按照当代设计图例进行绘制，包括环境营造的平面布局、构成元素的外部形态、装饰图样及细部构造等；第三步，对上述信息进行横向和纵向的统计、比较；第四步，对某些现象、结论的深层缘由展开探求；第五步，对传统营造智慧进行探讨。教学过程中特别强调以下几个方面的重要性：一是有效图绘的判定。许多传统图绘中虽然绘有构筑物，但有些仅画了建筑的一角，有些虽然描绘有单体构筑物或建筑群体的形象，但图绘本身却很模糊，使人们很难辨别图绘中的具体环境营造特征，这些图绘就不能作为有效图绘。二是对于传统图绘尤其是山水画来说，画家出于构图、意境的表达需要竭力避免对营构物的完整刻画，在辨认时一定要把握如实原则，避免主观添加和臆断。三是对不同的图绘专题和图绘的具体内容给予适合的关注点。比如在我国传统社会，人居环境营造以院落式为主，但院落式又可以细分为墙院式、廊院式和合院式，不同的院落形式所塑造的景观意象各有不同。因此，对图绘中涉及到的建筑群，必须细析其院落样式，对于城市图不但要梳理、辨认图绘中的山水关系、街巷体系、建筑群空间布局，还要特别关注街巷构成元素的类型和数量、界面的形态和尺度。可以说，对上述几个方面的合理操作是保证教学和研究顺利进行的前提条件，其难点是对上述梳理和统计结论的缘由探索。该项教学实验中特别关注传统社会不同时期的社会生活方式对环境营造的影响，因为中国传统环境营造和建设在很多时候是制度性的活动，是造成我国传统环境营造文化与西方环境营造文化差异的主要原因之一。从传统人类生活方式的架构与变迁入手展开追本溯源式的理解和探究，更贴近中国传统环境营造文化的本质，能够引领学生更加准确地认知各类环境的价值与意义、把握环境营造的规律、弥补以往学习和探究过程中物质与情感之间的缺失，并避免学习和探究过程的过度抽象化。令人感到欣慰的是，此项教学实验普遍激发起学生的学习和研究热情，不但提升了他们的美术专业素养，而且开启了他们从环境艺术设计的角度发现和探索传统图绘价值的视野。在实验过程中，学生逐步掌握了发现信息、统计信息和分析信息的基本方法。在提交的研究成果中，城市图专题小组比较分析了三个版本的《清明上河图》，对不同时期的画家或国家政权理想中的帝都街道美学有了一定的认识；山水画专题小组通过对宋元以前图绘中的建筑布局的统计和分析，验证了在传统社会时期，廊院式是高等级建筑群惯用的院落格式，合院虽然早已存在，却一直是较为低级的建构形式，或是较低等级建构中作为廊院的一种变通形式。他们发现在唐代以前，廊院式格局及变体的使用区间较大，但宋元以后明显地出现了廊院使用区间下移和合院使用区间扩张的趋势。有些学生更是通过该项学习，开始有意识地将发现的信息与现实传统遗存进行联系和比较，在项目实践中有意识地运用掌握到的研究方法开展探索。比如一位学生在对某传统村落进行保护和景观提升设计时，对于坍塌程度不同的民居和空地，根据各自的具体条件，选择了保留或弱恢复院落格局的策略。以“片畦”为设计概念将坍塌的民居和空地转化为菜园、花园、蜂园等，既满足了当代村民、游客的需要，也表达了传统村落鸡犬相闻的景观意象。 该项教学实验以传统图绘作为切入点，改变了以往直接将环境营造本体“拿来”的教学和研究方法，符合艺术生的美术教育背景；制定明确的研究对象和研究方向，避免了学生在学习和研究的过程中以偏概全、重点模糊的弊病，收到了较好的效果。当然，在这项教学实验中也存在一些问题，比如收集到的有效传统图绘的数量较为有限，部分图绘的可靠性、完整性和系统性还有待进一步确认；对传统图绘中所包含的信息认知还需要更加深入地厘清和细致辨认；对形成某种营造模式的原因探求还停留在较浅的层面，相关探索刚刚起步。不过，也正是这些问题的存在，更加坚定了笔者在艺术硕士教育阶段长期开展对传统环境营造文化的追本溯源教育和研究的决心。 作者:宋鸣笛 单位:深圳大学艺术设计学院 艺术硕士论文:中国动画艺术硕士培育形式 一、发现问题——高校动画人才与中国动画产业的错位 1.中国动画产业的现状近几年来，中国政府开始重视动画产业，为了使产业健康发展，一系列大力扶持政策相继出台。例如，《关于发展我国影视动画产业的若干意见》等。各地政府也加大力度扶持当地动画产业，形式上推动了动画产业的发展。但是中国动画产业的观念滞后，体制瓶颈以及严重抄袭等问题尚在，现在中国动画产业的发展还不够成熟，没有形成基本的产业链。但是，不成熟的产业也同时存在着很大的机遇，如何使中国动画产业良好、迅速的发展起来，归根结底还是要依靠优秀的动画人才。 2.高校动画毕业生在动画市场中所面临的问题动画产业中，最重要的组成部分是高素质的动画应用型人才，这批人是一部动画片的核心力量，决定了一部动画片的整体水平。而中国的动画人才正在逐步的流失。据报道，动漫前期规划和创作人才缺口非常大，我国目前培养的动漫人才以低端制作人员和高端纯研究人员为主，结构严重失衡，这也使我国动漫产业发展遭遇瓶颈。 二、分析问题——高校毕业生难于适应中国动画产业 1.动画教育中存在的问题（1）原创型人才培养匮乏中国动画市场沦落为动画加工工厂的原因主要是原创型人才的匮乏，一味地模仿国外动画，并不是中国动画的成功之路。如何培养原创型人才是中国动画教育的一大问题。许多专家表示：高校只是培养了不少动漫制作、技术人才，他们的教学方式过于教条，禁锢了学生的创造性思维，就形成动漫原创型、创意型人才极度匮乏的局面。（2）教学与市场脱节中国高校动画教学的普遍问题就是教学与市场的脱节，没有真正考察过市场，而是完全遵循课本的知识进行动画实验。这种闭门造车的做法，必然会使学生毕业后面对日新月异的动画市场手足无措。实践教学是学生在校期间与社会市场实践接触的最好机会，搞好实践教学是对培养学生的学习目的、学习意识、学习方法、专业技能以及就业意识等方面具有重要意义。但大多数高校动画产业的实践教学开展的并不理想，缺少真正的与产业接轨的实践教学。 三、解决问题——如何培养出适应中国动画产业的应用型人才 1.“产学研”一体化的教学模式改革在中国动画高校教育保持独立性的前提下把产业动画的项目搬到学校里来实践。在学校成立产业教研室、工作室，可以联合多所动画高校，根据各自特长分配具体动画项目，让学生毕业之前就可以直接投入产业适应动画市场。并且与企业合作参与最新技术项目的开发与实践，确保学生具备较强的动手技能、创新的思维和广阔的视野。在达到专业制作水平后，对于在实践过程中发现的问题进行研究。对研究结论以实验短片制作的形式进行检验。最后对检验结果进行论文总结，把研究成果应用于动画实践项目中去，形成教育模式的良性循环。 2.以动画产业需求制定课程标准对于新开设的动画专业艺术硕士培养课程应该根据动画产业的要求制定一个新的课程标准，这样才能确保高学历的动画人才在以后的动画产业中发挥关键性的作用，并能够远见卓识，高瞻远瞩的思考中国动画产业的长远发展。 （1）剧本、分镜头课程标准剧本与分镜头设计，都属于动画制作的前期流程，也是一部动画片的核心灵魂。这一部分是高学历的动画专业艺术硕士必须重点掌握的课程。动画剧本的课程要求动画艺术硕士在结课时必须按照剧本特点以及动画产业对剧本的具体要求进行剧本创作，剧本要求主题明确，以小见大，通过细节深挖角色性格特点，制造合理矛盾冲突。动画分镜头是动画项目中所有工作的依据，它不仅要求学生有较强的手绘能力来表现镜头，更考验学生对影视视听语言的掌握。这一课程对于高学历的动画专业艺术硕士尤为重要。对影视动画作品的特性充分了解后，才能更好地学习进一步的专业知识。 （2）动画造型设计课程标准动画造型设计课程的标准是要求学生能够创作出符合角色性格，并遵从动画整体风格的动画造型。动画企业对动画造型设计的要求实用性高，要求每个动画造型都能流畅的按照运动规律进行表演。对于动画专业艺术硕士来说，在设计动画造型时既要按照动画企业的严格要求，又要重点围绕动画角色的性格特点来设计角色。 （3）动画制作课程标准动画制作是中国动画高校教育最为重视的一部分内容，但是由于运动规律课程的枯燥、复杂，再加上市场上的动画师大多是没有接受过科班教育的从业者，薪资待遇也并不优厚，所以多数学生很难对其产生兴趣，甚至产生逆反心理，所以这一部分也是高校教育效果最差的一部分。动画专业艺术硕士应该熟悉掌握运动规律的特点，把握好动作以及镜头的节奏感。掌握这一部分专业知识与专业技能的最好途径，就是让学生直接跟随动画项目制作，以商业标准作为课程标准，作为学生毕业后，进入动画企业的一个突破口。 （4）后期剪辑课程标准学生应该正确认识后期剪辑。剪辑与创意是相辅相成的，如果有好的创意没有过硬的剪辑手段，就无法表达出自己的创意，反之再好的剪辑离开了创意，就只能是一种毫无意义的特效手段了。该课程要求动画艺术硕士运用自己熟悉的软件对同一视频素材进行不同节奏，形式的镜头组接，并且能够表达出不同的故事与情感。这样才能全面的掌握后期剪辑，适应动画企业对后期剪辑的要求。中国动画教育如何培养出真正的动画人才，归根结底还是要立足就业，培养有专业特色的动画人才，才能弥补当前中国对动画人才需求的缺口，从而提高动画专业学生的就业实力和专业特长。在开设动画艺术硕士后，为我国培养高素质动画人才提供了一个很好的平台。定位好高端动画人才，制定科学的动画培养模式才能依靠动画人才提高国产动画的质量，带动国内动画市场。 艺术硕士论文:对中国艺术硕士教育模式的探究 摘要：自2005年3月，国务院学位委员会第二十一次会议审议通过了《艺术硕士专业学位设置方案》以来，我国的艺术硕士专业学位点的数量逐年提高。无论是招生规模还是培养质量上。都有实质性的发展。但是在提高和发展的过程中还存在一些问题，本文以对艺术硕士教育模式的现状为立足点，找出问题所在并对其进行反思，希望对我国艺术硕士教育模式的发展起到更好的促进作用。 关键词：艺术硕士 教育模式 实践型 应用型 一、稳步前进的中国艺术硕士教育 为繁荣和发展我国文化事业，不断满足广大人民群众日益增长的文化需求，健全和完善国家艺术专门人才培养体系，培养适应社会、经济、文化和艺术事业发展需要的高层次、应用型艺术专门人才。2005年3月，国务院学位委员会第二十一次会议审议通过了《艺术硕士专业学位设置方案》，我国32所高等院校作为首批艺术硕士试点单位，开始了招生工作。 从2005年到2009年，我国已经有102所院校招收艺术硕士专业学位研究生，至2012年，全国专业硕士招生比例已经达到30%，2015年已经超过50%，为社会培养了大量的实践型高层次专业人才。处在探索中前进的我国艺术硕士教育取得了一定的成果，艺术硕士专业学位点已经初步形成规模，招考体系愈加规范、培养体系也逐步完善。 二、中国艺术硕士教育模式存在的问题 艺术硕士教育的发展有目共睹，但是毕竟创立时间短，培养体系还不够成熟，迅速发展的过程中，存在以下几个方面的问题。 （一）院校和招生人数大量扩招，体制保障未得到相应提高 2005年，全国首批招收艺术硕士的高校为32所，经过十年的发展，到2015年全国有200余所高校设立艺术硕士学位点，招生人数也直线上升，但相应的教学质量和保障体系并未得到提升。比如专业学位的导师队伍并不十分“专业”，在艺术硕士的培养方面，思想还停留在传统的理论型教学层面，与学术型研究生的培养没有清晰的区分开。艺术硕士是以培养高层次应用型人才为目标，根据这个目标要制定相应的培养方式。校外的实践基地也必不可少，但是目前大部分高校实践基地的设立并未得到保证。在艺术硕士的教育教学管理方面，学生越来越多，而相应的学科基础、办学条件，师资力量甚至还停留在原地，成为限制艺术硕士教育发展的短板。 （二）招生选拔制度不完善，“学术”与“专业”界限模糊 艺术硕士在招生和选拔方面，应该更关注学生的实践性和创造性，要与学术型注重理论这方面相区别开。虽然现在艺术硕士和学术型硕士的考试科目如英语在初试中有了区别，但是在复试中，学术型和专业型的考试内容并没有区分开来，也没有一些规范性的复试内容库。在应试教育这个大环境中，考生们一味的追求考试分数，于是就出现了初试分数高的考生，专业却很弱，而专业水平强的考生，却因为初试分数不佳而未能被选拔进来。所以在艺术硕士招生选拔制度方面，初试和复试，都该形成规范的制度体系，将学术型和专业型考生的界限区分开来，这样才更有利于艺术硕士的选拔。 （三）培养体系不完善，管理模式陈旧 在艺术硕士培养方面，如何培育“实践性和创新性”高层次人才，与市场所需人才相匹配，是首要目标。但是目前在艺术硕士培养方面，各个院校少有形成一个适合自己的实践与教学相结合的系统性的艺术硕士培养体系。在课程设置和教学内容上，对具体专业方向的定位不清晰，专业要求不到位，课程内容空泛都是培养体系不完善的表现。在研究生管理方面，一些高校的管理模式还和本科生管理模式一样。高校艺术硕士数量上的盲目扩招使学生数大量增加，而很多高校的研究生管理人员都是兼职，缺少专职研究生教务管理人员的直接后果就是管理效率低下，这些都制约了艺术硕士的教育培养体系的发展。 三、如何改进中国艺术硕士教育模式 1.与国际接轨，学习先进的教育模式。我国的艺术硕士起步较晚。我们起步的同时，欧美一些国家，比如美国就已经形成了体系比较健全的艺术硕士培养制度，美国的大多数综合性大学都设立了艺术硕士专业学位点，对艺术硕士培养标准都有详细的制度规定。在培养方面十分注重实践性和应用性，毕业标准和学位论文中十分注重设计作品和创作过程中所体现出的创作能力。虽然目前我国艺术硕士教育评价指标体系也逐渐规范，但是在熟练的实际运用方面还有路程要走。 2.培养过程中坚持以理论指导实践，加强对专业硕士理论素质的培养。艺术硕士和学术型硕士并不是相对的，学术型硕士要求理论知识为主，但是艺术硕士也不是一味的以实践型为标准进行培养，艺术创作的长远发展离不开艺术理论的支撑和熏陶，加强艺术硕士的文化理论培养，有助于艺术硕士在专业实践的道路上越走越长远。 3.搭建实践平台，实行院校和企业合作教学，大力发展校内艺术硕士实践基地，对艺术硕士的培养空间放至校外、省外、甚至是国外。学校和导师都可以将网络媒体运用起来，让学生可以通过网络远程教学等方式学习国内外一些先进的艺术专业课程，还可以积极鼓励学生参加全国的艺术专业比赛和各种学术交流。加强与国外高校的交流与合作，创造条件让学生走出国门，感受不同文化和体制下的艺术硕士教学氛围，提高专业和实践水平。 对艺术硕士专业学位教育模式的完善，是我国研究生教育事业发展和改革的客观需要，对我国文化事业发展繁荣起到重要的促进作用，我们应该加强对艺术硕士教育模式的重视，为社会培养更多高质量高水平的实践创新应用型高层次艺术人才。 艺术硕士论文:全日制艺术硕士专业学位研究生培养模式改革探究 摘要：随着社会文化的繁荣发展，社会对于高层次艺术人才的需求量逐渐增长，现有的人才结构已经无法满足实际发展的需求，高级艺术人才不仅需要具有较为扎实的艺术理论知识与技能，更要有一定的实践能力。全日制艺术硕士专业学位研究生教育逐渐在发展中担起了培养复合应用型高级艺术人才的重任，并在发展探索中逐步取得了一些成绩，但是其培养模式还存在一些不足，需要及时地进行改革，从而为我国培养更多的高级艺术应用人才，推动我国艺术文化事业的发展。本文分析了全日制艺术硕士专业学位研究生培养模式的不足之处，并进一步探讨了改革全日制艺术硕士专业学位研究生培养模式的途径。 关键词：全日制艺术硕士业学位；研究生；培养模式；改革 我国研究生教育经过近几年的探索与发展，在全日制艺术硕士专业学位研究生培养方面已经取得了一些成绩，但是由于缺乏成熟理体系的指导，在培养模式方面仍旧表现出一些不足之处，影响了我国全日制艺术硕士专业学位研究生的培养质量，因此应该构建完善的培养模式，以推进全日制艺术硕士专业学位研究生教育的持续发展。 一、全日制艺术硕士专业学位研究生培养模式的不足之处 1.发展规划目标不清晰，报考的动机不纯。我国社会长期以来受传统中重学术轻实践的观念影响，导致很多考生的报考动机不纯，大多数考生报考全日制艺术硕士专业学位研究生的主要目的是为了提升自身的学历而谋求更大的发展，而只有少数的考生报考全日制艺术硕士专业学位的目的是为了提升自身的实践应用能力，这就违背了我国全日制艺术硕士专业学位设立的初衷。全日制艺术硕士专业学位研究生的发展主要是为了向社会输送大量的复合应用型的高级艺术人才，以更好的适应社会文化发展需求，但是各个培养院校并没有明确发展观念，甚至没有制定明晰合理的培养规划以及发展目标，导致全日制艺术硕士专业学位研究生培养模式发展不成熟，所培养的学生实践能力不强，很难得到文化艺术单位以及社会的认可。 2.课程设置安排缺乏科学性。全日制艺术硕士专业学位研究生培养的主要目标是为了能够为艺术领域培养更多的应用型高层次人才，而为了实现这一目标需要依靠合理安排课程设置来实现，但是在全日制艺术硕士专业学位研究生培养中其课程安排缺乏科学性。而全日制艺术硕士专业学位研究生对于我国来说属于一种新生的事物，主要是为了满足社会文化发展的实际需求而设置的学位，其目标是为社会提供复合型应用型高级艺术人才。也正是由于全日制艺术硕士专业学位研究生培养在我国设置的时间不是很长，缺少相应的培养经验，在培养过程中主要采取传统的艺术学硕士的培养模式影响，培养课程设置上与艺术学硕士课程设置出现了雷同，这不仅会使全日制艺术硕士课程设置缺乏职业特色，而且可能由于理论性课程设置较多，而使基础相对薄弱的学生很难在短时间内掌握，无法实现培养与提升学生实践能力的目的。另外在全日制艺术硕士专业学位研究生课程设计中某些课程内容未能根据学科领域的发展而及时更新，导致课程内容相对陈旧，即使掌握这些内容也无法很好地应用于实践当中，不利于学生实践能力的提升，对教学质量造成很严重的影响。 3.专业导师队伍整体水平有待提高。随着全日制艺术硕士专业学位研究生教育规模的逐渐扩大，原有的导师队伍建设已经无法满足实际发展需求，这给全日制艺术硕士专业学位研究生培养造成很大的困难，全日制艺术硕士专业学位研究生与科学学位研究生区别在于需要双导师进行辅导，既要有学术水平较高的导师辅导学生的基础理论，又需要艺术专业实践导师辅导学生的艺术实践，但是由于艺术院校导师人数不足、经费不足以及忽视对实践能力的培养等原因，学校并没有专门安排或者较少安排校外具有丰富艺术实践经验的导师，再加上校内艺术专业导师基本上是直接从学生过渡到导师，自身的实践能力不足，对于目前艺术领域的发展行情并不是很了解，因此所培养出的学生有可能由于脱离了实践而无法成为复合应用型高层次人才。 二、改革全日制艺术硕士专业学位研究生培养模式的途径 全日制艺术硕士专业学位研究生培养的主要目标是为了社会文化繁荣培养大量复合应用型高级人才，以促进社会文化的繁荣发展，因此培养的质量直接关系着社会文化繁荣发展的程度，因此要逐步改革培养模式，使培养质量得到提升。 1.明确培养的方向，确定科学的培养理念。明确全日制艺术硕士专业学位研究生培养的方向是提升培养质量的关键所在，目前全日制艺术硕士专业学位研究生所招生的主要对象是全日制应届艺术本科毕业生，这些学生的实践经验以及工作经历并不是很丰富，对于社会文化的发展认识不够，很可能无法认识到自身的专业与工作之间的必然联系，因此学生的学习目标也不是很明确，他们更加关心自身的学历与知识能够为自身今后的就业带来的实惠，针对这一情况需要培养单位明确科学的培养方向，制定科学的发展目标，既不能够偏离全日制专业学位所具有的特色，更要突出所具有职业特点。而为了达到这样的要求需要摒弃传统中的重学术轻实践的思想观念，根据艺术专业学位教育的发展规律以及市场发展需求为导向，确定发展的方向，促使培养的质量得到有效的提升，培养更多的复合应用型高级艺术人才，满足社会文化发展的需求。 2.对课程设置进行合理优化。全日制艺术硕士专业学位研究生课程设置更应该主要突出实践能力以及创新能力，因此在课程设置当中可以适当地增加艺术实践类课程，基础性课程可以根据培养目标以及学生的实际情况适当减少，对于全日制艺术硕士专业学位研究生来说其专业基础性内容已经具有相当的水平，而且学生在本科阶段课程主要是基础性课程，而实践机会相对较少，导致学生的实践能力不是很高。为了改善这一情况，在专业学位研究生攻读阶段有必要增加实践类的课程，使学生的实践能力得到有效增强，从而实现全日制艺术硕士专业学位专业设立的最终目的，培养出优秀的艺术高级人才促进社会文化得繁荣发展。 3.加大实践基地的建设力度。实践基地是学生提升实践能力、培养社会适应能力的主要场所，因此在全日制艺术硕士专业学位研究生培养中尤为重要，各培养院校可以从两个方面入手，首先要适当地增加校内实践基地建设的投入，完善校内实践基地条件，并要完善实践活动制度，为学生营造良好的职业环境氛围。其次逐步拓展校外实践基础，可以加强与校外对口行业之间的联系，学生可以在校外实践基地完成实践教学环节，比如说：音乐艺术院校可以与国家级或者是省级的大剧院、音乐厅以及专业乐团乐队等建立长期合作关系，并利用演出平台增加学生锻炼实际的机会，提升他们的实践能力。另外也可以高校与高校之间共同联合共建实践基地，从而更好地发挥各自的培养特色，提升培养质量。 4.提升导师队伍整体水平。导师在全日制艺术硕士专业学位研究生培养发挥着重要作用，因此培养院校要重视提升导师队伍整体水平。培养院校要健全双导师制度，校内导师可由培养院校直接培养，校外导师可以由经验丰富或者是具有高级职称的文艺专业导师或者团体来共同指导，从而增强导师队伍的学术含量以及表演实践能力等。研究生的培养工作主要有校内导师完成，比如：研究生的基础课程、学位论文、写作答辩以及专业技能等，校外导师主要负责提升学生的实践能力，形成校内导师为主、校内外导师共同参与的局面，进而有效地提升培养质量，培养出复合应用型高级艺术人才满足社会文化发展的实际需求。 总之，全日制艺术硕士专业学位研究生培养模式改革的主要目的是为我国文化艺术的发展培养出更多的复合应用型高级艺术人才，促进我国文化艺术的繁荣，这就需要我国专业学位研究生培养院校要明确培养的方向，确定科学的培养理念，对课程设置进行合理优化，加大实践基地的建设力度，提升导师队伍整体水平，制定更加科学合理的并符合我国国情的培养模式，促使我国社会艺术文化的繁荣发展。 艺术硕士论文:艺术硕士教育需要把握的几个问题 摘 要： 艺术硕士专业的设立，为社会各界从事艺术生产和创作的中青年艺术家搭建了理想的平台。他们冀希望在艺术院校得到更有针对性系统教育，使自己的艺术素养、审美能力、艺术理解能力、艺术创作水平有一个新的突破。 关键词: 艺术硕士；人文素质；创新 艺术硕士专业学位研究生（MFA）教育，属于高层次艺术人才培养体系，是我国艺术学学位与研究生教育改革的重要内容。这一制度的设立，为解决艺术领域内大量优秀艺术家，获得与其能力及贡献相称的文化身份，架起了一座金色的桥梁。作为文化艺术人才摇篮的艺术院校，利用其人才培养、艺术创作、艺术科研等方面的优势，开展艺术硕士教育，对教学双方来说无疑是极好的机遇。南京大学美术研究院至今已招生三届，共75名美术专业学员入学，其中雕塑、国画、油画专业人员有50多人，此外还有版画、书法、设计等相关专业的美术人员。在这批学员中从事美术教学的高校教师和文化部门专业人员占60%以上。他们有机会进入艺术殿堂接受教育，心中充满喜悦，有着非常明确的学习目的，迫切需要在理论修养、艺术实践、风格培养、艺术创新等方面得到提高和加强，努力使自己的艺术素养、审美和创作能力有一个新的突破,为今后的艺术发展之路注入新活力。 一、艺术硕士教育需要“广博至深”的人文素质 艺术硕士作为新类型的研究生教育，其所教育的对象主要是社会各界从事艺术生产和创作的中青年艺术家。他们有比较扎实的专业技能，实践性和应用性都比较强，需要多方面理论知识来滋养和充实自己。注重人文教育是大学永恒的使命。徐悲鸿先生常说：一个画家，不仅要有坚实的绘画基础，同时必须读万卷书行万里路，将胸襟开阔，以洞察万物，研究事物的奥妙细理，理解客观的规律。这样才能做到尽精刻微地表现对象，达到艺术的极致。为此，艺术院校应当注重把专业理论教育与人文教育紧密结合起来。作为一名合格的艺术硕士，必须具备综合的人文素质，包括良好的思想道德品质；高尚的理想情操；广博的理论知识；精湛的艺术才能；健康的体魄和心理。素质越高，获取和创造新知识的能力越强，抗拒挫折和失败的能力越强。19世纪英国著名教育家纽曼曾认为，受到完备的人文教育会使人“拥有受过教养的心智,精致的品位,正直、公平和冷静的头脑,以及生活行动中的高贵而又有理性的姿态”。我想每个学员都希望通过几年的学习，使自己成为“具有一种经过训练的理智，一种文雅的举止，一种高尚的和谦恭的行为，能够把自身的美好散布到周围四方”。 南京大学美术学院在培养艺术硕士上充分依托其雄厚的师资力量和深厚文学、历史、哲学背景，把人文素质教育纳入整个课程体系之中，重点培养学员的综合素养。学员入学之初，他们就比较系统地向大家介绍学校的历史、学校特色和影响，组织学员参观南京大学历史博物馆。把“诚朴雄伟，励学敦行”的百年传统与南大校训，作为入学第一课，以增强学员的认知度、荣誉感和使命感。利用南大自身的资源优势，邀请相关学科的专业导师、教授进行讲座，拓宽视野，活跃思维和创造能力。主动帮助每个学员办理图书借阅证，引导学员合理安排时间，实施有计划的阅读，使大家在阅读中陶冶情操，提升精神境界。南京大学美术研究院院长吴为山教授认为，就艺术硕士而言，不是进行单一的知识积累和技能培训，而是侧重于培养学员富有想象力和创造力。因为只有受到良好人文教育的人，思想才有超越意识,才有责任感和使命感,才能更好地发挥美术专业为社会主义服务、为人民服务的功能。 二、艺术硕士教育需要“与时俱进”的艺术实践 艺术硕士凭借多年专业岗位的炼就和成熟，他们对艺术实践的认识和理解有一定的深度，但更需要一种与时俱进的实践能力，一种在理论积累、心胸开阔、眼界拓宽后的实际运用。他们渴望借助艺术院校的平台，进一步提高自身的专业素质和技能，渴望在艺术实践中通过智慧的双手，把握和驾驭艺术之舟，创作出无愧于时代和民族的优秀作品，为社会主义文化的大繁荣大发展作出贡献。 毫无疑问，这对艺术院校本身提出了更高的要求，特别是如何在课程设置和教学方法上突出“实践性”。德国包豪斯艺术设计学校创建初期，教学上采用“双轨制教学”，即每一门课程都由一位“造型教师”和一位“技术教师”共同教授，使学生共同接受艺术与技术的双重影响。如今在高校系统出现的“理论教学”和“工作室教学”相结合的教学模式，应当说很有现实意义。南京大学美术学院在培养艺术硕士实践能力上，注重理论与实践相结合，突出艺术硕士教育的实践性，有效地将传统意义的讲授课堂，由平面的教学形式改造成立体化，打破以艺术表现的单一教学模式。一是在课程设置上紧扣专业特点，强调应用性和广泛性，合理规划核心课程、方向必修课程和选修课程。二是在教学方法上采取课堂讲授与集体训练、艺术实践等相结合的方式，把书画理论与实践融合在一起，做到有的放矢，深入浅出。授课教师不仅有校内高水平的艺术家和学术理论专家，也有在实践上有丰富经验的各艺术门类的领军人物。三是在师生关系上注重协调统一，老师个人工作室随时向学员们开放，使艺术教育更加完善、和谐和有效。学院着眼于培养高层次应用型人才的目标，千方百计地让学员们接触最新的艺术动态，把学习到的具有应用价值的新鲜技能，吸收到创作实践中。积极鼓励学员除了集中学习之外，利用工作岗位之需或节假日参与社会实践，教学成果比较显著。就读于南京大学美术研究院的艺术硕士杨振庭，出生于上世纪50年代，早已在美术教育界有了一定的名声，并且在徐州师范大学美术学院担任副院长、硕士生导师。用他的话说，“很珍惜这样一个好的学习、交流和实践的机会，不仅提高了绘画技巧，绘画理念和情感也上了一个台阶”。 三、艺术硕士教育需要“张扬个性”的风格培养 个性是艺术作品的生命，没有个性的艺术品是没有感染力的。所以，追求作品的创造性成为每个艺术家梦寐以求的目标。当前是一个开放的世界，文化的多元化极大地丰富了学员的视角。要想在艺术殿堂成长进步，学员就必须在学习老师、名家、大师的同时,又能凸显自己的个性。法国巴黎国立高等美术学院院长亨利•克劳德•古索认为，学校应该培养各种年轻艺术家，教授他们国际范围的艺术内容，让他们用自己的语言解读这些文化。最终，在共性文化圈下，年轻艺术家能更清晰地认识本土传统文化，拥有独特的文化个性。 优秀的艺术家不但能够全面地掌握绘画技术，而且在其艺术表现中有着十分鲜明独特的艺术风格。这种创作风格，往往统一于艺术作品的内容与形式、思想与艺术之中，是艺术家走向成熟的重要标志，也是衡量艺术作品在艺术上的成败、优劣的重要标准和尺度。有专家认为，在绘画艺术领域里成为一个一流的画匠很容易，成为一个真正的画家就不那么简单了。若称之为大师仅有独特的艺术风格还不够，同时还要建立起独立的艺术体系与艺术理论，这就需要画家在此基础上，还要具备深厚的文、史、哲等其他学科的知识，才有可能登上大师的台阶。现代著名中国画大师陆俨少以书法线条入画，傅抱石的散笔皴法，李可染的大胆泼墨等等，都具有鲜明的艺术个性。因此，如何才能将艺术硕士教育更好地定位于高层次的人才，必须善于发现和把握他们的个人风格特点或形成其个性特点的倾向，做到因势利导，在未来的艺术作品中创造自己的艺术语言，形成自己的艺术风格。 艺术个性是创新的起点，教学时应当尊重学员的个性，贯彻个性化教育。南京大学美术研究院针对学员来自工作一线，有一定资历和阅历的特点，在集中辅导的同时，还根据各个人不同专业、不同业绩、不同特点加以个别指导。每次集中授课都要求学员带来自己的习作，并适时进行点评，甚至启发大家共同讨论，允许各抒己见，帮助分析优势和不足，以促进其个人特色和风格的形成。 四、艺术硕士教育需要“超越自我”的创新能力 创新是所有艺术院校承担的历史责任。艺术院校要把增强自主创新能力作为艺术硕士教育的核心与源泉；把崇尚学术、勤于实践，大胆质疑、敢于批判，突出个性、勇于求新，作为新时期艺术家追求的目标。当然，最有意义的也是最难做到的是艺术家的清明意识，尤其是对自我局限性的超越。如何才能超越自我，唯一的出路在于创新。 营造创新环境。良好的创新氛围对人的精神、气质、心理、行为有着启迪和影响作用。艺术的繁荣需要文明和谐的社会条件，需要没有人为的限制和禁忌，需要各种创新思维的艺术实践能够得到包容和尊重。因此，艺术院校要努力营造一个积极向上、自由活跃、平等交流、和谐奋进、相互学习、相互激励的人文环境，引导学员坚持主流文化价值的认同、追求真善美，正确对待当前美术界出现的思想迷惘、人心浮躁、热衷炒作的现象。 培养创新思维。创新思维是人类最高层次的思维，是构成创造力的核心内容。培养和激发学员的创新能力，必须要有牢固的创新意识，这是培养服务于社会的高素质艺术人才的先决条件。“其命唯新”是傅抱石先生的毕生追求。他不仅探索形式上的“新”，而且注意表现内容上的“新”,许多反映新生活、新建设的画幅，在他笔下清新隽永，寓于时代感。当然提倡创新绝不是丢失传统，只有立足于对传统文化传承和保护基础上的创新，才具有生命力和影响力。日本东京艺术大学副校长田渊敏男说：“现在艺术界都在朝创新发展，但不保留传统怎能走向创新？就如日本的动漫，虽然世界闻名，但这些优秀的动漫作品都是传统下的产物，在这些动漫作品背后都能发现日本‘江户时代’传统的影子。”艺术需要兼收并蓄，需要面向国际，但必须有民族性和本土化特征。 探索创新方法。没有创新观念和意识，没有科学的训练方法，其创造潜力难以被充分挖掘。因此，创新必须从教学方法改革入手，将以知识灌输为主的教学方法转变为启发式、讨论式、互动式、研究式等教学方法，以启迪学生的创新思维。创新能力需要在实践中磨砺，在创作中提高。南京大学美术学院适时组织学员到大自然中去、到火热的社会生活中去进行写生创作，师生一起共同参与、共同学习、共同讨论，使学习的形式更加生动活泼、更有新鲜感、更能激发创新的智慧。 搭建创新平台。南京大学美术研究院依托江苏省美术馆、江苏省国画院等艺术单位，建立社会实践基地，让学员参加一些重大的社会服务活动。学院及时通过各种渠道通报全省、全国和国际性的书画艺术竞赛和学术交流活动，鼓励师生深入创作，以优质一流的作品积极参与。2007年，学院在江苏美术馆举行了名为“意象金陵”的教学汇报展，学员们的作品无论是在传统的继承上还是创新上，均呈现出新的气象，在江苏美术界产生了不小的影响。南京大学美术研究院院长吴为山教授深有感触地说：“艺术硕士的培养带动了学院整个研究生层次的教学，使得学院的学术气氛和实践水平都得到了提升”。 艺术硕士论文:艺术硕士教育课程设置与小剧场歌剧实践 摘要：随着我国教学体制和学位制度改革的深入，一批具有特定职业背景的学科先后引入了专业学位研究生教育模式培养，2005年开始设置了该专业，其培养目标是高层次、应用型艺术专门人才，学科领域包括音乐、舞蹈、戏剧、电影等，教学水准和培养目标上都更符合学科的规律，属于我国艺术学科自身的一个硕士学位，是与国际接轨的艺术表演与创作领域的专业学位，艺术硕士学位教育使艺术类研究生教育有继续扩大的趋势。 关键词：艺术教育；音乐艺术；艺硕课程；小剧场；歌剧创作；排练；教育实践 艺术硕士声乐表演专业在欧美国家是一个发展得比较成熟的课程，在美国多数综合大学的艺术院系都有设置，课程注重以实践过程中所体现的艺术创作技能和表现技能来考察学生的综合能力，并即时修订最切合实际的教学计划使课程内容丰富多彩，毕业以作品展映和演出为主，结合演出再完成专业艺术分析总结论文给予学位。奥地利维也纳音乐表演大学和德国法兰克福大学在本专业课程设置上实践课占80％。我国从2005年开始设置艺术硕士专业，培养目标是高层次、应用型艺术专门人才，学科领域包括音乐、舞蹈、戏剧、电影等。全国各艺术院校的硕士点根据本校的软硬件设施，开设了各种不同类型的课程，培养出一批优秀的毕业生，董卿、朱军、王宏伟、孙砾等目前活跃在舞台的年轻艺术家都是艺术表演专业的首批硕七毕业生。20t0年5月，教育部在国家大剧院举行音乐院校艺术表演硕士研究生展演活动，并取得了很大反响。 2009年底，经过两年的不懈努力，河北师范大学终于成功申请了艺术表演专业硕士授于点。如何根据现有的师资力量设置一套科学创新内容丰富开展新颖的声乐表演课程体系是当务之急。 一、课程设置 本课程内容设计原则均以能反映发展方向重点为目标最大特点为领域方向课和选修课，学时量非常大。声乐方向课程中还应设立中国音乐欣赏、外国古典时期的海顿、莫扎特、贝多芬、门德尔松、舒曼、舒柏特等专家的声乐作品研究等等。 1、共同必修课。研一、研二、研三：马克思文艺理论、艺术概论、音乐表演美学、英语。2、专业必修课。研一、研二、研三：声乐技法、声乐与表演理论、声乐作品背景解析、意德法艺术歌曲演唱、中国民族歌曲演唱、音乐会的设计表演、外国声乐发展史、中国声乐发展史。3、选修课程。整场声乐演唱音乐会设计、音乐会声乐伴奏合练、声乐表演的录音录像、音乐视觉听觉研究、表演艺术化妆与服装设计、舞台形体训练。 研究生使用的专业教材为国内正式出版的权威性教材。课时安排为每学期38课时，第1、2学年主要倾向技法教学，提高其演唱能力，第3学年着重理论研究，辅导学生完成及论文写作。声乐演唱是一种文化而不仅仅是一门技术，本文希望通过各种音乐技巧包括钢琴、听觉训练、合唱、和声、复调、作品分析、配器法、中外音乐史、音乐表演与剧场，特别是对本民族的音乐特点作深刻的了解，还要求学生具备广博的文艺知识和美学修养，使理论与实践相结合以培养出合格的高层次艺术人才。 准确定位、规范管理、积极探索、稳步发展，我们培养的目标是国家经济文化社会建没需要的高层次类型、专业性演唱人才。大量设置方向性课程和丰富多彩的选修课，注重学生的专业修养和表演的训练，在以实践为主的基础上，通过对一系列课程的学习，提高个人的表现能力和创作研究能力，课程鼓励和教育学生在表演中应用创新举行不同方向的专业比赛，一些顶尖课程可聘请国际上享有高知名度的专家、学者、研究人员参与，通过对该系列课程的学习，提高学生的思考、实践和理论能力，从而对表演艺术有一个更深层次的了解。广泛搜索同内外本专业资料，整理出题纲后组织本系十位硕士生导师进行反复讨论、论证并加紧同国际、国内的同行进行交流，借鉴优秀的教学方式方法。既要保持传统的培养模式，技法实践课程占一半，又要积极进行课程开发，增加声乐作品演唱技能，创作表演和唱片录音，增加了对硕士生导师的专业教学水平的更高要求，特别是舞台表演的经验。 新课程设置的创新点在于大量设置了专业方向课程和选修方向课程，知识能力统一，音乐性与技术统一，感性与理性统一，教育过程与教学效果统一。在部分专业巾推行工作室制，增强教师教育教学，作曲、演唱、演奏、表演等能力，使培养的学生是一个优秀的音乐人才并具备扎实的专业功底和敢于创新、善于创新的素质。为了保证和提升研究生教育的质量，借鉴国外院校先进经验结合本院实际，以立足研究，强化和满足利：会人才需求的三项原则，我们定期调整完善各专业研究方向的培养方案，加大艺术实践的学分，定期聘请国内外专家来院讲学，指导排练等实践作品，定期举办研究生沙龙、给导师传授和学生自主学习提供平台，研究生的科研成果与表演奖项，要成为学分，奖励表演类导师提高理论研究水平，强化全体导师的带教责任、有效提高研究生的表演能力。以上定为艺硕教育的新导向。 二、小剧场歌剧是表演专业艺硕实践的最新途径 与传统大歌剧相比，小剧场歌剧具有一种天然的活力和亲和力，演员近在咫尺的表演能够让观众更直观体验到歌剧的魅力。打造别致的小剧场作品，也是希望为观众展现歌剧艺术的多种可能性。小剧场歌剧，顾名思义是相对于传统大剧场歌剧而言的，其特点是表演空间小，二是演员与观众接近，二三是先进性强，经典故事“摩登”演绎。 歌剧是将音乐(声乐与器乐)、戏剧(剧本与表演)、文学(涛歌)、舞蹈(民间舞与芭蕾)、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成(有时也用说白和朗诵)。大型的完整的歌剧表演生动形象地表现了歌剧的故事情节和艺术特点。使人震惊。但是，由于大型歌剧在场景布局等资金方面投入太多的局限性，使得小剧场歌剧更适合我们艺术硕士生的接触和排练。 所谓“小剧场歌剧”，是一种具有时代特色的新兴歌剧样式，它与西方的“室内歌剧”和我国的“小剧场话剧”都有着一定程度的联系。所谓“室内歌剧”，是20世纪上叶出现的、为较少演员和交响乐队而作的，适合在比大剧院气氛更亲切的小型场所演出的一种歌剧样式。它是在坚持西方传统大型歌剧的审美取向和创作原则基础上的一种变体，它和大型歌剧一样，离不开宏大叙事的话语系统，离不开复杂而具有高度戏剧表现力的音乐声响系统，且从不排除在大型场所演出。相比之下，小剧场歌剧则不然，小剧场歌剧有“角色少”、“乐队小”两个特点。剧中演员角色少，表演空间小，演员与观众近距离。在“小剧场”里，特定的狭小空间可以使舞台与坐席的界线模糊，可以使演员与观众的距离拉近。因此，对于“小剧场”关于“小”的追求，导致创作理念的深层变化，而这种变化，又将促使“小剧场”作品的戏剧结构、话语系统、音乐写法、舞台调度、演唱状态，以及服装、道具、舞美、灯光等等方面的相应变化。 艺术硕士排练小剧场歌剧表演应注意以下几个方面。 (一)演员表演上的要求。 (二)演唱表演形式。可以使用对话或旁白、或者可以彻底取消宣叙性吟唱，这样就更有利于推动故事情节展开、加快戏剧节奏、方便时空转换，使得观众可以彻底在狭小的空间里迅速适应场景的转变，理解故事情节的发展。 (三)诵者。可以加入一个特殊的角色，即“诵者”。对于“小剧场歌剧”而言，诵者这个角色不仅可以弥合情节板块交替时可能产生的“结构缝隙”，同时也给戏剧结构和舞台呈现注入了有意味的变化。诵者在舞台上可以担负双重使命：或是上舞台扮作剧中的人物，或是在台上旁白，无论他在哪个位置都始终是只说不唱。他的作用有三方面： 第一，诵者的独白或角色性对话，可使主要角色以对话代替宣叙调的做法更为合理。第二，由于有了诵者，歌剧的开展获得了极大的时空自由。各种场景的转换，仅由诵者的寥寥数语就能很好地完成，短短几句话，就可以引出一个重要的事件或意义重大的背景，可减少场景布置的投入。第三，依照剧情的开展可使诵者变换身份，给同在舞台上的乐手能适时参与剧情找出了依据。诵者在舞台上变换身份的即兴表演，可以使剧情表现、发展得更自然。 (四)音乐的处理。音乐作品要尽可能争取更广泛的听众，是大多数作曲家共同追求的一个目标。音乐在歌剧中发挥着到头生分的作用。在符合剧情内容和剧本风格的前提下，尽可能缩短音乐效果与大众审美习惯间的距离，让歌剧也能成为更多人可以且乐意欣赏的艺术。 (五)人声技巧的运用。歌剧中，特别是以独唱、重唱为主的歌剧，人声的技巧处理运用是十分重要的。人声的处理要细致，包括节奏长短、气息转换，词曲结合、调性变换、密度变化等各个方面，充分发挥声或声乐技巧，有难有易，才能更广泛地被观众接受。 小剧场歌剧演出实践的优点一是在于它与学生近，易沟通，感染性强，容易引起观众共鸣，二是学生学习压力大，小剧场话剧节奏轻松，大都选材于现代都市生活，小剧场话剧小舞台制作，小投入创作，周期短，形式活跃，检验了成果，激发了学生对歌剧的浓厚兴趣，同时对于强化学生表演综合技能与创新思维的训练，为学生未来的歌剧表演打下基础。 艺术硕士论文:服装专业艺术硕士教育创新模式研究 摘 要:对中国服装专业硕士研究生培养现状进行分析,探讨了如何加强对服装艺术设计硕士研究生创新能力培养,特别是以服装板型设计为研究方向的研究生。培养出我国服装业急需的高级复合型人才。 关键词:服装艺术设计专业;研究生教育;板型设计;创新能力 当前中国服装专业硕士研究生教育面临着研究生教育规模的扩大与研究生培养质量的提高如何与社会需求协调发展的重大问题。要提高研究生培养质量,还在于改革现有的培养制度中不适应社会生产力发展的部分,改革培养模式,推进研究生教育创新工程。研究生教育是培养高层次人才、推动先进生产力和先进文化、实现国家持续快速发展的重要力量,是当代科技和人才竞争的重要阵地。服装专业硕士研究生的培养教育要求研究生了解学科发展现状和动向,具有从事本学科领域内科学研究,教学工作、独立担负专门研究工作能力。具有较强的发现问题、分析问题、解决问题的能力,具有较强的敬业精神和开拓创新精神。既具有国际文化视野和中国传统文化底蕴,又具有扎实的专业知识和艺术理论修养,素质高、创新能力强的研究型人才。 一、中国服装艺术设计专业硕士研究生教育培养现状 在中国,服装设计专业进入大专院校是从1982年中央工艺美术学院开设了国内第一个服装短训班、1983年苏州丝绸工学院开设了服装教育的第一个本科专业开始的,她们引领了中国服装高等教育发展的进程。20多年以来中国的服装设计教育培养了一大批的服装设计师和专业技术人才。全国服装企业中出自高校服装设计专业的优秀人才比比皆是,已经形成了一支庞大的设计与技术队伍。设计教育取得了不可低估的成就,已成为服装产业迅速发展的生力军。服装专业硕士研究生的培养从起步到发展,仅仅只有几年的时间。服装专业由于受美术教育的影响较大,服装设计专业教学重视服装画及其表现手法,轻视服装板型与工艺,存在教学内容陈旧、课程内容设置与社会需求不相吻合、毕业生就业后不能直接进人生产的各个环节等一系列问题。加上研究生招生主要考核的是英语和政治,加试专业,导致所招研究生的专业水平普遍一般,专业水平相对高一点的本科学生,由于英语成绩不佳,而考不上研究生,因此失去继续深造的机会。有的学生,根本不是服装专业的本科生,由于英语考试成绩不错,居然也考上了服装专业研究生。也就是说,考上研究生的学生,并不一定是服装专业中专业水平真正拔尖的人才。在研究生三年的学习中,由于重复的多门文化课程的学习,没有能够让研究生静下心来研究专业,研究生毕业以后,还是面临就业难的问题。面对新的形势,中国服装专业硕士研究生教育与培养模式必须加快改革,打破原有的旧模式,调整课程内容,改进教学方法,强化实践教学,只有这样,才能实现其培养目标。 二、研究生板型设计与创新能力的培养 我国硕士研究生的培养目标,一是对专业知识的掌握,二是科研工作能力的培养。除了专业学习以外,全日制研究生一般都采用学术型的培养模式。学术型研究生培养的第一个目的实现一般是通过课程教学来进行。因此课程教学依然是研究生教育的重要手段之一。对服装专业研究生而言,服装结构设计是一个中间环节,具有承上启下的作用。一方面它是款式设计得以实现的结构基础,是服装立体造型的平面展开;另一方面它是服装加工制作赖以进行的物质技术条件。因此,服装结构设计的质量如何,将直接影响服装成品的品质。正是服装结构设计这种举足轻重的作用,使之被纳为服装专业的主干课程之一。服装结构设计课程的教学旨在使学生系统地学习结构设计的理论,包括对人体及其与服装关系的研究、基本纸样、省、各部位结构设计。它是一门综合性学科,涵盖了数学、力学、人体工程学、造型学、美学、传播学、材料学、市场学等。服装结构设计作为服装设计专业的三大主干课之一,它有着举足轻重的作用。它的好坏直接影响整个服装设计专业的教学质量,同时也直接影响学生动手实践能力的培养。原理、相关结构线服装结构设计作为服装工重要组成部分,它既是款式造型设计的延伸和发展,又是工艺设计的准备和基础。它要将服装造型设计所确定的立体形态的服装轮廓造型和细部造型分解成平面的结构衣片,揭示出服装各部位的形状、数量吻合关系,整体与局部吻合关系,修正款式造型设计图中的不可分解部分,设计出各处的结构合理关系,从而使服装造型趋于合理完美。可以说,结构设计的优劣直接关系到服装的品质,所以很有必要对服装结构设计的难点进行归制版师必须从中理解设计师究竟想表现些什么 ,并把它变成技术性的图纸 ,使它最终成为立体的、动态的时装。即是说 ,服装制板师的责任是将服装设计师的理念转化为可现实操作的服装样式。一个成功的设计师身边 ,必有一个与他心意相通的结构设计师。从这个意义上说 ,服装结构设计师是服装设计与生产的桥梁。服装结构设计师在当今社会里人们俗称板师。20多年以来,由于受艺术教育的影响,从教师到学生对服装设计的重视程度远远超过了对服装板型的设计,导致我国的服装业高水平的服装板师奇缺。严重制约我国服装业的发展。服装专业研究生在板型设计方面知识欠缺。因此,加强对研究生板型设计与创新能力的培养,已经成为当务之急。 三、建立适应中国服装行业人才需求的针对性教育模式 创造学的创始人美国创造工程学家奥斯本在1941年出版的《思考的方法》一书中提出创造学的主要研究内容有三点,创造力的探索;创造性思维的研究;“创造型”人才的探讨。“创造型”人才知识面广,思路敏捷,预见性强,有胆有识,不守陈规,自信心强,有责任感,坚忍不拔。有的研究者指出,“创造型”人才应有敏锐的探索问题的能力,统摄思维活动的能力,经验移位的能力,侧向思维的能力,形象思维的能力,联想的能力,博闻强记的能力,灵活思维的能力,较强的评价能力,“联结”和“反联结”的能力,科学预见的能力,运用语言的能力和善始善终的能力。服装专业研究生在读阶段一个很重要的学习手段是参加学术研讨会或学术报告,以及大量地收集和阅读与其研究方向相关的文献。鼓励研究生积极参加各种学术活动,了解前人的研究成果、接受最新服装知识,掌握国际研究前沿最新动态,研究生若能从相关的论文或专著等文献中获取和整理出系统的知识,那么研究生的综合与归纳能力必将得到极大的提高。 服装专业研究生在板型设计方面的探讨研究,首先要定位。服装分类比较细,大至分男装、女装、童装、针织服装、内衣、羽绒服等几个类别。在板型设计要求方面,是大不一样的。除此以外,即使选择针对女装板型进行研究,最好在细一点,是女上衣、还是裙装、裤子类。选题尽可能小一点,把问题研究透彻,才会有所发现、有所创新。有很多研究生由于选题过大,导致无法展开,说不清楚,最后反复改选题,浪费了很多时间。最好参与导师的科研项目进行研究。具体的研究一个问题。很多国外的著名品牌的服装,市场卖价高,除品牌本身的价值以外,那就是服装板型好,消费者穿上身效果非常好,我们应该注意这个事实。 韩国服装专业研究生培养也有我国的类似问题,但是,他们在大型服装企业的支持下,很好的解决了这个问题:经验是,第一年跟着老师学习,第二年开始参与导师的科研项目,导师根据研究生的贡献,给以适当的报酬,激发了研究生的学习热情。第三年,研究生就开始承接项目自己单独完成。研究生毕业以后,很多企业需要,有的甚至提前预定。笔者就相关问题考察过意大利、法国、德国、美国、日本等国家,在他们看来,一件衣服有十几种方法可以裁出来,用什么方法裁,能够又快又好的打出优质板型,是需要深入细致研究的。他们的经验归纳起来有六点:一是培养目标明确。二是重视实践环节。关注教学与社会的密切联系。聘请企业经理参与教学,由主讲老师给定讲课内容,企业经理则根据要求准备,他们的讲课直观,生动,形象,尤其是大量的鲜活案例和生产案例,比单纯的理论更有利于学生对理论知识的理解。在研究生学习期间,学校通过各种途径让研究生参与社会实践与企业进行联系。三是教学形式多样化。一般大课在阶梯教室授课,再进行小型的讨论,以学生发言为主体,教师做指导点评。四是互动教学与启发性教学相结合。五是强化学生的社会责任感和团队意识。六是教学规范化。 四、结语 中国服装专业硕士研究生的培养起步晚,有较多的问题需要探讨研究,对于选修方向是服装设计与板型研究的研究生而言,只有加强对研究生板型设计与创新能力的培养,引导他们少走弯路,才能更好地改变中国服装行业高级服装板师奇缺的现状。只有这样,才能提高我国服装产品的附加值,加强国际市场竞争力。 艺术硕士论文:德国MFA教育对我国艺术硕士培养的启示 摘要：德国柏林艺术大学在MFA教育上有着鲜明的特色，在人才培养上取得了突出的成果，其在教育目标、课程设置、人才培养方案、学位授予考核等诸多方面做出了大胆的创新，成为国际MFA教育的典范。解析其在MFA教育上的成功做法，不仅可以为我国艺术硕士未来的发展提供新的思路，而且对人才培养方案的改革、学位点评估等诸多方面提供有益经验及启示。 关键词：柏林艺术大学；MFA；教育 MFA，艺术硕士专业学位，英文名称为Master of Fine Arts，简称MFA。其涵盖的范围包括音乐、舞蹈、戏剧、美术设计、电影、新媒体等诸多艺术领域。德国艺术院校协会（The College Art Association）对MFA的培养规格有着明文规定：“MFA，不仅仅是一种艺术专业硕士水平及能力的证明，在艺术教育领域，它却是一种最高学位，其含金量并不低于学术型的硕士及博士学位，因为MFA获得者不仅有扎实的理论功底，并且还具备超越常人的艺术创新能力。”[1] 德国柏林艺术大学是位于德国境内柏林州的一所标准艺术类综合性大学。虽然学校规模不大，但是办学历史悠久，最早可以追溯到公元1696年。柏林艺术大学目前涵盖了绘画、艺术设计、音乐、表演等多个艺术门类；人才培养层次较高，类型齐备；学科覆盖面广。MFA教育在德国开展最早，无论是课程设置、人才培养目标、学位授予的考核环节上都非常有特色，考察并分析它在MFA教育上的种种举措，对我国艺术硕士教育未来的发展具有重要的启示意义。 一、人才培养目标 德国柏林艺术大学对MFA的总体定位目标为“鼓励学生运用不同的艺术创作手段在艺术各个领域中发挥个性”，“结合新时期艺术潮流的发展趋势，运用新的艺术理念来分析当下的艺术现象，推动艺术创新，探索未知的艺术世界”。具体而言，其总体目标可以分解成以下3个子目标。 （一）艺术创作 学会运用各种不同的艺术创作手段，使本人的作品不仅能体现时下艺术创作新的发展趋势，而且还能体现新的观点与创作手法。如在美术设计领域，要求毕业生能够运用新的设计技术与新的制作材料，创作一些大胆新颖的艺术作品。而在音乐领域，尤其是作曲与音乐表演领域，则要求学生具备在专业音乐院校教授表演与音乐理论知识的能力，拥有编配本国及其他国家艺术作品的能力。通过三年的专业学习与研究，在表演、编配技术与音乐艺术性上都能达到职业音乐家的高度。 （二）代表作 柏林艺术大学MFA学位授予委员会规定，学员在获得MFA学位之前，必须创作出具有专业水准的个人代表作，代表作是衡量其获得学位与否的重要标准。代表作不仅仅是个人艺术观点、艺术创作理念与手法的综合体，而且还应符合柏林艺术大学的艺术学学科定位。柏林音乐学院强调MFA教育应该以“艺术个性、国际性、多层次性、实践性”等为导向，而代表作是体现其教育特色的最好载体。 （三）艺术创新能力培养 柏林艺术大学对学员艺术创新能力的培养主要体现在如下几个方面：其一，艺术洞察力的培养。如对创作的主题、理念能够进行深入探究与思考，同时能够洞察当下艺术创作中的新材料运用、新创作手法的使用、新艺术理念的传递等等，能够运用这些丰富的艺术创作手段创造符合当代及传统艺术领域中各种艺术风格、流派的艺术作品。其二，艺术批评能力及沟通能力的培养。艺术批评能力主要是培养学生是否能够坚持艺术的美学标准，理性地分析、评价各种艺术事项，包括艺术家的创作思潮、艺术发展史中历史事实的再现与分析、艺术家作品创作的新的发展趋势等等。沟通能力主要是培养学生与艺术经纪人、观众良好的沟通能力，如专业的作品展示能力，艺术领域中的学术讨论、分析能力以及跨学科的研究能力。 二、课程设置 课程设置是柏林艺术大学MFA培养的核心，其课程设置是根据人才培养目标而制定的。每门课程保持在3个学分左右，总计在为期3年的培养周期必须完成64～100的学分数，另加上毕业时的代表作，方能申请MFA学位。[2]下面以列表方式对柏林艺术大学的课程设置予以分析（见表1）。 从表1不难看出，其课程总体设计考虑了MFA学生的特殊性――作为职业艺术家应具备的基本素质与艺术修养。这些基本素质与修养不仅仅体现在学生的专业知识水平、艺术创作与表现能力，更多的是体现在其所从事艺术领域发展的新动向。整体而言，有以下几个特点。 ・比较教育・德国MFA教育对我国艺术硕士培养的启示 其一，课程设置讲究与其他学科的互补关系。这点在专业限选课和专业任选课上可以体现出来。在这些课程的设置中，大多都突破了艺术门类各个领域的学科限制。从事音乐专业的MFA学员可以选修相关艺术哲学、艺术文化等相关人文素质课程，来提升自身的综合修养；而从事美术与设计的MFA学员也可以选择音乐结构类课程，可以在音乐的结构美中寻找到艺术的共同点，为自身艺术创作提供充足的素材。因此，课程设置的互通性进一步使MFA课程体系逐渐系统化、关联化，形成了较为严密、科学的课程体系。 其二，课程设置中实践类课程占据了很重的比例，同时也注重学生理论研究能力的培养与提高。从课表中可以看出，课程内容讲究理论与实践的结合。如音乐专业课程当中的声乐与器乐课程组模块，课程内容丰富，注重与专业实践相结合。每个课程考核的方式是以专案方式予以体现。这种专案一般都会让3～5名学生采取集体汇报的方式，通过集体创作的艺术作品（如作曲专业创作的作品，表演专业进行表演）提交给任课教师，作为课程考核授予学分的依据。完成专案的考核，学生则需要修毕大量的实践类课程，毕竟一个作品的完成，很大程度取决于学生在实践类课程中的学习效率。由于专案的考核大多并不是在课堂上完成，而是在大剧院、美术馆完成，考核组专家的组成不仅仅是教师，还有著名的乐评人、艺术批评家等等，对学生艺术实践能力的要求可谓相当高，这也说明了为什么柏林艺术大学非常重视实践类课程的开设。 其三，课程授课方式的灵活性与考核的规范性相结合。为了体现MFA授课的灵活性，柏林艺术大学采取多种多样的授课方式，如在专业技能课上采取的是个别课，学术研讨课程采取的是专题讨论课，而合唱类课程采用的是小组课方式。授课方式的多样化同时也使考核方式多样化，方式多样并不意味着放松考核要求，相反考核规范性得到进一步提高。如美术设计专业的MFA毕业生可以提交展览证明（含美术专栏作家的评论）、书面研究报告，而音乐专业的MFA的考核包括作品视听、专场表演音乐会、作品编配及相关乐评人对作品的评价等形式。为了使考核更加公平、公正，柏林艺术大学设有专门的考试委员会，该委员会负责对学生的课程作业、代表作、学位授予予以考核，委员会一般由7人组成，既有本校教师，也有外校教师，还有职业艺术家、艺术批评家。考核人员来源的多元化，也使考试结果更加公平。 三、MFA的质量监控与考核机制 在德国，高等教育质量考核与监控体系一般都是由高等教育专业协会、政府主管部门、市场反馈调研部门共同组成。[4]其中，高校自身及高等教育中的专业协会组织的行业、内部评估，是其培养质量保障及监控、考核的主要手段。MFA也不例外，对其培养质量的考核周期一般在2～3年左右。柏林艺术大学通常的做法是分为两个阶段。第一阶段是高校自身的内部评估，也称之为“自评”。一般都是学校邀请校内外专家对学校的办学层次、目标、课程设置、教学考核方法等诸多方面进行评估。在此基础之上，将相关评估结果生成有关评估报告提交到政府主管部门，然后要求进行第二阶段的高教专业协会的行业评估。第二阶段的主要评估内容有“教学改革与教学质量提升的措施”、“入学及毕业规定的年限、条件、学分要求”、“学生对教学质量的反馈”、“教师对考试的组织方式及教学质量的反馈”、“用人单位及市场的反馈”等等。作为第二阶段的评估主体――德国高等艺术教育评估委员会发挥着重要的作用。由于德国的高等艺术教育采取的是联邦体制，所以德国高等艺术教育评估委员会承担着高校与联邦政府信息沟通、反馈的中转作用。联邦政府、州政府、高校、专业协会在MFA质量监控与考核中担任着不同的角色，共同保障MFA的高等教育质量。[5]其中，作为最高政府机构――联邦政府主要是负责全国性的艺术教育战略和重要的法律法规文件的起草、制定与实施。如明确法律条款规定：“高校的教学、科研与人才培养必须定期进行评估，学生与教师必须参与对人才培养质量的考核工作，对学校近期的专业、行业评估应定期向全社会予以公布。” [6]而作为协作方的州政府与实施对象的高校则是主要负责评估数据整理、人才发展报告、就业及教学质量反馈等等。另外专业协会负责的是具体的办学层面评估，如教学方法的改进、人才培养目标的定位等等。专业协会评估委员来自全德该艺术领域中的精英人士，他们负责对MFA的办学质量进行评估，同时对学科的全国排名情况进行审核，在评估数据中，侧重借鉴CHE（德国高等教育发展评估中心）的分析数据，因为该数据来源较为客观，提供了较为直观的教育动态信息。 另外，在MFA入学与学位授予的审核环节，柏林艺术大学要求极其严格，把好了“出口关”与“进口关”。在入学申请审核上除了要求学生提供相应的艺术学学士证明之外，还应该提供所属MFA艺术领域中的个人作品。除此之外，还需提供本人未来几年的学习计划及著名教授的亲笔推荐信。柏林艺术大学尽量避免招生环节的“近亲繁殖”现象，尽可能招收来自于外校、不同学习背景、不同国籍的海内外学员，从而使自己的毕业生在未来就业时拥有更加广阔的艺术视野。在毕业审核环节中，除了考试委员会对代表作的投票之外，对毕业平均成绩也有一个较为严格的规定。其所修毕的课程中，平均成绩绩点不得小于2.0，一旦小于这个学分绩点，在毕业审核中将被淘汰。因此，较为完备的质量监控与考核机制确保了柏林艺术大学MFA的教育质量。 四、对我国艺术硕士教育与改革的启示 我国艺术硕士自2005年3月起，从最初的32个艺术硕士试点建设单位到如今的数百家之多的培养单位，艺术硕士发展的势头、规模在专业硕士教育中可谓是惊人的。在艺术硕士取得成绩的同时，也暴露了很多问题。如在2016年3月16日教育部公布的《国务院学位委员会关于下达2014年学位授权点专项评估结果及处理意见的通知》中显示，共有50个博士、硕士和专业学位授权点被评估为“不合格”，涉及全国42所高校，还有不少学位授权点被要求“限期整改”。其中就有众多名牌院校艺术硕士点中招，不少“985”、“211”国家重点院校的艺术硕士点甚至被责令取消招生，5年之内不得申报艺术硕士学位授予点建设工作。而对于“限期整改”的艺术硕士培养高校而言，两年之内不得招生，两年后接受评估组及艺术硕士指导委员会的评估，如果仍然达不到整改要求，则取消硕士学位培养授予权资格。[7]这是迄今为止，对艺术硕士评估最为严格的一次全国范围的检查，对不少在培养过程中暴露出问题的院校亮起了黄灯，而这些问题都有一个共同的特性，集中在人才培养目标定位、师资队伍建设、课程体系建设和实践基地建设等方面。从这次检查中，我们也看到了与国外MFA教育相比，自身的许多不足。他山之石可以攻玉，吸取以柏林艺术大学为代表的MFA教育的教育管理制度、评估认证方法，对于我国的MFA艺术教育有着重要的启示作用。 （一）人才培养目标定位清晰 人才培养目标定位是MFA教育的核心，柏林艺术大学对MFA的人才能力结构、人才就业趋势、人才的知识储备、人才的职业选择有着很明确的指向。如美术设计人才的定位是国际性的艺术家、艺术设计人才；音乐则是国际性的音乐创作、表演人才；戏剧表演是在世界各大戏剧节能够有突出表现的艺术家。因此，无论是美术设计、音乐亦或是戏剧、舞蹈都强调其培养的国际性。虽然不同艺术门类在培养目标上有所差异，但是其共性是培养出能在国际艺术界出类拔萃的艺术家。在这样的人才目标定位下，柏林艺术大学的MFA课程内容、人才核心能力培养、职业发展规划都强调了这一特色。如在音乐专业MFA课程设置上（详见表2），不仅仅有本国的艺术课程和内容，还有其他各国优秀的、代表性的课程内容，强调人才培养的国际艺术视野，这个与柏林艺术大学的人才培养目标定位是密切关联的。相比较而言，我国近期被取消或者要求整改的艺术硕士授权点都是存在着人才培养目标定位模糊的缺陷。因此，如果要在人才培养目标上体现出院校的自身特色，避免“千校一面”的发展态势，需要我们研究生教育及管理者深思。 艺术硕士论文:绘画学科艺术硕士研究生(MFA)培养模式的内涵研究 【内容摘要】吉林艺术学院自2009年招收艺术硕士专业学位研究生（MFA）以来，在不断总结和完善现有的教学体系、课程体系的基础上，逐步形成了具有前沿性、当代性的MFA教学模式。学院主张充分发挥学生的主体性，在教学中打破原有的教学理念和培养模式，努力营造浓厚的学术环境，注重学生艺术观念的养成和创作表达方式的自我生成。在创作实践中强化学生对媒介、语言的认知和应用，形成以宽泛的文化滋养为教学背景、以促进学生艺术个性生成为目标、以培育学生艺术信念为核心的MFA培育模式。 【关键词】MFA 文化滋养 艺术实践 艺术信念 上世纪80年代，我国开始进行绘画类研究生教育。随着我国艺术硕士专业学位的设立，自2009年起，吉林艺术学院绘画专业开始招收全日制艺术硕士专业学位研究生。这期间，研究生的培养层面所开设的方向均是以架上艺术为主。研究生教育的核心培养目标之一是造就专业性和创造型的人才。就我国的艺术教育宗旨和实际社会需要来讲，这一点毋庸置疑。但是，就艺术和艺术教育本身来讲，所涉及的实际问题似乎更加具体和复杂。笔者认为，有必要对绘画类艺术硕士（MFA）研究生培养做进一步的思考。 第一，打破形式界限，宽泛的文化滋养是当代绘画类研究生应该面对的重要课题。 绘画的形式特征与艺术本质之间始终存在着特殊矛盾。以媒材和手段来划定艺术种类的界限、区分艺术家的特征，亦或以这样的方式针对研究生群体的培养，势必会造成学生艺术创造力的缺乏以及对技术、手艺的热衷。只有打破媒材的界限，突破形式特征的束缚，在技术的实践中给予文化精神更多的关怀，才会造就更为优秀的艺术家。 在学院的研究生培养方案中，有针对性地加强学生对当代绘画各种艺术形态的有效构建和综合化探索，使学生在创作中多维度地考虑到艺术与物质文明、科技文明间的流通与结合，打破原有的形式界限，实现艺术观念的充分表达。这种培养方案不仅为学生开启了更为广阔的艺术想象空间，而且使艺术创作的表现力在多媒材的综合化探索基础上，体现出更具独创性的视觉表达。艺术的独创性产生源于丰厚的文化素养，在艺术硕士专业学位研究生培养过程中，学院增加了创作实践类课程的学分，以创作实践类课程的个案研究为切入点，梳理课程改革中的教学特点和教学脉络，充实和完善现有教育教学体系的课程构架。学院在实践的过程中注重学生个性化的培养，在艺术本体理论课的基础上，适度增加文、史、哲的基础理论课，使学生在艺术创作的过程中给予文化精神更多的关怀。绘画专业的学生将最终投身于艺术市场，为了让其明确学习目标，针对中国的艺术市场有相对整体的认识，学院在课程的框架中增加了艺术市场学、艺术经济学等相关课程。通过课程的改革和置换，有效地增强学生专业的核心竞争力。 第二，彰显个性特征、寻找理性艺术实践途径是成就绘画的重要方法。 个性体现是衡量艺术家品质和特征的主要依据。这里所说的个性是艺术家在艺术实践中的一种习惯，是思维、行动和艺术表达综合在一起所表现出的艺术特质。艺术个性是文化视野、视觉智慧和娴熟技艺的总和。艺术个性的彰显表现在作品中，当作品背后人心与绘画作品的形式具有一致性才真实可信。 近年来，学院在艺术硕士研究生培养上充分注重学生的个性化特征，针对具有不同潜质的学生以“一对一”“多对一”的方式进行多方面引导，充分激发学生个体的创造力。尤其在学生入学后的第二、三、四学期，学院着重安排了系列的创作课程。学生通过对自身感兴趣的题材、主题、绘画风格等方面的借鉴和整理，进行探索研究，同时梳理了创作思路和创作手法。通过学生们对于题材选择，可以看出其更注重内在精神世界的发掘。在研究生的培养过程中，学院不仅注重学生个性化的培养，还在试图探寻一种新的理性精神，即艺术理性精神。艺术理性的自律性使得学生在不断批判、超越既定现实的同时注目未来，通过语言、概念、图像的内在转化达到审美转化的需求。感性与理性的关系是每位艺术家不可忽视的问题。重视感性与理性在艺术实践中的重要作用，对学生的成长至关重要。感性情感是构成油画丰富表现力的重要因素，是作品的血肉及灵魂；理性则是丰富情感的骨架，二者相辅相成。感性与理性情感的交织可使学生创作出具有伟大心灵感召力的艺术作品。 第三，坚持艺术信念，把握时间规律让艺术发生具有多种可能。 成就艺术的条件有很多，其中最重要的一点就是时间。任何一位艺术家的成熟都需要以时间作为代价。当然，在有限的时间里进行更多、更有效的尝试是提高品质的最佳办法。能以时间线性的考量看待自我艺术成长的艺术家，最终会获得艺术上的巨大成功。在艺术成长的道路上，任何社会体验与尝试都具有丰富自我文化经验和艺术感悟的可能。随着社会发展加快，在国家提倡文化建设的大背景下，产生了不同于以往任何时期的艺术生态。 现今，越来越多的社会机构、个人开始关注青年艺术家，这也为学生提供了更多的发展机会。通过“请进来”“走出去”的双轨并行机制，不仅在校内给学生提供了形式多样的展览、讲座、研讨等学术交流平台，还鼓励学生体验和参与各种大型展览、评选、青年扶持项目等。在此过程中，学院更多地希望学生获得扎实的专业知识，磨练艺术创作能力，积聚艺术创作能量，在社会中找到属于自己的空间和位置。不同的历史时期对青年艺术家的要求有所不同。只有那些努力表达时代气质，愿意尝试更具生命力的表达方式，并且努力学习传统，把握当下面向未来的艺术家，才能够创作出代表时代的艺术作品。 吉林艺术学院自2009年招收艺术硕士专业学位研究生（MFA）以来，在不断总结和完善现有的教学体系、课程体系的基础上，逐步形成了具有前沿性、当代性的MFA教学模式。针对艺术硕士专业学位研究生（MFA）的特殊性，学院主张在学习的过程中充分发挥学生的主体性，在专业设置上主动适应社会发展的需求，在培养方案中强化实践教学，在培养过程中注重学生的个性化培养。学生要根据培养目标正确认识自身与专业方向的差异，在夯实专业基础知识的同时制定适合自己的学习目标，在培养目标和教学大纲的指导下，制定有指向性和创新性的精学和泛学内容并付诸实践，促使学生艺术观念的养成和创作表达方式的自我生成。在创作实践中强化学生对媒介、语言的认知和应用，最终形成以宽泛的文化滋养为教学背景、以促进学生艺术个性生成为目标、以培育学生艺术信念为核心的MFA培育模式。 （注：本文为吉林省高等教育教学研究重点课题“综合艺术院校全日制艺术硕士专业学位研究生培养模式创新的研究与实践”阶段性成果） 作者单位：吉林艺术学院美术学院 艺术硕士论文:声乐表演艺术硕士(MFA)人才培养创新性研究 〔摘要〕通过对声乐艺术硕士（MFA）专业学位人才培养模式的考察分析，指出实践性是专业硕士区别于研究型硕士的重要基点。声乐表演专业学位研究生教育的实践性主要体现在联合创新实践基地与校内导师结合的双导师师资队伍、带有研究性质的实践基地课程体系的建设、与表演实践结合的学位论文写作等方面，据此提出了加强师资队伍建设、深入实践课程体系、建立创新专业实践基地、强化实践性专业学位论文要求等创新人才培养模式的建议。 〔关键词〕声乐表演艺术硕士人才培养创新性 近年来，随着创新型社会的建设与发展，我们对人才的综合素质也有了进一步要求，培养高素质的专业人才已逐渐成为我国现阶段艺术教育的重点，而各艺术类高校只有不断地对声乐表演艺术硕士人才培养模式进行相应创新，才能达到声乐表演人才的培养符合时展的总体目标。 一、声乐表演人才培养原则 1、以行业需求为培养导向。市场经济中的一项重要发展原则是供需平衡，在声乐表演的人才培养中也应遵循这一特点，达到市场的供求平衡[1]。现阶段，我国声乐行业就业不仅局限于文艺表演演员，同时还包含高校的声乐教学教师等行业，因而，艺术高校在对其进行培养时，应按照市场经济发展需求对其进行目标结构整合，建立完善的教育体制，不断促进开放式教学的发展，不闭门造车，逐步实现市场需求与教学供应的相互结合与统一。 2、以声乐演唱为教学重点，同时注重学生创新能力的培养。声乐表演能力的培养是艺术专业培养的重点与核心，具有很强的实践性与技能性。在艺术专业教育中，声乐表演能力与实践的相互结合，不仅是教学的课程要求，还是考核和评价专业学习的重要手段。因而，专业教师在对学生进行实践课程的教学时，应注重对学生专业素养以及创新能力的培养，这样不仅可以使声乐表演专业的教学效果事半功倍[2]，同时还可以使其在其他教学活动中发挥积极效用，促进教学水平的整体提高。 3、声乐表演艺术硕士人才专业的培养目标。声乐表演专业培养目标主要是将学生培养为现代化德智体等全面发展、掌握学科专业知识内容，掌握演唱与表演专业技术，具有较强音乐认知度以及鉴赏能力的新型高素养的综合性人才。具体要求是在马克思理论的指导下进行艺术实践活动，同时具有正确的人生价值观、良好的人文素养、专业知识以及创新能力，不断提升自身的专业知识为社会主义现代化建设贡献自身的力量；具备艺术教育的基础素养，掌握艺术专业的基础理论知识，拥有基础理论实践能力[3]；具有一定的外语交流能力，使自身拥有国际学术交流的基本能力。 二、声乐表演艺术人才培养工作中存在的问题 1、人才培养标准设置的问题。现阶段我国社会发展对声乐表演专业人才培养标准具有非常大的影响，人才标准的设置随着社会的发展而不断更改。随着我国社会市场经济体制的不断完善与发展，社会中各类型事业的发展都与市场建设发展有相应的关联性，声乐表演专业的发展也逐渐由艺术性慢慢变得市场化，因而现代艺术高校在对人才进行培养时根据市场的需求对其培养标准做了相应的调整。在对专业人才进行教授的过程中不仅重视对其专职声乐表演能力的培养，还对学生的其他综合能力进行培养，将声乐表演专业人才打造为综合性人才。 2、教育培养方式及手段落后等问题。声乐表演专业教学落后首先表现在教师职业能力与教育理念的落后，教师综合能力的欠缺导致声乐表演专业教学无法与时代需求相融合，而年轻的教师虽接受新教学理念的熏陶，但却缺乏一定的教学经验，无法对学生实施高效优质的教育。同时，教师教育理念的落后往往传达给学生消极过时的教育观念，这种落后的教育观念会使学生过分崇尚外来声乐表演文化，轻视本土优秀的声乐内涵，这样不仅不利于我国声乐表演专业的发展[4]，同时还对我国声乐文化造成相应的危害。 三、声乐表演艺术硕士人才培养模式创新型研究 1、改变教学方式，增强实践能力。作为现代声乐表演艺术硕士人才的培养目标，在培养过程中不断提升学生的实践性，以及对声乐表演专业的创造性，该专业的课程培训注重其实用性以及学术性，因此在对硕士生进行培养计划的制定过程中，应该考虑知识体系的综合调配与各内容知识体系的衔接。具体教学方式如下所述： 导师在开展课程教授之前，应该对开设的研究生课程进行细心准备，同时在课程教学结束后按照相应的规定对学生的学习效果进行考评。在制定教学计划时，教师应该根据各个研究生自身的具体情况，采取因材施教的原则，制定个人培养计划。同时还可组织学生参加与专业相关的学术活动或者相关社会实践，增强学生理论知识的实际应用能力。教师在教学过程中，应该充分尊重学生的思维自主性，避免将自己的思维观点强加于学生，尊重学生在知识的探索中一步一步实现并获取正确的观点，这样有利于研究生创新思维的进一步拓展。 2、建立“双师型”教学模式。声乐表演专业教师的综合素养直接影响教学活动的开展，所以各高校应重视教师的特色发挥，提高教师团队的综合素养。因此在教学培养过程中，可以采用“双师制”形式实现对学生的综合教育，将教师与社会艺术团体相挂钩，聘请校外的资深艺术家或者其他高校的导师，外聘的教师可以主要负责学生的校外实践能力的培养教学。声乐表演艺术硕士生可以不定期地进行专业社会实践，参与演出，增强其职业经验，在实践中不断提升自身的专业素养。 3、注重学生自主创新意识的培养。对于声乐表演艺术硕士的培养，需要注重学生专业知识的层次、技能以及综合素养的培养，其中创新思维以及创新能力的培养是非常重要的环节[6]，可以不断提高学生创新思维以及解决问题能力。 现阶段，我国高校受到传统艺术教育模式的影响，在对研究生的培养中缺乏一定的创新性，教育模式基本是依照传统的本科教学模式进行教学，在课程设置方面缺乏对研究生教学内容与方法的创新，因此学生只能被动接受本科教学内容以及教学模式。在培养模式中，艺术研究生的培养模式与本科生有着本质的区别，本科生注重对艺术基础知识的学习与掌握，而艺术研究生是艺术的研究工作者，因此，应将学生的自主创新能力贯穿于整个教育过程，教师应强调专业知识的理论性与实际应用性相互结合，对学生培养计划的实施进行严格监控，注重学生之间合作能力的培养，不断培养学生对于实际问题的解决能力以及创新意识，体现自身的创新理念。 同时，教师应该将创新能力的培养置于专业的重点培养计划中，在教学中尽量避免传统硬性的教学方式，加强与学生之间的互动，对于教学中产生的问题与学生进行相互探讨，这样可以激发和引导学生对新观点的探究，掌握最新的艺术发展趋向。学校还应将促进该地区的文化经济发展作为学生的培养基点，在对学生进行招生调控与培养时，都应将地方文化经济作为发展重心，并在此大的发展环境下制定研究生的培养计划，不断促进艺术专业教学质量的提升。 4、企业研究生研究工作站的建立。大学企业研究生工作站主要是学校与企业之间达成协议、共同合作建立的学生实践基地，该基地的建立有利于研究生艺术专业能力的提高与创新，实现对研究生研究能力的不断提升，不断满足社会对综合人才的需求。艺术高校的全日制研究生在完成课程学分之后对企业工作站的相应职位与工作进行申请，之后在企业内开展工作并在完成基础工作的基础之上获得相应的学分，同时，研究生在完成自身的基础工作时，还可以对相关学位论文以及声乐表演专业展开研究。 结语 现阶段，声乐表演人才的培养是我国艺术教育的重要任务，我国声乐表演艺术硕士人才的培养在课程设置以及教学模式上还存在着一定的缺陷，导致人才培养的质量还不够高。因此，我国各艺术高校应该对其进行不断的探究，完善课程设置、对教学模式进行相应改革，在培养学生专业能力的基础之上，注重对学生的实践教学，这样才能促进我国声乐表演艺术硕士人才培养质量不断提高。（责任编辑：杨建） 艺术硕士论文:浅析民办高校艺术硕士(MFA)培养模式 摘 要： 艺术硕士（MFA）专业学位不同于学术型硕士学位，需建立科学有效的人才培养模式。本文从培养目标、课程设置、教学方式方法及艺术硕士的毕业评价等方面对民办高校艺术硕士培养模式进行探析。 关键词： 民办高校 艺术硕士 培养模式 2011年10月，包括河北传媒学院在内的五所民办高校通过教育部审批，正式获得研究生招生资格，这是我国民办高校首次获得研究生教育资格，打破了过去研究生招生由公办高校垄断的局面。相对于公办院校来说，民办高校获此招研资格，既是机遇又是挑战，机遇在于学校开始有资格培养高层次人才，这是对学校实力的肯定；挑战则不言而喻，民办高校的研究生培养是否正规，教育质量能否保证，就业前景如何，这些都需要用事实去证明，而建立科学有效的培养模式则是抓住机遇、应对挑战、走向成功的必经之路。 一、关于培养目标 在美国、英国、加拿大等西方国家，艺术硕士专业学位已经有了较长发展历史，如在美国，艺术硕士的教育宗旨一是强调实践性和应用性，二是强调艺术素养和专业理论知识的培养。与此相关，其艺术硕士学位授予的标准主要在于对学生的创作技能和艺术想象力的全面评估①。 我国目前艺术类高层次人才培养分为学术型研究生和应用型研究生两类，后者即我们所说的艺术硕士专业学位研究生。学术型研究生在修学期间更多地学习一些理论课程和专业研究方法，最后疲于应付毕业论文的写作和答辩，客观来说，用于艺术创作和实践的机会和时间相对很少。为了加速培养适应社会需求的艺术类人才，国务院学位委员会批准于2005年起开始在我国建立艺术硕士（MFA）专业学位，并在《关于的说明》中明确指出：“加快培养大批高层次、应用性艺术专门人才是我们文化事业繁荣和发展的关键，是满足人民群众日益增长的文化需求的根本保证。”其中培养“高层次、应用性艺术专门人才”即是艺术硕士的培养目标。 对于首次获得招研资格的民办高校来说，应该深入思考本校专业学位研究生的培养目标。以河北传媒学院来说，MFA的培养目标要在深刻理解国家关于艺术硕士培养目标界定的基础上，将“高层次、应用性”的特点加以深化和升华。河北传媒学院将招收广播电视领域的艺术硕士专业学位研究生，旨在培养出在广电领域既精通本专业理论知识又精通实际操作流程，既具有本专业需要的综合能力又熟悉相关领域知识，能够在广电行业驾驭整套制作过程的高端广电人才。 二、关于课程设置 《专业学位设置审批暂行办法》明确指出：“专业学位作为具有职业背景的一种学位，为培养特定职业高层次专门人才而设置。”艺术硕士专业学位作为专业学位中的一种，应该以此为出发点，根据与艺术类学术型硕士即文学硕士招生对象的不同和前边所述培养目标的区别确定具体的教学内容和课程。艺术硕士专业学位培养目标（高层次、应用型人才）的实现也取决于教学内容的选择，与课程设置直接相关。民办高校应加强专业学位硕士的课程建设，这是保证教学质量的关键环节。 首先，不可忽视理论核心课的重要作用。艺术人才的专业成才周期长，相对来说文化底子普遍薄弱，这也是在进入工作岗位后专业层次不易提高的重要原因。艺术硕士研究生阶段的学习应该为他们提供学理论知识的机会，提高理论修养，“提高他们理解作品、表现作品和把握作品风格的能力”②。由于已具有一定工作经验，学生在进行理论学习的同时更容易自觉结合自身以往经验进行整合，加深对理论知识的理解和掌握，进而指导实践，形成良性循环。 第二，为艺术硕士研究生提供实际案例操作课程。实际案例课程也可称之为专题课程，导师带领学生结合以往实际工作经验，吸取鲜活的教育素材，开发诸如案例分析、完成实际作品等实践课程、活动课程，就广播电视领域的实际案例进行专项研究。学生不仅解决了问题，更深化了对理论知识的理解，拓宽了艺术创作视野。 第三，加强通识课程建设，培养高素质的艺术专业人才。艺术硕士涵盖音乐、戏剧、戏曲、电影、舞蹈、广播电视、艺术设计、美术等学科领域，每个学科并不是孤立存在的，尤其是河北传媒学院招收的广播电视专业，与其他几门学科关系十分密切，存在共性层面，也有不同之处，学生需要全方位了解相关学科知识，精通一两门相近学科专业。另外，对于攻读艺术硕士的研究生来说，入学前大部分忙于实际工作，缺乏高层次文化素养提升的机会，遇到问题不能融会贯通，这也要求我们不能忽视通识课程的建设。“学识修养能帮助艺术家从整体提高创作的境界，文化素养直接影响艺术的表现力”③。艺术硕士阶段的通识课程与本科阶段的通识课程是以艺术为主体，对本专业门类外的其他相关专业进行学习和研究的课程，旨在提升艺术硕士研究生在艺术视野、自身文化素养等方面的综合素质。 通识课程可作为专业选修课进行设置，学生根据自身特点选择感兴趣的一两门其他专业门类的课程进行学习和研究，扩大艺术视野，与本专业融会贯通，为今后的创作开阔思路。 三、关于教学方式和方法 根据培养目标和课程设置的要求，艺术硕士教育的教学方式和方法应围绕理论和实践相结合而展开。课堂讲授法虽然不再是当代教学唯一的模式，但是仍有自身优势，对于理论教学，还需要安排有造诣的名师进行系统讲解，学生通过参与讨论，与实际工作经验相结合，提高自身理论修养。 对于专题类案例类课程，学生的参与尤为重要。艺术硕士专业学位的教学应加强开放性和实践性，强化社会实践、科研实践等培养环节。可以采取双导师制，如可聘请校外知名的高职称高职务的广电行业专业人士担任实践课程教师或顾问，为研究生提供典型案例，指导学生进行操作。另外，应鼓励学生参与各类课题的研究，在研究过程中掌握广电领域各类工作的知识和流程。 在培养方式上，可以考虑采取校企合作的方式。河北传媒学院招收的是广播电视领域的艺术硕士研究生，这些学生大多来自省内广电行业，学校可与相关广电单位建立合作培养的关系，一方面学校为广电行业培养高层次专业人才，另一方面广电行业为我校MFA研究生提供实践基地，使他们有机会走进行业第一线，切实动手参与工作流程，双方达到共赢的目的。 四、关于毕业评价 艺术硕士研究生的毕业论文（设计）是学生通过两到三年的学习后，其专业实践能力和分析总结能力的专门展示。艺术硕士研究生的毕业评价需要建立起以提升职业能力为导向的考核体系和评价标准，即必须有实际作品，毕业论文要以作品为基础进行撰写，在论文中对实践操作中的诸多问题进行归纳总结，达到理论指导实践的目的。同时，在论文指导和答辩过程中，导师应积极发现好的作品，推广到社会中转化为生产力，增强艺术硕士在专业领域内的竞争力和影响力。

设计师论文:视觉传达设计师 [摘要]本文在对视觉传达设计师各个创作阶段进行了详细分析的基础上，从视觉传达设计师的非数字化创作时期及数字化创作时期出发，将个人创作的完全独立时期、合作创作时期和主导创作时期进行比较，得出了创作独立性不是一个单纯的线性发展的历史，而是随着时代不断发展变化的事件。文章最后讲述了关于认识创作独立性对于我们规划未来的现实意义。 [关键词]视觉传达设计师变化创作独立合作主控 在上个世纪二十年代，书籍设计者维岑斯创造了“视觉传达设计师”这个名称，形容“使印刷传达有结构和视觉形式的个人活动”①行为。它的意义在很大程度上预示了视觉传达设计师工作方式的独立性。从传达设计开始的一个人独立工作的创作方式，到现在由自己决定创作概念并同他人合作的创作方式，设计师们的创作状态有了很大的变化。如何正视这种变化，正确认识到自己的创作独立性所处的状态，从而帮助我们更好的发展，是非常值得我们关注和思考的。 一独立创作的视觉传达设计师 1.1非数字化时代的视觉传达设计师 在数字化设计高度发展以前，每一个设计师在设计创作时，基本上从头到尾都是一个人包干。他们通过一个人去探索主题的计划性，掌握用颜料绘画不容许有失误的技术能力，进行个人创作，直至完成作品。他们这种独立创作状态和现在处于学习阶段的视觉传达者的创作状态极其相似。正如我们所知，视觉传达设计的历史并不长，很多的设计师现在依然从事着设计工作。例如：日本的田中一光、福田繁雄、户田正寿、南部俊安，波兰的WieslawWalkuski等。在欣赏他们的作品时不难发现，虽然不是在同样的时间、地点进行创作，但他们都具有相同的特征，即扎实的手绘功底，以及从他们独特的个人视角诠释的设计作品。正如户田正寿所说：“多少年前，在设计创作时，我基本上从头到尾都是一个人包干的。”②他们所处的正是非数字化时代的视觉传达设计师的一种普遍状态，即在创作概念、制作过程上拥有主控性的独立创作状态。相对与他们，数字化时代的创作者的独立性就有了些限制,但仍有这样的一部分人群拥有创作独立性，视觉传达学习者、独立创作的设计师占拥有创意独立性人群的绝大部分。 1.2数字化时代的视觉传达学习者 社会的不断发展，使越来越多的人通过学习关于视觉传达的知识，掌握了如：Photoshop、FreeHand、Illustrator、Coreldraw这样的数字处理软件，期望能就此走入视觉传达的设计世界。他们大多通过进行假的设计课题，或参与非商业性质设计比赛的方式来学习。在这种脱离了市场运作的状态下，他们也同样拥有对创作概念上的主控性。最普遍的例子就是在学校学习的平面设计专业的学生，当然还包括喜欢视觉传达这个活动的人。在中国平面设计在线设计长廊的竞赛传真③中的16个展示中，设计者不仅是设计师们，还有更多处于学习阶段的人们。对于同一个比赛命题，正是因为有了创作者在创作概念上的主控性，才有了这缤彩纷呈的设计。想在结束学习后继续保持其创作独立性，就需要定准自己的目标，是与人合作还是进行个人创作。最好能多观察数字化时代的独立创作者的创作与运营方式，结合自身的实力求发展。 1.3数字化时代的独立创作者 同视觉传达学习者有所区别的是，数字化时代的独立创作者大多是应运市场要求和个人愿望而诞生的个人工作室的创立者，或大型设计公司的设计总监、艺术指导类的设计师。在市场的双向选择下，这些创作者依照客户的要求进行着设计创作，他们同样拥有对设计创作概念上的主控性，有时还不仅如此。户田正寿认为“作为艺术指导，首先要做的工作是决定创作概念，定了概念之后，就要挑选合适的创作人员。挑选创作人员时最重要也是最关键的事，是一定要合适那个创作概念的。否则，即使那人再优秀，也还是不用为好。②”从他的观点中不难发现这类人的创作独立性已经发生了改变，更多的是对关键事宜的独立思考，且其垄断和主控性在此得到了一定的体现。不过这并不是说他们不需要合作，脱离社会的设计是不存在的。 以上三类视觉传达设计师虽在创作方式上有所不同，但数字化时期和非数字化时期的设计师有一个本质上的相同点，就是他们都是独立的创作者。但正如历史的发展不是一成不变的一样，设计师的独立性也是不能用是否数字化来区分的，它始终是个发展的事件，独立性的变化和发展趋势就是对这种螺旋形运动的事件的分析。 二视觉传达设计师创作独立性的变化 成为一个视觉传达设计师就如同其他专业的人一样，都有一个学习的过程，因此从历史的普遍性上讲，他们大多都有过如下的几个时期：技术上学习，思想上独立的创作状态技术上合作，思想上也合作技术上合作，思想上独立的创作状态。我们不难发现这其中有个循环的变化。但设计师的这种循环和一般时间的那种线性链接的循环是迥然相异的，不光是设计师个人上的不同，更大的不同在于现代社会融合的趋势使得设计师们的独立创作状态，在不断的复杂互渗之中有别与最初的独立状态。 2.1个人创作——即完全独立状态 这是一种完全按照个人的意念、愿望来进行创作的状态。学生的创作和部分设计师的意念创作，还有一些为自己进行个人推广而进行的创作状态都属于这个范畴。追求和表现自己独特的观念、认识，并创作出能有效体现设计思想的作品，是这种创作状态存在的根本原因。维也纳的设计师卓思乐认为：“设计必须有个人风格，并传送艺术信息，个人的演绎最为重要。”④他的话在很大程度上描述的正是个人创作状态的设计师们的心里所想。这种状态如果向极端发展就会造成设计师的理想与市场的脱离，但如果发展得好就会获得巨大的成功。我在对艺术资源网世界设计师中列举的54名设计大师的统计中发现，仅有丹·赖辛格、塔帕尼·阿尔托姆、小岛良平、约瑟M·特里亚、松永真5位设计师在设计公司或广告部门工作过，其余的49名设计师要么在学校任职，要么就在毕业的时候就创立了自己的工作室或协会。他们大多都通过参加各种国际性展览来展现自己，其作品也大都被各博物馆和美术馆收藏。这可以说是个人创作状态成功方式的具体例子。当然，我们也不能忽视事物的背面，随着社会的发展设计被放到了一个很高的位置上。于是，一些设计师便产生一种“救世主”的心态，似乎一切问题都可以通过设计来解决，他们往往认为自已的思想走在普通消费者之前，而消费者根本不懂设计，因而不屑于了解消费者的思想，反而责怪消费者不懂得欣赏自己的设计，就象一个孤芳自赏的“现代艺术家”。沃尔特·格罗庇乌斯在1922年就曾意识到这点：“我们都很清楚。我们周围的事物都不是孤立存在的，而是以我们发展中的哲学为后盾的。”⑤包豪斯也曾意识到这点——“一旦包豪斯失去与外部世界的工作及其工作方式的联系，它将成为怪人的避难所。学校有义务训练那些清楚地了解他们所生活的世界的本质的人和那些有能力用他们的综合知识和想象力来创造能够象征这世界的典型形式的人。”⑤因此，我们应尽量避免进入这样盲端的个人创作当中。应当记住设计最终是为传达信息,传播资讯，与客户、技术人员以及更多的相关人员的合作能够更好的实现设计的最终目的。至于怎么样既保持创作独立性又能实现最佳的传播，在合作创作及主导创作的分析中有详细的说明。 2.2合作创作——参与创作但服从创作概念的制作 合作创作讲的就是合作，同客户合作；同设计同行合作；同需要我们的人合作。它同个人创作有着一种承接的关系，当然那种“我如何去想，决定了我怎么去设计”的想法在此是绝不适用的。随着社会分工的细化，进入公司后的设计师大多从事的是局部的设计与调整，对于创作概念的决定上处于被动的位置上。只有在设计师在做自我推广时，才恢复到独立创作的个人状态中。当个人创作状态的学习者初融社会时，就会面临这样一个需要转变态度的时期。 自动装置（伦敦皇家美术学院研究生视觉传达课程的产物）认为：“设计必须与客户合作，必须鼓励对话与增长创意，以建立吸引人们目光与注意力的支流。每个设计都以平等的方式处理，每个解决方案都是一个不断发展中的对话的自然而然的产物。”⑥“骑工作室”始终把同客户的交流作为他们创作过程中的重要方面。在《非常设计——世界著名工作室作品展例》所列举的42个工作室里有5个象这样明确指出同客户合作重要性的工作室。在与客户合作的基础上最大的变化就是创作概念的主控性上的转移。大多没有社会实践经验的设计师，最初进入公司的时候只是整个设计流程中的一个工作部分。从文案创意到设计中的美工、设计师、美术指导都是服从于创作概念的。如果说一个设计分为：构思过程－－创造事物（或产品）的意识，以及由这种意识发展、延伸的构思和想法。行为过程－－使上述构思和想法成为现实，并得以最终形成客现实体（或产品）的可行性判断和形成过程。实现过程－－以最合目的性、实用性和经济价值为目标贯穿于整个设计活动．并将完成的事物(或产品)实现其所应有的综合价值。处于合作时期的设计师大多就只是行为过程的执行者。 这个时期也许压抑了很多设计师的个人化语言，但我们依然有展示自己的空间。台湾有一个名为“垃圾桶里的创意”的设计比赛，所有只要你自己认为是好的设计，不论是被主管还是老师枪毙过的作品都可以参加。它宽泛的参赛资格（只要对创意工作有兴趣，不分社会人士或學生，黑秀网会员或非会员皆可参加。⑦）就是为了提倡不论在什么时期都应重视个人的创意，而这正是对创作概念主控性追求上无时期差别的体现。正是因为设计师们对创作概念上的独立性追求，这种参与创作但服从创作概念的创作时期一般被作为一个向主导创作发展的缓冲期。 2.3主导创作——构思独立制作合作的状态 在社会不断强调设计重要性的当今，越来越多的设计师成立了自己的工作室。他们在创意构思上独立，在制作上合作，这就是设计师创作独立性的另一种状态。例如：“假发”工作室在给大西洋唱片公司制作P.O.D的唱片标签与标志的案例中，“假发”工作室的设计师迈克尔·罗宾森先是同摄影师合作，接着请照片处理师合成照片取得了乐队想要的效果，最后同其他的设计师合作制作了乐队的标志。⑥他决定了创作概念，在定了概念之后，挑选了适合的创作人员，虽然合作创作贯穿了整个设计，但我们更应看到他对整个设计的主导性。同样从户田正寿对挑选创作人员的高度重视当中，我们不难发现，对于创作的主导性是一个贯彻于每个细枝末节的。用迈克尔·罗宾森的话说，主导创作就是：“先有一个理念，然后让很多有才华的人来分工完成。”⑥它与完全独立状态的制作相比集众家之长的设计具有相当的优势。它既能体现设计师独特的设计想法，又能补充制作上的不足，有时还能帮助设计师从被动转换到主动设计的状态。即，策略型设计。“韩湛宁：成为一个平面设计师的初期困难吗？做为一个闯入者，你如何被大家所接受，你又是如果开展业务的？欧宁：在我决定进入设计界的时候，我已胸有成竹。我不想象这个行业的大多数人一样，听命于客户的要求，因此我独立开发自己的设计项目。《北京新声》原计划是一个独立出版物，我投了一点钱用于前期的采访和拍摄，后来它得到湖南文艺出版社的支持，它完全是一个百分百体现我自己意念的项目，出版社未加任何意见。对于创作型的人来说，创作比经营更加有趣，我不想失去这种乐趣。”⑧可以说有这种想法的设计师不在少数，福田繁雄就曾在西门子移动创意营中解释过，为什么他没有工作上的助手一直都是一个人创作，“创作是那么的有意思，为什么要把这么有意思的事交给别人去做呢？”可见设计创作的乐趣正是主导性创作者所拥有的，设计师们处于个人创作时期拥有过，在合作创作时期失去了。但视觉传达学习者同样也可以进行主导性创作。也许他们有一个很好的创意，但在技术上却不能达到当初的设想，这时候寻求技术上的合作将创意最终通过最好的形式表现出来，这种创作也可以认为主导性创作。俗话说“三个臭皮匠，顶个诸葛亮”，学习过程中的不足完全可以通过合作进行弥补，最重要的是不成熟的创意和想法可以在磨合中逐渐完善。即实现了最初的想法，又学到了更多的知识，更学会了怎么与人合作。 三创作独立性的现实意义 通过观察视觉传达设计师个人创作、合作创作，以及主导创作三个时期，我们看到视觉传达设计师创作独立性变化最根本的原因，就是在个人在面对社会需求和创作需求上的转换。目的性可以作为一个坐标，如同文化有回归和超越的两种动机一样，独立性的变化更多是一种超越。从个人创作时期发展到合作创作时期是因为技术上的不足，以及人生积累上的匮乏导致；当设计师们在积累了足够的基础后，便又从合作创作时期转换到主控创作时期，这个转换意味着处于这一时期的设计师们已经将他们的目的转为对设计创作的主控性以及设计创作乐趣上的追求了。 创作独立性是具有普遍性的，表现无非是三种：一，一直保持个人创作状态完全没有进行反复变化就自我超越的一群设计师们，这样的人有福田繁雄、GUNTERRAMBOW以及在完成学习阶段后就直接在高校进行教育工作以及各个设计组织的创立者等等；二，完成从个人创作到合作创作，再到主控创作三个时期的设计师们，这是最常见的一种变化历程；三，就是从其它行业转入，直接进入了主控创作时期的视觉传达设计师，欧宁、图形大破坏工作室的成员们便是其中的佼佼者。针对个人需求上的转换，每人的经历又个有不同，用一与多的辨证关系来说，我们可以从中寻找到自己的一个定位以及发展方向。同时我们还可以看到这三种状态的交错性，对于属于数字化时代的我们更要能随时调整独立性的状态才能更好的适应发展。 在个人创作时期的学生个人创意的发挥应该处于独立的状态，在不断吸收知识的基础上发挥个人创作意识，开动个人的潜能是为将来的创作打下坚实的基础。与此同时，掌握好各类设计技能、知识，也就给自己摆脱步入合作创作时期创造了一个机会。当然连纯粹的自我都不存在，我在此所说的独立都是相对的，是指设计创作概念上的。前面说到过学习阶段的主导性创作，应被更多的重视，通过这样的锻炼我们能在协助他人的创作中将合作时期提前化，也能进行主导性创作的锻炼。当视觉传达设计者们依然缺乏商业社会的实际经验时，就应该进入合作创作时期，这样既可以学到知识、积累经验，又能避免设计师步入“现代艺术家”心态的盲端之中。学会合作，就是这个时期的首要任务。正如蒋华所言“设计作品不仅仅是做给设计师自我欣赏的，而是涉及到其它很多方面，比如涉及到最本质的传达与沟通，涉及到基本原则和技巧，涉及到客户与受众，因为设计本身是商业行为，它需要设计师与其他人之间的交流。”⑧在商业味十足的设计行业中，如何与顾客沟通？这段话也许能教会我们怎么调整我们的位置“我们首先要以朋友的心态顾客沟通，交流和讨论。这样才能真正了解、理会顾客对设计的构想和最终达到的效果。‘融合与沟通是关键’,先听顾客的想法，再提自己的观点，真正做到‘不去说服你，尽量靠近你’。要在尊重顾客个性和喜好的前提下结合自己的创意，通过讨论达到共识来设计作品，只有这样才能在设计中创造出与顾客的期望相近而又体现了设计师的水平的作品。如果顾客对设计方案有些不同意见、见解。应当与顾客交流感情，取得共识。但绝不能用‘外行’为理由指责顾客的想法。如果设计师能拿出正反两面的范例，与顾客进行交流，即不盲从盲顾客的观点，又注意从实用美学角度对顾客耐心引导，只要方法得当就会取得顾客的理解，从而双方达成共识。”⑨在这个时期，设计应归位到原点，设计的目的依旧是传达信息,传播资讯。此时的个人推广与商业创作是一致的，“潘沁：我们认为艺术性的设计与商业性的设计是一致的，是共通的，平面设计的本质都是一样的，即——传达。”⑧另一方面，就是注重设计家自身的个性修养，而个性修养则是设计师在生活实践中逐渐积累而成，这个过程越有弹性，这种对周边作品的吸纳也就越有效，对作品的排斥也就越小，二者是相辅相成的，个性积累本身对个性发展有一种推动作用，而个性的发展又能使自身的个性积累日益丰富。积累到发展是一个过程，维护这个过程是相当重要的，它是将来的主控创作时期的基础。可以说，通过合作时期的锻炼过后，已经能够认清自身的能力并积累了足够的阅历向主导性创作发展了。 学习阶段的主导性创作同经历过合作时期后的主导性创作在创作的主导性上是一致的，但从实践上又有所区别。学习阶段的主导性创作带有更大的未知性发展。 就我为例：我的毕业创作构想是通过照片的flash展示构建一个完整的我。完整是指通过镜头展现别人和我眼中的我的外表、个性特点，通过寻找共同点来表达我的各个方面，从而完成一个从外在环境到内在性格的摄影作品的体现，并通过flash的互动和背景音效使观者达到立体的感官理解。这个设计的定义一开始就明确了他人的参与，因为是表达她们眼中的我，在摄影图片的形式上我就不能进行干预只能在内容上制定一个概念。对比户田正寿“定了概念之后，就要挑选适合的创作人员，……一定要合适那个创作概念”②的标准相比，学习阶段的主导性创作在合作人员的选择上有很大的局限，这就要求在学习阶段主导性创作者在保持概念的同时更好的寻求合作。再从创作目的上对比，我的毕业创作是进行一个个人性探索，而户田正寿说“艺术指导要做的不是按着个人爱好去做事”②，这就是说进入社会化以后的主导性创作相比学习阶段的有了一个实用性的限制，创作目的从自己角度出发的创作转换到了从观赏人群出发的创作。最后对比修改完成阶段，户田正寿认为“最后到了开始印刷的阶段，从这个时开始艺术指导开始进入真正属于他一个人的世界。是否完整地表现和反映了自己所要的那种画面感觉？……在这个过程里，作为艺术指导向他挑战的是他自身，他要战胜的也是他自己”②，他说到的属于他一个人的世界在学习阶段主导性创作时期也是同样的，但不同的是在照片素材收集完成后我就进入了属于我一个人的世界。当然这个是只是个个案，但主导性创作是一个学习阶段中后期最应采取的创作方式，融合技术上的积累进行创作、合作能更早的适应步入社会后的各种环境。 四结语 作为数字化时代的学习者，面临的是即将步入社会后的双向选择，确立自己的目标也许并不困难，但维持理想也不是那么的容易。一个视觉传达设计师只有记住个人创作时期对设计概念上独立构思的状态，并在合作创作时期依然能维持这种个人性思考，才能最终发展成为一个优秀的独立创作人。且我们当注意到创作独立性是一个变化的过程，在变化中掌握好构思独立性及协同创作时的合作的角色转换，正确处理个人在面对社会需求和创作需求上的矛盾，避免脱离社会进入孤芳自赏、锢蔽自封的怪圈也是所有的视觉传达设计师应当注意的。 虽然设计师的创作状态在不断的改变，但设计的目的始终是一致的，那就是传达信息,传播资讯。表达个人思想的传播和为客户进行的传播是不一样的。在主导性创作时期不论是如何进行主控，合作都是一项不可忽视的内容。在学习阶段在发展个人创作的同时也兼顾着多进行主导性创作的尝试，能帮助我们提前适应步入社会后的工作、学习。适应社会最主要的就是要学会同客户合作，让我们记住这句话“设计必须与客户合作，必须鼓励对话与增长创意，以建立吸引人们目光与注意力的支流。每个设计都以平等的方式处理，每个解决方案都是一个不断发展中的对话的自然而然的产物。” 视觉传达仍在不断的发展，视觉传达设计师创作独立性也在不断的改变，随着设计师自身的不断进步，及对创作独立性上不同程度上的追求，创作独立性应同创意、技法一样被人重视。人们通过了解它，认清自身所处的创作状态将作品发挥到最佳的水准，并更好的计划未来同视觉传达一起发展。 设计师论文:当今设计师的修养 行万里路”之说，“读书”与“行路”都是提高修养之途径与方法，美国著名设计家与设计教育家帕培勒克（1927—1999）曾说过：“在现时的美国，一般学科的教育都是向纵深发展，唯有工业与环境艺术设计教育是横向交叉发展的”确实，设计的发展需要越来越多的不同学科的支持。这就需要设计师必须多“读书”，多“行路”。缘何如此，在于当今的设计行业绝大多数是各种学科横向交叉发展的，要求设计师的文化修养要全面，如果进一步从设计的专业本质来论述，则更是如此。 其次，设计的本质是创造，设计创造始于设计师的创造性思维。因而设计师理应对思维科学，特别是对创造性思维要有一定的领悟和掌握。心理学家巴特利特认为：“思维本身就是一种高级复杂的技能。”这种高级而复杂的技能一定不是天生的，而是后天培养的。这种培养除了专业的技能知识训练之外，还必须有良好的审美教育，情感教育和人格教育，所有这些最终都是人的修养或者设计师的修养。也只有这样，设计师通过掌握创造性思维的形式、特征、表现与训练方法，进行科学的思维训练，从思维方法上养成创新的习惯，并贯彻于具体的设计实践中，以全面良好的修养来突破固有思维模式，增强设计中的创造性，提高设计师的创新构思能力，走出“一味模仿，了无创意”的泥淖。 再次，设计不仅是设计师的个人行为，也是设计师的社会行为，是为社会服务的。这就要求设计师必须注重社会伦理道德，树立高度的社会责任感。同时，设计还理应受到国家法律，法规的保护和约束。因此，设计师必须对有关法律法规，尤其是与设计紧密相关的广告法、专利法、商标法、合同法、规划法、环境保护法和标准化规定等有相应的了解并切实遵守。这些从修养上来说，要求设计师是一个具有良好职业道德的公民，这是设计师修养方面的基础。 另外，设计是设计师的实践行为，不能停留在空间的理论上，也不能一个人闭门造车。设计师除了要有艺术设计实践技能和科技应用实践技能以外还需要有较强的社会实践技能，包括较强的组织能力和善于处理各种公共关系的能力等，社会实践技能的获得与提高，离不开社会科学知识的指导，也离不开长期的社会实践的磨练。 设计师如何提高修养 包豪斯创始人格罗佩斯曾说过：“一个人创作成果的质量，取决于他各种才能的适当平衡，只训练这些才能中的这种和那种是不够的，因为所有各方面都同样需要发展。这就是设计的体力和脑力方面训练要同时并进的原因。“人成于学”，设计师的成功还在于不断地广博的学习，在学校学、在社会学、向师长学、向学友学、向非专业人学。“三人行，必有我师焉，择其善者而从之，其不善者而改之，道之所存，师之所存也”。更要向伟大的设计师学，“不积硅步，无以至千里”。这样方能避免当今很多设计师的作品处于“无源之水、无本之木”这一现状。 著名的建筑设计大师美籍华人贝聿铭先生曾两次获得普利兹克建筑奖，我们今天从他的建筑设计作品中能感受到，他亦是两脚踏中西文化，一心作世界建筑设计的大师。就以卢浮宫的扩建工程为例，贝聿铭的方案落实伊始，争议颇多，而后赞许频频，这是文化的力量，亦是人格的力量，或者直接说是设计大师综合修养的魅力。该方案据专业内部人士评价为，贝聿铭先生让中西文化和谐的共存，以东方文明古国的审美理想形式，同时又不无精确的阐释了西方人的民主浪漫情怀。这是中西文化的和谐也是设计师广博修养的圆融境界的体现。 我国老一辈建筑学家，园林设计师童寯先生也是学贯中西的大学者，我国著名建筑大师陈植是这样评价童先生的，“由于他在中英文方面造诣极深，他的文笔不论中文和英文总是古朴凝练、流畅可与文学家媲美。”中国科学院，工程院院士吴良镛先生亦如是说，“童老是我国杰出的建筑大师，建筑学家、建筑教育家和画家。作为建筑师，他留下了如南京（旧）外交部等杰出作品；作为建筑学家，他博览群书，著书立说，将有《童寯文集》出版；作为建筑教育家，他是一代宗师，桃李满天下；作为画家，他留下了传世之作数百幅。” 如果再展开论述，放眼世界，诸如：安腾忠雄、勒•柯布西埃、密斯•凡德罗、弗兰克•赖特，丹麦的伍重等，再远些文艺复兴时期的设计师，那简直不可思议，前文已经叙说了，他们都是“全能的艺术家”。费希尔认为：观念愈高，含美愈多。观念的最高形式是人格，故最高之艺术必以最高之人格为对象之事物。罗曼罗兰说，没有伟大的品格，就没有伟大的人，甚至也没有伟大的艺术家、伟大的行动者。 一个真正的伟大的设计师除了有精湛的专业水准之外必然有不同寻常的修养。所以当有人问大文豪福楼拜是如何读了那么多的书时，福楼拜如是说，“读书就是为了活着”，这是信仰的力量，一件堪称杰出的作品必然凝聚了作者非同凡响的构思和创造，甚至，作品就是设计师人格的符号和精神的载体。“物我浑融，大象无形”，是人类一切艺术的最高境界。相反，我们也会看到充斥我们生活的很多蹩脚的设计，这也是设计师修养不足之体现，正如贡布里希《艺术发展史》中说，现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已，所谓的艺术家，从前是用有色土在洞窟的石壁上大略画个野牛形状；现在的一些人则是购买颜料，为招贴版设计广告画；过去也好，现在也罢。艺术家还做其他许多工作。如果我也套用贡布里希的观点。那么，生活中没有设计，只有设计家而已。这就是设计师的修养与其行业的真正关系，明白此中道理，也知为文之目的。 结论 总之，设计师的修养有多完美，我们的生活也就更加丰富多彩，设计师的人格有多崇高，我们的生活就会和谐美好。同时，“学海无涯，艺无止境”，我们不仅是设计师也应将目光投向广阔的前方，“路漫漫其修远兮，我将上下而求索”，因为设计的发展是没有止境的，设计师的学习探索亦是如此，设计师的涵养的养成和升华也不例外。 作者：杨广荣单位：江苏农林职业技术学院 设计师论文:设计师管理论述 设计师管理的环节 落实各项管理环节，必须采取各种行之有效措施，从设计师录取、培训到激励，都应该有一个整体设计管理思维与规则。 1设计师的录用 从管理的角度来说，应该建立一个设计人才数据库，包括设计师的设计经验、特长、个人爱好和性格特点等资料；最好由行业协会或设计协会组织统管这项工作，这是设计师管理中获取设计师的来源与依据。在招聘或委托设计师之前，要对设计项目进行必要的分析，考虑以下一些因素：完成设计任务必要的专业设计技能，挑选设计人员时，既考虑其技能也要考虑其个性；设计师来源，是从公司内部抽调还是从市场上招聘；被挑选的设计者的意愿；所需要支付的费用。 在确定招聘条件后，首选方案是从公司设计部门挖掘设计人员，如涉及到公司内部跨部门的设计师，可通过谈判、事先指定等方式来获得所需设计人员；如果从外界市场招录设计师，也可以通过设立顾问、咨询、招聘专职或者兼职设计师等形式来进行录用。 2设计师培训 培训的目的是让设计人员掌握设计任务所必要的基本技能，设计师的培训工作可以分为四个步骤进行。 2．1确定培训目标 对比设计师现有能力与今后工作岗位所需能力，找出差距，确定需要做那些培训。培训目标的确定可以参照不同行业与类型设计师资格的评定标准。 2．2制订培训计划 将培训目标细化、分段化，通过任务分析和工作绩效分析，明确培养具体要求，根据要求制订培训计划。通过建立一个细致的、有条不紊的能力培养计划来提升设计师的工作能力。 2．3选用合适的培训措施 在职培训，通过设立专职培训人员专门负责对设计师定期进行再教育。工作指导培训，对于复杂的设计工作，由培训人员一步一指导怎样完成工作。开展讲座，聘请专业设计人士或专家讲授设计经验体会，传授设计技能，开拓设计眼界，以达到迅速简洁地传授设计知识与技能的目的。采用多媒体技术，通过电视、录像、电影、录音和互联网等多种媒体手段与方法，获取设计信息，提高设计技能。 2．4合理评估培训绩效 对设计人员接受培训前后的学习、反应、行为和成果进行比较，对培训计划进行合理评估，以期在今后培训中避免问题，发扬可取之处，提高培训效率。 3设计师激励机制 设计师的工作状态与心情对于设计工作有很大的影响，采用合理的激励方式与措施来调动设计师的主动性与积极性非常重要。 3．1激励方式 一般意义上的激励有两种方式：外在激励方式，包括晋升、授衔、福利、表扬和认可等，见效快，但不易持久，处理不妥有时会降低工作情绪；内在激励方式，包括责任感、荣誉感、学习新知识和新技能等，所需时间长，见效慢，但比较持久。结合设计工作的特点，通常有以下三种基本激励方式：实行“参与制”。使每个设计师意识到设计师是设计项目中的一分子，股份制公司可以考虑让设计师拥有公司的股份和分红。激发责任心。这就要求工作要责权分明，要赋予设计人员更多的责任，这比“参与”更细致，更具体。鼓励建议。激励设计成员开发脑筋，多提建议。 3．2激励措施 激励设计人员，必须采用行之有效的措施调动设计人员的工作积极性，给他们提供施展才华的舞台。具体激励措施有如下几方面。改进管理方式。管理中以表彰积极因素为主，惩罚消极因素为辅。促进相互交往。采用一定的方法，促进设计师之间及设计师与外界的交流和交往，使设计人员得到安全需要、社会需要和尊重需要的满足。改进工作设计。通过增加设计工作中的激励因素，提高设计人员的满意度，以便能全力投入设计工作。创造良好的设计风气。合理设计激励措施有利于形成学习先进，鞭策后进的设计氛围，使设计师更加努力、踏实地为完成设计任务服务。 3．3激励策略 设计师属于知识型员工，具有较强的自主性和创新欲，而且设计师工作的过程难以控制，设计成果也难以衡量，设计师还具有流动意识强，蔑视权威等特点。在设计管理中，需要正确看待这种特殊性，可以从以下几个方面实施一些激励策略。通过建立一个宽松自由的工作环境，使他们能在既定的组织目标和自我考核的体系框架下，独立自主地完成设计任务，这有利于促进其进行设计创新。实行弹性工作制。设计工作具有特殊性，固定场所及工作时间对于设计构思并无太大意义，大多设计人员喜欢独自工作的自由和刺激，喜欢更具张力的工作安排，设计管理要充分考虑员工的个人意愿与特性，避免僵硬的工作规则。强调以人为本。设计人员具有较强的获取知识和信息的能力，具有较强的应用、处理知识和信息能力，实行分散式管理，利于提高设计人员的主观能动性，有利于激励其主动献身与创新精神。 要重视设计人员的个体成果和职业生涯的发展，当今是一个知识经济的时代，人才的竞争越来越激烈，设计人力资源管理的一项重要任务就是要吸收、留住优秀设计人才。流动欲较强的设计人员给设计管理带来较大难度，管理者不仅要给设计人员提供与其贡献相当的设计报酬，使其分享到自己的设计成果，还要充分了解设计人员的职业发展意愿和个人需要，为其提供适合其发展的平台与上升路子。 设计团队建设 在设计人才资源管理中，设计团队建设是很重要的一个工作环节，工作团队模式是目前国际上比较流行的一种设计生产作业方式，设计团队应包括总设计师、主管设计师、设计师和助理设计师四个层次，是在工作中拥有共同的工作方法和绩效目标，且彼此承诺、相互制约、知识互补和自我约束的群体。设计团队的特点是设计人员之间没有明确分工，彼此之间工作内容高度交叉，协作性强。建立一个高水平、高效的设计团队一般分为以下几步：根据设计任务建立设计团队，明确设计团队的目标；为团队建设提供各种所需资源，包括人力资源，财务资源等；选择合适的设计师组成团队；运作后，设计团队以自我管理，自我指导为主。 在设计团队的管理中，应采取灵活的管理方法与措施，管理遵循以下原则：设计成员，其知识应具有一定互补性；要控制设计团队的规模，太大会影响协调，太小会导致负担过重，比较理想的人数是10～12人；重视设计团队的培训工作，使设计人员知识能随时得以更新，具备完成设计任务所需技能；明确团队的使命与目标，制订一定的规章制度和绩效评定标准，有效促进设计成员的工作热情，使设计成员愿意为之奋斗；促进设计成员之间的相互沟通，提高设计成员的参与意识，为他们提供工作所需的物质与精神支持，保障设计团队工作的顺利进行。 结语 在当今市场竞争日益激烈的情况下，设计师的管理已成为设计管理领域一个重要范畴，设计师人力资源管理也已经成为各大企业日益重视的一个管理方向；只有创造一个健康和谐的设计师管理环境，有效地落实设计师管理环节，创建高水平、高效的设计团队，采取灵活的管理方法与措施管理设计团队，才能有效激发设计师的创造性，提升组织的创造能力，进而提高企业竞争力，这对于企业长远发展具有举足轻重的作用。 作者：孙纯单位：安徽职业技术学院 设计师论文:设计师的价值体现 设计师的价值观与客户的价值观相互联系相互促进的作为专业设计师 我们应秉承商业与艺术的圆融，即不绝对的摈弃自己的风格偏好，也不完全以客户和实际环境的需要驾驭设计的风格形式。这也是设计方法和能力的一种体现。客户的价值观，是希望设计作品能够带来最大的商品利润以及给它的受众群众一种更强的文化品牌形象。设计师必须要学会在消费者的需求基础上，再结合自己的创意和思维及厚积的生活阅历、经验，来设计出商业与艺术圆融的作品。 合理的设计行为是价值实现的必要保证 1.合理的设计行为流程 设计行为的流程规范是由设计合约、设计工作流程，以及设计执行几部分组成。在普通设计行为程序中，我们过于强调设计的工作流程严谨性，如目标市场的调研，市场定位，客户需求，设计创意与表现等等，却忽视了设计师自我价值的实现及其生存与发展。市场竞争激烈，设计师价值观与雇主价值观的直接碰撞，导致了设计报价是一个重要而繁琐的问题。这就是造成设计师和客户之间关系的不平等，设计价值的贬值化或设计师人格尊严的损失。 2.不断创新的设计价值观是设计合理性的持久动力 随着科技的进步，新材料、新技术、新工艺的不断出新，为设计行业追求全新的趋势提供了取之不尽的元素;加上信息时代的到来，经济的发展、社会的进步、行为方式的改变、审美情趣的变化，设计的脚步都跟着时代的脉搏，反映着时代的气息,以更亲近自然的设计语言，体现设计个性，反映创新意识。这样关爱人群的人性化设计才能为动态化设计注入持久新鲜的生命血液，所以不断创新的设计价值观是设计合理性的持久动力。 形式和功能的完美融合，是设计作品成功和价值实现的和谐统一，也是正确的设计价值观的表现。设计因为有着市场的商业因素和客户的价值利益关系而变得异常复杂，树立正确的设计价值观是保障设计师在设计行为过程中能够谦虚谨慎，并拓宽思路，追求商业价值并考虑客户以后的隐性利益。这也是设计师人生价值实现的最高目的，并以此达到设计市场与时代气息的和谐发展。 作者：孙丽娟单位：武汉纺织大学 设计师论文:设计师的知行观念探微 中国正处于一个发展和大变革的时代，市场条件下的设计师面对着复杂的环境，作为一个关于设想和计划的职业，承担的责任不容小视。在设计师的培养中，学校教育占有重要的作用和意义，中国对设计师的培养任重而道远。 比如当下中国的最著名的几座建筑：鸟巢、水立方、国家大剧院、央视新大楼等都出于国外设计大师之手，真正需要现代设计的时候却发现，只能让国外设计师来完成，这说明了我们整个设计教育还需要有很大的提高，才能培养出能够完成现代设计的设计师。设计专业的源头在德国的包豪斯设计学院，这些设计理念和大师的名字、大师的作品，对每个搞设计的人来说都是耳熟能详，但为什么却做不出具有创意的现代设计？倒是抄袭、伪古典层出不穷。 根本上还是没有把现代主义设计真正的内涵发扬和保持。我们现在所处的环境、背景和现代主义设计创立之初并没有什么本质区别，所谓的什么后现代也只是个说法，所用的材料钢筋混凝土，社会结构和柯布西耶、密斯、赖特等大师的年代没什么差别，所以现代主义方兴未艾。现代主义设计的初衷和信念就是让每一个社会成员都能住上宽敞明亮的房屋、使用物美价廉的工业产品，所以才设计成简洁的几何形，所以“装饰就是罪恶”。 这是现代主义在设计上的反映，是崇高的信仰。这就是我们所“知”的现代设计，那么我们所“行”呢？现在设计装修行业的设计师盲目追求形式感、为了设计而设计大行其道，浪费随处可见，污染随处可见。有一个资料表明，在北京百分之六十以上患白血病的儿童有一个相似点，就是家里五年内有过装修，这是非常可怕的数据，这说明我们的装修设计存在着巨大的问题，设计本来是让人生活的更方便更美好的，带来的问题却是毁灭性的，这严重的违背了现代主义的设计理念，这不是“知行合一”。 “知行合一”是尊重每个公民个体、人本主义、向善的信仰。首先，教育专业的教师要做到“知行合一”。很多教师也参加设计实践，但是却和市场上的商业设计师区别不大或完全一样。这样的话，学院存在的意义是什么呢？学院的教师有什么资格不被更适应市场更懂得利益最大化的商业设计师取代呢？有人说没办法，环境就是这样，适者生存。我更相信说过的话“星星之火，可以燎原”。对设计理念的信仰，对职业的信仰是学院教师存在的根本意义和要求。学院不能被市场牵着鼻子走，只有两者共同发展相互影响才能促使整个行业的良性发展。 其次，对学生职业素养的塑造和对其自身创造力的支持。学生对设计就是一张白纸，教师画下的图案有可能成为他的职业图腾。所以在课程中应当潜移默化的使之产生对设计的信仰，这会影响到学生成为设计师后的行为。现代主义就是要尊重个人，所以对学生的思想和看法要予以充分的尊重和引导，使他的创造力能尽情的发挥出来，这才是一个设计师应当具有的基本能力和素质。设计行业的发展需要每一个从业人员自身的努力，“知行合一”的信仰力量具有巨大的推动力。 作者：李健康单位：洛阳理工学院艺术设计系 设计师论文:环境设计师管理论文 买房就是买环境 气度不凡的凯旋门式的小区入口处，水清岸绿的湖畔美景，绿草如茵的休闲空间、错落有致的建筑群落…… 眼下，人们对于住房的需求，正伴随着消费水平的提高而转变。居住空间大、生活环境舒适的低密度住宅，越来越受到购房者的欢迎。近年来，低容积率的别墅房销售量一直走高，正说明了环境的重要性。现在，许多住宅小区的一大特色就是整体的优美怡人环境，许多购房者正是冲着这种小区的氛围而竞相选购。 “消费者买的不仅仅是房子，还有恬静幽雅的环境。”不少房地产开发商如是说。 而恬静幽雅的环境，则需依赖于环境艺术师的创意设计。 景观设计师“一将难求” 要做到这一点，拥有更多的优秀环艺景观设计师，乃是关键。 然而，如今要找到一名优秀的环艺景观设计师谈何容易。景观设计师为何如此稀缺？华东师范大学环境艺术研究所副所长、改革开放后的第一批海归学者徐思基教授在接受本报记者采访时指出：首先，国内高校目前还没有专门的环艺景观设计专业，一般只有园林设计专业。国内对环艺景观设计师培养方面的欠缺，造成了这一类人才的缺乏。几乎业内所有的景观设计师均为建筑、园林专业“改行”。再加上国内景观设计本来就起步晚，缺口大，也造成了这一专业的冷门。 其次，好的景观设计师需要实践磨砺，刚毕业的大学生必须经过三至五年的实际工作锻炼才能逐渐胜任这一职位。第三，国外专业人才难以胜任国内的环艺景观设计。虽然在环艺景观设计方面，国外许多专业人士的经验和设计理念值得学习。但是，割断了地域文化和风土人情的设计，可能无法在中国找到根植的土壤。 景观（Landscape），无论在西方还是在中国，都是一个美丽而难以说清的概念。地理学家把景观作为一个科学名词；艺术家把景观作为建筑物的配景或背景；生态学家把景观定义为生态系统或生态系统的系统；旅游学家把景观当作资源；更常见的是景观被城市美化运动者和开发商等同于城市的街景立面、霓虹灯、房地产中的园林绿化、小品和喷泉叠水。徐教授说，环境艺术设计是一门集景观分析、规划、设计、管理、保护的科学艺术。现代景观设计理论强调设计的基点是以人为本，在更高的层次上协调人与环境的关系，以维护人和其它生命的健康与持续。因而，环艺景观设计师必须是能够运用现代设计理念，能够独立从事景观设计的专业技术人才，他或她应该是可持续人居环境的规划设计者、创造者。 随着我国加入WTO，国内经济飞速发展，与国际交流日益频繁，作为传达信息和宣传自身形象的重要手段，现代设计的重要地位日益凸现，并已逐渐渗入各个的领域。“在当今和今后很长一段时间内，环艺景观设计专门人才将成为市场需求的热点。”徐教授说。 目前的尴尬现状 近日，上海市政府决定，从今年起，每年拨款约2亿元对城市容貌进行“精雕细刻”，以提升全市的整体城市面貌。这项浩大工程的开展，就必须要由环艺景观设计师的精心设计。 已在上海乃至全国无数环艺景观作品等身的徐教授，谈起当今的现状时仍忧心忡忡。近20年来，随着我国城市化的速度和规模空前地加速加大，城市广场、街区、公共建筑、住宅区开始强化环境设计，环境设计与施工队伍急剧膨胀，每年的产值高达数百亿、上千亿之多。但是，作为一个行业和学科，尤其是作为一个综合性的产业，环境艺术在我国还没有公认的行业标准、行业规范，环境艺术设计尚处于边缘状态。由于缺乏具有综合性知识的环境艺术设计师，一些重要的环境艺术项目往往成为城市设计中的败笔，比如，城市雕塑没有很好地作为环境艺术整体设计中的内容，成了打补丁的东西。有的城市改造，照抄照搬外国的东西，把民族的、本土的、个性的东西丢失。 从东到西，从南到北，城乡面貌变得越来越雷同相似，城市、乡镇仿佛失去了记忆，难以使城市环境艺术的规划建设充分体现出民族化、地域化、个性化。 设计师论文:工业设计师质疑管理论文 “设计，绝不是简单的美化” “不管是专业的设计公司还是大型企业的设计部门，在甲方（项目委托方）或老板（另一种意义上的甲方）面前，往往经不起质疑，一质疑就往回缩，”黄蔚对当下设计行业的抨击相当直接。 设计师，你们为什么不能坚持？为什么如此不堪质疑？ 黄蔚一语道出了个中的秘密：“他们只会简单地把二维变成三维，他们说不出设计背后的故事。” 在黄蔚看来，设计行业普遍缺失的是与甲方对话的本钱，他们没有能力去了解甲方真正的意图，他们不能切中要害的表达甲方希望表达的内涵，他们最终只能做一些表面的功夫。 “看看这个茶壶，”黄蔚随手拿起这家五星级宾馆茶厅里的一个茶壶，“看看这上面的花纹和图案，有必要吗？或者有，或者没有，设计师本人也说不出其中的所以然，当然不能说服甲方去接受了，最后勉强做成了这样的怪物。” 这种现状让本来在设计界声誉雀起的黄蔚毅然改变了继续做一个设计师的想法，决定从设计管理入手来优化整个设计队伍和设计行业。于是便有了中国第一家设计管理公司——上海桥中设计咨询管理有限公司。 “差距在于延续性” “我们不缺有灵感的家伙，披着长发故作深沉的设计师比比皆是。我们缺的是一种延续性。国产手机与国际大品牌之间的差距在于一种延续性，我们可能偶然能推出一款让人耳目一新的产品，而诺基亚的产品每一款都有来历和去路，每一个系列都有源源不断的替代产品，这种差距源于对设计产业的整体把握，也就是我们所执著的设计管理，”黄蔚把她的工作提升到了整体产业水平的高度。 黄蔚还直言不讳地表示，目前的中国设计行业是一个没有大师的时代。要造就出色的设计师，需要更多的时间的积累，但这种积累绝不是简单的叠加，而是需要一个个鲜活的案例来支撑。设计师们在创造设计的故事，这些故事能否像史诗那样传唱下去，那就要看设计师们能否从“灵机一动”中脱胎换骨，成为能够扎扎实实延续下去的历史。 “红棉奖”生逢其时 黄蔚非常欣赏广州市政府能够有眼光举办广州国际设计周并进行“红棉奖”-2006中国原创产品设计大赛。 黄蔚认为，目前以广州为代表的珠三角地区非常需要通过设计来提升整个制造业的自主创新水平，不能再停留在以简单的加工业水平上了。 她还认为，目前珠三角地区的设计水平与上海和北京之间，开始有了一定的差距。她举例，日产汽车将最大的生产基地放在了广州，却把研发基地放在了上海，其中的主要原因是目前珠三角的设计能力不足以支撑其产业的后续发展。尤其是国际化水平，在上海，相当多的设计团队采用中外合壁的运作模式，而在珠三角，这种团队却是凤毛麟角。 她表示非常高兴能够被主办方邀请担任“红棉奖”评委会主席，她希望通过这一奖项推动整个珠三角产业自主创新意识，迅速接轨国际化的设计产业理念。 设计师论文:室内设计师艺术管理论文 林伟而的公众身份是香港著名室内设计师，以办公室设计知名，耐克公司亚太地区各地办事处几乎都是他的作品，营造办公人性化氛围正是林氏设计最有特色的地方。 一身儒雅之风，庞大的艺术收藏品将林伟而与其他香港室内设计师区分开来。林伟 而在香港的办公间坐落在维多利亚湾旁的香港艺术中心内，汉朝雕塑、雕像、古董收音机、现当代中国绘画作品如同被检阅的士兵，稳当伫立着，静候对面办公桌前的主人。 最引人注目的当属主人收藏的上海画家丁乙的格子画。“这是旧作，温和、恬淡，不如作者现在的作品色彩那么浓烈，但我还是喜欢这幅作品。”林伟而的徐徐语调，显出一位典型中产阶级的审美观，温和、优雅、审慎，恰如他本人与他的设计作品本身。 “艺术品可以使办公室更加人性化，可以更好地为商业服务。国外很多大公司前厅都排放了与他们文化相吻合的艺术品，当你走进去时，你会感觉到非常亲切。”他这样说。除了在自己的办公间挂起上海画家丁乙的作品外，林伟而在会议厅内也挂上了自己的摄影作品，这为每个与他洽谈业务的人找到了最自然了解他的捷径。 在频繁往来于香港、北京、上海、曼谷自己的分公司时，他逐渐将四地的艺术作品挑选进自己的工作间，一切如同10岁时那样，那年，他第一次跟随父母去英国，小林伟而为自己购进了第一件艺术品。此后，艺术如同空气，融入他的生活，也进入他的每一件室内作品。 和耐克一起成长 1993年是林伟而生命中转变之年。36岁的他，和几位设计师共同创立了思联建筑设计有限公司。这年，耐克也在香港开设了第二家专卖店。毕业于美国最好的建筑大学—康乃尔大学建筑系，在波士顿做过6年注册建筑师，林伟而的国际化背景获得耐克公司的青睐，双方开始了第一次合作。 “我在美国做过6年建筑师，当时回香港没有考虑住这么久，结果做下来十多年，一直都还不错。”从1993年起步，自香港开始，林伟而的设计生涯随着耐克公司在中国、亚太地区的扩张而壮大。广州、上海、北京、曼谷、名古屋，耐克不同区域的办事处以及专卖店都有他的影子；1995年到1998年，他设计的耐克曼谷、香港、上海、广州、北京办公室屡获亚太室内设计奖、美国建筑师学会奖、香港设计师学会奖。这些业绩和荣誉，树立了林伟而在业界的地位。 营造办公人性化氛围正是林氏设计最有特色的地方。林伟而的父亲是马来西亚拿督，他的童年许多时间在五星级酒店度过，这些人性化的优质服务对他的成长影响很大。他说：“人性化、开放式办公室设计可以带来活力，我喜欢将茶水间改造成开放式的咖啡厅，员工工作疲惫时，可以在一起聊天，就像朋友一样，自然亲切。”耐克香港办事处的阅读区域用活泼的明黄色调烘托出来，员工还可以坐在榻榻米风格的桌前自由翻阅各种书籍。 林伟而为上海通成推广公司设计的办公室是他的代表作。办公室位于外滩老建筑内，通透宽敞，以现代感十足的开放式玻璃相连接，同时保留了老建筑华丽的细部，设计了酒吧、读书室、壁炉，员工餐厅内甚至看得见外滩全景。这种近乎奢侈的现代居家环境式的办公室为他赢得三项大奖，其中包括2002年度亚太区室内设计大赛商业组冠军。 一次考试经历让他的设计理念发生转变：“我在美国参加建筑师资格考试，时间大概是9个小时。我带了一个小包去参加考试，而我的邻桌带了很多东西，有屏风、椅子、家人的照片等等，把考场当成了自己的家。我当时觉得他很夸张，后来想他是尽量营造一种自己熟悉的氛围，可以发挥自己的潜能。这一点令我后来的空间设计受益良多。” 艺术血缘 林伟而对现当代中国艺术持有浓厚的兴趣，丁乙、薛松、曾凡志的作品他不仅喜欢，还收藏，“我觉得中国艺术开始有自己独特的理念，中国经济开始起飞，艺术家也在不停地改变。一个艺术家没有改变的环境，做不出好的艺术。中国正是出好的艺术作品的年代。” 让林伟而兴奋的艺术环境，也让设计师本人从艺术收藏者变成创作者。2005年6月，他举办《灵气》摄影展，向人们展示一位建筑师视角内的香港建筑物—香港会议中心、中环、大会场、交易中心等。每一张浮光掠影、模糊不清、近似印象派的建筑图片背后，都再现了作者对时间、城市、建筑的思考。 具体设计风格上，这名受现代艺术影响甚深的设计师，近年更多把精力放在以现代手法解释传统中国古典设计上。比如在九间堂别墅室内设计中，他把中国古典的云彩、明代案几、中式的亭台靠背按照现代设计理念，以钢材料做变形，使古典家居设计更抽象、简洁、现代。 2003年中秋，他在香港维多利亚公园里创作了一只“大灯笼”，高15米、宽35米、360度环绕、800根竹竿组成，外有竹篱、内有竹台，彩灯追逐灯笼，水池飘浮莲花，灯影、竹影、人影，再加上金木水火土搭配的材质，大都市里的中秋赏月被处理得传统韵味十足。而大灯笼内，抬头可见苍天明月，四周却环绕着4部投影仪放映香港短片，让人不知今夕是何年？10天的中秋赏月，有10万港人观看，给非典过后的香港带来了欢乐。“建筑和公共艺术原来是可以共存的”，林伟而认识到自己设计的力量。 设计师论文:设计师使命研究管理论文 设计师的使命 在一个思想自由的时代，似乎总有越来越多的人梦想成为设计师，也总有越来越多的设计师在实现设计理想与处理客户关系的商业过程中感到迷惑不解。当我们面对众多令人失望的家庭计划时，无论是客户、准设计师、室内设计师、还是具有建筑学背景的建筑设计师，都应该首先回到这样一个看似简单却又很关键的问题：室内设计师的使命究竟是什么？通常的理解是，室内设计方案就是对天、地、墙的装饰，门窗、设计的选择，以及家具、布艺以及装饰品的布置。这些工作中，有很多已经存在了需要遵守的法规、规范，或可以遵循的知识及规律。但是，除了环境硬件的改造之外，家，更是一个用来居住、充满了个人行为的场所。因此，设计的基本着眼点永远是:生活其间的人，生活其间的家庭。如何把握一个空间环境向参观者所直接或间接地传递某种气质，使使用者对环境产生归属感，则是远远超出规范之外的东西。理解并实现这个目标，便是一个专业设计师的使命。 设计师的背景 在确立了这个基本着眼点之后，我们必须还要严格地界定一下一个合格的室内设计师所必须具备的专业背景:必须系统地掌握应用心理学、社会行为学、基础室内物理学;必须熟悉建筑学以及环境艺术学;必须不断跟踪世界范围内装饰材料与家具陈设的设计与创新动态;必须不断地从工地与实际生活中补充实践经验与实际生活体验的不足;必须对新的生活方式、人与环境的关系具有高度的敏感心。上述知识背景的要求是基础的，一切个性化的思想、风格、品味都应该是建立在这样一个共同的背景之上。对于一个刚刚跨出校门的本科毕业生来说，如果希望成为一个直接面对客户的独立设计师，在一个拥有再教育机会的专业环境中学习5-10年的时间是合情合理的。 好设计的来源 一个好的设计的决定性因素，至今都没有一个统一的结论。我个人希望年轻设计师注意以下两个方面的问题： 第一，平衡原则。在着手进行一个空间规划时，必须时刻把握这个原则。因为平衡是人类活动的自然表现，从孩童学步到驾舟乘风破浪，人类的一切自身活动都在努力追求一种平衡。对于一个家庭空间来说，平衡原则也同样重要，空间的布局，装饰元素的组合都需要讲究平衡的原则。 第二，想象力。想象力是如同诗歌一样的艺术表达方式，但决不是对现实的扭曲。想象力应该能够体现出个人对于现实世界的认知、看法以及掌控的程度。想象力来源于时间与空间的组合，来源于信息的接收，来源于个人的知识与修养。 好设计的工作思路完成与实现一个好的设计，应该具备明确的工作思路。 第一，针对一个既有的场所，开始阶段的工作必须从客户目标、优先重点、基本规范、现有局限以及改造余地五个方面入手。 第二，在了解并掌握了上述信息之后，才进入方案研究阶段。即针对上述五个方面的信息，把满足主人一切日常生活基本需求的所有元素在设计方案中体现出来。这些生活需求的基础设计必须得到主人的认同。基本需求得到认同之后，便进入到对于方案的视觉效果及形象实现的共同认可上来。无论是设计师还是客户，都必须意识到，这个认同的过程往往是双方都能得以提高的机会，也是改变、优化生活方式的一个过程。生活环境的变化和人自身的变化必须是同步的。 欧洲室内设计的基础理念 第一，欧洲室内设计的首要目标在于满足客户生活的基本需要； 第二，欧洲室内设计所追求的是包含天、地、墙、家具及陈设品在内的整体环境的风格与质量； 第三，欧洲室内设计注重材料的选择，更注重品牌、质感。因此，更为理性，更重实用性。地面材料的选择上，由于木地板等热材料更适合于休息区域，瓷砖及大理石等冷材料应用于客厅区域，所以，我们不会因为实木木地板更昂贵而回避瓷砖;墙面处理上因空间功能需要而选用不同的颜色，天蓝、蓝、绿更适合休息与思考，较为适合卧房及书房的墙面，而黄色、米色等较为中性的暖色则适用于客厅，餐厅等白天活动的区域；吊顶的应用主要是强调空间的独立性，所以点到为止，决不过分夸张；窗帘布艺的选择方面我们更看重与窗户造型、家具在色彩与风格上的协调性;灯光的选择方面充分注意灯光的冷暖、间接、直接等特点；我们会在方案阶段与客房就一些装饰画、装饰品的采购与布置及时沟通，预先考虑等等。 中国室内设计理念上的差别 东西方室内设计在理念上究竟存在着哪些差异？很多时候，我都在思考这个问题，通过这两年与中国的合作，这里，我谈一下我个人的一些认识: 在中国，持续了近10年的经济高速发展，给建筑业创造了极为广阔的发展空间。从我到过的几个大城市中，经常可以看到汇集了当代最优秀的理念及经验的建筑。应该说，作为设计师，我十分羡慕甚至有些嫉妒我的中国同行们处在这样一个充满了机会的时代。 但是，具体到家庭住宅的设计来说，以下问题，我认为有必要提请有关政府主管部门、设计同行以及发展商关注： 例如，自然采光问题还没有引起规划部门、发展商、建筑师的高度重视，这一点不仅表现在朝向与门窗设计上，同时，也体现在很多建筑相互之间的间距上。再如为了充分利用容积率，导致很多多层公寓的面积及高度比国际流行标准要低;又如从设计院到建筑主管部门，都存在各专业分立又经常互不通气的局面，结果往往造成各种管理及仪表排放混乱，很多管道不仅全部外露，而且常常不允许改造，造成客户使用空间的巨大浪费;又如发展商为了降低造价，往往忽视大堂、电梯间、楼梯间的设计与卫生质量，造成物业整体素质的下降。我希望在此呼吁无论是政府主管部门，发展商还是建筑设计院都能更多地加强市场调查，并增进与室内设计师的专业协作，加强基础的家具及家政知识，以便从项目规划、结构设计时就开始考虑未来使用者的切身利益，考虑各空间尺寸的合理性，特别是卧室，卫生间，厨房等这些着重体现生活品质的空间。政府的协助，设计院及发展商的这些用心与考虑，必定能够有效地避免业主不必要的、额外的改造花费并形成“房子好看又好用”的口碑。 而消费者本身对于如何合理地完成一个家居计划的理解与行为，也表现了很多的误区： 最主要的是过分地强调与夸张天地墙的改造与装饰的重要性。很多情况下，对于天、地、墙的装修会花费掉整个家居设计中的绝大部分，而其中很多部分装修出来的效果带有十分明显的、过分的张扬欲及表现欲，似乎很少人真正地意识到房子是给自己用的。我希望业界能向客户更多地引导一种正确的思想，家居计划的最根本目标在于改善、提高生活其间的主人自已的生活质量。同时，还要帮助客人树立关于私密性、功能性、雅致以及文化品位等全面的考评标准。虽然这个行业在时时刻刻地发生变化，但是，提高生活质量的使命是永恒不变的。 其次，是关于保持传统的问题。在设计领域，保持传统是一种尊重历史与文化的心态，而不是简单的复古或仿古。室内设计风格的变化如同时装，推陈出新的速度是不以人的意志为转移的，现代人的生活需要现代的环境，现代的物品。然而，一件过去的物品，一个年代久远的古董，无论价值多少，都会引发人们心灵深处对于文化与家庭渊源的一些思考。 环保问题也是需要消费者引起高度注意的一个问题。积极主动地使用一些无毒，无污染的装修材料，更换绿色电器，选购一些可循环材料制成的家具，减少木材的使用都会对保护环境，提高下一代的环保意识起到实际的促进作用。 最后，希望消费者量力而行，科学预算。要注意的是一个完整的家居计划包含着设计、装修、家具配套三个方面的工作，从投资预算的角度要全面把握，一般来说，装修与家具配套的投资比例应该在1:1或1:2之间，目前很多消费者实际支出的比例是倒置的。如果我们把原本应该体现给工业设计师、室内设计师的附加值都交付给了木匠，好的设计又将从何而来呢？ 设计师论文:建筑设计师建材管理论文 建筑设计师在建材产品工程市场推广过程中起着一定的作用，本文将分析并阐述发达国家设计师如何介入产品规范的设计与推广 一．什么是规范（Specification） 规范是指对应用于建筑工程的材料、设备、固定装置的文字性描述和使用目的阐明。再恰当一些讲，规范是指详细描述指定使用建筑材料与装置的构成、安装施工和完工要求。 与详细的施工图纸配合，规范显示了指定使用的建筑材料是如何被应用的。 规范也可以指建筑设计师和工程师对承包商的施工要求；所有在建筑上应用的材料的性能要求和质量定义；使用这些材料在建筑上所要达到的目的的可靠保证。对建筑承包商而言，规范也是他们在投标时确定材料费用和人工费用的基础。最后，规范也是业主和承包商之间有法律效应的承包合同的一部分。 二．谁写规范 由于规范对传达设计师和工程师要求和目的起着关键的作用,并且会从法律上保证完成这些要求和目的,所以写出的规范必须精确、清楚、完整并能反映建筑意图。所以说，规范一般是由有经验的设计师和工程师撰写，并且在任何情况下受到负责注册设计师和认证工程师监督。规范也可能由外部的咨询专家撰写（如结构、材料、机械、电气工程师等），他们与负责项目的注册设计师和认证工程师关系密切，并且受到他们的监督。 对规范撰写者作用的一个注解 因为规范经常需要由设计师事务所的合伙人和负责人准备，现行约有1/4的事务所有规范撰写人，这些人中的8/10本身就是注册设计师或工程师。在很多情况下，这些写规范的人都与材料生产商代表有直接联系。 这些规范撰写者对挑选材料具有很大的影响力，他们的作用就是将设计师的愿望以“规范”的形式付诸文件，所以讲真正“规范”产品的不是规范撰写者，而是设计师。 “设计”先行于“规范”，设计理念的方向决定了材料规范。 三．规范的主要形式有那些 有五种主要的规范形式 1.排他性或单一品牌产品规范 这种类型的规范声明只有规范上写明的产品（包括品牌、商标名、制造商）才能被接受，通常讲，这类产品比较特殊。对材料供应商来讲，这类规范一旦写上去就等于完成销售了。 举例：内墙涂料，选用某某制造商产品，某某型号系列（色号某某）。 2．多种品牌产品规范 这是最常见的规范类型，名单上列二家或更多家产品（包括品牌、商标名、制造商），这些产品都符合规范者的需求。对这种类型的规范而言，所有列明的产品都有同等机会被用在项目上。 举例：吸音砖：等级A，某某材料制作，表面预涂白色涂料，丁字对接，某某尺寸，某某、某某制造商产品 3．同等要求产品规范 在规范上写明一家或几家品牌，但同时写明，其他品牌产品只要被证明与上述列明品牌产品符合同等要求，也能被使用。 举例：防水剂：某某品牌产品或被证明符合要求的其他品牌产品。 4．开放性或同类型产品规范 产品按照一种类型的属性来描写，包括产品描述、性能等级、尺寸、颜色、符合那种规范或国家、政府标准（如ASTM标准）。当对类型产品标准的关注超过品牌、商标名、制造商等因素时、会使用这种形式的规范。 举例：波纹镀锌高拉伸力钢：E级，波纹镀锌高拉伸力钢材，表面涂覆，镀锌符合ASTM某某标准，具体型号及重量按设计要求由供应商推荐。 5．性能规范 同上述第四种规范相似，指明材料必须遵守某种性能标准，承包商必须寻找到符合这种性能标准的材料。必须注意，在这种规范上不会出现品牌名字。 四．每一种类型规范的使用比例 设计师和工程师喜欢写明产品品牌的规范，因为这种规范锁定了品牌、阻碍了在项目后续施工阶段替换产品的企图。据市场研究，各种类型规范的比例是：排他性或单一品牌产品规范4%，同等要求产品规范6%，多种品牌产品规范57%。以上规范都有指定品牌，总计67%，开放性及性能规范占33%。 五．被“规范”的重要性 设计师和工程师对新建筑产生最初的“购买影响”，他们负责对所有大型住宅建筑和非住宅建筑超出90%的部分进行规范。这种购买影响通过图纸发挥出来，这些图纸决定建筑是怎样被建造、被规范的。建筑由什么材料建造，怎样安装设备。 所以，要想占领新建筑市场，就必须使产品被“设计”与“规范”。 六．规范的效力 当规范写明品牌时，它们的效力非常高。有研究表明，当规范写明品牌时，最终有87%的品牌产品最终投入工程使用，剩余少数变化，也是由于设计师和工程师自己在投标和施工阶段因某种原因改变。 当情况是同等要求产品规范时，与上一种规范相比，就有了可操作余地。承包商有权寻求替代产品，有很多原因让他们这么做，但主要的原因有三种： 2他可以寻找到更便宜的产品； 2指明品牌的产品无法按时按地交付； 2替代产品施工更方便。 由于大多数承包商都会承诺在施工完毕一年内，会对由于材料与施工原因对建筑造成的损伤进行保修，所以他们由理由关心采购指定品牌产品的费用及合同中有关争议、诉讼解决的条件。 另外，也必须注意到，由于分包商施工产品的经验很丰富，所以有时候从保证质量出发，他们也会向设计师提出更换产品。 尽管承包商有很多理由要求更改材料，但他们必须在设计师规范的条件下进行。他们首先必须递交“同等效力”的证明，然后获得设计师的书面批准。 在设计师批准更改规范之前，由于他对原来被规范产品的美学效果、功能、经济性很有信心，所以他会在价格、供货方式、施工方便性方面对新老产品作一个认识上的平衡。 七．设计师怎样改变规范 当设计师和工程师准备接受改变规范或替换材料，他们有几种方式指示出来，下面举例说明： 1．材料批准—只要是在规划和规范中选定了某种品牌的材料，这也意味着设计所希望达到的目的和质量要求已经确定了。所以，承包商必须认识到，假如他想用其他材料，他必须得到设计师的批准，以证明他用的材料在质量和适应性上与原来材料一致。承包商必须在工期前25%时段之前提出更换请求，并且要在60天内和在订货前得到批准。 2．被指定材料的品牌、商标、供应商及说明书的内容是供应或投标合同的基础，除非双方另行约定。当规范中列了两个或更多个品牌材料的时候，承包商有权自由挑选。当承包商试图用规范外的材料替代时，他首先必须申明，写明替代品和替代可能发生的承包金额差别，并且最终被批准。 当承包商提出的材料变更请求需要结构上改变或对建筑物或设备进行更改，则承包商必须递交（待批准）图纸以表明这种改变或更改是必须的，在上述图纸被批准前，更改工作不能进行。 由于承包商提出变更材料（经批准）所引起的额外费用，全部由承包商承担，业主不用承担。这些费用包括可能对结构的改变、设备的变更、以及为了变更材料需要额外画的图纸、添置的设备。 假如，承包商经批准后，使用的替代材料或施工方法比原来规范节约费用，则多出来的钱要归还业主。 3．“或者等同”条款：意味着承包商的建议必须以这里规范的材料为基础。 4．当在合同中出现“或者等同”或“或者等同经设计师批准”字样，并不意味着替代材料、设备、施工方法自然就“等同”了，除非在投标前，针对本项目，确实经设计师批准。设计师具有最终决定权。 5．设计师拥有选择权，他接受或拒绝更换材料不需要有更多的考虑。或者设计师会提议承包商拿出一些标准，这些标准可以证明替代产品与原规范产品具有等同效力。设计师会判定这些标准，并且会要求承包商拿出符合这些标准的数据，被接受的标准包括外观和性能上的要求。这些检测数据应在设计师批准或选择的实验室进行，费用由承包商决定。 6．当规范上写明商标名、供应商时，除非有设计师的书面批准，否则，不允许有更改。 设计师论文:游戏美术设计师管理论文 一款游戏的开发需要游戏策划，游戏程序，游戏美工三个团队的分工合作来完成。如果说游戏策划赋予了一款游戏灵魂和骨架，游戏程序让游戏得以运转，那么游戏美工就是为游戏增添血肉。所有在一款游戏里面可以看到的角色，敌人，场景，物件无不出自游戏美工之手。毫不夸张地说，游戏美工就是游戏虚拟世界中的造物主。在一个游戏的开发团队中，人数最多，工作量最大的，就是游戏美工人员。如今，游戏开发这一行业在国内得以飞速发展，游戏美工这个职业也吸引了越来越多年轻人的目光。那么究竟怎样才能成为一名游戏美工呢？ 我们走进国内著名的专业游戏培训学校，GA游戏教育基地，回顾过去几年中GA培养的数百名游戏美术人才。不难发现，所有这些学员大体可以分成三类。这三类学员的成长轨迹，代表了三种典型的通往游戏开发领域的途径。下面三个学员的真实经历，或许可以给我们一些启发。 李星从小就对美术有浓厚的兴趣，父母很早就开始培养他，希望他能在美术领域有所成就。从小学开始他就一直坚持参加各种美术培训班，最终顺利考上四川美院。大学四年，李星逐渐喜欢上了游戏，刚开始是喜欢玩，后来逐渐对游戏制作产生了浓厚的兴趣。大学毕业之后，李星决定做一名游戏美术设计师。然而尽管在美术方面功底扎实，但是对于游戏开发必须掌握的3D图形技术，李星却一窍不通。几次应聘游戏公司，都因为没有相关经验，也没有必要的软件技能而功败垂成。几次碰壁后，李星报名学习了GA的游戏美术课程。刚开始，由于软件方面基础为零，学得很累。坚持了一段时间后，他逐渐掌握了3dmax和ps等软件工具，也慢慢适应了用电脑作为绘画工具的工作方式。这时他在美术方面的深厚实力开始逐步展现出来，成为了同期学员中的佼佼者。毕业之后，李星的毕业作品得到了多家著名游戏公司的赞赏，顺利拿到了工作合同。走上工作岗位之后，科班出身的李星很快体现出过人的美术实力，工作表现受到公司的充分肯定，短短一年多时间已经成为该公司主美。 杨沈杰大学学的是室内设计专业。毕业之后辗转了多家企业，一直从事室内装潢效果图制作方面的工作。然而这个职位竞争激烈，薪金福利待遇也一直不如人意。杨沈杰仔细考虑了自己的状况后决定转行做游戏美工。看了很多游戏公司的招聘要求，杨沈杰觉得自己会用3d软件，能制作各种物件的模型，贴图，应该完全可以胜任。然而他信心满满地参加了几家公司的考试后，却发现并非那么容易。所谓隔行如隔山，同是使用3d软件来制作各种物件，游戏公司的要求远远高于一般的效果图制作。在朋友的介绍下，杨沈杰参加了GA的游戏美术课程的学习。5个月的学习过程中，杨沈杰越来越感觉到3d图形技术在游戏中的应用，有许多特殊的技术和标准，这些都是以前根本不知道的。另一方面，之前制作效果图，在贴图方面几乎都是使用材质，自己手绘的能力也急待提高。在GA学习期间，杨沈杰几乎天天披星戴月，学习到深夜。最终他不仅顺利完成学业，还用业余时间组织了一个项目小组，以徐家汇教堂为蓝本制作了一个精美的游戏关卡。这为其应聘就业增添了一个重要的砝码，最终杨沈杰顺利被EPICGAMES录用。 和以上两位同学相比，余静同学成为游戏美工的道路就要艰难很多。余静所学的专业跟美术以及设计没有丝毫的关系，毕业之后从事的是销售业务的工作，可以说是地地道道的门外汉。出于对游戏的热爱，余静还是说服家人，决定改行做游戏美工。由于没有任何美术方面的基础，也从来没有接触过3d软件，余静第一次到GA求学时，甚至没有办法通过入学测试。而她没有轻易放弃，自己花了一年时间参加素描、色彩等传统美术培训班的学习。同时，找了很多3dmax方面的书籍自学软件。时隔一年之后考核通过，进入GA开始学习游戏美术课程。由于基础比较欠缺，虽然软件方面通过下功夫多做多练，能够赶上同学的步伐，但是美术方面的能力却不是一朝一夕能够提高的。毕业之后余静的应聘考试远不如同期的其他同学那么顺利，开始的几次都被游戏公司拒绝了。GA的就业指导老师帮她分析原因，寻找对策。一个重要的原因是，余静应聘了几个职位都是角色制作，角色设计师在美术基础上的要求是非常严格的。余静仅仅参加过一年的业余学习，与美术专业的应聘者竞争肯定是吃亏的。想明白这个道理后，余静改变了策略，精心制作了一些并不复杂的物件和场景，仔细观察生活中的真实物体，下了大功夫把这些看似简单的东西做得非常细致精细。果然，新的作品赢得了游戏公司的认可，最终顺利成为一名游戏场景设计师。 正所谓条条大路通罗马，前面提到的三位GA学员有着各自完全不同的教育背景和学习经历，最终都完成了同一个梦想。在这个过程中他们遇到的问题，和努力的重点，都是各不相同的。 在游戏美术领域，科班毕业的美术院校学生无疑是最具有优势的，他们受过专业、系统的美术教育，有扎实的基础，出色的艺术感觉，纯熟的绘画技法，这些对于一个游戏美工来说都是至关重要的。这一类人也是游戏公司比较欢迎的，因为他们往往具有很大的潜力，有很大的上升空间。但这一类学生面临的共同问题是他们学习的是传统意义上的美术，几乎没有接触过数码图形技术，不会使用各种软件。更不用说游戏行业内部的标准和流程，以及一些先进的技术手段。没有这些基本的技能，就算美术功底再好，也很难叩开游戏公司的大门。 因此，像李星这样的学生，其实努力的目标是很明确的。一是熟练掌握游戏开发中使用的各种软件；二是尽快适应一种全新的绘画方式；三是了解游戏开发的流程和一些重要的技术手段。虽然要学的东西非常多，但相对于美术方面的积累和提高，学习这些基本知识和技能还是一个比较容易见效的过程。应该说，这三类学生中，距离游戏行业最近的就是这第一类。 第二类是一些相关专业毕业的学生，这些专业并非纯粹的美术专业，但或多或少都跟美术有一些联系。他们在美术方面虽然不如美院的学生那么专业，但也都具备基本的手绘技能，有一定的美术感觉。例如建筑专业，工业设计专业，平面设计专业等等。这类学生的一个特点是，往往比第一类学生的软件应用能力强。甚至有一些能够比较熟练的应用3d软件。他们成为游戏美工的可能性也非常大，相对第一类学生来说，在软件方面的障碍更小。但摆在他们面前的有两个问题：第一，在技术方面并不了解游戏制作的特殊性。虽然他们有一定软件基础，或许在工作中也曾经应用过相应的软件，但游戏开发中的一些标准，习惯，以及一些特有的技术手段是他们无法掌握的。假如以往的经验形成了一定的思维定势，走入了一些技术误区，甚至有可能局限他在游戏领域的发展。第二个问题是，虽然他们比第一类学生在软件方面有优势，可能入行更容易一些，但在美术功底方面的不足可能会逐渐体现出来，限制今后的职业发展。 针对这两个问题，这一类相关专业学生的努力方向就应该有所不同。在初期的学习阶段，应该注重游戏开发实际工作能力的培养，站在一个游戏美术的角度去逐步养成一些应有的操作习惯，多把注意力放在游戏开发中特有的一些技术手段的学习上。像杨沈杰那样主动去参与一个小的项目开发会是非常好的学习方法。而更长期的学习重点还应该放在提高自己的艺术修养和美术功力上，作为一个游戏美术设计师，这将会是贯穿整个职业生涯的长期过程，只有不断的提高，才能获得更大的发展空间。 像余静这样的第三类学生应该说是面临最大困难的一类。甚至在很多人看来，让一个完完全全的门外汉在一两年里成为合格的游戏美术设计师根本就是一个不可能完成的任务。在几年前，游戏美术完全依靠手绘的时代，确实如此。不过近几年诞生了许多新软件，大大方便了3D模型的制作；以往完全依靠手绘的模型贴图，现在也可以通过修改一些现成的素材来完成。这使非美术专业的学生从事游戏美术设计工作成为可能。当然这会需要付出很大的努力。 对于第三类的学生来说，成为游戏美术设计师的道路无疑会比前两类学生更漫长也更艰难。除了坚持和努力之外，明确目标非常重要。很明显，这一类学生想在短期内达到美术院校学生的水平不是很现实。然而了解游戏公司的项目开发的话就不难知道，一个游戏中既有做角色，怪物，武器这些复杂物体的设计师。也有负责制作场景的设计师，一把椅子，一扇门，一盏路灯，这些物件的制作其实并不复杂，并不是高不可攀的。而且往往这些场景物件的制作量又很大，需要的美术设计师职位也很多。所以对于第三类学生，我们的建议是把有限的时间和精力用在一个点上。对于复杂物体模型的准确把握，这不是一朝一夕可以提高的，不如把精力更多地用在贴图的绘制上。一些简单的东西，如果做得精益求精，虽然看起来不炫不酷，也一样能够赢得工作的机会。 总的来说，游戏美工虽然是一个技术性、专业性很强的职业，但也并不是高不可攀。更重要的是，绝大部分游戏公司对于游戏美术的选拨都本着唯才是举的原则，这与很多行业是不同的，游戏美术设计师往往并不看重学历和证书。只要技术过关，作品能符合游戏公司的要求，实际制作考试能够体现出自己的水平，就可以成功就业。相信所有怀着游戏梦想的年轻人，只要目标明确，方法得当，都可以到达成功的彼岸。

美术大学毕业论文:探析大学美术教育现状与教改思路 [摘 要]：改革开放以来，大学美术教育已经有了很大的改观，但是在教育的方式方法上仍然存在着诸多不足，忽略了学生的思想政治教育和人文素质培养。本文对大学的美术教育现况进行了剖析，对大学美术教育所存在的几个误区进行解析，并对大学美术教育的教改思路进行了探讨。 [关键词]：大学教育 美术 现况 教改思路 引言：据观察，近年来大学生毕业后的就业状况不是很理想，他们的就业压力也变得越来越大。但是从企业或是用人单位的角度来看，大学毕业生没有很扎实的技能和就业能力，他们很难完成本专业应该能够完成和必须要完成的工作任务，抑或在具体的工作中对本专业知识运用显得力不从心。出现这样的情况，其根本原因就是大学毕业生没有把学到的书本知识和专业技能与快速发展的社会实际需求相结合，而欠缺一个大学生应有的艺术素质和修养是最严重的问题之一，因此加强大学美术专业的全面教育已迫在眉睫。 一、大学美术教育现状 随着我国经济社会的飞快地发展，市场的需求也在随之不断变化。近年来，很多综合院校为了顺应市场的需求和教育体制的规定，将美术院、系的办学力量大大地扩张了。在这个过程中可以明显发现：一方面没有顺畅的教学评价体制，缺少了政策保证。另一方面，在很多综合院校中，对学生的教育在思想上，措施上，和具体行动上均没有得到足够的重视。综述一下，主要有以下几个方面的突出表现： （1）没有明确的培养目标。美术教育自身的特殊性使得在高考中都要经过专业加试，专业美术院校录取的都是专业基础好的学生，而大学的美术教育专业生源的质量也在随着高考的扩招不断降低。大学在人才培养时基本借鉴专业美术院校的教育模式、课程设置以及教学方法。在训练了学生的专业基础能力和专业技能的同，却忽略了学生的思想政治教育和人文素质培养。没有明显的师范性和突出的专业发展方向，从而导致学生无法满足社会的需求。 （2）没有较强的实践能力。美术教育专业实践课分为专业技能实践和教学职业技能实践。在综合性大学中，一般只重视了专业技能实践，而且组织形式较单一，一般也只出现在课堂之中。实践中最主要的环节是实习，很多教学中存在的问题都是在实习中被发现的。没有统一的管理机构，实习仅采用分散实习的方式。所以实习就缺少了监控。因此，在实习中很多学生都流于形式，也不及时解决出现的问题，学生的教学职业技能自然不会得到真正意义上的提高。 （3）学生积极性差，没有学习的动力。第一，由于高考圆大学梦的压力，非专业美术学院的学生采取突击的方式学习专业基本功，自然比不上专业美术学院的学生。第二，素质和文化都不高，文化课分数线低使得学生的文化素质和综合素养都很低，对自身也没有明确的认知。这些综合素质不高和专业程度偏低的生源，假如完全按照师范大学或专业美术院校的教育模式来引导，只会欲速则不达。这样导致学生对自己不认同，也会加大教师的教学难度。学校或缺自己的教学特色，而且还设置了种类繁多的课程和广泛的专业选择，使学生降低对自己的认同度，从而产生了厌学和自卑心理，对自己的未来也感到越来越茫然。很多学生对自身发展缺乏计划性和目的性而致使学生在学习过程中缺少了积极性。因此，学生会盲目地选择专业，从而自然会影响学习质量和自身就业。学生一旦对就业失去了信心，就会导致学习动机和态度扭曲。同时陷入了能力越差，学习积极性就越丧失，就业就更加艰难的恶性循环。 二、大学美术教育所存在的几个误区： 1.对艺术本质认识的误区 西方的意识形态和价值观念在我国改革开放以来就冲击着我国社会的各个领域，西方各种思潮也慢慢地影响了艺术教育，它体现在学生的价值观和人生观等诸多方面。因此，随之也逐渐出现了很多不良思潮和现象。比如有的艺术院校不考虑我国的实际国情，就把一些看似前卫时髦的现代西方艺术理念引进课程作为新的审美理念和评价标准对学生进行教学。学生也因此无法对艺术本质以及艺术创作规律有正确的认识，甚至错误的引导了学生的价值观念和创作意识，致使学生对艺术道德素质修养和艺术技巧的提高失去了积极性。浮躁心理在功利主义思潮的影响下孕育而生，只知道一味的追求经济利益和形式上的创新，一些颓废并且无聊荒诞的“创新艺术”也由此诞生。 2.目标培养和教学模式的误区 高等美术教育在当前具有非常明显的单一的知识化倾向。应该被重视的学生综合素质和品德修养被老师忽视，纯专业知识的获取成为了教师最重视的环节，这种错误的行为只会导致学生人格素质不健全的结果。对学生艺术理论和艺术修养的重视程度在很多高校美术教育中远远不够。学生只是学会了一半话的操作技能，却由于缺乏对美学理论认知和理解以及美术技能培养，无法深刻理解和全面掌握美术艺术的本质，学生也难以有长远的发展。还有一点不容忽视的是高校美术教育没有严谨并且独立完整的教育体系和科学体系。只有模式化的教学手段和内容，没有更有效的教学手段和适应新时代的教学内容，因此学生根本无法适应社会发展的需求。 3.美术理论教育的误区 在美术教育中很重要的一个环节就是美术理论教育。它可以培养学生树立正确的人生观和正确的艺术意识形态，形成正确的艺术表现风格和艺术鉴赏能力。高校在艺术美术教育中，西方的现代艺术思潮未经选择和分析就被教师拿来盲目地灌输给学生，看似与国际接轨，然而其实是人为地误导了学生的艺术修养和审美倾向。 三、大学美术教育教改思路 1.定准方位，明确目标再培养人才 社会对人才需求的标准随着我国改革开放的不断深入与市场经济的蓬勃发展越来越高。人才需求的变化也使传统的教学内容和教学模式受到了很大的冲击。要适应社会的需要，单一的教学模式和培养目标早已远远不够，复合型和应用型人才才是社会最迫切需要的。应该在大学的美术学科教育中设置一种多元化的培养复合型美术人才的教育目标。复合型人才是有着美术专业能力的基础和其他相关专业知识的复合型特色人才。它的最终培养目标是形成一种多元性和复合性，使得美术相关的多种行业适应社会的人才需求，并不是去培养一个专职画家或是中小学教师。这种人才有普及复合型以及专业复合型两种：在人才培养时，应该将各专业技能课分散到这两类人才培养中去，取消以往过分重视专业技能的课程，从而实现广泛知识面和具有特色专业的同时发展。这样学生就可以避免学习的盲目性，可以在选专业最初就明确自己的方向目标和从业范围，也能够更加理性地选择适合自己的未来之路。这样一来，综合性和复合性就显得尤为突出，淡化了专业不如专业设计学院美术学院和师范大学的不足。学生也因此具备了广泛选择就业的能力，就业范围也扩大了不少。 2.引导大学生自主学习能力 任何一门知识想要学好，都需要循序渐进，由浅入深，好高骛远，脱离实际只会适得其反。所以应该根据自己的专业水平去定制适合自己确实可行的自学计划，要把握自学时知识的阶段性和系统性，踏实有效地完成指定的自学目标和计划。美术学习中，制定完善可行的学习方案很重要，因为高等教育中美术学习具有很强的目的性。 在制定学习计划时，一定要考虑到自己美术专业的特色和自己的基础以及实力。学习需要积极性和强烈的学习动机，所以不要把目标定得太大太高。应该一步一步踏踏实实积极主动地学习，去制定明确的自学计划。教师在美术教学的过程中应该以培养学生的自主学习意识为重点和原则，让学生逐步养成自主学习的习惯，消除依赖课堂和教师的思想。学习的主体是学生本身，自主学习的效果在绝大程度上也取决于学生的自主学习意识是否达到一定程度。 3.重视培养学生的综合能力，提升学生主动性 当前，我国的众多普通大学中，高精尖人才的培养是研究生教育，而本科教育已经基本成为普及型教育，但作为学生，任何专业的学习过程都应该有“用毕生的精力去追求的精神”，美术学科更是如此。主动学习和独立探究的能力以及独立自主地解决问题是学生在本科学习中应该具备的。经过本科教学后，学生的内在素质得到提高，思维空间得以拓展，学生的内驱力得以激发，自己的知识储备得到充实。自身也学会了独立思考，从传统单一性技法的训练中解脱出来，成为了真正主动学习的主体，不再盲目被动的去接受教师所教授的知识和技能。教师也应该从教育的主体讲授过渡到引导传授，避免传统说教，引导学生自主独立获取知识，同时要给以学生足够的自主空间去了解周边专业知识，学会利用身边各种媒介来学习，用艺术素养来间接地提升自己的技能水平。 4.学生多元文化意识的培养 美术在生活中已得到越来越多的广泛应用。学生应该努力学习，具备扎实的美术专业基本功能。美术是通过视觉传播的媒介，它有自己的特点，它不仅具有专业性，同时还涵盖了包括文学、音乐、历史、民俗等在内的知识领域。学生一定要多多涉猎其他相关专业的知识。从单一的美术技法学习向多元化方向发展靠近，让自身能够一专多能，掌握广泛而专业的知识。 5.注重各学科间的联系，将课程进行优化再组合 为了提高高等美术教育的效率，可以采用将融合课程、广域课程、相关课程和核心课程相结合的课程类型。当然，高等艺术美术教学的内容和思想方法之中也应该融入普通美术教学的教学内容和教育思想方法。要使教育从理论变成实践，并且让学生的艺术美术创作过程转变为理解艺术美术的过程，应在美术学科教学过程当中融入普通美术教育思想和方法。基于全球化多元文化和社会市场经济的大环境，美术教育必须有灵活和变通的课程设置和调整，还应重视学生个体多元化的选择和该学科专业的发展以及社会日新月异的实际要求。 6.加强现代主义美术教育内容的力度 在很多现代美术的作品中，都旨在表达主观意识，因此有些作品很晦涩难懂，要想透彻的讲解，教师也必须具有很高的修养和素质。首先，注重在现代主义美术的教学欣赏中培养创造力和想象力。我们的学生所缺乏的就是现代艺术作品中的创新精神，现代艺术还有一个重要因素就是丰富的想象力。学生可以在欣赏中展开丰富的联想和想象，去体会画家所要表达的思想或情绪，站在不用的角度去欣赏现代主义美术的核心思想，让自己的发散性思维得到运用和锻炼。其次，注意在欣赏教学中将现代艺术和其它艺术形相比较、相互沟通。比方说，中国传统的写意和抽象表现主义，两者的精神内核是相通的，他们都是狂放挥洒、直抒胸臆的。 大学院校必须有很强烈的业务心和责任感才能完成教书育人重任，才能培养出具有较高的政治素质和业务水平的学生。课程设置改革对于美术教育来说也是为了培养目标服务的，课程的设置和安排应该围绕美术的基本性质来探讨。教学改革的方向要不断反映国家和社会对人材的需求并且与国际接轨，这是一个持续并且长久的动态过程。 美术大学毕业论文:大学美术课程教育改革与创新途径初探 摘要：目前，我国面临全面素质教育的改革，因此美术教学改革也迫在眉睫，进行系统性的全面改革来突出素质教育的意义和价值，这就需要加大对美术教学技巧以及方法的研究，并在不断的实践中形成系统性教学体系，只有这样才能与当今的社会经济发展相契合，并推动教育的全面发展。美术教育还能够培养学生的创新能力，在学生进行创造时，不仅要发挥其丰富的想象力，而且要对各种想象进行再创造，积极抒发自身对于事物的认知情感，并在创作中张扬自己的个性，大胆思考、积极创新。 关键词：大学美术；课程教育改革；创新途径；素质教育 一、大学美术课程教育现状 （一）大学生的美术素质教育 美术在学生学习期间能够培养学生的心性，并有利于学生美学素质的培养，美术教育其核心内容是美学培育，通过长时间的美术培育能够塑造青少年健康的人格，促发青少年真善美的心性，陶冶学生的情操并增益美学智慧，对学生的心灵、个性发展都有积极的影响作用，学生在美术学习中能够充分发挥自己的想象力，投入自己对美术的理解和情感，使自己随着对美术的逐步深入了解，真正与美术相互和谐，同步增益。美术教育还能够培养学生的创新能力，在学生进行创造时，不仅要发挥其丰富的想象力，而且要对各种想象进行再创造，积极抒发自身对于事物的认知情感，并在创作中张扬自己的个性，大胆思考、积极创新。 （二）艺术修养和审美情趣的培养 在美术教学中，老师首先要将美术教学中最富有艺术魅力的重点挖掘出来，以此来引导学生发现生活中的美，并使学生学会欣赏和感悟美术中所富有的艺术魅力，使学生能够主动积极地去学习美术艺学中各流派的风格和发展方向，了解艺术的最初起源，学生对美术知识的充分了解奠定了美术实践活动的基础。在美术教学中，老师应当鼓励学生积极参与社会中的各种实践活动，在活动中不断挖掘自己的审美能力，提高自身的艺术修养，激励学习兴趣，并在社会实践活动中锻炼学生的独立思考能力，学生们能够运用适当的学习方法进行学习并创作。充分的实践活动对学生的创造力以及审美能力的提升都有一定的帮助作用，学生根据自身的学习兴趣和审美情趣发现身边的美，感悟生活中的艺术亮点，将自己的生活实践同审美情趣相结合，并且在美术绘画实践中表达自己的理解和感悟。 二、大学美术课程教育改革与创新 （一）自主学习，开拓艺术领域 高校的美术教育其主旨是要培养学生的自主学习能力以及审美能力，在美术的学习当中提升自身的美学素质，成为具有高尚情操、思维活跃、人格完善的高素质人才。对于我国目前的美术教学，其教学方式偏重于对美术知识的传授，从而忽略了学生们自主学习能力以及审美能力的培养，高校是培养素质人才的重要基地，而自主性学习在高等教育中是一项重要的教学方式，学生是自主学习中的主体，自主性学习是指学生能够独立完成学习任务，独立思考分析、在学习中不断地进行探索、创造并实践来完成学习目标。学生在高校的美术培养中，实质上是将所学到的美术知识进行内在深化，对美术的审美以及感知做到深入体会并理解，而此目标的实现是一个艰难的过程，其首要条件则是学生的自主性学习，只有学生主动开拓并积极猎取所需知识，才能够对学到的知识进行整合并深化理解，树立终身学习的观念。在课堂教学中，老师的艺术素质直接影响到教学的质量，学生接受知识内容的程度等，因此在具体的教学中还是存在很多缺陷。学生应该通过自主性学习开阔美术视眼，吸收更多的美术信息和知识来提高自身的美术修养。教学过程中极其重要的一点是培养学生的良好学习态度和正确学习方法，只有在学习方法的掌握熟练基础上才能更好地学习并获得丰富知识，充满自信，勇于实践、积极创新。 （二）自主学习能力培养的方法和途径 在高校教学中，美术教育具有很强的目的性，因此在学生们的学习中制定自身的学习目标就显得很重要了，制定目标中要根据自身的学习能力和专业水平，切合实际制定相宜的学习计划，做到循序渐进，由浅入深，不能够站在这山望那山高，脱离实际的学习内容和目标。学生在自学过程中，应该学会把握知识的系统性以及阶段性，做到步步扎实，计划有效，目标逐步实现。要根据自身的能力和学习所需，结合自己的专业知识制定切合实际的目标，目标制定过高，学生在学习中遇到挫折会逐渐放弃目标，从而影响学生的积极性。在实际教学中老师应该有自身的指导原则和适宜的教学方法，从而为学生自主学习能力的培养提供良好条件，以养成学生在学习知识的过程中脱离对老师单方面教授的依赖性，养成良好的自主学习习惯。教学中学生是知识学习的主体，学习效果直接由学生反映，其实很大程度上源自学生的学习意识。 （三）课堂教学方法改革和创新意识的培养 在课堂教学中为了促进学生的学习能力和审美能力的提升，就需要对课堂教学方式作出一定的改革，以培养学生的美术技能、伦理和审美发展为目标，美术教学十分重视学生实践能力的培养，同样教师也应该为学生创造良好的学习环境，通过课堂中学生的讨论和积极思考性等活动来激发学生的创作兴趣，在创造中运用美术的语言，充分发挥想象力以及创造力，鼓励学生在学习中学会欣赏，开展探究性和创造性的学习。美术教学不只是单纯地教授美术知识，重要的还是学生的学习和个性发展，教学中老师应当引导学生进行探究性学习，发现问题、分析问题、解决问题，并与学生进行互动式学习，注重培养学生的自主性和独立性，引导学生进行积极探究并创新。 （四）教育观念要更新 教师的素养包括教育教学素养、道德修养以及文化修养等。教学观念的转变首先是从老师做起，教学方式多样化是教师应首要改进的，课堂教学要求生动活泼，教学方式新趣有效，并在美术教学中充分运用大自然的元素和色彩，采用多媒体教学，充分发挥多媒体的各种效用，以此来增强美术课堂的自然生动性、趣味性以及科学性。同时教师要有一定的创新精神，对美术界的最新理论要做到了解和掌握，把握美术教学的新动向和新理论，再将新理论充分应用到教学实践中，积极探索素质教育，对教学内容、方式方法做出相应的改革。 美术教育中存有轻教育、重专业的问题。过于注重美术教育理论的传授以及实践，而忽略了学生的个体发展，对培养全面素质人才不予以重视。在美术教育改革中，新课程体系的构建十分重要，在学生学习的不同阶段中，应有不同的学习任务来完成，所以美术理论的学习以及美术技能的训练是逐步来完成实现的，只有这样才能达到美术教育的目的，让学生在美术领域的学习中徜徉未来。我国面临全面素质教育的改革，同样美术教学改革也迫在眉睫，进行系统性的全面改革来突出素质教育的意义和价值，这就需要加大对美术教学技巧以及方法的研究，并在不断的实践中形成系统性教学体系，只有这样才能与当今的社会经济发展相契合，并推动教育的全面发展。 美术大学毕业论文:民间美术活动对于大学生健康审美情趣的养成分析 中国民间美术有着坚忍不拔的艺术追求，表现形式比较丰富多彩，具有独特的民族风格。民间美术活动使学生的智力得到了发展、绘画的基本技能得到了提高、综合实践能力得到了培养、健康的审美情趣得到了养成。 民间美术活动审美情趣综合实践能力中国民间美术有着坚忍不拔的艺术追求，表现形式比较丰富多彩，具有独特的民族风格，在各式各样的文化冲击下，反而更加有吸引力，吸引人们去发现、探索它的真谛、奥秘。民间美术活动体现了生活原型的意义和艺术发生时期的造物观念，是一种对理想的抚慰和对现实的补偿，是对人的生命价值的追求。民间美术活动具有物质材料的多种多样的特色，蕴含着丰富的色彩和变化多姿的形状，这些物质材料能够使大学生充满好奇，通过民间美术活动的开展，学生可以利用这些材料展现对生活的情感、认识、感受，学生在这一过程获得了美的享受，理解了美，感受到了美，激发了他们的审美情绪，促使了他们健康审美情趣的养成。 一、民间美术活动的审美特征 人们为了满足需要民间自发创作或者采取工艺手段以及艺术构思制作的装饰件、欣赏品、实用品等都属于民间美术。我国是由56个民族组成，风格各异的民族文化和悠久的历史为民间美术提供了文化、历史基础。几乎在各个民族和各个地区都会自发地进行美术创作。这些只是用来满足精神或者物质需要的美术作品，大都散发着浓郁的乡土气息，自然清新，风姿古朴，显示其美学特征。 二、民间美术活动所具有的审美特征分析 民间美术以其完美的功能、简洁的造型，在物质上和精神上都能够满足劳动者的多方面、多层次的需求，其通俗的形式被劳动人民运用和掌握，并且受到劳动人民的欢迎。民间美术活动是反映着质朴的审美理念，蕴含着各族人民的精神素质和心理素质，是人民淳朴之美的结晶，是民族文化的重要组成部分。 我国的民间美术活动本质特征在于它的审美性，如果从美学、文化、历史的角度，对中国民间美术活动进行多视角、全方位的探讨和研究，我们就会发现它折射出来民族文化的灿烂，展现了各民族的精神面貌，表现了人民群众对真善美的不懈追求和对生命的强烈愿望，描绘了民间风情的壮丽。民间美术活动具有稚拙古朴的艺术神韵。艺术风格根植于内容，是作品的表现形式，是区别其他艺术形式的重要标志，属于一种艺术现象。民间绘画是最受欢迎、最普及的种类之一，特别是剪纸和年画。剪纸在民间也较为流行，各种结婚剪喜花，过年贴窗花，各种祭祀、门笺、顶棚花类剪纸都是比较常见的。民间的剪纸一般是以戏曲人物、小动物、花鸟鱼虫为题材，多以寓意、象征、谐音等手法表示吉庆与美好。我国的剪纸具有自由的装饰和大胆、夸张的特点，艺术生命力较强。我国三大派别年画分别是山东潍坊和苏州的桃花坞年画、山东潍坊街头年画、天津的杨柳青，这些年画人物传神，结构丰满，画面热闹，色彩鲜明浓厚，线条单纯流畅，多为木刻水印，形成了明快、质朴的艺术特色。 三、审美的相关概念 审美是指人们对客观事物的判断、欣赏、理解、体验、直观感受，作为审美客体和审美主体的人之间发生的审美关系，这样审美实践活动的过程也就产生了。首先，审美是一种思维活动，它人类所特有的。经常有这样的情景在日常生活中被看到：抗日战争时期的电影时，心里往往会有着强烈的反应。“心里”也就是美的信息处理系统，也就是指人的大脑，有研究发现，人脑是最好的天然信息处理系统，人的右脑主管形象和感情，左脑主管逻辑和语言。人获取美的信息主要是通过耳朵、眼睛等器官，然后再把这些信息传送给大脑，由大脑进行转换、存储、编辑，引起了审美创造和审美感受。形象主要是靠人的右脑输入，输出也是形象，是不需要分析推理。因此，美的事物判别是不需要推理。审美是一种高级思维活动，是人类所特有的。动物脑与人脑的主要区别就是人通过思维能够产生喜悦和满足，并且可以欣赏、理解、领悟到对象所蕴含的社会内容。在审美过程中，人们是有着强烈的情感，不受内部的理性世界的束缚，也不受到客观世界的束缚，是在主动地去接受审美内涵，并且做到了内化为理性的认识。 四、民间美术活动有利于培养学生的审美再创造活动 中华民族创造了丰富多彩的民间美术，创造了悠久的历史文明。从艺术起源起，人们已将其宗教观念、文化心态、审美情趣、生活习俗等积淀于民间美术，构筑了精神文明内涵。民间美术像史书，叙述着奇异的故事和远古的神话。民间美术像一部百科全书，当人们鉴赏、翻阅它时，仿佛进入艺术殿堂。 当鉴赏者对民间美术作品以不同的审美心理进行鉴赏时，也会产生很多的想象和联想以及不同的体会和感受，弥补了作品的不足，丰富了作品的内涵。学生在体验、感悟、观赏作品的过程中，完成了审美创造，此时学生心中的作品形象，不再是作品原始形象，而是经过审美创造后更加饱满、充实、丰厚的思维化形象。 五、民间美术活动有利于启迪学生对真理的追求 审美是对客观事物的完美反映，反映的表达方式是情感体验。学生得到的情感体验激励了他们向目标奋进，心灵的火花得到了点燃，使人们受到了无限的启迪。列宁曾经说过，人们对真理有所追求是因为人们有了情感，一个具有坚强意志、富有探索精神、满怀理想的人，如果没有对真理的伟大热情和高尚的情操是不可思议的。人们依靠审美激发和培养起来的情感使我们有动力去探索科学和宇宙的奥秘，通过大量的实践证明，很多的发明家、科学家都是在条件较为恶劣的情况下坚持从事发明创造和科学研究，主要是因为他们具有巨大的热情和为真理而献身的精神。因此通过民间美术活动有助于学生修正错误、坚持真理，启发他们去创造，在创造中不断地提高自身的价值，促使了健康审美情趣的养成。 六、民间美术活动使大学生的灵魂得到了净化 美的事物可以使人们精神上得到愉悦，感官上得到享受，进而纯化了心灵、净化了杂念。审美活动的开展，人们主要是借助艺术欣赏等多种形式渗透人的感情色彩，从而使人们的心灵受到感化或者感染的活动。民间美术活动对于人们心灵的净化和思想品德的熏陶具有特殊的魅力，它与其他形式的教育相比更具吸引力、更强烈、更生动。艺术具有较强的感染力，能够使人们的性格变得高尚，使人们的心灵得到净化。因此，民间美术活动可以帮助大学生净化灵魂，提升人生境界，树立崇高的审美理想，使他们认识到吃喝玩乐并不是最有意义的事情，除此之外还有可以享受的高尚的精神生活，放弃精神生活是一大遗憾。大学生在对民间美术作品进行欣赏时，就会感到美好事物对生活的意义以及所具有的独特性、不可复制性，就会产生珍爱之情，就会对美好的生活和生命更加珍惜，就会自觉把自己培养和塑造成积极向上的大学生，使自己的精神境界达到更高的层次。 七、大学生对民间美术的审美能力逐步提高 大学生对民间美术的主动探索过程中，已经从感性认识上升到了理解阶段，上升到了理性认识，也就是对审美对象的技巧程式、技法、典故、题材、象征意义等项目的理解。教师在学生对民间美术探索的过程中，要积极地引导学生发现规律，将学生的学和教师的教科学地结合起来，让学生在美术活动中体验到成功的快感和愉悦。教师可以引导学生借助生活中的碎布、树叶等实物变成精美的作品，学生逐渐会发现生活中处处是美，不缺少美，只要留心去观察就会发现美。 对于学生疑惑的问题，教师可以进行演示，使学生有个具体的感知，从而获得强烈的美的享受以及艺术感受。这时学生学习的激情被调动起来了，教师可以引导学生进行联想，利用实物材料创作出有趣的画面，教师在学生创造的过程中，要能够调动学生学习的主动性，鼓励学生进行大胆的创新。 八、通过民间美术活动有助于大学生健康人格的培养 健康人格也就是人类个体的各种性格特征与心理特征的完善而健全的发展状态，是美育的一个非常重要的目标，也是个体外在表现状态与内在心理结构的有机结合。健康人格是具有丰富情感内涵、富有创造性、具有协调能力、统一和谐，能够有全面的人格目标，具有现代化的观念，并且具有发展性、创造性、协调性、整体性等基本特征。民间美术活动的开展对大学生进行人格教育有着非常重要的意义，应当引起重视。美育对于个体的审美发展是非常重要的，它涵盖了心理和生理领域，能够在美育所蕴含的公共道德、人文关爱感召下促进健全人格的培养和审美理想的树立。例如大学生积极投身与民间美术活动，可以通过民间艺术作品了解每件作品所蕴含的思想和寓意，从中感悟到公共道德和人文关爱在现实生活中的意义，还能在与他人的交往中发现他人的良好品格和自己的不足，从而自我改正，无形中培养和塑造了大学生的人格。大学生的人格塑造应当注意以下几个方面： 1.学生要能够融入群体 学生通过与别人的交往可以弥补自己的不足，可以从对方获得肯定、理解的欢悦。具有健康人格的人容易受到他人的接纳和尊重，有利于较好关系的建立，喜欢与别人交往。 2.对自己人格的优化应当从小事做起 优秀人格的培养应当从小事做起，从一点一滴做起。具有优秀人格的人应当对自己所从事的工作感兴趣，对前途充满信心，看到生活的光明面，一旦遇到挫折和困难，勇于拼搏，不畏艰险。 3.良好人格的培养 一个缺乏勇气、意志薄弱的人，是不能当大任、成大才的。所以，大学生要培养坚毅、勤奋、热情、勇敢、开朗、自信的人格品质。大学生只有具有健康的人格才能更好地取得成功。只有这样，即使在遇到困难的时候，也会拥有美好的梦想、至高的理想、坚定的信念，指引自己走向成功。 九、结语 民间美术活动使学生的智力得到了发展，绘画的基本技能得到了提高，学生的综合实践能力得到了培养，健康的审美情趣得到了养成。民间美术净化了学生的灵魂，启迪了学生对真理的追求，同时有助于提高学生的健康人格、审美创造力、审美鉴赏力、审美感受力的生成，使学生更好地成为对社会有用的人。 美术大学毕业论文:探析大学美术教育现状与教改思路 摘 要 改革开放以来，大学美术教育已经有了很大的改观，但是在教育的方式方法上仍然存在着诸多不足，忽略了学生的思想政治教育和人文素质培养。本文对大学的美术教育现况进行了剖析，对大学美术教育所存在的几个误区进行解析，并对大学美术教育的教改思路进行了探讨。 关键词 大学教育 美术 现况 教改思路 引言：据观察，近年来大学生毕业后的就业状况不是很理想，他们的就业压力也变得越来越大。但是从企业或是用人单位的角度来看，大学毕业生没有很扎实的技能和就业能力，他们很难完成本专业应该能够完成和必须要完成的工作任务，抑或在具体的工作中对本专业知识运用显得力不从心。出现这样的情况，其根本原因就是大学毕业生没有把学到的书本知识和专业技能与快速发展的社会实际需求相结合，而欠缺一个大学生应有的艺术素质和修养是最严重的问题之一，因此加强大学美术专业的全面教育已迫在眉睫。 一、大学美术教育现状 随着我国经济社会的飞快地发展，市场的需求也在随之不断变化。近年来，很多综合院校为了顺应市场的需求和教育体制的规定，将美术院、系的办学力量大大地扩张了。在这个过程中可以明显发现：一方面没有顺畅的教学评价体制，缺少了政策保证。另一方面，在很多综合院校中，对学生的教育在思想上，措施上，和具体行动上均没有得到足够的重视。综述一下，主要有以下几个方面的突出表现： （一）没有明确的培养目标 美术教育自身的特殊性使得在高考中都要经过专业加试，专业美术院校录取的都是专业基础好的学生，而大学的美术教育专业生源的质量也在随着高考的扩招不断降低。大学在人才培养时基本借鉴专业美术院校的教育模式、课程设置以及教学方法。在训练了学生的专业基础能力和专业技能的同时，却忽略了学生的思想政治教育和人文素质培养。没有明显的师范性和突出的专业发展方向，从而导致学生无法满足社会的需求。 （二）没有较强的实践能力 美术教育专业实践课分为专业技能实践和教学职业技能实践。在综合性大学中，一般只重视了专业技能实践，而且组织形式较单一，一般也只出现在课堂之中。实践中最主要的环节是实习，很多教学中存在的问题都是在实习中被发现的。没有统一的管理机构，实习仅采用分散实习的方式。所以实习就缺少了监控。因此，在实习中很多学生都流于形式，也不及时解决出现的问题，学生的教学职业技能自然不会得到真正意义上的提高。 （三）学生积极性差，没有学习的动力 第一，由于高考圆大学梦的压力，非专业美术学院的学生采取突击的方式学习专业基本功，自然比不上专业美术学院的学生。第二，素质和文化都不高，文化课分数线低使得学生的文化素质和综合素养都很低，对自身也没有明确的认知。这些综合素质不高和专业程度偏低的生源，假如完全按照师范大学或专业美术院校的教育模式来引导，只会欲速则不达。这样导致学生对自己不认同，也会加大教师的教学难度。学校或缺自己的教学特色，而且还设置了种类繁多的课程和广泛的专业选择，使学生降低对自己的认同度，从而产生了厌学和自卑心理，对自己的未来也感到越来越茫然。很多学生对自身发展缺乏计划性和目的性而致使学生在学习过程中缺少了积极性。因此，学生会盲目地选择专业，从而自然会影响学习质量和自身就业。学生一旦对就业失去了信心，就会导致学习动机和态度扭曲。同时陷入了能力越差，学习积极性就越丧失，就业就更加艰难的恶性循环。[1] 二、大学美术教育所存在的几个误区 （一）对艺术本质认识的误区 西方的意识形态和价值观念在我国改革开放以来就冲击着我国社会的各个领域，西方各种思潮也慢慢地影响了艺术教育，它体现在学生的价值观和人生观等诸多方面。因此，随之也逐渐出现了很多不良思潮和现象。比如有的艺术院校不考虑我国的实际国情，就把一些看似前卫时髦的现代西方艺术理念引进课程作为新的审美理念和评价标准对学生进行教学。学生也因此无法对艺术本质以及艺术创作规律有正确的认识，甚至错误的引导了学生的价值观念和创作意识，致使学生对艺术道德素质修养和艺术技巧的提高失去了积极性。浮躁心理在功利主义思潮的影响下孕育而生，只知道一味的追求经济利益和形式上的创新，一些颓废并且无聊荒诞的“创新艺术”也由此诞生。 （二）目标培养和教学模式的误区 高等美术教育在当前具有非常明显的单一的知识化倾向。应该被重视的学生综合素质和品德修养被老师忽视，纯专业知识的获取成为了教师最重视的环节，这种错误的行为只会导致学生人格素质不健全的结果。对学生艺术理论和艺术修养的重视程度在很多高校美术教育中远远不够。学生只是学会了一半话的操作技能，却由于缺乏对美学理论认知和理解以及美术技能培养，无法深刻理解和全面掌握美术艺术的本质，学生也难以有长远的发展。还有一点不容忽视的是高校美术教育没有严谨并且独立完整的教育体系和科学体系。只有模式化的教学手段和内容，没有更有效的教学手段和适应新时代的教学内容，因此学生根本无法适应社会发展的需求。 （三）美术理论教育的误区 在美术教育中很重要的一个环节就是美术理论教育。它可以培养学生树立正确的人生观和正确的艺术意识形态，形成正确的艺术表现风格和艺术鉴赏能力。高校在艺术美术教育中，西方的现代艺术思潮未经选择和分析就被教师拿来盲目地灌输给学生，看似与国际接轨，然而其实是人为地误导了学生的艺术修养和审美倾向。[2] 三、大学美术教育教改思路 （一）定准方位，明确目标再培养人才 社会对人才需求的标准随着我国改革开放的不断深入与市场经济的蓬勃发展越来越高。人才需求的变化也使传统的教学内容和教学模式受到了很大的冲击。要适应社会的需要，单一的教学模式和培养目标早已远远不够，复合型和应用型人才才是社会最迫切需要的。应该在大学的美术学科教育中设置一种多元化的培养复合型美术人才的教育目标。复合型人才是有着美术专业能力的基础和其他相关专业知识的复合型特色人才。它的最终培养目标是形成一种多元性和复合性，使得美术相关的多种行业适应社会的人才需求，并不是去培养一个专职画家或是中小学教师。这种人才有普及复合型以及专业复合型两种：在人才培养时，应该将各专业技能课分散到这两类人才培养中去，取消以往过分重视专业技能的课程，从而实现广泛知识面和具有特色专业的同时发展。这样学生就可以避免学习的盲目性，可以在选专业最初就明确自己的方向目标和从业范围，也能够更加理性地选择适合自己的未来之路。这样一来，综合性和复合性就显得尤为突出，淡化了专业不如专业设计学院美术学院和师范大学的不足。学生也因此具备了广泛选择就业的能力，就业范围也扩大了不少。 （二）引导大学生自主学习能力 任何一门知识想要学好，都需要循序渐进，由浅入深，好高骛远，脱离实际只会适得其反。所以应该根据自己的专业水平去定制适合自己确实可行的自学计划，要把握自学时知识的阶段性和系统性，踏实有效地完成指定的自学目标和计划。美术学习中，制定完善可行的学习方案很重要，因为高等教育中美术学习具有很强的目的性。 在制定学习计划时，一定要考虑到自己美术专业的特色和自己的基础以及实力。学习需要积极性和强烈的学习动机，所以不要把目标定得太大太高。应该一步一步踏踏实实积极主动地学习，去制定明确的自学计划。教师在美术教学的过程中应该以培养学生的自主学习意识为重点和原则，让学生逐步养成自主学习的习惯，消除依赖课堂和教师的思想。学习的主体是学生本身，自主学习的效果在绝大程度上也取决于学生的自主学习意识是否达到一定程度。 （三）重视培养学生的综合能力，提升学生主动性 当前，我国的众多普通大学中，高精尖人才的培养是研究生教育，而本科教育已经基本成为普及型教育，但作为学生，任何专业的学习过程都应该有“用毕生的精力去追求的精神”，美术学科更是如此。主动学习和独立探究的能力以及独立自主地解决问题是学生在本科学习中应该具备的。经过本科教学后，学生的内在素质得到提高，思维空间得以拓展，学生的内驱力得以激发，自己的知识储备得到充实。自身也学会了独立思考，从传统单一性技法的训练中解脱出来，成为了真正主动学习的主体，不再盲目被动的去接受教师所教授的知识和技能。教师也应该从教育的主体讲授过渡到引导传授，避免传统说教，引导学生自主独立获取知识，同时要给以学生足够的自主空间去了解周边专业知识，学会利用身边各种媒介来学习，用艺术素养来间接地提升自己的技能水平。[3] （四）学生多元文化意识的培养 美术在生活中已得到越来越多的广泛应用。学生应该努力学习，具备扎实的美术专业基本功能。美术是通过视觉传播的媒介，它有自己的特点，它不仅具有专业性，同时还涵盖了包括文学、音乐、历史、民俗等在内的知识领域。学生一定要多多涉猎其他相关专业的知识。从单一的美术技法学习向多元化方向发展靠近，让自身能够一专多能，掌握广泛而专业的知识。 （五）注重各学科间的联系，将课程进行优化再组合 为了提高高等美术教育的效率，可以采用将融合课程、广域课程、相关课程和核心课程相结合的课程类型。当然，高等艺术美术教学的内容和思想方法之中也应该融入普通美术教学的教学内容和教育思想方法。要使教育从理论变成实践，并且让学生的艺术美术创作过程转变为理解艺术美术的过程，应在美术学科教学过程当中融入普通美术教育思想和方法。基于全球化多元文化和社会市场经济的大环境，美术教育必须有灵活和变通的课程设置和调整，还应重视学生个体多元化的选择和该学科专业的发展以及社会日新月异的实际要求。 （六）加强现代主义美术教育内容的力度。 在很多现代美术的作品中，都旨在表达主观意识，因此有些作品很晦涩难懂，要想透彻的讲解，教师也必须具有很高的修养和素质。首先，注重在现代主义美术的教学欣赏中培养创造力和想象力。我们的学生所缺乏的就是现代艺术作品中的创新精神，现代艺术还有一个重要因素就是丰富的想象力。学生可以在欣赏中展开丰富的联想和想象，去体会画家所要表达的思想或情绪，站在不用的角度去欣赏现代主义美术的核心思想，让自己的发散性思维得到运用和锻炼。其次，注意在欣赏教学中将现代艺术和其它艺术形相比较、相互沟通。比方说，中国传统的写意和抽象表现主义，两者的精神内核是相通的，他们都是狂放挥洒、直抒胸臆的。 [4] 四、总结 大学院校必须有很强烈的业务心和责任感才能完成教书育人重任，才能培养出具有较高的政治素质和业务水平的学生。课程设置改革对于美术教育来说也是为了培养目标服务的，课程的设置和安排应该围绕美术的基本性质来探讨。教学改革的方向要不断反映国家和社会对人材的需求并且与国际接轨，这是一个持续并且长久的动态过程。 美术大学毕业论文:大学美术教学与管理中的创新思维分析 【摘 要】作为一门偏向形象思维的学科，美术教学有利于提高学生的美学鉴赏力，开发学生的创造力。在美术教学与管理中，培养学生的创新思维，开展特色的美术课题，鼓励学生创造，充分发挥学生的创造力。 【关键词】大学美术教学 管理 创新思维 当前教育事业的不断改革发展，为迎合当前不断发展的经济环境，更好更快推进我们教育事业的不断创新发展，已经成为当前社会各界广泛关注的问题。经济环境的不断发展变化，教育事业应不断迎合其发展脚步，采用创新的意识更好更快的促进教育事业的发展。在当前的大学教学中，美术教学与管理对创新思维的培养起着不可忽视的特殊作用。 1.大学美术教学 美术教学是一种偏向形象思维的学科，主要是通过图像来传导信息。不同学科的种类繁多，其图像信息具有多样性，包括立体的、平面的、软的、硬的，也包括声光结合、多形态多材质的形象思维基本语言，这相当大程度充实了人们的头脑，且与严谨的逻辑思维之间相互作用，更能激发人们的思维活跃性，形成一种新的思想，一般将其看做创新思维形成的一个普遍的过程。在长期的储存以及磨炼下，形成一种较稳定的素质。人的素质对于个体而言，主要包括三方面：一是文化素质，包括思想素质、审美素质以及科学文化素质；二是心理素质；三是自然素质。三个素质层面之间相互作用、相互依赖、相互渗透，共同构成一个整体的素质。这个整体的素质，分为两种类型，一种是为顺利进行某项实践活动而需具备的特殊能力，将其称为专业素质，具有相对性；一种是任何人顺利进行实践活动而需具体的基础条件，包括体能、智能以及德能等，为绝对素质，具有绝对性。在一定条件下，相对素质以及绝对素质之间是可以相互转化的。这会在一定程度上促进智力开发。 在美术学科中，其创造力主要表现为两类：一类为特殊创造力，主要表现创造具有一定审美价值的作用，且这些作品中包括的创造力受到社会的认可，具有一定的独创精神，这种创造力主要表现在具有特殊才能的特长生身上。其基础主要表现为对美术的浓厚兴起以及不断的努力。另一类创造力表现在自我能力的实现，这种创造力不会对社会造成深刻的影响，但因其具有多样的形象语言，可有效促进文化教育思维的发展，这有利于进行全方面、多角度思考问题。因此，将美术教学应用到大学生中，提高学生的创新思维具有积极意义，因此受到教育界的普遍关注。提高大学美术教育与管理方面的功能，并结合当前实际挖掘出具有价值的课程，将其形成一种素质。 2.我国当前大学美术教学管理现状 在我国的大学美术教学大纲中，提出培养创造力的要求，但因长期以来，我国社会环境的局限性影响，这种要求并未受到重视，在教学中也未深刻体现，因此大学美术教学中多表现为技术性教学，且缺乏多功能影响，这未准确达到教学的标准，大学美术教学与管理也并未体现创新思维，不能适应现代社会对大学美术教学与管理的创新要求。 3.结合实际改进当前的大学美术教学与管理 为有效提高大学美术教学与管理在创新教育中作用，必须具化创造力的培养。随着当前经济以及社会的人们价值观的发展变化，在大学美术教学中重视探索一种新的教学形式，并与现代科技相结合，有利于开拓学生视野，扩展发挥想象力的表现空间。如在学生学习过程中，可适当与环境艺术、装饰设计等相结合，将学生的想象力应用到实践中，增强学生学习的兴趣。 同时，为有效实现通过大学美术教学培养学生创造力的目标，需要寻找有特色的课题，要求是可有效利于开发创造思维。在教学中，改变传统的学生模仿性教学方法，鼓励学生发散思维。大学美术教学与管理，是一种特殊文化的教育与管理，不仅可用于提高艺术素质，同时可有效完善学生人格。结合分析陕西教育稿件中，其中一篇为“苍天不恤 大爱无言”，该篇论文讲述西安邮电大学师生在地震中的历险记，在地震中，学生们团结一致，共同对抗地震灾情，还有震后善良老婆婆的悉心照料。 以一件真实的事迹，让学生从中感悟，引导学生树立正确的人生观以及价值观，对学生进行基础的素质教育培养起着关键性的作用！ 4.培养大学美术教学与管理创新思维方法 首先，培养学生的兴趣。没有主动学习的心态，就不会有深入钻研研究的探索精神；二是鼓励学生改变传统的受教模式思维，发挥其独创性以及标新立异的精神，一个具有高度创造力的人，通常会有所偏离正常的文化模式；三是创造性思维主要表现为发散思维方式。不断进行扩散-集中-在扩散-在集中，逐渐提高创造性思维能力以及水平；四是，发挥直觉与灵感的作用。直觉是一种与知觉思维相关的对事物进行直接观察的心理活动，其中包括灵感启示和顿悟；五是发散创造性思维。在过去经验的基础上加入适当的创造性思维想象力，做出一个新的猜想。以上五点为创新性思维的心理特征，它主要与教材以及教学方法相关。将题为“苍天不恤 大爱无言”该篇论文作为教材进行分析，在大学美术教学管理中，创造一个相对宽松的环境，让学生充分发挥创造性思维，让学生充分表达对本篇论文的观点，鼓励学生，禁止贬斥、讥讽，让学生在欣赏作品同时，提升其创新思维。其次，应该注意，在学科教学中，不同学生之间存在较大的差异，因此，在大学美术教学中，不仅应看到特长生的创造力，同时应着眼于整体，对学生作业的完成率有预先估量，增强学生的学习兴趣，培养学生的创作欲，培养学生具有创新习惯。 5.总结 作为一门意识形态的学科，大学美术教学在不同的社会环境下有不同的重点。我国作为一个发展中国家，为努力迎合当前经济的不断快速发展，应不断改进大学美术教学的方法以及目的。不仅应发挥学科的价值，同时应注意培养学生的实践能力以及创新思维。通过教育，提升国民素质，增强国家的综合国力，贯彻实施科教兴国战略。 美术大学毕业论文:试论当前大学美术教育的弊端与创新策略 摘要：近几年，伴随着我国教育改革体制的不断深入与发展，社会上出现越来越多的文化思潮。在新时代多元化文化思潮的影响下，当代大学生对美术专业的看法有了新的变化，但是，高校美术课程存在的一些问题也日益凸显。所以，如何更好地发展我国的美术教育事业成为备受关注的问题。本文从高校美术教育存在的弊端入手进行研究，并针对存在的问题提出了可行性的解决对策，希望能够提升我国高校的美术教育的发展。 关键词：高校；美术教育；策略；创新 1.现今大学美术教育存在的问题 1.1 政治色彩和经济色彩严重。政治、经济左右美术教育工作和内容，是目前我国大学美术教育所存在的一项重要问题。政治不属于艺术范畴，因此，美术教育开展过程中，不应该过多涉及到政治问题，也不应该由政治在左右艺术。然而，我国大学美术教育现状却并不乐观，许多美术教育内容都带有非常鲜明的政治色彩，美术课程内容方面受到政治体系的严重制约，许多优秀作品无法在美术教育教学过程中得到展示，从而阻碍了我国美术教育事业的发展；由于快速发展的市场经济以及人们对经济的盲目的追捧，给我国大学美术教育也带来非常大的影响，美术教育开始偏向对经济的服务，美术课程中逐渐加入了服务经济的相关课程，旨在通过美术艺术创作来提高经济效益，这些都是不可取的，也是危害相当严重的，严重挤压了优秀艺术作品的表现，同时，也使得学生们的人生观价值价值观造成了非常严重的影响。 1.2 美术教育的理解问题。美术教育应该重在教育过程而不是教育结果，然而，我国美术教育工作开展过程中，对于这一问题的理解出现了非常大的误区。就我国大学美术专业生源来说，有着非常大的问题，美术教育在高中教育教学过程中并不重视，偏重对文化课的教育，部分大学美术生是迫于升学压力而进行的美术知识的学习和考试，美术兴趣的低下，使得美术教育工作的开展也极为困难。美术教育是一种艺术性的教育，美术教育不该同考试成绩进行过多的联系，美术教育是培养学生的一种思维方式，一种理解态度，一种良好的审美能力，而不是单纯为了培养"画手"，因此，关于美术教育的理解是目前美术教育工作开展过程中的重要问题。 2.改善我国高校美术教育中弊端的创新策略 2.1 改善传统教学模式，合理进行课程设置。随着我国教育模式的不断发展，特长生的教育受到社会各界的广泛关注。 这几年受高校扩招政策的影响，美术院校也逐渐扩大了招生比例，这使得更多的人关注特长生的教育领域状况。我国受传统教育模式的影响，教学体制和教学模式比较单一，专业的分类、设置以及招生制度也比较单一，这与艺术发展规律背道而驰，从而限制了学生个人才能的展示和潜力的挖掘。在美术专业的学习中，高校应注意培养学生的创新思维能力，改善传统教学模式，不断采用新的教学体制来培养学生，科学合理的进行专业课程设置，不断为学生综合素质的提高创造条件，不断深化高校美术教育体制的改革。 绘画技巧只是提高绘画技艺的一种工具，而美术课程应以激发学生的想象力和创造力为核心，美术方面的创造性思维和个人的文化涵养才是高校美术专业教学的目标。高校应该根据学生自身的发展特点，依据社会的发展需要来引导学生，使之建立正确的人生观、价值观，培养学生树立正确的艺术观。如果高校美术教学不能使学生得到全面发展，反而与外界隔离，这样的教育会事倍功半。美术院校在教学过程中，要不断拓展学生的知识面，提升学生的综合素质，使学生的自身发展与社会发展需求相结合。要使学生通过其它课程的学习提高个人素质和文化涵养，以帮助他们去更深的理解文化艺术的内涵，也能更好地激发他们去探索世界，开拓思维。 2.2 构建新的课程体系。大学美术教学还要构建完善的课程体系，这是对美术教育改革的关键问题。因为培养目标有所不同，各课程所安排的任务也有所不同。大学美术教育专业主要学习基础理论知识课、专业技能课、公共文化课、选修课、实践课等相关的科目。在不同的阶段具有不同的学习任务。主要是对美术理论修养进行加强，对专业技能加强训练，以达到提高教育教学实践能力的目的，让学生进一步了解边缘学科的知识。 2.3 以市场需求作为核心，实现产学研一体化。美术学科进行改革主要是为了实现对这一领域专业的掌握，让学生具备最基本的技能，可以用最快的速度适应社会，在这一专业的培养过程中，可以培养出适应能力强的应用型与复合型人才。通过产学研一体的教学培养模式，使教学中存在的问题逐步减少。 2.3.1 在校内进行开发，建立实训基地。在社会竞争与社会岗位个体化的影响下，大多数设计公司、中小学校以及美术培训学校等许多单位不喜欢实习生，学生的实践遇到许多障碍，对学生的提高是不利的。没有岗前的实践，学生的能力就会存在欠缺，学校只有提供实践平台，学生在实际应用中才会提高专业水平。学校就要努力提高师资与硬件设施的水平，比如自己成立公司，成立附属中学或者美术辅导班，为学生的实习提供一定的条件，不但可以促进学生学习的积极性，而且还可以不断解决实习难的问题。这样还会增加学校的额外收入，学生还可以得到一定的报酬，学生的学习动力不断得到增强。 2.3.2 在大学美术专业中，成立学科工作室。大学美术学科教育可以促进复合型美术人才的培养，比如，选取一部分优秀的学生共同建立学科工作室，让不同层次的学生都有所提高，不但加强了学生专业知识的学习，而且还可以对层次水平高的学生进行深入的培养，可以起到普遍培养、重点选拔的作用。这样可以培养多元复合型美术人才，还可以把优秀的学生送到更高的学府进行深造，使他们得到全面的发展。 大学美术教育对于学生的成长具有非常重要的意义，因此，我们在日常教育教学工作开展过程中，一定要认真总结工作经验，不断探索有利于教育事业发展的方式方法，促进我国美术教育工作的开展，促进我国高等教育事业的稳定、健康的发展下去。 美术大学毕业论文:浅论高校美术教育对大学生健全人格的培养 [摘要]高校美术教育在培养大学生健全人格方面具有重要作用。高校美术教育必须着力转变美术功利性倾向，提升民族艺术水平，构建科学的美术教育体制，促进当代大学生的健康成长和全面发展。 [关键词]高校大学生 人格 美术教育 美术在陶冶人的情操和提升人的道德修养中具有重要作用。高校美术教育富有很强的德育功能和情感价值，能够促进大学生的健康成长和全面发展。 “美术的魅力就是美的魅力。”①作为一种人文素质教育，美术教育的根本目的在于完善人格理想，提升道德追求，促进人的全面发展。然而，在相当长的时间里，高校美术教育只注重向学生传授知识和技能，轻视了塑造学生的情操和人格，极大减弱了美术教育在学生健康成长和全面发展中的功能和价值。因此，高校美术教师在教学过程中要注意处理好学生品德养成与技能学习的关系，知识传授与情操培养的关系，肩负起育人责任，为国家培养出高素质的人才。 一、高校美术教育在培养大学生健全人格中的作用 人格是指人所具有的与他人相区别的独特而稳定的思维方式和行为风格。人格具有可塑性和稳定性特征，完善的人格是人全面发展的重要标志。人格教育是促进人的性格、气质、品德等健康发展的教育，是学校教育的一项基本任务。高校美术教育在塑造大学生健全人格方面具有重要作用，可以为大学生提供一个健康向上、丰富多彩的精神家园。 1.高校美术教育能够塑造大学生良好的品格。高校美术教育在教给大学生美术知识的同时，还肩负着培育大学生品质的责任。“高校美术教育的根本目标在于弘扬和启迪人类的人文性，塑造高品质的人格。”②当前，一些高校只是强调训练学生的专业技能，忽略了培养学生的综合素质，尤其是忽略了学生的思想道德修养，造成大学生功利主义思想严重，偏重计较利益得失，不懂得感恩、责任和奉献，缺乏团结协作意识。试想，这样的大学生会给社会和国家带来什么？知识、技术固然重要，但是一旦丢掉了人之为人的根本，那就相当危险。马加爵曾经获得过云南省三好学生，药家鑫拿到了钢琴十级的证书，毛冉通过了大学英语八级考试。这些学生都有一定的专业水平，而个人道德修养却远不及格。这样的例子已经为人们敲响警钟，美术教育工作者应该从中受到启示，思考美术教育在品格培养中的作用和价值。通过美术教育，要让大学生学习到正确的价值观，增强审美情趣和鉴赏能力，理解人生真正的价值和意义，成长为具有责任意识、感恩意识、奉献意识的一代新人。 2.高校美术教育能够培养学生的创新精神。创新是时代进步的灵魂，是国家强盛和民族振兴的动力所在。高校美术教育与其他教育一样，负有培养大学生创新精神的光荣使命。创新要求艺术创造主体不仅要具备一定的知识和技能，而且具有丰富的情感和顽强的毅力。高校美术教师可以在指导学生创作的过程中激发学生的创造欲望，培养学生的创新精神，提高学生的创新能力。 3.高校美术教育可以培养大学生正确的审美情感。美术教育能够锻炼学生的审美认知能力，培养学生的审美情感，提高学生的审美品位。美育是“以培养审美能力、美的情操和对美的兴趣为主要任务的教育。”③一件好的美术作品在具有较高的绘画技巧的同时要蕴含丰富的思想内涵，必须体现一定的时代要求和审美观念。作品要以特有的内涵和直观的形式激发人的认知和审美能力，这种认知审美能力反映现实生活又不受现实生活的局限。因此，高校美术教师在向学生分析美术作品的形式、构成、蕴涵的同时，引导大学生树立正确的审美意识，提高鉴赏美的能力。除此之外，美术教育过程也是一个复杂的情感活动过程，教师要充分发挥学生的想象力，让学生的情感与想象交融共生，力争让美术欣赏成为培养情感、摆脱功利的一种审美情趣。 4.高校美术教育能够培养大学生优良的道德。美术教育和其他教育一样肩负着育人的重要职责。正如鲁迅先生所说的，美术的目的虽与道德不完全一样，但都也能陶冶人的性情，培养高尚的品德，也可以像道德一样净化心灵。由此看出，美术教育寓真善美于一体，在美的形式当中含有善的理念，激发学生对美好事物的向往和追求，对善人善行的崇敬和热爱。例如，在美术欣赏课中，通过让学生欣赏祖国的大好河山，激发学生强烈的爱国意识和爱国情怀；通过让学生欣赏树木花草的绘画，增强学生热爱自然、保护环境的意识。“艺术创作来源于生活，高于生活，美术以人和人的生活作为描写和表现形式，人的生活中就包含思想道德，而在美术作品中必须遵循社会道德标准。”④因此，高校美术教育对于帮助大学生树立正确的世界观、人生观、价值观具有重要的作用。 5.高校美术教育能够促进大学生意志心理结构的完善。坚强的意志是人格健全的前提，也是大学生奋发向上、积极进取、创新创造的必备素质。高校美术教育可以丰富大学生的情感体验，完善大学生的性格，提升大学生的心理素质。通过美术作品的欣赏和创作，为大学生展示人生的美好，增强大学生的心灵正能量，激发和培养大学生优秀的意志品质。 二、高校美术教育培养大学生健全人格的途径 高校美术教师在高校美术教育中应该充分发挥教育的主体作用，促进大学生人文素质的不断提升和道德修养的日益完善。 1.淡化美术的功利性，树立正确的价值观。随着社会主义市场经济的不断深入，社会上出现了重功利、轻道德的功利主义思想和行为，这种现象也对目前的美术教育产生了消极影响。有些美术教师在教育教学工作中追求功利，所教学生按照市场运行规则来衡量美术作品，这种思想和做法不但背离了美术教育的宗旨，而且也阻碍了大学生健全人格的培养和完善。打铁还要自身硬，高校美术教师首先要注重自己的思想修养，将自己的职业追求与人生追求结合起来，成为大学生的人生榜样。其次，美术艺术的欣赏和创作中，要着力培育大学生的社会主义核心价值观，帮助他们定位好自己的角色，把追求真善美作为行为准则，自觉消除拜金主义的侵蚀和影响，用美的心灵审视、欣赏、创作美术作品。教师在评价学生作品和学生成绩时也把道德标准作为重要依据，对学生做出科学的评价，充分调动学生学习和修养的积极性和主动性，全面提高学生的整体素质。 2.继承民族优秀文化传统，强化民族传统艺术教育。中华传统文化博大精深，是我们高校美术教育必须吸收的精神营养。例如，中国传统文化所强调的“仁爱”思想，就是教育中必须贯彻的原则。高校美术教育要充分挖掘中国优秀传统文化中的艺术要素，重视我国民族优秀美术作品的欣赏，在美术作品欣赏中，提升大学生的人文素质和思想修养。要坚持古为今用、洋为中用的原则，在继承我国优秀传统文化的同时，积极借鉴和吸收外来的优秀艺术成果，确立大学生正确的审美观和价值观。 3.创新美术教育机制，提升大学生艺术修养水平。近几年来，高校美术教育存在一些矛盾和问题，影响了高校美术教育质量的提高。例如，有的教师在授课时只传授创作技巧，不注意启迪学生心灵；有的大学生学习带有较强的功利性，艺术创作缺乏思想性和感染力；等等。针对这些问题，高校美术教育要提高针对性和增强感染力，必须拓展现有的教学内容，创新教学方法和教育机制，不断优化教育评价标准。另外，高校美术教育的成效如何与整个社会的风气有着紧密联系，要努力净化社会环境，大力开展高雅艺术进校园活动，形成积极健康的校园文化氛围，促进大学生的健康成长和全面发展。 美术大学毕业论文:大学美术教育创新教学模式研究 【摘要】党的十六届五中、六中全会作出了建设创新型国家的战略决策。建设创新型国家对人才的要求则是适应时代需要的创新型人才。在这样的时代氛围下，学校教育的核心应是培养具有创新素质的创新型人才。而旧有的传统教学模式显然已无法承担此重担，所以，学校教育的当务之急是要改革现行的教学模式，实施创新教育。在这样的背景下，此文从四个方面切入，具体探讨大学美术教学中创新性教学模式，具有重要的理论价值和现实实践意义。并且，美术教学中的创新教育模式研究和实施，不仅会使本校本系能够为国家培养更多的适应社会需要的创新型人才，而且这种在教学实践中总结出来的创新教育模式的推广，也必将会对其他系甚至对其他院校教学改革起到积极作用。 【关键词】大学美术教育；创新教学模式；鼓励性教学模式；互动交往性教学模式 党的十六届五中、六中全会作出了建设创新型国家的战略决策。建设创新型国家对人才的要求则是适应时代需要的创新型人才。在这样的时代氛围下，学校教育的核心应是培养具有创新素质的创新型人才。而旧有的传统教学模式显然已无法承担此重担，所以，学校教育的当务之急是要改革现行的教学模式，实施创新教育。作为高等学校的教师，在教学实践中主动开展有利于创新型人才培养的教育教学改革，实施创新教育，必将会不断提升学生自主创新能力。并且，美术教学中的创新教育模式的研究和实施，不仅会使本校本系能够为国家培养更多的适应社会需要的创新型人才，而且这种在教学实践中总结出来的创新教育模式的推广，也必将会对其他系甚至对其他院校教学改革起到积极作用。在这样的背景下，文章从四个方面切入，具体探讨大学美术教学中创新性教学模式，具有重要的理论价值和现实实践意义。 一、大学美术教学中的鼓励性教学模式 鼓励性教学是指在具体教学过程中，教师通过恰当的方式，不失时机的给学生以充分的肯定、鼓励和赞扬，使学生体验到成功的快乐，从而获得尊重和自信，激发起学习兴趣的一种教学方法。这种方法在中小学运用的比较多，到了大学，有些教师认为，学生都大了，有理性了，这种鼓励性教学已不适合了。其实，并非如此，大学生，甚至包括其他各行各业的成人，在内心深处都有一种得到别人的尊重和赞美的心理需求，正如美国著名心理学家维鲁姆斯所说的，“人类本性最深处的企图之一是期望被赞扬、钦佩和尊重。”①因此，大学教师在实施教学时也要不失时机的对学生进行鼓励，采用鼓励性教学。同时，鼓励性教学也是培养和保护学生创新思维的条件。教师应该多给学生创新性思维的机会，给学生提供一种宽松、愉悦的环境。 二、大学美术教学中的互动交往性教学模式 互动交往性教学模式，要求大学美术教师，在教学过程中，放下师长的威严，以朋友的态度对待学生。美术课因其自身的特点决定了课堂应该是活跃的，应该有学生的参与活动。但在我们的教学中，许多教师往往会认为教学效果不好，是因为课堂纪律不好，因此，对学生提出这样那样的课堂要求，束缚了学生在课堂上自由发挥的余地。其实，教学效果好坏，关键在教师，教学内容的设计是否能吸引学生这是很重要的，课堂中教师是否以平等、友好的态度对待学生也是很重要的。比如华东师范大学附属一中美术教师张锋开设的市级公开课《追逐太阳-凡高的画》。《追逐太阳――凡高的画》一课，在课堂上至始至终是学生的发言，学生的讨论，学生沉浸在凡高的作品里，学生主动去了解凡高，理解凡高。让学生自由发挥自身潜在的观察力、想象力、创造力。教师主要是起引导作用，组织课堂。宽松的环境容易形成了活跃的课堂气氛，这样有利于学生创新能力的发挥。 三、大学美术教学中的主体性教学模式 传统教学模式学生始终处于被动的知识接受者的地位，学生学习的自主性、主动性和创造性受到限制，不利于培养高素质的创造性人才，所以要寻求有利于学生发展的主体性教学模式。主体性教学是由钱梦龙于1982年提出的，它改变了教与学的传统关系，“以学生为主体”，“以学生发展为本”，这是教育理念的一次变革尝试，也是人的发展观的变革。主体教育思想运用到教学活动中，产生了主体性教学模式。历经三十年的教学实践，全国各地已产生了许多主体性的教学模式。 大学美术教学要借鉴主体性的教学探索的成果，把这种模式运用到具体的美术教学过程中。这就要求大学美术教师在具体教学中，注重对学生主体性的培养，让学生感觉美术课堂是自己的课堂，让他们在课堂上享受快乐，感情美术带给他们的美，做一个课堂的主人。在美术课堂上对主体性的培养首先要激发学生的学习兴趣，树立主体意识。这就要求大学美术教师在教学环节上下工夫，用多种学习方式教学，在学习后让他们参与到教学评价之中，只有这样才能做到主体性的发挥与培养。 四、大学美术教学中的问题导向性教学模式 问题导向性教学是指在具体教学过程中，教师提前设计出富有探索性的问题，在课堂上以问题进行导引，刺激学生突破传统课程的束缚，从而去探索问题，寻求新知的一种教学方法。这样的课堂上，教师只是“教练”，学生是主动的探索者、学习者。 问题导向性教学模式运用到大学美术教学中，就要求大学美术教师在具体教学中，在自己已有的知识视阈下，依据教学目标和学生的实际科学地设计出富有探索性的问题，激发学生参与的兴趣，让学生在自己已有专业知识基础上，大胆想象，勇于探索，以问题为导向去探求未知，在教学过程中发现问题、解决问题。比如欣赏雕塑，欣赏世界上第八大奇迹――《兵马俑》。教师可设计问题：战争与艺术有什么密切的关系？通过问题，让学生围绕问题，充分发挥想象力，反思战争。通过学生探索反思，让学生正确认识战争与作品之间的关系。 美术大学毕业论文:美术类大学生英语学习现状及思考 摘 要：美术类大学生的英语学习不同于普通文理科的学生，美术生有其自身的实际情况和特点。总的来说，美术类大学生英语基础较弱、学习文化的动力不强、缺乏学习兴趣和良好的学习方法。本人旨在对美术类大学生英语学习的现状进行分析，并针对这些情况提出建议。 关键词：美术类大学生；英语学习；英语教学 长期以来，高等学校公共英语教学形成了以面对普通文理科为主的教学模式，近些年来，艺术生数量快速增长，全国大部分高校陆续开设艺术类专业，其中美术类专业占据了很大的比例。各个非艺术类高校长久形成的英语教学模式，并不完全适用于美术类大学生的教学，而且美术类大学生本身对英语学习不具有积极性，导致学生英语学习效果不理想，达不到英语教学的目标。如何改变美术类大学生英语学习现状，提高教学质量，成为当前一项紧迫的任务。 一、美术类大学生专业英语学习现状 1、美术生的英语基础薄弱。美术生的高考录取控制线分数大约相当于本科二批录取控制线的60%，这说明美术生的文化课成绩总体偏弱。从高考入学考试的英语成绩和四六级考试成绩来看，美术类大学生英语基础普遍薄弱。美术生中有相当比例的学生是因为文化课学不好，为争取进入本科层次高校深造，突击学习美术，进入美术生行列的。美术生一般在中学期间把更多的时间和热情都投入到自身专业的学习和训练上，对文化课的学习不够重视，再加上大部分高校对美术类专业录取不要求英语等单科成绩，这使大部分美术生不重视对英语的学习。进入大学后，自身的英语水平仍然停留在英语学习的初级阶段，词汇量小、语法知识薄弱以及对句型结构缺乏认识等，在面临大学英语的时候产生放弃的念头。与本科一批和本科二批的学生相比，美术类大学生的英语综合运用能力有明显的差距。 2、缺乏学习英语的动力。在目前人才培养环境中，大部分美术类院校都以培养专业知识和实践技能为主，在课程设置上虽然有对英语教学安排，但没有足够的时间和语言环境。美术类大学生是很有个性的大学生群体，绝大部分的美术类大学生认为，学习英语对美术专业技能的提升没有任何促进作用，而且英语和美术专业没有任何关联。大多数学生更热衷于专业课和与之相关的课程，对英语的学习不够重视。 3、对英语学习没有兴趣。从接触英语开始，学生一直接受者枯燥的英语教学，一成不变填鸭式的教学，使原本文化课就不好的艺术生更加没有兴趣去学习另一门的语言。长期以来，美术专业的学生受到外界对美术专业认识的影响，而且高考招生政策对美术生的文化成绩要求较低，导致美术专业学生认为专业比文化重要，轻文化重特长。他们认为不应该像其他学生那样投入很多时间去学习英语，而且毕业后工作上用到英语的机会也不多，所以美术类大学生也没有重视培养英语学习的兴趣。 4、英语学习方法不得当。大多数美术类大学生没有行之有效的英语学习方法。由于中学阶段有重视专业课、轻视文化课的思想，美术类大学生没有形成良好的英语学习习惯和系统的学习方法，没有充分掌握中学阶段需要掌握的英语基础知识。进入大学后，面对新的教学和生活环境以及对新的教学模式的不适应，美术类大学生不知道如何去学习英语，而且在大学阶段相对宽松的学习环境，没有足够的压力迫使美术类大学生去学习英语。这使本来词汇量小、语法知识匮乏的美术类大学生更加找不到合适自己的学习方法，逐渐产生学习疲倦，情绪消极。 二、美术类专业英语教学的思考 1、首先要提高英语学习的兴趣。瑞士著名教育家皮亚杰说过“所有智力方面的活动都要依赖于兴趣“。这句话说出了兴趣对于学习的重要性。美术类大学生长期以来丧失了英语学习的兴趣，因此教师在教学过程中想方设法重新培养他们的兴趣尤为重要。英语教师在教学过程中需要摒弃传统的授课方式，积极探索开展新的教学模式，以美术类大学生欢迎的方式授课，循序渐进。例如在课堂上适当添加于上课内容相关的故事情节，英语笑话，国外的风土人情等，适当结合美术类专业相关知识，使课堂有良好的氛围，吸引学生认真听讲，在讲故事等环节中传授英语知识，由浅入深，逐渐提高学生的英语水平。 2、根据美术类专业小班上课的特点，实施因材施教。美术类专业大学生活泼好动，表现欲强，联想丰富，思维活跃，善于形象思维，语言表达能力较强，对文学和艺术有极强的感受力和领悟力。因此，根据美术类大学生的特点，教师在教学方法和教学手段上灵活多变，适应自己的教学对象，充分利用美术类大学生的特长和优势，引导学生尽量发挥其长处，推动学生的英语学习全面进步，美术类大学生的英语应该可以学的更好。 3、因势利导，调动英语学习的积极性。只有学生积极主动的去学习英语，有了更高的学习效率，教师的教学才能达到事半功倍的效果。美术类大学生大多比较偏执，对自己的专业有饱满的热情，对英语没有兴趣也不愿意付出努力。要调动学生学习英语的积极性，就要和学生多沟通，对学生的思想进行引导，课堂上不要死板的讲授课本知识，要多向学生讲一些课外知识，开拓学生的眼界，结合美术类大学生的专业，逐渐调动学生学习英语的积极性。 4、指导学生找到适合自己的学习方法。语言的学习是一个长期艰苦的过程，学习效果不会立竿见影，所以必须帮助学生制定合理的学习计划。比较可行的一个方法是制定合理的、长期的英语学习计划，分解实施，每一个阶段完成之后检测学习收获，帮助学生获得学习成就感，促进下一阶段的英语学习。在课堂教学中，教师不要一味的讲课，应采取启发式提问的教学方式，多发动学生思考，多给学生独立思考、积极探索的机会。积极帮助学生养成善于思考的习惯和独立解决问题的能力，诱使学生进行探索性学习。 5、根据本校美术类大学生的英语整体水平，选择合适的教材。美术专业的英语教材应力求与美术类专业课同步，使英语在学习其他课程时成为有用的工具。选用一些将美术专业课知识融入课文的教材，拉近英语学习与美术专业学习的距离。此外，英语教师一般是英语专业出身，对美术专业了解不多，如果教师不了解美术，也就无法更好的讲授这些教材。英语老师应对美术专业基础有所了解，熟悉学生在学习过程中容易碰到的困难，才能使合适的教材发挥作用。 6、充分利用现代教育手段实施教学。把课堂的教学内容通过形象的、具体的内容展示在学生的面前，更容易被大脑存储在记忆中。所以教师有必要对教学内容进行想想加工，把图片、漫画、情景对话等用到英语教学中，使英语学习变得丰富多彩。美术类学生的想象力丰富，这更适合引入多媒体，采取多媒体教学方式。多媒体教学具有直观、方便、快捷等特点，能够全方位的影响学生的视听，激发学生的学习兴趣。 总之，美术类大学生英语底子弱，没有学习英语的正确兴趣、动力和正确的学习方法，英语教学必须要面对这些客观存在的困难。在教学步骤和过程设计中，英语教师要采取多种形式，帮助学生培养学习英语的兴趣和方法，提高学习的动力。另外，教师还要充分了解学生的实际情况，因材施教，为学生创造良好的学习氛围。作为教师，还应该主动了解美术类专业课，加强教学方法的探索和研究。

陶瓷论文:当代陶瓷艺术创作论文 1当代陶瓷艺术 1.1当代陶瓷艺术与传统陶瓷艺术 （1）当代陶瓷艺术是传统陶瓷艺术的传承和发展 当代陶瓷艺术创作早已突破传统陶瓷艺术的界限，在艺术创新的基础上，以实用为设计目的，用来反映现今时代与社会现实。正是由于当今现实文化的发展，使得一些文化艺术的观念慢慢渗透，这些都与陶瓷艺术创作的发展息息相关。当代陶瓷艺术突破传统陶瓷框架的束缚，将之前较为单一的陶瓷艺术手段和艺术模式进行了相应的改变，超越传统，融合了这个时代所特有的创新手法。例如，创新的工艺技法、意象派图画、抽象派视觉语言，并且重视不同的配色和选料，这些手段的契合促进了一种潜意识形态的陶瓷艺术潮流的诞生。在继承传统精华的同时，当代陶瓷艺术创作不仅大胆吸收外来文化。例如，一些现代西方文化对其造成了深远的影响。再加上东方文化的底蕴不断滋养，使得当代陶瓷艺术家有了不断试验、不断完善、不断改进，从而完成一件特别的艺术品的底气。这种通过不断努力来达成特别艺术效果的过程也体现出了当代陶瓷艺术家的全新创作理念和审美情绪。 （2）当代陶瓷艺术与传统陶瓷艺术的差异 当代陶瓷艺术的创作是一个完整艺术形态的创造性审美活动，其创作观念的差异与表达方式的区别是当代陶瓷艺术与传统陶瓷艺术最大的差异。正因为在艺术界，无论何种艺术品的诞生都需要其体现整个时代的精神。因此，当代陶瓷艺术通过体现当代这个时代现实的开放性思维和综合交叉的多向思维方式，从而赋予了自身更加强烈的个性追求与现实迫切需要。从这一点上来说，当代陶瓷艺术相较于传统陶瓷艺术对于艺术表现力方面显得更为重视，尤其是注重当代艺术的现实表现力、对现实心灵的揭示能力以及当今现实社会精神的感染力和思维创造力。 1.2科技与当代陶瓷艺术创作 在陶瓷艺术创作的过程中，工艺是十分重要的。既然陶瓷艺术是取之自然造福人类的艺术，而在陶瓷艺术成品成型的过程中需要人类的手工实践活动进行磨合，这种手段称为“工艺”。只有技术水平有保障的、运用高新科学技术的、能够运用理性判断得到大家认可的工艺，才是真正能够符合当代审美、合乎目的性、具有实用价值的合理有效的科技工艺。从工艺方面来说，当代陶瓷艺术使用大自然所给予人类的泥和火进行锻造和揉捻。原本形态各异的、柔软的泥土，在艺术家的巧手惠心之下进行精心的雕琢之后，放入炉火之中进行烧制，才能够变成满含陶瓷艺术家心血的艺术品。这种艺术品不仅富有情感，而且能够给人们带来视觉的冲击和愉悦的享受。现在随着科技的发展，数学理论和数字技术在陶瓷的制造过程中被大量的使用。这种高科技手法的使用加速了当代陶瓷艺术创作的发展，也开拓了当代陶瓷艺术的新视野。 （1）数学理论在当代陶瓷艺术创作中的应用 一些陶瓷艺术品创作者通过运用数学理念对陶瓷艺术进行了完美的诠释。例如，日本京瓷公司所开发出来的高科技陶瓷刀，完美地运用了陶瓷的耐腐蚀度高、化学稳定性好等特点，使得这种产品的性能远超一般的金属刀片。而在艺术作品方面，将陶瓷这种原料做成三角锥或者圆锥等几何拼接的图案进行镂空的加工和雕琢，让这种材料的材质得以完美地展现。或者只是将陶瓷做成立方体，之后再进行加减法的切割工艺，显得十分整洁和干练。或者是加工成圆形和弧形之后再进行相应的组合，使之曲线分明，简单明快，充满欣喜的律动感。再或者使用更加高科技的工艺让陶瓷的表面产生扭曲的质感，采用数学曲线的理论，充满趣味性的将陶瓷延展成为一个曲面，让陶瓷那种脆生生的质感与数学曲线的柔美进行完美的结合，并且在烧制的过程中注意高科技的时间控制，让陶瓷工艺品的性能更加良好和完善。 （2）数字技术在陶瓷图案制作中的应用 除去其他的光环，陶瓷艺术还可以称为是绘画和雕塑相加的艺术。在这种艺术形式之中，绘画是指陶瓷的图案制作方面。既然是二者相加的艺术，那么图案所能够展现出的陶瓷艺术魅力自然也不必多言。在传统意义上来说，陶瓷艺术品的诞生可以分为两半。第一半人为因素的控制，另一半是指陶瓷工艺品在进窑烧制过程中是无法预测的，因为烧制高温的缘故而脱离了人类的束缚范围，导致烧制结果无法控制。为了减少在烧制过程中的损失，以及工艺品图案经过高温之后变色的不可抑制性，数字技术就应运而生，被应用于陶瓷的图案之作过程中。传统釉料需要高温窑变形成最终的颜色。因此，难以直接地进行图案设计，尤其是当代一些科技图案或者一些抽象的图案印到瓷器上就有很大的难度。可以通过借助现代数字技术的方法，利用数字技术辅助设计陶瓷图案。最常用的方法是热转印技术，即在计算机里设计图案，这种图案是由一些十分精密的数学图案构成的，其细腻程度远非人工绘画所能达到的。然后再使用喷墨打印机进行处理，最终采取热传因技术印制到陶瓷工艺品表面。这样有利于保持图案的色泽和光鲜度。 2总结 在经济全球化的趋势下，在美术多元化的带动下，当代陶瓷艺术创作也逐渐开始冲撞传统艺术的边界线。艺术家们开始使用科技手法，运用各种机械设备和工具，来提升自己的创作工艺，使得当代陶瓷艺术创作成为了科技与艺术的完美融合。这种融合不仅仅是简单地数学叠加，而是充满奇特的幻想和复杂的变化，最终造就了陶瓷的独特之美。 作者：张馨予 李伟 单位：景德镇陶瓷学院 陶瓷论文:我国陶瓷茶具影响国外茶文化论文 一、简述中国陶瓷茶具的发展 明代，人们的饮茶方式发生了很大的转变，变成了与现代炒青绿茶相似的芽茶，绿色的茶汤要以洁白如玉的茶盏来与之相配，尚白也促进了白瓷的发展，这时的茶具以景德镇最为著名。宜兴紫砂壶也出现在这个时期，并迅速发展起来。清代的饮茶习惯继承了明代的传统，与之相匹配的茶具也没有大的变化。较之前朝，茶具种类多，色彩艳，同时还在其中配以诗词书画等，紫砂壶的发展在清代达到顶峰状态。 二、中国陶瓷茶具在日本的流传及发展 1.唐三彩茶具 开放的唐朝文化，较之其他朝代，对日本影响最大。此时在日本，饮茶是天皇、贵族、高僧们模仿唐文化的潮流之一，当然也少不了中国丰富多彩的陶瓷茶具。奈良时代日本人模仿中国唐三彩烧制出了奈良三彩，器物主要有盖罐、罐、净瓶、钵、碗、盘等，色彩主要为绿、黄、褐色，有的为单纯的彩绿。虽然其工艺、造型、装饰技法、釉色等方面均不如唐三彩，但奈良三彩是日本最早的陶瓷茶具，为日本陶瓷茶具的发展，及茶文化的发展奠定了基础。 2.宋黑釉茶盏 宋代“斗茶”风靡全国。北宋被金灭亡后,宋徽宗玩物丧国，为百姓所不耻，斗茶之风也逐渐陷入低潮。当斗茶活动在中国的宋代逐渐落下帷幕时,在当时的日本却刚刚兴起,流入到日本的黑釉“建盏”,倍受推崇,在当时可谓价值连城。随着中日两国频繁的贸易来往，大量的中国陶瓷茶具被强势的武士阶层获得，这极大地促进了日本茶文化的发展。其积极作用就是推动了日本种茶、制茶技艺发展，不是完全模仿中国。 3.明景德镇青瓷 明代，陶瓷茶具的发展进入顶峰时期，最有名的要数景德镇。相传日本一位被誉为“茶汤鼻祖”的高僧叫村田珠光，非常喜欢中国茶文化，特别喜欢使用一种青瓷茶具，由于再传入日本时还没有名称，人们就以茶祖的名字命名为“珠光青瓷”。后来，珠光开始用禅来结合自己的茶事活动，禅与茶的结合是日本茶道的精髓，并且影响至今。 三、深远的影响 1.茶具造型 随着历史的发展，中国陶瓷茶具对日本茶具造型的影响不断减少，由简单低级的模仿样本，演变为有着自己审美倾向的风格造型。清贫主义是日本茶文化的审美风尚，所以古朴粗陋的陶瓷茶具是主流，与中国越来越精致的陶瓷茶具发展方向相反。 2.精神内涵 由于日本早期茶文化的传播仅限于宫廷和僧侣之间，其社会性和民众性的层面远不如中国，但是却多了一份神秘的色彩，形成了典型的日本茶道。其典型性表现在“和、敬、清、寂”，这是说起日本茶道不得不提的四个字，也是日本为世界茶文化所作的贡献。“和”指喝茶者之间的和睦；“敬”则指讲究礼节、真诚互敬地交往；“清”即清爽、洁净。观赏过茶道表演的人都清楚，日本的茶室和茶具都是一尘不染的。当然，“清”也指品茶人内心清净；“寂”指品茶时优雅的环境，还有品茶者谦恭的神态。 3.美学含义 饮茶是一种物质活动，更是精神艺术活动。这就要求茶具一定要讲究，实用是必须达到的条件，但光实用是不行的，还要有一定的美感，足以满足人们的审美标准。日本茶具透露着唐宋时期中国的茶具技艺，中日两国的茶道属一脉相承，都出于茶经。但其发展方向有所不同，中国的茶文化受道家、儒家、佛家多方面的影响，而日本主要受佛家禅宗的影响。在其自身特点的影响下，它的陶瓷茶具，更为古朴，想要通过这种不均衡去暗示现实社会的不平等，在日本人的意识中不均衡的美更受欢迎，粗糙的茶碗被认为是上品。日本茶道是通过品茶进入禅境，更注重形式的美感，故茶具是日本茶道及茶文化不可或缺的一部分。 作者：轩弋真 单位：绥化学院外国语学院 陶瓷论文:陶瓷绘画艺术论文 一、釉中彩形式 釉中彩是七十年展起来的一种新的瓷器装饰材料和技法。亦称高温快烧颜料。颜料的熔剂成分不含铅或少含铅，按釉上彩方法施于器物釉面，通过1100～1260℃的高温快烧（一般在最高温阶段不超过半小时），釉面软化熔融，使颜料渗入釉内，冷却后釉面封闭。尽管《中国古陶瓷图典》没有把“釉中彩”同“釉上彩”、“釉下彩”、“釉上、釉下双层彩”并列成类，但实际上已经承认“釉中彩”的存在事实，并且使用了“釉中彩”这个概念。书中关于褐彩、褐绿彩和白釉绿彩的条目中，分别介绍了唐代四川邛崃窑和湖南长沙窑的“釉中褐彩”、“釉中褐绿彩”、和“釉中绿彩”等特色品种。这就说明“釉中彩”这类彩瓷早在唐代已经创烧成功，成为正式的产品。如今在市场上，釉中彩工艺已被用来绘制大路货商品，“釉中彩”的大字广告招牌随处可见，货架上排满釉中彩产品。据说釉中彩之所以时兴有两个原因：一是迎合人们认为釉上彩料会产生污染，而釉中彩不会污染的心理。二是制作工艺并不复杂，坯胎釉上绘彩后再薄薄喷上一层面釉，然后一次烧成。之所以绘彩后喷层薄釉，一是怕彩料不能完全沉入釉中，二是使器物表面更加光平。巧合的是，这种釉中彩又回到了康熙名品“豇豆红”的制作方法，不能不说是一种历史的“回转”。 二、釉上彩形式 1、粉彩是釉上彩 最具代表性的陶瓷绘画，粉彩又叫“软彩”。粉彩瓷的彩绘方法一般是，先在高温烧成的白瓷上勾画出图案的轮廓，然后用含砷的玻璃白打底，再将颜料施于这层玻璃白之上，用干净毛笔轻轻地将颜色依深浅浓淡依次洗开，让画面有层次变化和光影变化，使花瓣和人物衣服有浓淡明暗之感。由于砷的乳浊作用，玻璃白有不透明的感觉，与各种色彩相融合后，便产生粉化作用，红彩变成粉红，绿彩变成淡绿，黄彩变成浅黄，其他颜色也都变成不透明的浅色调，并可控制其加入量的多寡来获得一系列不同深浅浓淡的色调，给人粉润柔和之感。 2、新彩是釉上彩 最为普及的一种。旧称洋彩，光绪年间，先自德国后由日本输入开始在景德镇盛行。这种颜料色彩纯正鲜艳，是一种低温釉上彩绘颜料（烧成温度约600℃—900℃）由铜、铁、锡、锰、钴等多种不同金属氧化物制成。颜色极为丰富，其中部分红色系列的颜色中含有黄金。例如绿玛瑙红、珠宝红等。新彩的特点是，绘画程序比较简单，可直接用笔蘸取色料在瓷上作画，表现力较强，可以任意画出浓淡条理，并可随意调配颜色，在画完烧过之后，还可以反复罩色，屡次回炉烧制。恰是因为有了这种洋彩，瓷上肖像画才开始萌芽。解放后，经过一系列的革新和研究，现在我国不仅能自己生产各种颜料而且在表现技法上，吸收我国绘画的没骨法、工笔画法及写意画法，所谓“洋彩”已经失去了它的涵义，因此叫做“新彩”，新彩的颜色较比粉彩的颜色更加丰富。3、斗彩是釉下彩和釉上彩的结合，是历史上开了这一先河的陶瓷品种。一开始都是以图案画居多，绘画的内容和画面很少，发展到现在的斗彩越来越在探索各种绘画的内容和构图形式，抒发画家自己内心的状态和表现心中所想内容。斗彩的发展将会演变出更多新的斗彩形式，由于釉下彩釉料的丰富，现在的陶瓷从业者都在探索各种釉下彩釉料的装饰和绘画在陶瓷上的效果，大胆创新是他们的精神。由于有的釉下彩釉料有很强的变化和不确定性，各种变化万千丰富多彩的肌理效果，五彩斑斓的颜色，拥有无穷的装饰绘画魅力，这就是所谓的高温颜色釉。由于其多变的特性，陶瓷画面上会出现丰富的图案纹路，只要陶瓷艺术家经过合理的富有创意的想象，与之配上釉上彩绘，我相信这种陶瓷绘画形式会走得更远。笔者认为创造出新的陶瓷绘画形式要充分发挥装饰材质及其装饰效果的优势和长处，如青花的轻柔淡雅，新彩的明净艳丽，粉彩的粉润柔和，色釉的瑰丽奇特等等，我们可以以其中任何一种陶瓷绘画形式为主，综合利用，有机的结合，这样的陶瓷艺术才会变得更加多彩，而陶瓷绘画形式也会变得丰富，潜力无限，魅力无穷。 作者：陆军 吴文来 单位：景德镇陶瓷学院 陶瓷论文:新形式陶瓷绘画艺术论文 一、釉下彩形式 而颜色釉是可以用来绘画的，就像青花和釉里红，都是属于釉下彩绘，颜色釉中的高温窑变色釉，它是一种拥有凝重色彩，变化万千的肌理效果，韵味十足，相对于以上的陶瓷绘画方式，还是比较前沿的陶瓷绘画形式，可谓是陶瓷装饰领域中一个富有极大开发潜力的课题，是一种极具表现力的陶瓷绘画语言，潜力不可限量。 二、釉中彩形式 釉中彩是七十年展起来的一种新的瓷器装饰材料和技法。亦称高温快烧颜料。颜料的熔剂成分不含铅或少含铅，按釉上彩方法施于器物釉面，通过1100～1260℃的高温快烧（一般在最高温阶段不超过半小时），釉面软化熔融，使颜料渗入釉内，冷却后釉面封闭。尽管《中国古陶瓷图典》没有把“釉中彩”同“釉上彩”、“釉下彩”、“釉上、釉下双层彩”并列成类，但实际上已经承认“釉中彩”的存在事实，并且使用了“釉中彩”这个概念。书中关于褐彩、褐绿彩和白釉绿彩的条目中，分别介绍了唐代四川邛崃窑和湖南长沙窑的“釉中褐彩”、“釉中褐绿彩”、和“釉中绿彩”等特色品种。这就说明“釉中彩”这类彩瓷早在唐代已经创烧成功，成为正式的产品。如今在市场上，釉中彩工艺已被用来绘制大路货商品，“釉中彩”的大字广告招牌随处可见，货架上排满釉中彩产品。据说釉中彩之所以时兴有两个原因：一是迎合人们认为釉上彩料会产生污染，而釉中彩不会污染的心理。二是制作工艺并不复杂，坯胎釉上绘彩后再薄薄喷上一层面釉，然后一次烧成。之所以绘彩后喷层薄釉，一是怕彩料不能完全沉入釉中，二是使器物表面更加光平。巧合的是，这种釉中彩又回到了康熙名品“豇豆红”的制作方法，不能不说是一种历史的“回转”。 三、釉上彩形式 1、粉彩是釉上彩最具代表性的陶瓷绘画 粉彩又叫“软彩”。粉彩瓷的彩绘方法一般是，先在高温烧成的白瓷上勾画出图案的轮廓，然后用含砷的玻璃白打底，再将颜料施于这层玻璃白之上，用干净毛笔轻轻地将颜色依深浅浓淡依次洗开，让画面有层次变化和光影变化，使花瓣和人物衣服有浓淡明暗之感。由于砷的乳浊作用，玻璃白有不透明的感觉，与各种色彩相融合后，便产生粉化作用，红彩变成粉红，绿彩变成淡绿，黄彩变成浅黄，其他颜色也都变成不透明的浅色调，并可控制其加入量的多寡来获得一系列不同深浅浓淡的色调，给人粉润柔和之感。 2、新彩是釉上彩最为普及的一种 旧称洋彩，光绪年间，先自德国后由日本输入开始在景德镇盛行。这种颜料色彩纯正鲜艳，是一种低温釉上彩绘颜料（烧成温度约600℃—900℃）由铜、铁、锡、锰、钴等多种不同金属氧化物制成。颜色极为丰富，其中部分红色系列的颜色中含有黄金。例如绿玛瑙红、珠宝红等。新彩的特点是，绘画程序比较简单，可直接用笔蘸取色料在瓷上作画，表现力较强，可以任意画出浓淡条理，并可随意调配颜色，在画完烧过之后，还可以反复罩色，屡次回炉烧制。恰是因为有了这种洋彩，瓷上肖像画才开始萌芽。解放后，经过一系列的革新和研究，现在我国不仅能自己生产各种颜料而且在表现技法上，吸收我国绘画的没骨法、工笔画法及写意画法，所谓“洋彩”已经失去了它的涵义，因此叫做“新彩”，新彩的颜色较比粉彩的颜色更加丰富。 3、斗彩是釉下彩和釉上彩的结合 是历史上开了这一先河的陶瓷品种。一开始都是以图案画居多，绘画的内容和画面很少，发展到现在的斗彩越来越在探索各种绘画的内容和构图形式，抒发画家自己内心的状态和表现心中所想内容。斗彩的发展将会演变出更多新的斗彩形式，由于釉下彩釉料的丰富，现在的陶瓷从业者都在探索各种釉下彩釉料的装饰和绘画在陶瓷上的效果，大胆创新是他们的精神。由于有的釉下彩釉料有很强的变化和不确定性，各种变化万千丰富多彩的肌理效果，五彩斑斓的颜色，拥有无穷的装饰绘画魅力，这就是所谓的高温颜色釉。由于其多变的特性，陶瓷画面上会出现丰富的图案纹路，只要陶瓷艺术家经过合理的富有创意的想象，与之配上釉上彩绘，我相信这种陶瓷绘画形式会走得更远。笔者认为创造出新的陶瓷绘画形式要充分发挥装饰材质及其装饰效果的优势和长处，如青花的轻柔淡雅，新彩的明净艳丽，粉彩的粉润柔和，色釉的瑰丽奇特等等，我们可以以其中任何一种陶瓷绘画形式为主，综合利用，有机的结合，这样的陶瓷艺术才会变得更加多彩，而陶瓷绘画形式也会变得丰富，潜力无限，魅力无穷。 作者：陆军 吴文来 单位：景德镇陶瓷学院 陶瓷论文:陶瓷印花技术探究 本文作者：郝晓秀、张越 单位：天津职业大学印刷工程系 陶瓷贴花纸分类及印刷工艺 陶瓷印刷技术经过长时期的发展，逐步由效率低的手绘工艺发展到广泛使用的贴花转印工艺再到高科技高耗资的喷墨工艺，热熔胶转印纸与热升华转印纸分别根据其不同的特性在不同的陶瓷印刷技术中起着重要作用。 根据不同的工艺要求与不同的工艺技术，陶瓷贴花工艺可分为釉上贴花和釉下贴花。陶瓷贴花纸是通过印刷工艺把设计的纹样用陶瓷颜料印制在特定纸张上(通常用大膜纸和小膜纸)，可以移贴在陶瓷上用来装饰陶瓷的印刷品［5］。贴花纸可分为大膜釉上花纸和小膜釉下花纸，两种贴花纸印刷各具特点，如小膜釉下花纸印刷质量较好，可以印刷较精细的图案，而大膜釉上贴花纸印刷具有价格低廉、可大面积印刷等特点［6］。随着科技的不断发展，目前市场上又出现了陶瓷喷墨印刷，但由于我国的陶瓷喷墨印花正处于兴起阶段，技术还不完全成熟，喷墨陶瓷产品要想成为市场主流，仍需面临价格偏高、技术受限的问题［7］，由此来看，陶瓷贴花装饰工艺仍将是未来陶瓷装饰的主要力量。 转移印花技术根据原理的不同主要分为热转印和冷转印(水转印)两种，其中热转印又可分为热升华转印与热熔胶转印。与此相对应，转移印花纸主要可分为水转印印花纸、热升华型转移印花纸和热熔胶型转移印花纸。热熔胶型转移印花纸是通过表面的热熔型特殊涂层将本身的图文信息与承印物相结合。其过程是将热转印纸与承印物充分紧密接触，再通过在纸的背面加热加压，使溶胶图层连同上面的图文一起粘结到承印物上。热升华型转移印花纸的应用需要一种特殊的水性热升华转印专用颜料的配合，其过程是通过喷墨打印机将制作好的电脑数字图文信息打印在转印纸上，再使得转印纸与承印物紧密接触，并对其施加一定的压力和温度，使转印纸上的特殊墨水升华成气态并进入到承印物分子间隙中，最后凝华成固体，在承印物上形成完整的图文。陶瓷贴花中用到的大膜釉上花纸属于热熔胶型转印纸，小膜釉下贴花纸属于水转印纸，热升华型转印纸目前主要应用于个性化产品转印，就是将自己设计好的图像转印到带有特殊涂层的杯子、盘子、陶瓷等一些器皿上，所用设备主要是烫画机或烤杯机等［8］，但由于此类纸张的价格过高，因此还未广泛使用。 不同陶瓷贴花纸的构造及特性 虽然陶瓷贴花纸都在陶瓷印刷过程中起着中间媒介的作用，但是由于针对的工艺技术不同，不同的陶瓷贴花纸在构造及特性上都有自身独有的特点。 大膜釉上花纸和热熔胶转印纸结构有如下几层，它在陶瓷印刷技术中主要应用于釉上彩的制作。1:封面油2:图文层3:PVB图层4:氯乙烯粘合剂5:纸基(主要采用木浆纸)进行釉上贴花的时候，先将印有图文的PVB(聚乙烯醇缩丁醛)层与纸基分离，然后将PVB薄膜浸醇后转贴到陶瓷器皿的釉面上，再经过780～830℃烧结，PVB薄膜碳化分解，彩色图案附着于陶瓷器皿表面，完成陶瓷器皿的色彩转移［9］。釉上贴花纸的生产与使用机械化程度高，生产效率高，价格较低，适合大批量的生产和使用。 小膜釉下花纸和水转印纸(统称为小膜釉下花纸)在陶瓷装饰工艺中主要应用于釉下彩的制作。1:封面油2:图文层3:水溶性胶4:纸基(棉纸与木浆纸制成)进行釉下贴花时，把花纸浸湿贴在瓷坯上，揭去纸基层后，在整个瓷坯上涂上一层透明瓷釉，并覆盖贴花部分，然后将瓷胚在1300℃上下烧结成彩色的陶瓷制品。釉下贴花效果精致，能够有效减少铅镉等有害物质的溢出，但价位偏高，机械化程度相对偏低，主要适用于中高档陶瓷的装饰生产。 陶瓷贴花纸的生产工艺 陶瓷贴花纸制作一般由三大部分完成:一是前期的制版，样品的提供;二是中期的纸张、晒版、色料的准备工作;三是后期的生产印刷［10］。 大膜釉上花纸的生产主要使用的纸基为木浆抄造生产的纸张，并在贴花纸抄造过程中，适量加入印刷适印剂，以便改善纸样的油墨吸收性及网点的清晰性、圆整性和均一性［11］。釉上贴花纸的印刷一般使用高温溶剂型油墨进行丝网印刷。油墨中使用的连接料为固体树脂和溶解树脂的有机溶剂，使用的发色剂是金属氧化物，这直接决定着烧成后的图文彩色色相。为了增加色素的亮度，所用助剂一般为铅玻璃体、低熔点硼。网印陶瓷贴花纸目前几乎占领了陶瓷贴花纸印刷的全部市场，主要是由于网版印刷具有不受承印物大小和形状的限制，墨层厚实、颜色鲜艳、再现性好、立体感强等优点。其主要过程为首先根据电子原稿进行分色，根据陶瓷颜料叠色不变色的特性，主花红蓝绿要分开，红色分三次(浅中深)，蓝色绿色分两次(浅深)，最后用黑色或灰色线条勾边。经检查符合要求后制作阳图小片，用小版晒版进行手工打样，经烧烤后对样品进行各方面调整，直至符合要求，在送至瓷厂试烧［12］。由于瓷墨的特殊性质，不能进行叠色，因此贴花纸丝网印刷要进行专墨专印的分阶印刷。网印瓷墨和普通彩印油墨一样，也具备纯度、明度、饱和度3个基本要素。衡量陶瓷贴花纸的质量主要是看它是否能准确地再现原稿颜色［13］。 在小膜贴花纸印制过程中，如果在不适当的干湿度下印刷，会出现卷曲或变形等问题，使室内适度达到60%～70%，温度达到22℃±2℃是最佳工艺条件［15］。对于小膜釉下贴花纸网印时可能用到的粉状颜料，因为其容易吸收水分，所以需妥善保存于湿度小的环境中。调制瓷墨前，应先将颜料放入烘箱中进行干燥，干燥温度为130℃。印刷时，每印一段时间后应将丝网中的剩余瓷墨除去，换入新的瓷墨，并清洗印版，把嵌入网孔中的颗粒除去，保证有足够的瓷墨颗粒漏印到承印物上［16］。从设计层面上来看，小膜釉下贴花纸更注重与陶瓷整体外观的搭配。釉下花纸的设计者应重视整体设计的效果，注重陶瓷造型与装饰的结合［17］。 小结 陶瓷转移印花技术的发展带动了转移印花纸产业的发展，与此同时转移印花纸的不断开发也推动了陶瓷转移印花技术的不断革新与进步。陶瓷印花技术是一项发展空间很广的技术，陶瓷贴花纸也是前景广阔的需要不断研发的产品。 陶瓷论文:陶瓷废弃品环境艺术设计论文 1、艺术拼贴法 陶瓷废弃物在物体表面进行有规律或者无规律的铺装就叫做“拼贴”。利用陶瓷废弃物所制作的“拼贴”作品，大多采用陶瓷废弃物中的废弃瓷片，由于这些作品并不会刻意追求整齐性与完整性，我们可以直接利用陶瓷废弃物在碎裂时所产生的不规则的裂痕。利用废弃瓷片所拼贴而成的作品，主要是追求整体效果的完整性，在拼贴手法上比较随性与自由。陶瓷碎片通过“拼贴”的手法再利用于环境设计中，最为直接和直观的例子莫过于建筑墙面拼贴和道路铺设了。西班牙的建筑大师安东尼•高迪，无疑是在环境艺术中运用废瓷片来进行拼贴装饰最典型的代表。安东尼•高迪富有想象力的建筑装饰风格与它独特的拼贴手法与传统意义上的拼贴有很大的不同。传统的拼贴大多釆用专门烧制好的马赛克，边缘非常整齐，材料的成本也比较高。而高迪别出心裁地釆用了天然石材、玻璃碎片以及陶瓷碎片等多种材质，并且保留了这些材质自辦裂的纹理。这种方法相较于传统的“特别定制”成本更加低廉，表现手法与创作出来的图案也更加丰富多彩。废弃瓷片再利用于道路铺设在生活中也比较常见，道路铺设是室外环境设计有机整体中非常重要的一部分，如果说建筑物与景观设施是环境设计的血与肉，那么道路便是其设计的构成骨架。当今的道路不再是为了满足出行需求，也逐渐走入了人们的审美视野。在人流量较少的地方可以适当采用废旧瓷片作为铺路的材料，在满足出行需求的基础上，增强路面的观赏性与个性化，比如在公园小路、小区绿化区等。废弃的陶瓷碎片通过拼贴的手法再利用于环境设计中，为我们的环境带来了不同的风景与情趣同时也体现了与自然和谐相处的精神，是人与自然、人与社会关系的升华，同时这些作品也以其独特的魅力带给人极大的视觉审美享受和精神满足。 2、功能置换法 运用功能置换的方法将陶瓷废弃物再利用于环境设计大致意思是：基于陶瓷废弃物固有的形态以及肌理来进行多元化的组合组成新的物件并赋予其全新的功能与意义。许多陶瓷废弃物因为世事变迁导致失去了原有的使用功能，但是设计师可以通过保留、分解、错置、以及抽象还原等手法使其在新的情境下表达新的含义，释放新的动人情绪。陶瓷废弃物通过功能置换法再利用于环境设计大概可以通过三个方法来实现。1）利用陶瓷废弃物的重新组建赋予新物件不同含义与功能。一些陶瓷废弃物虽然没有改变曾经的容貌，却在设计的功能性与审美性的互动以及平衡下，以不同形式，比如说环境设施、小品出现在我们的环境中。这个时候就要要求设计师通过不同的造型语言来来重塑人们对于废弃物的审美认知，陶瓷废弃物在经过功能挖掘、组合拼接之后可以成为附着了不同的含义与功能的绿色怀旧作品，用以提醒人们应该具有环保意识。2）开发创造陶瓷废弃物在原有的使用阶段被忽视的新价值。大部分废弃物都是因为原本与人们的生活太过于密切相关，因而很容易被人们忽视其原有使用价值之外的新价值。如果设计师能够另辟蹊径寻找到新的思维方法，则能以薪新的方式来重新谱写存在的理由。3）以合宜适配的环境，影响受众对陶瓷废弃物的固有审美认知。环境中“垃圾”只是放错位置宝藏，当“垃圾”经过设计师进行再设计之后置于情景合适的环境中，又能化腐朽为神奇，创造新的艺术品。将陶瓷废弃物进行重构所制作的艺术品往往能够带给人别样的审美与感悟。由此看来，当一件物品失去原有的使用功能并不是其生命的结束也有可能是其生命的始。陶瓷废弃物通过利用其形态、颜色、肌理和材质等某一方面突出的优势特征，加上一些小小的灵感与改变，也能产生新的的使用价值和审美价值。功能一但发生了改变，也许曾经的形式特征会更加容易引发人们关于过去的怀念与感慨。这些情感因素更能加深人们对于作品的印象，固化人们的感受。 3、量化组合法 利用物品单体的重复叠加、以不断积累量的形式来达到质的飞越，是产生视觉重点非常有效的方法之一。因此，保留陶瓷废弃物的单体特性、并进行有规律的量化组合，就能以庞大的规模与体量充斥人们的视野范围，强化其在人们脑海中的固有印象。此类设计在各类艺术设计中应用极为广泛，而因瓷片废弃物的量产化与个体差异性给量化组合设计提供了更好的思维空间与更加多样的可能性，在一些公园的景观陈设设计中，我们不妨考虑使用此种方式，不仅可以节省材料，同时还能在景观中独树一帜，成为公园景观的点睛之笔。 4、小结 将陶瓷废弃物再利用于环境设计的前景美好。将陶瓷废弃物作为塑造环境的元素，能够使作品更加贴近自然，并且富有个性，符合现代人们对环境的要求。另外，陶瓷废弃物这种材料相较于传统的材料来说，更加生态环保，顺应时展的要求。最后，陶瓷废弃物经济廉价，正式现在所倡导的节约型社会最好的体现。 作者：言雅琴 陶瓷论文:当代陶瓷艺术品论文 任何艺术作品展现在观众面前的都需要一个物质形式的表达，但作品背后是创作者的思想，这是看不见却是最重要的。作品的根本内容有可能是创作者对某个事物现象的思考，也可能是创作者某一段情感的宣泄和寄托。观念大于形式。陶瓷从制器的狭制中逃脱，更加自由不受拘束，审美和趣味趋向多元化。从而涉足到雕塑、装置等众多领域，丰富了自己又补充了其他艺术门类。随着当代艺术陶瓷逐步走进人们的视野，价格也是水涨船高。综观当代陶瓷的收藏市场，除了个人投资力量之外，很大的成都是靠机构投资者的推动力量。在2009年初，当代油画的价格已经升到了一个制高点。 投资机构开始关注更有升值空间的艺术种类，如当代陶瓷。收藏机构所做的活动不仅仅做收藏活动，他们还做推广活动，旨在向全市场推广和打造明星艺术家，使得艺术家今后的作品也能被市场认可和购买。因此越来越多的陶艺家也开始与画廊签约，通过画廊的推广和炒作，越来越多的陶瓷作品走向市场，走向老百姓的家里面。这样陶艺家不再势单力薄，通过与艺术机构的结合，当代陶瓷市场也得到规范并且成熟起来。事实上，国内也是借鉴了发达国家的模式来推动陶瓷市场，象英国、美国都有大批的投资机构来推动艺术价值的增长。美国主营当代陶瓷的画廊就有不少，中国也有很多的艺术社区，如北京的798，上海莫干山，重庆坦克库，深圳华侨城，里面都聚集了许多知名艺术家和收藏机构。如知名的当代陶艺收藏投资机构———弘品堂陶艺馆，就是专门做陶瓷收藏和投资指导的机构。 陶瓷展览四处开花，各种陶瓷艺术的群展和个展、教育年会的不断举办，各种媒体、媒介在不断涉足报道传播，国际性的展览和交流也日益增多，已具备了开放性和兼容性的良好基础环境。进入这个世纪以来，许多学术的陶瓷艺术展览得到举办。1998年杭州举办了首届《中国青年陶艺家作品双年展》，2000年举办第二届，到如今双年展已经成功举办了八届。2001年北京举办了《首届中国美协陶艺展》，2001年，江苏省举办了《2001中国宜兴国际陶艺研讨暨陶艺展》，2004年《中法文化陶艺交流展》，2005年陕西西安举办首届《国家陶艺教育年会》，2006年举办《第八届全国陶瓷艺术与设计展》，2007年中国美术馆举办了《景德镇陶瓷学院师生陶艺作品展》2008年成都举办了《隐藏的和谐———成都2008当代陶艺家邀请展》，2009年第十一届全国美术作品展览开幕，当代陶艺第一次进入全国美展的展区。 2010年北京举办了《景德镇陶瓷艺术精品展》，2012年12月7日在北京中国国际展览中心隆重召开了《2012北京国际陶瓷艺术展览会》，通过展览向社会群众传播了陶瓷艺术和其历史文化，规范了中国艺术品市场，加强了国际交流，进一步推动了艺术品收藏的健康发展。另外各地的瓷博会的火热开办也加速了中国陶瓷业发展。还有多个地方的陶瓷艺术杂志书刊热销，使得中国陶瓷艺术品市场人气进一步聚集。 在历史的长河中，陶瓷艺术以其材料的优越性，成为人们欣赏和投资的对象。古时候，他是王权贵族才能享用的器皿和把玩物。后来大量生产使它成为老百姓也能使用的日常用品，曾一度属于工艺美术的范畴。为跟上现代陶艺的发展，它迅速脱离了制器的束缚，直接进入了架上领域，逐步脱离传统观念，建立起了多元的当代陶艺文化现象。我们可以预见陶瓷艺术会在今后的日子里，会产生更加新鲜多彩的面貌。 作者：袁成龙 单位：西南民族大学 陶瓷论文:陶瓷空间美雕塑艺术论文 一、陶瓷雕塑的空间艺术特征 陶瓷雕塑的内涵与外延充分表现出民族及时代的发展特征，属于物质文明和精神文明相结合的文化现象。我国雕塑文化底蕴深厚，陶瓷雕塑作品的形式也越来越丰富，其空间艺术特征具体有以下几点：第一，特殊的表现性。现代雕塑较为注重气势和神韵，陶瓷雕塑家在创作时使用夸张、明快的手法，凸显具象化的神韵，并追求一气呵成的艺术感，赋予艺术品深邃的灵魂和强大的表现力。第二，空间自由性和功能性、审美性融合。陶瓷雕塑的功能逐渐强化，审美性则不断弱化，在现实中的使用较为广泛。 二、陶瓷雕塑的空间艺术美 1.无形性及无限性 陶瓷雕塑将空间作为载体展现美感，陶瓷艺术的空间感具有无形性、无限性的特点，空间是其依存的重要元素，艺术家往往利用丰富形式的形体展现出无限的空间形态。陶瓷雕塑家则将空间和形态之间有机结合表现出陶瓷雕塑的艺术效果，充分利用空间展示艺术形体。陶瓷雕塑的形体会使欣赏者获得较为直观、和谐的视觉效果。欣赏者只有先对其形体有充分的了解与认识，才能获得良好的审美效果。 2.深度的内涵 陶瓷雕塑空间美的另一个重要特点是没有固定的形状，可以任意想象。人们在现实生活中不断构建生活空间，在艺术品中也能够将其不断深化和拓展。人们提高雕塑艺术品能够更加深刻、全面地认识空间美，对其的体会也更加深刻。陶瓷雕塑艺术品本身的材质特性能够有效提升空间美的独立性及无形性。陶瓷艺术品的空间美主要包括两个因素，即自身特质和环境空间的结合。自身特质是指陶瓷雕塑艺术品本身的材质特点，制作陶瓷雕塑艺术品所使用的黏土，在进行烧制前和烧制后形态均极不确定，且不可预见，使得人们对于陶瓷艺术品有了更多的创造空间。环境空间的结合是指艺术品带给人们的想象空间及环境氛围的深度感。空间美是构成陶瓷艺术品的重要因素，能够集中表现主题。其外在的空间要与周围环境保持协调，内在空间则需要和雕塑本身的内涵一致。陶瓷雕塑家通过灵活利用空间艺术，将陶瓷雕塑自身的形体有机结合起来，创造出的美感具有深刻的内涵，艺术效果具有丰富的层次感。 三、结语 陶瓷雕塑艺术作为我国历史悠久的艺术结晶，其艺术空间美是一种深邃的心灵体验，能够有效舒缓人们的心情。其空间艺术具有特别的优势，不仅包含了空间层次美，也涵盖了内涵美。雕塑家利用各种构成形式塑造多样的空间氛围，表现出各种类型的艺术美感。文章仅从一般的角度分析了陶瓷雕塑艺术的空间美，要想真正体验陶瓷雕塑的美感，还需要深入理解其艺术内涵，领会其内在空间与外在空间的关系。 作者：宋志来 陶瓷论文:当代陶瓷雕塑艺术论文 1装饰手法 在陶瓷雕塑艺术的表现语言当中，装饰手法占据着重要位置。不同的装饰手法赋予陶瓷雕塑不同的艺术内涵和表现语言，装饰手法的正确选取，对陶瓷雕塑艺术的最终完成有着深刻影响。一是反借用的现代装饰手法。反借用是当代陶瓷艺术家们对传统装饰艺术的创造性发展，是在传统装饰手法上的创新，刻意追求一定的随机性、偶然性。例如，为了强调作品的多元化和夸张化，通过在泥坯上滴蜡油，形成釉熔液体的不完全燃烧，从而引起釉的收缩和流淌现象，这种方法是为了摆脱传统釉色的单一外表肌理，突破传统的单一与乏味，实现新审美趣味在陶瓷艺术中的呈现。类似种种，都是艺术家们利用反借用等方式对传统的装饰进行创新，使其表现出新的艺术形式。二是材质对陶瓷装饰的体现。材质对于陶瓷雕塑的装饰和最终艺术气质的体现有着直接的影响。例如，在瓷泥的细滑或粗糙就对雕塑整体审美气质有着截然不同的表达，细腻坚实的瓷泥往往塑造了庄严、细致的雕塑艺术，而粗糙松软的瓷泥则表现着质朴、粗放的审美情趣。可见，泥料的质地、干湿程度等因素都会成为陶瓷装饰中的关键点，它们也始终作为重要的表现语言，受到艺术家们的重视。当代陶瓷技艺中，更加注重材料质地的特征，争取将材质的艺术作用发挥到最大，从而为装饰和陶瓷雕塑艺术的成熟增添活力。 2当代陶瓷雕塑艺术表现语言的多样化发展及其表现 当代陶瓷雕塑艺术的发展，其主要表现就是在表现语言上的创新发展和丰富多样。陶瓷雕塑艺术自身的特点就很多，这就为多样化的创作手法提供了条件，使得艺术家们能够接受时展和大众审美需求的变化发展对陶瓷艺术创作提出的新要求，从而实现陶瓷表现语言的多样化。（1）基于传统的写意表现手法。中国画式的表现手法强调艺术品的“神”而轻“形”，这种中国画式的写意表现手法多见于中国传统绘画。作为中国传统文化的一部分，陶瓷雕塑在表现手法上也深受中国绘画影响，写意式的表现手法始终是我国陶瓷雕塑艺术主要的表现语言。这是当代陶瓷雕塑艺术在表现手法上对我国传统文化精华的汲取和继承，从陶瓷雕塑的肌理、造型到审美，陶瓷雕塑艺术都强调着作品的“意境”，这使得雕塑作品更加富有内涵和深厚的艺术魅力，中国画式的写意表现手法，始终在我国当代陶瓷雕塑的表现语言中占据着主导地位。（2）超写实主义表现语言在当代陶瓷雕塑艺术中的发展。超写实主义在我国陶瓷雕塑艺术中的兴起和发展，是我国陶瓷艺术对世界先进艺术形式的借鉴和从时代中发展创新的结果。超写实主义的表现手法，强调作品的逼真、客观和写实，它在陶瓷雕塑艺术中不断扩展，从釉色的使用到彩绘中的应用，写实主义成为当代陶瓷雕塑艺术的主要表现语言之一并不断发展着。超写实主义的表现手法，丰富了当代陶瓷雕塑的艺术语言，同时也在提高陶瓷艺术性方面发挥着积极的作用。 3在传承经典与时代创新中不断进步的陶瓷艺术之表现语言 陶瓷雕塑艺术的表现，在传统艺术语言与时代潮流的碰撞摩擦中，产生了更多富于创造性和多样性的表现语言，而传统精华与时代创新始终是我国当代陶瓷艺术发展的两大推动力。（1）汲取传统艺术的精华，奠定当代陶瓷雕塑艺术发展的基础。深厚的华夏土地上孕育了丰富的陶瓷艺术和文明，先人们在陶瓷雕塑技艺中的探索和经验，是我国陶瓷雕塑艺术发展到今天仍然值得借鉴的宝贵财富，也是当代陶瓷雕塑艺术发展创新的基础。陶瓷雕塑艺术中的表现语言发展到今天，是取传统技艺之精华而不断充实自身的结果，而要实现陶瓷艺术的更新发展，需要坚持对传统艺术的筛选和吸取，也只有以传统为根基，才能够建立稳固的现代陶瓷艺术发展体系。（2）创新是当代陶瓷雕塑艺术发展的不竭动力。由于时代的进步，大众对于雕塑的审美也发生着持续的变化，陶瓷雕塑尽管是传统文化的产物，但若不与时代要求结合，只会成为单一乏味的艺术形式而被世人遗忘于历史的角落。另一方面，缺乏更新发展的观念，也使得大量粗制滥造的所谓艺术品出现在大众眼前，这大大降低了当代陶瓷雕塑的艺术水准。创新是当代陶瓷雕塑艺术发展的不竭动力之源，从制作工艺到装饰手法，时代的发展产生了许多新的表现语言，若对这些优秀的艺术语言置之不理，将是艺术发展的重大损失。敢于创新、不断增强创新能力，是当代陶瓷雕塑艺术不断丰富、发展的途径。 4结语 陶瓷雕塑作为艺术中的重要瑰宝，吐露着浓厚的中国传统文化气息，而随着时代的变迁，人类的审美也经历着由纯粹到成熟多样的转变。这样的转变要求也带来了陶瓷雕塑在表现语言中的丰富。传承传统和接轨时代，陶瓷雕塑艺术不断汲取着来自各个时间空间中的艺术情趣和美的因素，从而使得我国陶瓷艺术总能够在文化生活中大放异彩。我们也只有在表现语言的探索之路上不断前进，才能够始终保持陶瓷艺术的发展活力，促进现代陶瓷雕塑艺术的更新发展。 作者：冯美莲 单位：妙觉泥塑工作室 陶瓷论文:陶瓷艺术品网络营销论文 一、陶瓷艺术品网络营销平台的作用分析 陶瓷艺术品的网络营销平台主要是以现代互联网Internet技术为条件，结合网络营销的方式方法，形成陶瓷艺术品的网络营销平台，根据陶瓷艺术品市场特点与消费者的需求等方面，进行陶瓷艺术品的营销活动。陶瓷艺术品网络营销平台的作用主要有以下几个方面：1.有利于发挥网络技术的营销优势。现代网络技术对于人们的生活、消费等方面具有重要的影响。各类网上商城的发展迅速，网上消费量的比重较大，网上购物与消费已经成为人们的重要消费形式之一。因此，陶瓷艺术品的营销活动，可以充分发挥网络技术的优势，结合网络技术条件，结合陶瓷艺术品的特色，加强陶瓷艺术品的网络营销活动，可以获得较好的陶瓷艺术品网络营销效果。2.有利于展示陶瓷艺术品。相比较于陶瓷艺术品实体店的形式，陶瓷艺术品的网络营销平台可以较好地利用现代网络技术的速度、图像等技术条件，在网络平台上较好地展示陶瓷艺术品的特色、信息等，实现与消费者之间的沟通。消费者可以依托电脑等，了解陶瓷艺术品，较为便利地选购相应的陶瓷艺术品。通过陶瓷艺术品的网络营销平台，可以较好地展示相应的陶瓷艺术品，提高陶瓷艺术品的网络营销活动的效果。3.减少陶瓷艺术品的经营成本。利用网络平台开展陶瓷艺术品的营销活动，可以运用网络技术的优势，通过加强网络平台的管理，可以有效地减少陶瓷艺术品的经营成本，例如，实体店的店面租金、运营费用等等。因此，陶瓷艺术品网络营销平台的运营，有利于减少陶瓷艺术品的经营成本，获得相应的陶瓷艺术品经营的经济效益。 二、陶瓷艺术品网络营销平台创新的措施分析——以紫砂工艺品为例 陶瓷艺术品网络营销平台创新，主要是以网络技术构建的陶瓷艺术品宣传、展示、促销、流通、销售等为内容，围绕陶瓷艺术品的主要特点与特色，不断提高陶瓷艺术品的网络营销效果，促进陶瓷艺术品经营效益的提高。结合紫砂工艺品为例，陶瓷艺术品网络营销平台创新的措施主要有以下几个方面： 1.积极运用先进的网络技术开展陶瓷艺术品网络营销。陶瓷艺术品的网络营销平台，必须充分运用先进的网络技术资源与技术条件，根据消费者对于陶瓷艺术品选购的需要，借鉴现代网上商城的成功经验，创新陶瓷艺术品网络营销的方式方法。对于紫砂艺术品而言，网络营销平台的运营，需要充分结合紫砂艺术品的特点，能够借助于网络营销平台的作用较为全面地宣传、介绍紫砂艺术品，使得消费者能够较为清楚地了解紫砂艺术品的特色、工艺特点等方面的内容与信息，开展高效的网络营销活动。依靠先进网络技术的运用，能够较好地提高陶瓷艺术品的网络营销的技术水平，促进陶瓷艺术品网络营销平台的创新效果，获得较好的经济效益。陶瓷艺术品的网络营销平台创新，需要及时把握现代网络技术的发展趋势与陶瓷艺术品市场竞争的状况，根据消费者的需求，把先进的网络技术有效运用到陶瓷艺术品的网络营销活动中，获得较好的网络营销平台创新效益。 2.重视陶瓷艺术品网络营销平台的客户关系管理。陶瓷艺术品作为艺术品的范畴，属于选购品，相比较于生活必需品而言，其消费者群体具有一定的特点。因此，陶瓷艺术品网络营销平台需要重视消费者管理，提高陶瓷艺术品的客户管理水平。陶瓷艺术品的网络营销平台创新，需要重视消费者从传统的选购方式向现代网络选购方式的转变，能够积极运用现代网络技术条件，加强与陶瓷艺术品消费者的沟通与交流，加强陶瓷艺术品的客户关系管理，在网络营销平台中实现陶瓷艺术品商家与消费者之间良好的关系，促进陶瓷艺术品网络营销效果与效益的提高。对于紫砂艺术品而言，需要重视网络营销活动中的紫砂艺术品商家与消费者之间的客户关系管理，通过网络营销平台搭建的商家与消费者之间的沟通交流平台，实现商家与消费者之间较好的供需信息交流等，从而能够促进紫砂艺术品网络营销中的客户关系管理水平的提高，获得较好的紫砂艺术品的网络营销效益。 3.加强陶瓷艺术品网络营销平台管理。对于陶瓷艺术品网络营销平台自身而言，需要重视网络营销平台的运营效率与效益，重视平台管理水平的提高，才能够更好地体现陶瓷艺术品网络营销平台创新的效果。例如，对于紫砂艺术品的网络营销平台创新，需要结合紫砂艺术品的营销宣传、销售、市场交易等网络技术管理的要求，提高紫砂艺术品的网络营销平台管理水平。网络营销平台的管理水平体现其创新水平。一方面，要实现消费者在网络营销平台上面获得较为客观、合理的紫砂艺术品的商品信息，避免虚假商品信息，保证紫砂艺术品网络营销平台的信誉度。另一方面，需要注重紫砂艺术品网络营销平台的技术、信息等管理，使得商家与消费者能够较好地实现紫砂艺术品网络平台的销售与购买，获得消费者的认可，从而提高紫砂艺术品网络营销平台的运营效率与经济效益。 作者：赵云 梁攀 单位：无锡工艺职业技术学院经济管理系

高校艺术设计教学优化探析:高校艺术设计教学优化对策 【内容摘要】本文从高校艺术设计教学的必要性入手，着重分析了高校艺术设计教学存在的问题，并探索了高校艺术设计教学的优化对策，以提高艺术设计教学质量。 【关键词】高等教育;艺术设计;教学改革 随着设计行业的发展，艺术设计人才越来越受到社会的青睐。在信息时代背景下，创意产业成为经济发展的新领域和新趋势，社会对创新型的艺术设计人才的需求量越来越大。在这种情况下，高校积极重视社会的人才需求，开展艺术设计教学，加强培养艺术设计人才。但是由于受传统理念和教学模式的影响，高校艺术设计教学存在着专业课程设置问题、教育模式落后、师资力量不足等问题需要高校重视并解决。因此，各高校积极探索艺术设计教学的科学方法。研究高校艺术设计教学优化对策不仅能够提高艺术设计教学质量，而且对艺术设计人才的培养和创意产业的发展有着深刻意义。 一、高校艺术设计教学的必要性 (一)全球化的背景要求。在全球化发展背景下，文化、经济和政治的国际化发展已经成为全球化的主要特征。而且在全球化背景下，人们很容易受到世界各国文化和艺术的冲击，创新和创意成为全球化发展的核心竞争力来源。而且，在全球化发展的过程中艺术设计呈现出鲜明的大众化特点。经济市场中的创意产品日益增多。而且，很多学者都积极学习国外艺术设计，加快产品创新。在这种情况下，艺术设计人才的需求量大量增加。我国高校教育十分重视艺术设计人才需求，积极开展艺术设计教学以培养艺术设计人才。(二)创新教学的要求。随着创新创意产业的发展，创新创意产业已经成为高校学生就业的新方向。创新创意产业涉及广告、手工艺品、电影、服装设计、表演艺术、软件、出版等各个行业，对社会生活的影响较大。我国北京、上海、香港、台湾等地区的创意产业发展十分迅速。在这种情况下，社会急需一批高水平的创意人才。以艺术设计为代表的创新教学能够实现创意人才的培养。由此可见高校艺术设计教学是创新教学的必然要求。 二、高校艺术设计教学存在的问题 (一)生源问题。一是高校艺术设计专业的招生分数线较低，很多艺术设计专业学生的文化成绩不高。而且，很多高校都认为艺术设计专业学生仅仅需要学习艺术设计技能和知识即可，不需要学习文化知识。在这种情况下，很多学生为了进入好的高校而选择艺术学习，艺术生的文化素质偏低。并且，艺术生在中学学习的过程中并没有养成良好的学习习惯，在高校艺术设计学习的过程中缺乏科学的学习方法，导致学习效率不高;二是高校艺术设计专业招生考试内容比较片面，招生考试主要以色彩默写、速写和素描为主，忽视了学生设计意识和设计能力的考察，学生缺乏艺术设计的素质。(二)专业课程设置不合理。一是我国高校艺术设计专业设置主要包括艺术设计、广告包装设计、装潢设计、室内设计等专业，缺乏与人们生活相关的钟表首饰设计、玩具设计、服饰设计等专业。并且，我国高校艺术设计教学专业设置存在着盲从的现象，很多高校都随着其他学校设置广告设计、平面设计、美术设计等专业，缺乏对现实经济需求的考虑;二是高校艺术设计专业课程设置不完善，大多数高校的艺术设计课程都由平面构成、空间构成和色彩构成这三大块组成，缺乏对艺术设计的详细讲解，专业课程过于笼统。(三)师资力量不足。现阶段，我国高校艺术设计教学的师资来源主要是高校艺术院校毕业的学生。在这种情况下，艺术设计教师缺乏艺术设计实践，对经济生活中的创意产业了解不够深入，难以指导学生在经济生活中的艺术设计实践。并且，部分高校的艺术设计教师的学历水平较低，缺乏完善的艺术设计知识和技能，导致艺术设计教学缺乏专业性。另外，还有部分高校的艺术设计教学职业道德素质较低，在教学过程中没有认真对待教学工作，存在着应付教学和应付学生的现象，导致教学质量不高。(四)教育模式陈旧。受传统高校教学的影响，艺术设计专业教学的教学模式比较陈旧，缺乏对先进教学理念和教学方法的应用。具体来说，很多高校艺术设计教学仍采用理论灌输的方法，要求学生掌握艺术设计的相关理论知识，而忽视了学生的艺术设计实践能力培养，没有设置艺术设计实践课程和实训锻炼，导致学生的艺术设计能力不高。并且，部分高校缺乏对计算机辅助教学、案例教学、情境教学等先进教学模式的应用，仍采用板书式讲授教学，导致课堂教学效率不高。 三、高校艺术设计教学优化对策 (一)改革招生制度。改革招生制度是优化高校艺术设计教学的前提，这是因为，改革招生制度能够有效保证生源的科学文化素质、审美能力、创造思维和专业能力。为此，高校应积极改革招生制度。一是高校应改革艺术设计专业的招生，将艺术设计专业招生与绘画专业招生相区别，设置符合艺术设计专业的招生考试内容，重点考察学生的艺术设计基础和艺术设计意识。二是高校应改革文化考试内容，要求艺术设计专业学生具有较高的综合素质，提高生源质量。(二)优化专业课程体系。一是高校应制定艺术设计专业发展的长远计划，对艺术设计专业的招生规模、专业设置、教学计划等方面进行详细规划，确保艺术设计专业发展符合教育规律;二是高校艺术设计教学应积极改革基础课程，加强学生在工艺、素描、色彩等方面的训练，完善学生的设计基础知识。另外，高校艺术设计教学应注重学生创新能力提升，开设创造技法和创造原理等相关课程，培养学生的创造思维和能力;三是高校艺术设计教学应积极创新专业课程，增强专业课程的时代性。为此，高校应加强重视制作软件在艺术设计中的应用，在教学过程中积极引入计算机辅助设计软件，在保证学生的手工艺术设计的基础上，引导学生学会利用信息技术进行艺术设计，提高学生的艺术设计水平。(三)注重学生综合能力培养。学生的综合能力是开展艺术设计的前提，只有具备较强的综合素质，才能够充分利用自身的设计思想与设计能力进行高水平艺术设计。为此学校应注重学生综合能力培养，不断提高艺术设计专业学生综合素质。一是学校应加强艺术设计专业学生对文化内涵的认识，积极向学生宣传文化与设计的重要性，引导学生探索文化中的艺术设计创意，提高学生的艺术设计意识;二是艺术设计教师应在艺术设计教学过程中培养学生的人文精神，让学生在艺术设计的过程中渗透人文精神，增强艺术设计的人文内涵;三是艺术设计教学应重视学生创造性思维的培养，让学生在设计过程中学会运用发散性思维来思考问题，创新艺术设计。(四)更新教学观念。先进的教学观念是提高艺术设计教学的思想保证。因此，高校应不断更新艺术设计教师的教学观念。一是学校应促进教师的角色转换，改变教师的权威地位，让艺术设计教师充分认识到自身的知识传授者、信息提供者、学生学习帮助者和引导者的角色，鼓励艺术设计教师做学生的良师益友，尊重学生的主体地位，将艺术设计课堂还给学生，加强与学生的平等交流，树立以学生为本的教学观念;二是高校在艺术设计教学中应积极引进科研工作，鼓励学生参与科研实验，在科研过程中培养学生的研究能力和创新意识;三是高校艺术设计教学应加强重视信息技术的应用，将信息技术与艺术设计教学相结合，积极运用微课教学方法、计算机辅助教学法等信息化的教学方法，优化艺术设计教学效果。 作者:余润生 单位:广州工商学院 高校艺术设计教学优化探析:高校艺术设计教学资源优化配置探讨 一、以“推进生态文明建设”为导向的教学资源优化配置的意义与要求 1.加强本科教学质量保障体系建设，推动内涵式发展 “着力提高教育质量，推动内涵式发展”是党的十八大报告对新时期教育改革发展做出的战略部署，对进一步推动教育事业科学发展具有重要意义。为实现我国从人力资源大国到人力资源强国的转变，当前教育工作的重心要转向教育教学，要引导鼓励学校办出特色，积极探索发展模式，让每一个学生都能接受适合自己的教育。在高校艺术教育资源优化配置整合的前提下进一步推行竞赛发展模式正是积极响应艺术设计教育提倡的“以创新教育为核心”的教学理念，实现“教学相长”的发展态势。这里的“创新”不仅体现在作品的创新，也是教育管理体制的创新。 2.深入推进人才强校战略，大力提升教师专业化水平 为贯彻落实国务院《关于深化教师教育改革的意见》，各级竞赛除了可以培养和锻炼学生的实践能力，更重要的是便于学校挖掘和发现教育人才。我校通过近几年的专业大赛选拔出了一批新人加入梯队建设，也更好地实现和提高了竞赛水平，推动实施高校青年教师职业发展计划，为继续实施新的“创新团队发展计划”和“新世纪优秀人才支持计划”培养造就高校学科领军人才和优秀青年学术带头人，培育高水平创新团队，加快推进人才制度创新。 3.营造浓厚的学习环境氛围，建立争先创优的校风学风 瑞士教育与发展心理学巨匠皮亚杰说过：“教学环境是学习者运用资源开展学习的具体情境，体现了资源组成诸要素之间的各类相互作用。”教学环境不只是指教学过程发生的地点，更重要的是指学习者与教学材料、支持系统之间在进行交流的过程中所形成的氛围。为全面贯彻落实《教育部关于切实加强和改进高等学校学风建设的实施意见》，深入开展高校学风建设专项教育和治理行动，艺术设计专业可集合年度所有的参赛优秀作品(包括获奖与未获奖的)每年举办除毕业设计作品展之外的教学成果展并举办特色主题的研讨会与讲座，可同时借用网络上的微博平台体现由交互方式带来的交流效果。 二、高校艺术设计竞赛发展模式下的教学资源构建 1.对高校艺术设计竞赛类别的划分 宁波大学为了理清名目繁多的各种艺术设计类竞赛，根据主办单位、组织级别及规模、竞赛主题、举办频率等方面将它们进行整理分类，为浙江省的高校组织学生参赛提供了参考依据：按主办单位可分为教育厅等教育主管部门主办、美术馆或群艺馆等企事业单位主办、各美术家或设计师协会等行业协会主办；按组织级别及规模可分为国际级、国家级、省部级、市级、校级；按举办频率可分为临时、每年或两年一届的竞赛；按内容可分为单科或综合类竞赛、模型制作等专业技能类竞赛。据笔者看还可分为命题类和自拟主题竞赛等等。 2.可优化配置的艺术设计教学资源内容 许多高校领导为打造教育界的优势品牌，特别关注艺术专业的特色化发展，强化教学过程管理，为鼓励师生参赛出台一系列的激励政策，着力提高教师的科研教研能力，注重培养学生的创意思维与岗位适应能力。在管理政策保障之下，资料设备保障和人员成果保障共同构成了教学资源优化配置保障体系。笔者对本校实际情况全面考量分析后，列出可优化配置的教学资源内容有： （1）人力资源：专业导师、参赛学生、科研主任及秘书。我校师资方面已建立起一支学历、年龄、专业结构合理，综合素质高、爱岗敬业的教学团队。学部内设视觉传达设计系、环境艺术设计系、动画系，所有专业方向各具特色，均衡发展。 （2）信息资源：武汉是国内著名的“大学城”。在武汉师生除了在各大美术馆与博物馆看展览听讲座外，还可在武大等名校听讲座。除传统的图书馆外，网络为人类提供了更为形式多样而种类繁多的教学资源。专业导师可通过关注它们的官网及微博高效地获取如国家精品课程资源网、视觉中国、设计在线等这些教学及竞赛的信息资源。 （3）设施资源：艺术教育实验实训工作室有室内设计实训室、景观设计实训室、模型制作实训室、数码图形设计实训室、造型艺术设计中心、综合加工与制作实验室、摄影实验室、陶艺实验室和动画实验室等，师生积极参赛可增加实验室的利用率。 （4）经费资源：除德育奖学金、励志奖学金、成果奖学金之外，还有教科研项目经费。 （5）成果资源：高校在专业竞赛中的成绩和排名如考研率一样也直接影响到学校的美誉度，能吸引更多的优质生源。 （6）学境资源：在竞赛发展模式下进行教学工作，可建立争先创优的积极心态，形成浓厚的学习氛围，促进校风学风建设。 3.高校艺术设计竞赛发展模式下的教学资源优化配置实施策略 虽然国内关于高校艺术设计竞赛发展模式已取得一定经验，但在此发展模式下进行教学资源配置的方案设定与实施力度还不够。据考察分析后，笔者认为可按先整合再优化的步骤进行。 （1）实施的思路与内容首先，调研适合湖北高校师生参加的各大美术、设计及论文大赛的相关资料，按级别、内容、频率等项目制成大赛信息汇总表。人员配置上以每门课程的多名主讲教师形成，一边准备精品课程申报材料，一边找到与该课程对接的相关赛事信息，研究近三年的获奖作品进行案例分析。课题组按专业中具体的主题方向组织若干个子课题组（工作室），各课题组由专业导师指导学生参赛。深入研究其他高校艺术竞赛发展模式，根据现有的工作室及设备情况，整合相关资源的内容、方法与手段，拟定实践教学资源优化配置方案。师生的获奖作品投放在网络上或宣传墙上，中标的作品供企业单位选用并生产，从多维度实现整体方案的实质性建设。年底由实验室工作日志观察设备的利用率并对其加以保养，汇总并分析各工作室的教科研成果情况并拟定来年的工作计划，持续性地将资源配置进一步优化。 （2）实施方法①类比与要素分析法：比较同类赛事各自的特点，优化资源配置。②多媒体辅助法：以鲜活的案例来完善课程教案和课件。③归纳总结法、综合分析法：研究结果写成调研报告、论文。④成果展示法：获奖作品在线上线下进行展示，进行学术交流。⑤实效跟踪法：方案实施后对教学效果进行实时观察记录，以取得长足进步。 （3）实施的模式我校组织艺术学生参加竞赛的模式主要有两种：其一是课程作业结合竞赛模式，如在《设计素描》《景观设计》《招贴设计》《动画短片设计与制作》课上，教师在实践环节中直接将当前的“中华诗影书画艺术作品大赛”“湖北高校美术与设计大展”“湖北省微电影大赛”等专业大赛要求引入课堂，指导学生参加比赛。这种方式时间比较充足，系统性比较强；其二是设计工作室组织参赛模式，由工作室的专业导师根据设计招标项目或大赛的要求组织学生形成课题组，利用课外的时间在网上指导或见面指导，方式比较灵活。如在“武汉科技大学两院首届‘神笔杯’校园文化墙手绘作品大赛”中，按创作主题分为两院校园手绘地图、武汉学术手绘地图、音乐画室等绘制组进行创作。结语在竞赛发展模式下教学资源优化配置是长期持续性的工作，各校可自行量身定制资源配置方案。其突破的重点和难点在于对竞赛发展模式运作机制的准确把握、实现方案的可行性、竞赛发展模式与资源优化配置相结合的协调性。实践证明，这固然是一条有效的途径，同时这也需要各方面共同努力，将生态文明建设融入文化建设、社会建设各方面，着力推进绿色发展，形成再生资源的发展格局。 作者：徐琳钱宇单位：武汉科技大学城市学院 高校艺术设计教学优化探析:高校艺术设计专业实践教学调整与优化分析 摘 要： 从设计性质而言，高校艺术设计教学中的实践教学环节是整个教学活动的核心，实践教学对于学生从理论知识向实际动手操作与应用的转变具有关键作用。本文针对当前高校艺术设计实践教学环节的课程存在的问题或不足进行分析，并提出高校艺术设计实践教学调整与优化的措施。 关键词： 高校艺术设计 教学实践 教学调整与优化 1.我国艺术设计专业教学实践环节概述 艺术设计是实践很强的专业，需要通过大量实践教学锻炼学生的设计能力。艺术设计专业实践教学环节的问题，从主客体来讲可归结为“教与学”的问题。从我国艺术设计的历史传承看，实践教育方式多以“父子相因”、“师徒相授”等模式为主，在思想上“重德轻技”。随着西方艺术设计思想的不断引入，西式教育逐渐改变了我国艺术设计实践教学模式。在西方设计专业实践教学思想的冲击下，我国艺术设计专业实践教学带有明显的“实用性主义”倾向，并未结合中西艺术设计实践教学的优点进行改良，这对我国当前的高校艺术设计专业实践教学产生深远的影响。 2.高校艺术设计实践教学环节存在的问题及原因 （1）实践教学环节存在的主要问题 当前我国高校艺术设计专业与传统艺术设计具有一定的区别，其是随着工业化生产而发展起来的全新的学科，具有明显的现代性、经济性、实用性等特征。对高校艺术设计专业实践教学进行调查分析可知，实践教学环节依然存在一些问题和阻碍，比如艺术设计专业实践教学模式较单一，各高校之间艺术设计专业的实践教学课程设置同质性较高，基础课程与专业课程设置混乱，没有形成有效的实践实训课程体系，没有制定针对性强、结构合理的、完整的额教学模式及实践课程流程。此外，在某些实践教学环节，过于重视艺术设计的“艺术性”，缺乏“实用性”的配合。从教学硬件层面看，艺术设计专业缺乏足够的硬件设施和资金支持，这给实践教学带来一些困难和挑战。 （2）存在问题的原因分析 从我国高校艺术设计专业实践教学的发展历程看，实践教学模式受到传统模式的影响，“师徒相授”致使创新意识缺乏，学生在专业实践课学习中“模仿”较明显，模仿老师的一家之风，导致视野不开放，缺乏突破。从绘画角度看，多沿袭美术教育套路，践教学过程缺乏创新意识，过于重视“艺”，而忽视“技能”的培训，使艺术设计成了一个单纯的艺术作品，失去艺术设计的社会实用价值。多数高等院校在艺术设计专业的办学条件欠缺，尤其是在艺术设计专业设置理念方面，缺乏创新性，软件条件跟不上快速发展的社会需求。此外，生源素质也是造成当前高校艺术设计专业实践教学存在问题的主要原因。 3.高校艺术设计专业实践教学可持续发展空间 （1）强化宣传，多出成果，引起高校重视。 从艺术设计专业人才培养的本身特点看，艺术设计人才注重创造性、思想性，艺术人才的个性较为突出，思想奔放，追求自由，这在表面看来与高校严谨的、有规有矩的环境有些不符，但从本质内涵看，艺术设计专业的思想奔放与个性突出是追求严谨的一种表达方式，具有创造性才能设计出严谨的作品。因此，从这个层面看，高校艺术设计专业需要加大宣传力度，多出教学成果，使高校提高对艺术设计专业的重视度，正确认知艺术设计专业，进而加大对艺术设计专业的投入力度。 （2）引进人才，组建高素质教师队伍。 无论是高校艺术设计专业，还是其他专业，高素质、高水平的教师队伍都是保证一个专业发展壮大的关键，因此在高校艺术设计专业优化建设中，应加大人才引进力度，并辅以各种优惠政策留住人才、吸引高层次人才，进而组建一支技术过硬、状态稳定的教师队伍。只有教师队伍素质高、教学能力强，才能培养出更优秀的艺术设计人才，才能创造出更多、更好的艺术设计作品和成果，进而为高校带来影响力，形成良性循环。 （3）建立顺畅的信息获取与交流渠道。 对于艺术设计专业而言，前沿思想至关重要，这就要求高校建立顺畅的信息获取和交流渠道，加强校内外合作交流，强化校间横向联系，提供给专业教师更多的培训与交流机会，使他们能够积极引进并消化各地优秀设计教育教学模式，然后根据最前沿的艺术设计需求修改和调整教学大纲，更新教学资源，提高教学内容的先进性。 （4）加强专业特色建设，走出艺术设计新路子。 一是结合当前我国基本国情与社会需求现状，发展具有中国特色的艺术设计专业教育，比如反映我国文化政策、人民审美修养、政治经济背景等因素的艺术设计实践教学，或者反映我国民族文化、民族审美思维方式等因素的艺术设计实践教学；二是结合高校特点办出自己的特色，包括课程结构特色、专业方向特色等；三是结合教师特色进行艺术设计教学，并建立理论与实践一体化教学模式。全新教学方式的设立需要从以下三方面进行：教师结构采用“双规制”，教学设计与开发一体化（理论讲授、确立课题、市场调研、设计展开），科研与社会实践一体化；四是教学方法要围绕培养学生的创造性思维进行，充分调动学生的创造积极性。 4.高校艺术设计实践教学调整与优化 （1）优化实践课程体系，突出专业实践教学的重要性。 高校艺术设计专业实践教学环节的课程设置，应努力发展自己的特色，突出学校的优势，结合高校所处的社会环境、内部环境等资源，形成不同形态的特色教育。在课程的设置中，要重视实践实训课安排，将实践教学融入每一个课程、每一节课中，改变传统理论与实践分离的状态。实践实训课程设计要以市场作为导向，既突出艺术设计的“艺术性”，又注重艺术设计的“实用性”和“经济性”，牢牢把握市场信号，及时调整授课方向。 （2）改进实践课程教学方法与手段。 在艺术设计专业实践教学中，要突出“学生为中心”的教学理念，从“学生主体”的视角改进实践课教学方法和手段。在教学实际目标的指引下，设计教育必须与所服务的企业共同成长，体现为社会培养人才的宗旨。在艺术设计专业实践教学中，改进教学方法的具体措施如下：一是邀请企业进入学校建立研发机构，以项目驱动的设计研究促进设计实践，有助于高校找到新的专业生长点；二是完善高校艺术设计专业设备管理制度，为实践教学提供保障；三是完善实训实习制度，解决实践技能后移的问题，尽可能多地为学生提供实践实训的机会，使他们能够每学期都获得参与设计实践的机会。 （3）加强校企合作，增加艺术设计实践学习机会。 结合艺术设计专业实践教学的本质要求，在实践教学环节不断拓展与企业的合作范围，创新校企合作模式，一方面让企业项目走进学校，走进教室，使学生在学习过程中参与设计实践，另一方面让实践教学走进企业，使学生更直观地了解企业运作、市场需求、企业标准等，这样能够使学生在参与实战项目时更加自如。此外，学校还应尽可能多地开展社会实践活动，让学生在社会实践中充分发挥聪明才智，拓宽设计思维，在社会实践锻炼中激发创新意识，提高艺术设计的实用性与艺术性。艺术教师带领学生不断通过实践的经验教训激发他们的设计灵感，在项目驱动下集思广益，设计出最好的作品。通过与知名企业、社会机构等共建实验室、工作室、实践教学基地的合作模式，让学生真正参与实践项目，进而得到真正的锻炼。 （4）建立实践课程评价体系。 在艺术设计实践教学中，要结合社会实际需求，改变传统的教学评价模式，建立全新的实践课程评价体系。教学评价要体现评价主体的多样化特征，针对学生个性差异建立个性化的评估标准，尊重学生的差异性发展，促进课程发展。此外，还应建立教师素质情况的评价体系，督促其不断学习，提升教学水平。

中国美术教育论文: 论宋代文人的“尚意”思想对中国美术教育的影响 摘 要：文人画在中国的绘画当中占据着重要的地位，文人画自宋代兴起以来就一直受着文人们的思想的影响，其中宋代文人的“尚意”思想作为艺术审美价值的一种尺度，一直影响着中国后世的美术教育的发展。本文旨在将宋人“尚意”思想进行剖析，从几个“尚意”特征入手来谈其对中国美术发展的影响。 关键词：文人；尚意；美术教育 文人可能是中国特有的对于具有一定文化素养的人的称谓，而且这个称谓里包含着大多数中国人的追求（做一个文化人）。自隋唐开科举取士之后，便开始形成了士大夫文人阶层，这一阶层的文人们一直都很注意修养的提高，其中培养自身修养的内容就包含着有诗文、书法和绘画，这些就很明显地构成了中国文人的一大特征，就是“一体化”――官家、文学家、书法家、画家和鉴赏家为一体的全才，也可说中国的文人是具有诗情画意的政治家。 文人画亦称“士夫画”，泛指文人、士大夫所画的画，有别于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画，是中国画的一种。文人画是画中带有文人情趣，画外流露着文人思想的绘画。文人画的兴起则在宋代，到了元代文人画进入了兴盛时期，这一时期的诗文印信一逐步正式进入画面，诗、书、画、印成为一体标志文人画的完善，在明代文人画成为了画坛的主导地位，并直接影响了清代绘画的基本格局与审美取向。姚最“不学为人，自娱而已”成为文人画的中心论调，使历代文人将其尊为绘画的宗旨。宗炳以山水明志，“澄怀观道，卧以游之”，充分体现了文人自娱的心态。 中国有句古话叫：“书画不分家”。元代杨维桢在《图绘宝鉴》序中，对书、画之分合，以及士大夫之书与画的沟通，有一段极精辟的说明：“书胜于晋，画胜于唐。宋，书与画一耳。士大夫工画者必工书，其画法即书法所在。”可以说中国的美术是“中国画”和“书法”的总和，中国的书法和绘画也从未被隔断过，它们之间存在着千丝万缕的联系。中国的美术教育也可以说是“中国画”和“书法”的同步教育的总和。中国美术教育的发展离不开这些“一体化”文人大家的推动，其中宋代文人的“尚意”思想对后世的美术教育影响就比较深远。 中国书法史的分期，从总的划分，可将唐代的颜真卿作为一个分界点，以前称作“书体沿革时期”，以后称作“风格流变时期”。书体沿革时期，书法的发展主要倾向为书体的沿革，书法家艺术风格的展现往往与书体相联。风格流变时期的书体已经具备，无须再创一种新的字体。在经过晋、唐“尚韵”、“尚法”之后，于是书法家就提出“尚意”的主张，“书体”已经固定，而“意”是活的，这就进一步加强了作者的主体作用。 所谓“尚意”，就是注重个人意趣、情怀的表现，这种重主观、重个性的美学思潮特别强调了书法艺术的抒情功能。这样，书法艺术就与人的品格性情有了直接的关系，书法的美就不仅在于其外在的形态，更在于其内在的神韵，即它所传达的情趣、学养、品性、胸襟、抱负等精神内涵。 如果说唐代的“尚法”，是求“工”的体现，那么到了宋代，书法开始以一种尚意抒情的新面目出现在世人面前。这就是要求书家除了具有“天然”和 “工夫”两个层次外，还需具有“学识”即“书卷气”，宋代书法“尚意”，意之内涵包含有四点：一是重哲理性，二是重书卷气，三是重风格化，四是重意境表现，同时倡导书法创作中个性化和独创性的体现。北宋四家（无论是天资极高的蔡襄和自出新意的苏东坡，还是高视古人的黄庭坚和萧散奇险的米芾），都力图在表现自已的书法风貌的同时，凸现出一种标新立异的姿态，使学问之气郁郁芊芊发于笔墨之间，并给人以一种新的审美意境，他们以书法入画实践并发展了水墨画技巧，这在南宋的吴说、赵佶、陆游、范成大、朱熹、文天祥等书家中进一步得到延伸。 宋代文人们的美术作品中无不散发着“尚意”的思想，在这种思想的影响下出现了很多具有教育意义的优秀的作品和著作，加之宋元时期的美术教育主要是以画院为主，这样就更为集中系统地将这种“尚意”思想进行传播与发展。 《东坡题跋》云：“观士人画如阅天下马，取其意气所到。若乃画工，往往只取鞭策皮毛，槽枥刍秣，无一点俊发，看数尺许便倦。”取其意气所到，说明了“意”的重要性，也说明了绘画所追求的已不再是具体的形。东坡又云：“论画以形似，见与儿童邻”，其所指亦是不以形似与否为意，不以形似与否为衡量标准。即如张彦远所云：“以形似之外求其画”。这样的艺术追求下的艺术作品才能真正成为士大夫文人人品才情的寄托。 黄庭坚作为苏轼的弟子（黄庭坚与秦观、晁补之和张耒并称苏门四学士），毫无疑问地也继承了苏轼的这种求“意”的思想。黄庭坚论学书，首重胸次、书卷，云：“学书要须胸中有道义，又广之以圣哲之学，书乃可贵。”又云：“若使胸中有书数千卷，不随世碌碌，则书不病韵。”说的就是要注重哲理性和注重书卷气。 南宋时期的赵希鹄在《洞天清录》古画辩云：“今名画工绝无，写形状略无精神。士夫以此为贱者之事，皆不懈为。殊不知胸中有万卷书，目饱前代奇迹，又车辙马迹半天下，方可下笔。此岂贱者之事哉？”说的也正是文人重书卷气的尚意追求，其中也渗透着文人们的修养方式和品格修养的基本途径。这些也是区别于画工匠作之处，在宋以后广受推崇，成为文人画教育的重要思想内容。 “重意境”是“尚意”的重要特征之一，董其昌《画旨》谓：“文人之画，自王右丞始”。苏东坡在跋王维《蓝田烟雨图》云：“味摩诘之诗，诗中有画。观摩诘之画，画中有诗。”后世人将王维奉为文人画之祖是因为王维诗品画品的高迈，也是因为王维将诗与画融为一体进行沟通的功劳。自此后，“诗是无形画，画是有形诗”的立意造境观念便成为后世文人的文化依托。苏轼、黄庭坚坚持倡导诗画一律，国子监画学也例以古人诗句进行命题考试学生，其录用考试的标准发展了“师法自然”的艺术主张，即要求状物绘形的严格写实技巧，有强调立意构思。画学的学科分为专业课和共同课，专业课有：道释、人物、山水、鸟兽、花竹、屋木等六门；共同课有：说文、尔雅、方言、释名等，此外设问答（绘画理论）。可见当时的美术教育不仅关注绘画的技能技巧，也关注绘画的理论，更关注画家自身的文化修养。这一时期开始出现了画上题诗，这对之后的美术发展起到了重要的影响。“画中有诗”，不仅从立意取境的艺术品格上，也从画面的经营样式（构图）上，都对文人画有了新的要求，与书法一道，从意、象两端构筑中国文人画特殊的艺术气质。这样“重意境”的艺术要求促进了后世对画理的研究和重新思考，从而形成了中国文人画教育思想的重要内容之一。 “重哲理”、“重书卷气”、“重意境”的“尚意”要求在无形中也就对艺术家进行了塑造，也就形成了注重个性发展和独创性的“重风格”的审美意识，也就在艺术追求上形成了注重艺术家个人艺术风貌的特征。注重个性发展的思想也成为了中国文人画教育思想的主要内容。 北宋的文同、苏轼、米芾等人在文人画创作实践和理论批评上的影响，使文人画成为一股相当有影响的艺术思潮。到元代文人画达到了鼎盛时期，众多的文人士大夫滋生了厌世心理，将绘画作为个人精神调节的手段。赵孟、柯九思强调以书入画，钱选提出“士气”说，倪瓒鼓吹“自娱”思想，多数画家则将具有象征意义的梅兰竹菊作为自己的表现题材，用以标榜个人的志节情操，这样，画家的主体意识被进一步强化，文人士大夫的艺术观念和审美理想在创作中也就得到更突出的表现。宋代的“尚意”思想发展到明代被董其昌精辟总结为“读万卷书，行万里路”八个字，为后世所尚，成为中国文人画教育思想的经典概括。这一思想影响到了清代的朱耷、石涛及扬州八怪，经赵之谦、吴昌硕影响到现代的齐白石、潘天寿等人。 宋元以后的文人都以鉴赏古人名迹、博览时贤作品、赋诗作文、品评题跋为好，题跋其书法诗文之讲究，画理书义之趣旨，品评识见之高下，都对文人画家提出了书法、诗文、理论、眼界等综合素养要求，成为文人画艺术教育的主要内容。 总之，宋人的“尚意”审美价值中体现出来的对“哲理”、“书卷气”、“个人风格”、“意境”的重视的思想，一直以来都对后世的美术发展及美术教育产生着巨大的影响。 中国美术教育论文: 中国美术教育的现状及未来发展 文明从后现代艺术的此消彼长已经开始进入了一个新的尴尬时期——大师消失了。我们再也看不到亚里士多德、尼采或达·芬奇那样的人，甚至连格罗皮乌斯也离我们远去，可我们又没理由因此而怪罪自己亲手发明的新经济体制。值得当代中国人重视的是，市场经济的快速发展使人心浮躁，自身文化丢失以及对外来文化一知半解。但这对我们来说也是一个契机，我们开始反省自身的文化状态，重新发掘中国文明的内涵以及再次审视西方文化意识，我们和世界重新站在同一个起点，而目标就是重新建立一个可以出现大师的环境，而这个建造过程的核心环节也就是本文所要论述的重点——美术教育。 一、什么是美术教育 美术教育是一种制度，在这一系统下，培养出更多的艺术家，但这一制度在不同时期也是可变的。从古代的师徒模式到近代的学院制，这种制度通过变革延续了自身的存在。在大学美术教育中，从事美术教育的人一般都具备两种身份——艺术家和教育者。一个教育者首先应该是一个艺术家，他对世界有着自己的看法，对艺术有独立的评判；其次他也是一个教育者，为自己的学生提供自己的经验和观念作为他们在艺术活动中成长的参考。需要强调的是，教育者自身的构成基础是艺术家，核心是教育者，这两种身份的价值是并存的。 作为一个真正意义上的美术教育者，他的职责在于牺牲的勇气，以肯定的方式教育年轻人正确地分辨艺术的价值，甚至可以为了自己的观念去否定以往的经验以及价值，这就需要一个艺术家不仅具备专业水准，更要有一个堪称典范的人品。 二、中国美术教育的现状 中国自五四新文化运动开始引进西方美术教育制度，这也是现代中国美术教育的开端。在制度更迭之际，中国人的救亡图存也直接导致美术教育跟随社会文化范式的变迁而变迁。新中国成立后，中国美术教育在废墟中移植了一套全新的模式，但随着市场经济的逐渐平淡稳定后，教育者们却发现了一个尴尬的现象：在这个平稳的时期，很多艺术家都养成了一种思维定式，即接受国外的艺术思想，缺乏思考与解构的能力。思维空白已经是艺术家感到无奈的事实。学院内的教育者不仅发现了中国美术的残缺状态，更要面对大学教育制度下来自管理体系的压力。教育制度的变质最直接的受害者就是年轻的学生。中国的大学扩招使得更多的学生选择了艺术专业，社会矛头直指美术教育。 三、中国美术教育的发展方向 虽然当代中国美术教育已经伤痕累累，但值得庆幸的是还有一部分教育者在坚持美术教育的初衷，他们更多接收及时的对外信息并思考、批判地理解，在基础教学外增加开发学生创造力的教学方法。这已经足够预兆一个新时代的开端。 在当代中国美术教育中，设计教育的革新最为突出。正如工业革命后设计的出现宗旨一样，它更接近于应用，与社会接受能力最大限度调和，也正是这种特性使得设计教育率先改革，教育者们意识到他们没有像绘画那样宣称艺术的精英属性的借口，设计首先是为应用而产生的，大学越来越多地邀请从业设计师授课，使得设计教育更具时效性。 美术教育的其他门类也面临同样的问题，年轻的学生们最大的压力就是生存，4年的本科教育能否完成这些教育者最迫切的愿望。当代中国美术教育的任务也以此为开端，已经存在的教育制度和教育模式不可能被瞬间改造，这可能是一个需要投入几代人的努力的过程，而首先要做的就是接受真正来自当今社会的信息。中国的学院教育需要更多的社会实践转化成学术成果。 目前的设计实践中，以靳埭强先生为开端的一批设计师已经开始着重发掘中国本土艺术语言的尝试，他们在实践中不断尝试这些文化符号的重新应用，甚至打破原有的设计与绘画的分科，这种学术尝试显然对起初的造型艺术是一个巨大的冲击，但这也确实带动了学院教育进行新的变革。在未来，中国教育将首先使年轻的艺术家生存下去，给与他们更多的“儿童般的自由”和人文关怀，而后才能真正诠释本土艺术的内涵。 四、新教育精神下的教育方法 任何艺术创作或艺术教育都是时代精神的写照，它无法回避与时代的血肉关系。这首先是对教育者的要求，成功的教育应该是在不断的突破之间完成的，教育者必须使学生清楚地知道当今社会美术思潮的最新动向，基础训练应被保持在最低限制的分量上。美国有一位教授曾经让学生在破烂不堪的纸上做素描练习，在我看来，这类方法完全可以使学生清醒地意识到基础训练在整个美术教育中实际的位置和作用。我们更应当明白，基础训练不是一个阶段或是整体中的一部分，而是伴随人终身学习的最重要组成部分。这样，人才能清楚地认识到自己。 事实上，美术教育应该是打破现有学科分类的，用各种方法来完成视觉艺术基础课的尝试，向学生提供社会方向的课程参考议题：生命、生存、人格、疾病、微距、信仰、文化、战争、生态、自由、地球等。学生的作品不仅仅是为了符合某种形式、技术和私人的情感价值的需要，更重要的是和社会议题进行直接的沟通和对话。中国高等美术教育的核心是文化教育，而非单纯的技术培训。还有就是激发学生的创造力，在对社会进行思考后，不局限于绘画技巧或设计语言等的分类，甚至尝试新的视觉元素的创造来表达自己的感受。 只有这样，才能真正发挥教育体制的作用，造就出懂得独立思考而又不惧怕时代的艺术家。 作者单位：东北师范大学人文学院设计学院 中国美术教育论文: 当下中国美术教育发展面临的问题 教育学科在中国不过两百余年，借道日本取法“西洋”，后又由“中道”日本转向“直捷”西方。教育著述也是由先编译后编著的路线，中国教育学科是“西学东渐”的产物，是在译介西方教育学科的过程中形成的，本文从学院的学生、教师、评价体制包括作品评价、美院教育与师范教育来探讨中国美术所面临的问题。 拔苗助长的考前美术教育 青年人是早上七八点钟的太阳。而我们的太阳，考前的考生们却在不断训练概念性的考前素描中抹杀了学生发现自然的能力，使学生训练了一套“好活”，从而失去了自身发现世界的眼睛。最好的年龄，最有发展的年轻人只为功利考学，在不断的考前重复的概念性的训练中葬送了自己本有的敏锐的洞察力与感受力，而现行的素描、色彩、速写的考前模式与中国自身美术观念没有任何关联，也就是说我们为这样的考前培养模式培养出来的几代人的将来艺术前景堪忧。 大学本科的教育问题 1.美术教育没有自身的教学体系。现今的学院教学是百年前引进西方的学院的写实造型、写生训练并借助民族传统形式与材料加以表现，逐渐形成了临摹、写生、创作的中西结合谱系，现今体系与百年前学习西方的体系的并没有太多改进。体系落后，方法老化，专业教学与史论教学互不相干，没有产生互渗关系，中国传统画论美学更没渗透到艺术理论的教学中，美院之所以比其他综合类美术大学“好”，主要是靠美院有一批名师，而不是美院的教学体系。 2.重“技术”的培训，不重“人才”的培养。大学是培养“人才”的地方，其次才是专业或技术。现今的美术学院是“技术学院”，是“绘画技术”、“雕塑技术”、“设计技术”、“计算机技术”学院，仅是技术的训练，也提高不了学生的素质。再加上学生高中之前及家庭教育的综合素质没有跟上，想在大学提高，只是天方夜谭。 叶圣陶说，若有人问我干什么，我的回答是“帮助学生得到做人做事的经验”，我决不说“教书”。大学教育是“人”的教育，而不是“技术”或“职业”的培训地，也就是说，即使你毕业不从事你的专业，你也能很好地完成、做好你所想做的其他行业。如果在成长的过程中你没有完成自我的人格与意志品质等，你不但本专业学不好，更干不好其他专业，那么这样的结果必会为社会造成后患。这种教育不只是大学单方面能完成的，它需要我们的社会、家庭、学校及本人共同完成。 硕士、博士泛滥 盲目的提高学历层次及社会对学历的需求造成了硕士、博士泛滥，出现了绘画水平硕士水平比不上本科生，博士水平比不上硕士生。实际上美术学博士原本就是以理论研究为宗旨的。 现今，艺术升级为一级学科门类，全国美院或地方院校拼命争设博士点，许多并不够条件的也在争抢这份“羹”，又并不是从事理论研究的人员也能享有“博导”的头衔，这样的“博导”在制造一批一批怀揣着不同目标的“博士”们。官方高举引导名利的大旗，并设定了名利等级，高等美术教育便成为了集体追逐名利的竞技场。 不规范的评价体系 1.学科、教学评价体系。以往美术学在学科制度上一直在“文学”门类下作为三级学科方向，而中国的教育是起步是引进西方的，现在艺术学科升级，各方面也都是在探索过程，关于学科评价建设还没有形成一个行之有效的合理的现行方式。要建构中国自身的教育谱系，艺术理论思想与有系统的教育教学观念、方法、目标，有与之配套的实践教育系统。教育教学成果如何评价？教师的创作成果、设计作品，靠获奖。学生的成绩如何评价？靠分数。 2.职称评定体系。这是一种不平和的体制，休想让教师清闲，大学教师的任务繁重，要教学，要教好学，又要搞好“科研”，“科研”这一词界定本身就存在问题，艺术家要搞“科学研究”？“体制”希望大学教师：（1）有出色教育教学能力；（2）又要有超群的外语水平；（3）还要有顶级的绘画水平；（4）还要有“高级”的“学术”水准，要求教师要在国家级核心期刊，或者CSSCI的期刊上，才算有学术水准；（5）要有“科学研究能力”在职称评定过程中要求美术教师要有省级或者国家级的“项目”方可符合所谓的相称的职称。 教师大量的时间忙于论文、项目及参加美协的展览活动，自由的时间被迫出卖。无欲则刚，给教师更大更多的自由空间，让高校美术工作者静下心来做事吧！ 3.艺术创作评价体系。中国近百年美术评价体系也是西方的，又是在浅层的画面制作效果或工作量多少来“计算”作品的“优劣”。国家展览给艺术设定了错误的目标与错误的导向，展览多是虚假的矫情之作，没有深入骨髓的真正的现实主义作品。更见不到也不存在传统中得“逸品”的作品了。现今，急需建立一整套符合自身文化传统的美术作品评价体系，即不同于传统又不同于西方，要引导提倡创作符合中国自身审美要求的有相当艺术格调与境界的美术作品。 学科与职称评定的结果：1.对高校教师的身心压力；2.忙于职称，疏于教学；3.为社会制造更多“著作”、“论文”垃圾；艺术评价的结果是为社会制造了一批虚假的“大垃圾”。 给九大美院自由，他们自身更懂得评定体系。下属师范类院校及综合性大学，定位要准确。 研究学术需要评定吗？学术研究首先是自身的爱好与兴趣，再加上自身所具有的使命感与责任感才能做好学术研究。它不需要哪个单位或机构来评定这属于什么。不能一味地追逐而要问为什么追逐？大学沦为了实用与适应主义，变成了世俗化与功利化的场所，大学应是培养精英的地方，是引领而不是去盲从。康德认为艺术和审美具有超越功利性的“自由”秉性。太多实用与现实而缺少精神，缺少那自强不息的“富贵不能淫，贫贱不能移，威武不能屈”的“大丈夫精神”，这也正是我们的“大学精神”。 师范教育的问题 师范类学校过分强调专业教育，而教育应把培养目标确立明确。 课程设置不合理，教学内容陈旧，没有教学法。高等师范类美术教育从课程设置到教育实习都与中小学美术教育实践相脱节。一方面是高校本身的问题，另一方面是中小学的问题，中小学、高中对美术教育不重视。美术在中小学不能得到健康正常的发展必将影响将来的发展前景。现今美术被升为了一级学科，是否在中小学中，美术也可以从“副科”升为“主科”呢？ 师范类院校培养目标应该明确：为中小学培养优秀的教育人才，而不是把目标定的跟美院一样，大学教育有其共同性和一致性，但各个大学办学应该有自身的特色，更应该发挥自身的地域及历史文化优势。 解决的出路 1.爱好从小培养——兴趣是最好的老师。 美育可救国，从幼儿园开始着手对孩子进行美育教育，小学、初中、高中要逐步加强，而不是到高中学生学习成绩下降了，那么赶快学美术吧，家长、学生都有这种心理，学生不爱自己的职业，没有兴趣一定学不好。米开朗基罗十三岁进基兰达约工作室学绘画，老师认为他学晚了，毕加索十三岁的素描作品已经相当于世界级大师的水准了。艺术是一个高尚而崇高的行业，不要玷污了她，想要成才，爱好是最好的老师。 2.大学前的多样化的学习，国画、版画、油画、雕塑、设计等要在考前有相当的基础与熟悉程度，而不是到大学毫不知其主业为何物。 3.建立“大美术教育”系统。 中国美术教育从小学、初中、高中到大学是一个应该是一个连贯的完善的自成系统的整体体系，一环扣一环形成一个连贯的培养计划。而现今，这几个环节互相并没有干系和联系，更没有形成一个系统。 小学、初中、大学他们之间要形成一个纽带，他们之间要建立一种纽带关系。如果形成一个“大美术教育”的系统，那么美术人才会从小学或幼儿开始就会有一个很好的健康的起步，通过初中及高中的逐渐的美育培养，学生的艺术素养和实践能力绝非今日的考前一两年所能企及，那么大学美术教育就自然可以想象。 中国在两千余年以前就有自己的教育思想，但现今美术教育没有形成一个完善的中国自身的体系，这需要一批人或几代人来不断地完成。发现问题是未了更好的解决问题，我们期待着中国美术教育不断前行，它会不断完善。 作者单位：西安美术学院中国画系 陕西西安 中国美术教育论文: 解构与重组——关于中国美术教育的现状分析与改革 摘 要：美术教育的目标是为了提高学习者的艺术文化素质，建设社会主义精神文明和物质文明。而作为新世纪的美术教育在快速发展中也暴露了一些问题。这些问题在某些方面上也阻碍了美术教育发展的进程。而只有正视这些问题，美术教育研究才能蕴含着高目标的要求和超前的思想意识、进而提升知识文化教育的广度、高度和深度。 关键词：民国；中国美术教育；发展历程；改革 教育是增进人们的知识和技能、影响人们的思想品德的活动。它泛指人类社会活动中专门培养人的一种活动，是人类进行生产、生活、物质、文化交流的一种重要方式。而其中隶属教育系统的“美术教育”则是社会教育活动中培养学习者的艺术观念和审美趣味、增进学习者的美术知识和训练技能的活动。 中国的真正意义上的美术教育的开始形成是在民国前期，这是近代中国美术教育变革的关键时期，也是近代中西文化相互碰撞与融合的特殊时期。这个时期在蔡元培先生的“以美育救国”的号召下，从外国留学的徐悲鸿、林风眠、颜文梁、庞薰琹、刘海粟等美术家毅然归国，希望通过引入西方美术教育来改革中国传统美术教育。他们一生致力于以中国传统精神为主题,消化和融合西方文化艺术的探索,丰富和发展了我国的文化艺术,并将毕生主要精力用在革新美术教育事业上。在这个过程中，在他们的教育思想和教育方法的影响下，中国美术教育形成了丰富的、多样化的教育特点。但凡是人，总存在差异性，艺术工作者更是如此。中国的美术教育家们在当时的教学理念与艺术主张一方面有着共同性，另一方面又存在着差异性；在这个教育背景下，这有着积极的作用，但是又有消极的影响。比如：徐悲鸿在美术教育中推崇“写实主义”，也就是外国古典写实主义；但是林风眠则侧重“现代主义”，即西方19世纪印象派以后的现代主义艺术。这似乎是一个典型的例子，直至今日，在这两个美术教育家的教学改革下的中央美术学院和中国美术学院在教学风格上依然呈现出大相径庭的差异性。现在，中国美术教育从20世纪初发展至21世纪的今天，已经是跨过了一个世纪。那么，它的教育思想理论、实践方式可以说已经到了比较完善的阶段。当我们把视野转从中国美术教育的历史转向现状，从中可以发现它在快速发展的同时存在着不少问题。其中较为突出的问题为中国现代美术教育一方面传承了传统的艺术教育理念，但抛弃了其中更为重要的人文观念；另一方面对上世纪50年代引进的苏联艺术教育模式缺少革新和变化。当人类逐渐步入知识经济、网络社会、新技术和信息不断涌现的二十一世纪，未来的美术教育观念较之以往旧的美术教育，也必然要发生其深刻的根本性的变化。 关于对中国美术教育的改革——首先，我们要知道，美术教育的特点及其功能所决定了它是我们人类进步与发展的重要因素。了解美术教育在社会上的内在意义和其本质功用是必要的。美术教育作为一门学科教育，包涵学科本体与教育功能两个方面，它延伸和发展美术学科的知识与技能，满足人类社会经济、精神和文化的需求以及通过美术学习影响学习者身心发生良性变化,形成他们的基本美术素质和能力。其次，美术教育在每个时期所产生的历史影响也是要重视的。因为美术教育本身就是社会活动之一，社会的发展离不开美术教育的推动作用，从而我们应该认识到美术教育不只是为了培养社会中的美术家，实际上应该更加认识到它可以通过美术绘画语言提高大众的审美修养，通过美术活动中的观察记忆活动来启发大众的智力，通过对作品的历史背景等来促进大众的思想政治水平和道德品质。再者，美术课程具有人文性质，美术教育凝聚着浓郁的人文精神，它对提高和完善人的人文素质方面有着独特的作用。 所以，我们应当准确地把握美术教育发展的脉搏，确定美术教育的发展方向，让美术教育适应当代社会发展需要，体现其价值。为发扬我国传统文化提供一种思路与途径，注重学生个性与创新精神的培养。而作为美术教育体系的主要实施者——当代美术教师在进行教育活动时应站在时代和社会发展的高度调整其教育策略，注重综合性美术素质教育和美术基础教育。在这个改革过程中，我们还要认识到改变美术教育理念的重要性，才能深入文化理论课程设置，提高教师水平，加强美术教育理论研究等方面着手，以推动我国高等美术教育的改革与发展。这样才能真正地以创造教育为核心，素质教育为目标，培养全面发展、适应性强的现代高素质的素质教育人才。 中国美术教育论文: 培养问题意识乃当今中国美术教育之变法 (广州科技贸易职业学院，广东 广州511442） 摘要：当今中国美术教育，培养国人问题意识促使本国美术教育有新之转机，注重图像之读解，关注美术与文化之积淀，重塑观察世界之眼光。 关键词：中国美术教育；问题意识；变法；图像；文化传统；观念；媒材 一、问题意识与美术教育的关系 （一）当今中国美术教育需要变之缘由。 中国几千年的璀璨文化,美在很早的原始社会中已经有所体现，在原始人制作的器具中便可寻找到他们审美的趣味。商周青铜器造型之多样，鼎上饕餮纹之神秘；唐朝白瓷、青瓷、釉下彩瓷的雅致；明清家具之精巧、简练等都流露出中国人对美的本质的执著追求。在古代，中国画和书法是得到普及教育的，也是考取功名的重要途径。到了近代的中国，受外国列强的入侵等历史原因，美术教育与中华传统文化的严重脱节。蔡元培认为“教育者，养成人格之事业”，提倡将教育的目标定为“育国家之良民”，也就是教育应在于培养健全的人格。当代中国美术教育在审美意识教育和人格培养方面相对比较弱，这样的美术教育要需要改革和变化。 （二）当今中国美术教育之变法――培养问题意识。 蔡元培认为“学校美育分普通美育和专门美育两种。普通美育属于小学到中学这一阶段。专门美育属于大专阶段。这两个阶段是衔接着的，随着年龄、学识的增长，美育的内容和标准也要随着加深和提高。”事实上这两个阶段我们已经在门面上达到了，但从内容上看却还有长远的距离。当代父母都很注重子女儿童时期的艺术教育，且不少家长愿意资付不少金额请艺术家庭教师。这符合了蔡元培的理论：“儿童时代，形成概念之力尚弱，则倾于直观。故无论开智陶情，均以利用美术为适宜。”在当代社会人云亦云的大环境中，很容易缺乏独立思考，变得墨守陈规、麻木不仁，没有“问题意识”。问题意识是看清事物本质的关键。中国当今的美术教育有部分只是浮于表面，如果加强培养问题意识，对事物深入研究，中国美术教育会有更好的发展。 二、具备问题意识，看透事物的本质――问题意识在美术教育中的作用 （一）对艺术的理解更加深入。 1.图像问题。 绘画是要把事物的真实表达出来，但并不等于把事物现实的造型、色彩等外观逐一刻画，达到“一模一样”。这里的真实是指表达真实的情感，是一种触动心灵的震撼。吴冠中要求自己做出撼人的作品而不是娱人的作品。娱人之作只达到趣味的层面，撼人之作乃大师人格之流露，有感染的力量。图像在艺术中就象文字在文章中一样是一种语言，这种语言是靠视觉来再现的，往往不是直白可得，需要观者去“读解”。当然对观者的要求很高，他必须了解艺术史、哲学、心理学等学科，找出相应的关系。 （1）技术与观念问题。 前面说到绘画不必将具体的事物如实地绘制在画布上，可是当我们在幼儿时期还没学习过画画时，也不能忽略模仿这一重要步骤。只是提醒大家在掌握了绘画技法之后不要过度炫耀这种技能，应该注重观念的表达。对于“当代艺术”的评价众说纷纭，假如我们没有意识探讨当代艺术的形成发展和对艺术家个案研究的话，很容易把“观念”概念化。艺术作品不能简单地用好或坏来评价，而是从作品中找寻艺术家看问题的角度。不要过分地把技术与观念分开来讨论，经典的作品往往是技术与观念的结合，它有艺术家独特的视野，并用符合表达这一概念的技术来完成，虽说高超的技术不容易，但找到恰如其分的技术却更难。 （2）传统问题。 众所周知，中国有几千年的文化传统，在今天“传统”一词也被广泛运用。可是，不是所有的传统都可以直接拿来用。必须了解其历史背景和发展过程。传统文化在当今中国的美术教育中做得不够成熟。首先，国画在中小学没有得到普及教育。其次，教授国画只教技法缺乏国学教育。学习文化传统最重要的是领悟其精神的真谛。中国人的宇宙世界观源于《易经》：阴阳二气化生万物，万物皆禀地之气而生。这种精神渗透在水墨画中，强调直觉、人与自然的和谐。通过学习国学，领悟水墨精神，对于人生态度有更深层的意识探讨。 三、培养美术领域中的问题意识 当今物质消费已经变得理所当然了，这种购物的行为已经不需要问为什么，潜意识驱使我们这样做。假如我们对早已习惯的产生疑问，新的东西才会出现，进步才可见。“问题意识”其实是一种观看世界的角度。大自然的观看术是靠学而知之，问题意识也是靠学而有之。 （一）中国美术教育应重新调整对图像的认识。 首先，要让学生有清晰的概念――图像不只是技术和技法。中小学是认识事物的最佳阶段，绘画中模仿事物能让他们认识物体，可仅有这种方法会抹杀他们的创造力。在教学中应该培养他们怎样去观察事物，从而使他们产生问题然后自己解决，通过这种方法所得到的图像会深刻得多。通过美术史，使我们提高自身的艺术眼光，面对现实生活提高问题意识。大学美术学习应注重问题观看之方法，从纯绘画来说不可只针对图像的表面，更应注重图像背后所反映的观念。从设计来说，不能总是设计符合大众口味的图案，要以引领潮流，提高大众欣赏能力为目标，也不可仅追求设计图案之精美，而是透过设计传达观念。 （二）中国美术教育应与文化紧密结合。 陈丹青说过：最好的教育是自我教育。在美术教育中培养洞察力可引发自身的问题意识。许多有名的艺术家也是通过观察身边的普通事物创作出伟大的创作的。埃舍尔观察阿尔汗布拉宫发现了规则空间分割的关系，根据简单的“上下前后左右”来探索灭点的相对性等。香港设计师余志雄利用点、线、面来探讨艺术的故事，他对日常各个细节很敏感，例如看到线会联想到他的各个空间，它不只是一条平面的线。文化传统是一种精神，是需要全国人民共同了解并坚持的，重要的在意识中对文化传统有执著追求的信念。 （三）中国美术教育要发挥媒材的魅力。 有位学者曾经说：“艺术家是通过媒材来思考的。”媒材是产生问题意识的另一种途径。日常生活中许多不起眼的实物如果了解其特性可以加以利用来创作，只要能表达好的观念，任何媒材都具有价值。毕加索是首个在绘画上加入现成品的人，他加入了廉价的稻草，却打破的对绘画的理解。塔皮埃斯的创作总是“变废为宝”，传达任何东西都有其自身价值的概念。在美术教育中注重给学生多种媒材的尝试机会，例如把报纸变成蔬菜、透明胶片代替画中的窗户、牙膏盒子做机器人、锡箔纸做肌理图案……多种材质引发学生的联想力和创造力，还提高了学生的动手能力。 所有新颖形式的转变、高新技术的引进、人才出国深造等之变法是进步的一种策略，提高图像读解能力，注重美术与文化的学习积累和研究，培养细腻的洞察能力找寻媒材的各种关系，培养学生的问题意识是进步的长远之计。培养问题意识也就是培养观看世界的新视角，同时，也是人格培养的磨练过程，培养对艺术执著追求的坚持态度。 中国美术教育论文: 中国美术教育三十年发展变化研究 【摘 要】 本文主要回顾了我国美术教育和教学30年的发展变化历程，认为上一世纪七十年代和八十年代，我国的美术教学主要强调美术教育的社会功能；九十年代注重提高学生审美能力，形成了比较完整的美术教学体系；新世纪注重以学生发展为本，激发创造精神，发展美术实践能力，充分体现了美术教育与时俱进的色彩。 【关键词】 中国；美术教育；三十年；发展变化 一、 二十世纪七十年代―九十年代的美术教育 在二十世纪七十年代，大部分学校没有专职美术教师，基本由各科老师代上，教师往往是在小黑板上画几个简笔画到教室让学生临摹。 八十年代，不同地方的经济发展基础不同，教学条件差别很大，国内各地美术教学处于不一样的发展状态，记得在笔者以前工作过的中师，学校的学生大多来自农村，在中小学都没上过美术课，当年笔者给普通师范学生上课，第一节课是教学生怎么选购铅笔、画纸、橡皮等常识。后来，国家提出素质教育，中小学普遍都开设了美术课，中师也开办了美术专业班，为提高美术教师水平，各地主办各种教师培训班和讲课比赛；少年宫、私人画室也给学生提供了学习美术的地方。到了九十年代末，小学、中学美术对教学方法、学生心理方面研究系统深入，形成了比较完整的美术教学体系，但目前高校专科、本科教学与中小学教学却有些脱节，相比较，当年中等师范学校对学生素质的培养模式更适合中小学教学需要。现在高校毕业生专业性增强了却忽视了全面的素质提高，特别是专业美院学生对基础知识的系统掌握及教学方法的学习研究更少，以至于有的毕业生在教学中抓不到重点难点。 九十年代的大学学习条件比以前好了很多，可以看到不同国家，不同风格流派的作品，观念上也有了新的突破。相比现在高校有的学生每周两天的专业课，还有学生逃课，觉得不可理解。看到现在美术高考的繁荣景象，使人并不乐观，在升学机率上升的同时，艺术生源的质量却在下降，部分学生并不是因为喜欢美术，而为了考上大学而选择美术，因基础不扎实的，也不太喜欢美术，以至于进了高校后就没有动力，不愿学习，专业基础知识薄弱，以致到了毕业找工作都困难，于是有的学生不得不改行。加上多元复杂的环境给学生带来影响，使学生考虑的很现实，只考虑为找工作需要，选择自己不喜欢的专业；或认为学设计都用电脑了，学理论和绘画没用，缺乏对美的认识，这其间存在的问题不容忽视。同时高校教育也存在不同程度的问题：有的专业美院过分强调专业性，学生知识结构单一；而有的综合类大学的公共课程开设太多，专业课不足，课程结构欠佳，忽视了以学生的发展为本；普遍重视技法不重视理论，更不重视美术教育教学理论，高校教学与中小学美术教育实践脱节。 二、进入二十一世纪的中国美术教育 2004年，在笔者读硕士研究生期间，有机会进行更细的专业学习研究，图书馆国内外的研究资料也比较多，一些名画的原作可以在各种展览上和博物馆看到，加上网络的发展，有了更好的机会学习。但笔者感觉即使在师范类大学的美术学方向研究生的培养重点是注重专业性，教学侧重于培养专业绘画工作者和研究型人才，忽略作为教师素质的培养，而现实却是大部分研究生最终进入高校担任教学工作，以至于有的研究生对高校教育教学不适应。笔者毕业后进入高校工作，感觉到在部分学校，教师也因职称、科研等压力，大量时间投入学外语，考计算机，发文章，参加画展等，而忽略了对美术教育及教学方法的研究，以至于职称和专业水平高却不善教学。要改变这一现状，调整教师评优、评职称的导向，鼓励教师进行教学研究；构建美术教学理论课程链，把高校教育（特别是师范类大学）和中小学教育挂钩，注重培养学生专业技能的同时也注重教学实践能力；在教学中注意联系学生实际生活环境，在专业教学中利用乡土教材和民间美术资源，从传统美术中挖掘资源；在教学过程中调动学生的兴趣、情感、性格等非智力因素，提高学习效率；根据学生的具体情况，将专业技能，理论知识和教学实践相结合。 三、不同时期的美术作品有不同的特点和社会意义 看不同时期的美术作品，有不同的特点和社会意义：抗战和解放战争期间，由于条件的限制，美术作品多以版画为主，表现当时的社会现状，主要用于宣传；期间美术教育和美术作品曾经承载了太多的社会功能，作品人物多是“红、光、亮，高、大、全”的形象；六七十年代美术都是以写实为主，风格单调，重思想内容，当时对国外的作品、流派几乎没有介绍；八十年代以来，作品的开始多样化，但多以写实为主；上世纪末，各种流派的作品在国内一些杂志上开始介绍介绍，各种抽象的、表现性的作品开始被大家接受，之后出现行为艺术、后现代主义，尝试中西绘画结合，否定架上艺术等各种观念，美术呈现多元化。总之，美术作品折射出中国美术的发展过程以及我国教育、教学观念的变化。 四、结语 纵观近三十年美术教育的变化发展：七十年代末我国的美术教学主要强调美术教育的社会功能；九十年代注重提高学生审美能力，科学为中心的美术教育观，1998年中共中央国务院颁布的《关于深化教育改革全面推进素质教育的决定》明确提出：“中小学要加强美术音乐课堂教学”；2001年制定的《全日制义务教育美术课程标准》注重引导学生体验各种工具、材料和自作过程，激发创造精神，发展美术实践能力，使学生逐步形成基本的美术素养。并首次提出美术课程具有人文性质，标志着我国对美术教育的重新认定，是美术教育观念的重大突破，看我国教学大纲的修改过程，可以看出从强调社会功能到注重以学生发展为本，充分体现了美术教育与时俱进。同时，美术教育、教学也随着现代网络发展、时代的变迁在不断发展，美术教育在提高公民素质教育和公民美术素质方面也将越来越被重视，美术教育也将发展得更加合理化，科学化。 中国美术教育论文: 茶文化与中国美术教育互通性研究 摘要：茶文化思想包罗万象，在长期的发展历程中，造就了与其他行业相通的地方。其中，与中国美术教育事业就存在很多相互借鉴的地方。本文尝试从中国美术教育专业人才的培养方面，来探究两者之间的互通性。首先，从中国美术教育专业人才的职业培养方面，总结了美术教育的意义、内容和方式等。然后将视角转向茶文化，在分析茶文化思想的精髓的基础上，找到与中国美术的融合点，用实例论证了茶文化在美术教育专业人才培养中的作用。最后，得出了茶文化融入中国美术教育专业人才职业培养的方法。 关键词：茶文化；中国美术教育；专业人才；职业培养 中国美术教育专业人才队伍，直接关系我国美术行业教学的发展。其职业素养，成为每年为美术行业输送学生的关键。茶文化与中国美术教育之间存在相互交融的关系。利用茶文化与中国美术教育的互通性，将茶文化的元素融入中国美术教育专业人才的职业培养中，实现职业技能的应用性创新。 1中国美术教育专业人才的职业培养 美术专业人才，承担着中国美术教育的未来，因为其专业的素质、职业的能力，对美术专业学生的教学起着不能替代的作用。其职业培养，就是作为美术教育人士，所应该具备的教学能力和水平。 1.1专业人才职业培养的必要性 美术教育专业人才的职业培养，简言之就是提升其本身的职业素养和能力。后者决定了专业人才对美术专业的教学内容和方法的驾驭能力。例如：有的美术教师，其本身的专业素质不过关，对绘画的基本功掌握距离教学要求相差甚远。一方面，在教授学生相关的绘画技巧内容时，不能具备比学生更高的专业知识；另一方面，当学生问及绘画相关的问题和知识点时，该教师也不能提供准确的答案。这不仅耽误了学生对美术知识的学习，而且还会使学生失去对美术的兴趣。从这个例子中我们可以看出，教师队伍不具备基本的职业素养，也就不能称之为美术教育领域的专业人才。所以，加强美术教育专业人才的职业培养，是教育学界应当重视的问题。在很多地区已经将美术教育专业人才的职业培养，作为美术教师职业的上岗必备条件之一和职业发展方向。 1.2专业人才职业培养的内容 美术教育专业人才的职业培养内容，主要涉及其在美术教育过程中的基本美术专业知识、教育教学方法、职业道德的培养等等。在美术专业知识方面，这是其能成为专业人才的基础，具体可以包括对点、线、面等造型因素的应用，对素描、油画、中国传统画的基础掌握，对印象派、抽象派，以及人物画、风景画的基本了解等。在美术教育的教学方法中，作为专业人才，应当有区别于一般普通美术教师的教学方法，在如何提高学生的兴趣，如何使学生快速掌握美术基础知识等方面有自己独特的方法技巧。在美术教育的职业道德中，除了具备普通教师应该有的师德，还应当树立起让学生产生对美术的兴趣和喜爱，决心在美术的道路上走下去的远大目标，将中国的美术教育事业发扬光大。 1.3专业人才职业培养的方法 美术教育专业人才的职业培养，应当建立在灵活性和自觉性的基础上，具备系统的培养体系。所谓灵活性和自觉性，就是指美术教育专业人才必须有美术专业天赋，对美术基础知识和教育教学知识敏感，先天基础好；其次，就是有主动学习的自觉性，具备对美术教育教学工作不断汲取和钻研的精神，后天知道努力。系统的培养体系是对专业人才，开展职业培养的规范和升级。应当有对美术专业教学技巧的专门化培养，包括直接培养和实践化培养方法。对职业道德的培养遵循先有师德，然后才是人才技术的顺序，以专门化的教育方式如模拟教育等实施职业培养。例如：在河北的高校中，对于美术教师的上岗要求就是必须经过事先的职业培养，具备一定的专业教学素质以后才能开展美术教育活动，保证了美术的授课质量。 2茶文化与中国美术教育的共通点分析 茶文化与中国美术教育的渊源可以追溯很久。茶文化中有很多与中国美术可以相容和共通。2.1茶文化思想的精髓中国的茶文化思想有很多涵盖。例如：对茶叶质量的追求，人们除了精益求精之外，还对茶叶的口感、色泽和营养有了更高的要求。因此，茶文化的思想之一就是对于生活品质的不懈追求。现代实例和医学能够证明，茶叶中含有大量对人体有益的元素，而这些有益成分是从大自然中天然获取的，并非人为合成。茶文化的思想之二，就是对于健康和天然的追求。人们从饮茶的过程中提取出了很多艺术化的产物，例如：茶艺表演、茶道、饮茶环境的背景音乐和装饰品等，艺术化的演变使得茶文化与传统思想的结合，以及与艺术文化的结合。综合来看，茶文化思想的精髓，就是人们从自然中获取健康、获取哲学、获取真理的过程，衍生出了与艺术的结合。这就为美术艺术与茶文化的结合提供了契机。 2.2茶文化与中国美术的融合点 茶叶中本身就含有许多美术的融合元素。茶叶本身的外形就具备一定的艺术形象，茶叶的枝叶外形、嫩绿的色泽等，带给人一种生机和生命力的情感。因此，茶叶在许多绘画和影视等可视化作品中，经常以一种代表生机和希望的植物来出现，背后也承载着类似的寓意。另外，茶文化的形象内涵也能作为中国美术的艺术特点来加以应用。茶文化讲究柔和、和谐的饮茶文化气息，这在中国美术作品中，对于笔法、结构等方面也有相通之处。例如：在美术雕塑作品中，作者将雕塑作品以一种灵动、柔和的方式来呈现，不重视雕塑的细节处理，更多体现作者内心情感的表达，这与茶文化讲究的天人合一思想不谋而合。 2.3茶文化对美术教育专业人才培养的作用 茶文化对人的文化渗透作用，加之其与中国美术教育的共通性，使其在中国美术教育专业人才的职业培养中有特殊的效果。虽然茶文化可能在直接提高专业人才的职业素质能力方面作用有限，但是其对教育理念、教育方式以及抽象的教育内涵却有深远的作用。例如：茶文化中平和、自然的内涵元素，要求教授美术教育专业人才在具体的美术教育教学活动中，要以智慧的、平和的教学方法来使学生掌握。而如果以简单、粗暴的教学方法，体现不出茶文化的思想精髓，也起不到良好的教学效果。 3茶文化融入中国美术教育专业人才职业培养 茶文化对美术教育专业人才的职业培养，有许多可融之处。但是要注意融入的途径的方式。 3.1教学素质的结合 茶文化对美术教育专业人才职业培养的教学素质融合，主要体现在茶文化中的艺术元素对美术基础知识的融合。例如：河北地区生产茶叶的地方，茶文化浓郁，茶艺等艺术表现形式历史悠久且声名远播。而美术教育专业人才如果需要对某项美术艺术技艺熟知，就必须从亲身体验这项技艺开始，作为美术教育专业从业人员，需要掌握对茶叶形象、茶艺表演等艺术形象的表现形式、表现方法运用，应该深入当地茶叶种植生产的地区进行了解，亲身感受茶文化带来的艺术文化熏陶，在感同身受之后，才有可能对茶文化中的艺术元素进行了解和体会。掌握了全方位的艺术知识和艺术素养，才算是具备了美术教育专业人才的基本知识和能力素养。 3.2教学方法的结合 人们在饮茶的过程中，往往不把饮茶作为主要内容，而是常当作配角出现。人们在会客、交谈、聊天甚至是观看茶艺表演的过程中品茶。茶叶中的清香和营养，都是在无声无息中被人们所感知。这种润物细无声的方式正是中国美术教育需要的。河北地区风景秀丽，学校在开设美术户外教育课程时经常将学生带至户外，让学生们亲身感受自然之美，从而发掘出对美术课程的灵感。而如果只是让学生们在教室内接受抽象和枯燥的理论知识教学，则属于知识的灌输，与对美术教育的潜移默化的影响相比，教学效果自然不好。因为学生们的感受不深刻，即使当场能够记住一些理论知识，但是过后也会很快忘记，教育效果不佳。 3.3职业道德的结合 茶文化中的营养元素，是一种健康的、积极的、向上的文化体验。这对于中国美术教育专业人才的职业道德培养也是有可取之处的。在素质教育的今天，美术课程的教育还停留在辅助课程的地位，还在扮演着调节学生们学习生活的角色，而没有真正发挥出应有的教育作用。大部分美术教育教师，都是将基本的绘画技能教给学生，再由学生们自由发挥，然后便没有了下文，这并不利于中国美术教育的长久发展。茶文化带来的职业道德，要求美术教育专业人才，将发展中国美术后备力量作为己任，激发出更多人对美术的兴趣和热爱。在课堂上能通过科学的教学方法，让一部分学生真正从美术中找到了快乐，甚至成为今后的发展和从业方向，这便是对中国美术业的最大贡献。 4结论 茶文化被所赋予的丰富内涵，使其与中国美术教育具有了更多的相通之处。从中国美术教育专业人才的职业培养为例，可以将这些共通之处作为茶文化融入职业培养的着力点。茶文化本身的艺术形象、茶文化的内涵等，可以在美术教育专业人才职业培养中成为促进点。以茶演绎出来的艺术形象能够进一步提高美术教育专业人才的素养，以茶文化精神完善教学方法，以茶文化内涵提升美术教育的职业道德。 作者:刘会瑜 单位:河北对外经贸职业学院 中国美术教育论文: 蔡元培\林风眠的交往与合作 对中国美术教育的影响 摘 要:文章简要介绍了蔡元培、林风眠的交往、合作经过,重点分析了两人的合作在促进了中国绘画教育由“图画”向“美术”的观念转变、实现中国美术教育体制由日本模式向欧美式体制的过渡与转变、培养了一批新型的美术家与美术教育家等三个方面对中国美术教育产生的影响。 关键词:蔡元培;林风眠;美术观念;美术教育;欧美体制;新型 翻开20世纪初期的中国美术史,蔡元培、林风眠的名字屡被提及,他们对中国近现代美术教育所起的拓荒、扶植、培育作用不容低估。蔡元培(1868-1940),满清末进士,翰林院庶吉士,1912年任孙中山南京临时政府教育总长;林风眠(1900-1991),广东省梅县一个山村的学生,两人年龄、地位悬殊,却缘于一个自上而下发起“留法俭学会”运动、一个自下而上积极响应“以苦求学”而最终有机缘走到一起。1924年5月,留法五年的林风眠与同学刘既漂、林文铮等准备筹办旅欧中国美术展览会,其时蔡元培移居此地从事著译事务,经展览会筹委会推举并由林文铮函告蔡先生为该展事名誉会长①。蔡元培不仅为展览撰序,还亲临展览现场,林风眠的带有中西调和色彩的油画和彩墨画作品就在这时引起了他的注意与称许,自此两人开始了长达十五年的交往(时至1940年蔡元培逝世为止)。 1926年1月,教育部在征询各方人士的意见后,由艺专全体学生投票,选举林风眠为北平艺专校长。林风眠为一介走出山村的留学生,在国内并无什么背景,是什么原因使他受此重用呢?据其好友林文铮在《蔡元培器重林风眠》一文中说:“由于蔡先生在法国器重林风眠,1925年冬,北洋政府教育总长易培基即电聘林风眠为北京国立专门美术学校校长”,一语揭示了蔡元培的提携之功②。此次,对于蔡元培的知遇之恩,林风眠也用自己的实践作出了回报。在北平艺专的教学改革方面、激起民众对艺术的关注以发挥艺术的社会功能等方面均响应蔡元培“以美育代宗教”的思想,北平艺专成为两人在中国美术教育方面首次携手的见证。 1927年,在强大的政治力量的干预下,北平艺专的艺术运动无法进行下去,林风眠辞职南下,写下了著名的《致全国艺术界书》,在文中,他意识到兴办教育的必要性和紧迫性。他说:“艺术运动如果想很快发生一点作用,国立的艺术教育机构是必须的”,“大规模的艺术展览会,也是必须的” ③。当林风眠南下时,恰逢蔡元培被民国政府任命为教育部大学院院长,蔡决定设立“全国艺术教育委员会”,聘林风眠为主任委员主持工作。当年冬天,在艺术委员会第一次大会上,通过了林风眠筹建全国艺术大学的提议。1928年的春天,蔡元培先生出席了国立艺术院的开学典礼,豪迈地宣布:“大学院在西湖设立艺术院,创造美,使以后的人都改其迷信的心为爱美的心,藉以真正完成人们的生活。”当晚蔡元培便下榻在林风眠的简陋的平房里,此举不仅能反映出蔡元培对这所新学校的支持,也更能传达出他本人对林风眠的信任及两人的深厚感情。在林风眠的主持下,新学校依然秉承蔡元培“思想自由,兼容并蓄”的建校方针,提出了“介绍西洋艺术!整理中国艺术!创造时代艺术”的奋斗目标,可以说,杭州艺专成了实现两人同一理想的试验田。 蔡元培为民国教育总长、北大校长,比林风眠整整大了32岁,在他看来,林风眠是晚辈,是勤勉刻苦的学子,是热情张扬的青年,更是他的教育思想得以撒播的火种;而在林风眠的眼中,蔡元培是长辈,是上司,是其艺术抱负得以施展的重要扶植者,也是其事业上的精神依托。因为两人的社会地位及责任意识,他们的交往、合作不仅只局限于两个人间的相互影响,而且还对中国艺术教育的现代化进程产生了深远的影响和意义,主要表现在以下几个方面。 一、促进了中国绘画教育由“图画”向“美术”的观念转变 鸦片战争尤其是甲午战争后,中华民族面临亡国灭种的危险,中国知识分子的心态因中西冲突而发生了巨大的变化,对封建文化的落后性与资本主义新生文化的先进性有了直观的认识,形势所迫,改良派提出“废科举、兴学堂”的方案,将救国希望寄托在教育体制的改革上。1901年,清政府将“所谓书院,于省城改设大学堂,各府及直隶州均改设中学堂,各州县改设小学堂,并多设蒙养学堂” ④,1903年,由张之洞、张百熙拟订的《奏进学堂章程》中规定了“高等小学堂一、二、三、四年级图画课,每周各两堂”。自此,学堂中开始学习“图画”一科。为培养师资,1912年,经亨颐、姜丹书在浙江两级师范学堂中创办了高师图画、手工专修科;1915年,国立北京高等师范学校设三年制手工图画科;国立南京师范学校开设三年制图画手工科,等等。 在这些学堂中,以“临摹”为主,强调技术,这一方面与中国古代对艺术的看法相关,“艺”即为“术”,《辞源》中说:艺术就是“泛指各种技术技能,……《注》:艺谓书、数、射、御,术为医、方、卜、筮”,礼法与实用的色彩较为浓厚,传统的学画之法,也是重视“笔、墨”等技术的修炼,以“临摹”作为学习的主要方法;另一方面,提倡改革的人士中影响最大的康有为从西方的艺术中看到了只有体现“五体不备,无美不臻”的写实原则才能改进中国画,认为中国士大夫文人“安能专精体物,……以气韵自矜,……此中国近世画所以衰败也” ⑤,“今工商百器皆籍于画,画不改进,工商无可言”,可见,改良绘画是康氏“物质救国”理想的一个具体实施步骤,其中实用主义占了上风。被徐悲鸿称为“中国西洋画之摇篮” ⑥的“土山湾画馆”,其传授方式也是“博采名家”和“培植成技”,因此,这一时期不管是对中国画还是对西洋画的学习,皆以“技术”为主,以实用为目的:师范学堂的图画科为的是尽快培养师资,满足中小学堂的需要;土山湾等画馆则求完善技法,适应市场需要。此时,中国实用功利的图画与西方文化体系中的“Art”的内容尚有很大差距。反观日本,用西方“Art”的意义来改造东方艺术的人首推冈仓天心,正如伊福部隆彦所说:“冈仓天心起了什么作用呢?他发起了将一般匠人的美术变革为艺术的革命。面向西欧艺术的觉悟运动,是冈仓天心的美术运动。今天,绘画、雕刻和工艺等美术成了艺术,其作者成了艺术家,这是他的功劳” ⑦。 而在中国,蔡元培起了与冈仓天心一样的作用,即引导人们觉悟,将技术型的“图画”概念转变为文化型的“美术”概念。1916年,蔡元培旅法回归,就任北京大学校长,在《新青年》杂志3卷6号上发表了《以美育代宗教》一文,把广义的美术(包含音乐、舞蹈等)放到维系民族精神的高度来论述,希望通过科学和美术两大支柱共同作用,来教育、感染、陶冶国民精神、振兴民族活力,并最终成为改造国民性的手段。至此,中国人的“美术”观念与西方文化体系中的“Art”的内涵和外延才实现了真正意义上的对接,从根本上扭转了图画手工科的教学管理模式,探索艺术向文化转型的道路。在蔡元培的直接扶植与呵护下,以刘海粟的上海美术专科学校、林风眠的国立杭州艺术专科学校为代表的艺术学校秉承了这一理念,而林风眠的国立杭州艺术专科学校又是其中的佼佼者,其“思想自由,兼容并蓄”的建校方针与“创造时代艺术”的学术目标符合西方文化中艺术强调的“自由”精神,与蔡元培“陶冶国民精神,振兴民族活力”的思想最为合拍。 二、实现了中国美术教育体制由日本模式た始向欧美体制的过渡与转变 提及中国美术教育,人们都会自豪地宣称我国始建于北宋太宗雍熙六年(984年)的“翰林图画院” ⑧,宋徽宗时期,又于国子监另设画学,专门培养宫廷绘画所需人才,画家地位有所提高。综观历史,中国传统美术教育是以临摹入手的师徒、父子相承的方式进行文化传播的,其人才培养规模较小,也无完备体系。 中国近代教育的变革始于19世纪中期的洋务运动,以引进西洋学校教育为开端,也有了图画课程的设置,编写了相应的教材⑨。学堂体制的建立为普及美术教育奠定了一定的基础。此时,美术课程的设置、教材内容的选取等基本模仿日本,究其原因,一方面中国的学堂中聘请日本教员来从事教学活动,如三江师范学堂聘日本人菊池谦二郎为总教习,垣理宽之助、杉田捻为手工教员⑩,两江师范学堂所聘教授中,有日本人盐见竞、垣理宽之助等B11,这些教师将富有日本特色的教学体系带到了中国。另一方面,20世纪之初的留学生赴日求学的较多,尤其是美术开拓者几乎都去日本留学或考察过,如陈师曾、李叔同、高剑父、陈树人、丁衍庸等,有的还是肩负着改造中国艺术及社会的理想而去的,学成归国后,留日生们革新中国画,取法东洋高等教育的先进管理方法,试图以日式教育体制取代国内的陈规陋习。如高剑父于1912年回国后,创办春睡画院、南中美术院,开创了现代的“岭南派”;李叔同也于1912年在他所任教的浙江两江师范学堂中引入石膏模型写生。这些构成了美术教育上日式体制在中国的滥觞及发展。究其原因,一是因为中日为邻国,在交通不发达的年代,去日本相对容易些;二是历史上中日间的文化交流屡见不鲜,中日美术亦有许多共通之处,故留学生倾向于去日本;三是日本自明治维新之后,开始向西欧近代资本主义全面开放,艺术上也接受了西方文化的洗礼,因此赴日学习也能了解先进的西方世界。因此,日本是中国通向西方世界的桥梁。 但这种间接的“转口”文化毕竟有取舍的成分。民国成立后,一些学者掀起了直接取法欧美教育的浪潮,蔡元培是此风气的发起人。当他就任民国教育总长时,草拟《教育独立议》,特附注说明:“分大学区与大学兼办中小学的事,用法国制;大学可包括各种专门学术,……用英国制;大学兼任社会教育,用美国制;大学校长由教授公举,用德国制”B12,并于1912年颁布“壬子癸丑学制”,初步实现了中国近代教育从日本体制向欧美体制的转型。在美术上,“民国以来,最先提倡美术者为蔡元培。蔡元培曾以高年留学德国。甚留心于西洋美术”B13！1906年蔡元培以40岁的年龄赴德留学,1908年又入莱比锡大学,所听课程几乎涉及全部人文学科,1913年,他又赴法国游学,在此过程中,他很留心德、法的美术教育。1917年,由他鼓励、促成的美术青年游学欧洲,是实现近代美术教育向欧洲学习的关键步骤和重要途径,林风眠即是赴欧学习者中的一员。蔡元培在北京留法俭学会预备学校开学式演说中强调了赴法学习的重要性:“同人度提倡留法何故?曰:同人均经留法,于法国教育界适宜吾国学术之长,知之较详,则举所知以介绍于国人。”B145绷址缑哐С晒楣后,无论是在北京艺专还是在杭州艺专,都大刀阔斧地改进或建立教学体制,以欧美的“写生法”为教学手段,提倡艺术的自由与创造,聘请法国人为教员B15！T诖艘郧,正如徐悲鸿在1925年所抱怨的那样,“远自郎世宁,中自上海土山湾西洋教士之画室,近至两江师范之艺术科,周相互和聿光诸先生所凤初期美术学校等等,皆有数十年之历史,但其影响终不显著。无它,因西洋美术实未到中国也。”B16U饫,徐悲鸿所抱怨的是我国只学到了西洋美术之皮毛而无其实,可以说,林风眠所引领的杭州艺专真正能着眼于欧洲艺术的精神,在整体引进欧洲现代艺术教育观念和教学管理模式方面,最具代表性。它开创了中国专业美术教育学习法国的历史时期,预示着中国现代美术教育新纪元的到来。从此,中国美术教育之舟也就渐渐驶向现代,开向未来。 三、培养了一批新型的美术家、美术教育家 中国古代绘画史上,汉代以前的从业者多归为工匠类,名不见经传,魏晋以后,由于一批士大夫参与绘事,才出现了史籍上第一批有确切记载的画家如曹不兴、顾恺之等。此后,画家与画匠渐渐分流,直至北宋苏轼提出“士人画”(即文人画)的概念后,“行家”、“戾家”的区别更加明显。士大夫文人家学渊源,民间工匠则难登大雅之堂,加上中国传统绘画传承方式主要以临摹、师徒相授为主,出身下层的老百姓既无银两聘师学艺,更难接触卷轴画,更遑论名家精品了。 当民国成立后,蔡元培先生振臂一呼,提出了“人皆平等,人皆受教育”的人文思想,从此,在他的扶植和过问下,大中小学堂普遍成立,扩大了受教育的范围,像林风眠这样的山区孩子,亦能就读中学,并在政策的扶植下留学法国。可以说,林风眠自身就是蔡元培教育思想及政策的受惠者。当他自己也执掌教育权力时,必将以个人心血反馈社会。在北平艺专尤其是杭州艺专中,他奉行蔡元培“解放个人之束缚,而一任其自由发展”的新教育思想,学习蔡氏海纳百川的胸襟及开放的心态,开创新式美术学校理念。 新式美术学校的建立,导致了传统艺术观念的转变,培养了一大批新型的美术家和美术教育家。所谓“新型”,指的是他们既不同于自逸放任的狂狷型文人,更不同于“唯承上意”的宫廷画家,也不是重视技术不求创新的匠师,既不依附于官,也不依附于商,是具有独立人格的现代知识分子,他们或以革新艺术为己任,或以艺术服务社会、改造社会,或投身于艺术教育,培养中国美术人才,其中著名者有(皆毕业于1926―1937年的杭州艺专)李可染、阎丽川、力群、胡一川、王肇民、王朝闻、赵无极、群、吴冠中、罗工柳、李裕、苏天赐、席德进等。他们有的以自己的画作为中国乃至世界艺术之林增添光彩,有的执教于艺术学院,进一步扩大了群众受美术教育的基础,以使中国美术薪火相继,生生不息。 现代美术“在更大程度上应该是满足人们精神、职能、身心等方面和谐发展的需要”,“是整个文化的一部分,是每一个受教育者必须具备的能力”B17,今天,全国各地艺术院校林立,一批批学子进入、走出校园,美化了人们的生活,丰富了人类的精神,当我们处在因为艺术的发展而多姿多彩、生机蓬勃的世界,饮水思源,当记前辈奠基之功。(责任编辑:陈娟娟) 中国美术教育论文: 浅谈中国美术教育对西方的借鉴 摘要：随着经济的不断发展和综合国力的不断增强，随着教育体制的不断改革，我国的美术教育事业出现了前所未有的繁荣景象，但是由于主观和客观的原因，我国的美术教育还是处于危机当中，如何面对新的危机，我们可以通过借鉴外国高校的教育来完善我们的美术教育。 关键词：文化相结合；多样性；新角色；保持特色 早在西周和春秋初期，中国受到了西方的影响，因此而形成了规模体系的美术教育。美术教育在经历了不同时代的变迁与发展，并随着教育体制的不断改革，使原本处于相对滞后的美术教育，瞬间，出现了一种前所未有的繁荣景象。然而，在这表面繁荣的下面却隐藏着巨大的危机。相较于西方国家的美术教育，我国的美术教育还存在着诸多方面的问题。 近几年来，随着艺考热不断升温，招生规模不断加大，一部分学生和家长认为考普通大学无望，所以把希望都寄托在了艺术专业考试上。而这部分学生往往是些文化素质低下，也并没有什么艺术天赋的，他们甚至不知道自己喜欢不喜欢这个专业，一心只为了圆大学梦。而这也恰恰偏离了美术教育的真正目标。正是艺考热，因此美术教育在不知不觉中形成了一种固定的模式，久而久之，在教学当中，只注重知识的灌输和技能的传授。当然我们不能否认知识的灌输和技能的传授对学生所带来的作用。因为这是基础，我们常说要盖好大楼，必须打好地基。美术教育也不例外。但是，问题在于，单单只注重知识的灌输和技能的传授是不够的。这样培养出来的学生，只会“造葫芦画瓢”，他们缺乏自己的主观能动意识，遇到新问题他们不懂得如何去应对。同时，他们还缺乏学习的兴趣和主动性。试问，被教育者缺失了在接受教育中最总要的一个要素――学习兴趣，那么学生接受教育的结果可想而知。与此同时，虽然现在都在实行素质教育，但是真正又有几个学生被素质教育了呢？学生大多文化素质低下，只知道埋头画画，这与我们21世纪要培养的人才目标已相背离了。 然而这些问题的关键在哪里呢？钱学森曾说过：“中国还没有一所大学能够按照培养科学技术发明创造人才的模式去办学，都是些人云亦云、一般化的、没有自己独特的创新东西，受封建思想的影响，一直是这个样子。”有评论曾写道说钱学森的这句话抹煞了所有大学校长的辛勤劳动，甚至也抹煞了正在被我们歌颂着的“教育改革”。鲁迅美院的院长韦尔申曾说过，“我们有着五千年的文明史，但是我们的美术学院教育都是从建国之后开始，由于历史的原因，由于一些客观的因素，我们的美术学院基本是在前苏联美术学院的模式基础上形成的，这种状况持续了半个多世纪，到目前为止，它的这种基本架构可以说涵盖了中国所有的美术学院。”然而，随着世界的变化，随着经济的发展，我们不可能一成不变地恪守老规矩。近些年来，许多的学者对一些发达国家和地区的高校美术教育状况进行了考察和了解，那么这些国家的高校美术教育对我国的美术教育有什么借鉴作用呢？ 一、把美术视为提高国民素质的重要途径，把美术教育真正的和文化相结合 在我国，社会上还是存在许多对于美术教育的偏见，如很多人认为学美术就是只要会画画就行，所以，大家在美术专业课上认为画画就是画画，久而久之，学生也是会累的，有的甚至还会认为什么都没学到，造成了美术教育与文化脱离了。尹少淳认为美术与文化结合，体现了一种体用关系、技法与表现的关系。如果我们只知道一种事物而不知道其用途，只知道掌握技法，而不知道表达什么，那又有什么意义呢？然而，外国的高校把美术和文化这一关系看得非常的重要，他们认为 “美育”的目的并不是传授一门谋生技艺，而是为了增强学生对于美的认知能力，陶冶人的情操。列宾美院引导他们的学生学习美术就是在研究生活、研究现实和研究自然规律的成果。而研究的对象是人，研究他们对现实生活、对发生在他周围或他亲身经历事情的态度。他们培养学生人生观、价值观、世界观。在列宾美院中，有来自世界各地的留学生，教授在指导学生进行创作的同时，他们不仅仅只是在技法上给学生启示，而更多的是传达给学生最重要的是不要忘记为自己祖国创作，因此他们经常要求学生在进行创作的同时最好结合自己的祖国优秀的传统文化和精神风貌。美国当代著名的美术教育家罗恩菲德曾说过:“在艺术教育里，艺术只是一种达到目标的方法，而不是一个目标；艺术教育的目标是使人在创造的过程中，变得更富有创造力，而不管这种创造了将施于何处。”假如孩子长大了，而由他的美感经验获得较高的创造力，并将之应用于生活和职业，那么艺术教育的一项重要目标就已达成。由此可见，美术和文化是一种不可脱离的关系，而这种关系正是我们在进行美术教育中该去建立的。 二、教学方式多样化 在我国许多的院校中，教学方法依然以师徒式、作坊式的，以教师传授为主的教学方式。我们并不能完全否认这种教学方法所带来的作用，但是这种教学方法更多的是会导致学生缺乏学习的主动性，缺乏创新精神，学生的个性得不到发掘。在《美术教育展望》一书也曾提到说，由于教学方法单一，学生的艺术表现能力、处理艺术信息能力、口头表达自己对艺术问题见解的能力无法得到充分的发展。另一方面，在我国的大部分地区，美术教育采用的都是统一的教科书，美术教育的观念传统。在美国的《艺术教育国家标准》中的美术课程已不再称“美术”或“美术与设计”，而是称为“视觉艺术”，从中可见他们的美术教育已经超越了传统“纯艺术”范畴的教育，为学生提供了更广阔的艺术领域。美术教育的多样性是为教学内容和学生的发展服务的，为了调动学生学习的兴趣，积极性和主动性，就要求教学方式要多样性，只有这样，才能达到美术教育的真正目的。在外国的一些高校的教学方式采取的是开放性的和因材施教的教学，即在教学当中，不是以教师的讲解为主，而是非常注重引导学生通过参观、讨论、分析、评论等方式来了解和感受艺术作品。同时根据每个学生的不同情况，采取不同的教学方式。而这无疑对我们是有启发的，我们必须打破传统的模式，倡导教学方式的多样性。 三、作业评价的方式多样化 在我国的一些高校，还存在着对于学生的作业评价方式非常单一，学生平时上的专业课只需要到期末交其相关的作业即可，而教师则根据学生的作业打分。显而易见，这样的作业评价方式不仅削弱了学生学习美术的兴趣和参与美术活动的积极性，而且无法提高学生自主学习的能力。而在法国不仅是高等的美术院校，就连中小学的美术教学大纲都采用综合性的评价方式。即作业评价不仅仅是根据学生的作业打分，同时还包含有口试，如让学生就一件艺术作品表达自己的看法，或是说明艺术的表现形式及其特点。还有就是教师根据学生上课的积极性、创新性以及一些技术的掌握程度来给予综合评价。美术作业的评价方式它能影响学生个性的形成和思维的发展，因此我们对于美术作业的评价方式要予以重视，从而有利于培养学生的审美能力和创新精神。 四、教师扮演着新的角色 师资的优劣对于学校教育的成败起着关键的作用。而一个教师的自身素质与他本身的文化素养、思想境界、专业技能有着密切关系。在中国的一些美术院校面临着师资质量下降的问题，存在着一些老教师手捧一本教案30年不变的问题。显然教师自身都没什么超越，也怪不得许多学生抱怨在学校其实学不到什么，有无老师都一个样。然而，在国外的一些高校里，每位教师却是都具有极强的责任心，对待自己的教学一丝不苟，对待每位学生都是持以公平的态度。在列宾美院的一位中国留学生说到，“在这里，不管是什么时候，不管是遇到院长还是其他老师，只要你有问题，都可以去向他们请教，他们都会耐心地和你探讨问题。”梅尔尼科夫曾说过，“作为一位教师只注重表现自己，是不正确的，因为学者没有前人走过的路，是很难取得自己的新成果的，即使不是艺术家也是一样的。”里德的教育观主张自然主义的美术教育思想，强调教师只扮演鼓励的角色，依据学生的感觉、直觉、感情、思维去分析器性格类型，并按其类型给予顺应的指导，以帮助发展其个性。 五、在教育中保持自己的特色，走自己的路 现今，世界经济格局发生了很大的变化，随之文化发展也向多元化和相对主义发展。这种文化的发展方向，也就决定了各国生活方式的民族性特点。我们可以看到，一些发达国家，他们之所以能成为发达国家，这是与他们的文化教育是分不开的。而他们则根据自己本国的情况，从而制定一套符合自己本国的教育标准，如美国的《艺术教育的国家标准》，它是在总结美国学校艺术教育历史经验的基础上形成的；而英国也是根据自己本国的背景下制定了《国家美术课程》。对于这些国家的教育标准，我们可以去借鉴、去学习，但是不能一味地模仿别人而失去了自我，我们在学习的同时，要看到自身的长处。在《人类生活方式的前景》一书说到，21世纪的美术教育就应包容各国的艺术，继承全世界的艺术教育成果，同时也要继承本国艺术的成果，保持中国艺术教育的特色，并把对外开放与保持中国文化特色两者有机地结合起来，构建符合中国国情的、具有新时代特色的美术教育的新格局。 不管怎么说，在教育全面改革的背景下，我国的高等美术教育迎来了新机遇、新挑战。如何应对新的机遇，如何让新的机遇带来新的发展契机，这就需要我们要完全打破传统的教学模式，在美术教育中要多借鉴、多学习，要尊重多元，重视反思。同时要保持本民族特色，走自己的路。 中国美术教育论文: 关于中国美术教育的几点思考 摘 要：中国美术教育发展到现在，已经有一千多年的历史，不过中间存在一系列的问题，为了能够在一定程度上更好的发展中国美术教育，相关教育部门需要采取一系列的措施，来加以改善，这样可以更好的发展中国的美术教育，文章详细的介绍了中国美术教育的发展现状，同事还对中国美术教育存在的问题进行了详细的叙述。 关键词：中国美术教育；现状分析 一、前言 二十世纪之后，在中西文化双重的影响之下，中国美术教育开始拉开序幕。最近几年来，伴随着市场经济的非常，我国的科学技术得到了空前的发展，从此开始人们不再盲目的追求物质生活，在一定程度上开始越来越重视精神领域的生活。后期，美术教育得到了空前的发展，而且越来越多的人开始关注中国美术教育的发展，以及中国美术教育未来的发展前景。 二、中国美术教育发展现状 1.美术教育低效 众所周知，我国处于并将长期处于社会主义初级阶段，各项科学技术的发展状况还存在着一定的局限性。一直以来，美术教育的功能都相对来说比较单调。只是在前人的基础之上对各大流派的作品进行相应的继承和模仿，这其中并没有融合一定的创新灵感，毫无疑问，这种创作在一定程度上并不能很好的发挥出美术独特的一面。这些因素的存在，毋庸置疑会直接导致中国的美术教育相对来说比较低俗，这样在一定程度上完全不利于培养出具备高内涵和特点的艺术类人才。另外，美术教育由于长期受到中国教育体制的制约等方面的影响，同时学校对美术教育的态度也不太重视，有时候为了应试考试，会毫不犹豫的取消学生应该开展的美术课程，这种现象的存在，毫无疑问就会直接导致中国美术教育出现发展的缓慢的现象，最终严重时甚至还会出现一些发展不平衡性。 2.教学模式单一，教学内容落后 众所周知，我国的美术院校主要是以八大美院为主，各大美术院校的院系设置而且在一定程度上来说也是比较统一的，而且总的来说美术教育无论是教学内容，还是教学方法各大美院都存在着一定的相似性，基本上都是采用的利用前人的经验进行到后期实践的。另外小学院式的相关办学模式，一直以来都处于一般的办学规模，而且还在一定程度上缺乏一定的系统性，这样毫无疑问根本不利于相关的理论教学。在具体的基础理论教学过程中，我们传统的教学模式仍然依靠着以课堂写生为教学，并没有融合进去一系列的创意，间接的让教学模式更加的多样化，而且在一定程度上来说，美术教育的教学内容普遍存在着陈旧落后的现状，毫无疑问，这些现状的存在，在一定程度上肯定制约着我国美术教育的发展。 三、中国美术教育存在的问题 中国艺术，特别是中国的美术，目前来看，已经有长达一千多年的发展历程。整个过程可以说经历了很多，不过却一直保留着原有的艺术本体，这样可以更好的遵循艺术主体。众所周知，艺术在一定程度上需要遵循一定的科学体系，这样才能更好的发展艺术。可是现在有很多美院直接混淆了，于是就慢慢的远离了本体，虽然艺术仍然存留着一定的科学框架，不过就是空有框架，而没有实质性的艺术内涵主体，毫无疑问，这些问题的存在，在一定程度上直接影响着中国美术教育的传播。另外，无论是科学，还是政治，经济，这三者在一定条件上都和艺术存在着不可分割的关系，但是要知道这三者可以反映艺术，但是并不是等同于艺术，所以我们教育部，不能盲目的一再强调美术教育，这样做的后果，就是在后期进行传播的过程中，会让美术教育偏离艺术的真谛。最后，我们知道经济在一定程度上不但可以促进艺术的发展，同时在一定的条件之下还可能毁掉艺术，众所周知，任何事物的存在都具有两面性。最近几年来伴随着改革开放的进行，我国的经济技术得到了空前的发展，另外我国开始走出去，走上世界这个大舞台，为了能够获得西方的认可。中国的有些艺术可能会为了追求外国的步伐，盲目的照抄照搬，这样下去，毫无疑问就会直接导致中国艺术的缺失。为了能够从根本上避免这些现象的出现，毫无疑问，需要我们能够在学习国外艺术作品的同时，需要始终秉持一种取其精华去其糟粕的态度这样不但可以很好的学习国外先进的美术文化，而且还可以汇集充满中国创新的内涵的美术作品，可以说一举两得。 四、总结 经过一千多年的发展历程，中国美术教育不但走出了，我国独特的艺术道路，而且在一定程度上还创造出了举世瞩目的成绩。中国美术教育的发展历程，在一定程度上不但为现代社会全面可持续的发展培养了大批的艺术人才。而且在一定程度上还间接的满足了当代人们对艺术和文化方面的精神需求，这些历程毫无疑问为现代化的建设事业做出不可估量的贡献。为了能够更好的发展中国的美术教育，这需要我们每一个教育部门的工作人员，能够以身作则，从自己开始做起，从而可以为未来中国美术教育的发展提供一点建议与思路，从而让中国美术教育得到越来越好的发展。 中国美术教育论文: 中国美术教育的近代化历程 摘 要 随着经济、科学技术的发展，中国美术教育教学模式逐渐走向近代化，尤其是鸦片战争以后，受“东学西渐”思想的影响，中国美术教育突破了宋代以来画院教育的固有模式，使得美术教育日趋普通化、教育模式日趋学校化。 关键词 中国美术 教育 近代化 1 中国近代美术教育的过渡阶段 中国美术教育的近代化过程并不是一蹴而就的，从其自身早期的形态来看，它是在五代的画院教育的基础上发展、演变而来的。也就是说，宋代画院教育模式的确立为中国美术教育近代的萌芽和发展提供了土壤。对比古代的画院和近代的美术学校，从性质上来看，两者都是以培养专门的绘画人才为目标的专门机构，虽然在教育对象的范围、教育模式以及专业化程度等方面，两者具有一定的差异，但性质的趋同化使得中国美术教育模式走向学校化成为可能。 宫廷画院正式设立于五代，两宋期间最为繁盛，其在为皇室提供绘画作品的同时，还承担了皇家藏画鉴定、贮藏以及培养画徒等重任。中国历史上最早出现的画院是由后蜀蜀主孟昶所创立的翰林图画院。宋徽宗时期，画院制度的确立不仅为后代画院的建设提供了典范，而且标志着我国美术教育逐渐走向规范化和制度化，为近代化的跨越式发展奠定了基础。元、明、清时期，画院虽然逐渐走向衰落，但其雏形仍然对美术教育学校化的发展产生了一定的影响。 2 中国近代美术教育的思想准备阶段 明代中后期，西方文艺复兴所取得的艺术成果开始传入中国，包括绘画艺术在内的先进理论、艺术技巧开始影响较为先进的一群中国知识分子、艺术人才。如明万历年间，西洋画随着教士被带入中国，上至宫廷、下至普通百姓都对这与中国写意绘画大相径庭的写实艺术产生浓厚的兴趣。传教士为了进一步地传播西方文化，更是不遗余力地通过教会兴办学校、画坊，以培养西画人才。久而久之，美术教育学校化便成为民众可以接受“非异端”思想。入清以后，中国向西方绘画“取经”、与西方的交流也日益密切，从理论成果来看，有年希尧的《视学》（系以画家安德烈奥・波佐的著作《透视画法和构图》为蓝本转译的）;从交流合作来看，当时有许多西方绘画人才担任皇室家族绘画人才培养的老师，如Lgnatius Sickeltart、Denis Attiret、Joseph Panzi、Joannes Damascenus Sallusti等。显然，西方的教学方式也随着这些教师渗透到学生身上，并为中国美术教育近代化提供了一个契机。由此可见，自明清之际，讲究透视、色彩、光线的西洋绘画开始不自觉地渗透和影响中国传统的审美观念和视觉方式，为中国美术教育的近代化发展具有重要的促进作用。 3 中国近代美术教育的变革阶段 3.1 西方美术教育模式真正付诸实践 鸦片战争使得先觉醒的一群中国知识分子开始正视当时中国的政治、经济、文化以及教育等的发展情况，并逐渐地意识到本民族多方面的诟病。西方先进科学技术所带来的冲击，在击碎了“泱泱大国”美梦的同时，也促使一些先进人士向西方文明低头，主张“师夷长技”来寻求自身的变革。 洋务运动期间，东学西渐的风气日盛，政府不仅在器物层面下功夫，而且在文化教育上也大举借鉴西方的教育模式，大力兴办新式学堂，主要有外国语学堂、工业技术学堂以及军事学堂。绘画虽然并没有以一种“纯艺术”的正统身份正式地进入到整个课程体系中，但其是造船、设计两门课程必须所要掌握的技术，因而其作为一种服务性或技术性的学习内容成为课程的一部分，如福建船政学堂、上海江南制造局操炮学堂、天津电报学堂、江南陆师学堂以及天津中西学堂等都设有绘画课。 “经世致用”以及“实业救国”是当时特殊社会环境下必然的趋势，因此绘画课基本上是作为一门技术性而非艺术性的课程展开教学的，比如机械制图。纵然如此，不能否认的是，其确实将美术引入了学校教育体系中，成为课程的一部分，更难能可贵的是，西方美术教育形态也在真正意义上付诸实践。 3.2 美术课堂进入普通学校 从制度层面来看，癸卯学制的实行对中国美术教育近代化的发展功不可没。癸卯学制，即《奏定学堂章程》，是由张百熙、荣庆、张之洞三人以日本学制为蓝本重新拟订的学堂章程，其于1904年1月开始公布施行。该学制在明确了学堂立学宗旨的同时，还规定了各级各类学堂的性质任务、入学条件、修业年限以及相互衔接和关系，为中国教育制度在组织形式上的操作提供了指导。这一新式学制将教育分为三段，分别为小学教育9年，中学堂5年以及高等学堂，并确定了不同段级的课程，其中图画在初等学堂中是作为机动性的课程出现的，学制中注明“可增加手工、图画1科或2科”;在高等小学堂、中学堂中，图画则是主要的课程之一;至于高等学堂，图画不设专门教学门类，但在设土木工学、机器工学、造船学、造兵器学以及建筑学等工科大学中开辟有绘画的课程。虽然，图画在教学体系中占有举足轻重的地位，但新式学制在制度的层面上将其纳入到学校的教育体系之中，成为学校化教学的一个重要组成部分。自此之后，1906年颁布的《通行各省优级师范选课章程》、1907年颁布的《女子师范学堂章程》和《女子小学堂章程》以及1907年颁布的《奏陈初等小学教科书情形》等分别对图画课的设置、图画教员的考试科目以及教科书的设置做了更进一步的规定。 从具体实践来看，两江师范学堂是中国近代最早设立的师范学校之一，原名为三江师范学堂，由清末两江总督张之洞于1902年开始筹建，并于1904年10日正式开学。学堂的教学模式在一定程度上具有了近代化的特征，如全堂分设有3科，分别为3年毕业的本科、2年毕业的速成科以及1年毕业的最速成科，主要有修身、历史、地理、文学、算学、教育、理化、图画、体操等几门课程。从课程的设置上，我们可以发现图画已经被纳入到整个的教学体系之中。1905年，三江师范学堂易名为两江师范学堂，同时，在教学体制上也有所创新，如教学宗旨由培养高、初两级小学堂教员转变为培养初级师范学堂和中学堂教员。在图画课程上的改革也有目共睹，如增加了图画手工等选科和补习科，延聘日本教员担任图画等学科的教学等等。在图画教育的性质上，我们也可以发现，这一时期中小学所开设的图画课程具有了美育启蒙的性质，美术艺术性的特征较为突出，这也成为我国最早的美术课。这既是中国美术教育近代化迈出的重要一步，也是中国教育近代化的重要实践。 3.3 专业美术教育学校化 3.3.1 私立美术专门学校的建立 私立美术专门学校是指由社会个体或私立机构出资创办的专门化的美术学校。私立学校往往比国立学校更加灵活，因此其往往比国立美术学校出现更早。中国较早出现的私立美术专门学校是由周湘留学回来后于1910年在上海创办的“海油画院附设中西图画函授学校”（1917年改名为中华美术学校），其不仅给给中国新兴的美术教育注入了新的生命力，而且也促进了中国私立办学风气的盛起。中华美术学校初设图画科预科一班，学制半年，1918年夏，又增设图画科本科、图画手工科，主要教授滑稽画、背景画、照相术等。正如他人所说，“周湘的弟子占了油画界的半壁江山”，像刘海粟、陈抱一、张眉孙、丁悚、丁健行等受其教诲者都成为中国画坛的一代名家，由此足可见私立美术专门学校在培养美术人才方面的优越性。 1912年，由刘海粟所创建的“上海美术院”（后更名为上海图画美书院、上海美术专门学校以及上海美术专科学校）以革命式的教学改革和开放的教学理念成功地吸引了世人的眼球，如其首创国内s体女模特人体写生课程、旅行写生教学模式以及首创专业性美术杂志《美术》等等。其大胆突破封建传统的勇气和中西合璧的包容情怀为中国美术教育的创新和改革作出了重要的贡献，有人评价其为：“掀开了中国现代艺术教育史上的第一页，标志了具有现代美术教育理念的新型学校的正式诞生，从而构建了一个确立先进的美术教育体系、培养专门的美术人才、造就未来的美术大师的实验平台。”自此之后，私立美术专门学校如雨后春笋般开始在中国大地上冒芽，如1918年创办的私立北平美术学校、1919年创立的武昌美术函授学校和上海艺术专科师范学校、1922年创立的苏州美术学校等等。 3.3.2 国立美术专门学校的建立 国立美术专门学校是指由国家出资创办的专门化的美术学校。中国历史上第一所国立美术学校是由蔡元培先生所倡导创办的国立北京美术学校，于1918年成立于北京，后曾多次更名和迁址。其将本科设为中国话、西洋画以及图案三系，倡导图案和绘画平行发展，实现“以书法专科助中国图画之发展，以雕刻刻助西洋图画之发展”。 对中国近代美术教育乃至现代美术教育产生重大影响的是1928年由蔡元培所创建的国立艺术院（中国美术院的前身），著名画家林风眠担任该校首位校长，后又更名为杭州国立艺术院。其设预科2年，本科3年，设有国画、西画、雕塑以及图案四个系以及预科和研究部，其在《艺术教育大纲》中指出：素描即使造型艺术的基本;注重中西艺术的交融，重视理论和文化的学习。国立艺术院在培养专门艺术人才的同时，更倡导艺术运动为促进社会美育的主张，承担着一定的社会责任。 4 结束语 中国美术教育的近代化过程既是教学模式的学校化过程，也是美术教学体制制度化的过程。在其演变和进步的过程中，其一方面以西方美术教育模式为先导，汲取其精髓，如国人到欧洲等地留学，另一方面勇于打破旧的教学体制，在借鉴优秀经验的基础上，展开教学实验，如开办学堂等。总而言之，中国美术教育近代化的发展促进了中国文化领域的发展。 基金项目：湖北第二师范学院艺术学院设计学重点扶持学科 中国美术教育论文: 当代语境下中国美术教育的反思与展望 【内容摘要】关于中国美术教育教学改革的问题，以往的研究已有很多，多对现有的教育模式不足之处，强调改革，进而提出许多改革办法。文章通过对中国美术基础教学的发展情况及现状进行考察并梳理，反思问题的同时提出一点思考、一种可能，即将中国传统文化艺术引进到教学中，让其与当代美术教育有机对接。 【关键词】改革 探索 传统文化 美术教育 基础教学 中国传统艺术的传承，千百年来靠的是“师徒相传”的教育模式，通常都是师徒间一对一的口传心授，徒弟将师傅的经验、技法继承下来并加以弘扬。到了近代，随着封建社会的没落，有识之士开始引进国外的美术教育模式，为中国的美术教育做出很大贡献。我国现行的美术教育体系是沿着“艺”和“技”两条脉络发展，对应着美术教育效能的两个侧重面。当代中国的美术教育在不断发展和完善，但仍存在不少问题，这些问题是现行教育体系的薄弱之处，也是当下全社会都关注的问题。 一、中国美术基础教育历史发展脉络及状况 1.新式美术教育模式的引入及发展状况 19世纪末至新中国成立前，中国美术教育基本上以中国人的眼光看世界。这里所指的“中国人”是指有民族文化自觉，并且有着中华传统文化根基的几代人。他们在国难家仇面前，希望以文化的改造来救中国。他们留学欧洲、美国、日本，学习西方绘画技法，引进西方教学制度，开展课程改革，教育美术新人。但很重要的一点，他们都是站在中国传统文化的基础之上吸收国外的先进理念，为我所用。 在康有为的举荐下，清朝开始依据日本实行的“癸卯学制”，引进图画课教育，沿习以临摹为主的西画教学框架。自此，日本的美术教育体制成为我国早期新美术教育的模式。 此后，公、私美术学校纷纷出现，如1913年建立的上海图画美术院（后来的上海美术专门学校）、1918年建立的国立北京美术学校（今中央美院前身）、1922年建立的苏州美术学校、1928年在杭州成立的国立艺术院（今中国美术学院）等，这些学校的探索与发展，为促成新型、更高层次的国立高等美术专门学校的崛起奠定了基础。 在新式美术教育引进初期，社会发展、思想活跃，中国高等美术教育严谨、慎重地看待来自西方及日本的模式和理念，不断甄选、吸收，取舍进而调和，美术教育体系在冲突、争论中逐渐成熟。 2.20世纪50年代至70年代末的美术教育发展状况 从1949年新中国成立到1965年，国家政府重视美术教育，苏联的美术教育模式被系统完整地引入中国，成为教育样板。此时美术教育强调要为无产阶级政治服务，被打上了较深的阶级烙印。美术教育模式从多元走向了统一，普遍推行现实主义美术教育，这对中国现代美术教育具有深远意义，影响至今。 1966年到1976年的“”期间是中国近现代美术教育遭受严重破坏的十年，各级美术教育，尤其是高等美术教育停滞不前，教学上技能训练取代了艺术素质、修养的培养，大大抹杀了艺术的个性、原创性以及风格的多样化，美术教育的功能弱化、服务单一。 3.20世纪70年代末至20世纪末的美术教育状况 “”结束以后，国家非常重视美术的发展，强调“美育”。美术教育开始向其他高校如普通院校、综合性大学以及社会各界推进。 20世纪八九十年代，中国的高等美术教育界思想空前开放活跃且丰富，因此产生了诸多美育新主张。综合性、整体性的认识美术教育成为中国当代社会的共识。在改革开放以后，各种艺术形式、风格、主义与思潮包围中国，互相渗透影响，美术教育开始打破写实美术教育一统天下的局面，多元化和综合化倾向再一次出现，创新思维活跃。中国美术教育的思路开始从只注重传统的造型艺术教育走向“大美术教育”。 中国教育，尤其是高等教育，包括高等美术教育有了长足的发展。但这一时期的美术基础教育的模式基本上是对“”前的苏联模式的恢复，加上新兴艺术家的进步思潮，同时也有将西方当时的教育模式结合进来，加入了西方学院派的教学，但就其本质几乎没变。 二、当代中国美术基础教育基本现状及探索 进入21世纪，中国的高等美术教育出现前所未有的办学热潮――各地纷纷开办美术学校，综合性大学也相继开设美术系科，美院的招生人数不断增加，原有的美术专业不断细分出更多专业，招收更多的学生。高校美术扩招导致美术高考方式趋向简单化，应对考试的培训方法也越来越简单，形成了系统化、规模化、产品化的模式，培养的学生千人一面。这些都带有很强的社会功利性，给高校美术教育带来负面影响。 扩招引起社会连锁反应，很多家长和学校将报考美术院校作为孩子的一条升学出路，甚至有“学习成绩不好的学生报考美术院校”的偏向，这类考生在集训几个月、掌握某类普遍的考试风格后，就能参加并轻松地通过专业考试。这些学生只要能升入大学，是否具有艺术天赋、能否成为艺术人才就显得没那么重要了，美术教育面临质与量的严峻矛盾。而这种考生的“速成”必然导致生源素质不高。 同时，美术教育当中各个环节之间的脱节现象严重。高等美术教育与培养目标、社会需求等也存在脱节。教育模式上延续了从苏联或欧美引进之初的西方教学体制和框架，甚至只是“苏联模式”的翻版，学生花费大量的时间学习基础性的素描、色彩等西方写实主义绘画，而学生文化素质、理论水平和艺术素养的课程却很少。 扩招也带来教学资源不足、师资力量薄弱、教学理念、方式、方法不成熟等问题，给学生的学习带来了很多不良影响，有些“粗制滥造”造成学生无法深入学习、研究而无法成为真正的人才。 美术生扩招以后的问题很多，可以看到，改革的声音以及现实当中的实践从未间断。例如，现在有些美术院校采取“两段制”教学，为学生的基础培养打下更扎实的基础，同时也给盲目升学的学生有一段重新审视自己的缓冲期，为选择更适合自己的专业做更充分的准备；如中国美术学院许江院长提出“多元互动，和而不同”的治校思想，其核心在于强调不同文化传统的艺术，要相互借鉴、互相吸收，不同的艺术形态和谐共处却不消灭各自的特点。另外，他提出的“四通人才”培养目标，即“品学通、艺理通、古今通、中外通”等思想在教学中的实践；还有如新专业的设置带来的教学模式转变，调整课程设置，改变观念、方法，以适应新专业的特点；有的则以中小学基础美术教育为突破点，试图从源头上来扭转现在的美术教育趋势……无论如何，这些有益的探索和试验都丰富了目前的美术教育内容。这样的尝试和努力非常好，显示出中国美术人的自知与执著。 三、当代中国社会发展的背景下美术基础教育的困境与思考 20世纪90年代，中国社会迎来新一轮的改革大潮，经济的不断发展对高等美术教育提出新的需求，加上各种外部信息的刺激，中国高等美术教育迎来发展的新契机。 进入21世纪，中国美术教育同样面对来自各方面的考验。文化、经济的发展带动着人们意识的改变。社会开始意识到前面的一些错误思想和做法，一种文化觉醒越来越强烈，对自身的文化、传统的艺术以及对未来文化、艺术的发展都提出了更高要求，而这种表现就是所谓“中国梦”的本质，在文化形态上具体表现为中国特征和中国精神的艺术。 近年来，国内外艺术品市场的发展迅速，盛况空前。国内的主流意识，比如中国美协、画院的重大展览，宗旨里都会提出“中国气派”“中国特色”等对美术作品的定义，这无疑对美术作品提出了具体的本土定义，把民族性提到了关键位置。从整个中国社会的大环境来说，现在对中国传统文化已经逐渐重视起来，人们将“国学”的继承和发扬提到了重要位置。从根本上而言，这是社会发展到一定程度以后对文化、历史的普遍要求。 同样，中国的美术要发展，需要强大的美术教育做后盾。怎样让中国艺术与他国艺术区分开来，展现出“中国”的独特性？这是中国美术教育的重中之重。“中国气派”“中国特色”的艺术作品的创造，必须要具有中国基因，同时兼具中国思想、中国精神和中国传统文化自觉的艺术家来完成。如何培养这样的艺术家是中国美术教育的当务之急。 当代中国的美术基础教育已经发生了很多变化。比如，当代美术教育的课程设置与前面各个时期的设置都有不同，课目更多，课时也发生了变化。表面上我们看到了很多改革、试验，这是为了适应社会发展，或者说不因循守旧，但同时也可以发现，中国美术教育从上世纪延续而来的主线、脉络并没有发生改变，这些所有的改革、试验都没有涉及中国美术教育模式的根基，其核心内容――西方的造型观念。 然而，中国目前的美术教育模式是对于日本模式、前苏联模式以及西方模式的一脉相承的基础之上的部分改造，它们在产生之初就有其相应的地域性，也是以其本土文化背景来设置，对于这些模式的承袭，在根本上与中国文化是有相异性。用拥有外来根基的教育模式培养具有“中国气派”“中国特色”的本土艺术家无疑是不可能的，这恰恰是目前中国当代美术教育面临的最大困境。 四、我国美术基础教育未来改革发展的可能性思考与展望 如何改变中国目前的美术教育状况是几代人一直在努力研究的课题。我们看到很多研究者发表了看法、观点，也有形成论文、集成专著的，为我国的美术教育改革提供了很多好建议。当然，近几年来国家对基础美术教育的改革措施也在不断加大，也取得了很好的效果。 对于工作在大学美术基础教学一线的笔者而言，也看到了目前中国美术教育的弊端，同时也有关于教学改革方面的思考。笔者认为，要创作“中国气派”“中国特色”的艺术作品，关键要解决创作者的文化根基问题，而中国的传统文化就是最好的解决良方。如何将传统文化运用到中国美术基础教学中？这是关键所在。对于现在已经思维西化的新一代，要培养其对传统文化的自觉，需要很长一段时间。新一代的中国人的生长环境是向西方模仿，无论衣食住行，也包括思维模式、评判准则，这可能成为对国人的一种改造，尤其是“”，让中国的传统文化近乎毁灭性的断层，这从根基上改变了新一代中国人的思维构成，要想扭转这样的局面非常艰难。 在这样的困境面前，坚持显得尤为重要。目前的重点是，要将中国传统文化与当代美术教育有机对接，将现行的教育模式、教学方法全盘否定、推翻，显然也是不现实的。 新一步的教学改革，可以更多地引入中国的传统元素进入基础教学。中国的传统艺术，如中国画中的线描，还有书法、雕刻、塑像的造型，以及墓室、洞窟壁画和平面线刻、版画中的线条、平面色彩构成等，将这些有机融入现行的美术教学，这样的改革不仅仅要在大学基础美术教学中推广，更应该推行到中学、小学，让学生从小接触传统艺术，从小培养传统土壤。这样一来，让人们逐渐接受并认识到中国传统艺术的美，进而体会到其博大精深，并能去接受、弘扬，从而创造出有传统来源并富有时代精神的艺术作品，这才是成功的中国特色的美术教育。 结语 美术教育过程只是手段和条件，不是目的，其目的应该是影响到整个人生，架构一种对生活美的憧憬，一种积极向上乐观的价值取向。而从美术的长远发展来说，真正创造美的作品不仅仅是简单创作，还需要一种民族自信的撑持。 总之，中国美术教育的前路我们已经看得足够清楚，接下来如何走好才是成功的关键。研究切实可行的民族美术复兴之路，不断加强理论和实践联系，真正引导美术学科的发展，完善美育在人类社会中的作用，这将是美术工作者无可推脱的责任。 作者单位：中国美术学院基础教学部 中国美术教育论文: 探析中国美术教育 中国的美术教育发展有一个世纪之多，中国美术教育在一定的历史时期，具有一定的作用，在现在经济高速发展的今天，中国美术教育对中国经济有一定的促进作用，本论文从中国美术教育发展三阶段、中国美术教育存在问题及中国美术教育发展方向进行阐述，希望为中国高校美术教育发展提供一些理论参考。 进入新世纪以后，中国美术教育发展比较快，中国美术教育有100多年的历史，中国的绘画技术处于世界先进水平，中国美术有灿烂的过去，一定辉煌的明天。中国美术教育在我国各个领域中发挥重要作用，现在高校美术教育越来越被人们关注，本论文从不同层面阐述中国美术教育。 中国美术教育的三大发展阶段 1.科学主导艺术 第一阶段是1919年开始到1942年，这时期的中国美术教育主导是科学艺术，具体从到1942年延安文艺座谈会召开。中国美术教育受到的影响，在中国这个时期发展比较快，发展事态比较好，在旧中国中，无论从政治、经济、文化层面上，都发挥了重要作用，这个时期产生了很多美术方面重要人物，比较有代表性的有徐悲鸿、林风眠等。这些典型代表人物有的从西方资本主义国家归来，其西方资本主义思想，对旧中国的政治、经济、文化都产生了一定影响，在一定程度上，促进了中国各个层面的快速发展，科技发展，对艺术的发展起到一定促进作用，中国共产党对艺术比较重视，美术教育是艺术生活中的一种，对人们的精神思想有一定的影响，正确的精神思想能主导中国的历史变革，在中国历史时期，中国的美术教育发挥了一定作用。 2.政治主导艺术 第二阶段是1942年开始到1978年，这时期中国美术教育无论是战争年代，还是和平年代都是为政治服务的。艺术在一定时期内是政治的工具，统治者借助于艺术思想，表达一定的意义，政治艺术具有一定的特殊性，表达统治者的思想。 3.多元共存、经济主导艺术 第三阶段开始1979年，这个时期中国十一届三中全会以后，中国各个层面都是百废待兴，中国美术教育也发生一定的转变，中国共产党把阶级斗争转变为经济建设上，一切以经济建设为中心，大力发展生产力，提高人们的生活水平。到了新世纪以后，中国美术教育发展到一个新阶段，为中国的经济建设作出一定贡献，很多美术作品，都反映了中国经济建设的繁荣景象。 当前中国美术教育存在的主要问题 1.科学、政治、经济的相继主导，使美术教育背离了本体轨道 在中国美术教育发展的轨道上，在一定时期内分别受到了科学、政治、经济的影响。艺术在一定时期内以一个层面为主导，与当时的社会状况有一定关系。艺术是为三者服务，但科学、政治、经济本身不是艺术，对中国美术教育自身的发展有一定的影响。中国美术教育尤其绘画有一定的发展历史，在先秦时代，一些画家的作品就是反映当时的文化，作品具有一定政治、经济因素参与，反映社会发展状况。中国美术教育根据自身的需要进行发展，不受到任何因素的影响，这是理论的可能，但现实中，美术作品肯定与社会的发展有一定的联系，美术作品脱离社会发展，就没有了现实意义。 2.美术教育体制缺乏系统性、全局性，各个环节存在严重的脱节现象 中国美术教育发展大局观不强，缺乏系统性，主要表现在应试教育与大学教育的脱节、大学教育与社会需要的脱节、美术评奖与大师道路的脱节、儿童画与成人画的脱节、普通教育和专业教育的脱节、纯艺术和实用艺术的脱节。以应试教育与大学教育关系为例，在遴选学生上，大多数院校遵循着固定的考试模式，使得很多文化成绩差而转向艺术类考试的考生在急训个把月、掌握某所院校的所谓风格后，就投其所好地参加并轻松地通过专业考试。而这些学生是否具有艺术天赋、能否成为艺术人才就不是这些院校所关心的了。 中国美术教育发展的基本思路 通过中国美术教育发展的历程，总结历史经验教训，首先要弄清楚中西两种学科内涵及其差异。西方美术教育较早确立了逻辑分析的学科体系，这是它的长处。但不可否认的是，它本身也存在着严重的缺陷，这在绘画上的表现尤为突出。传统西方绘画的物理自相性决定了它必须依附于物理学、数学、人体解剖学等自然科学，这使得它所必经的学科训练没有一门真正的艺术学课程。由于绘画艺术学科体系被自然科学代替，西方现代诸多画派的产生仍离不开数学、材料学、工艺学等，致使西方至今也无法完成艺术绘画学科建设的任务。 总之，中国美术教育发展经历了一个漫长的历史过程，艺术作品具有一定时代特征，反映了历史发展的轨迹，中国美术教育在一定时期内，以科学、政治、经济为依托，发展中国美术教育。 （作者单位：潍坊科技学院） 作者简介：李君红（1986-），女，山东寿光侯镇人，初级＼助教，研究方向：艺术设计学。 中国美术教育论文: 试论中国美术教育的历史发展与价值变迁 摘 要：我国新时期的美术教育发展处于欣欣向荣的阶段，人们的美术教育的研究视野不断扩大，对美术教育的价值取向也出现了兼存并需的现象。这极大促进了美术教育理论和实践的发展，但同时也存在人们对美术教育价值取向的认识出项模糊和不确定性。从利于美术教育事业的长远健康发展，厘清中国美术教育的发展历程和价值变迁，应该成为我们关注和进一步明确的认识。 关键词：美术教育；历史发展；价值；变迁 在学界关于美术教育的历史发展和价值取向问题的研究，已经取得了丰富的成果和经验。但从美术教育价值取向上，国内的研究目前仍处于对美术教育价值取向的解释、辩证和划分阶段。如何将美术教育的历史性发展与不同阶段的价值取向相互关联起来进行研究，将有助于把握美术教育的发展进程和脉搏，从而不将美术教育的价值取向当成是孤立的问题对待。正是基于此种现实需要与研究现状，本文拟以“概述美术教育的历史发展和价值变迁”为题，进行比照分析，希望以此来促进当代美术教育价值取向的确立，促进美术教育事业的进一步发展与繁荣。 1 美术教育的历史源起与发展 1.1 美术教育的形成 随着人类审美意识的萌发和深刻，人们用美术手段装饰生产工具和生活用品。随之而来的是，人们需要将自己的经验横向传播，纵向传承，口传、身受等方式催生了美术教育。由拜师学艺的形式开始，逐渐发展成为有计划、有目的、有标准、有组织、有场所、有评价的形式化美术教育。这些方式现代仍然存在。中国美术教育按历史断代划分，有古代美术教育、近代美术教育和现代美术教育几个阶段。众所周知，事物的产生和发展都是具有一定的合理性和基础要素支持的，尽管这些要素需要我们一层层的追溯到很遥远的时代，甚至要透析其中的文化原因，但是我们依然能够在这些历史发展的轨迹中找到我们需要的资源和佐证，正如我们所要论述的美术教育历史与发展，从存在中找到我们需要论证的具体内容并在其传承中找到逻辑即可。美术教育的历史起源显然出现在人类社会发展到一定阶段所产生的社会活动，这种社会活动依存于人类自身的进步，究其关键要素就在于教育在人类社会发展中体现出了具体的价值。我们经常会讨论美术教育的价值问题，关于其取向如何，如何通过教育来达到发展的目的，这同样反过来支持了美术教育的历史起源问题。所以，研究美术教育的变迁问题关键在于研究其历史的起源和其在历史发展过程中所体现出的价值。 美术教育从具体层面上讲同其他各类教育方式是一致的，本质上都是一种思想和意识上的培养，比如说游戏有游戏的发展方式，巫术也存在巫术的产生基础，美术教育的关键在于其思想来源和意识上对人类产生的贡献。 1.2 中国美术教育的发展与演化 中国古代美术教育大致可分为两种：以博雅为目的，和以实用为目的美术教育。以博雅为目标的古代美术教育又可分为宫廷画（或院体）与文人画之分。以实用为目标的美术教育，传授方式多采用师徒或家族传承；注重技艺的训练与精湛。中国近代美术教育存在两种教育观念：一是以图画教育为特征，我国学校美术教育的地位由此确定；二是以美育观念为特征，近代教育学家蔡元培曾经提出了“以美育代宗教”的著名观点，主张美术教育要摒弃纯粹的实利主义。以实用为目标的美术教育渐变为兼及审美需求与体验的教育。中国现代美术教育以1949年建国为分水岭，美育被国家定为学校教育的主要内容，经历了模仿、提高、深入、完善等过程，美术教育改革也加深了广度、力度和深度，美术教育工作者的研究视野不断扩大。 2 当下我国美术教育的现状 2.1 传统的延续 现实背景下，我国美术教育一个重点就是要大力建设发展和弘扬社会主义先进文化，这承续了美术教育“教化和共性”的特征。同时，随着我国教育改革的深入，学习者个性得到重视和尊重，有关鼓励个性发展的美术教育价值取向也被认同与接受。这种价值取向积极鼓励学生标新立异，大胆实践，鼓励学生发挥个性追求。至于有关谋生与追求利益的美术教育价值取向，可以透过美术专业报考与招生火爆现象，以及全国各大高等院校纷纷开设美术专业等现象了解。 2.2 存在的问题与矛盾 随着国家经济的日趋繁荣，人们对审美的需求呈现多层次、多角度的增长，一种有关谋生与利益实现的美术教育价值取向在当下我国美术教育领域内流行。这种美术教育价值取向的出现，平衡了为了表现而表现，为了个性而个性的极端美术教育价值取向，极大地丰富了美术教育活动的物质空间与生存基础。然而，这种价值取向也容易走向另一种偏激功利主义，从而给当下我国的美术教育事业带来负面影响与损失。最明显的一个例子，便是中考、高考前的各种美术考前强化班。家长和学生追求的不是审美熏陶与个性表现，而是前途命运。综上所述，当前我国美术教育领域内，在美术教育价值取向上，我们所面临或者说需要好好考虑把握的一个主要矛盾与问题，便是如何平衡各种有关美术教育价值取向之间的关系问题。 2.3 对美术教育价值取向的建构与思考 当前，因受时代与社会发展的多元和开放的文化背景，我国美术教育领域反对将美术学科教育课程再禁锢于单一化、风格化、样式化的藩篱，从尊重人性鼓励个性的层面，提出和实践一种有关表现与个性发扬的美术教育。我们暂且放弃遵从那种价值取向之争，结合世界和中国美术教育的发展历史和演进，便不难理解和明白，那种非此即彼的价值取向之争以及无原则的折中思想，对美术教育的发展产生了极其不良的影响。遵从中国传统文化的中庸之道，应该是一种明智的选择，这种中庸之道符合孔子的思想，但绝不是简单的二元之间的简单平衡和折衷。 如前所述，中庸之道认为任何事物的内部都会产生相辅相成、互相依存的辩证统一关系。孔子强调“过犹不及”，思辨事物的发展历程，我们会发现，事物的发展是一种循环往复、螺旋上升式的发展。因此，美术教育也应符合这种规律。只是我们要把握好尺度，采取积极主动调整的态度，当美术教育价值取向的发展越过了中心线后，不能让其自由发展而走向另一个极端，而是要及时对美术教育价值取向发展的方向做出调整和改变。 在美术教育价值取向建构过程中，美术教育研究者和教育工作者应主动承担起指导和推动美术教育价值取向的建构任务。常锐伦说过，中小学美术教育从事的是人生的美术教育，区别于专业学校的职业美术教育。美术学科的“双基”目标的提出便是中庸之道的最好例证。知识基础：是以与目标密切相关和必备的，且对其后学习美术有普遍意义的知识为基础。造型基础：是以对美术和学习美术有普遍意义，在任何空间皆可以和容易运用，长久时间不过时，诸多职业可以其作为表达手段的内容为基础。这是我们当前美术教育价值取向建构中所需要的积极思想和实践，能为我们提供实实在在的参考。 如果说对我国新时期的美术教育价值取向的发展趋势做出预见性的思考，坚持运用“`实践是检验真理的唯一标准”的历史唯物主义思想，来建构一个相对平衡、稳定，并能满足新时期我国美术教育事业发展需要的美术教育价值取向，应该是我们所追求的。

美术理论论文:中职学前教育专业美术教学的理论依据 作为中职学前教育专业的美术教师必须改变传统的教育教学观念和教学方法，采用真正适合中职学前教育专业学生全面发展和促进其综合能力提高的美术教学策略。而好的美术教学策略必须以先进的教育教学理论为基础，必须遵循促进学生学习和发展的基本原则。 一、中职学前教育专业美术教学的理论依据 （一）建构主义教学观 建构主义学习理论它认为学习活动不是由教师向学生传递知识的过程，而是学生在外部信息的作用下主动建构知识的过程，这一过程的重心是学生和学生的学习，它强调学习的主动性、社会性和情境性。教学的目的就是充分发展学生的主动性、自主性和创造性，让学生学会学习，成为独立的学习者。建构主义教学观反对以教师为中心的传统教学模式，强调学生对知识的主动探索，它要求学生由知识的被动接受者转变为信息加工的主体；要求教师要由知识的传授者转变为学生主动建构知识的促进者。因此，中职学前教育专业的美术教师首先要改变以往的教学观念，作为学生学习活动的合作者，帮助和鼓励学生在美术探究中获得发展。 （二）杜威的“在做中学” 以美国教育家杜威为代表的实用主义的认识论提出“教育即生活”，“学校即社会”，提出教学应引导学生从各种活动中进行学习，即概括为“在做中学”。学生要想获得真知，就必须去“做”，在活动中主动体验、尝试和探索。教学要引起学生的学习需要和学习兴趣，促进学生能动地活动、积极地思考，就必须让学生“自己动手”、“在做中学”，从而很好的掌握专业知识和技能，这也是职业教育培养专门人才十分需要的和不可缺少的。 （三）能力本位教学观 能力本位教学观从社会和职业的需要出发，以培养学生的创新精神和实践能力为重点，培养出具有综合能力的现代化人才。它倡导每个人要通过发挥自身的专业技能和创造力等综合能力，服务于社会，实现个人的社会价值。“教育要面向现代化、面向世界、面向未来。”这是新的历史时期社会发展对教育提出的因要求。为生产第一线服务，培养高素质的劳动者，是中等职业教育的根本任务，也是职业教育的基本特色。特别是在当前就业形势越来越严峻的情况下，更应该注重学生就业能力的培养，为学生将来就业和发展奠定坚实基础。 （四）维果茨基的“最近发展区”理论 “最近发展区”是指学生已经具备的基础和水平与学生尚未达到但经过教师的引导就可以达到的水平之间的距离。它是由前苏联教育心理学家维果茨基提出的关于教学与智力发展关系的新思想。维果茨基认为：“每个学生都存在两种发展水平。一是现有发展水平，二是潜在发展水平。现有发展水平与潜在发展水平的发展区域称为最近发展区或最佳教学区，它是一个尚处于形成的正在成熟的认知结构”。而且“只有教学走在发展前面的时候，这才是最好的教育”。 二、中职学前教育专业美术教学的理论原则 （一）主体性原则 所谓主体性原则，顾名思义就是承认并坚持主体在实践活动中的地位及作用的原则。良好的美术教育就是以学生为主体，努力使得每一名学生都能受到好的教育。中职学前教育专业美术教学更应该如此，要始终贯彻主体性原则，将学生的主体地位放在首要地位，分清主次。美术教师在教学过程中，可以采用多种教学方法，提高与学生的互动性，设计一些可以让学生参与其中的一些活动，如分组合作完成某项任务，提高学生学习的积极性、主动性，激发学生的潜能，从而大大提高课堂效率与教学效果。 （二）互动性原则 在美术教学中，要想取得好的教学效果，教师应该与学生通过各种方式进行认知、价值观等方面的交往与互动。这里所指的互动不仅仅包括师生互动、还包括模拟课堂的角色互动、小组合作的团队互动，不管是哪种互动，都是出于帮助学习更好地完成学习任务的目的，通过互动有利于激发学生的学习兴趣，能够给学生提供更多的探究和实践的情境，学生在互动中完成学习任务，能受到更好的教学效果，提高学生美术综合能力。例如：在制作蛋蛋秀的教学活动中，在活动之前先让学生做好准备工作，多搜集一些漂亮的蛋壳，带来自己亲手煮好的鸡蛋，然后在课堂上展示一些学生原来做好的蛋蛋的图画，让他们思维更发散一点，知道可以在上面画任意好玩的图案。在课堂上，教师可以先以变魔术的形式导入活动，通过一些材料和颜料将这些蛋变换成新的东西，然后让学生自己制作，这样每位学生都可以展示自己的作品，从而实现教学目标。由此可知，在美术教学中坚持互动性原则，可以培养学生的学习兴趣，锻炼动手能力，增加实践活动的机会。 （三）因材施教原则 所谓因材施教，就是指教师根据每个学生的自身条件和情况采用不同的方法进行有所区别的教学，这样使得每个学生都能发挥自己的特长，有较好的发展空间。在中职学前教育专业美术教学中，由于成长环境、初中教育层次的差异等等因素的影响，每个个体的美术素养与技能都有所不同，在这种情况下美术老师更应该因材施教，在了解学生的基础之上，结合学生的不同需求，设计出一套适合每位学生的教学内容及方法，使每位学生都能得到优质的教育，在自己力所能及的范围内取得最大的进步与发展。 （四）全面发展原则 所谓全面发展，是指使受教育者在德、智、体、美、劳方面全面和谐发展。新《纲要》中指出，在幼儿教育过程中，要加强对幼儿情感与意志的培养，这意味着在培养过程中不仅要采用多种教学方法与手段教给幼儿最基本的知识，而且还要注重培养幼儿的情感，使得每一位幼儿身心都能得到健康的发展。这就需要幼儿美术教师在情感和意志方面尤为突出。因此，中职学前教育美术专业在教学过程中不仅要注重美术能力与技能的培养，还需要多举办一些有特色的教学活动来激发学生学习兴趣。加强美术教学能力的培养，提高学生的综述美术能力与实践能力，为今后的幼儿美术教育工作打下坚实的基础。 作者:户金 单位:商丘职业技术学院 美术理论论文:建筑学专业美术基础教学理论研究 一、美术基础教学改革的必要性 针对现阶段建筑行业总体市场需求减少、企业之间市场竞争更加激烈、市场萎缩、建筑业产能过剩、对于建筑从业人员的需求也随之递减等行业现状，如何培养经济社会发展所需的应用技术型专业人才是一个值得探讨课题。掌握建筑学学科的专业理论、设计原理和相关技能、综合素质高、具有创新精神和实践能力的高级专门人才是我们的培养目标。在建筑学专业中，美术基础类课程的教学目的是通过一系列的学习和训练，培养学生的创新能力，提高学生的审美情趣，培养设计表达能力，增强对艺术理解力，为成为一名优秀的建筑设计师奠定美学基础。就建筑学美术专业的教育而言，相比美术专业的美术教育，不能忽视对教育对象的创造性和艺术修养的培养，注重使学生的知识向更加广的方面及领域拓展，强化基础技能训练的同时，更要强调对艺术理论的理解和审美素养的提高。这要求美术基础教学要注重对学生的综合能力的培养。特别是在教学中要处理好理论教学与实践教学的关系问题，使理论教学与实践教学有机的结合起来，使艺术与建筑学有机结合起来。所以美术基础教学的改革具有十分重要的研究意义。 二、构建“理实一体”的建筑学专业美术基础教学体系 （一）完善理论与实践相结合的课程设置 建筑学专业的美术基础教学针对其课程特性，划分为三个版块：理论类课程、技法类课程以及实践类课程，具体课程划分见表格。理论教学中除培养方案原有的教学内容之外，增设《中国美术史》课程，针对大一学生开设，对应后续的中、西方建筑史课程，为后续课程进行铺垫。通过大量的图片欣赏以及理论讲解，将中、西方美术中的风格流派进行梳理，使学生提高审美能力、建立学习兴趣，以美术史的学习作为学习建筑学的敲门砖，学生可以从欣赏美的角度切入到建筑学的学习中来。迅速的完成由应试模式到兴趣培养的转换。技法类课程根据教学目标分为三个部分：第一部分造型基础类，为培养学生基本造型能力而开设的课程，通过素描和色彩的进阶性训练，掌握观察形体、认识形体、塑造形体的技能，学会认识色彩、用色彩塑造形体的方法。第二部分设计基础类，为培养学生抽象思维能力、色彩综合运用能力、工艺手工制作能力以及对形式美法则的灵活应用能力而开设的课程。包括《形态构成》和《建筑色彩基础》两门课。第三部分建筑表现技法类，是为训练学生的观察能力、深化设计素养、培养创作激情而开设的课程。包括水墨渲染、钢笔淡彩、马克笔技法三方面的训练。在实践教学板块中，以素质培养为目标，拓展建筑眼界、培养靠近建筑学的观察视角。《建筑风景写生》、《建筑摄影》课程是在学生完成了一系列的美术基础理论与技法课程后的一次实践运用。要求学生能够综合的运用学到的美术基础知识、设计构成规律，把眼中的建筑和环境进行创造性的描绘，直观的、深入的体会建筑之美，从而加强对建筑设计认知。 （二）贯彻理论与实践相结合的教学方法 在艺术史类的理论课教学过程中，运用理论与实践相结合的教学方法，以课堂上理论知识的讲解为主，结合课下组织学生参观美术馆、博物馆，拉近学生与书本的距离。打破传统的单一的理论课课堂教学模式。在以往的艺术类技法课程教学中，往往重实践操作而轻理论讲解，然而建筑学专业的学生入学前是不具备美术基础的，针对这一特点，在教学过程中，加强理论教学环节是非常必要的。在实践课的教学过程中，往往忽视理论知识的讲授，以《建筑摄影》为例，分为摄影理论基础知识讲授和外出实践拍摄两个部分，是一门理论与实践结合得非常紧密的课程，外拍实践的过程是对理论知识的综合运用，要求教师除了讲授摄影方面的相关知识外，还应该对所拍摄的相关建筑进行专业层面的讲解，使学生更多维度的体会建筑之美，是很好的建立学生专业素养的途径。 （三）采取理论与实践相结合的教学手段 在沿袭传统的教学模式的基础之上，建立更适合建筑学专业特性的美术基础教学体系。素描教学中，在原有的几何形体、静物素描训练的基础上，增加了柱头、斗拱等建筑构件的素描训练，在由简单形体刻画过度到复杂形体刻画的过程中，学生更加容易理解和掌握塑造形体的基本规律，建筑构件的引入也大大地提高了学生的学习热情。利用互联网的教学资源，建立网络教学互动平台。根据建筑学专业授课班型小的特点，通过网络平台创建教学分享微信群，做到“以课设群”、“一课一群”，要求教师精选网络资源，结合授课内容，每日分享一条相关知识链接，并结合分享内容进行知识拓展。学生在吸收知识点的同时也将问题反馈给老师。实现“时时不离课堂、课课不忘分享”的综合教学模式。把握前沿动态，及时更新教学内容，引进行业精英走进课堂。以《建筑摄影》为例，将VR全景拍摄、无人机航拍技术引入课堂，聘请相关专业人员走进校园进行讲解与示范，将课堂与课外、理论与实践有机的结合起来，有利于拓宽学生的眼界，提高学习兴趣。 三、坚持完善理论与实践一体化的教学思路 在理论与实践一体化教学的践行之路上，要不断优化专业课程体系，教师要提高专业水平、教学水平和教学组织管理水平，制定完善的教学方案。在整个教学环节中，理论和实践交替进行，直观和抽象交错出现，没有固定的先实后理或先理后实，而理中有实，实中有理。加大理实一体化教学设备和师资建设的投入力度，提高理论教师的实践能力，实训教师的理论水平，培养一支高素质的师资队伍。教育教学模式改革要建立科学的课程评价体系，包括评价方式和评价内容。评价方式可以采用学生自我评价、小组互评、教师评价相结合。评价内容包括学习和实践的态度和表现，团队精神和贡献，知识竞赛、技能竞赛等评价。将理论与实践一体化的教学思路落实到美术基础教学的各个环节中，为培养优秀的专业人才打下坚实的基础。 作者:张思斯 单位:沈阳理工大学建筑学院 美术理论论文:现代美术教育理论研究 【内容摘要】中国传统哲学是中华民族的宝贵财富，时至今日，中国传统哲学仍然有着特殊的含义，是当代中国文化教育建设的内在驱动力，更是我们与世界文化实现平等对话、互助互利的文化基础。毫无疑问，美术教育需要在现代视域中进行，而现代视域与中国传统哲学又有着千丝万缕的联系，因此，有必要基于中国传统哲学的理念，研究现代美术教育。文章从中国传统哲学的和而不同、一以贯之、执两用中三个方面出发，对美术教育理论进行探讨。 【关键词】中国传统哲学；现代美术教育；理论研究 数千年的发展，使中国拥有了区别于其他文明的传统哲学文化，其内容丰富，洞悉透彻，是中华文明珍贵的精神财富。而今，人们经常会听到这么一个说法：传统哲学过于局限、迂腐，现展需要新的哲学理论指导。诚然，传统哲学中存在部分滞后的观点，但是诸如“诚、义、礼、信”“天人合一”等中国传统哲学文化，仍然具备推动社会发展的能力。更为可贵的是，传统哲学是连接过去与现在的纽带，具有强大的历史穿透力，能够及时纠正社会快节奏发展中出现的各种问题，同时为我国与其他国家的和谐相处、平等交流提供理论依据。本文所要讨论的美术教育，主要是现代美术教育，受现代文明的滋养，但这是否意味着传统哲学就无法参与到现代美术教育活动中呢？答案是否定的。近代存在主义哲学创始人马丁•海德格尔最早给出了时间的优先级定位，否定了普遍认为的“现代”优于“过去”和“未来”，即“重在当下”的看法。海德格尔认为，历史和现在是一个整体，并无明显的界限，“现在”不可能离开“过去”和“未来”而单独存在。这一观点被他的弟子德国哲学家汉斯-格奥尔格•伽达默尔进一步发扬光大。伽达默尔强调了时间的相关性，表示现代视域与传统视域是互相融合的，离开传统视域，现代视域在严格意义上不再完整。所以，经过大量的实践研究，笔者认为，现代美术教育理论研究需要中国传统哲学文化带来深刻而丰富的启发。 一、和而不同——坚持真我与海纳百川 “和”是中国传统哲学中一个非常重要的内容，其诠释了中国传统哲学的基础特征，充分反映了中华文明海纳百川、有容乃大的宽广胸怀。“和”起源于西周晚期，经我国古代哲学家孔子继承后，发展成为其哲学体系的核心内容。孔子主张的“和”是和谐统一，承认事物间的不同，在积极交流的基础上，形成存在“不同”的“和”。同时，“和”也是一种平衡状态，受到原则的约束，无根无据、不加审核的迁就与苟同是不可取的。在孔子看来，人之高尚取决于这个人能否坚定自己正确的想法，在此基础上，要善于吸收和摒弃他人的各种想法，而不是单纯地追求同一、统一、相加与附和。所以，“和”的灵魂显而易见，就是批判、创新。若要实现“和”，必须以“勿意、勿必、勿固、勿我”的原则要求自己，即不以个人的妄自猜测来看待问题，不要将主观看法强加到客观事件上，不要固执己见，不要因为这个看法是自己的就不肯妥协。孔子认为，主观臆测和固执己见是错误的，同时也不应该淹没自我和任意妥协，“和而不同”意味着虚怀若谷和实事求是的人生态度。孔子对于弟子的区别看待可以说明上述观点，他欣赏能够举一反三、积极思考的子夏，谓之“起予者商也！始可言《诗》矣”；而对言听计从、乖巧懂事的颜回则颇有微词，评论道“回也，非助我者也，于吾言无所不悦”。可以看出，孔子向往的“和”应该是“和而不流”，基于一定的原则坚持自我，同时积极吸纳其他思想和想法，取之精华、弃之糟粕，互相补进。这种先进的哲学思想成为那个时代孔子学说能够生存下来，并在后世发扬光大的重要原因。中国传统哲学也在交流中获得发展与繁荣。世界各国的现代美术教育都是以西方美术文化为基础的，尽管西方美术理论与实践存在明显的领先优势，但是孔子的“和而不同”告诫我们，以完全的拿来主义来处理外国美术教育理论与实践是不科学的。整体性的选择也许在短时间内适用，但必然会影响到未来的长远发展，无法形成中国特有的美术教育理论体系。近代以来，西学东渐成为一种普遍现象，盲目模仿西方模式的现象比比皆是。而需要注意的是，世界上不存在等值作用的因素，现代美术教育充斥着各种各样的矛盾，简单代入西方体系，忽视主要矛盾与次要矛盾之间的关系将严重阻碍我国美术教育的发展。鉴于我国的特殊国情，笔者认为，“和而不同”应当成为美术教育理论体系的核心，必须以马克思主义为建设前提，明确建设中国特色美术教育理论体系的目标，以继承中国传统哲学文化为辅助，制定适合我国整体教育阶段的美术教育策略。其实，以孔子学说为代表的中国传统哲学早就受到了世界范围的重视，尤其是在西方文化危机日趋显露的时候。在上世纪80年代于巴黎召开的世界诺贝尔奖获得者大会上，人们就曾达成共识，认为21世纪人类的生存需要去借鉴孔子的智慧。由此可见，集中国传统哲学文化精髓的孔子思想无论是过去、现代和未来，都具备显著的历史穿透力，魅力尽显。美术教育工作者所要做的就是充分重视和善用“和而不同”，坚持自我，以海纳百川、有容乃大的胸怀去建设中国现代美术教育理论体系。 二、一以贯之—结合美术教育实例探索现代美术教育规律 “一以贯之”是孔子哲学思想的另一重要内容，其源于《卫灵公》的一段记载：子曰：“赐也！女以予多学而识之者也？”对曰“然，非与？”子曰：“非也，予一以贯之”。文中出现的“一以贯之”的意思就是在总结概括的基础上融会贯通。子贡博学多才，具有很好的发展潜力，孔子为了使子贡不在知识表层过多的停留，教导他深入学习，发现本质的道理。孔子所言的“一”可以认为是某一类具有一般规律的事物或现象，“一”需要长期累积，不断实践才能得到，离开万物、绝对抽象的“一”是不存在的。因而“一以贯之”是一个持续的过程，需要付出不懈的努力和具备敏锐的洞察力。与此同时，对于事物的一般规律，中国传统哲学的另一大派系——老子哲学思想给出了自己的解释，老子强调“知常”，也就是探索物质的本质规律，这对事物的发展是极其重要的，有着内在的必要性。将“一以贯之”运用到美术教育研究中，就是要求美术教育者结合丰富的美术教育实例，探索适合本国发展的美术教育理论体系。发掘美术教育现象的“一”，既包括本土美术文化的发掘，同时又涵盖外国美术教育经验的学习，找寻普遍的规律，一以贯之。当前，我国美术教育正处于瓶颈期，一方面，扩招导致学习美术的人数激增，高校相继开设美术专业来培养美术人才；另一方面，教学理念的滞后与体系的不科学使高校无法培养出符合社会发展需要的现代美术人才，毕业生普遍存在就业难的现象，严重制约了美术与美术教育的良性发展。为此，作为美术教育者，需要一以贯之，只有找到美术教育理论的一般规律，才能做出合理的调整。首先，要平等看待世界上其他国家与民族的美术教育文化，积极学习、借鉴丰富的美术教育现象、思想和解决方案，尤其是掌握亚洲其他国家的美术教育信息。其次，要开展对于本国美术教育及文化的研究，本土文化会从各个方面给予最贴合国情的发展启示，结合现象探索美术教育理论的一般规律，这就是“一以贯之”的现代意义。 三、执两用中——辩证看待多元美术教育理论 美术教育不同于其他学科，具有很强的实证性，客观事实的叙述和实践缺一不可。除此之外，融合辩证思维，辩证看待事物使美术教育具有真正的内涵。孔子提出的“执两用中”包含两种含义：第一，抓住两端的核心，知道分别相反的极端；第二，去除两个相反的极端，代之采用中间部分，也就是“中庸之道”的“中”，意味着最优方案，而不是调和极端选其“中”。“用中”彰显了孔子对于辩证思维的理解，示人以事物的完整面，是一种求平衡、求自然、求和谐的整体性思维，能够在一定范围内制约矛盾。对于现代美术教育的方法论研究而言，“执两用中”有着积极的意义。由于西方美术教育体系相对完善，在很长一段时间内都是我国美术教育的主要模仿对象，直至今日，仍然有明显的影响，很多高校选择沿用西方美术教育方法论中的描述法、历史法和因素法就是绝佳的例证。西式教学既有科学的理性主义，也有反对科学的非理性主义；既有传统的描述法，又有现代的系统法，我国现代美术教育出现的种种问题，很多都是由于吸收这些“舶来品”不当引起的。孔子哲学的“执两用中”告诉我们，不能草率地接受或否定，应该在充分理解的基础上，采用辩证批判的方法看待美术教育的各种理论，去除极端，择其优而用之。关于辩证思维，老子同样有所涉及，“反者道之动”就是老子哲学中一个重要的内容，指事物的对立性不是绝对的，而是处在一个发展的阶段，发展到一定程度就会自然转变至相反的一面。“物极必反”说的就是这样一个道理。受到西方实证主义的影响，我国美术教育缺乏适当的理论指导，而更加重视实践技能的培养。但是过于重视片面发展，根据“反者道之动”的说法，很有可能就会适得其反，导致美术毕业生出现只知理论知识，不善实践或者不谙美术基础的情况，难以满足社会提出的综合性要求。所以无论如何，美术教育工作者都应该以系统辩证的方法看待美术教育，针对不断变化的外界因素，吸纳创新方是良药。结语综上所述，现代美术教育主要还是依赖于现代视域，但这并不意味着传统哲学毫无作用。中国传统哲学文化经历数千年的实践和丰富，其中的一些思想和理论具有明显的借鉴意义。所以，要想构建中国特色美术教育理论体系，仍然需要借助于前人的智慧，做到“和而不同”“一以贯之”和“执两用中”，从而让传统哲学文化在现代美术教育领域重现光辉。 作者:王桂芝 单位:哈尔滨师范大学 美术理论论文:传统哲学美术教育理论研究 【内容摘要】 中国传统哲学是中华民族的宝贵财富，时至今日，中国传统哲学仍然有着特殊的含义，是当代中国文化教育建设的内在驱动力，更是我们与世界文化实现平等对话、互助互利的文化基础。毫无疑问，美术教育需要在现代视域中进行，而现代视域与中国传统哲学又有着千丝万缕的联系，因此，有必要基于中国传统哲学的理念，研究现代美术教育。文章从中国传统哲学的和而不同、一以贯之、执两用中三个方面出发，对美术教育理论进行探讨。 【关键词】 中国传统哲学；现代美术教育；理论研究 数千年的发展，使中国拥有了区别于其他文明的传统哲学文化，其内容丰富，洞悉透彻，是中华文明珍贵的精神财富。而今，人们经常会听到这么一个说法：传统哲学过于局限、迂腐，现展需要新的哲学理论指导。诚然，传统哲学中存在部分滞后的观点，但是诸如“诚、义、礼、信”“天人合一”等中国传统哲学文化，仍然具备推动社会发展的能力。更为可贵的是，传统哲学是连接过去与现在的纽带，具有强大的历史穿透力，能够及时纠正社会快节奏发展中出现的各种问题，同时为我国与其他国家的和谐相处、平等交流提供理论依据。本文所要讨论的美术教育，主要是现代美术教育，受现代文明的滋养，但这是否意味着传统哲学就无法参与到现代美术教育活动中呢？答案是否定的。近代存在主义哲学创始人马丁•海德格尔最早给出了时间的优先级定位，否定了普遍认为的“现代”优于“过去”和“未来”，即“重在当下”的看法。海德格尔认为，历史和现在是一个整体，并无明显的界限，“现在”不可能离开“过去”和“未来”而单独存在。这一观点被他的弟子德国哲学家汉斯-格奥尔格•伽达默尔进一步发扬光大。伽达默尔强调了时间的相关性，表示现代视域与传统视域是互相融合的，离开传统视域，现代视域在严格意义上不再完整。所以，经过大量的实践研究，笔者认为，现代美术教育理论研究需要中国传统哲学文化带来深刻而丰富的启发。 一、和而不同——坚持真我与海纳百川 “和”是中国传统哲学中一个非常重要的内容，其诠释了中国传统哲学的基础特征，充分反映了中华文明海纳百川、有容乃大的宽广胸怀。“和”起源于西周晚期，经我国古代哲学家孔子继承后，发展成为其哲学体系的核心内容。孔子主张的“和”是和谐统一，承认事物间的不同，在积极交流的基础上，形成存在“不同”的“和”。同时，“和”也是一种平衡状态，受到原则的约束，无根无据、不加审核的迁就与苟同是不可取的。在孔子看来，人之高尚取决于这个人能否坚定自己正确的想法，在此基础上，要善于吸收和摒弃他人的各种想法，而不是单纯地追求同一、统一、相加与附和。所以，“和”的灵魂显而易见，就是批判、创新。若要实现“和”，必须以“勿意、勿必、勿固、勿我”的原则要求自己，即不以个人的妄自猜测来看待问题，不要将主观看法强加到客观事件上，不要固执己见，不要因为这个看法是自己的就不肯妥协。孔子认为，主观臆测和固执己见是错误的，同时也不应该淹没自我和任意妥协，“和而不同”意味着虚怀若谷和实事求是的人生态度。孔子对于弟子的区别看待可以说明上述观点，他欣赏能够举一反三、积极思考的子夏，谓之“起予者商也！始可言《诗》矣”；而对言听计从、乖巧懂事的颜回则颇有微词，评论道“回也，非助我者也，于吾言无所不悦”。可以看出，孔子向往的“和”应该是“和而不流”，基于一定的原则坚持自我，同时积极吸纳其他思想和想法，取之精华、弃之糟粕，互相补进。这种先进的哲学思想成为那个时代孔子学说能够生存下来，并在后世发扬光大的重要原因。中国传统哲学也在交流中获得发展与繁荣。世界各国的现代美术教育都是以西方美术文化为基础的，尽管西方美术理论与实践存在明显的领先优势，但是孔子的“和而不同”告诫我们，以完全的拿来主义来处理外国美术教育理论与实践是不科学的。整体性的选择也许在短时间内适用，但必然会影响到未来的长远发展，无法形成中国特有的美术教育理论体系。近代以来，西学东渐成为一种普遍现象，盲目模仿西方模式的现象比比皆是。而需要注意的是，世界上不存在等值作用的因素，现代美术教育充斥着各种各样的矛盾，简单代入西方体系，忽视主要矛盾与次要矛盾之间的关系将严重阻碍我国美术教育的发展。鉴于我国的特殊国情，笔者认为，“和而不同”应当成为美术教育理论体系的核心，必须以马克思主义为建设前提，明确建设中国特色美术教育理论体系的目标，以继承中国传统哲学文化为辅助，制定适合我国整体教育阶段的美术教育策略。其实，以孔子学说为代表的中国传统哲学早就受到了世界范围的重视，尤其是在西方文化危机日趋显露的时候。在上世纪80年代于巴黎召开的世界诺贝尔奖获得者大会上，人们就曾达成共识，认为21世纪人类的生存需要去借鉴孔子的智慧。由此可见，集中国传统哲学文化精髓的孔子思想无论是过去、现代和未来，都具备显著的历史穿透力，魅力尽显。美术教育工作者所要做的就是充分重视和善用“和而不同”，坚持自我，以海纳百川、有容乃大的胸怀去建设中国现代美术教育理论体系。 二、一以贯之—结合美术教育实例探索现代美术教育规律 “一以贯之”是孔子哲学思想的另一重要内容，其源于《卫灵公》的一段记载：子曰：“赐也！女以予多学而识之者也？”对曰“然，非与？”子曰：“非也，予一以贯之”。文中出现的“一以贯之”的意思就是在总结概括的基础上融会贯通。子贡博学多才，具有很好的发展潜力，孔子为了使子贡不在知识表层过多的停留，教导他深入学习，发现本质的道理。孔子所言的“一”可以认为是某一类具有一般规律的事物或现象，“一”需要长期累积，不断实践才能得到，离开万物、绝对抽象的“一”是不存在的。因而“一以贯之”是一个持续的过程，需要付出不懈的努力和具备敏锐的洞察力。与此同时，对于事物的一般规律，中国传统哲学的另一大派系——老子哲学思想给出了自己的解释，老子强调“知常”，也就是探索物质的本质规律，这对事物的发展是极其重要的，有着内在的必要性。将“一以贯之”运用到美术教育研究中，就是要求美术教育者结合丰富的美术教育实例，探索适合本国发展的美术教育理论体系。发掘美术教育现象的“一”，既包括本土美术文化的发掘，同时又涵盖外国美术教育经验的学习，找寻普遍的规律，一以贯之。当前，我国美术教育正处于瓶颈期，一方面，扩招导致学习美术的人数激增，高校相继开设美术专业来培养美术人才；另一方面，教学理念的滞后与体系的不科学使高校无法培养出符合社会发展需要的现代美术人才，毕业生普遍存在就业难的现象，严重制约了美术与美术教育的良性发展。为此，作为美术教育者，需要一以贯之，只有找到美术教育理论的一般规律，才能做出合理的调整。首先，要平等看待世界上其他国家与民族的美术教育文化，积极学习、借鉴丰富的美术教育现象、思想和解决方案，尤其是掌握亚洲其他国家的美术教育信息。其次，要开展对于本国美术教育及文化的研究，本土文化会从各个方面给予最贴合国情的发展启示，结合现象探索美术教育理论的一般规律，这就是“一以贯之”的现代意义。 三、执两用中——辩证看待多元美术教育理论 美术教育不同于其他学科，具有很强的实证性，客观事实的叙述和实践缺一不可。除此之外，融合辩证思维，辩证看待事物使美术教育具有真正的内涵。孔子提出的“执两用中”包含两种含义：第一，抓住两端的核心，知道分别相反的极端；第二，去除两个相反的极端，代之采用中间部分，也就是“中庸之道”的“中”，意味着最优方案，而不是调和极端选其“中”。“用中”彰显了孔子对于辩证思维的理解，示人以事物的完整面，是一种求平衡、求自然、求和谐的整体性思维，能够在一定范围内制约矛盾。对于现代美术教育的方法论研究而言，“执两用中”有着积极的意义。由于西方美术教育体系相对完善，在很长一段时间内都是我国美术教育的主要模仿对象，直至今日，仍然有明显的影响，很多高校选择沿用西方美术教育方法论中的描述法、历史法和因素法就是绝佳的例证。西式教学既有科学的理性主义，也有反对科学的非理性主义；既有传统的描述法，又有现代的系统法，我国现代美术教育出现的种种问题，很多都是由于吸收这些“舶来品”不当引起的。孔子哲学的“执两用中”告诉我们，不能草率地接受或否定，应该在充分理解的基础上，采用辩证批判的方法看待美术教育的各种理论，去除极端，择其优而用之。关于辩证思维，老子同样有所涉及，“反者道之动”就是老子哲学中一个重要的内容，指事物的对立性不是绝对的，而是处在一个发展的阶段，发展到一定程度就会自然转变至相反的一面。“物极必反”说的就是这样一个道理。受到西方实证主义的影响，我国美术教育缺乏适当的理论指导，而更加重视实践技能的培养。但是过于重视片面发展，根据“反者道之动”的说法，很有可能就会适得其反，导致美术毕业生出现只知理论知识，不善实践或者不谙美术基础的情况，难以满足社会提出的综合性要求。所以无论如何，美术教育工作者都应该以系统辩证的方法看待美术教育，针对不断变化的外界因素，吸纳创新方是良药。 结语 综上所述，现代美术教育主要还是依赖于现代视域，但这并不意味着传统哲学毫无作用。中国传统哲学文化经历数千年的实践和丰富，其中的一些思想和理论具有明显的借鉴意义。所以，要想构建中国特色美术教育理论体系，仍然需要借助于前人的智慧，做到“和而不同”“一以贯之”和“执两用中”，从而让传统哲学文化在现代美术教育领域重现光辉。 作者：王桂芝 单位：哈尔滨师范大学 美术理论论文:计算机辅助美术教学理论探究 摘要： 计算机辅助教学在美术科目教学中的应用，能够帮助教师搭建自主性、互动性、探究性和应用性的信息化教学平台，有助于学生美术鉴赏能力、艺术思维能力和美术创作能力的培养和提高。本文首先分析计算机辅助教学在美术教学中的应用优势，并对计算机辅助美术教学的相关理论展开探究，为计算机在美术教学中的应用提供资料参考。 关键词： 计算机；辅助教学；美术；理论研究 信息时代的来临，使人们的生产和生活方式发生了极大的改变。多媒体技术作为信息技术在教学领域的应用，更是为现代教学提供了新的教学方式和方法。美术作为基础教学科目，在教学中应用计算机技术更是对提高教学质量尤其重要。这是因为现代美术教学开放性、互动性和创新性的教学要求，利用计算机辅助教学技术能够更好的完成。近年来，计算机辅助教学技术在美术科目教学中应用广泛，计算机辅助技术在美术教学中的应用更是极大的推动了美术科目教学的发展。 一、计算机辅助美术教学优势 1、计算机辅助美术教学的信息资源优势 计算机和互联网技术的发展，带领人们步入信息时代。在美术科目教学中应用信息技术，能够发挥计算机网络技术的信息资源整合优势。美术科目重点培养学生的美术鉴赏能力和创作能力，这要求学生首先要对美术作品有比较广泛的了解。计算机辅助美术教学相比于传统教学方式，拓宽和教师的教学资源获取渠道，使教师能够从互联网中获取最新的教学资源，并通过多媒体技术展示给学生。这有助于加深学生对美术知识的掌握，同时也有助于拓宽学生的美术视野。除此之外，利用计算机辅助美术教学软件，还能够满足学生在线自学和在线资料查询的需求，让学生能够通过计算机软件在课下对最新的美术学科动向进行了解，从而让学生紧跟时展，将信息资源的优势变成美术创作优势。 2、计算机辅助美术教学的平台交流优势 计算机辅助教学技术子啊美术科目教学中的应用，为学生和老师提供了一个互动和交流的平台。通过计算机互联网技术和美术教学平台，教师能够与本校教师开展互动交流，还能够与其他院校的本专业教师展开教学研究和探讨，这有助于教师掌握最新的教学方法和理念，有助于教学质量的提高。利用计算机辅助美术教学平台，教师还能够和学生进行线上互动和交流，通过互动交流平台的创建，能够满足一对一或一对多的互动交流需求，从而为教师和学生构建线上美术学习交流渠道，让学生能够随时、随地的学习美术知识，并接受不同教师的指导。该平台同时还是学生美术作品的展示空间，通过在平台上展示作品，学生和教师能够对学生的作品进行点评和评析，在让学生获得创作成就感的同时，了解自己美术创作和鉴赏方面的问题和不足。 3、计算机辅助美术教育的公平对等优势 计算机辅助美术教学时一种基于互联网激素的研究性学习模式，在学习平台中，教师和学生可以选择实名或匿名的参与方式。在计算机网络平台中，为教师和学生创建了更加公平的资源共享方式，在平台上无论教师和学生都仅仅是参与者的身份，这保证了学生在平台上学习、展示和鉴赏作品的主体性。计算机辅助美术教学平台中，弱化了学习者和教育者的身份，使参与者能够在教育者和学习者的身份间灵活互换，这不仅有益于提高学生的学习积极性，还能够为教师打造学习进步的学习空间，最大化的激发个人潜能。 二、计算机辅助美术教学的理论探究 1、计算机辅助美术教学的构建主义学习理论依据 瑞士学者让.皮亚杰(J.Piaget)最早提出来的建构主义(constructivism)也称为结构主义，后经科尔伯格(L.J.Spiro)、斯腾伯格(J.Sternberg)，斯皮罗(R.J.Spiro)等人的研究而得到进一步的完善和发展。众所周知建构主义学习理论的特点，即教育者不是传授知识途径，是学习者借助其一定的情境条件下（即社会文化背景下），通过其他人(教育者和学习者伙伴)的辅助，现有学习资料的运用，采用意义建构方式获得来的。建构主义的学习认知理论可作为计算机辅助美术教学模式的有力理论依据。首先，根据该理论，计算机辅助教学弱化了教师和学生的角色，能够保证学生的学习主体地位。其次，计算机辅助美术教学通过多样化学习环境的创建，有利于学习者信息资料的获取和阅读，符合随机通达教学理论。最后，计算机辅助美术教学更加强调参与者在线上的互动，这符合构建注意相互作用的理论要求，有助于提高学生分析问题和解决问题的能力。 2、计算机辅助美术教学的人本注意学习理论研究 人本理论重视学生感性和理性的进步与身体和心理的交融汇集，人本理论在美术教学中的应用有助于学生发挥个人潜能和个性化的人格。计算机辅助美术教学更加强调个人角色，学生在利用计算机辅助教学平台时，是以个人的身份决定其作用和参与方式的。这意味着计算机辅助教学符合人本主义学习理论，并能够将人本主义学习理论激发人个性化思维和创作灵感的作用发挥出来。人本主义理论在计算机辅助美术教学的多元学习模式中表现为高度的个人参与、激发学习者的内在学习动力以及影响学习者学习习惯的养成和促进自我评价能力的形成等优势。有助于帮助学习者营造学习的心理氛围，从而激发学习者在美术学习中的个性化优势。 3、计算机辅助美术教学的情境教学理论依据 自计算机信息科学技术蓬勃发展以来，美术的教学方式与教学形态正悄悄地发生变化，学习者获知的途径越来越多，知识来源不再是唯一从教育者获得，教育者角色已转化为学习者的鼓励者、示范者、辅助者、指导者甚至是团队队友，多角度的协助学习者学习成长。情境教学理论观点对基于计算机辅助美术教学的研究性学习模式的构建提供了有力的理论支持。 综上所述，计算机信息技术作为引领时展的关键技术，其在教学领域的应用极大的提高了教学质量和水平。计算机辅助教学技术在美术科目教学中的应用，不仅是现代美术教学发展的必然方向，也是提高美术教学水平的有效途径。想要发挥计算机信息技术在美术科目教学中的作用，就一定要把握好计算机辅助美术教学的理论基础，并不断创新教学理念和方法，最终实现学生艺术鉴赏能力和艺术创作能力的提高。 作者：王向华 单位：甘肃建筑职业技术学院 美术理论论文:抽象理论下美术设计作品分析 一、抽象艺术理论的相关内涵 当代美术作品以一种不同于传统美术作品形态的姿态出现在了人们的视野之中，与传统的美术作品相比，当代的美术作品不再注重表现具体的物象和形象，而是通过各种各样的创作手法来构图，更加注重传达作品深刻的思想内涵。在众多的创作手法之中，把抽象理论与美术设计相结合，受到了越来越多的艺术家的青睐，下面我们就来简单介绍一下抽象艺术理论的相关内涵。首先揭示抽象艺术的内涵。抽象是相对于具体而言的，是抽取事物共同的、本质的特征，如同朱光潜曾说的:“抽象就是‘提炼’，也就是同志在《实践论》里所说的‘将丰富的感觉材料加以去粗取精、去伪存真、由此及彼、由表及里的改造制作工夫’”。这么来定义“抽象”，那“抽象艺术”应该如何定义?把抽象运用到艺术之中，最初只是把具象的事物给概括化、抽象化，而随着抽象的表现形式不断地深入到艺术之中，具象的事物发生了很大的变形，已经不存在具体的可辨识的事物，转而更加注重用变化的色彩、变形的造型、夸张的线条来构造艺术画面。抽象艺术注重的已不再是展示客观世界中具体事物的形态、特点，而更加关注通过抽象来表达主观性的世界。其次来梳理一下抽象艺术理论的分类。随着抽象艺术理论的不断深入发展，形成了众多的学术流派，因为分类依据的标准不同，形成的分类也就各异。今天，我们就其中一种相对普遍的分类来简单了解一下，主要有热抽象、冷抽象、中间抽象三大类别。热抽象又被称作抒情抽象，冷抽象又称作几何抽象，二者是相对而言的。热抽象使用的线条多无规律性，线条构成的形态更接近于山水、云彩的那种流动的状态;而冷抽象主要使用有规律的、有规则的点、线、面来构图。热抽象注重的是色彩的组合;冷抽象更多的是关注符号、几何线条。热抽象的代表人物是康定斯基，代表作品是《秋》《构图2号》等;冷抽象的代表人物是蒙德里安，代表作品是《构图》《进化》等。第三类是中间抽象，是介于冷、热抽象中间的一种构图艺术，是冷、热抽象的结合体，既注重色彩的丰富性和流动性，又使用几何线条的多样性组合。无论冷抽象、热抽象中间抽象在形式上有何区别，但有一点是它们共同的，那就是更加注重表达主观世界，更加注重传达深刻的内涵。 二、抽象理论在当代美术设计作品中的表现形式 美术设计作品可以对人产生很大的作用，一方面它能够表达艺术家们抽象的内心世界，另一方面它可以影响人们的心情，激起人们的某种共同的心理感受，所以当代的美术设计作品，为了满足人们日益多样化的审美需求，为了把艺术家抽象的内心世界具象化，不断地进行新的尝试，不断地进行创新。借用抽象理论的原理进行美术作品的设计，是其创新性的表现之一，那么，在当代美术设计作品中，抽象理论是如何得以表现的呢?首先是以抽象色彩的形式出现在美术设计作品中。色彩在我们的世界中处处可见，不仅帮助我们传达某种信息，而且可以通过色彩来美化我们的生活，例如不同的色彩会让我们有不一样的感受:红色一般代表热情，具有向上的能量;粉色让我们感受到了温馨、温暖、可爱;绿色表示生命力旺盛，代表自然、健康、安全;紫色代表雍容华贵。自然界的颜色一般都借助某个具体的事物而表现出来，是光源和光反射而成，不同于现实的色彩，抽象色彩是通过歪曲或改变自然界色彩的真实性，通过色彩的流变或冲突色彩的搭配来进行艺术再创造。当代的许多民俗设计作品中就广泛地使用了抽象色彩，由抽象色彩构成的抽象图案打破了传统民间作品简洁、明快的感觉，突出抽象化、形式化的事物，使作品所要表达的主题更加鲜明、更加强烈，同时还增添了一份现代化的艺术魅力。例如一幅被称作《村》的民间美术作品，色彩主要以暖色调为主，橘红色居多，而后通过丰富的色彩变化，构造了类似福建土楼似的建筑形象，以此来表达希望中国各民族欣欣向荣、和谐美好的愿望。当代中国的许多民俗民间设计作品，都转而运用抽象色彩来传达主题，例如布老虎的手工制作、门神年画的绘制都倾向于抽象色彩的使用。其次是以抽象造型的形式出现在美术设计作品中。色彩和造型是美术设计作品的重要组成部分，二者缺一不可。抽象色彩上文我们已经提到过了，而所谓的抽象造型，就是依据创作家的审美要求把某些自然景物或事物进行变形和整合，得以抽象化，从而运用到美术作品中。而把某些自然景物或事物进行变形和整合的过程，一般通过的是各种线条的交错和点、线、面、肌理等元素的配合来完成的，然后通过抽象造型的视觉艺术效果来表达艺术家的创作思维和思想感情。例如当代的陶瓷美术设计作品，艺术家们不仅在陶瓷的装饰和色彩上进行了创新，而且还创新了陶瓷作品在造型上的设计。造型上的线条更加富有动态、流动性，点、线、面之间的结合也更加多样化，给人们一种“造型源于生活又高于生活”的艺术感受。当然在绘画作品中，抽象造型也炙手可热，例如画家方力钧的力作《光头泼皮系列———海滩》《光头泼皮系列———打哈欠》，在他的作品中，“光头”作为一种抽象的造型，已成为他个人作品的象征，一种独特的视觉符号。光头本身就具有泼皮感，然后再加上变形的脸部表情———嬉笑、发呆、打哈欠等极具夸张意味的表情，从而构造一种抽象的造型，表达作品的嘲讽意味。 三、抽象理论在美术设计作品中的艺术作用 抽象理论指导下的抽象艺术，大致分为两种类型:一种是以自然界的事物或景物为基础，从而提取灵感，进行艺术的再创造;另一种是不以自然界的事物为本质，纯粹地进行艺术形象的设计。尤其是对于第二种类型而言，很多人看不懂作品其中的抽象艺术，所以抽象性的元素经常被认为是一种涂鸦，是一种乱画。其实要看懂一幅优秀的抽象艺术作品，首先要了解艺术家本人的人生阅历以及生活感悟，因为抽象的艺术作品是艺术家本人抽象各种事物的本质，升华各种知识而创作而成的，具有深厚的文化内涵。首先，在美术设计作品中运用抽象理论，凸显了作品主题的展现，增加了作品的艺术魅力。抽象理论使美术设计作品不再注重刻画具体物象或景象的真实性，开始注重色彩的丰富性，几何图形和线条的表现力，通过抽象的点、线、面和色彩来表现主观性的世界，如同音乐家的演奏。音乐家在演奏时，不再纠结于通过哪些具体的节奏和音符的形式，而是通过自己的演奏，让观众在聆听中感受到音乐中所传达的美和意境。抽象艺术使平静的画面更加立体化，从而更能够展现创作家强烈的情感。例如上文提到的画家方力钧在绘画过程中使用的“光头”造型，这一抽象性的造型很自然地就让我们感受到了作品所要传达的叛逆、嘲讽的主题。正是通过这些抽象色彩和抽象造型所带来的视觉冲击效果，容易触动人们的内心深处，使创作家与观看者产生心灵上的共鸣，完成一个艺术创作的过程。其次，抽象理论与设计美术作品相融合，二者相互促进。一方面，在当代美术设计作品中运用抽象理论，通俗地说就是美术艺术家们以抽象理论作为创作的指导，运用抽象性的思维和方法，把抽象的色彩、抽象的造型、抽象的线条、抽象的图案等因素加入到作品中，以此来增加美术设计作品的审美性和艺术性，从而为当代美术设计拓展了更广阔的发展空间。另一方面，理论并不是适用于一切的实践，具体问题具体分析，理论应用于实践，要根据具体的实际情况作出相应的改变。在把抽象理论运用到美术作品设计的过程中，抽象理论需要不断地改变以适应美术作品设计的发展和进步，在适应和改变的过程中，抽象艺术理论得到不断地补充和完善，从而获得了更长足的发展。抽象理论和美术作品的设计作为一个事物的两个方面，二者相互促进，共同发展。 四、结语 总之，抽象理论运用到美术作品的设计之中，促进了抽象艺术的诞生，使得艺术作品不再是单一的现实社会的真实写照，而是倾向于表达深刻的情感和思想主题，寻求画面与精神的统一，客观世界与主观世界的统一，拓宽了当代美术设计作品的发展空间。因此我们要深入对抽象理论的研究和了解，不仅要以此来促进美术作品设计的发展，而且要使其与电影、摄影、音乐等艺术相结合，促进它们的创新和进步，以适应时代的发展。 作者：徐传亮 单位：西京学院 美术理论论文:美术类高校学籍数字化管理论文 一、高校学籍数字化管理背景介绍 1.国内研究现状 学籍数字化管理是教育信息化的子概念，是指在学籍管理过程中运用多媒体技术、计算机技术和网络通讯技术的现代化管理手段，是对计算机资源的有效利用，也是实现现代化教育数字化管理的关键所在。我国高等院校大规模的学籍数字化管理建设起步较晚，大部分始于20世纪90年代，其过程大概分为三个阶段： （1）传统手工操作管理阶段。 20世纪90年代中期以前，各个高校的学籍管理工作基本上都是依靠手工录入和管理。由于统计数量和管理信息量较大，容易导致数据混乱。再者因为学籍工作时间跨度大，很多工作需要靠工作人员凭记忆或笔记去完成前后工作衔接，稍有疏漏便会导致错误发生。 （2）高校内部信息化管理阶段。 20世纪90年代中期开始，现代化管理手段和技术逐步引入到了学籍管理工作中。使用计算机代替大部分手工操作，大大提高了管理部门的工作效率和工作质量。但是，由于高校各管理部门基本上都是相互独立的，因此在信息查询、浏览和修改的功能需求上不够准确和及时，大部分工作还是需要依赖管理部门的具体工作人员。 （3）初级网络化管理阶段。 进入21世纪，网络管理平台上的学历信息查询系统开通，开始实施学历证书电子注册制度。原有技术硬件的全面升级，有力地推动了高校学籍管理模式的全面创新。 2.国外研究现状 国外高校学籍数字化管理发展很早，始于六七十年代，现在已经比较成熟。他们一般具有较大规模的、稳定的技术队伍来提供服务与技术支持。到2002年，美国已经有超过82%的高校能够为学生提供在线课程目录、课程教学大纲服务，有70.9%的高校能够为学生提供在线注册服务。我国高校数字化建设起步相对较晚，在校园数字化建设推进、应用过程中，各高校管理层对此概念逐步增强，投入也大幅度提高。但是受整体数字化程度相对落后、理论体系不够健全、经费短缺等客观因素的制约，国内高校学籍数字化管理建设较国外相比还是存在不小差距。 二、有效管理，激发学籍管理团队的积极性 通过本论文的研究，将学籍管理制度、学籍管理主体、学籍管理对象整合成一个系统化的整体，用模块化设定调节管理过程中的布局，使管理员、教师和学生三者按布局参与到教学管理工作之中，把传统的“作业”变为“管理”，教师由“被排课”变为“被选课”，学生由“被动学习”变为“主动学习”，教与学之间真正实现了双向选择，对于教学质量的提高有着非常有效的推动作用。 三、系统化设计，突显学籍数字化管理模块优势 数字化管理应尽可能全面反映学生在校期间的客观情况，反映学生入学的基本情况。新生入学登记表、学生学籍卡、学生成绩单、在校生名册、学生学籍异动信息（转系（专业）、休学、复学、退学等）、学生奖励材料（奖学金、优秀学生、参赛获奖等）、学生处分材料，笔者认为这些都应纳入学生学籍数字化管理工作范畴中。因此，数字化管理模块可分为系统维护、用户管理、学生管理、课程管理、成绩管理、毕业管理模块。这些模块可以帮助用户完成对各类信息的查询、浏览、添加、删除、修改等功能，每一个表格之间都存在关联，一经修改，及时更新。根据用户权限的不同，学生用户可以在网站上查询课程相关信息、历年成绩信息以及个人信息等；教师用户可以查看到本学期的教学任务、各班考勤表、成绩单等信息。具体功能情况如下： 1.系统维护模块。 包括院系、班级、教师代码等创建、查询和修改等内容。 2.用户管理模块。 系统管理员可以在用户权限管理中新建、查询或删除用户，并为其分配系统操作权限，用户只能根据权限进行相关操作。 3.学生管理模块。 该模块由学生信息维护、学生学籍异动、学生处分及奖励、统计查询报表等模块组成，实现学生档案的建立、修改、删除、查询功能。学生考勤管理实现系统内部录入，亦可由任课教师在有网络支持的情况下从网页录入，操作上更为灵活。 4.课程管理模块。 包括教学计划录入与执行、选课时间设定、选课门数限定、选课报表打印等功能。任何一门课程的开设都必须以教学计划为前提，具备已开、未开课程的查询功能，每一位学生都必须根据选课门数进行选定。课程设置管理实现课程基本信息的新增、修改、删除和查询功能，同时具备课表查询和打印功能。 5.成绩管理模块。 本模块由网上成绩录入控制、网上成绩查询控制、成绩录入、统计分析、成绩综合处理、等级考试维护等子模块组成，具备以学生个人、班级、专业、年级为单位进行查询和排名等功能。在本模块中，可以完成教师网上录入成绩的时间以及学生网上查询成绩的时间控制。 6.毕业管理模块。 包含了毕业成绩总表、毕业资格审查、学位预审查子模块，实现在校生、毕业生成绩单的查询、输出功能。可以查询每一位应届毕业生的毕业资格情况，有助于提前预警；协助完成对每一位应届毕业生学位资格预审。 四、科学管理，事半功倍 学籍管理工作是一项非常重要的工作。尤其是美术类高校在学籍管理处理上有不同于一般高校的特点和规律，往往在学生学习过程中需要反复排查。数字化管理有利于数据的更新、统计和教学过程的监控，有利于及时发现问题、解决问题。传统的学籍管理工作一直处于被动服务状态，数字化管理模式有利于工作者由被动管理变为主动，将各项数据统计后可以提供给其他需要的管理部门，为提高教学质量提供了信息支持，为各类统计数据提供了可靠的依据。学籍数字化管理有助于学生信息的统计和汇总，除了校内应用价值之外，在学生毕业之后还有应用价值。根据学生电子数据库建立人才资源库，有助于用人单位对人才的选择和判断，使得供需有针对性，对学生的就业发展会有更好的推动作用。我校具有地域优势和人才优势，便于学籍数字化管理理念的推广和应用，并存在很大的向其他美术类院校推广的潜在价值。本文以笔者所在高校学籍管理工作为出发点，完成对学籍数字化管理模块的设计。在实践功能需求的基础上，设计了数字化管理架构，融合了教学、学工和后勤等多部门的需求，打破了传统高校各部门之间各行其是的管理格局，拓宽了教学管理的空间和渠道，使学籍管理工作灵活、便捷，具有很高的应用价值。 作者：曹燕凤 单位：中国美术学院上海设计学院 美术理论论文:美术学院课堂管理论文 一、美术学院课堂管理目标的明确 在美术学院课堂管理工作的优化过程中，管理目标对管理行为以及管理策略的制定发挥着指导作用。从美术学院课堂管理目标方面来看，一是突出以人为本的课堂管理理念，将推动学生发展作为课堂管理工作的重要出发点;二是实现课堂管理工作的规范性，利用秩序、制度、规则以及情感教育中确保课堂的和谐性与有序性。另外，在美术学院课堂管理工作中，教师有必要引导学生积极参与课堂管理活动，让学生能够积极配合课堂管理实践，并在课堂管理工作中发挥学生的主体性，使学生体会到更多的成就感。 二、美术学院课堂管理工作的运行 在美术学院课堂管理实践工作中，教师一是要重视创建良好的课堂环境，从而为课堂氛围的优化以及课堂教学有效性的提高创建基础。良好课堂氛围的创设要求教师能够对学生的心理需求作出了解，并通过尊重学生、推动学生价值的实现来对学生的心理需求进行满足。在此过程中教师要重视对学生开展观察并与学生开展充分沟通，从而使学生感受到教师对自身的关心、理解、信任以及尊重。同时教师需要对学生的人际关系进行干预，从而确保形成良好的学习氛围与课堂教学氛围，在此基础上，教师应当重视课堂规范的制定与落实，从而指导学生的课堂行为，以便维持良好的课堂纪律;二是对教学策略作出优化，为教学成效的提升构建基础。教学策略的制定是为教学目标的实现以及学生素质的发展服务的，因此在美术学院课堂管理工作中，教师应当针对教学内容以及学生特点来制定具有针对性的教学策略，这要求教师能够对不同学生所具有的学习经验、学习能力作出了解，并对学生在学习过程中的感知能力与能力差异作出了解，同时在教学策略的制定中可以引导学生进行参与，如教师可以出具包含多种教学策略的教学方案供学生选择，或者让学生来开展教学过程中设计，教师则通过对学生设计的教学过程方案作出优选来实施课堂教学，这对于提高学生在课堂管理中的参与性和配合度具有着重要意义;三是在美术学院课堂管理实践工作中，教师要重视提升学生的自我管理意识与自我管理能力。在此过程中，教师要引导学生认识到开展课堂管理的重要性，从而使学生能够重视课堂管理工作，并通过数字自我管理意识来配合课堂管理工作的实施。同时教师要引导学生强化自身的自控能力、自主学习能力等，从而让学生的自主管理能力得到强化，而这种能力的强化无论是对于眼下美术学院课堂管理成效的提升还是对于学生的终身发展都具有着重要意义。 三、美术学院课堂成效的评价 在美术学院课堂管理工作中，课堂成效的评价主要是对某一阶段的学习或者课堂管理效果作出评价。作为美术学院课堂教学过程中重要的构成内容，课堂成效评价对学生发挥着激励与监督作用，并且能够让教师得到十分有价值的反馈信息，并可以将这些反馈信息作为优化课堂管理的依据。在美术课堂评价过程中，教师有必要遵循以下四项原则:一是以培养学生的创新能力为出发点。在美术学院课堂管理工作中，每个学生认知水平、学习精力方面都具有着明显差异，而教师需要以培养学生的创新能力为出发点来有差异性、有针对性地对学生开展评价，从而对学生的创新行为的产生进行激励;二是重视学生在课堂评价中的主体作用。学生是课堂评价中的对象，但是同时也应当作为评价过程中的主体，因此美术学院在开展课堂评价的过程中应当鼓励学生的参与，通过引导学生开展自我评价与相互评价来发挥学生在课堂评价过程中的主观能动性，从而提高学生的学习热情;三是课堂评价要重视全面性。课堂评价中的全面性体现在两个方面，即评价对象的全面性与评价内容的全面性。评价对象的全面性要求教师在课堂评价开展中不仅要对优秀学生开展认真评价，评价内容的全面性要求教师围绕学习成绩、学习能力、学习态度来构建系统的评价指标，而不能仅仅关注一方面的内容;四是发展性原则。美术学院课堂管理工作开展的根本目的在于推动学生的全面发展，因此，美术学校课堂评价工作也应当作出作出改革，即重视学生的发展与进步，用过程评价代替传统的结果性评价。 作者：刘可人 刁文玉 单位：湖北美术学院动画学院 美术理论论文:美术教学课堂管理论文 一、树立正确科学的美术学院课堂管理观念 （一）树立正确的美术教育观念 教学观念是对教师教学价值理解的反应，教师必须持有正确的教学态度，才能够在课堂上作出积极、正确的教学行为，指导学生进行学习活动。只有当教师从心理上认可自己的工作，对美术教学予以肯定，才能够让美术教学活动更有意义，才能够将美术的魅力、美术对于社会的贡献传达给学生，让学生对于这一专业、这一学科产生热爱，从而积极地去学习知识，提升自己的能力，才能达到最终的教学目标。 （二）树立以人为本的人才教育观念 在美术教学中，学生是教学的主体，教师的任务就是要引导学生掌握正确的学习方法，从而获得美术知识和审美、创作能力。树立以人为本的人才教育观念，将培养综合性的人才作为美术教学的最终目标，才符合现代化教育的要求，才能满足社会对人才的需求。用正确的观念支配课堂管理，创作良好的美术教学氛围，让学生在学习中发挥自己的潜能，才是最好的课堂管理模式。 二、优化美术课堂教学 （一）优化美术课堂的教学内容 在美术教学中，很多学生反映，美术相关理论知识枯燥无味，知识量大而复杂，学习难度大，缺乏学习兴趣。这是导致美术课堂管理问题的原因之一。为了改变这一现状，教师可以在保证整体教学进度的基础上，适当地调整教学内容，加入一些学生感兴趣的元素，将知识进行系统化的整理，让学生在学习时更有条理性，既增强了趣味性又降低了难度，学生的学习兴致必然会随之提高。 （二）优化美术课堂的教学方式 在传统的美术课堂教学中，一般都是教师使用单一的方式将知识讲述出来，学生通过记笔记等方式来获得知识，这种教学方式使得学生难以在一堂课中从头到尾集中注意力听教师所讲述的内容，导致了教学效率较为低下。针对这种情况，教师可以采取师生互动、合作学习、理论结合实践等方式来丰富美术教学，使课堂氛围活跃起来，让学生积极自主地参与到教学活动中，自然也就能够提高教学效率。 三、抓住美术课堂的管理技巧 教师的课堂管理能力是其职业基本技能之一，在教师正式任教之前，应当接受课堂管理专业培训，掌握基本的管理方法和技巧。教师任职后，应当根据自己所遇到的教学情况，对课堂管理进行适当的调整，接受新型课堂管理培训，总结课堂管理的经验，积极与学生进行沟通，从而达到更好的课堂管理效果。 （一）制定合理的美术课堂规则 课堂管理的一项重要依据就是课堂规则。以课堂规则为中心，对学生的课堂行为进行管理，能够督促学生形成良好的课堂行为习惯。课堂规则的制定，需要结合美术教学自身的特点，并征求全体教师、学生等人的意见，体现课堂规则的民主性、公平性，让教师方便于课堂管理，让学生能够赞同、接纳，从而鼓励学生与教师一起参与课堂管理工作，实现课堂管理的最终目标。 （二）美术课堂问题的预防和处理方法 大多数教师对于课堂问题的处理仅仅是在问题发生之后才会采取手段，这种方式虽然具有一定的针对性，但其效果并不佳。教师对于课堂问题行为的管理应当从预防入手。及时发现学生可能会作出的问题行为，并进行提醒和制止。例如，教师给予良好的课堂行为表扬，让学生意识到只有规范自己的行为，才会获得教师的认可与赞美，从而做到自我摒除不良行为。亦或是通过转换课堂活动的方式，让学生相互讨论问题、上台演示等以此来预防学生上课走神等情况。 （三）满足学生学习的正面心理需求 教师的工作不仅仅是传道授业解惑，关注学生的心理需求也是重要的任务。一些学生由于长期得不到教师的关注，课堂教学参与的积极性不高，学习成绩逐渐下降，更难获得教师的关注，逐渐地形成一个恶性循环。教师在美术教学中，要根据学生的具体情况，给予更多的关爱，让学生得到尊重、得到鼓励，使其自尊心、信心得到满足，获得更大的学习动力，也就更有利于美术课堂的管理。 （四）鼓励学生进行自我课堂管理 课堂管理中，教师所做的一切工作都只是外力，更重要的是学生要能够积极地进行自我管理。在美术课堂中，有些学生在教师面前表现很乖巧，而老师一旦离开，就控制不住开小差，这就是自我管理能力差的表现。针对这种情况，可以通过强化学生的管理观念，鼓励学生进行自我管理。让学生能够在离开教师监管的情况下，依旧保持良好的课堂行为，对自己的行为负责。久而久之，形成良好的自我管理习惯，获得更为稳定的课堂管理效果。 （五）转变美术教学模式，实现美术教学合理化 课堂管理存在困难的原因之一就是学生对于自身专业感到迷茫，对未来的就业等不知所措，教师应当适当转变教学模式，培养学生将美术专业与社会实践相结合的能力，让学生意识到美术专业在社会发展中的重要地位，培养学生运用专业知识服务于社会的能力，使学生对于自我价值进行认可和肯定，积极投入到学习活动中，成长为高素质的人才。 作者：刘可人 刁文玉 单位：湖北美术学院动画学院 美术理论论文:高校美术专业科研管理论文 一、国内美术院校科研管理中存在的问题及成因 1.缺乏科学有效的评价和激励机制 美术专业具有技能性较强的专业学科特点，强调日积月累的实践创作与艺术感悟，科研成果的形式大多是作品而非论文及著作，如绘画或雕塑作品参展获奖，企业形象设计或标志设计作品被采用等。各省市按照现行的科研管理条例对高校进行综合评价时，往往没有考虑到美术类学科的专业特性，经常以文章发表及专著的数量进行衡量，以至于在美术高校填写的上报表中，许多很重要的专业成果找不到相应的填写位置，因此很难获得更多的经费支持及成果奖励。更重要的是，由于各高校的日常科研管理条例及成果统计形式都是针对上级主管部门的要求制定的，因此，这些评价和激励机制不完善直接影响到了教师的职称评定及对优秀成果的奖励。 2.学科建设及管理模式的滞后性 目前，美术院校科研管理观念相对落后，管理模式僵化。美术院校传统的学科建设组织形式以设立二级学院及直属系为主体，按专业特点进行划分：造型学院、设计学院、媒体学院、实验艺术学院、国画系、史论系等。科学研究层级结构以校、院、系、研究所、教学研究室、课题研究组等形式进行设立，课题间及学科专业间的联系相对闭塞，缺乏长期有效的合作和沟通，阻碍了项目研究及学科专业的交叉与融合。近20年，国外新兴的视觉文化研究领域对以视觉为核心的各学科综合性研究非常重视，取得了显著的研究成果。相对而言，国内一些传统学科的组织形式制约了人才的流动，已经不能适应科学研究多样性与灵活性的需求，如何科学有效的利用软件和硬件的科研资源及人才队伍，是提高美术院校科研水平的重要环节。近些年，伴随高校绩效考核制度的深化及各校间科研成果的竞争，美术院校科研管理模式的弊端日益凸显。许多美术院校普遍存在重艺术创作而轻学术研究，重设计实践而轻理论总结，重教学工作而轻专业研究的问题，这些现象不断地积增，违背了大学教育发展的规律，迫切需要建立切实有效的科研管理创新模式。 3.科研管理人员的素质良莠不齐 美术院校科研管理队伍的建设良莠不齐，引进人员的教育背景几乎和岗位工作内容没有相关联系，其大部分管理人员的实践管理知识都是通过实际工作中的经验积累形成的，缺乏针对美术管理专业的系统培训。院校对管理人员经常重使用而轻培养，继续教育的环节薄弱，进一步造成非专业的管理人员与高水平的教师队伍之间的差距。同时，高校对科研工作的重视和支持，科研成果数量的激增，不断对科研管理者的工作提出更多的要求。成为一名优秀的美术科研管理工作者，不仅要具有高度的爱岗敬业精神和认真负责的服务态度，相应的科学管理知识储备，还需掌握全面的艺术专业知识，关注文化领域的最新学术动态，这样才能适应美术专业科研管理创新模式日新月异的发展趋势。 4.美术专业科研成果的转化率低 美术专业科研成果的推广与转化工作一直是各大院校科研管理中的薄弱环节，美术院校师生创作的艺术成果丰硕，但成果转化与推广程度不容乐观，这一现象与美术院校科研管理体系建设的不足有密切的关系，现行的科研成果量化与奖励制度只重视项目数量，专利总数、、刊物级别等，没有协助教师建立成果转化相应的渠道及搭建校企合作的平台。同时，大部分教师缺乏成果转化的意识，大多数艺术家只埋头进行专业创作，忽略了艺术成果和市场经济的对接。因此，许多艺术成果仅仅停留在学术研究、职称评定、论文撰写等层面，没有积极地进行推广，使成果转化为生产力，致使科研成果严重浪费。 5.科研经费管理中的弊端 美术院校科研项目负责人大多以副高级职称及以上的教师为主，青年教师和研究生只能是项目参与人，以这种金字塔结构为主体的固有模式进行配置，致使项目研究人员的组成缺乏多样性与灵活性。然而，科研项目的创造性劳动，绝大多数是由这些年轻人承担，他们长期大负荷的工作，却无法成为项目的主要承担人，这种过于严格的项目申请资格的规定，虽然符合国家的项目管理要求，但在实际应用中，却间接抹杀了青年教师及学生的创造热情，无法直接地激励他们的创新思维，阻碍了艺术创新成果的产生。近年来，国家对科研项目的资金支持逐年增长，而对于承担人员资格的过度限制，使得大量的科研经费集中于少数人的手中，科研成果的数量和质量不能得到有效的监控和保证，出现了同一成果多头结项的现象，严重影响了科研经费的良性运转。 二、提升美术院校科研管理水平的策略与途径 1.科研资金组织与资金管理优化 美术院校的科研资金组织与资金管理需要根据学科特点进行优化，参考国外诸多大学的管理模式，对我们的管理创新颇有启发。比如，我国科研项目的管理经费的报销环节，人工费用还需通过其他途径进行支付，这凸显出管理制度中相关条款的不合理现象。国外大学从申请项目时，就已经严格进行了预算明细审核，项目研究过程中的经费使用严格按照预算来执行，报账的管理体系与预算的管理体系完全分开。项目经费以直接费用和间接费用两部分进行划分，间接费用的比例可占到实际费用的一半以上，项目研究中的材料费及研究人员的福利都很多。同时，项目研究中对学校内设施的使用也要收取费用。这种资金组织及管理的透明化是需要我们借鉴的。 2.人才培养与科学研究紧密结合 科学研究与人才培养同时进行，已成为国外高校科研管理中的成功案例。在美国，人才培养与一些项目研究相联系，导师招收博士生的数量与项目直接相关，博士根据导师的项目经费及研究需要来做助研工作。导师可招收博士生和博士后的数量很大，在国外一流的大学里，学术研究的辅助队伍是相当庞大的。这种管理模式为我国美术院校的科研建设提供了诸多启示。回望美术创作的发展早期，可以追溯到师傅带学徒的作坊，在规模庞大及有名望的作坊里，一位师傅拥有众多的学徒，完成大的艺术定件。这种传统的艺术创作模式与国外的科研体系有很多类似之处。首先，它可以降低进入研究领域的门槛。其次，它可以在创作与研究中培养学生。最后，它可以为国家节省大量的学费资助及科研人员工作费用。需要严格把关的是相应制度的建立，当学生参与学校的研究项目时，对该生的各种成果及学术能力的综合评定，必须有相应的顾问来监督，并设立学科组对该学生进行评分和最终的资格考核。 3.发展战略组织与科研理念优化 西方发达国家中许多大学科研管理制度的建设比较完善。美国所有大学几乎都有科研管理手册，手册中对不同专业的科研管理都有详细的规定，而且各大学的管理制度如出一辙，普遍性原则对所有研究人员及机构都是适用的。统一的标准，营造了公平的学术环境。因此，我国高校美术专业科研管理也应根据学科的特殊性，设立行之有效的统一管理模式，美术类院校与其他高校科研管理的不同之处，主要在于众多复杂多变的艺术成果形式的评价与鉴定，全国美术类高校的科研工作基本相同，统一的艺术科研管理体系在全国院校都是可以使用的，具有共通性。因此，全国统一的美术科研管理体系有待建立，这既是提高管理效率及各院校横向比较的迫切需要，又是全国学术水平认定规范化的必然举措。 4.营造良好的管理文化环境 国内美术院校科研管理的文化有很多弊端，整个管理模式都是行政体制下的管理，缺乏学术研究的管理文化。许多高校把科研管理制度简单理解为项目管理、工作室制度、科研经费管理等，这是非常片面的，高校的科研管理制度不只是用于规范教师与科研人员的日常工作，更应自然成为每位教师心中的管理符号，形成普遍的约束力与认同感，同时对所有教师的行为与意识产生潜在影响。因此，以人为中心的人本管理，是高校科研管理的核心及发展方向。所谓人本管理，就是指在高校科研管理的所有活动中，首先应把教师放在最重要的位置，以服务教师学术研究的全面健康发展为宗旨，充分调动教师和管理者的积极性与创造力，从而使高校的学术成果获得效益的最大化。 5.美术专业科研管理信息系统的研发 随着科学技术的飞速发展，以数字媒体为代表的互联网管理技术的研发水平日新月异。经统计表明，全国绝大部分高校已采用了计算机和管理软件进行日常科研管理工作，但缺少适合不同学科特色的管理软件研发。因此，结合美术专业自身特点，自主开发适合美术专业科研管理的信息系统是十分紧迫的工作。现代信息技术监测在科研成果认定、质量监控、制度决策及成果创新过程中广泛应用，对于简化科研管理的流程，提供科研信息与数据的统一与利用，加强管理的科学性具有重要作用。互联网管理技术不只是信息化管理的媒介，还将成为管理工作的重要手段，伴随着数字媒体网络技术在美术院校科研管理中的应用，美术院校科研管理工作必将走向信息化与规范化。 三、高校美术专业科研管理评价体系建设与实践 全国独立的八所美术院校（中央美术学院、中国美术学院、天津美术学院、湖北美术学院、广州美术学院、西安美术学院、四川美术学院、鲁迅美术学院）经常组织联席会议，针对美术专业科研管理方面的问题进行研究与分析，内容涉及科研量化指标体系的建设、科研质量鉴定、科研成果转化、学术规范及学术不端行为的惩戒等。会议提出学术规范与管理规范的界限不能混淆，要把科研成果的量化管理变成社会评价、学术评价、长期评价而非单位评价、工作评价、短期评价的结果；要对当下美术院校的学术成果评价进行全面的检讨和反思，努力实现从行政思维转向学术思维，从形式评价转向内涵评价等问题。同时，针对部分高校试行的科研成果统计方法进行近一步探讨。试图建立起一套分值换算的方法进行美术成果量化的评价体系。美术院校科研成果评价体系由统计表格、分值说明、参考目录三大部分组成，统计表格与分值说明中10个方面的内容依次对应。首先，教师可以按科研成果形式的分类在表中填写内容，填好后根据分值说明计算分值，最后得出当年获得科研成果的总分值。例如，体系中将教师参展分成四个等级，一级为国际大型展览或国家级展览；二、三级为全国美术家协会和各专业艺委会主办的展览；四级是各省市美协主办的艺术作品展。科研处根据四个展览等级，分别列出历年展览的具体名称和相应分值。教师在填表时，很快就能查找到参展级别与获得分值。科研成果分值量化管理以整年为一周期，其中设有最低分值：助教最低需获得8分；讲师最低需获得10分；副教授和教授最低需获得15分。三年为一个奖惩周期。这种分值量化的方法，不仅为美术院校中不同专业的横向比较提供了依据，也为全国高校美术专业的总体衡量带来了可能。这些方法的探讨无疑为高校美术专业科研管理的科学发展带来了新的活力。高校的逻辑起点首先应是高水平的学术研究，因此，学术是高校的安身立命之本，那么学术管理也就成为高校发展建设的重要环节。科研管理无论采用何种运行方式，都应是保证和服从于学术研究及教学实践的。科学的管理方法对高校的长远发展具有非常重要的意义，高校科研管理部门的工作包括了特定的研究涵义，也就是说，高校科研管理具有其自身研究的学术价值，针对美术专业教学科研的实际需求而开展的学术研究，制订教学科研总体发展规划和计划；面向美术专业科研管理者的实践业务和管理专业的培训方案，对科学合理地做好美术专业科研管理工作具有非常重要的学术价值与实践意义。 作者：范晓楠 单位：天津美术学院 美术理论论文:技校美术课堂管理论文 一、技校美术课堂管理存在的问题 1.学生问题行为较多，课堂秩序较为混乱 在国家大力发展职业教育政策的推动下，技校学生数量逐年增加，学生来源也复杂多样，水平参差不齐，总体生源质量逐步下滑，给教学带来了很大压力。在美术课堂上，学生注意力不集中，自控力差，睡觉、聊天、喧哗、随意走动、恶作剧、玩手机等问题行为非常普遍，课堂纪律较为混乱，学生的声音经常盖过老师讲课的声音。老师总是不断加大音量，竭力维持课堂纪律，但效果不理想。课堂上很多时间浪费在维持纪律上。还有一类学生不吵不闹，但对学习没有兴趣。不听讲，也不按老师的要求去做。这些问题都影响了教学目标的完成。 2.学生缺乏合理的学习方法，合作意识不强 美术课经常要进行小组合作，有的学生能够积极参与，有的学生进行低效或无效的合作，还有的学生则袖手旁观。有的学生准备齐了美术工具和材料，有的学生没有准备，有的会向别人借用，有的又不愿意借，表现出许多不会合作、不愿合作的现象，同时一些学生学习兴趣不高，对作业也是敷衍了事。 3.教师的教学方法和课堂管理方式陈旧 面对学生在课堂上表现的各种问题，有的教师会不断停下讲课，花很多时间尽量维持课堂纪律，但影响了教学效率。有的教师有时在难以忍受的情况下会批评学生，甚至出现训斥学生的情况，这就造成了师生的对立。还有的教师为完成教学进度，只顾着对少数愿意学的学生讲完自己的教学内容，不理睬其他学生的问题行为。这些课堂管理的方式都不利于整体课堂教学效率的提高，不利于完成教学目标。 二、技校美术课堂管理存在问题的原因分析 除了技校生源素质下滑等共性原因之外，美术课的特殊性也是美术课堂管理较难的原因之一。美术课需要准备许多工具和材料，有大量的动手实践，不仅要在教室上课，还要到户外写生，上美术理论和欣赏课时还需要到电教室上课。特别是老师在为学生个别示范、辅导和修改画时，难以顾及到其他学生。学生不带或少带美术工具所引起的说话、走动等行为也是影响课堂纪律的重要原因。课堂秩序的混乱现象也与教师在课堂管理方面的方法措施不力有密切的关系。 三、技校美术课堂管理的优化 1.优化美术课堂空间管理策略 优化美术课堂空间管理就是改革传统课堂的排座形式，采用有利于美术课堂教学的排座形式，比如雁阵模式。它在改善课堂学习气氛，大范围提高学生成绩，促进学生形成良好意志品质等方面有显著的效果，是被世界教学理论界公认的最成功的教学改革之一。具体做法是：每三个人一组，每组派一个专业最好的作为头雁坐在前面，身后左右两侧各坐一名普通学生，共形成十多个小组，充分发挥学生合作学习的作用，每个学期再根据学生的专业成绩适当调整位置，起到以点带面、承前启后的作用。同时，尽量避免问题行为多的学生坐在一起。 2.优化美术课堂的时间管理 由于学生之间差异较大，教师在给学生安排技能训练内容时要有充分的估计，要使所有学生都在几乎相同的时间内完成。所以可以对基础高低不同的学生分层布置难度不同的训练内容，做到不同层次的学生在整个教学时间段内都有事可做。 3.优化教师的课堂管理能力 教师是课堂管理的主体，要多学习课堂管理理论和策略，加强课堂管理的能力。课前要做好充分的准备，熟悉教学内容，分析学生情况，做到胸有成竹，处变不惊，应对自如。要建立课堂常规制度，让学生在制度的约束下逐步形成良好的习惯。培养良好的师生关系，对学生进行合理评价，一切从激励学生出发，让学生体验成功的喜悦，培养他们的学习兴趣。课堂管理是教师教学艺术的重要组成部分，只有做好课堂管理，才能把知识更好地传授给学生，才能使技校美术教学得以升华。 作者：熊伟 单位：江西工业技工学校 美术理论论文:美术院校科研管理论文 一、美术院校科研管理者心智的开发 美术院校科研管理首先应开发管理者的心智，树立服务的意识，用一颗本真之心为教师提供服务，从而摆脱权利的意识，建立起管理者与教师间的良好关系。彼得•圣吉曾提出著名管理理念：“三流管理者学管理知识，二流管理者学管理技巧，一流管理者修炼管理心智”。管理，其实就是管好人、理好事。管人常是管事的前提。那么，管人的关键在何处？在心灵。管好人的心灵，方能管好一切。而从某种意义上来说，心的管理就是禅的管理。因为，禅宗又名心宗，讲究明心见性。所以说，佛法中的禅的智慧就是心的智慧，禅的管理就是心的管理。在中国历史上管理阶层和社会精英，从苏东坡到雍正，都非常重视禅宗。因此，将禅宗的智慧用于现代管理具有独特优势。 1.禅与艺术的密切关系 为何要在艺术院校的科研管理中引入“禅宗管理学”？那是因为禅与艺术自古有着非常密切的关系，对艺术创作产生了深远的影响。禅，起源于印度。它是梵语“禅那”的简称，意为：“静虑思修。”我们现在所说的中国的禅，起源于南印度的菩提达摩祖师。佛教传入中国后，从东晋南朝译读佛经开始消化佛学至释迦牟尼的佛教心法与中国文化精神结合而形成禅宗，佛教在中国一步步地完成了本土化，渐渐与中国的艺术水乳交融，为艺术带来新内容、新特点、新思路，成为构成文艺灵魂的因素之一。禅与艺术都强调个体心灵的自由，都重视心性，是对生命的自我意识的张扬。禅是看入本性的艺术；艺术是看入本性的禅。禅与艺术都是对人类本性的审美观照。禅宗在创作思想、审美情趣等深层文化心理结构方面，深刻地影响了中国艺术家。因此，在科研管理中引入“禅宗管理学”的方法，更能使管理与艺术家的创作有效契合。 2.禅在管理中的运用 如果说西方管理学以“术”见长，那么中国传统管理智慧则以“道”为尊。“道”是东方管理的精髓，属柔性管理，与西方的刚性管理有很大区别，其中最精髓的地方就是“觉悟”。中国的管理不靠制度约束也不靠奖金刺激，靠的就是觉悟。在现代管理中出现了禅宗管理学，又名管理禅，强调管理者要有一颗觉悟的心。“管理禅”不重视制度，讲究超越现实矛盾，追求心灵自由。它不废弃经教义理，但也不拘泥于制度管理，而是活泼地把握住禅的精神所在，弘扬一种创新、自信的积极生活态度。传说少林的僧人能喝酒吃肉，因为他们是为了护法，喝酒吃肉却不因酒肉而心动。所谓“酒肉穿肠过，佛祖心中留”。制度是要守，但最重要的是心中要有信念。反过来，如果一味靠制度，制度总是会有漏洞的，管理者又如何能自觉执行呢。禅与艺术创作的密切关系，使得许多艺术家在创作中通过静修来体悟禅悦从而创造出具有“禅趣”的艺术作品。因此，“管理禅”的理念和方法如能运用到美术院校的科研管理中，为艺术家更好地营造禅定的创作环境，必将起到事半功倍的效果。 二、“管理禅”在美术院校科研管理中的运用 我们可以通过一个佛禅小故事更好地理解禅修的精髓：三伏天，禅院的草地枯黄了一大片。“快撒点草种子吧！好难看哪！”小和尚说。“等天凉了。”师父挥挥手，“随时！”。中秋，小和尚去播种。秋风起，草籽边撒边飘。“不好了！好多种子都被吹飞了。”小和尚喊。“吹走的多半是空的，撒下去也发不了芽。”师父说，“随性！”撒完种子，飞来几只小鸟啄食。 “种子都被鸟吃了！”小和尚着急。“没关系！种子多，吃不完！”师父说，“随遇！”半夜一阵骤雨，小和尚早晨冲进禅房：“好多草籽被雨冲走了！”“冲到哪儿，就在哪儿发！”师父说，“随缘！”一星期过去，光秃的地面长出许多草苗。小和尚高兴得拍手。师父点点头：“随喜！”这则小故事可以给美术院校科研管理者很好的启示。随时——面对高效快捷的社会发展及当代艺术复杂多变的现状。跟随教师创作状态和艺术作品发展规律之“时”，随时发现优秀成果，随时奖励，不要制定严格的成果奖惩周期，营造和谐创作氛围。随性——面对不同专业的艺术特点，顺应个性，不能实施“一刀切”的管理模式，应制定不同方案给予奖励及资助。随遇——教师的艺术创作经常是慢工出细活，然而面对职称评定中的硬指标，总会有很多不如意，作为管理者应及时引导教师沉下心来，做“随遇”者，不是不思进取，而是能够淡定从容地面对困难挫折，得之坦然，失之泰然。随缘——面对性格秉性迥异的教师，不苛求。美术院校的教师很多都个性极强，对学校管理制度常会有不满情绪，作为管理者应给予他们足够的理解。这些教师只是观点与想法不遵守规定，但对自身的创作研究却非常严谨。我们应首先审视管理规定的合理性，同时给予个别教师最大限度的自由。随喜——面对暂时无科研成绩的教师，管理工作不能急躁，管理者应静下心来“等一等”。 一个“随”字，参透美术院校科研管理的许多禅机。科研管理者不能急功近利，漠视规律。过早地提出过多管理条款，过度地逼迫教师出成绩，做一些“舍本逐末”的事情，无异于饮鸩止渴、缘木求鱼。教师的艺术创作，要经过“随时”的播种，“随性”的选择，“随遇”的淡定，“随缘”的生长，最后才能达到“随喜”的萌发。同样，一名管理者面对教师的研究创作，只有经过“随时”的服务，“随性”的遵循，“随遇”的超然，“随缘”的等待，才能享受到“随喜”之福。如果说，随时、随性、随遇、随缘、随喜是艺术创作的生命节拍，那么，随时、随性、随缘、随遇、随喜，就是美术院校科研管理者的管理节律。世界万物皆有规律，都有自己的缘法，都有各自的运行节拍。 三、总结 禅宗管理学中需要管理者进行心性的修炼，而人性中的心性往往是不明显、深藏的，需要一个有智慧的管理者来开发。拥有宽容、劝诫、智慧、引导能力的管理者会像一个禅师，掌控自我和教师心性的相通。这样的管理者会更好地在管理工作中激发教师最大的潜能，从而使个别教师的优秀变为“人人优秀”。现代管理学之父德鲁克曾言“所谓伟大的组织，就是让平凡人做出不平凡事情的地方。”当美术院校的管理者用本真之心为教师打造良好的创作环境时，就已开始走在打造伟大组织的路上了。 作者：范晓楠 单位：天津美术学院 美术理论论文:美术专业提升艺术理论素养思考 作者：张宽武 单位：郑州大学 作为一位从事高等院校美术教学的教师，我时常会为学生艺术理论知识的困乏而感到疑惑和惊讶。之所以会疑惑，是因为在我看来，作为一名接受高等美术教育的学生，不但要画得好，而且要对中国古代、近现代以及西方的绘画思想、理论、流派等都要有一个较为系统的了解；而令我惊讶的是，目前许多学生大都片面地认为只要把画画好，那些理论知识都是一些玄之又玄的空话和套话而不愿花大力气学习。其实，凡是正在从事美术教学和研究的工作者都会对这种疑惑和惊讶深有感触，也会对这种现状深感忧虑。尤其是近年来随着高等院校美术专业的招生规模的扩大，此类问题愈加令人担忧。倘若任其发展，不对其进行认真分析和思考并找出对策，那么在未来的发展中势必会造成中国整体美术教育质量的降低，对中国美术的未来发展产生不利影响。 一、高等院校美术专业学生理论素养低的原因 具体来说，高等院校美术专业学生理论素养低，既有学生自身的原因，也与社会、学校教育和教师素质有极大关联。 首先，学生对绘画缺乏全面认识和真正兴趣，重技法轻理论。有一些学美术的学生并不是一开始就对美术产生了浓厚兴趣，由于语文、英语、数学等分数低、基础差就转而学习美术，考美术只是一种临时的决定而非发自内心的兴趣与喜爱。此外，美术类高考招生对文化课成绩的要求较之其他专业相对要低，而近几年高校的扩招，对学生的文化课成绩的要求又比以前更低。等这些学生考上大学以后，由于本身文化程度偏低，再加上对自己的学习缺乏明确的目标，在专业学习时还一味看重自己所赖此考上大学的专业技能技巧的训练，以为只要画得好、画得像就等于学好了绘画。在思想认识上，对自己绘画技法和创作水平的提高很容易满足，觉得理论枯燥、抽象、乏味而忽略了对艺术理论的学习，致使自身对艺术的精神境界和内在本质认识不够，最终制约其创作实践水平的提高。因而，有识之士大声疾呼：“目前，美术教育中最大问题是不注意人的智能、想像力以及美术思想和社会意识方面的充实启发，更忘记了美术是人的事，必须培养出生动活泼的人，才有生动活泼作品……因之，当代美术教育，以技术培训为主，无论从培养画家，还是提高整个国民素质而言，皆不可取。”这确实值得我们认真加以反思和总结。 其次，高校美术教育思想和观念陈旧，专业与课程建设缺乏理论深度，缺乏自由开放的精神和艺术创新意识。目前，许多高等院校美术系在教学安排上主观随意性很大，理论课与实践课的课时比例严重失调，无视“因材施教”的传统教育理念，较少考虑各类学生的实际需求，没有从根本上对美术课程体系进行有步骤、有特色的深入研究，没有正确处理好美术课程与其他人文课程的关系，使得学生的艺术敏感度和对艺术理论能力的掌握都受到限制。 再次，高校美术教师重创作指导而轻理论引导，且自身理论素养有待进一步提高。由于受当前商业大潮的冲击和市场经济的负面影响，有一些教师往往急功近利，缺乏敬业精神和教学责任感，重视对学生绘画技法的指导而忽略绘画理论的学习，不注重借鉴相邻学科的知识，视野狭窄，见识短浅，偏重一些实用性较强的知识而不注重对自身教学理念、教学手段和教学方法的革新。长此以往，无疑会给美术专业学生理论素养的提高产生消极影响。 二、高等院校美术专业学生提高理论素养的意义 爱因斯坦在《培养独立思考的教育》一文中指出“用专业知识育人是不够的。通过专业教育，他可以成为一种有用的机器，但是不能成为一个和谐发展的人。要使学生对价值有所理解并且产生热烈的感情，那是最基本的。他必须获得对美和道德上的鲜明的辨别力”。从中，我们可以解读出完善专业教育的必要性，看到教师的责任感和使命感，而且可以解读出学生全面发展的重要意义。应用在高等院校美术教育中，那就是要把美术专业教育完整化，不但要学习专业技能，而且要加大理论学习的力度和强度，要求我们所有的美术教师要用心和学生进行沟通交流，把理论学习提升到一个与技法学习同等重要的高度。因为，优秀的艺术理论是无数画家和画论家长期实践的结晶，是绘画艺术发展的航灯，使画家和观众能够在理论的指引下找到自身评判艺术的标准和方位。正如陈传席在论及傅抱石的绘画成功原因时所进行的深情、合理的论述：“他绘画之成功……其中有一点要注意，就是他精通美术史”，“古今第一流大画家没有不通美术史的……。艺术固然是以技术为基础的，但却不是以表现技术为目的，技术不过是表达画家性情的一种工具，而且这种工具还要靠人的知识修养去控制……最重要的是，美术史作为学术能丰富人的精神，充实人的心胸，提高人的品质，增益人的学问”。其中深意振聋发聩，需要每一位有志于在绘画方面有所建树的学生细细咀嚼和玩味，以期对自己有所启示。理论永远是先行的，不论它是合理的，还是有失偏颇的，它都会对现实的艺术发展产生重要影响。可以说，美术界每一次大的浪潮都是由美术理论思想和观念的变革而引起的。当前诸如“中国画已经走入了穷途末路”、“中国画面临走向死亡的必然命运”、“中国画之墙非倒不可”的争论便是明证。由此，不重视理论的学习就会使我们迷失艺术的发展方向，就会使我们在当代艺术多元发展的进程中患上“失语症”，进而影响艺术技法的提高和改进。中国画何去何从的问题归根结底要寄希望于绘画思想和理论的创新。因此，我们当前迫切需要真正有价值的学术性的理论研究来引领，迫切需要高等院校重视对绘画理论人才的培养，迫切需要学生重视对艺术理论的学习和研究，以期在将来担当起开拓绘画理论话语空间、培养绘画人才的历史重任。 三、当下高等院校美术专业学生提高理论素养的对策 第一，美术教学和招生要有当下意识，注重学生全面知识的学习。当前几乎所有的美术教育在招生、教学上都是重视素描、速写、色彩等必需的专业训练，而忽略对学生全面知识的讲授，强调工匠式的教学而不是培养具有专业素养的画家，进校后仍然整齐划一地重复着这样的训练，使得我国美术专业的学生只是拥有几本画册和美术专业书籍的技术型学生。与此相比，“西方的美术系学生美术专业的学分只占40%，文史方面的学分占40%，还有20%要到数理化等学科中去选。这就是说他们注意培养有全面知识的人才而不是培养工匠。”更亟待解决的是，我国美术专业的学生对传统文化的冷漠和对绘画技法的过度关注令人担忧，我们必须要从根源和制度上改变当前高等院校美术专业的教学和招生，把当下意识贯穿其中，与时俱进，积极地融入活生生的社会现实。#p#分页标题#e# 第二，提高思想认识，开展多种形式，把专业技能学习与理论学习相结合。高校美术院系应该大胆革新教育理念，合理平衡美术技能课与理论课的课时比例，正确认识理论素养的提高对于学生、学校、社会的重要影响和巨大作用，从教育体制到教育体系上给理论学习以准确定位。学校、院系可以通过多种形式有效开展理论学习，邀请校外真正具有高超理论素养的专家和学者到校开设讲座，变抽象为生动，提高学生学习理论、研究理论、创新理论的兴趣。 第三，抓好美术课堂教学，不断强化理论学习。课堂教学是加强对学生理论学习的重要平台和直接途径。艺术理论的学习和研究应该穿插到美术专业各科教学之中，要特别强调在专业课中渗透理论研究，挖掘专业课的理论深度和内涵。在学生绘画过程中，教师就要有意识的培养学生的思维和表达方式的独特性。因为美术创作所要求的形象思维、直觉、灵感以及创造力等都可以在理论知识的讲授中得到体现。尤其是在讲授美术史论与美术鉴赏的过程中，教师应着力引导学生分析美术作品背后所蕴含的价值取向和审美意味，把重点落实到培养学生健全的人格、自由开放的精神和艺术创新意识上来。 第四，不断完善美术教师的人格魅力和理论素养，激发学生提高理论素养的自觉性。教师的人格魅力，对于学生的专业学习有着特殊的意义。俄国教育家乌申斯基认为：“只有人格才能影响人格的形成和发展，只有性格才能形成性格。”教师的人格具有崇高的价值，对学生具有巨大的感召力、凝聚力和渗透力，因而所有美术教师要明确自己在学生心目中的重要地位和影响。教师在教学活动中处于主导地位，教学内容能否跟上时代的步伐，教学理念、教学手段和教学方法是否先进，关键在于教师的素质和责任感。由于理论本身具有抽象、枯燥的特点，这就要求高校美术院系的教师要有深厚、扎实的理论功底，能在教书育人的同时，拓展思路，迸发创造灵感，以生动、具象的语言把美术理论和美术作品中所反映出的不同时代、不同国度、不同民族的绘画艺术以及画家的生活、经历、特点讲授给学生，启发学生思考，激发学生提高理论素养的自觉性。 第五，以优秀的绘画理论和优秀艺术家的事迹潜移默化地影响学生。无论是中国古代画论、中国近现代画论，还是西方画论，其精华都能给我们当下的绘画创作以高屋建瓴的指导和启发，例如魏晋时期顾恺之的“传神论”和谢赫的“六法”等。此外，古今中外所有优秀艺术家的事迹都会给学生直观、亲切的感受，使其见其文字、画作而想见其为人，不觉中深受感染，陶醉于艺术的愉悦之中。提高高校美术专业学生的理论素养迫在眉睫，它是一个系统工程，需要社会、学校、教师、学生的多方努力，需要我们开动脑筋，积极思考和解决这些问题，化解困扰当下阻碍高校美术发展的种种矛盾，推动我国高校美术教育的良性发展。 美术理论论文:高校美术教育心理学创造性理论 本文作者：李文奎 单位：枣庄学院美术与艺术设计学院副教授 地方高等学校的美术专业，经过十多年的增设和发展，达到了前所未有的办学规模。本文尝试从教育心理学层面探讨当下地方高校之美术教学活动中亟待解决的几个问题。 一、激发学生的心理动机 众所周知，高校美术教育是一种带有强烈情感因素的教学活动，需要心理动机的参与。学生如果处在被动的地位，绘画对象和教学过程没有激发出其积极的情感动力，就很难产生浓厚的学习兴趣，学起来也就自然缺少热情了，产生厌学之感也就在所难免。教师在教学中如果不能有效激发学生的心理动机，教学的效率会大打折扣。心理学研究表明，兴趣产生的生理动机，是由于人的大脑存在一种“定向反射”的机制。定向反射是个体回答外界刺激物作用的基本反射活动之一，也是人们感知活动的最初基础。拿绘画而言，人的大脑有一个叫做“皮层”的部分，当人通过视觉感知绘画对象时，视知觉神经就把空间、形状、色彩等信息，作为一种刺激信号传送到大脑皮层，在这种持续刺激作用下，相应的神经中枢就发生相当稳定的兴奋中心，形成优势兴奋中心，这个中心便立即使学生的心理活动能够在一定时间内集中在某个特定的对象上面，从而建立起学习的兴趣。兴趣的生理动机与优势兴奋中心的关联紧密，优势兴奋中心的形成容易，消失也迅速；如果外在的刺激信号减弱，优势兴奋中心也便消失；兴趣也随之消退下来。在美术教学活动中，如何建立和保持这种兴趣的心理动机呢？一方面作为训练对象本身的石膏、静物、人物、风景等要具有一定强度的刺激性。绘画的对象如果不能使学生产生浓厚的兴趣，尽管在课堂上学生可以硬着头皮去画，但无法建立心理动机，产生不了兴趣，教学效果可想而知。倘若绘画对象（客体）有了一定强度刺激，触发了学生（主体）的兴趣，主体就容易建立起心理动机。心理动机持续越长，兴趣维持得越持久，学生的学习效能性就越好。另一方面，要充分释放学生主观上的表现意识。长期以来，在地方高校的美术教育活动中，有的教师不注意采用恰当的教学方式方法，无意中压制了学生艺术表现的主观意向，使学生处于心理动机的压抑状态，当然也就不能使兴趣成为艺术创作的动因。教师要给学生更多自由的思考和表达的空间，使之依靠积极的心理动机有效地调节学习活动。 二、打破学生的思维定式 思维定式这个问题颇为复杂，涉及深层的心理学问题—思维。美术教育离不开思维的参与，比如静物课，要把静物准确地再现在画纸上，就需要综合运用多种思维。学生经过反复练习之后，思维便形成了一种固定的模式。这种模式一旦形成，在开始下一幅作业时，虽然面对新的绘画对象，但其心理活动仍会沿着以前的模式支配自己的观察和表现，这种心理活动就属于思维定式。思维定式是人们从事某项活动的一种心理准备状态，也是人们长期形成的一种习惯思维方向。具体来说就是人们在长期的思维过程中所形成的一种思维条件反射，或者说是一种固定的思维方式。思维定式有其积极的一面，能帮助学生形成一定的观察方法和表现技法，但是也有很明显的负面影响。比如有的画家其作品风格数十年如一日，除了绘画对象不同之外，线条、色彩、构图等艺术语言都是万变不离其宗，这实质上都是受到思维定式影响的结果。同样这种消极的思维定式也会给教学带来不利的影响。有时候一门课程教授下来，学生的习作和老师的风格相近甚至完全相同，学生的个性和创新性受到了很大制约。科学的思维模式是绘画活动的保证，要想运用科学思维方式，就要先打破思维定式。在教学活动中，一方面教师在自己的创作和教学活动中要努力克服思维定式的束缚，做好示范；另一方面要帮助学生及时发现和纠正其在绘画过程表现出来的思维定式，养成创造性思维模式。 三、培养学生的创造性思维 在美术教学活动中，心理训练的主要目标在于培养学生的创造性思维。创造性思维是高等美术教育的内在要求，也是高等学校美术专业培养目标的灵魂。这是因为艺术创作是一种创造性的活动，有了创造性思维才能有艺术创造力，有了艺术创造力才能产生优秀作品。创造性思维是推进艺术向前发展的动力与源泉，比如徐渭、郑燮、齐白石、吴冠中、凡•高、毕加索、高迪等艺术大师，正是由于他们的独特的创造力，才为人类留下了开艺术新风的佳作。脱离了创造性，艺术将会失去生命力；缺乏创造性思维,艺术家也将会停滞不前。当前教学体系中的基础课程往往缺少对学生创造性思维的训练，仅仅要求学生将对象真实地再现出来为教学目的。而带有思维性训练的创作课在体系中所占比例非常小，有些教师缺乏进行创造性思维的训练意识和方法，以至于在创作课上，学生只是把一些素材生硬地搬到一起，而不能把自己的创造性思维贯穿于艺术创作活动中，这样创造出来的作品缺乏鲜活的艺术生命力，很难称之为有个性的创作。在培养学生创造性思维的教学活动中，教师需要起到主导作用，要充分运用心理学的知识，形成一套科学、系统的训练方法。创造性思维是渗透于绘画始终的，从基础课就要开始将创造性思维潜移默化地渗透其中，要注意引导学生运用创造性思维来感知对象、表现对象和调控心理。培养学生创造性思维还需要在教学中激发学生的艺术个性，尽可能地培养学生的自我意识和想象力，鼓励他们大胆地去创造。在绘画过程中要激发学生对绘画对象产生独特感受，培养学生的敏锐观察力，促使学生形成个性鲜明的艺术表现语言。要积极鼓励学生敢于超越自己，超越他人，超越过去，逐步发展出创造性思维能力。 总之，美术专业学生的创造性思维，是可以通过有意识培养获得的，关键在于美术教育者能否积极地去引导和采用恰当的方法帮助学生养成创造性思维。结语当前我国高等教育体系中的地方高等美术教育还存在许多有待完善之处，还在寻求一种更符合学生学习心理的教学形式。本文从教育心理这一层面，结合教学实践，从心理动机、思维定式和创造性思维三个方面对地方高校美术教学的现状及存在的问题进行深入探讨，以期在课程结构改革、教学方法优化等方面提出创见，进而建立一种在充分观照学生学习心理基础上将技术训练和心理训练有机结合的、循序渐进的教学模式。希望与地方高校的美术同仁一起致力于探索美术教学新模式，全面提高高等美术教育质量，培养出更多的优秀美术人才。

音乐教学论文:浅论音乐教学中的德育渗透 《中国教育改革和发展纲要》指出:“教师应当把德育贯穿和渗透到教育和教学全过程中,并以自己的楷模作用,促进学生的全面发展。” 音乐教学含有丰富的德育内容。音乐教学中的德育是以爱国主义教育为中心展开的。此外,音乐教材中还教育学生爱家乡、爱自然、爱学习、爱劳动、爱科学,树立远大理想、继承革命传统,尊敬师长、互相友爱等,从多种角度帮助学生形成高尚的道德品质。 音乐教学应通过生动的音乐形象,在进行审美教育的同时,动之以情,晓之以理,寓德育于美育之中,不断发展学生德育上的自我教育能力。 一、增强德育意识,从备课入手,挖掘教材中的德育因素。 教师应当牢固地树立德育意识,以教材为内容,以课堂为阵地,认真钻研教材,分析和挖掘教材中的德育因素,做到每堂课都能有德育的侧重点。 有些教材具有明显的思想教育目的,属显性教材,如:《我们多么幸福》、《颂祖国》、《咱们从小讲礼貌》等。而还有一些教材,如:《到小熊家里去》、《金扁担》,《小乌鸦爱妈妈》、《看龙船》等歌曲,被称为隐性教材。这些教材丰富的德育内涵和深刻的哲理需要教师在备课时去挖掘、发现和理解。如:歌曲《看龙船》表现了端午节热烈紧张的赛龙舟场面和兴奋激动的心情。在学唱时,除了让学生了解爱国诗人屈原的故事外,还应联系祖国美好的今天,引导学生分析歌词,理解“屈原爷爷看见了也会笑得胡子翘”的深刻含义。 二、寓德育于音乐艺术美之中 《九年义务教育全日制小学、初中音乐教学大纲》明确提出:“音乐实施美育的重要途径。”还特别提出:“音乐教育应寓思想教育于音乐艺术之中。要注意音乐知识教学、音乐能力培养,思想品德教育的配合。” 作为美育手段之一的音乐教育,它对于陶冶情操、品行修养,树立正确的审美观起到独特的作用,教师应紧紧抓旋律、节奏、音色、拍子、曲式、和声等音乐要素所塑造的形象,诱导学生进入歌(乐)曲意境,抒发美好的情感。让学生在理解美、表现美、鉴赏美中培养高尚的情操和道德。 在学唱《国歌》时,除了让学生了解它的歌词意义、时代背景、作者生平外,更要抓住歌曲中号角式的呼喊,再三强调的“前进”,后半起的急切呐喊及三连音的运用等音乐本身的特点,既准确地表现了歌曲,又激起对祖国无比热爱之情,进而树立时代责任感。同学们在演唱时严肃、自豪、情感真挚,可谓是情不自禁,寓理于情、情理交融。 《放学歌》是一首以教师护送学生放学离校为题,尽情抒发了学生对教师热爱之情的歌曲,在教唱时,应注意到三拍子的叙事性及抒情性,引导学生充分投入感情,动情地歌唱。“教师辛苦了,教师再见了……”学生在演唱时情真意切,充满了对教师满腔的爱。在生动的感情体验过程中,受到艺术的感染、熏陶和教育。 三、寓德育于教学的全过程 教师要认真设计教学中的各个环节,使德育渗透在教学的全过程。不追求形式生硬说教,要见缝插针联系实际。 要制定切实可靠的音乐常规来训练学生讲文明、有礼貌的好习惯。从学生步入音乐教室、师生问好、坐站姿势等都要养成一定的规范动作,以培养遵守纪律、举止文明、尊老敬师的良好行为,基本训练要通过发声练习、节奏训练,听音练耳等培养学生和谐统一的良好心态,新课教学要结合教材采用多种方法,使德育内容有机地渗透在教学中,课堂小结要面向全班各类学生,鼓励他们发扬优点,克服缺点,通过这些使学生逐步养成良好的习惯和高尚的行为。 四、寓德育于各种课型之中 小学音乐教学的内容主要包括唱歌教学、读谱知识,欣赏教学和综合训练等,教师要分析这些课型的特点,寓德育于各种课型之中。 课本中的唱歌教学所选用的歌曲内容丰富题材,体裁广泛,演唱风格多样,歌曲的优美旋律与生动活泼的语言学生爱听爱唱,教育内容最容易被儿童理解和接受。如:《到小熊家里去》、《生日》等歌曲,学生在学会歌曲的同时,也懂得了人与人之间要互相关心,互相帮助、团结友爱,和睦相处,整个唱歌教学的过程,就是通过歌曲,艺术形象的对学生进行思想教育,情操陶冶的过程。 音乐教学论文:中学音乐教学中怎么实现与开展音乐审美教育 一、中学音乐的教学 1.中学音乐教学的方式 在传统的音乐教学中,教师讲授的方式多以课堂教学为主,按照课本的内容给学生进行理论知识的讲解,在学生理解之后再把相同类型的音乐播放,在这样的情况下,学生就想听更多的音乐而不想学习的内容,往往一节课下来之后也不知道自己学习的内容。所以,教师应该在课本的基础上对音乐内容进行补充,这样的话才能让学生学到更多的内容,然后与课本上的知识进行结合,学生不再局限于简单的乐理知识,可以在进行音乐鉴赏的过程中提升对知识的认知和感受,这样有助于学生更好地提升自己学习音乐的能力。对于有条件的学校,可以在音响效果好的多媒体教室进行音乐的鉴赏课程,这样的教师能够给学生比较立体的音乐享受,让学生能够更好地感受到音乐给学生带来的震撼和感悟,再加上对音乐知识的了解,从而让学生的审美能力更好地提升。 2.中学音乐教学的目的 要想提升学生学习音乐的能力还有鉴赏音乐的感受,首先要提升的是学生的听觉能力,只有学生通过自己的耳朵听到音乐,然后用自己的感官对音乐进行辨别,不断地走进音乐给学生带来的快乐之中。音乐的鉴赏其实不只是让学生在紧张的学习中放松出来,最终的目的其实在放松之余用心去感受音乐给他们带来的震撼力。学生在课堂上感受音乐的美还能给自己带来的愉悦心情,并且,学生通过自己的感受得到的体会要比教师讲授的内容直观的多,让学生体会到属于自己的音乐心得,让学生在以后对待音乐上能够有不同的情感,最终达到对学生进行音乐教学的最终目的。 二、增加对音乐的审美教育 1.创造美的环境 为学生开展审美教育的同时,还要加强对校园环境的建设,不仅仅是学校要给学生提供一个优美的学习和生活环境,还有就是要组织一些能够激发学生审美潜能的活动,让教师在对学生进行审美启发的同时,通过活动来激发学生提升审美观点的兴趣与激情,还有就是丰富的活动的开展也能让学生通过参与其中检验自己学习成果的有效途径,让学生能够在活动中不断地追求艺术,发现生活中的美好地方。比如,在学生开始一天的课程之前,可以给学生播放一些比较欢快的名曲,比如《清晨》之类的,让学生在轻松愉快的气氛下接受新一天的到来。然后,在课件中也可以给学生穿插着放一些中外的名曲,让学生感受一些歌曲给他们带来的放松,主要的基调还是以激情昂扬的歌曲为主,例如《军队进行曲》能够让学生把饱满的激情投入到下一节课堂中;最后,在休息的时候给学生播放一些比较安静的、能够让学生好好放松的曲子,例如《蓝色多瑙河》让学生好好放松自己,减轻学习的压力。通过这样的方式能够让学生潜移默化地接收到音乐给自己带来的改变,也能通过对音乐的感受丰富自己的生活。 2.从音乐作品中感悟美 音乐是一门艺术,所以,要让学生在艺术的氛围中学习和感悟。教师可以在音乐课堂上给学生播放一些比较有名的音乐剧作品,让学生的视觉和听觉上都有感悟和提升,并且,通过这样的方式能够让学生加强对音乐剧的关注,通过表演的形式更加直观地了解音乐想要表达的意境,印象深刻感受直观。对于学生在以后的生活中也能养成良好的审美习惯,在音乐的道路上提升自己的素养,让学生能够有音乐创作的想法,学生积极地参与到音乐的创作中,也是一种审美提升的标志,让学生真正地了解音乐作品中的美。 3.提高音乐审美教育 音乐审美能力的提升不仅仅是在对音乐的情感上产生共鸣,还有就是能够在音乐中找到自己追求的东西,在体验音乐魅力的同时能够激发学生对生活、学习的热爱之情,还有就是在其他美德方面的提升。因为音乐就是给学生一个美的享受的过程,最终的目的就是让学生的情感和情绪能够更加平和,反映出来应该有的文化素养和道德标准。这样的话让学生的音乐审美能力提升到一定的高度。 总之,学生在学习音乐的过程中,从提升自己审美观点的同时,还能够加强学生对美的感悟,这样的话不仅能让学生提升对音乐的审美能力,还有就是让学生通过音乐的视角感受到作者创作时候的情感,也能够加强学生对生活的感受。 音乐教学论文:小学音乐基本类型课高效课堂教学模式初探 随着素质教育的不断深化和教学模式不断改革,音乐学科的教学也迎来了一系列崭新的变化。要求音乐课堂教学越来越生动、丰富和多样,教学手段和方法不断更新,教学内容不断拓展,音乐课堂气氛宽松而和谐。小学音乐高效课堂教学模式研究已经成为了教育热点问题。 一、音乐课堂教学基本类型 课堂教学是小学音乐教学的基本形式,根据教学内容的安排形式,可分为单一课型和综合课型。 单一课型指在一节课中,只进行一个方面的教学内容,完成一个主要任务,其内容集中、单纯、突出中心,能有效地解决某一方面的问题。如唱歌课、器乐课、欣赏课、乐理课、视唱练耳课、节奏训练课等。 综合课型是指在一节课中,进行两项或两项以上的教学内容,完成两项或两项以上的教学任务,其教学内容丰富,有讲、有唱、有听,有艺术实际,有层次变化,生动活泼,课堂气氛活跃。如唱歌与欣赏的综合课;乐理、唱歌与欣赏的综合课;器乐、乐理与唱歌的综合课等。 二、小学音乐课堂教学模式 (一)以歌曲教学为主的教学基本模式 本教学模式充满快乐、全员参与、给学生创设空间、让学生在愉快的合作学习中增长知识、提高技能、增进友谊;培养学生高尚的情操和情感态度。基本模式如下: 第一步:创设情景,导入新课。 利用游戏、音乐故事、律动、肢体表演、媒体播放或谈话等方式导入新课。 第二步:感知旋律,了解背景。 本环节根据歌曲表现的不同地域、不同民族风情或不同季节变化,利用多媒体或图片向学生展示该地域该民族的民俗习惯、风光或民族歌舞,同时播放本课歌曲音乐,让学生在欣赏民族风情的同时感知歌曲旋律。目的在于让学生了解歌曲背景和民族风情等,培养学生热爱自然、热爱祖国、尊重民族文化等思想感情。 第三步:探索发现,学习新知。 1、范唱歌曲,激发学生兴趣: 由多媒体画面展示歌曲所表现的情景(播放录音或老师范唱),给学生全方面的视听撞击,使歌曲给学生留下深刻的印象,激发学生学习音乐的兴趣。 2、学习歌曲节奏: 在欢快的击掌中让学生掌握歌曲的节奏,学生们逐步学会自己击 打节奏,较难的节奏老师适当讲解。 3、按节奏读歌词: 低年级学生认字少,学习歌词时,会有许多生字不认识,按节奏读歌词为学习歌曲清除障碍。 4、学唱歌曲: 在前面的环节中学生已经熟悉了歌曲的旋律,可让学生把自己听到的唱一唱、学生互动,师生互动,相互指导,或利用直接跟琴学唱、变换不同方式的模唱、接力唱、教师领唱等形式来教学。 5、练习歌曲: 给学生展示空间,让学生之间相互听唱,或指定学生独唱、男女生分唱、边律动边唱、对唱等形式练习歌曲。多种练习方式可以激发学生的兴趣,也使课堂氛围积极活跃。 这一环节是本课的重点,每一个小环节都紧扣教材,让学生在愉快的打节奏、读歌词、学歌曲中,学会音乐知识、增加音乐素养。 第四步:表现歌曲,实践创造。 让学生根据音乐旋律自创舞蹈动作,相互表演、乐器伴奏、同学合作共同表演,或根据音乐强弱音的分布,用手势表现等。这一环节的设计,让学生在创编中培养创造能力,分享与同学合作的快乐。 第五步:拓展延伸,课堂小结。 歌曲课堂教学主要解决的内容是让学生唱会歌曲,一切手段和方法都是为了刺激学生的注意力。当然会唱歌曲并不是最终目的,但是学生首先必须学会歌曲,在此基础上引导学生走进音乐的更深层次,这就是音乐的拓展。音乐课的拓展内容应该与学生现有的知识储备相联系,拓展后最终还要回到音乐中。在师生整合、延伸、概括后,在悦耳的乐声中,在欢快的舞蹈中,音乐课落下帷幕。 (二)以欣赏教学为主的教学基本模式 该模式课堂教学大致分为四个阶段。 第一阶段:创设情境,激趣导入。 上课伊始的组织教学非常重要,师生相互问候既是情感的交流也是集中学生注意力,良好的开端是成功的一半,音乐课的新课导入虽然不是教学的中心环节,但却是通向赏析新作品的桥梁,起着承上启下的作用,是科学诱导积极启发学生主动学习新课的必不可少的环节之一。 此阶段所采取的主要教学方法有:故事导入法、情境图片视频导入法、启发谈话法、音乐导入法、预留悬念式导入法、开门见山式导入法、设问式导入法、复习导入法等。 第二阶段:新作赏析,感知体会。 新作赏析、感知体会,是音乐欣赏课中新授的重要环节。为了达成教学目标,完成教学任务,教师必须通过各种教学方法激发学生学习的能动性、引导学生自主学习、培养学生的音乐感受与鉴赏能力。新授教学的过程一般分为初次聆听(整体感知);分段赏析(走进音乐);再次聆听(体会内涵)三个步骤。 1.在初次聆听、整体感知的过程中,遵循“以听为中心”的原则,通过初听全曲对作品进行整体感知,初步感受作品的情绪、音乐情境,同时分辨演奏形式及主奏乐器,简单了解作者及创作背景等等,使学生对作品有个初步的了解。 2.分段赏析、走进音乐,是引领学生合作探究,通过分段聆听对作品进行细致欣赏分析,通过聆听体验根据情绪、音乐要素等的变化判断曲式结构、作品表现内容等,通过聆听、视唱、模奏、演唱、演奏等方式记忆作品的典型节奏和主题音乐。 3.再次聆听、体会内涵,是在学生分段细赏的基础上进一步完整欣赏作品,把握作品的风格流派。 感知作品的体裁特点,同时能够积极参与音乐体验,充分体会音乐内涵,发展学生的音乐创造力和想象力,从而培养学生良好的听赏习惯和审美能力。 第三阶段:理解体验,创编实践。 这是欣赏课教学必不可少的一个环节,目的是通过创编各种音乐活动,深化本课的主题,同时也是主题音乐及音乐知识的进一步巩固和积累,为学生全面提高音乐素养和审美能力打下基础。此阶段所采取的教学方式有:辨听、演奏或演唱主题音乐、听音乐判断体裁、听音乐判断乐器以及音乐知识(包括音乐基础知识及和作曲家及作品相关知识)抢答竞赛等。 第四阶段:拓展延伸,小结升华。 本环节根据教学内容基本可采用拓展欣赏(创造活动)和课堂小结两个步骤来进行。 1.教学内容的拓展是指在教材原有知识的基础上,选取教材之外的具有一定审美价值的作品,来充实教学 内容,开拓学生的视野,丰富学生的情感体验,加强对音乐内涵的进一步理解与感悟。拓展欣赏的内容包括:同体裁作品音乐欣赏、同作曲家音乐作品欣赏、同种乐器音乐作品欣赏、同民族或地域音乐作品欣赏等。 2.课堂小结可以帮助学生梳理、回顾本节课所学主要知识点,可以起到备忘录的作用。课堂小结的方式有多种,可小结本课知识点,也可适时小结学法,还可由教师提出启发性的问题让学生自己小结,甚至也可针对作品对学生进行情感延伸、德育渗透,在教学中起着举足轻重的作用。 三、小学音乐高效课堂的构建 所谓的高效课堂,就是三维目标高效达成,使学生全员参与、充满快乐、积极上进的课堂。课堂的每一分钟都尽其所用,使所有的学生都有收获、有提高。让学生的思维活跃,积极的探索知识,并把知识转化为能力这就是高效课堂。 判断一堂课是不是高效课堂,主要有“八看”:一看教学目标是不是落实了“三维”要求,二看教学程序是不是实现了“先学后教”,三看课堂上是不是由“教教材”变成了“用教材”,四看教师的角色是不是由“主演”变成了“导演”,五看学生的角色是不是由“观众”真正变成了“主角”,六看教学手段是不是实现了现代化,七看教学过程是不是由封闭走向了开放,八看课堂教学效果是不是实现了“堂堂清”。 那么究竟该如何打造音乐高效课堂呢? (一)认真备好每堂课、准确的确立教学目标是构建高效课堂的前提。 教师的本职是教学,说到底必须业务要过硬,台上一分种,台下十年功,一定要有良好的基本功,要上好一节课,必须备好一节课。因为备课是课堂教学的基础,是提高课堂教学质量的关键和保证。音乐教师必须在三个方面下功夫: 1、在钻研教材上下功夫; 2、在钻研课标上下功夫; 3、在了解学生上下功夫。 (二)创造积极的学习氛围,转变学习方式,构建师生民主平等情感和谐的课堂是构建高效课堂的必由之路。 针对音乐教学的特点,教师应尝试根据学生的年龄特点和心理特点,发挥教师语言的作用,增强教师语言的趣味性,采用灵活的语言技巧,为整节课的教学创造良好的教学氛围,从而使学生主动参与学习。 (三)加强以学生为主体的音乐体验,培养学生的创造性思维是构建高效课堂的关键。 传统的教学观念认为音乐课的目的是让学生掌握一定的技术和音乐知识,而事实是音乐教育并不是要让每个学生都成为音乐家。俗话说“歌声乃人之情也。”不难想象,一个毫无感情的人是无法发出悦耳之声的,人的心理状态会直接作用在发声器官上。我们音乐教师注意引导学生,给他创设思维的空间,让他们真正体会作品的意境。这既促进了学生全面和谐发展,也培养了学生对音乐的感受、理解和表现能力;既丰富了学生的音乐想象力,也锻炼了学生的创造力,实现学生的多元化发展。 总之,教学有法、教无定法、贵在得法。在如今小学的教育现状下,我们只有不断学习,提高音乐教师的个人素养,紧紧抓住课堂40分钟,才能做到“低负高效”,发挥音乐教育审美功能的有效性,促进音乐教育在基础教育体系中发挥更积极的作用。 最后,以美国教育家雷塔科的话与老师们共勉:“只有教师在教学过程中以独特的方式寻找自己道路的时候,教育才能成为艺术,才会有高质量。 音乐教学论文:提高中学音乐课堂教学的有效性的实践与探索 提高中学音乐课堂教学的有效性的实践与探索 随着新的课程改革的要求，对于课堂教学的有效性要求也越来越高。何为课堂教学有效性呢？通俗地说，课堂教学有效性是指通过课堂教学活动，学生在学业上有收获、提高、进步。具体表现在:认知上，从不懂到懂，从少知到多知，从不会到会；情感上，从不喜欢到喜欢，从不热爱到热爱，从不感兴趣到感兴趣。从专业角度说，有效性指通过课堂教学，学生获得发展。 就其内涵而言，发展指的是知识、技能，过程、方法与情感、态度、价值观三维目标的整合。基于中学音乐课堂来说，如何才能提高课堂教学的有效性呢？ 一、 整合、精化教学内容 要想实现课堂教学的有效性，备课至关重要。在备课时我们往往注都是照抄教参。没有真正吃透、理解了教材。真正要想提高音乐课堂教学的有效性，就要把教材重新整合和精化，也可以补充调整，把教教材变成用教材。这就要求我们教师要认真研究教材，知道音乐作品中哪些要素是真正对学生有用的，对本课有用的。因此在分析教材时，首先要反复聆听，尤其要把本课涉及到的音乐知识分析透彻。要让自己的课堂，各个教学环节都要做到顺理成章。例如：在上六年级第二学期第四单元《倾听亚洲的声音》这一课中，教师要搜集日本、印度、泰国的风土人情等相关知识，自己加以整和，运用到教学过程中。在学习《相马盂兰小调》时，教师要搜集与日本的“盂兰盆节”相关的知识，让学生了乐曲的来历。这样不仅丰富了教材内容，拓宽了学生视野，也在最短的时间内使学生获得了更多的知识储备，提高了课堂教学的有效性。 二、明确教学目标 教学活动是一种有目的、有计划的活动，其目的性、计划性主要反映和体现在教学目标上。因此，一节课要实现有效性，教师必须明确自己的教学目标，教学目标定位准确清晰对于课堂的有效性非常重要。在每堂音乐课中，所有的教学环节要紧紧围绕教学目标的实现教学中，教师除了对整堂课的教学目标要清晰外，对于同的学生可以设置不同的目标。也就是在学生已知与未知之间架桥设阶，以不断激起学生“跳起来摘果子”的热情和欲望，开发学生的“最近发展区”。只有围绕目标，环环相扣，才能切实提高课堂教学的有效性。例如：在六年级《倾听亚洲的声音》这一课中，教学目标可以这样设计：情感态度价值观：激发学生对亚洲音乐文化的学习兴趣，培养学生对亚洲音乐文化的探索精神， 在与同伴合作中体验到学习的快乐。过程与方法：在欣赏音乐的过程中，学生通过聆听、模仿、体验等方式初步感受亚洲部分国家的民族音乐文化的魅力。知识与技能：欣赏《虔诚》、《相马盂兰小调》等作品，了解和感受乐曲的音乐风格，认识各个国家的特色乐器， 提高认识世界的能力。这样的教学目标非常清晰，也非常有操作性，教师在教学中可以紧紧围绕教学目标，富有成效的完成教学。 三、激发学生兴趣 兴趣是最好的老师，兴趣是求知的内在动力。激发起学生的兴趣， 学习就会积极主动， 学得轻松而有成效。但是学习兴趣不是天生的， 主要在于教师如何引导学生， 充分调动学生对学习的积极性和主动性， 进而能创造性地学， 最终达到优化课堂教学和提高教学效率的目的。音乐课堂如何激发学生的兴趣呢？那就是要善于找到学生的兴趣点。例如：在六年级第一学期第六单元《银屏飞出的旋律》这一课中，教师可以先给学生观看几个电影的片段，吸引学生的学习兴趣。在熟悉的电影片段中，让学生思考如此精彩的电影，音乐是如何陪衬和应用的？也可以给学生放无声的电影片段，让学生给电影配乐。学生可以充分发挥自己的兴趣爱好，可以用小乐器、可以配音、可以用口技。充分调动学生，培养学生的审美能力，激发学生学习的兴趣，挖掘学生潜在的创造性思维，达到提高课堂的有效性。 四、丰富教学方法 有效教学方法很多，教学有法，但无定法，更要得法。需要我们不断的更新观念，课程改革不能只流于形式，事倍功半甚至劳而无功。所以教师怎样做到“低负高效”，这是问题的关键。在研究课程标准、教材、教学资源的同时，更要注重研究学生的基础和发展需要，把教室变成学生学会学习，学会创新，与老师共同研讨、共同交流、创新的场所。创设充满音乐美感的课堂环境，在方法和形式的设计中，重视教学内容与学生的生活经验相结合，便于学生参与音乐活动，便于教学过程中的师生交流。比如在欣赏小提琴协奏曲《梁祝》时，教师应可以从这个美丽的故事传说导入，可以先看一些有关《梁祝》的其它表现方式，如戏曲、电影等。让学生充分了解乐曲背后的人文知识，通过人文知识吸引学生对音乐作品的兴趣，不同的教学方式会有不同的效果，但最终是为了是课堂教学富有实效。 五、善于激励学生 老师要能鼓励学生大胆发言，并给予积极的评价。回答得好的学生，要用肯定性语言进行评价，使学生感受到被赞誉的喜悦。回答得较差的学生，尽量不要用否定性语言加以评价，而是适当降低问题难度，引导学生正确回答，并进行鼓励，让学生感受到老师热切的期望。老师少一份居高临下，学生就多一份自信与热情。例如在欣赏非洲音乐《祁雨歌》时，就让学生通过音乐去想象歌曲的演唱环境。有的学生会想到在举行篝火晚会，有的学生会联想到葬礼。尽管没有完全想到是求雨，但我觉得培养学生想象力的价值已经得到体现，学生也能够与所学的知识产生联系。教师不能否定和打击学生天马行空的想象，因为音乐本身就没有标准答案，学生可以根据自己的感受去想象，教师应给予鼓励和正确的引导，只有这样，学生在以后的欣赏中才敢于想象、善于想象。 六、调动学生主动性 学生是学习过程的主体，只有充分调动和发挥学生在学习过程中的积极性、主动性，才能实现知识能力转化。在音乐教学活动中，教师应提倡小组合作学习，为学生提供主动参与学习的机会。例如：在上七年级的《热情奔放的拉丁美洲音乐》时，教师可以教学生几个拉丁美洲的舞蹈动作，学生分组练习、分组展示。对跳的好同学给予鼓励，这样就调动了每个学生的主动参与性，也活跃了课堂气氛，提高了课堂教学的有效性。 七、提高自身专业素养 音乐专业素养是指音乐教师必须具有的直接服务于音乐教学的音乐专业技能，如歌唱教学技能、钢琴弹奏技能、舞蹈表演技能，合唱指挥技能等基础素养。只有具备了这些扎实而深厚音乐专业基本功，才能更好地服务于教学，才可以在课堂中向学生展现音乐之美，让学生去感受音乐之美，体会音乐之美，提高课堂的有效性。 八、充分利用多媒体 在科学技术迅猛发展的今天，在学校，现代 教育技术也得到了广泛的使用，这是无可厚非的。但怎样客观地认识它,扬长避短地使用它，是一个值得思考的问题。首先要树立课件它只是教学的辅助手段之一，为了更好的为课堂服务的观点，不能喧宾夺主。其次要明确课件是为课堂提供方便而存在的。比如快捷，占用空间小，可重复使用等，都是它的优点。但我们要客观认识到它的弊端，制作课件费时费力，其屏幕的视觉感受会干扰学生的听觉感受，限制了学生的想象力，而且万一设备出问题，或停电等，就会让有依赖性的老师无所适从。因此盲目夸大课件的作用，不注重自身基本功的提高，抱着唯有课件的课才是贯彻新课标的认识，这种观念是片面的。如果教师在课件制作时充分认识到人与机器的主次关系，注意到声画穿插的恰当时机，注意到动静结合，巧用课件，活用课件，才能让它很好的为我们的音乐课锦上添花。在教学中，以前运用得比较多的是教学磁带，而随着多媒体电脑的辅助教学的应用，使课堂教学实现了平面变立体，抽象变形象，单向变多向的转变。因而现代教育在教师要善于把传统媒体与媒体有机结合，创设教学情境，使学生开拓思维，探求新知有所创新，同时也能激发学生的兴趣。 九、及时完善教学设备 在教学设备的管理上，要检查督促，使教学用具及学具尽快落实到位；音乐室要宽敞明亮，教室布置要高雅，有文化品位，多媒体设备要齐全，保证学生的音乐活动能积极健康地充分开展；教师要及时更新或添加与教学相关的教学设备，以确保教学使用方便；钢琴走音，不及时调音，都将影响教学的正常开展。好的教学设备会大大提高教学的有效性。 总之，音乐教育是全面素质教育的一个重要组成部分，具有艺术教育自身的独特功能，不是其他学科可以代替的。提高音乐课堂教学的有效性，是时代的要求，是音乐课堂教学自身发展的要求，只有我们音乐教师不断探索、总结才能使我们的音乐课堂教学真正有效。 音乐教学论文:分析音乐教学与语文美术关联 音乐、语文、美术三学科关系非常密切,象带有血缘关系的“三姊妹”抓住这种联系进行教学,能收到特殊的教学效果.此“三姊妹”虽自古以来,早已各立门户,但古今中外艺术家集此三艺或两艺于一身者,不乏其人。华西里?康定斯基是画家,他会弹琴,但他绘画力图体现音乐情趣,他的作品经常利用音乐标题,如《雄伟的赋格曲》、《即兴》;而作曲家勋伯格创作的歌剧《幸运的手》直接受到了绘画作品《黄色的音响》的影响;我国古代,许多文学家十分懂音乐和美术。白居易在《画竹歌》中认为欣赏名画,可在无声中听有声。“举头忽看不似画,低耳静听疑有声”.韩愈在《听颖师弹琴》中认为聆听名曲,可在无形中见画面。“喧啾百鸟群,忽见孤风凰、我国古典文学作品和美术色彩早已结合。宋祁《玉楼春》“绿扬烟里晓寒轻,红杏枝头春意闹。”杜甫《蜀相》“映阶碧草自春色,隔叶黄鹉空好音”是最好之例。苏轼、王维、蒲松龄等留下了留芳百世的美术之作。我国现代艺术教育史上,颜文梁先生可谓音美教育联姻的祖辈.他虽是画家,但也能作曲,此等事例举不胜数。下面我们把音乐教学与语文、美术相联系之己见浅谈如下。 一、音乐、语文相结合是培养学生情感和准确掌握音乐语言的重要手段 音乐是用音响塑造形象。对没有训练的耳朵(这里叫音乐耳朵),在听音响时,让他说乐曲表现了什么,他会感到非常困难。从这一点看音乐比较抽象,要让学生听懂抽象音响,除教他们必要音乐知识外,还必须挖掘内心深处情感这一主要因素,让喜、怒、哀、乐真正和乐曲发生联系,才能在音响和学生心灵之间搭起一座无形桥梁。培养学生对音乐的情感,就给了他们打开艺术大门的钥匙.这是学生学习表演、创作的最好捷径。而音乐课和语文学科相联系是挖掘情感的重要手段.因为语言表达情感最直观,让学生了解歌词后,再和音乐曲调结合,效果就有质的变化,学生能立即抓住音乐整体,具体做法如下: 1.朗歌词,划段落,总中心,感乐情。教学中,学习每一首歌要以语文知识为基础,教师要根据学生语文水平,引导他们分析、朗读歌词,不识的字,老师要标好音,不懂的词老师要解释。在朗读基础上,使学生理解歌词,进一步分析、处理歌曲,掌握歌曲整体情感。在教唱《让我们荡起双桨》一课时,让同学反复朗读歌词,老师提问:此歌曲由几段构成?中心表达什么?乐曲情绪怎样?同学们很快划出了段落,我紧接着讲:第一段由三小段构成,通过荡双桨、推波浪,迎太阳等动词,展现了少年儿童活泼、向上的心理,而“水中鱼儿望着我们,悄悄地听我们愉快地歌唱”,抓住了儿童的特点和倩趣,好象鱼儿就在面前,欢笑望着我们,这样美好景象,是谁给我们安排的幸福生活?这一问就引出中心,同学们都恍然大悟。此歌表面看很优美、轻快,实质借用写景来歌唱伟大的祖国、伟大的党,同时,暗示我们今天幸福生活来之不易,是无数先烈用鲜血换来的,同学此时把握了中心思想。又讲第二段只有两句歌词:“小船儿轻轻,飘荡在水中,迎面吹来了凉爽的风”每读这两句时,令人心旷神怡,凉爽的风是什么呢?“社会主义优越性“,“美好的生活”,“大家庭的温暖”,同学们争先恐后发言。此曲情绪应是怎样的?我提问。“应欢快跳跃”,“应深沉抒情”,“应活泼跳跃,同时委婉抒情”,又有许多同学发言。这样,同学们把握了情绪,在学唱时能掌握音乐形象。相反,即使歌曲学得再快,势必造成有声无情,长此下去,怎能培养出好人才呢? 2.歌词与曲调的联系.在朗诵歌词、掌握歌曲整体情绪基础上,再细致给学生讲歌词与曲调的联系,这样不仅使学生及时掌握曲调情绪,也能掌握一些音乐规律,使之变得浅而易懂。我在教唱《没有共产党,就没有新中国》时,让学生朗读歌词,然后问他们歌词是什么样的情绪?回答:“坚定、有力”教师说:“有力歌曲一般都是一字一音,这样显得有力,同时歌曲一般都是大调式”。说后,把歌词和曲调一起写在黑板上。在教唱《洪湖水,浪打浪》时,首先朗读歌词,然后我间:“这曲子是什么样情绪?”同学说:“是抒情。”我紧接说:“抒情歌曲一般一字多音,并且多用圆滑线。”我又把一字多音上的连线和圆滑线以及切分音对照讲,使学生立即就明白了。整体情绪掌握了以后,我告诉学生,有力的歌曲,在曲子进行到一定程度,也会有抒情,而抒情的歌曲,进行到一定程度,其乐句也会有力。 3.歌词内容情绪与曲子速度的关系。让学生通过朗读歌词内容,了解音乐语言是个最好办法。歌词内容有力、活泼、喜悦,曲子速度则快,而歌词内容抒情、诉说、哀伤,曲子速度则慢。我在教学生唱《我们是快乐的好儿童》这首歌时,让学生朗诵歌词,通过朗诵感知了少年儿童活泼、欢乐的情绪,所以,我告诉同学此曲速度不能慢。最后,我在课堂上总结:曲子速度快,表达的情绪则热烈、欢快、跳跃、有力等,而曲子速度慢,则表现抒情、优伤、悲哀等,只有这样学生才能掌握音乐表现手法。 4.歌词朗诵语气与歌曲旋律高低强弱的关系。让学生运用语文课所学的知识,掌握歌词哪里是语气读重,哪里读轻。语气重的地方,往往也是歌曲曲调音较高之处,而音调最高之处也是歌词内容最激昂之处。我告诉学生曲调激昂是通过音调越来越高、音量越来越强表达的。曲调悲伤,则是通过音调越来越低,音量越来越弱来表达的。我在让学生欣赏《祖国,慈祥的母亲》这首歌时,让学生逐句朗诵和曲调对应着看,使同学一目了然。歌词的前半部分,音调都比较小,语气深沉。所以,曲调平稳。音以级进为主,曲调力度弱,好似面对母亲,深情、亲切地细语。而到“亲爱的祖国,慈祥的母亲”,朗诵也增加了最大力度,曲调由原来的级进,变成了跳进,音量到了最大程度。然而,我告诉学生歌曲中最强的一句,还要根据歌词的意思,再细分强弱,如上句“亲爱的祖国,慈祥的母亲”,这句话反复多读两遍会发现,如果把亲爱的祖国读得强,而慈祥的母亲比前一句弱,慈祥的母亲,深情地、加重语气地读,虽然音量比前一句小,效果会更好,把这种朗诵的感觉唱出来,就成了有血有肉的音乐。 5.音的连、顿与歌词抑扬顿挫的关系。音乐上连音、顿音、是表现音乐的重要手段。怎样使同学更好地了解掌握这个问题,必须在朗诵歌词上下功夫。我在教唱仗唱支山歌给党听方时,学生在朗诵.‘鞭子抽我身”时.我启发学生把鞭子抽我身,朗读得有力、顿挫,这样才能表现出地主的凶狠.我们好似已听到”啪啪”的鞭声,感觉到身仁隐隐发痛。学生朗诵’‘母亲只会泪淋淋’.的时候,我启发学生用柔弱,拉长音调朗读,这样,我们仿佛看到母亲无能为力的样子,从而更加突出了只有共产党,才有新中国。所以才要《唱支山歌,给党听》。然后我又告诉学生“鞭子抽我身”的旋律,有力顿挫是用休止符和演唱顿音来表现的。“母亲只会泪淋淋”,是通过连音来表现的。这样曲调一强一弱,一顿一连,就对比出了地主和母亲,一个凶狠惨忍、一个软弱无力,这样学生准确地掌握了音乐形象。 除以上几点外,我在课上还给同学们总结过歌词段落与曲式的关系;歌词表达的内容与调式的关系,同样收到良好的教学效果。 总之,在音乐课中运用语文课中的朗读知识和音乐发生联系,能使音乐形象变得浅而易懂,能使学生清楚地知道音响表现的是什么。我想,这是学生在欣赏没有歌词的器乐曲、及大型音乐作品之前,必须进行的一门不可缺少的课程。在这个过程中,对学语文有促进作用。文学素质的培养,文学知识的积累,一定能给艺术人材插上腾飞的翅膀。 二、音乐课中,运用美术知识及挂图,使音乐课更加形象、直观、具体 在音乐课上根据歌曲内容,借用美术知识及绘制彩图,会收到意想不到的收获。因图画给人视觉是直观的,学生一眼就能看见。根据图画所描绘的内容,结合朗读歌词,音乐形象才能准确地表现出来。美术、音乐艺术表达很相近,美术靠视觉,音乐靠听觉。如在教学中搞好两科渗透,对于理解学习任何一科都是非常必要的。如在音乐和美术中都讲究色彩的运用,而在美术中色彩是最直接的表现手段。画家常把色彩看作一种象征物。现代抽象主义画派的鼻祖康定斯基认为:蓝色是高贵的;绿色象征自我满足和平静;红色表示力量、胜利,白色代表沉默……在音乐中,作曲家也常利用特定的色彩表现人们的具体感受和情绪反映。英国作曲家勃里斯1921年创作的《彩色交响曲》其第一乐章《紫色》,代表紫水晶,象征高贵、死亡。第二乐章《红色》代表红宝石,象征勇敢、欢乐。第三乐章《蓝色》代表蓝宝石,象征华贵、忧伤;第四乐章《绿色》代表绿刚玉,象征青春希望。所以要想听懂音乐中的色彩,运用美术中的色彩,来比喻音乐就更直观.外国音乐家梅酸说:“要理解我的音乐中的音色、和声及声音的结合,你就必须热爱色彩,必须对色彩敏感,并懂得声音与色彩之间的联系”。所以我们不把音乐的色彩和美术的色彩相互渗透,我们就无法理解里姆斯基一科萨科夫的歌剧《圣诞节前夕》第六场序曲中所描写的,寒冷的夜晚,天空中白云飘浮星光闪烁的景象;无法理解穆索尔斯基的钢琴套曲《图画展览会》第八曲《墓穴》阴森森、冷清清的气氛中,闪烁着骼镂的莹光;无法理解普罗耶夫交响组曲《冬日的髯火》第四乐章的《簧火》那风声呼呼、髯火熊熊的景象……当然表现音乐的色彩,也是有一定手法的。如:调性色彩;调式色彩;和声色彩;配器色彩等。但无论如何这些色彩和美术中的色彩直接渗透,才能做到更直观、形象,使学生更易于掌握音乐形象。我的具体做法如下。 1.运用美术挂图,使学生了解音乐的整体感觉。在音乐教学中,我经常使用美术挂图。我觉得音乐的语言在孩子理解起来是困难的,而根据音乐形象和歌词中心思想,概括起来用一个或几个彩图,把它表现出来。会使学生及时掌握歌曲内容、演唱情绪、演唱风格。我在教唱《歌唱二小放牛郎》这首歌之前,就绘制了几幅彩图:(1)群山近景处,画了一群牛在地上吃草。(2)一群鬼子气势汹汹地沿着山路进山扫荡。(3)敌人抓住了王二小,他从容对答鬼子提出的问题,并表示给他门带路。(4)鬼子被带入我军的伏击圈,被打得人仰马翻。(5)我们的王二小惨死大石旁。身仁被[I本鬼一子的刺刀刺了无数f1j口。(6)无数群众眼含热泪.怀念王二小,在蓝天的背景1几.王二小含笑讨着群众。当把挂图挂在墙上,同学按挂图的意思.就获术知道了歌曲内容。通过挂图也培养了学生形象记忆,使他们闭上眼睛通过图画就能想起歌词。按图的顺序记歌词,段落不会颠倒。演唱的时候,让学生感情和图画的场景发生联系。画面是景色优美的,就让学生演唱的美妙、轻淡一些;是激烈的,就让学生演唱的高昂、有力一些。可喜的是学生在演唱第5段“敌人把二小挑在枪尖时……面对着画面王二小浑身血迹斑斑的景象,同学们竟把歌曲的速度放慢,语气加重,有的同学甚至没唱完已泣不成声了。我想这是视听的最好效果,在这个过程中,学生把握住了音乐,了解了音乐。 2.在具体的歌曲中,用美术的色彩与音乐的色彩相联系。在图画中色彩是直观的,它能给我们留下各种感觉。而在音乐中,根据歌曲的内容与情绪及时给学生以启迪,是掌握音乐的一个手段。我在教唱河北民歌《小白菜》时,用一张纸画了一个大大的黑正方形,然后对学生说:“黑色给人的感觉是什么?是悲哀、伤感。那么我们就把小白菜这首歌唱成黑色的吧。紧接着我给学生讲在音乐中怎样表达色彩,并讲了大小调式。我说采用大调式写成的歌曲,色彩明亮、热烈,在美术的色彩上象红色、桔黄色等;小调式则暗淡、柔软。在美术色彩上象黑色、蓝色等;大调式在美术上可以说暖调子,而小调式则是冷调子。在音乐中还有一些具体的表现手法,如表现暖的调子,在旋律线上音越高,则色彩越暖,音的进行往往是跳进,甚至是大跳。而表现冷调子,则旋律线就越来越低。音调下行级进。《小白菜》每句的尾音,都是越来越低的,到“亲娘啊!亲娘啊广这两句时,已带有无可奈何的哭腔了。 3.歌曲中强弱、快慢与美术绘画用笔轻重缓急相互联系。音乐中的强弱、快慢,是表现音乐的重要手段。要使学生正确、直观、清晰地掌握快慢、强弱的规律,运用美术用笔的轻重缓急(或浓淡干湿)最能说明这一点。如欣赏《我爱你,中国》,讲到此曲的强弱、快慢时,就用粉笔在黑板上画,结合此曲的强弱、快慢、音高变化,高低不一、轻重不一的曲线,把相对应的歌词写在曲线下面,然后再放录音。让他们看着词,对着曲线,掌握音乐形象相当快,此时,如果学美术的学生看见我们把音乐旋律用笔画出来,他也一定会受到很大启发。那么,他所画出的线也一定具有音乐的旋律感.所以,我们如此上课,不仅提高了学生掌握音乐知识方面的能力,而是且提高了其他方面的能力。 综上所述,我们觉得艺术中,音乐、语文、美术三者关系太密切了。因而在教学中互相联系、互相渗透,不仅对一门艺术有益处,同时也对其它两门艺术起促进作用。我相信随着社会的发展、文化教育素质的提高,艺术院校一定会重视这一点,而对艺术人才同时进行此三门艺术的教育和培养。我们现在从中小学开始,有意识、有方向地把这几科互相渗透地进行教学,意义是显而易见的。这就是要求我们每一位音美教师要多学、广学,在努力提高自己业务水平的同时,增强其它两门艺术学科的艺术造诣,这样我们就能在艺海天涯中“天高任鸟飞,海阔凭鱼跃”,只有这样,才能早出、多出人才 音乐教学论文:有关音乐课教学改革的思考 21世纪是人类依靠知识创新和可持续 发展 的世纪,世界将进入全球知识 经济 时代。 教育 是知识创新应用的基地,也是培养和造就高素质的创新人才的摇篮。因此,教师在课堂教学中,在有效地开发学生的创造能力,积极引导学生进行创造活动,也是时代的需要。所以在学科教学中,要注重实施素质教育,培养创新型人才。 一、引导学生联想与想象,发展创造才能 音乐作品是与一定事物形态相联系的,与人的生理、心理反映联系在一起的。贝多芬说:“当我作曲时,总是心理描绘着一幅图画,顺着那个轮廓前行。”在教学中,我结合范唱录音深入浅出地分析歌曲内容、时代背景和作曲家的创作风格等,使学生有一清晰的印象。如教唱《美丽的草原我的家》这首歌时,通过聆听歌曲范唱录音并结合引导学生体会歌词的内涵,启发学生联想到一望无际的碧绿的草原,蔚蓝的天空白云朵朵,草地上马儿在自由的奔跑,周围是鸟儿的翠鸣。体现了一种祥和、自由的牧民生活意境,在想象中勾勒出一种美好的生活图画。音乐的想象力自由的,但不能脱离作品。因此在教学中,善于引导学生从歌曲的标题和有关知识到反复聆听作品的音响,逐步培养学生的音乐想象里,唤起学生对歌曲意境的联想和想象。在体验歌曲情感中,增强感受、理解和发现音乐作品 艺术 形象能力,同时也发展了学生的创造能力。 二、改革课堂教学,激发学生的创造能力 在传统音乐课教学中,教师按照教材照本宣科,认为对原有歌曲乐谱,不能多一个音符,不能少一个音符,让学生也要因循守旧。现在,我改变了以往的传统教学法,如在一堂音乐课中,我可以在黑板上写一段歌词,让学生在理解简单的作曲方法的基础上,展开想象,任意谱曲,然后再拿到琴上弹奏,让学生自己感受一下自己的曲子效果。然后,对于不恰当之处再指导修正。有时,可以拿出一个熟悉的谱子,在框架基本不变的情况下,让学生自己填写音符、减少音符,看是否改变了音乐风格。这种注重学生参与的教学方法,为每一个学生提供表现的机会,让每一个学生都体验到成功的喜悦,同时也是激发了学生的创造能力。 三、利用学具和多媒体,辅助教学 在音乐教学中最常用的学具就是钢琴,在传统教学中,钢琴作用不外乎就是范唱伴奏,为学唱伴奏的工具。在教学实践中,我改革了教学方法,钢琴的作用远不止于上述那些,我可以利用琴声巧妙地在为音乐课教学的辅助手段,在一堂音乐课中,学生对于歌曲的学唱,既要注意歌唱方法,又要注意曲调歌词,还要注意歌曲所要求的速度、力度的变化。他们的注意力被搞得四分五散,很难做到顾全大局。如何帮助学生用歌声表现好歌曲呢?我在教唱《铁蹄下的歌女》这首歌时,利用力度变化夸张,较明显的琴声来提示学生声音强弱的变化,琴声还可以提示学生演唱速度的变化,以及连跳音唱法等。另外,配合教学巧用幻灯、投影、录音等媒体教学,不仅使学生领会教法,还可以让他们学到如何制作电教教材的知识。讲授理论课时,经常需要给学生补充、提供一定的材料内容,此时若用板书费时费事,如用文字投影片,则简便快捷,且容量大,可以重复使用,以增强记忆,这样既增加了课堂信息量,又节约了教学时间。 音乐教学论文:新课改后高中音乐欣赏教学的人文理念 一、课程改革后的基础教育 教育部颁发的《基础教育课程改革纲要》关于基础教育课程改革的具体目标是:“改变课程过于注重知识传授的倾向,强调形成积极主动的学习态度,使获得基础知识与基本技能的过程同时成为学会学习和形成正确价值观的过程。”《音乐课程标准》的实施,标志着我国音乐教育进入到一个崭新的发展阶段。《音乐课程标准》从方法上说,授人以“鱼”不如授人以“渔”,学会音乐不如会学音乐,这样才有利于学生的终身学习和在音乐上的可持续发展。由此可见,基础音乐教育的育人本质,体现了社会发展对国民基本音乐素质的要求。毫无疑问,《音乐课程标准》比《音乐教学大纲》更为准确、科学和完善,更符合现代教育的要求。 在日常教学和各种活动中,我们常常会发现学生身上存在着一个严重的问题,那就是缺乏作为一个健全的、全面发展的人所应具备的人文素养:知识面窄,精神资源匮乏,功利思想严重,人文价值迷失,缺乏理想信念,受挫能力不强,行为出现偏差……学生往往不能正确理解“人”的使命与归宿,无法正确认识和处理人与自然,人与社会,以及与人与人之间的基本关系。一些学生认为只要学好主要课程就行了,其他的课差一点无关紧要,忽视人文科学的学习和自身人文内涵的提高。不少学生在学习态度上急功近利、无终身学习的思想;缺乏一种精益求精、不断攀登高峰的精神;精神空虚,对待学业、对待生活态度消极,毫无动力。在学习中往往表现出意志薄弱、情感波动较大,稍有不顺,便情绪低落,灰心丧气,缺乏进取精神。在逆境面前,畏缩逃脱;在困难面前,灰心丧志。于是,同学之间相互猜忌、抬杠;个人私心较重、我行我素,做事不考虑他人和集体的利益;胡思乱想、疑虑重重,不愿检查自身之不足而总是以己之长比别人之短。有的同学由于一时的挫折,抑或由于精神的空虚,破罐破摔,最后一无所长,对社会无所适从。这些是每一个教育工作者都必须思考和面对的,当然也包括音乐教师在内。 21世纪的中国学校教育和教学所承担的现实责任,不应再是简单地传递知识,更不应是单纯地强调智力、能力、个性或者别的什么具体的价值。当前国际上很多国家和地区都进行了不同程度、不同形式的基础教育课程改革,其总体趋势和基本理念都是为了人的发展的需要,中国应借鉴世界上基础教育改革较成功的国家的经验,并结合我国国情,针对基础教育改革的成果和现实问题,提出新的要求、新的高度,以知识为基础,关注人性发展为宗旨,把提高学生的人文素养作为艺术教育的重中之重。 音乐教师如何面对现在和未来?如何面对学科综合和课程改革?音乐教学应该怎样为培养具有全面文化素质的新世纪人才作出自己的贡献?高中音乐欣赏,仅仅教给学生一些音乐知识、介绍一些音乐作品是远远不够的,高中音乐欣赏教学更应当关注人的自然发展、生命的健康成长,承认个体差异、尊重个性的健康发展,重视情感的熏陶感染,尊重个体的独特体验;关注现实生活,关注现实人生,更贴近生活,富有鲜明的时代气息,强调品味人生,突出学科的人文性特点。同时也要反映现实中的人生态度,以及人与人之间的关系。正如高中课程改革所说的:“在选择中学习规划人生,确立发展方向。” 二、丰厚的人文理念是新时期人才的必然要求 所谓人文理念,是相对于专业技术教育而言的一种人文科学教育活动。这种教育活动旨在通过知识传授和环境熏陶,使人类优秀的人文知识成果及其所蕴含的价值观念、道德标准、人生态度、审美情趣、思维方式等内化为受教育者的品格、气质修养、处世哲学,从而成为维系人类社会生存和发展的重要因素。 “逝者如斯”。时间已把我们带入了21世纪:地处全球各地人们交往的密切超出以往任何时候,各门学科之间联系的紧密程度也超过以往任何时期。社会亟待适应新时展的新型人才:高尚的品格、创新与合作的精神、综合的文化素养和较高的审美能力。作为基础教育的重要组成部分,音乐教育对于陶冶人的情操,培养人的创新与合作精神、实践能力,尤其在提高人的文化内涵和审美能力方面具有不可替代的作用。作为音乐教师,我们在传授给学生音乐知识的同时应该重视对学生音乐文化的传播。培养具有较高的专业水平并同时具备较为完善的人格,具备一定的人文内涵的人才,是时代赋予我们的历史使命。这就要求我们在教学中,不仅要传授知识,而且要努力提高学生的人文内涵,要处处从发展、成长的角度去关注学生,关注他们的精神世界。 今天的音乐教师,重点不在教给学生多少音乐知识技能、多少音乐名作,而在于是否通过教学使学生学到扎实的知识、接触到富于生命力的文化,是否在教学中培养提高了学生的思维能力、实践能力、创新精神、合作精神及综合的文化素养。 正如叶圣陶先生所说:“作为一个教师,只把功课教好还远远不够,最重要的是关心学生的健康成长。”也就是说,在教学中,要坚持教书育人,充分利用一切人文因素,挖掘各种课程和教学过程中的人文内涵和美学情趣,陶冶学生的情感,净化学生的思想,完善学生的品格,从而把他们塑造成为更纯洁、更善良的具有美好心灵的健全的人。有了一个良好的“精神底子”,学生才能健康、和谐地发展。所以,努力提高学生的人文内涵,是音乐教育教学中不容忽视的问题。 三、丰厚的人文理念是学科综合和音乐课程改革的需要 在新一轮基础教育课程改革中,艺术课程高度重视艺术教育在培养和提高学生全面素质中不可或缺的重要地位和作用,把对学生艺术能力的培养和人文素质的提高很好地结合起来;把学生的发展置于中心地位,强调多门 艺术学科的沟通和融合,发挥培养和提高学生的道德情操、审美能力、创新精神等多方面的功能,使艺术课程体现出鲜明的人文性、综合性、创造性和愉悦性;大大开拓和丰富了教学内容,既有艺术知识技能,又有艺术制作、艺术表演、艺术批评、艺术欣赏等方面的内容,并强调这些内容与日常生活、情感体验、文化背景和科学知识的紧密联系;创设了体验式、探究式、对话式等教学方式,丰富了艺术课的教学方法;对学生学习成绩的评定,着眼于学生的艺术能力和人文素养的提高。艺术教育课程标准的改革与创新,使艺术教育的本质真正回归到情感教育、审美教育和素质教育的层面。 音乐欣赏课应以兴趣爱好为动力,面向全体学生,注重个性发展,重视艺术实践,鼓励音乐创造,提倡学科综合,弘扬民族音乐,理解多元文化,将我国各民族优秀的传统音乐作为音乐课重要的教学内容,通过学习民族音乐,使学生了解和热爱祖国的音乐文化,增强民族意识和爱国主义情操。世界的和平与发展有赖于对不同民族文化的理解和尊重,在强调弘扬民族音乐的同时,我们应引导学生以开阔的视野,学习、理解和尊重世界其他国家和民族的音乐文化,学生树立平等的多元文化价值观,共享人类文明的一切优秀成果,同时注意吸收文学、美术、影视、戏曲、曲艺等姊妹艺术,强调多种艺术的结合,从而大大开阔文化视野,促进对音乐的体验与感受,提高音乐鉴赏、表现、创造与艺术审美的能力。 社会主义公民最基本的需求是什么?是高水平的综合素质。也就是说,任何一个公民都需要成为德、智、体、美、劳全面发展的人。而过去那种强调学科专业化,知识、技能必须全面、系统的教学体制,已经远远不能适应培养高水平综合素质人才的需求。提倡学科综合正是为了解决这种不适应,以适应实施素质教育的迫切需要。正因为如此,基础教育的各个学科都有必要淡化学科体系,强化课程体系。随之而来的是,既然要强化课程体系,提倡学科综合也就成为当前教育改革的一种必然。反之,因循过去那种传统的教学体制,必将导致实施素质教育的停滞不前。如何适应时展的要求,培养一大批既有较强的专业知识、专业能力,又具有良好的人文素质,“全面发展”的人才,是关系到我国国民教育事业发展的大事。因此,不仅要注重对学生知识、技能的培养,而且要注重培养学生的人文素质,这是每一个音乐教师义不容辞的责任。 四、将人文理念融入高中音乐欣赏的思考 1.正确认识音乐文化和其他学科知识的关系 德国教育家斯普郎格说:“教育也是一种文化。”音乐是人类文化中最美好的部分,音乐艺术本身所表现和涉及的政治、经济、军事、历史、文学、诗歌、地理、社会、民族、精神、地域、时代、宗教、伦理、道德、民风、习俗、风格的文化特征,无不打上深深的人文科学的烙印。由此可见音乐文化是一门多元文化,它自身就综合了其他很多学科的知识。因此,我们一定要把音乐作为文化来认识,努力拓展知识面,为学生提供从多方面看待音乐的机会。文学艺术素养会激发学生的灵感和想象,大自然的无穷奥秘会使学生产生探索的兴趣,了解音乐背面所凝结的历史、地理、政治等人文知识,特别是理科知识中不断探索的精神有助于创造意识的培养,不同学科之间的相互渗透会促使学生从新的角度去看待熟悉的问题。 音乐学科与其他学科之间的联系具有其他学科无法相比的优势。音乐艺术与其他学科间的联系是那样的自然、协调、有机。它会在许多方面开阔学生的知识视野,提高学生的个人修养及综合素质。既然如此,我们为何不充分地发挥它的优势呢?这不仅不会削弱音乐的内涵,反而能促进学生学习音乐的积极性,提高学习音乐的质量。同时,音乐向其他学科的拓展、延伸,会提高学生的理性认识,其他学科的相关文化可以加深学生对音乐的感受、体验、认识和理解。它们之间应该是一种互补的、强化的关系。试想:一个文化底蕴浅薄的学生,又怎么能深入地理解音乐作品的丰富内涵,去进行创造性的音乐活动呢? 2.把人文理念充分融入到实践教学中 音乐艺术本身就是一种极富人文情怀、文化底蕴相当丰厚的艺术门类,它更多地关注人生,关注人的精神世界;更多地关注人与自然、人与社会的和谐,关注人类灵魂的呼声。应当说,音乐艺术本身就是对学生进行人文素质培养的极好的教材。声乐作品中那些优秀的民歌、艺术歌曲,无不隐含着动人的思想感情和审美情趣;音乐欣赏中所呈现出的精妙绝伦的人类灵魂的声音、无尽的人性之美,它们所蕴涵的丰富的情感,深邃的思想,以及所负载的人类文明成果充分显示了其鲜明的人文性。艺术不能容忍说教,审美不能依靠灌输。教师要善于把教学内容中那些最富美感、最具艺术感染力的亮点挖掘出来,呈现给学生,引领他们主动地去感悟美、发现美,从而形成一种积极乐观的求知态度。 音乐艺术发展的每一时期,都有大量的音乐家值得我们去学习。他们那种对艺术、对人生的热爱与执着,身处逆境依然顽强拼搏、勇敢地与命运作斗争的积极的人生态度,无一不是我们学习的榜样。譬如贝多芬凭借“我要扼住命运的咽喉”的顽强地与病魔作斗争的精神,双耳失聪后依然创作不止,终将古典音乐流派推上巅峰。又如大家熟悉的人民音乐家聂耳从小家境贫寒,成功道路充满了曲折和艰辛,可他并没有放弃,也正是他这种坚强、不服输的性格使他成功地为电影《风云儿女》谱写了主题歌《义勇军进行曲》,这首作品一经问世,就在祖国大地上到处传唱,奏响了挽救民族危机的时代最强音。聂耳的爱国精神和为人民服务的思想,给中华民族带来了希望和力量。我们在学习和生活中也会遇到很多困难,可在困难面前我们应该毫不退缩,勇敢面对,[，！]战胜困难。聂耳一生虽然短暂,但他对艺术、对人生那份挚爱和热情,为我们留下了许多鼓舞人心的优秀音乐作品。这样的例子举不胜举,我们每一个音乐教师都应该充分有效地利用有限的音乐课以引导学生在更广泛的领域来领悟音乐艺术的魅力,从而激发学生对中国乃至世界传统音乐文化的热情、关注、了解、思考,这正是我们将人文理念融入高中音乐欣赏课堂教学出发点和目的,同时也是我们音乐教师为弘扬人类优秀音乐文化传统而应尽之责。 3.音乐教师尤其需要具备人文理念的思想 20世纪以来,美国学校音乐教育的改革与发展在音乐教学领域的变化和音乐教学内容的拓展方面体现得最为明显。1993年,美国政府宣布了《2000年目标:美国教育法》,并于1994年3月完成立法程序,该法令首次将艺术(包括音乐、视觉艺术、戏剧与舞蹈)增列为美国基础教育的核心学科。从哥伦布第一次踏上这块土地至今才五百多年的历史,美国建国至今也才不过两百多年,在这短短的时间内,美国已成为世界的头号强国,仅仅就这一点,难道不值得每一个有思想的人去深思和研究吗?美国教育改革的思路和动向,的确值得各国教育决策者和执教者的高度重视。 长期以来,我国中小学的音乐教师过于注重对学生音乐知识、技能、技巧的训练,忽略了对音乐文化的传播,甚至忽视了对自身综合素质和人文素养的提高。音乐是世界人类文化中最美好的部分,音乐教师应努力使自己在具有较高音乐专业知识、技能的同时具备较高的综合素质和人文内涵。有的教师说音乐欣赏课最好上,而另一些教师说音乐欣赏课最难上。其实,在这“好上”与“难上”之间确实有着一些辩证关系。对于那些对要讲授的作品非常熟悉的,有着较深刻理解的教师;平时注意积累,掌握 大量音像素材的教师;知识广博,并能旁征博引的老师;了解学生,掌握教学心理的教师;富于激情,语言流畅、幽默的教师来说,音乐欣赏课并不难上,并且也是展示教师才华的绝好机会。对于在以上方面捉襟见肘、难以启齿的教师,欣赏课难上就不足为奇了。 实际上,将人文理念融入高中音乐欣赏课,这种教学难度更大,对教师素质的要求也更高,教师不仅要精通本学科的知识,而且要了解各种音乐文化及相关文化知识的背景和历史渊源。同时,还应注意广泛地摄取包括政治、经济、军事、哲学、法学、文艺、语言学、历史、文学、诗歌、地理、社会、民族、精神、地域、时代、宗教、伦理、道德、民风、习俗、民俗学,以及其他社会相关姐妹艺术在内的人文学科理论知识,不断丰富人文素质内涵,提高道德修养,发展审美能力和创造能力,陶冶高尚情操,以全面促进学生艺术水平的提高。 因此,音乐教师对自身音乐教育的认识水平不提高,工作就缺乏高标准,教学质量就很难得到提高,只有用先进的思想和观念指导自己的教育教学实践,才能真正发挥自己的创新精神,形成自己的教育艺术。只有自身具备多元性文化知识,基础牢固,才能在课堂上做到旁征博引、语言丰富,用自己的教学魅力强烈吸引和感染学生,扩展学生的思路,真正引起学生对优秀作品的兴趣。 音乐专业自身有着庞大的知识系统,知识点多,覆盖面大,只有基础知识掌握得牢固、知面宽,课堂上才会做到表述准确、举一反三、游刃有余。要与科学技术的迅猛发展相适应,教师就要具有较强的适应性和发展性能力,其中包括自身必须会学习,必须具有丰富的学习经验和较强的自学能力。对新的有价值的教育信息要有浓厚的兴趣和敏锐的感受力,要坚持不懈,广开积累渠道,有计划、有步骤,循序渐进,积累各种资料,广泛吸收和借鉴他人的知识与经验。要有高远的追求、顽强的意志,有一种攀登不息的精神,形成进行教育研究的能力,才能不怕困难和挫折,做到厚积薄发。 教学应该成为师生在具体的教与学中,感受成长、学会生活、积累经验的过程,通过日常交往、组织活动、科学探索和社会实践的交替与整合,师生共同感受生命、观察世界、体验生活,形成现实的存在感和对未来的预期。教学过程是使人的精神从个体发生走向社会存在和人类的存在,从生物存在经由文化发生走向历史存在的过程。在不断的学习、尝试、批判和自我校正中,师生逐步走向与自我、与他人、与世界诸方面的和谐,走向一个具有独立的精神世界、丰富的生存感悟和鲜活的生活历史的人——走向文化的存在和生命的完满 音乐教学论文:现代信息技术和音乐教学现状 一、现代信息技术与我国高校音乐教育教学融合的意义 (一)现代信息技术可以提高音乐教学的趣味性 多媒体手段的运用属于声音与图像的综合作用,高校学生可以在音乐教育教学中感受到更多的学习乐趣,学生的学习兴趣受到多方面因素的影响,而对生动具体的新鲜事物更加容易提起探索欲望以及学习欲望,所以高校音乐教学应该结合现代信息技术为学生营造一个与其他学科不同的课堂环境与氛围。比如:在学生进入教室之后可以先播放一段音律优美、情感积极的乐曲,将学生带入到音乐的世界之中,更好的集中注意力,而且在教室制作课件的过程中加入适当的背景音乐作为衬托,将枯燥的讲课内容与音乐的旋律融合在一起可以提高课堂教学的丰富性以及独特性。又如:在介绍西方音乐历史的过程中就可以结合具体的教学内容选择相同时期的音乐进行背景播放,像《土耳其进行曲》、《蓝色多瑙河圆舞曲》这样学生在学习的过程中就可以一边了解中西方音乐发展历程一边感受当时音乐的特点与形式,这对于提高教学效率可以起到一定的帮助,而且对于集中注意力也非常有效,增强了教学的趣味性,避免了过去那种枯燥的讲解式教学形式。 (二)现代信息技术的运用可以让学生更好的感受音乐 音乐是声音艺术,音乐教学的基本手段之一是聆听,音响美,是创造良好听觉环境的关键因素,音质清晰的音响给人的听觉带来快感并诱发美感的产生,而一个美好的视觉环境对音乐教学也非常重要。在现代信息技术的协助下高校音乐教育教学可以让学生更好的、深入的感受音乐魅力,为音乐审美氛围的营造提供帮助。传统的教学方式在很大程度上对教材中的文字、符号、乐谱等形成了教学依赖,学生在学习的过程中也会感到乏味,这样也会使学生形成一种对音乐的偏见,不能很好的用自己的心灵去感受音乐的美,而只是束缚在课本的知识点之中,产生一种学习态度上的消极应对,并且教学材料只能呈现文字、乐谱这些可以看和阅读的知识内容,而对于其中蕴含的关于音乐的实质性的却不能明确的、直白的表达出来,也就是通过听觉所感受到的音乐,它与通过看和读所感受的音乐是有很大的不同的。现代信息技术可以将色彩图片、新颖的谱面、重点强调的内容引入课堂,还可以利用计算机对构成音乐的各种声音进行数码形式的采集与编辑,经过一系列处理之后得到自己想要的音乐内容,也可以让学生指导音乐形成的具体过程,将听觉与视觉有效的结合起来,使学生在课堂上可以达到声、韵、义先融合的学习状态,更加深入的感受音乐,从而激发出学生的个体情感,最终实现音乐学习中的领悟,对于教学成果的实现非常有益。 (三)现代信息技术可以帮助学生表现音乐、创造音乐 培养学生的音乐表现力就必须引导学生参与音乐实践活动,引导学生参与音乐艺术实践活动,除了要选择有艺术价值的表演曲目外,还要注意活动形式的趣味性以及学生参与活动的广泛性。音乐教学活动的趣味性可以对学生参与音乐学习起到推动的作用,在教师利用计算机进行课件的制作过程中需要考虑到这一点内容,不仅要将需要的知识囊括在其中,还应该使课件内容可以激起学生的兴趣,使他们能直观的、清楚的对学习的音乐知识进行了解,也可以调动起学生加入音乐实践学习的热情。学生在进行足够的音乐欣赏之后,可以通过内容丰富的课件展示的知识去参加更多音乐学习活动。在音乐的表达上就可以对其中蕴含的情感以及刻画的音乐形象做一个很好的阐释和展现,比如:在学习民谣《樱花》的时候,通过视频为学生展示出日本樱花开放的盛况景象,给学生带来直观、强烈的视觉上的震撼,学生在观赏视频并学习歌曲后可以体会其中蕴含的情感,体会传统情感的表达。另外,现代信息技术使得音乐获取的渠道更加广,这就为音乐创造能力的养成提供了条件,运用信息技术使学生加强音乐方面的想象能力的培养,比如:在音乐剧的表演中学生需要扮演不同的动物的角色,这时教师就可以通过展示动物的活动、习性的视频以及在不同的场合的声音等内容加深了解和体会,为生动形象的塑造角色提供帮助,也使学生进行更加真实的音乐表演创造。 二、现代信息技术与我国高校音乐教育融合的实践研究 (一)运用现代信息技术提高音乐教学效率 在传统的音乐教育教学中教师是教学的中心,教师通过录音机、谱例、磁带等工具进行教学,而且课前的准备工作也非常繁琐,耽误了正常的教学时间。这种音乐教学形式对于学生也是一种煎熬,需要耐心的等待,而且由于教学的中断也会使学生分散注意力,甚至失去音乐学习的兴趣,对课堂教学效率的提升也是极大的阻碍。现代信息技术可以利用各种先进的科技将声音、画面进行完整、清晰的呈现,而且不会受到空间、时间的影响,也不会耽误课堂教学的时间,只需要简单的几个操作就可以将需要呈现的内容通过多媒体屏幕展示给学生们,实现音乐视听结合的发展效果。计算机等现代信息技术是传统课堂教学的一种辅助和补充,为学生创造一个更加真实、完善的教学环境,可以提高学生对音乐的学习的兴趣,增加音乐创造的灵感来源。高校学生已经具备了一定的音乐基础,需要接受更多方面的音乐知识来对自身的水平进行提升,现代信息技术可以实现这一目标,将世界各地的音乐相关的内容快速及时的展示在学生面前,将抽象的音乐理论转变为更加直观的画面或者声音进行具体分析,有利于学生的理解和记忆。 (二)利用现代信息技术加强音乐教学的整合 艺术课程之间都是相同的,在音乐教学中开展多种艺术形式的整合可以让学生充分的体会到艺术的美,感受到音乐与其他艺术的内在联系以及音乐的重要作用。现代信息技术与高校音乐教育教学的融合则是实现这种多形式艺术相互合作的重要前提条件,通过信息技术的利用可以将音乐课教学作为一个切入点形成影视课、戏剧表演课等教学形式,可以达到艺术的高度融合。比如:在教学中以“黄河”做为主题进行艺术综合课程的教学,首先需要让学生对黄河有一个整体的了解,通过多媒体观看配有轻缓音乐的黄河风光介绍视频,然后结合《黄河船夫曲》进行美术作品《黄河船夫》的欣赏,然后在音乐的衬托下进行形体表演,让学生通过音乐表达的情感通过形体展现出来,如与风浪进行抗争、船夫的坚毅精神等。还可以让学生欣赏具有地方 文化特色的民歌《天下黄河九十九道弯》,对与黄河相关的诗句进行有感情的朗诵等,这些教学内容都需要借助多媒体技术进行呈现,将舞蹈、影视、诗歌等多种艺术进行了整合,在这种变化之中对学生的听觉与视觉进行了不同程度的刺激,促进了学生情感的升华。 (三)利用现代信息技术实现音乐教学的情景化 大部分的音乐作品都是进行的具体内容的表示,尤其是歌曲,在高校音乐教学中对这部分的音乐配上适合的画面,不仅可以诠释音乐想要表达的内容还可以将学生带入情景之中。比如:在进行《长江之歌》这首歌曲的教学中,为了让学生更好的体会其中蕴含的情感以及表现的内容,可以根据这首歌截取一些具有实际表达效果的画面,如长江的源头、奔腾的波涛、灌溉土地等,然后进行重新的编辑,与这首歌曲结合在一起进行观看欣赏,学生可以更好的体会到“你向东海奔去,惊涛是你的气概”、“我们赞美长江,你是无穷的源泉”等歌词的具体意义,也可以更好的挖掘其中的情感,将学生直接带入相似的情景之中,加强学生对歌曲音乐的理解。 (四)利用现代信息技术促进高校音乐教学的科学化发展 在音乐课堂教学中教师需要介绍不同音区、声部的音色的时候,是不可能通过自己的模仿去让学生完全领会掌握,而且也容易出现理解的偏差。现代信息技术的加入可以更加科学的实现音乐知识的教学。比如:在《黄河大合唱》的教学中,教师可以通过相关的影像资料,让学生一边观看一边介绍其中的演唱知识以及进行声部、不同音区音色的划分等内容,然后可以进行教学的拓展,让学生理解独唱、合唱、重唱等演唱形式的区别,而且可以对混声合唱中的四个不同声部有一个直观的认识,这些教学内容的实现都需要现代信息技术进行辅助,也是传统教学形式无法实现的,所以说高校音乐教育教学必须对现代信息技术提高重视,增强两者的有效融合,提高音乐教育教学水平。 三、结语 现代信息技术的发展非常迅速,它在音乐教育教学中的应用也越来越广泛,信息技术对音乐课堂的优化是两者融合的目的,可以为课堂带来新的生机与新的教学方式,现阶段的信息技术与高校音乐教育教学的融合还处于一个发展阶段,需要师生共同努力,发挥现代信息技术的真正作用,提高学生学习的积极心,实现开阔眼界、提高音乐教学质量的成效。 音乐教学论文:对大学音乐教学的问题研究 2006年11月11日第四届“珠江钢琴”全国高校音乐教育专业大学生基本功比赛在湖北武汉华中师范大学落下帷幕,来自全国45所高校的119名参赛选手参加了包括“综合文化素质考试”、“自弹自唱”、“合唱指挥”、“钢琴演奏”、“歌唱与伴奏”等五项比赛。从此次比赛的内容和结果来看,有许多值得我们学习的地方和值得思考的问题。就这次比赛谈谈在高校音乐教育中应注意的几点问题。 1音乐教育要重视音乐背后的文化修养 这次综合文化素质考试满分160分,100分以上的只有一个人,多数学生的成绩都在40到80分,其实是处在一个不及格的阶段。例如,其中一道题是请写出歌曲《歌唱祖国》的歌词和词曲作者,曲调立刻就在耳畔想起,但是能把三段歌词都写上来的为数不多,再把词曲作者写全的就更是寥寥无几了。想想这些学生还都是在校的优秀生。就从这一点,我们不难看出,目前高校的音乐文化教育普遍松懈。唱歌的强调方法、强调声音的解决;弹琴的注重基本功的训练、技巧的提高。把音乐的背景、年代性和为什么产生音乐的“故事”也就是“文化”丢失了。这就是我们的音乐为什么有时显得那么苍白。所以提高在校音乐专业大学生的文化修养是当务之急。对此我有几点建议: (1)在我们学习唱歌和弹奏器乐时,要同时注意作品的作者、创作年代、文化背景,这就把音乐史跟我们的主修课很好地结合起来了。放在作品所处的时代大环境下演唱和演奏,从作者的情绪情感出发,把握艺术的内涵。这样创作出来的作品,是一定会打动和吸引观众的。 (2)分析作品。从曲式结构、复调功能、配器上了解作品的框架、构成。在这次“钢琴比赛”的考场中,有许多学生演奏回旋曲式的作品。回旋曲式有一个特点:主题旋律在不同段落多次重复出现。那么我们就要想,它每次出现的表情和效果是一样的吗?答案当然是否定的。都是同样的旋律,我们要通过强弱对比的情绪变化表现出它不同位置的不同感受。例如:第一次见到的感觉和再见面或者熟悉了之后所抒发的情感是完全不同的。我们要通过分析,把得出来的感受应用到音乐的表现中去。让我们的艺术有血有肉。 (3)多听、多看、多感受。我在这次大赛的举办学校(武汉华中师范大学)音乐学院的课程表上看到这样一门课———主修视听课。它的内容是要求学生每学期要听够30到40首音乐作品。这样虽然自己在一学期内演唱或演奏不了那么多作品,但能从视听课上了解和感受到很多作品的处理、变化,以便于以后有机会接触到时,更好的发挥。确实,我们在学校演唱和演奏的作品很有限,但我们可以多听一些名家的音乐会甚至是看一些电影图片,哪怕是旅行,只要细心、勤思考、多感受,都会获得很多知识和道理。我认为,从中受到的感染是一种音乐情结的积累,它能使我们更好的把握音乐风格和音乐方向。 2一专多能 “一专”指一门专业课。它对一个人的发展很重要。每个人都有他的社会价值,大多是按“一专”的高低来衡量的。所以对于音乐专业的学生来说,一定要重视自己的主修课程,勤奋、用心。我们熟悉的大音乐家们,可以说大部分是靠这“一专”的突出给人留下深刻印象的。但是要想成为“常青树”,就要摄取更广泛的知识了。国际艺术理事会主席芬兰人理斯托?罗赫内在接受采访时说过,一个艺术专业的学生,应该尽量多学艺术方面知识,但一定不要忘记掌握比较全面的基础知识,即使你是一个顶级的艺术家,也应该有一个宽广的知识面。就像金字塔的塔尖,它之所以又高又尖,是因为它有无数宽厚的基石所垒建。在学校期间,我们在用心学好主修课程外,还要注意自己其他能力的培养。比如:讲台和舞台的历练。现在音乐教育和音乐表演的概念已经很模糊了。音乐专业的同学只要毕了业可以考教师证去当老师,也可以考演员证去舞台上演唱演奏。所以我认为我们的教学目标是让学生们能上得了舞台,又能上得了讲台。就像这次比赛的考核内容,只会弹不行,只会唱不行,还得自弹自唱,甚至还要考即兴抽来的作品。这确实展现了一个学生整体的艺术能力。那么,怎样在上学期间尽可能的提高自己的艺术能力呢?首先拿专业课来说,一般院校主修课一周一节,同学们一半是自己上完就完事大吉了,也从不注意别人上课的内容和问题。其实在别人上课的时候去旁听,从老师教课的一点一滴中体会教学的内涵,能有一份意想不到的收获,这就是教学教法的获得。其次,要多参加音乐会、比赛,锻炼自己。把自己平常对音乐的理解和感悟通过音乐会、比赛等形式与大家交流,及时总结自己的经验和不足,为以后更好的表现和发挥做铺垫。由此看来,“一专”是关键,“多能”是条件。在“多能”的基础上巩固“一专”,在“一专”的前提下发展“多能”。 3做好从学校到社会的变位准备 现代的教学模式是以人才培养为关键,服务社会为目的。通过这次比赛,我也一直在思考。教育部考了这么多项内容,他真的就要求我们样样精通吗?我认为不是,并且我们也做不到。但是很多人认同了他,并积极地去参赛。其实他真正的意义是告诉我们,大学生活不能仅仅是学了几首歌,练了若干作品,更多的是在这个阶段完善自己,包括知识、情感、人格的健全。这就涉及到我们世界观、人生观、价值观的树立了。当你步入社会的时候,你要通过这么多年的所学所想去真正的实践了。那么,我们在学校期间就要做好步入社会、适应社会、发展社会的准备,让我们的学习有针对性,实用性。有些高校重视理论培养而忽视 实践的重要性。毕业的学生只能在纸上做音乐、配伴奏。坐在钢琴前来个即兴就手忙脚乱了。所以我们的音乐人才绝不能是“音乐人”和“音乐才”,而是让所谓的音乐人才能通过音乐与社会交流、融合,从而顺利地发展自己,做一个社会的有用人才。最后,关于高校音乐教育的问题还有很多值得讨论和探究。让我们的思考和结论在社会实践中锤炼,在高校音乐教育中完善。 音乐教学论文:对音乐与舞蹈模块教学的关联分析 0.引言 音乐是舞蹈的灵魂,舞蹈是音乐的肉体,一个有形,一个有声,二者完美的结合构成美丽的丰富世界。音乐与舞蹈作为一种精神粮食存在于人民的生活当中,虽然起的只是辅助作用,但是重要性却不容小嘘。 1.现行高中体育与健康课程形体舞蹈模块教学内容存在的问题 1.1教材全国各地不统一 音乐舞蹈教材是学习传递知识点的主要载体,对学生达到课程教学目标有着非常重要的意义,是目前教学大纲中细分化和整体化的一种表现形式,是学生学习掌握基本知识点和基本技能的一种主要手段泉源,也是教师教学过程中的根本依据。但是在目前很多教程课程中有关音乐舞蹈板块的教学体系都存在着很大的不足,其中主要表现在全国各地所用的教学素材不统一、虽然它们大致的内容都囊括了基本的理论和技能这两大部分,但是教材内容过于陈旧、版本过于杂散、知识点的排布也不够系统、也没有相关的资料做有关参考学习,缺乏一个整体的策划意识,并且很多在教学过程中都忽略了对学生能力正确认识和相关技能的培养。 1.2内容过于单一、动作过于简单 目前在很多音乐与舞蹈模块的教学过程中内容都过于单一,舞蹈的动作过于简单,教学观念不够端正。就以芭蕾舞蹈艺术体操为例,主要内容都是些基础的动作训练。由于在基础训练过程中动作过于简单,练习机械化、枯燥无味,再加老师不端正的心态,往往会使学生产生一个学习疲累,提不起学生的兴趣及学习的积极性,因此学习效果不明显,使得学生没有成就感以及征服感从而学生产生厌学情绪[1]。 1.3教学对理论知识的重视不够 音乐舞蹈理论知识是学习掌握音乐舞蹈的基石,是培养学生能够正确的去学习音乐和舞蹈的思想导向,对有效的完成教学任务具有很大的帮助。目前,很多学校的音乐舞蹈课的理论学习很少甚至就没有,很多学生对音乐舞蹈课的形成历史作用和存在的意义都不清楚,这样就导致上课只是为了完成任务,再加上内在外在的各种客观因素的影响,从而不能积极的调动学生学习的主观能动性,使得学生把要我学观念转化成我要学的观念。 1.4教学对音乐舞蹈的观念意识重视不足 音乐舞蹈教学作为一个辅助性的课程,很容易在教学过程中被学校忽视不重视,学生学习当作把玩逃避其他课程学习的一个中场休息,因此导致了学生在学习音乐舞蹈课程中不积极的负面影响,也从而影响整个音乐与舞蹈的板块学习。 2.音乐与舞蹈板块教学的内容的重新缔构 2.1改变教学体系,完善教学大纲。 在实际过程中,结合学生的现在和将来需要考虑,把握现在学生的一个生理心理需求,将各大理论体系相文秘站:关资料进行一个统一的讨论、系统的编排,以做到一个全面海纳百川的集体力量,形成一整套适合相关年龄阶段学习的教材并制作出相应的影像资料供于学生学习。同时也还要借助音乐与舞蹈相互相成的理念,融入现代化元素做到内容丰富有特色,以达到音乐舞蹈与时俱进的效果。 2.2精选教学的基础教学内容。 把握住整个教学过程的学习重点,使得学生在有限的学习时间内将学习效率最大化。因此,老师应将繁杂的学习课程进行一个有效的分类,挑选出实用的,重要的进行一个整合性教学,加强基本知识技能的教学,着重培养学生的音乐舞蹈的基本理论,以提高学生融会贯通的学习能力。 2.3利用迁移理论将教学特色化。 迁移作为一个词语时,它的意思是离开原来的所在地而另换地点或由于自然力的作用从一地移向另一地。在心理学中,它指的是是一种学习对另一种学习的影响,指在一种情境中获得的技能、知识或态度对另一种情境中技能、知识的获得或态度的形成的影响[2]。实现迁移的必要条件是需要几种情境中有相同的要素,利用社会很多技能理论功能等,一进行一个学习上的迁移,然而通过迁移理论达到教学目标。 3.建议 3.1统一教材,在资料理论的统一讨论、编排下进行一个更有效的学习,并形成自编教程相应的资料,配合着影像进行教学。 3.2加强学生的意识培养,在教学过程中多让学生学有所用,将自己所学的知识和理论运用到实际,从而提高学生的学习兴趣,以到达教学的目的和效果。 3.3把握住学生的兴趣,以学生喜爱作为教学的背景依旧,结合学习的重点,进行简单易学的现代化教学。 3.4创新教学内容,把日常的生活融入到教学当中做到理论和实际相结合,从而加强学生的创新学习[3]。 4结束语 本文以音乐与舞蹈模块的教学提出了以提高教学质量,统一教材、创新知识点、及学生的学习兴趣等几个方面进行了讨论,促进和改善音乐与舞蹈模块的教学,为广大的教学工作者提供一定的参考。 音乐教学论文:小学音乐欣赏课教学分析 一、激发学生欣赏音乐的兴趣 音乐欣赏是重要的音乐学习领域,是培养学生音乐审美能力的有效途径。教学中应激发学生听赏音乐的兴趣,养成聆听音乐的良好习惯。怎样才能培养和激发学生欣赏音乐的兴趣呢?比如欣赏《劳动回家转》,这是动画片《白雪公主和七个小矮人》中的一首歌曲。教学中我简单介绍了迪斯尼乐园中的动画人物,然后请大家欣赏。音乐中动听、明亮的声响,活泼跳跃的节奏感染着学生。于是我插入了图片,迪斯尼乐园的建筑壮观美丽,设施新颖奇特,有孩子们喜爱的动画人物,学生们目睹了迪斯尼乐园的美。优美的音响和动人的画面,把学生带到了真善美的小世界之中,为学生创设了身临其境的情境,有的学生说:“如果能到那里去游玩,我一定高声歌唱。经过前面的体验,学生很自然的进入角色,歌曲唱的异常动听感人,这是他们自己找到的小世界。 二、运用律动让学生感受乐曲的内在情绪 律动是儿童随着音乐节拍,进行有节奏动作的一种活动。小学生生性好玩,“动”是学生表达自己对音乐感受、理解和体验的最直接、最喜爱的方式,教师应充分利用孩子们好“动”这一特点,通过律动来激发他们对音乐欣赏课的兴趣和期待,在音乐课上让学生跟着音乐动起来,就是律动,就是对学生渴望用肢体语言表达音乐感受的满足。当学生的这种渴望被满足时,内心会非常愉悦。例如老师在讲解音乐中关于力度时,可以先让学生欣赏一下《让我们荡起双桨》,这首歌整个力度平缓舒和,学生能够敏锐感受到节拍的变化,并在欣赏过程中跟着节拍拍打;而当我切换到《黄河大合唱》时,小学生又可以明显感觉到力度的加大,手跟着拍子的节奏也变得急促。通过这两首歌曲,可以让学生深刻感受到律动的变化,同时学生通过跟拍用拍手的形式表达出自己对音乐的渴望。 三、结合故事来欣赏音乐 音乐是一门艺术,它主要是通过听觉来刺激人们表达一种情感的诉求,因此,听是欣赏音乐的主要途径,也是音乐欣赏课的难点。小学生的性格还未成熟,对于未知事物的好奇心较强,同时对于一些故事性的东西比较敏感。针对这一点,我们在音乐欣赏课时,可以巧妙的安排一些故事性和知识性、趣味性较强的音乐作为欣赏课的主要内容。如在欣赏《歌唱二小放牛郎》时。我向同学讲述了王二小的故事,同学们在故事背景下了解了歌曲的创作背景,更加有兴趣去学习和欣赏这首歌,又因为这首歌通俗易懂,而且王二小是语文课本中的人物形象,学生在理解歌曲内容也较为容易。故事性的音乐又能调动学生的积极性,在欣赏音乐的同时,也在发散思维创造故事,因此音乐能够真正刺激他们的创作欲,从而达到欣赏的目的。 四、用动画片引入欣赏教学 动画片的情节与音乐始终紧密结合,加之其色彩鲜明、造型夸张,能够陶冶学生的审美情操。动画片具有形象鲜明、画面丰富、音乐旋律轻松活泼的特点,优秀的动画片吸引孩子的除了丰富多彩、动感十足的画面外,还有与画面交相辉映的背景音乐,挖掘孩子们喜闻乐见的童趣动画片,在音乐欣赏课与动画有机的结合能收到一定良好效果。如在欣赏《劳动最光荣》时,这首歌曲是电影美术片《小猫钓鱼》的主题歌,我在课前导入时,播放了《小猫钓鱼》的动画片,学生们看的津津有味,画面上两只可爱的小猫深深的吸引了他们。让学生看着动感的画面,听着优美的圆舞曲,体验溜冰的惬意心情,从而更好地理解作品的内容。 五、在游戏中欣赏音乐 在音乐欣赏课教学中,运用音乐游戏,有利于学生们感受不同的音乐情绪,为此,在音乐教学中,我根据小学生的年龄特点,开展一些音乐游戏与活动,为学生们创设一个活跃的思维环境,这对发展学生的想象力、创造力以及其他各种能力很有益处。我在欣赏课教学中创编了放音乐,猜一猜歌曲出自哪部动画片的游戏。首先请学生戴好各自的头饰,围成一大圈,边听音乐边按着节奏拍手,听到相关音乐,就走到圈里,围成一个小圈。例如:我播放《一个师傅三个徒弟》的音乐,戴《西游记》中人物头饰的学生就拍手走到圈里,围成一个小圈,其他人站在外圈拍手。我播放《劳动回家转》的音乐,戴《西游记》中人物头饰的学生退回到圈外,戴《白雪公主》头饰的学生拍手走到圈里,围成一个小圈。在轻松、愉快的音乐游戏中,学生轻松的听到了不同的音乐,带给了我们不同的情绪,他们在欢乐活泼的气氛中积极主动地获取知识,从而达到提高教学质量的目的。 六、让学生在愉悦的环境下欣赏音乐 现在的孩子都喜欢在轻松愉快的环境下学习,这就要求教师在教学中要千方百计地创造一个轻松愉快的学习环境,建立良好的师生关系,与学生和睦相处。依据学生的意愿和爱好,选择比较适合且健康的歌曲进行欣赏教学。小学音乐课堂的宗旨就是引导学生学会参与。教学过程中学生由想动、爱动到行动、意动、情动,就是创造吸引力的过程,也是活跃性原则的中心内容。只有在一个动静结合的课堂上,学生才能愉快主动地学习,尽情地享受音乐的美,以饱满的激情投入到音乐欣赏的学习中,塑造自我。音乐是人生最大的快乐,而音乐欣赏对学生的教育作用是其他任何教学手段不能替代的。因为音乐欣赏课具有最直接、最具体的审美教育价值。“它以一定的音乐为审美对象,以参与欣赏活动的人为审美主体,形成一种特殊的审美观,通过这种音响的聆听,实现对音乐美的感受和鉴赏。”让我们为了音乐美,而共同努力。 音乐教学论文:谈小学音乐的情感教学 一、创设情景,激发情感 在音乐教学中如何让学生体会歌曲的情感呢?让学生身临其境地感受歌曲。只有创设一种与音乐情境相和谐的环境、气氛,以情动情,才能使学生很快地进入音乐中,进而用各种丰富的音乐语言将自己的感受表达出来。我在教唱四川民歌《太阳出来喜洋洋》这一课教案设计时,我请了一位男同学,扮成四川当地一少数民族儿童,在PPT背景下的树林中迎着太阳边唱边跳,通过这一组生动的电视画面,激发学生的情感,产生一个情感氛围,使学生以景带情,情景交融,从而促进对歌曲的理解与感受,提高学生对学唱这首歌的兴趣。在教唱《彩云追月》这一课时,为了让学生感受对亲人的思念之情,我在PPT背景音乐下,伴着明月图片的展示,让学生闭上眼睛想象自己在中秋佳节之际,对在外辛苦工作的父母的思念之情,想象着自己在节日之际盼望与他们团聚的心情。这样一来,在学唱歌曲的时候,学生就能够很好地把歌曲所表达的思念之情用自己的歌声来演唱了。 二、亲自参与,体验情感 对于小学生来说,他们心目中的音乐课是快乐的、轻松的,应该是充满笑声的。如果在此基础上,让学生能够亲自参与音乐课教学过程中的一些活动,当然这些活动必须要紧紧围绕歌曲来进行,那么,当学生处于愉悦状态时,就能更好地激发他们的思想火花,对歌曲情感的把握就会有所提高,得到意想不到的收获。《跳柴歌》这一课,它是音乐与舞蹈相结合的一个典型的课,于是在这节课的教学过程中,我设计了用绳子代替竹竿,让学生按着音乐的节奏进行分组跳绳,在此基础上再让学生一对一、面对面蹲在地上,双手拉着绳子贴在地板上,反复做开、合的两拍练习,再和着《跳柴歌》的音乐进行,最后请学生跟老师一起跟着音乐,在开、合的跳绳中间跳来跳去,感受跳竹竿舞的快乐,学生也从中体验到快乐的情绪。这样的活动,就为后面歌曲的情感把握起到了很好的铺垫作用,学生在演唱时也比较顺利。教学《小小雨点》这一课是时,课前,我让学生收集雨点的声音,让学生自制简单的乐器来模仿雨点的声音。没想到这一任务布置下去,一年级的小朋友十分感兴趣,课堂上带来了各种各样自制的乐器,有用瓶子灌水的,有用瓶子灌沙子的……为了让学生更好地体会雨点的声音,我分别让学生模仿小雨点的声音,模仿雷雨的声音,学生们都模仿得十分到位。于是在歌曲的学唱中,他们能够很好地把握住《小小雨点》的声音大小了,而且通过自制乐器来模仿雨点声,加上老师的引导,学生对这首歌曲的情感把握也十分到位了。 三、走进文化,升华情感 音乐是一种善于抒情的艺术,音乐中有着丰富而深刻的文化内涵,只有当演唱者的感情活动与音乐作品蕴涵的感情基本吻合的时候,才能称之为正确的音乐演绎。在音乐学唱中要使得学生的情感得到升华,价值观得到升华,从而达到以陶冶心灵的目的。《爱的人间》这首歌是着名作曲家谷建芬专门为盲童写的一首感人的歌曲,不仅有着丰富的情感内涵,更有着丰富的文化内涵。在教学时,我让学生观看残奥会视频,介绍青年盲人歌手杨光,8个月就因病而双目失明,他以乐观的方式寻找色彩,在音符中描绘着美好的生活。在星光大道的舞台上,杨光用音乐唱出人的心灵、情感的美好、生活的恩赐。还播放了《千手观音》录像,借助音响资料让学生了解残疾人的精神世界,感受残疾人以顽强的毅力超越残障、超越自我的人格魅力。充分让学生感受文化底蕴与内涵,让学生产生心灵与情感上的共鸣。音乐是情感的艺术,情感是音乐教学的灵魂,两者相辅相成。作为一名音乐教师,在教学中,我们要让歌曲在感动自己的同时也感动学生。这样,我们就发挥了音乐的情感作用,陶冶了学生的性情,提高了审美趣味,使他们不仅有美的心灵,更让学生在音乐学习中尽情地领略美、创造美! 音乐教学论文:音乐与舞蹈模块教学的关联分析 引言 音乐是舞蹈的灵魂,舞蹈是音乐的肉体,一个有形,一个有声,二者完美的结合构成美丽的丰富世界。音乐与舞蹈作为一种精神粮食存在于人民的生活当中,虽然起的只是辅助作用,但是重要性却不容小嘘。 1.现行高中体育与健康课程形体舞蹈模块教学内容存在的问题 1.1教材全国各地不统一 音乐舞蹈教材是学习传递知识点的主要载体,对学生达到课程教学目标有着非常重要的意义,是目前教学大纲中细分化和整体化的一种表现形式,是学生学习掌握基本知识点和基本技能的一种主要手段泉源,也是教师教学过程中的根本依据。但是在目前很多教程课程中有关音乐舞蹈板块的教学体系都存在着很大的不足,其中主要表现在全国各地所用的教学素材不统一、虽然它们大致的内容都囊括了基本的理论和技能这两大部分,但是教材内容过于陈旧、版本过于杂散、知识点的排布也不够系统、也没有相关的资料做有关参考学习,缺乏一个整体的策划意识,并且很多在教学过程中都忽略了对学生能力正确认识和相关技能的培养。 1.2内容过于单一、动作过于简单 目前在很多音乐与舞蹈模块的教学过程中内容都过于单一,舞蹈的动作过于简单,教学观念不够端正。就以芭蕾舞蹈艺术体操为例,主要内容都是些基础的动作训练。由于在基础训练过程中动作过于简单,练习机械化、枯燥无味,再加老师不端正的心态,往往会使学生产生一个学习疲累,提不起学生的兴趣及学习的积极性,因此学习效果不明显,使得学生没有成就感以及征服感从而学生产生厌学情绪[1]。 1.3教学对理论知识的重视不够 音乐舞蹈理论知识是学习掌握音乐舞蹈的基石,是培养学生能够正确的去学习音乐和舞蹈的思想导向,对有效的完成教学任务具有很大的帮助。目前,很多学校的音乐舞蹈课的理论学习很少甚至就没有,很多学生对音乐舞蹈课的形成历史作用和存在的意义都不清楚,这样就导致上课只是为了完成任务,再加上内在外在的各种客观因素的影响,从而不能积极的调动学生学习的主观能动性,使得学生把要我学观念转化成我要学的观念。 1.4教学对音乐舞蹈的观念意识重视不足 音乐舞蹈教学作为一个辅助性的课程,很容易在教学过程中被学校忽视不重视,学生学习当作把玩逃避其他课程学习的一个中场休息,因此导致了学生在学习音乐舞蹈课程中不积极的负面影响,也从而影响整个音乐与舞蹈的板块学习。 2.音乐与舞蹈板块教学的内容的重新缔构 2.1改变教学体系,完善教学大纲。 在实际过程中,结合学生的现在和将来需要考虑,把握现在学生的一个生理心理需求,将各大理论体系相关资料进行一个统一的讨论、系统的编排,以做到一个全面海纳百川的集体力量,形成一整套适合相关年龄阶段学习的教材并制作出相应的影像资料供于学生学习。同时也还要借助音乐与舞蹈相互相成的理念,融入现代化元素做到内容丰富有特色,以达到音乐舞蹈与时俱进的效果。 2.2精选教学的基础教学内容。 把握住整个教学过程的学习重点,使得学生在有限的学习时间内将学习效率最大化。因此,老师应将繁杂的学习课程进行一个有效的分类,挑选出实用的,重要的进行一个整合性教学,加强基本知识技能的教学,着重培养学生的音乐舞蹈的基本理论,以提高学生融会贯通的学习能力。 2.3利用迁移理论将教学特色化。 迁移作为一个词语时,它的意思是离开原来的所在地而另换地点或由于自然力的作用从一地移向另一地。在心理学中,它指的是是一种学习对另一种学习的影响,指在一种情境中获得的技能、知识或态度对另一种情境中技能、知识的获得或态度的形成的影响[2]。实现迁移的必要条件是需要几种情境中有相同的要素,利用社会很多技能理论功能等,一进行一个学习上的迁移,然而通过迁移理论达到教学目标。 3.建议 3.1统一教材,在资料理论的统一讨论、编排下进行一个更有效的学习,并形成自编教程相应的资料,配合着影像进行教学。 3.2加强学生的意识培养,在教学过程中多让学生学有所用,将自己所学的知识和理论运用到实际,从而提高学生的学习兴趣,以到达教学的目的和效果。 3.3把握住学生的兴趣,以学生喜爱作为教学的背景依旧,结合学习的重点,进行简单易学的现代化教学。 3.4创新教学内容,把日常的生活融入到教学当中做到理论和实际相结合,从而加强学生的创新学习[3]。 4结束语 本文以音乐与舞蹈模块的教学提出了以提高教学质量,统一教材、创新知识点、及学生的学习兴趣等几个方面进行了讨论,促进和改善音乐与舞蹈模块的教学,为广大的教学工作者提供一定的参考。

英语教育论文:谈认知心理学与英语教育 认知心理学是20世纪心理学中发展最为迅速的分支学科和研究方向之一,被称为是心理学的第二次革命。认知心理学以明确阅读、计算、推理、下定结论等人类各种认知活动的构造为目标,特别是明确语言信息处理过程的构造,是认知心理学的重要研究课题之一。语言从根本上支撑着人类的认知活动,是认知心理学的一个重要研究方面,而认知心理学从信息加工的角度探讨了语言学习过程中的各种行为及其规律,因而把认知心理学研究得出的结论和实际的英语学习结合起来将会大大增强学习的效果。 1.词汇表象模型与英语教育 所有语言掌握的基础都是词汇的掌握,那么,第二语言(外语)词汇的掌握构造是如何形成的呢?认知心理学者佩维奥就这一点提出了通晓两国语言的双重编码理论,通过这一理论就可以得之,比如通晓汉语和英语的人,会把“狗”放在汉语系统,把“dog”放在英语系统,而把狗的形象放在形象系统里,于是,在这三个表象之间就形成了坚固的联系,看到狗就应该同时联想到“狗”和“dog”两个单词。那么,学习英语的中国人又是怎样的呢?因为“狗”这个汉语单词已经掌握得很好,所以看到狗当然会马上说出“狗”,而且,如果已经学习了“dog”这个英语单词,把“狗”翻译成“dog”(或反过来)也并不困难。但是,如果让他们看狗,然后比较他们说“狗”所用的时间和说“dog”所用的时间,哪个会更长呢?如果在英语课上,让中国人很充分地练习把狗的形象和“dog”联系起来,他们就会和通晓两种语言的人一样,在说出“狗”和“dog”的时候应该没有时间差。不过,如果是按照传统的“语法译读法”的方法,说出“dog”所花费的时间就会比说出“狗”所花费的时间长,这是因为,在“语法译读法”中,虽然“狗”和“dog”之间形成了联系,但是“dog”和狗这一形象却难以形成联系,因此,看到狗的时候为了说出“dog”这一单词,必须要先翻译成“狗”,再把“狗”翻译成“dog”。 这种通晓两国语言的二重符号化说法启示我们,在学习掌握第二语言(外语)的词汇时,不应该只把“符号”和“符号”联系起来学习,母语中的单词不仅与文字这种“符号”有联系,而且与形象、行为、感情等有密切的联系。奥斯古德的意义空间研究表明,单词里蕴含了形象和感情反应的内涵,在记忆“抱臂、挠头……”这种动作词组时,边做动作边记忆的实验对象要比单纯朗读的人记忆成绩好,这种现象被称为实验对象实际操作效果。以上研究和现象证明了,母语里的单词不仅与文字这种“符号”有联系,而且与形象、行为、感情等有密切联系。另外,在欧美国家也实行像“全身反应教授法”那样,从把听到的话与具体的行为动作联系起来开始的外语教授方法。那么,把这种理论和实践广泛地应用到英语教育上不也很好吗? 2.语言处理模型与英语教育 在认知心理学的语言处理模型中,人们为了理解语言,假定以下各种语言处理是必要的。 (1)词典性处理:即对构成句子的每一个单词的处理。例如,为了回答:“Was the proposal fathered by John?”这一问题时,你必须知道“father”什么意思,词典处理就使得这种理解变为可能。 (2)句法性处理:即利用句法知识解析句意的处理方法。例如:我们能够判断“On when am that bent.”这个句子不成立,这就是句法处理。 (3)语义学处理:即利用语义学知识解析句意的处理。例如,Colorless green ideas sleep furiously.(Chomsky)[ 束定芳,现代语义学{M}上海:上海外语教育出版社,2000,p47]这句话,从语法角度讲没一点错误,但是,对于有正常的英语语感的人来说,就会判断这句英语不自然。这种判断就是语义学性处理。 (4)语用学性处理:即根据说话的文脉,解析说话人的意图的处理。句子的意义并不总是和一个说话人在某一场合通过使用这一句子所要表达的意义相一致。孤立地看,“He is a fine friend”总是表示了“他很够朋友”这一意义,这是它的句子意义,是永恒的,没有时间性的。但是如果在你处于困境时,某人却舍弃不顾,拂袖而去,你对别人说“He is a fine friend”,你所要表示的意义和句子的意义则截然相反。这种理解就是语用学性处理。 原来的英语教育中,主要着眼于词典性处理、句法性处理、语义性处理的教育,好像一直没有形成语用学性处理的教育,如果是这样,今后应该更加重视语用学性处理的教育。语用功能是指说话人在特定语境中运用适合交际环境的语言形式表现出来的言语效果,它与语境有着密切的联系,如果语境不同,同一个话语可能会表现出不同的语用功能, 所以在英语教学中的阅读理解、口语、交际当中为了能够正确的理解话语,还是要重视语用性处理,更好得掌握英语这门语言。 3. 认知发展模型与英语教育 美国心理、教育学家杰罗姆·布鲁纳主要对教育作出了杰出贡献而闻名于世,为了说明智力的成(发展),布鲁纳提出了再现表象这个概念,他把再现知识的模式的 发展分为动作性表象模式、映象性表象模式和象征性表象模式这三个阶段,也就是三种不同发展水平的认知结构。有适合较大年龄孩子的成长阶段的指导方法,也有能够让低龄儿童理解高级教材的可能,同时布鲁纳认为小时候,以适合其年龄阶段的样式学习某些教材,之后以高级样式再学习那些教材的时候,就变得很有帮助了,例如,当孩子学习集合概念的时候,如果孩子处于活动性表象阶段的话,就通过玩“拿椅子”的游戏来学习集合概念;如果孩子到达印象性表象阶段,就利用积木等具体实物来学习;最后如果成长到象征性表象阶段了,就利用计算公式和符号等抽象性的样式来学习,像这样,对于同一教材,根据孩子的成长阶段,让他反复地学习,这样的学习指导方法,恰好可以比喻为螺旋阶段,也就是说,似类于螺旋上升那样,从低级逐步深化学习进入高级阶段,如果把“螺旋式课程”的构想适用在英语教育中,就像描绘圆锥侧面螺旋形状轨迹那样展开。首先从听开始,在反复学习说、读、写的同时,不断获取语音法则、语法、文法 以及词汇等领域的知识,慢慢地步入高层次水平。 英语教育论文:对大学英语教育活动的现状研究 一个教学活动的完成不仅包括教师的教与学生的学,还应包括教师与学生之间的积极对话。由于文学阅读过程与教学实践过程中的这种相似之处,运用接受理论来指导教学实践的研究是可行的。本文试图在接受理论指导下,结合目前大学英语教育活动的现状,分析影响大学英语教育活动的因素,以提高大学英语教育的效果。 1大学英语教育活动的现状 目前,我国高校的英语教学改革虽有一些进展,但是整体的教育观念仍未取得实质上的突破。由于缺少相应的语言文化交流环境,我国高校的英语教育基本上仍然遵循着传统的教学模式,种种弊端依然存在,主要表现为以下几点: 1.1以教师授课为中心,忽视学生主体地位 大学课堂的英语教学活动主要表现为以教师为中心的教学模式,忽视了学生的主体地位。在课堂上学生缺乏充分自主的活动空间和展现机会。教师是传授者,学生则被动地接受和服从,这种授课方式剥夺了学生的话语权。并且长期以来学生在课堂上所处的沉默状态,导致学生缺少语言运用的实践机会,虽然经历了多年的英语学习,由于害怕错误而拒绝表达的学生依然大量存在。这种以教师为中心的教学模式造成了大学生们对于大学英语课程学习的厌倦、不满以及消极应付的态度,阻碍了当前英语教学的发展。在灌输式的英语教学中,教师把所有的教学内容具体化,减少了学生对于接受客体的理解空间;而学生总是被动地接受,误认为老师的理解是客观的、唯一的。在这种情况下,学生逐渐丢失了对于接受客体的自我感受、加工以及创造能力。 1.2英语教学目标功利化 在当前的教育体制下,大多数人认为英语之所以重要是因为它是许多重要考试中必考科目之一。在应试教育的驱动下,人们往往忽视了大学英语教育的真正目的,着重考虑的只是考试过关。事实上,考试的成绩与学生的英语水平和学习能力是不成正比的。有些学生通过了一系列的英语考试,但是实际的听说读写能力还是不尽如人意。这种为了通过考试而学习英语的态度使得大学英语教学过于功利化。作为人文学科的大学英语教育不仅应包含语言技能的训练,还应包括情感教育以及人文精神的培养;为了通过考试而进行的课堂英语教学无疑影响了英语教学改革进程,这种前提下所进行的教学活动明显是不成功的。在考试的指导下,教师忽视了学生学习能力的培养;学生犹如井底之蛙,课外阅读明显不足,对于英语相关文学文化知识知之甚少,除了考试,不知其它。学习与实践脱离,无异于本末倒置。 1.3课堂教学内容单一化,脱离实际 目前大学英语教学基本上侧重于单词讲解、发音纠正、语法运用、文章阅读以及习题演练等几方面。相应的教学参考书虽然为师生理解课文提供了便利,然而与此同时,参考书中的分析与参考答案也禁锢了师生们的独立思维,阻碍了他们创造力的发展。教师习惯于照本宣科,用统一的教材、统一的进度、统一的教学方法来教授处于不同学习水平的学生;忽视了学生由于学习兴趣、意识结构和思维能力的不同而导致的对于教学内容的不同需求。同时,教材建设相对滞后,远离学生的生活实际和接受心理,忽视了学生的生活体验和社会实践,在一味灌输的教学过程中,学生丧失了自己的情感体验。教学内容的单一化———统一的教材与教参使得教师不必自己动脑筋,组织能考虑学生具体学习能力的教学内容,而学生按照这种模式去学,也略去了自己重新认识的过程,课文讲解与答案的标准化限制了学生的自我思考。如此以来,教师和学生都不必对教材进行独立思考,自然也不会形成自我理解与认知。这样的被动的学习活动显然不利于大学英语课堂教育。 2大学英语课堂教学中学生接受活动的主要影响因素 接受理论认为接受客体在未被接受主体接受之前只是一堆毫无意义的乱码。其理论建构核心是构成的主观性,并以自我意识或先在构成为基点,去感知和把握认识对象。据此,教学活动不因仅仅解释为原作者或作品的独白,而是教师带着“期待视野”在文本的“召唤结构”作用下与隐含的作者进行对话和交流后形成的“视野融合”。因此,在大学英语的课堂教育中,教育氛围、教师与学生的对话与沟通以及教材建设都成为影响学生接受活动的主要因素。 2.1良好的教育氛围 接受活动并不是封闭的,接受主体总是处在一定的客观环境和具体氛围中;因此,良好的接受氛围在实现外来信息与主体接受能力的高度融合,提高接受效率的过程中扮演着重要的角色。随着英语教育改革的推进,它所依存的社会环境正在经历着一系列的变化。大学英语考试的设置虽然提高了大学英语的重要性,同时却加重了应试教育的倾向。考试的压力影响了教育环境:社会急功近利,心态浮躁;教育价值取决于考试,取向偏离。此外,传统的教学模式使得教师的教学和学生的学习机械化,缺乏创造思维,沦为教学大纲,考试等等的奴隶。如此教育氛围导致了英语教学的肤浅、狭隘、僵化、封闭。接受活动要求的是接收主体对于接受客体进行主观性思维,强调的是接收主体本身的创造理解能力,因此,创造一个开放性的、宽容的教育氛围对接受活动的成功运行是有必要的。 2.2教师与学生的对话与沟通 传统教学模式强调的是教师之于学生的“教”,这种单向交流相对保守,反映了传统教学言语流程的单一,不利于知识的生成与建构。一个完整的接受活动应包括教师的“教”与学生的“学”,以及师生的对话与沟通。根据接受理论,教学活动的意义不应是唯一的、单向的,它应是多元的、互动的、不断发展的。在教学活动中,教师与学生一样,都是学习的主体。只不过作为接受主体的教师同时也是知识的传播者。教师在教育活动中的应该比作为接受主体的学生站得高一点,看得远一些,想得多一些,这样才可能在英语教学中引导学生。教师可以从宏观上引导,培养学生的学习兴趣和合理的学习方式,创造良好的学习气氛,营造互动的学习场面,而 不是一味地灌输。在此情形下,教师应进行角色的转变:教师由知识传授者转变为学习促进者,学生可以从多渠道获得知识,教师只是引导者,其任务是转化智慧,培养学生的认知能力以及学习能力;同时,作为学习的参与者,教师应积极与学生分享自己的学习认识和心得,同学生一起寻找真理,在共同学习的过程中发现自己的过时与不足,从而提高教育接受活动的效率。另一方面,学生应自觉地参与课堂的教学活动。学生是大学英语课堂教学的主体,教学活动侧重的是学生的理解实践,而不是教师的程式化灌输。学生不再是传统意义上被动的接受教学内容,而是具有开放心态和创造活力的接受主体,能够在主动积极的理解和思维中加深体验和感受,享受学习的乐趣。一名教师的人格形象、知识水平、业务素质、教育态度、教学方法、与接受者的情感关系、以及对接受者的责任心对于教育接受活动的质量起着重要的影响;同时,一名学习者的学习态度、对于教学内容的自我感受、加工以及创造的能力也在影响着教育接受活动。因此,作为接受主体的教育者与学习者应进行互相对话与沟通,从而促进接受活动。 2.3教材建设 束定芳(2004年)曾经做过一个关于外语教材方面的调查,得出以下结论:“学生更希望通过比较自然、轻松、有趣的方法来学习外语,愿意仅通过教材来学习外语的人数只占到6%左右。这一方面说明现有的教材还无法全面反映丰富多彩的语言活动,教师的课堂教学也常常是枯燥乏味,远离真实的语言交际活动;另一方面则反映出学生渴望在真实的语言活动中学习语言,渴望形式多样的语言输入,渴望在真实的交际环境中展示和锻炼自己的语言交际能力。” 由此可见,如何增强英语教材的吸引力和实效性,是亟待解决的问题。传统教材强调语言知识和书面符号的认知,侧重于教师对于课文的讲解提问、学生通过课后练习巩固语言的重点难点。在这种教材下,作为接受主体的教师和学生丧失了自己的主动学习能力,学习模式单一封闭导致了思想僵化。接受理论指导下的教材应体现对于外语学习过程的动态理解,启发接受主体的开放式思维,能够使学生、教师与教材之间展开多向的、互动的对话,包括教师与教材的交流、教师与学生的交流、教材与学生的交流。在这些多向交流中,教师与学生主动地学习、都处于积极的思维状态,对于教材能形成自己的感受看法和体验,从而互相促进提高。 强调在教学活动中教师与学生都处于主体地位的接受理论观点一反传统意义上对于教学活动的认识,主张对学习氛围、师生关系与教材建设等方面进行重新认识,建立一种更为开放、主动的教学模式。在此情况下教师的作用在于启发学生,引导学生的学习;而学生则树立主体观念,自主地学习,从而促进教师的教学。“授人以鱼,不如授之以渔”,在此理论的指导下,教师传授给学生的不是固定僵化的知识,而是获得知识的途径和学习的能力。 英语教育论文:大学英语教育中英美文学类课程改革措施 1大学英语教育中英美文学类课程改革的理念 大学英语教育可以说是对学生的英语能力的教育,应关注与学生的英语技能、英语情感以及英语使用,英美文学类课程进入大学英语教育之中,无形地给大学英语教学注入了文学情调,即为文学人文情怀,这就要求在英语教育中实现对学生的人本教育与素质教育,坚持新型的人本教育理念。其一,实现“技能教学”向“素养培养”扩展。传统大学英语教学定位于英语知识的传播,而对于学生的英语实际应用能力培养课程设置较少,这就在一定程度上限制了学生的英语专项技能提升,如英语交际能力、英语应用文书写能力等,同时,相对于技能教学来说,人文教育在大学英语教育中更为缺失,这不仅背离了素质教育之要求,而且很大程度上影响了学生的人文思想、情感以及心理等,而英美文学类课程引入大学英语教学,其以文学情境创设、中英文化比较以及中英文学教育的方式,加入历史、哲学、艺术、文学等内容,充分提升了学生的文化品位、审美情趣和人文素养,者正适应了现代社会对社会性人才的需求标准。其二,实现“教师结构”“教材结构”向“学生结构”转变。素质教育条件下,实现学生的学习主体地位是大学英语教学改革的基本要求,传统的大学英语教学以教师为主导,以教材为基本,展开“以师为本”、“以教为本”的教学,而相对忽视了学生的主观能动性发挥,缺乏了对学生心理特征的分析,造成学生成为学习的被动者,而英美文学类课程设置以情境教学为主,这就在一定程度上创造了教学的情境范围,如展开文学人物对话、进行文学场景模仿等,这就使得学生的表现力提升,进而实现学生的个性化、主体性发展。 2大学英语教育中英美文学类课程改革的环节实践 大学英语是高等教育本科阶段的重要课程,对于非专业英语教学来说,一般设置于大一、大二,是每个专业学生的必修课,出于对素质教育以及社会多元性发展的要求,大学英语内部课程设置越来越偏向人文教育,而英美文学类课程设置成为首选,但是在其课程改革中,必须以各环节的人本性落实为基础,才能实现英美文学教育功能的实现。 2.1英美文学类课程目标改革 英美文学类课程是大学英语教学的一部分,这就决定了其课程设置必须以大学英语教学目标为基本,服务于大学英语整体性教学目标的实现。如基于英语言语能力培养的大学英语基本教学目标,英美文学类教学通过创设交际对话场景,让学生观看文学作品电影等方式,来提升学生的言语感知力、理解力和应用力。文学教育的本质在于对人的教育,这就要求英美文学类课程目标定位于人的力量的实现,即为人的技能培养与人文培养上,这就要求其课程目标立足于学生的能力培养,尤其是人文素养提升上,通过其课程目标的指向作用,再展开教学内容的挑选与教学。如设置学生审美感受力教学目标,在教学中,教师依据教学目标,进行教材内容补充或是教材创新,进而提升学生的审美情感。 2.2英美文学类课程教学内容改革 1)精选英美文学作品,展开作品教学。英美文学类教学展开的基础是文学作品,在对教材的选择上,不仅要适应于大学英语教学目标的要求,而且要以精美的文学作品为主,其包括审美性、对比性、教育性、情感性以及人文性的教学内容,例如选择《简爱》展开情爱审美教育与情感教育;选择《理智与情感》展开人性纯美教育;选择《雾都孤儿》展开历史情感教育;选择《老人与海》进行人与自然之挑战,人性能动力教育等,促使包涵丰富而又积极向上的文学作品被学生认识与感知,让这些民族的、人民的精神影响到大学生的人本发展、社会发展和心理发展。2)选择“大众性”作品,展开学生心理教学。这里的“大众性”作品是指学生在以前的学习中所涉及到的或是着名的作品,便于学生理解的作品,用此类用作品展开英美文学教学,不仅因为此类文学作品本身含有较高的人文精神,更多是基于学生的心理要求,因为学生对这类作品本身就已经有所感知,或是因为作品影响力而想去了解,所以,在设置课程内容中,尤其是在展开教材教学中,要适应于学生的心理要求,这不仅能够有助于教学目标的实现,而且最大程度上适应了学生的心理走向,有利于学生学习主体性的发挥。3)教学内容设置人本化,展开阶段性教学。对于非英语专业来说,英语课程一般作为必修课设于大一、大二,由于此阶段是大学生进入校园的起始阶段和适应阶段,其心理新鲜感与滞留感较强,所以在教学内容设置上,要进行学生心理分析,采取阶段性的教学内容设置教学,如在大一上学习,学生心理处于高中向大学升华过渡期,在其中对情境性教学的适应性较弱,所以教学内容要以轻快、感受的基本内容为主,如展开优美诗歌赏析、进行电影欣赏等,以便于培养学生的英语情境感受能力;在大二时,则偏重学生的英语实践能力展开情境教学,如进行文学情景对话、角色演出等。 2.3英美文学类课程教学方式改革 1)以阅读、欣赏为基础,培养学生文学感受力。对于文学类学习来说,文学感受力是展开教学的第一步,在教学中教师通过选择适宜的文学作品,在课堂上,以美文阅读、音乐播放、诗歌朗诵以及影片欣赏等多种形式,为学生赏析文学作品提供平台,这就有效地培养了学生对英美文学的喜爱度,而文学揭示普遍的价值,描述日常生活之故事,这不仅让学生充分感知文学,而且在一定程度上帮助学生了解社会,促使学生多元化思维的形成。2)以“寓教于乐”“师生互动”为手段,创设学生学习主体性情境。课堂是实现学生各项素质与能力培养的主要场地,文学自身的情境属性,要求英美文学教学必须有高氛围的情境进行支撑。一方面,采用多样化教学模式,寓教于乐,提升学生的学习热情。如采用角色教学、模仿教学、场景教学等方式,将教材人物引进课堂等。另一方面,关注学生主体性,实现师生互动,提升学生的参与力。如采用合作教学,加强师生间的交流与合作,教师以有效激励方式,促使学生各抒己见,这不仅能够开拓学生的思维,提升学生的言语表达能力,而且有效地将学生变为课堂主宰者。 2.4提升英语教师素质 教师作为 教育教学的主导者,其素质水平直接影响着学生的素养与能力的形成,要展开有效的英美文学教学,教师首先要进行自我提升,这不仅要求教师加强基本英美文学知识学习,丰富其教学技能,而且要求教学具有较高的文化、思想以及素养。 3总结 素质教育下,大学英语教育中英美文学类课程改革必须突出学生的学习主体性,在其课程目标定位上以整体性教学目标为基础,以自身课程特点为依据,以学生实际为根本,以全面化的指导理念作用于教学内容的制定与教学方式的展开上,同时,加强英语教学素质培养,以强有力的教师素质为支撑,来实现学生的文学审美能力、情感能力与人文素养的培养与提升。 英语教育论文:游戏法在幼儿英语教育中的应用 幼儿园中的每门课程都有其自身的价值和意义,英语作为幼儿园中的一门课程也不例外,幼儿园的英语游戏教育可以帮助发展幼儿的语言水平、认知水平等等,所以对幼儿园中的英语游戏教育进行研究可以促进幼儿的全面发展。英语游戏教育是一门科学,反映一定的科学规律,因此,幼儿英语游戏教育不仅要研究幼儿英语教育理论和相关实践,而且要探讨幼儿英语教育的规律。所以,针对幼儿英语的研究同时也包含着对英语游戏教育的研究,促进了英语游戏教育的理论和实践的发展。幼儿英语游戏教育既有英语学科本身的性质,又应遵循幼儿的心理、生理特点,其还与教育学、语言学、心理学有密切的联系,所以它是一门新兴的综合性学科。因此,幼儿英语游戏教育研究已成为学前教育研究的需要。 3-6岁是孩子英语学习的黄金时期,英语学习主要包括了两个方面:一是听音辨音的能力;二是能够根据接受到的语音信号,在语境中进行内化整合和输出信号。幼儿时期是一个语言敏感期,孩子对不同的语音信号会格外敏感。儿童由于注意力等心理因素发展不够成熟,他们的学习在很大程度上带有明显的情绪化倾向,当儿童对学习有浓厚兴趣和好奇心时,便会产生情感上的需求。对孩子来说,游戏学习是新的认知点,父母应该考虑孩子心理情感上的需求,采用生动、活泼、有趣味的形式来吸引他们。爱玩是孩子的本性,游戏是他们最感兴趣的。在玩中学,学中用使幼儿的学习兴趣提高,巩固了所学的语言形式,激发了幼儿的成就感。孩子在游戏中通过多听、反复感觉,从而加深了脑海里的印象,这样他们不仅可以尽情投入到游戏中,同时还有了一个轻松和谐的语言环境,使得课堂充满活力。儿童游戏教育应该设定不同的阶段和明确的教学目标,同时,各阶段内部的知识体系又有着明显的递进关系。在幼儿时期,孩子需要的是拓宽想象力、观察力和感知探索世界的能力,所以这个时期学英语就是让他们发现还有另外一种形式来形容这个世界,他们通常都会很有兴趣去了解。 一、幼儿英语教育的环境 加强幼儿园英语游戏教学氛围的设计,通过精心设计幼儿园环境和各种形式的校园文化,让每一面墙,每一件物,每一句口号,每一个标志,都不但从感观上,更是从思想品德上给幼儿以无声的熏陶,这是幼儿园发展极其重要的一环,甚至可以说是幼儿园办学成功必须具备的基本条件和基本保证。首先是语言环境,我们要让幼儿一走进园门,就感到换了一个语言环境,时时、处处看到英语,听到英语,使用英语,逐步让英语成为园内师生之间、学生之间的交往手段,使整个幼儿园成为一个“英语村”。因此,环境对幼儿园英语教学具有重要影响,特别是物质环境,对于提高幼儿口语水平具有重要意义。所谓物质环境就是指在一定时间内对各个活动区域进行环境布置,要把一切空间和时间都当成幼儿受教育的环境和幼儿主动进行口语表达的课堂。物质环境的创设需灵活多变,与当前英语游戏学习内容联系起来,并能够让幼儿通过物质环境所创设的游戏进行灵活运用,也要尽量遵循与母语环境的创设一致的原则。 二、幼儿英语游戏教学的特性 在幼儿英语游戏教学中教师要充分认识到幼儿的心理活动与发展有着不同阶段的特性。游戏是否成功很大程度上要满足幼儿的心理需求,所以教师在设计游戏时要从幼儿的心理特点出发,游戏规则与游戏内容要尽可能地满足幼儿的心理需要。游戏的设计要具备以下几点特性: (一)目的性 教师在设计游戏时要明确游戏的目的,要在实践的过程中体现相关教学内容,有的放矢地对教学游戏进行设计。 (二)适宜性 设计游戏的时候一定要考虑到幼儿本身的接受能力与理解力,要循序渐进地设计游戏。 (三)猜测性 在设计游戏的时候要有意识地设计一些猜测性的游戏,可以满足幼儿的好奇心,调动幼儿的学习兴趣。 (四)竞争性 在游戏教学中可以适当地引入竞争机制,让幼儿充分融入到游戏中,充分利用幼儿的好胜心理,集中幼儿的注意力,有效地提高教学质量。 (五)趣味性 幼儿英语教学的目的不是为了让幼儿多记住多少单词、句子,而是激发和培养幼儿学习英语的兴趣。教师在设计英语游戏教学时,要重视游戏的趣味性,从小培养幼儿的语感与兴趣。 三、在幼儿游戏过程的注意事项 (一)注意充分做好游戏前的准备 1.材料的准备:包括实物、录音机、卡片、板书、录音带、录像带等。 2.知识的准备:教师要对本次的教学内容充分掌握,因为游戏对幼儿的知识储备和能力都是有一定要求的,在做游戏前,可以做一些简单的小游戏。 3.心理的准备:在做游戏前教师要尽可能地让幼儿做到身心放松,让幼儿充分了解游戏规则,也可以调节气氛,让幼儿全身心地进行游戏。 (二)注意游戏的公平性 在游戏中引入竞争机制可以发挥幼儿好胜、喜欢受到表扬的天性。幼儿非常在乎教师对自己的评价,所以在游戏结束后,如果结果不公平会严重打击幼儿学习的积极性,有可能导致他们产生逆反心理。因此,教师在设计以及游戏的过程中要注意以下几点: 1.教师在设计游戏的时候,要尽可能地让班上的所有幼儿都参与进来,可以适当增加协作游戏,这样可以促使幼儿在游戏中培养合作精神与团队意识。 2.教师要公正客观地对待每一个幼儿,切勿歧视程度较差的幼儿或发音较难纠正的幼儿,对前后排都要有所照顾。 3.游戏的设计要以幼儿为中心,有些游戏相对较难,对理解相对较慢的幼儿,要给予适当地照顾,我们可以多给他们一些理解的时间,然后再提一些相对简单的问题。 (三)注意游戏过程中的纪律性 在一些游戏的过程中,由于幼儿求胜心切,注重游戏的结果,难免会出现一些违反纪律的情况。教师要在游戏之前就要做好充足的心理准备,奖罚分明地对课堂纪律进行控制。 1.一定要在游戏之前对规则进行详细的阐释,具体到如何得分,明确奖惩制度。 2.要严格遵守游戏规则,一般没有特殊情况不可中途做出改变。 (四)注意游戏操作的时间 教师要在游戏的过程中把握好游戏时间。游戏时间的过长和过短都会对幼儿产生不好的影响,教师要考虑幼儿的接 受能力和认知水平,对教学时间加以安排。 (五)注意游戏实施的多样化 和一般游戏不同的是,游戏教学中的游戏是与教学有机结合在一起的。再好的游戏,玩过几次,学生也会失去兴趣。所以教师必须不断地设计新的游戏,同一个知识点在不同阶段可以用不同的游戏。 (六)注意游戏实施过程中的安全 有很多的游戏涉及玩具。在游戏教学过程当中,坚硬的玩具容易划伤幼儿,所以教师必须不断地关注幼儿,以采取保护的措施。 在儿童英语教学中,游戏教学是一种行之有效的教学手段,日益受到中小学英语教师的关注和青睐。它“习之于嬉”的教学方式,开放活泼的课堂气氛都为儿童英语学习注入了一股新鲜的活力。教师应善用游戏教学,开拓儿童的思维,激发其兴趣,促进儿童对英语学习由兴趣向志趣的转化,为以后的学习奠定良好的基础。 英语教育论文:探求乡村英语教育的现状 一、学校设施条件比较差 农村教学条件及设施相对落后或不足,教学设施、器材等严重缺乏。虽然有的学校有一些电教设备,但远远满足不了英语教学的需求。甚至有些偏远地区的学校连最基本的录音机都没办法配置,更不用说电脑、白板等多媒体设备了,这不仅影响了学生学习英语的兴趣及范围,也大大制约了学生在英语课堂中的参与度,无法提升农村英语的教学效果。 二、学生没有良好的英语学习习惯 在农村英语教学中,我们经常遇到这种情况:有的学生学了几年英语之后,仍然需要教师领读单词或逐句把课文译成汉语;有的学生只会认读课文,而对那些与课文难易程度相当的课外阅读材料,则看不懂或阅读速度很慢,有的学生可以背诵不少句型和语法规则,但在说和写英语时却错误百出。产生这些问题的主要原因在于学生没有养成良好的学习习惯。同时,这也在很大程度上影响了农村学生对英语的学习。 三、农村家长对子女在英语学习上的要求普遍不高 在农村,由于信息闭塞不畅通,好多农民只安于现状,满足于目前的温饱生活。在他们的心目中,孩子学好语文可以多认识一些字,学好数学在日常生活中会算账,不吃亏就行,完全没有意识到学习英语的重要性。同时,由于他们本身并没有较高的文化水平,对英语一窍不通,因此无法在家中为孩子创设一个良好的学习环境,没有从正面积极地对学生进行引导教育,这也在很大程度上打消了农村学生学习英语的积极性。 四、农村学生接触英语的语言环境过少 学习语言的主要目的是为了交流和应用。新课程标准要求全面提高学生的听说读写能力。在英语的学习过程中,学生要想提高自身的听说读写能力,除了课堂上有限的学习与练习之外,课外的交流和练习也是必不可少的。对于大城市的学生来说,他们除了可利用电视、网络等途径之外,还可以在业余时间与外国人用英语直接交流。这些条件对于大多数的农村学生来说,根本无法实现。此外,在农村,大部分家庭都不具备购置电脑的条件,即使有少数家庭购置了电脑,他们也没有网络。这样就使得农村学生接触英语的语言环境很少,最终丧失了学习英语的积极性,对英语综合能力的提高极为不利。 五、结语 总之,要想更好地解决上述问题,提高农村英语教学水平,广大农村英语教师必须努力提高自身素质,不断学习巩固专业知识,同时尽量从学校和学生的实际出发,确定符合他们认知特点的教学目标,准确地理解教学的重点和难点,选准课堂教学的切入点,为学生搭建一个用英语交流的平台,为农村的英语教育事业贡献自己的一份微薄之力。 英语教育论文:谈信息技术对英语教育的效果 一、运用信息技术激发学生学习兴趣 兴趣是最好的老师,学生一旦有了学习兴趣,他的心理活动就会有一定事物的指向和集中,而且乐此不疲。因此,有教学经验的老师非常注重学习兴趣的培养。多媒体的集中优势,为激发学生的学习兴趣提供了良好的平台。上课开始时,学生还沉浸在课间的兴奋中,新的学习动机处于低谷状态,这时若能巧妙地导入课堂教学,必能激发学生的求知欲。而信息技术可以直观形象地再现事物形象,使声音、图像和文字融为一体,形成一种身临其境的氛围。俗话说,良好的开端是成功的一半。新颖巧妙的开头是上好一堂课的关键,是教师与学生沟通的第一桥梁。要紧扣教材合理利用信息技术,创造逼真的情境氛围,并加以恰当的质疑,引导学生在浓厚的兴趣中进行思维。仍以ChristmasIsComing为例,我在开始导入时,就利用了一个flash播放了一首歌曲“铃儿响叮当”。这样,学生在轻松愉快的气氛中进入学习状态,自觉地把注意力转向教学内容。 二、运用信息技术解决教学中的重难点 应用多媒体计算机的功能,根据教学需要编制CAI课件,将重点、难点,通过多媒体表现出来,变抽象的内容为形象、直观的知识。重点、难点易于突破,有利于学生对知识的理解、掌握和运用,从而降低了教与学的难度。比如在学习“DNA”内容时,教师即使用汉语讲解,学生也较难理解这两句话:“DNAisapatternforyourbodytobuilditself.Generallyspeaking,itislikeablueprint.”这时,我借助多媒体课件,将一幅模拟的“blueprint”展示出来,有效地解决了这一难点。 三、运用信息技术提高复习课效果 学生喜欢打游戏,除了游戏本身的声音、图像、动画等吸引学生之外,其中重要的一点就是:及时反馈。游戏后,学生能很快知道结果。青少年的性格特点是好胜心强,如果做对了,他们就会更有兴趣,乘胜追击;如果做错了,他们会有“不对不罢休”的想法。根据学生年龄的这一心理特点,将这一做法运用到复习课的教学中,极大地调动了学生的积极性,大大提高了复习课的效果。复习课中,多数情况下,要做大量的练习。信息技术可以有效地帮助解决,增大了复习课的知识容量。在练习过程中,我设计了一些和课文相关的练习题。在做课堂练习时,学生按设计的程序去做练习,做完一道,电脑马上会给出相应的正误判断:如果做对了,电脑给出笑脸;如果做错了,电脑就给个哭脸,并配以恰当的音乐,及时反馈给学生本人。同时,电脑根据做题情况给出不同的分数,教师也可以及时得到练习效果的反馈信息,省时省力、高效快捷,大大提升了复习课的效率。在复习课中,我还利用多媒体将复习内容制成相关的树状图,从中找到它们的联系点,使学生对所学内容系统化,加深印象,达到最佳的复习记忆效果。总之,信息技术对英语教学起着重要的作用。我们要充分发挥信息技术的优势,培养学生的语用能力,丰富学生的学习资源,激发学生的学习兴趣,有效地解决教学中的重难点,提高复习课的教学效果。信息技术的运用,已经和必将全面促进、提高英语教学质量。 英语教育论文:英语教育之工具性和人文性的统一 目前,大多数学校将毕业证、学位证等与英语等级证挂钩,这成了学生学习英语最大的动力。这种方式虽然让大部分学生拥有英语等级证书,却在无形中忽视了英语的人文性。有些专科类院校不要求学生考取英语等级证书,可是毕业生的英语水平却不敢恭维。如何使英语教育的工具性和人文性和谐统一,成了高职院校发展的重点任务之一。 一、高职英语教育存在的问题 (1)随着近年来高校日益扩招,越来越多的学生进入大学深造。高考,检测的是各科目的总体成绩,并不只是英语一科成绩,这也导致了入校新生英语水平的高低不同。考虑到这种情况,任课老师在选择教学内容时面临着一定的困难。教学内容过于简单,英语水平高的学生在浪费时间;内容过于复杂,英语水平低的学生又听不懂。这也是导致英语教育难以改革,教学效果不尽如人意的原因之一。 (2)长期以来,我国的英语教育一直局限在课堂上,强调以老师为中心,学生死记硬背,老师整堂课都在讲英语语法、单词、语句通顺等问题。例如讲解新的文章时,老师一般是介绍文章背景、领读单词、整篇文章翻译,然后讲评,做练习。而学生麻木地跟随老师听、说、读、写。最终导致学生出现缺乏学习主动性、缺乏学习兴趣、缺少实践经验等问题。 (3)我国的英语教育大多数是以应付考试为重点,而校方也把这一手段作为考核学生英语水平的唯一标准,这种方式虽然总体上讲对于提高学生的英语水平有一定的促进作用,但是大部分学生即便通过了专业技能考试,步入社会之后,其英语水平仍不能满足当今社会技术、服务、生产等领域的需求。 二、如何加强高职英语教育工具性与人文性和谐统一 (1)随着社会的发展,企业对人才整体素质的需求在不断提高,高校在意识到这个问题之后,加大了对学生英语教育的管理力度,采用各种方法和技能加强英语教育工具性与人文性的统一。比如:调整学生的思维模式,改变以往陈旧的观念,不再是老师讲、学生记;增加教师的知识储备量,使其从教室中走出来;让教师定期参加培训,借鉴国外的教学模式,把人文性带入英语教育中。 (2)学校应该根据自身需求寻找一定教学方法。例如,根据经济水平邀请外教加入到学生的课堂,与学生互动,使学生更好地掌握语法和语调;根据不同的社会背景、身份、职业设置不同的英语对话场景,锻炼学生的英语口语能力;围绕欧美等国的发展历史和生活习俗,引导学生了解外国文化,从而加强学生对英语学习的自觉性;创办英语社团、英语角,让学生在参加活动过程中全部使用英语交流,在愉快的氛围下提高英语水平。这些都是在工具性的基础上融入人文性的教育方法。 (3)老师不能一味推崇中国文化,中西结合才是未来社会发展的需求。因此应该从一些老师身上入手,改变他们传统的教学思维和模式,不再单纯地讲、背、考,应该让他们深入学生的生活中,从点点滴滴的小事上,把英语知识灌输给学生。在教学的过程中,介绍一些国外的社交、工作、生活方面的知识,使学生们能在离开课堂之后学以致用。这样从正面、侧面渗透的知识更容易让学生牢记于心,一改往届学生毕业后只会纸上谈兵的弊端,从而提高英语教育质量。 语言是人类传达想法和互相交流的主要工具,英语作为国际交流性语言,具有很强的人文性。学习英语要全面培养听、说、读、写的技能,才可以学以致用。目前,大部分高校急于求成,其英语教学的办法是强硬的、错误的、低效的,所以高校应该本着工具性与人文性相结合的理念,力求把英语渗透到学生的课堂和生活中。 英语教育论文:英语教育中的非智力因素研讨 非智力因素一般包括动机、兴趣、情感、意志、性格、习惯等,它在智力活动中起着定向、调节、维持、强化的作用,使智力因素不断发展,还可以补偿智力因素的不足。那么,如何在教学活动中培养学生的非智力因素,充分开发学生的潜能呢? 一、教师要确立学科教学的非智力因素培养意识 教师的非智力因素培养意识是对非智力因素培养的有意识地追求和探索,是对其一种清晰而完整的认识。因此,学科非智力因素的培养要求教师做到:其一,学科非智力因素培养不能游离于教学,成为单纯的一种培养活动。其二,学科非智力因素培养不能局限于非智力因素的培养,而要有超越非智力因素培养的影响辐射面的追求和教学谋划。因而,教师在备课时要求实现三个体现:教学目标要体现非智力因素的培养目标;教学过程要体现非智力因素培养的要点;教学反思要体现非智力因素培养的点滴体会与感想。 二、充分挖掘教学教材中的非智力因素培养资源 《中学英语课程标准》中明确表明英语新教材的编写理念:英语课程要力求合理利用和积极开发课程资源,给学生提供贴近学生实际、贴近生活、贴近时代、内容健康的丰富课程资源,拓展学习和运用英语的渠道,积极鼓励和支持学生主动参与课程资源的开发和利用。如何更好地有效利用这些资源,关键在于教师的开发意识和开发水平。我们不仅要对显性材料成分利用,同时对隐性材料也要精心开发,使英语学科的非智力因素价值恰到好处地表现出来。 三、在教学活动中调动一切非智力因素,开发潜能 (一)启发动机,激发内驱力,发展智力,开发潜能学习动机是学生进行活动的内驱力,有了它,学生在学习活动中才能做出顽强的努力和长时间的坚持。英语作为一种国际化的语言工具,掌握好并能自如地应用具有一定的紧迫性和时代性,挑明这一点可以使学生明确学习目的以及在实际生活中的运用价值,以此产生学习的动机。有了动机,才能使学生在学习中不断探索,发挥自身的自主能动性,进而发展他们的学习潜能。 (二)激发兴趣,启发智力活动,开发潜能 1.动用一切可能条件,营造一种学习英语的轻松愉快的氛围。教师可以在教室墙上挂上英文图片和卡片,出英文版黑板报,放英文歌曲,做英文游戏,尽量提倡用所学英文交流,使学生置身于一个英文世界里。 2.充分利用课程资源,如广播影视节目、录像、网络、报刊等具有相当时代性与生活性的辅助手段激发学生的兴趣。我针对学生的心理特征,充分利用CAI课件的声像俱全以及富有变化性的特点“出奇制胜”地引起学生的兴趣。 3.利用求胜心理,引入竞争机制,激发学生兴趣,开发潜能。基于中学生的生理与心理特征,他们对新事物感兴趣,但此心理易起变化,持久性不长,在课堂中有意识地制造机会,运用竞争机制,使学生能积极参与各类比赛及辩论赛,从而开发潜能。 4.探究研讨,使学生表面的、短暂的兴趣升华为深层的、持久的学习动力,从而最大限度地发挥学生潜能。 (三)培养情感,促进学生潜能开发 1.注重与学生情感的交流,从而使学生由“情”至“趣”。教学活动不仅是师生间在认知上的交流合作活动,还是师生情感上的交流合作活动,而且前者是以后者为基础、动力、保证的。所以说,教学过程也是师生间的情感交流过程。因此,教师在教学过程中要注意自身情感表现和投入,注重建立教育“情绪场”的效应,而且会促进学生情感的发展和健全人格、良好品质的形成。 2.欣赏学生,鼓励学生,使学生在积极的情感体验中发挥潜能。教师对学生尊重、欣赏、接纳的态度,对学生以诚相待,用饱含情感的语言启迪、感染他们,尤其要注意保护学生标新立异的想法。教师在教学中要设法营造宽容、和谐、民主的氛围,让学生在想学、爱学的前提下会学、能学、学懂、学会,让教师在愿教、乐教的前提下会教、能教、善教,达到教学相长。 3.培养习惯,深化智力活动,促进潜能开发。培养学生学习外语的习惯非常重要。在此阶段,通过教学应该培养的学习习惯有:勤讲勤练的习惯;专心听讲的习惯;勇于创新的习惯;独立完成作业的习惯;复习的习惯;自主探究的习惯等。良好的学习习惯不是一朝一夕养成的,只有严格训练,耐心指导,持之以恒,才能奏效。 总而言之,教师在教学中结合英语学科特点和学生的心理特点、教材内容等,调动学生的学习积极性,引其动机,激其兴趣,炼其意志,促进学生非智力因素不断发展,潜能不断开发,使教师的教与学生的学收到事半功倍的效果。 英语教育论文:从“关键期假说”看少儿英语教育 第二语言习得“关键期假说”是过去50年(1959—2009)二语习得研究中一个长期争论不休的焦点问题。国内外学者们从不同的角度和立场出发,通过运用各种手段和方法,进行了大量的实证性研究支持其观点,并提出了各种有段关键期假说的理论和学说。20世纪90年代末期,美国二语习得专家Birdsong(1999)再次强调:“关键期问题在二语习得研究中具有不可动摇的中心地位”。因此,对关键期假说的进一步讨论对我国外语教学尤其是少儿英语教育的各个方面都具有重要的现实意义。 本文通过回顾二语习得关键期假说的产生及发展,对目前我国英语学习者日趋低龄化的现象和小学甚至幼儿园普遍开设外语课程所引起的争议进行阐述,指出外语学习在不同年龄段有其各自的优势和不足。 一、语言习得关键期假说的产生和发展 关键期假说的提出最早是针对第一语言习得的,其来源于生物学家,最早是由着名的神经生物学家Penfiled和Roberts于1959年提出来的,他们认为儿童语言习得能力与大脑的发育有关,并研究得出语言学习的“最佳年龄”(The Optimal Age)是在人生的最初十年,当大脑逐渐失去可塑性时,其最佳时期也会随之消失。1967年,心理语言学家Lenneberg在Biological Foundations of Language中,提出了着名的关键期假说(Critical Period Hypothesis)。Lenneberg(1967)认为,语言习得是由生物因素所决定的,指出人的大脑在两岁至青春期之前,由于受到人们大脑中语言习得机制的影响,能够轻松、快速地学习一门语言。 虽然关键期假说是针对第一语言提出来的,但是在二语习得研究领域也同样引起了语言学家的极大兴趣,随后他们提出了第二语言习得关键期假说。该假说认为,第二语言习得同母语习得一样,也存在一个关键期,如果学习者错过了该关键期,便很难达到接近本族语者的熟练水平。这一假说的提出主要基于以下三点:第一,儿童学习第二语言相比成人具有优势效应;第二,第二语言学习者具有年龄效应(AoA effect);第三,承认第二语言学习者很少能达到本族语者般的水平。前两点也构成了50年来第二语言习得关键期假说实证调查的核心内容:(1)与成人相比,儿童学习第二语言究竟具有怎样的优势效应?(1960s—1980s)(2)第二语言学习年龄效应具体特点是什么,其初始的年龄效应和最终学习结果年龄效应是否一致,有何关系?(1990s—至今) 第二语言习得关键期假说的争议主要围绕以下4个核心问题展开:第一,关键期是否存在;第二,关键期为何存在;第三,关键期究竟存在于何时;第四,(语言各自系统的习得)是否有一个统一的关键期。 二、二语习得关键期假说的争议 关于二语习得关键期是否存在是其争议的焦点。到目前为止,支持者和反对者针锋相对,各抒己见。支持者多为认知心理学者,反对者则多为社会文化学者。 2.1 二语习得关键期假说的支持派 支持二语习得假说的学者如Oyama(1976)等人就年龄因素提出过相对明确的结论,他们认为有支持的证据来证明,学语早的儿童能比学语晚的成人最终达到较高的水平。 在二语习得领域里,支持关键期存在最具有代表性的例子属于Johnson与Newport(1989,1991)和Johnson(1992)的研究。在1989年的研究中,Johnson和Newport用英语的语法和句法判断为口语材料,测试了46位母语为朝鲜语和汉语并在不同的年龄阶段(3—39岁)移民到美国的人在英语环境下对英语语法的掌握情况。结果发现:3—7岁移居到美国的受试者英语水平与本地人没有太大差异;8—16岁移居到美国的受试者英语水平岁年龄下降;16岁以后移居到美国的受试者,其语言水平远比其它年龄组差。由于试验中控制了这些受试者在美国生活的时间,可以表明居住时间与二语学习好坏并无显着影响。从而他们得出结论:年龄对第二语言的学习有影响,表明有关键期存在。1992年Johnson又进行了笔试实验,结果表明,7岁之前移民美国的受试者,英语水平与本地人无明显差异;7岁以后移民的受试者,其英语水平随着年龄的增长而呈下降趋势。研究者将7岁前后学习英语的差异归结为生理因素。 在年龄因素对语音方面的影响中,Asher和Garcia(1969)以及Oyama(1976)对美国的移民学生的英语语音进行了详细考察,结果发现:移民年龄越小,英语水平测试成绩越高,更接近母语使用者。Patkowski(1990)对年龄段为5—50岁的二语习得者进行实验,发现语音等级和年龄之间存在着显着的负相关。 以上研究表明,在二语习得过程中,年龄越小者在语音和听力方面的能力显着强于年龄大的二语学习者。各种实验的数据结果证明关键期的假说是存在的。 2.2二语习得关键期假说的反对派 反对者也提出了三大理由来否定关键期的存在。第一,输入、社会、心理、认知等非生物因素影响年龄对学习的作用,它们甚至是导致最终水平出现差异的主要决定因素;第二,有实验数据显示,晚学者一样能够成功习得二语,并且能够达到接近母语者的水平;第三,各年龄段的学习者有各自的优势和劣势,如幼儿更容易直觉地在交际情景中习得语言,而年龄较大的学生则更容易利用认知和课堂学习的方法学习语言(Long,2007)。因此,不存在关键年龄或阶段,可以从任何年龄开始习得任何一种语言(Stern,1982)。反对者从语音习得、习得初始速度、习得最终结果等方面进行实验否定了关键期的存在。 从以上支持派和反对派的观点和实证研究中,我们不难发现,两派的观点都有其合理的部分,但都未能全面地看待关键期假说中年龄和语言学习之间的关系。笔者认为,不能绝对的说语言学习与年龄因素之间存在着或根本不存在任何关系,我们应客观的看待年龄因素对二语习得影响。年龄较小的学习者可能会在语音方面上有优势,在听说技能方面可以更加成功地达到近似本族语的水平;然而,年龄较大的学习者在 客服外界干扰、学习动机等方面却占有优势,可以通过更好地认知和学习放大来进行语言学习。因此,我们不仅要考虑年龄因素,还要考虑学习者的认知能力、动机、情感及时间投入等因素。 三、外语学习者在不同年龄段各自语言学习的优势和不足 Stern(1983)在其Fundamental Concepts of Language Teaching一书中指出,语言学习可以在从早期到成人不同的认知层次上进行,并无十分确凿的科学依据能证明哪个年龄段或阶段是全面学习第二语言的关键或最佳时期。我们知道,语言有不同的组成部分,包括语音、语义、句法等。各部分的习得难易程度不同,方式各异,母语背景和外语语言环境有别,很有可能不存在一个统一的关键期。实际可能是,语音、语义、句法习得各有各的关键期,即语音关键期、语义关键期和句法关键期。 对儿童学习者来说,其优势是大脑的可塑性很强,在习得自然的语音方面占有绝对优势;缺点则是他们的长期记忆能力较差,容易将母语与外语相混淆,抽象的逻辑思维能力尚未形成。青少年学习外语的优势体现在他们的模仿力和记忆力很强,比儿童更善于利用一些语言交际策略,并且认知能力已经发展到了较高水平;缺点是青少年在这一阶段受应试教育的影响,学习任务太重,学习科目太多,需要有更强的学习自觉性和毅力。然而从成年人学习外语来看,他们的学习目的更加明确,拥有很强的学习动机,知识经验都较前两者更加丰富,在外语学习的初始阶段都会利用各种有利的手段快速地进行学习;其不足之处表现在缺乏充足的学习时间,外语学习可能会断断续续,受到一些外部因素的干扰,并且很难在语音上有所突破,很难达到本族语者水平。 综上所述,我们应该根据各个年龄段人的发展水平利用阶段优势使他们快速的获得第二语言。杨连瑞(2004)在文章中指出,3—10岁的儿童,他们的大脑可塑性强,在语言才能方面没有显着差异;在习得自然的语音方面占有绝对的优势。因此,应重点培养他们的语音和日常对话能力。11—17岁的少年,其认知能力已发展到较高水平,其元语言意识较为敏感,理解语言和文化的能力强,从而促进语言输入。所以,应重点培养其语法句法及听力方面的能力。对于18岁以上的成人,其大脑神经联系已完全建立起来,思维方式已经完善,因而能非常容易地处理复杂的深层语言形式和内容,在掌握在于阅读、写作等方面占有绝对优势。 四、从“关键期假说”看少儿英语教育 受“关键期假说”的影响,我国少儿英语教育日趋低龄化,小学一年级乃至幼儿园都纷纷开设英语课。国内不少学者对“外语要从小学起”产生了质疑。从1992年桂诗春教授的一篇名为“‘外语要从小学起’质疑”到2011年王勃然的“关键期假说及其对我国英语教学初始年龄的启示”,学者们纷纷发表文章对其进行反对。但是,少儿英语教育真的一点可取之处也没有吗? 通过前文的论述,我们知道少儿期间应着重的发展儿童的语音能力。但是,目前少儿英语教育的目的仅仅是为了应试,为了满足家长要求,而忽视了少儿英语教育的初衷。不健康的教育目的及不完善的教育机制和匮乏的师资力量等原因导致了学习者兴趣的丧失乃至产生了抵触情绪,这些后果严重的影响了学习者今后在二语习得方面的发展。 笔者认为,当前的少儿英语教育应重回到教育部的要求上来,重点放在激发培养养学生的学习兴趣,培养良好正确的发音。在少儿英语教育期间,配备相应的教学器材及教学能力较强的老师。教师不再以高分为目标来对学生进行考察,条件允许的话只进行语音及会话方面的测试。 五、结论 外语学习可以在不同的年龄阶段进行,根据不同年龄段的外语学习者学习外语的优势和劣势进行教学,让他们学习外语的优势充分发挥,以达到最佳的学习效果。总之,在我国外语学习者日趋低龄化的今天,要对儿童学习外语的规律进行理论上和实践上充分的理性的科学分析和研究。 英语教育论文:探讨转型期的大学英语教育方式 一、大学英语教育存在的问题 1.现代大学英语教育目的不明确 英语教学大纲规定的教学目标和大学英语等级考试规定的是否具备相应能力的目的比较空泛,并不具体,从而使大学英语教育在培养学生的目的模糊不清。尤其是很多高校应试性的英语教学,把英语教学大纲和考试大纲混为一谈,致使一些高校将衡量大学生英语水平的标准只看重在学生的英语四、六级考试成绩上。目前很多高校选用的英语教材与英语考试的要求有很高的一致性,这就会引导学生将通过英语等级考试作为学习英语的目标。虽然高校学生英语四、六级通过率比较高,但是学生真正的英语水平不一定能够提高。比如,在很多中国学生为了出国留学而进行的托福、雅思考试中,在传统的考试模式下,中国学生的成绩可以排在亚洲各个国家前列,而托福、雅思改革之后,更加注重考查学生的口语和写作能力,这就导致了中国学生的成绩排在亚洲各个国家后几位。由此可见,目前应试教育背景下的英语教学目标不能够真正提高学生真实的英语水平[2]。 2.很多高校只重视读和写的能力而轻视听力和口语的能力 很多高校为了提高学生的英语听说能力都配有外教老师,可是大多数学生的听说能力仍然原地徘徊,没有提高,这其中的原因值得我们去探究。随着国民经济的快速发展和社会经济转型的不断推进,社会的竞争越来越激烈,毕业生进入社会后也面临着很大的压力。如果大学生能够说一口流利的英语,那么将来进入社会就可以多一条就业的渠道,就可以拿一份高薪资。对于很多大学生来说很容易就可以通过英语四、六级考试,但是要能够做到英语口语的熟练却是一件非常困的事情。随着我们国力的不断提高,我们国家逐渐与国际接轨,与欧美发达国家的水平日益缩小,这就要求我们的大学生能够熟练的掌握英语听说能力,从而提高自身的综合能力。 3.大学英语教学发展不平衡 由于我国经济发展的不平衡性导致了国民教育的发展也呈现出不平衡性。东部沿海经济发达地区的教育质量明显高于西部经济欠发达地区的教育质量。地区性的教育不平衡问题也使英语教育的发展呈现出不平衡性,主要表现为西部边远地区学生的英语听说读写能力明显低于东部经济发达地区的学生。在北上广等一线城市,一些学生从小就能够接受很好的英语培训,而这些地方外籍人员也比较多,因此他们也具有练习英语口语的环境和氛围,而这些都是西部地区学生所无法具备的。这种有经济发展水平和教育质量造成的英语教育不平衡性问题让西部一些高校大学生的英语水平成为人们关注的重点。在西部地区很多大学生更不要说能够熟练掌握英语口语,他们连一些基本的英语交流、读写一篇普通的英语文章都非常困难。 4.现有的英语教学体制相对落后 近几年来社会上出现很多英语辅导班并逐渐引导英语教育走向利益化的轨道,从而导致大学英语教育在各个学科的学习中成为任务量大、学习时间长的一门课程。随着社会主义市场经济的快速发展以及我国不断的与国际社会的接轨,并在出国留学、考研、英语等级考试等因素催化下,使大学生把英语的学习放在第一位,有的学生为了学习英语甚至牺牲自己专业课的时间,这样的做法就会得不偿失。而很多高等院校的英语教学也是为了学生的考研率,英语四、六级考试,这就使学生每天都在大量的英语题海中挣扎,只是为了考试而去学习英语。这种情况下培养出来的大学生只能说是应试教育的陪葬品,将来进入社会后没有任何实际的适应能力。 二、大学英语教育转型趋势和相关措施 1.进行个性化的英语教学 因此,已有的教学目的需要进行一些改革,高等院校可以根据自身实际情况(比如学生水平、学校性质、专业性质等)来制定适合自身发展的英语教学目标,从而针对大学生的时代特征在教学手和教学内容等方面开展个性化教学。目前,很多高等院校在进行大学英语教学工作中所讲授的内容都与中学有重叠,为了减少和避免这种情况的出现,高等院校可以将英语教学目标系统的制定出来,并且将大学、中学的英语教学衔接起来,这样可以大大提高学生学习英语的效率。现在一些高校规定学生如果通过了一定级别的英语等级考试就可以免修相应的英语课程,这样会使学生为了通过这样的等级考试而花费大量的时间,相应的就会减少学习自己专业课程的时间,这种模式下的英语教学很难让学生的英语水平有真正的提高。因此,要抛弃传统的教学方法,针对学生的实际情况来开展个性化教学。 2.提高学生的综合性水平 要培养大学生英语的综合性水平,不仅简单的提高他们的听说读写能力,更应该转变以往的教学观念和教学手段。要转变传统的为了教学大纲规定的教学任务和为了让学生通过英语等级考试而开展英语教学工作的观点,进一步提高学生的口语水平和听写能力。为此,高校可以多开展真实英语环境下的教学,练习学生的动嘴能力,以此来培养学生的综合性英语水平。 3.对大学英语教育资源的投入进行优化 在当下的教育模式和体制下,学生为了考试而去学习,学生的命运由应试制度下的考试分数决定,这就会使英语作为一门语言的功能发挥不出来或者说发挥不到实际的用处上来,从而影响大学生将来进入社会的适应能力。如果当前的应试教育体制不进行改革,这种情况就不会有大的改变。因此,这就需要对大学英语教育的结构进行优化,使其适应社会主义市场经济的需求。另外,学生还要根据社会上各个行业对英语的不同需求来调整自己对于英语学习的目标,对此大学生可以多关注社会的动态和相关新闻来了解社会上对英语的需求情况,以便对自己将来的就业方向有所了解。如果学生对英语比较感兴趣或者自身的英语实力比较强,那么就可以加强对英语的投入,这样学校也就对有限的教学资源进行调整和优化,从而使有限的教学资源发挥出最大的用处。 英语教育论文:英美文学和英语教育 一、 英美文学发展概貌 英国文学源远流长,经历了长期、复杂的发展演变过程。在这个过程中,文学本体以外的各种现实的、历史的、政治的、文化的力量对文学发生着影响,文学内部遵循自身规律,历经盎格鲁—萨克逊、文艺复兴、新古典主义、浪漫主义、现实主义、现代主义等不同历史阶段。战后英国文学大致呈现从写实到实验和多元的走势。 美国文学在`19世纪末就已不再是“英国文学的一个分支”。进入20世纪,美国文学日趋成熟,成为真正意义上独立的、具有强大生命力的民族文学。战后美国文学历经50年代的新旧交替、60年代的实验主义精神浸润、70年代至世纪末的多元化发展阶段,形成了不同于以往历史时期的鲜明特色和特征。 二、英美文学批评理论概述 20世纪被称为“批评的世纪”。文学批评理论沿一条从“内在的研究”到“外在的研究”轨迹发展。“新批评”、结构主义、解构主义、新精神分析、读者反应批评、新历史主义、女性主义、后殖民主义等各种批评思想和理论革新了文学观念,从根本上改变了人们对文学传统、典律构建、文学与文化、文学与社会关系的认识,为文学研究开辟出新的天地。 三、英美文学的认知功能和艺术价值 文学是对人生体验的文化表征。文学作品隐含对生活的思考、价值取向和特定的意识形态。阅读英美文学作品,是了解西方文化的一条重要途径,可以接触到支撑表层文化的深层文化,即西方文化中带根本性的思想观点、价值评判、西方人经常使用的视角,以及对这些视角的批评。 英美文学是对时代生活的审美表现,是英国人民和美国人民创造性使用英语语言的产物。英语表意功能强,文体风格变化多,或高雅、或通俗、或含蓄、或明快、或婉约、或粗犷,其丰富的表现力和独特的魅力在英美作家的作品里得到了淋漓尽致的发挥。阅读优秀的英美文学作品,可以感受到英语音乐性的语调和五光十色的语汇,回味其“弦外之音”。 四、英美文学研究 开展外国文学研究,有助于我们开阔眼界,了解外国文化,丰富我们的知识,启迪我们的智慧,繁荣我们国家的文学创作和方法。促进中国文学发展,建设我国社会主义先进文化,是外国文学研究的意义所在。就英美文学而言,可选择小说、诗歌、戏剧、文学批评理论、作家作品、文学流派、文学史、中外文学比较等作为具体研究对象。我们国家外国文学研究水平参差不齐,对英美经典作家的研究有待深入,对现当代文学跟踪研究有待加强。 五、英美文学教学模式 目前许多学校的英美文学课采用“文学史+选读”的模式。上文学史课时,教师罗列一大堆文学史知识,让学生死记硬背。学生因为是被动地接受老师的“复述”,怎样形成自己对文学作品的见解便无从谈起。传统的文学课除了教授文学史外,常常要搞一点文学选读,作为对史的补充。这种“语录”式节选,破坏了作品的完整性。教师处理这些选段时,把大部分时间用在了解释句子和单词的意思上面。学生浅尝辄止,虽然上了一两年的文学课程,却没有接触过一部完整的小说或一个完整的剧本,没能学会如何欣赏和分析文学原着。由于教学内容是些死的知识,不少人便觉得英美文学课乏味、无用。 英语专业英美文学教学改革思路: 1、读完整的作品。作品选读虽说是精选经典作品的华章彩段,但由于是只选片断,破坏了作品固有的整一性,难免有支离破碎的感觉。只有认认真真读过莎士比亚一个剧本,学生才能对莎士比亚的创作特色真正有所了解,才能说“我读过莎士比亚”,才能与人讨论莎士比亚,也才能写出有自己见解的评论文章出来。阅读文学作品,从整体上去感受体验,学生会有所震动,有所启迪。 2、讲欣赏作品的方法。在传统的文学史课上,教师往往以“满堂灌”的方式,向学生传授文学知识。其实,生活在信息时代的学生可以很容易地通过网络、百科全书光盘等途径搜寻到这些知识。因此,英美文学课的重点应放在指导学生如何欣赏和分析作品上面。以英美小说为例,在阅读作品的基础上,要求学生分析主题表现、人物塑造、情节安排、叙述角度、象征细节、语言风格等。 3、写阅读心得。读书贵在有自己的心得体会。文学作品可以为写作提供题材和内容,写作则又深化了对文学作品的理解,两者互为补充。文学是语言的艺术,许多名家均为语言大师。学生通过阅读,受其熏陶。英美文学课程的考核不搞闭卷考试,而是撰写课程论文。 按照上述思路组织教学,英美文学课程可以成为一门素质培养课。学生主动参与文本意义的寻找、发现、创造过程,逐步养成敏锐的感受能力,掌握严谨的分析方法,形成准确的表达方式。这种把丰富的感性经验上升到抽象的理性认识的感受、分析、表达能力,将使学生终身受益无穷,是在竞争日益激烈的社会上立于不败之地的真正有用本领。在这过程中,学生的英语水平也会相应得到提高。 六、英美文学教学与大学英语教学 大学英语教学属基础语言技能训练,教学任务繁重,四级通过率压力大。但作为英语教师,我们不应忽视英美文学这一丰富多彩的资源库。 英语教师面临提高自己业务水平的任务,英美文学是科研的重要研究方向之一。 目前, 大学生英语水平普遍提高,阅读能力较强,不少学校开设英美文学选修课的条件日趋成熟。 大学英语教学应增强英美文学意识,将英美文学导入英语教学,适当介绍当代英美着名作家的文学创作,向有能力的学生推荐优秀作品。在课堂教学中,可借鉴英语专业英美文学教学模式,采用各种方法,如研读短篇小说,背诵诗歌,朗读剧本、扮演角色等,使学生不仅学习英语语言,也了解英美文学,加深对英美文化的认识。英美文学教学与大学英语教学并不矛盾,可以相辅相成。加强英美文学教学,有助于改进我国英语教育,培养高素质人才。 英语教育论文:论大学英语教育价值的实现 随着市场经济的发展,高等教育的教学内容也日趋功利化,许多高校设立最流行的学科、专业,力争吸引好生源,扩大影响力。在这种思想的影响下,大学英语教育理念发生了偏移,一些学生在学习英语语言的过程中也显得急功近利,语言学习中所蕴涵的人文精神和思想精髓逐渐被忽略了。 大学英语的教学目标不仅是培养学生的综合应用能力并在社会的各行各业发挥英语语言应用的功效,还应该重视人文素质的培养。“没有人文素质的培养,其他能力与素质的培养和提高都是枉然。”咽此,面对当前教学理念出现的偏移和问题,探讨如何真正实现大学英语教育价值有着重要意义。 一、实现大学英语教育价值所面临的问题 教育是传递生产经验和社会生活经验的一种手段,也是促进个人实现社会化和个人自身不断提高的过程与手段。教育价值就是教育对人与社会的功效,它主要来自对人的完善,在于追求人的天性,培养人的智慧,也要从社会学来评价教育价值,即教育要满足社会的需要,在于培养出各行各业的社会人。 同样地,大学英语教育的价值也体现学习语言者自身的发展和语言工具性对社会的功效两方面。学习者通过习得英语语言这门工具,学习到更多的知识领域,开拓眼界和视野,提高自身素质和水平。而英语作为世界使用范围最广泛的一门外语,也能间接地满足对社会各界在交流和专业上的需求。然而如何才能在大学功利化的倾向下,将丰富的资源充分整合,实现大学英语教育的价值都是值得讨论的问题。笔者认为“人的需求”和“社会需求”是实现大学英语教育价值的关键所在,也将基于这两方面探讨大学英语教育价值所面临的问题。 (一)在人的需求方面 1.学习者被动的语言学习。一方面,由于教学课程设置的不合理,许多学生承受着巨大的学习压力,无力也无心对所学课程进一步深化和细化。另一方面,由于受中小学学习模式的影响,大学的学习也主要以服从和完成作业为主,学生缺乏勇气挑战权威和创新,高等教育没有达到开发学生潜能的目标,在这种缺乏挑战性的学习模式中,学生被动学习,扼杀了学生的好奇心和兴趣,更不用提陶冶情操和提升素质。 2.学习者缺乏对人文精神的追求。随着英语教育的改革和教育资源的扩充,大学英语教学在提高学生的英语听说读写能力方面获得了提高,而外语教育的本质——人文精神教育却遭到忽视。“这种教育思想导致目前的教学过于注重语言技能和实用知识,这种实用性和应用性的教育所带来的后果就是人文精神的衰落,学生中物欲化情绪和功利化倾向日益严重。”学生没有体会英语文化的底蕴和精髓,领略文字背后深厚的哲学思想,也对自身思想境界、道德情操和人文修养的追求表现淡漠,不少教师也在课堂上仅以考试为导向,重技能操练,轻人文知识的培养,教师的这一功利性行为在一定程度上影响了学生的价值观,削弱了高等教育的神圣地位。 (二)在社会需要方面 1.大学英语教育的目的功利性过于明显。高校以社会的需求作为导向设置课程和教学安排。而受眼前利益驱使,大学英语教育也面临着只重视技能培养,强化工具性和实用性,而淡忘人文性的问题。这种偏颇、功利的价值取向不仅有悖于教育的本质,忽略了对学生合理的知识结构的培养,更为可悲的是,一些学生虽受过高等教育,人格却是在畸形发展,导致大学教育普遍出现“人文精神缺失、创新动力不足、素质结构失调”现象。③ 2.对应试教育的重视超过了对素质教育的重视。无法否认的是,社会对人才和精英的评定和认定通过高校文凭是简单可行的方案之一,这也导致对教育的评估侧重于结果而非过程,应试教育也成为简单见效的“生产人才”的手段。由于社会对大学英语教学目的的认识存在偏差,应试教育仍广为盛行。不少大学英语课堂成为围绕各类考试、传授考试高分秘诀的培训班。 二、解决当前英语教育价值缺失的对策 大学英语教育进行英语知识和技能的培训是必要的,满足社会需求也无可厚非,但从教育价值的观点来看,人的需求和社会需求均不可忽视。要在大学英语教育中实现两者的结合,笔者针对以上问题,试提出了以下对策: (一)理念:理性分析社会需求,转变教学思想 高校是知识的生产地,没有高校的创新就不会有社会的进步。高校课程的内容和教学方法必须能够及时反映社会的需求,在物质丰富的今天,精神追求和素质提高就显得尤为重要。要把“以人为本”作为大学英语教育理念,“以人为本”就是坚持人的自然属性、社会属性和精神属性的辩证统一,在英语教学中坚持“以人为本”就是把培养社会所要求的、具有全面素质的优秀人才放在一切教育活动的中心,完善了“人”的各个方面才能,更好地服务于“社会”的生产和实践。同时,合理调整大学英语课程体系,为学生选修课程提供多种选择。 (二)教师:将英 语技能训练和人文精神有机地结合 如上所述,大学英语教师仅仅在文凭和学历上有所提高还远远不够。“师者,所以传道、授业、解惑也。”“道”和“业”涉及“道德”与“专业”两个方面。在“专业”方面,英语教师可以帮助学生提高听、说、读 、写、译五方面的技能;在“道德”方面,英语教师还应注重文字背后人文精神的熏陶,帮助学生了解世界各国的文化,使之形成正确的人生观和道德观。教师肩负着引导学生树立正确价值观的重要作用,因此在未来的高等教育中,除了专业知识之外,素质、道德和价值观也是考察教师资历的重要元素。教师良好的品位和人格魅力对学生品格的塑造起着不可忽略的作用。考虑到社会发展和变化,教师需要进行定期和周期的师资培训。 (三)学生:激发学生的能动性和主动性 高等教育的中大学生重点不是“学习生存技能”和“灌人大量知识”。学生的主动性是成功、有效的高等教育的关键。激发学生的能动性和主动性,包括学生的自主能力、批判能力和创造能力等。在传统的英语学习过程中,学生进行着被动、枯燥、孤立的英语句型操练,这与“素质教育”相违背。学生在学习中缺乏自主性,更不用说在学习过程中接受人文精神的熏染,陶冶情操。所以,在思想上应该使学生具有开阔的视野和多元文化共存的态度价值观,在培养正确的价值取向的基础上,注重发展学生的主动性是高等教育的重要目标。 英语教育论文:浅析基于文化差异视角的跨文化英语教育探究 论文关键词：英语教育　文化差异　跨文化 论文摘要：随着我国社会的不断发展，在全球化发展的今天，各种文化之间都有着互相的渗透，跨文化交流在实际生活中也越来越重要，所以在英语教学中，教师不应仍以老旧的英语教学模式来进行教学，要增加对英语文化的学习，才能够使英语的学习有着更加重要的现实意义。 随着我国在世界经济中有着越来越重要的地位，我国与各国之间也有着很多的贸易往来，但是原有的英语知识教育已经远远的跟不上了时展的需求，现代化需求的英语人才是要能够和英语国家的人进行无障碍的沟通，如果英语教育仍然以基础知识和单词语法等来作为主要的教学内容，想必已经很难满足现代社会所需求的英语人才了。本文从以下几个方面入手，对跨文化英语教育进行一些探讨。 一、各国文化差异带来的影响 如果外语学习者学习过英语之后，和外语使用者进行交谈时，由于不懂得他们国家的文化，不能够正确的理解他们的说话意图，反而说出了一些中伤他们的话，使他们产生误会，这是非常不礼貌的行为。在现实生活中的商务谈判中，这就显得更加重要了，可能因为一句不礼貌的用语，导致了生意上很大的损失。所以是否能够和外语使用者之间进行无障碍沟通，不仅仅在于英语单词和语句、语法的学习，另一方面更应对英语国家和我国在文化上的差异性方面进行学习和了解，只有真正的掌握了文化的差异，才能对英语从真正意义上进行应用。 二、文化在实际交际运用中差异体现 （一）涉及个人的隐私问题 西方人在个人隐私方面非常重视，他们非常在乎对自己的年龄大小，婚姻状况，宗教信仰和工资等隐私问题进行保护，必须在和他们交流时避免此类问题的交流，应该换一些不涉及隐私的问题，不能因为文化的差异导致和西方人交流上有所困难，甚至会发生不快，虽然中国人把问对方年龄视为是关心对方，但是，西方人认为对于隐私方面，其他人是无权过问的，所以在交流时，必须能够注重隐私方面的文化差异性。 （二）中西方思想观念上的差异 在和西方人交流时候，不仅要极为注重其隐私的谈话，还应意识到中西方思想观念上的差距，中国人将谦虚作为其优良的传统美德，认为自谦是对别人的尊重和礼貌，但是即使我们这样认为，也不能将思想强加于外国人身上，如果硬性的以自己的主观意识作为交流的重点，那么很有可能会导致交际的失败，甚至会导致更大的矛盾以及冲突，因为西方人并不这样认为，他们认为自己能做好的就要正确的对待别人的夸赞，以一句谢谢作为回应即可，如果表现的过分谦虚，则会被认为是虚伪的，可见在英语交际中更要注重思想观念上的差异性。 由以上可以看出，在英语交流中，各国之间有着非常多的文化差异性，以上两点仅是我国和西方国家在文化差异上的一部分，还有很多的文化差异需要了解，所以在英语教学中更应注重跨文化的学习。 三、目前我国在英语跨文化教育上存在的问题 随着新课程的改革，我国对英语教学提出了很多的新要求，在全球化的背景之下，我国更应注重在英语学习中的文化差异，虽然新课改的思想已经慢慢的渗入到英语教学中，但是仍有很多地方的教师没有改变其教学理念，在英语教育中，只将基础学习作为重中之重，而忽视了对英语国家文化的学习，这样培养出来的英语人才很难适应现代社会的发展，无法从真正意义上进行对英语的正确应用，所以我国应在教育体制改革的同时，使教师能够在真正的教学活动中对英语国家文化的学习加以重视，才能改变我国目前的状况。 四、实现跨文化教育的对策 （一）教师要改变原有的教学观念 由于很多老师仍然把英语教育理解为单纯的基础学习，比如单词，语句和语法等，从而忽视了对英语文化差异的学习，极大的不利于学生对英语进行实际的应用，所以，作为老师要一改原有的教学理念，加强课堂上教学对文化差异的渗透，能够引导学生注意英语国家文化的学习。 　（二）在英语教学中，注重加入文化元素 教师在英语教育中，应该在学习教材基础知识的基础上，加入相对应教材内容的英语国家文化知识的讲解，使学生能够了解到英语国家的社会文化，生活习惯和一些习俗等，因为中西方之间的生活有着很大的差异，要想和用英语和英语国家的人进行流畅的交流，就必须全面了解西方国家的文化背景，比如个人隐私，面对称赞时的反应，还有主人邀请你吃饭是代表什么意思等，如果不了解这些，只按照中国国家的生活习惯和外国人交流的时候，就一定会使沟通产生障碍，比如中国人在别人家做客时，都是过于拘谨，不能打开心扉的想吃什么就吃什么，会考虑很多，比较在乎别人的眼光，但是如果在国外，没有人会叮嘱客人吃，客人都是想吃就吃，如果不了解这些，就只能饿肚子了或者把场面弄得很尴尬，所以一定要使学生真切的感受到学习英语国家文化的重要性。 （三）从思想上引导学生对西方文化加以理解 在英语教育中，不仅要对英语国家的各种习俗加以渗透，还要使学生在思想上建立同于西方文化的思维模式，引导学生进入西方文化的世界里，了解其思想，感受和中国不同的西方文化和内涵，可以多加发挥外教在英语文化教育中的积极作用，外教本身来自西方国家，他们对西方的本土文化非常了解，是一本活教科书，应该加强中国学生和外教之间的互动交流，使学生真切的感受到异国的文化风情，才能从思想上对西方文化有着一定的认识。 （四）调动学生在学习英语文化的兴趣 兴趣是最好的老师，要想使学生能深切的了解到英语国家的文化底蕴，就必须要建立起同学在此方面的兴趣，如可以利用一些多媒体教学技术，放一些有关于英语的影片，从影片中的生活场景中可以了解到英语国家的人的生活习惯，这样通过感官上的介入，使得学生对英语文化的学习更加深刻，并且能够摆脱枯燥的讲说教学，极大的调动起学生的学习兴趣，对于英语文化的学习有着非常积极的作用。同时，教师在对学生进行英语教育中，挑一些学生感兴趣的动物单词，比如天鹅在汉语中仅仅代表天鹅本身，具有美丽高贵的意思，但是在英语国家，天鹅还有着更为深层次的意思，代表着非常有才华的诗人，因为希腊传说中，音乐之神的灵魂里进入一只美丽的天鹅，以此产生了寓言：杰出诗人灵魂都会进到天鹅的身体里，所以天鹅在英语国家里有着更深层的内涵；英国有一个地区产的牡蛎是最好的，好的牡蛎都是呈现紧紧闭嘴的状态的，所以借此来形容沉默寡言，口风紧的人，像这些文化差异在中西方文化差异中只是极小的部分，要想更多的了解文化的差异，必须要以一些实例来加强同学对英语国家文化的求知欲，使学生能够更加注重英语文化的学习，为英语交际打下基础。 结束语： 随着新课程的改革，对英语教学提出了更高的要求，不能再以以往的教学理念进行英语教育，而是要在英语教育活动中，更加注重英语在实际中的应用，同时更加注重各国家之间文化差异进行英语教育，学生只有对英语国家的文化加以正确把握，才能在与外国人进行交流时没有语言观念上的阻碍，这样的教学才能培养出适合我国现代社会发展的英语人才，可见，对于跨文化的英语教育的研究是具有重大的现实意义的。 英语教育论文:浅析大学英语教育中英美文学类课程改革措施 1大学英语教育中英美文学类课程改革的理念 大学英语教育可以说是对学生的英语能力的教育，应关注与学生的英语技能、英语情感以及英语使用，英美文学类课程进入大学英语教育之中，无形地给大学英语教学注入了文学情调，即为文学人文情怀，这就要求在英语教育中实现对学生的人本教育与素质教育，坚持新型的人本教育理念。其一，实现“技能教学”向“素养培养”扩展。传统大学英语教学定位于英语知识的传播，而对于学生的英语实际应用能力培养课程设置较少，这就在一定程度上限制了学生的英语专项技能提升，如英语交际能力、英语应用文书写能力等，同时，相对于技能教学来说，人文教育在大学英语教育中更为缺失，这不仅背离了素质教育之要求，而且很大程度上影响了学生的人文思想、情感以及心理等，而英美文学类课程引入大学英语教学，其以文学情境创设、中英文化比较以及中英文学教育的方式，加入历史、哲学、艺术、文学等内容，充分提升了学生的文化品位、审美情趣和人文素养，者正适应了现代社会对社会性人才的需求标准。其二，实现“教师结构”“教材结构”向“学生结构”转变。素质教育条件下，实现学生的学习主体地位是大学英语教学改革的基本要求，传统的大学英语教学以教师为主导，以教材为基本，展开“以师为本”、“以教为本”的教学，而相对忽视了学生的主观能动性发挥，缺乏了对学生心理特征的分析，造成学生成为学习的被动者，而英美文学类课程设置以情境教学为主，这就在一定程度上创造了教学的情境范围，如展开文学人物对话、进行文学场景模仿等，这就使得学生的表现力提升，进而实现学生的个性化、主体性发展。 2大学英语教育中英美文学类课程改革的环节实践 大学英语是高等教育本科阶段的重要课程，对于非专业英语教学来说，一般设置于大一、大二，是每个专业学生的必修课，出于对素质教育以及社会多元性发展的要求，大学英语内部课程设置越来越偏向人文教育，而英美文学类课程设置成为首选，但是在其课程改革中，必须以各环节的人本性落实为基础，才能实现英美文学教育功能的实现。 2.1英美文学类课程目标改革 英美文学类课程是大学英语教学的一部分，这就决定了其课程设置必须以大学英语教学目标为基本，服务于大学英语整体性教学目标的实现。如基于英语言语能力培养的大学英语基本教学目标，英美文学类教学通过创设交际对话场景，让学生观看文学作品电影等方式，来提升学生的言语感知力、理解力和应用力。文学教育的本质在于对人的教育，这就要求英美文学类课程目标定位于人的力量的实现，即为人的技能培养与人文培养上，这就要求其课程目标立足于学生的能力培养，尤其是人文素养提升上，通过其课程目标的指向作用，再展开教学内容的挑选与教学。如设置学生审美感受力教学目标，在教学中，教师依据教学目标，进行教材内容补充或是教材创新，进而提升学生的审美情感。 2.2英美文学类课程教学内容改革 1）精选英美文学作品，展开作品教学。英美文学类教学展开的基础是文学作品，在对教材的选择上，不仅要适应于大学英语教学目标的要求，而且要以精美的文学作品为主，其包括审美性、对比性、教育性、情感性以及人文性的教学内容，例如选择《简爱》展开情爱审美教育与情感教育；选择《理智与情感》展开人性纯美教育；选择《雾都孤儿》展开历史情感教育；选择《老人与海》进行人与自然之挑战，人性能动力教育等，促使包涵丰富而又积极向上的文学作品被学生认识与感知，让这些民族的、人民的精神影响到大学生的人本发展、社会发展和心理发展。2）选择“大众性”作品，展开学生心理教学。这里的“大众性”作品是指学生在以前的学习中所涉及到的或是著名的作品，便于学生理解的作品，用此类用作品展开英美文学教学，不仅因为此类文学作品本身含有较高的人文精神，更多是基于学生的心理要求，因为学生对这类作品本身就已经有所感知，或是因为作品影响力而想去了解，所以，在设置课程内容中，尤其是在展开教材教学中，要适应于学生的心理要求，这不仅能够有助于教学目标的实现，而且最大程度上适应了学生的心理走向，有利于学生学习主体性的发挥。3）教学内容设置人本化，展开阶段性教学。对于非英语专业来说，英语课程一般作为必修课设于大一、大二，由于此阶段是大学生进入校园的起始阶段和适应阶段，其心理新鲜感与滞留感较强，所以在教学内容设置上，要进行学生心理分析，采取阶段性的教学内容设置教学，如在大一上学习，学生心理处于高中向大学升华过渡期，在其中对情境性教学的适应性较弱，所以教学内容要以轻快、感受的基本内容为主，如展开优美诗歌赏析、进行电影欣赏等，以便于培养学生的英语情境感受能力；在大二时，则偏重学生的英语实践能力展开情境教学，如进行文学情景对话、角色演出等。 2.3英美文学类课程教学方式改革 1）以阅读、欣赏为基础，培养学生文学感受力。对于文学类学习来说，文学感受力是展开教学的第一步，在教学中教师通过选择适宜的文学作品，在课堂上，以美文阅读、音乐播放、诗歌朗诵以及影片欣赏等多种形式，为学生赏析文学作品提供平台，这就有效地培养了学生对英美文学的喜爱度，而文学揭示普遍的价值，描述日常生活之故事，这不仅让学生充分感知文学，而且在一定程度上帮助学生了解社会，促使学生多元化思维的形成。2）以“寓教于乐”“师生互动”为手段，创设学生学习主体性情境。课堂是实现学生各项素质与能力培养的主要场地，文学自身的情境属性，要求英美文学教学必须有高氛围的情境进行支撑。一方面，采用多样化教学模式，寓教于乐，提升学生的学习热情。如采用角色教学、模仿教学、场景教学等方式，将教材人物引进课堂等。另一方面，关注学生主体性，实现师生互动，提升学生的参与力。如采用合作教学，加强师生间的交流与合作，教师以有效激励方式，促使学生各抒己见，这不仅能够开拓学生的思维，提升学生的言语表达能力，而且有效地将学生变为课堂主宰者。 2.4提升英语教师素质 教师作为教育教学的主导者，其素质水平直接影响着学生的素养与能力的形成，要展开有效的英美文学教学，教师首先要进行自我提升，这不仅要求教师加强基本英美文学知识学习，丰富其教学技能，而且要求教学具有较高的文化、思想以及素养。 3总结 素质教育下，大学英语教育中英美文学类课程改革必须突出学生的学习主体性，在其课程目标定位上以整体性教学目标为基础，以自身课程特点为依据，以学生实际为根本，以全面化的指导理念作用于教学内容的制定与教学方式的展开上，同时，加强英语教学素质培养，以强有力的教师素质为支撑，来实现学生的文学审美能力、情感能力与人文素养的培养与提升。 英语教育论文:简论对当代高职英语教育重要性的分析 论文摘要：高职院校对专业技术人才的培养是我国人才培养的重要组成部分。其中英语教育作为基础课程,必须加强学生对其的重视程度。就高职英语教育重要性进行了简要的分析，提出了通过一定的教学活动，推动英语教学的健康发展，使得高职专业技术人才不仅具有较高的专业知识,同时还具有一定的外语应用能力。 论文关键词：文化；职业教育；高职英语;重要性 我国社会主义市场经济的确立，使得国家的经济建设突飞猛进。快速发展的的经济要求我国的专业技术人员除了具有较高的专业技术外,还需要懂得本专业文献的信息查询、学习和再深造。这就要求高职院校教师的教学不仅仅要进行专业知识教学,还要教会学生再学习的能力。 今天是信息快速发展的时代,也是企业人才竞争的年代，技术人员的聘用和许多有价值的信息是通过网络取得的。英语是常用的一种检索语言,更是先进设备引进应用的“通行证”。英语的这种应用能力对于专业技术人员来说意义重大和深远，因为它直接影响到我国专业技术人才的培养。因此，英语教学就不仅仅教会学生英语信息检索与查询,更应因此使学生掌握一些英语的学习方法和实用翻译方法。 一、高职院校英语教学现状 在我国外语教育规划逐步系统化、科学化的背景下，高等职业技术院校对英语教学在思想原则上明确提出了“语言是文化的载体”。 因此，外国文化对学生的人生观、世界观和价值观的影响不容忽视。因而在高职英语教材中既要反映中国的传统文化，又要有利于学生正确了解外国文化的精华。教师在课堂前后应该引导学生提高鉴别能力。但是，由于中国教育体制和考试机制存在某些缺憾，数以百万计的学生每天都在拼命“囫囵吞枣”似学英语，以求将来获得更好的就业机会。他们在学习中对以英语国家的文化缺乏甄别能力，又对本国的文化知之甚少，出现了“崇洋媚外”的现象。这是值得我们关注和思考的。 众所周知，高职学生的英语基础普遍较差，他们在语音语调、词汇量和语法知识这几方面都很弱，致使学生对英语有恐惧心理，学习积极性不高。然而为了培养合格的毕业生，作为老师则必须想法设法提高他们这些能力。目前，高职学生的英语听力教材相对比较缺乏，公共英语教材也不一样，内容所涉领域、难度，题型设计也稍有不同。有的教材不适合高职学生的英语学习，难度太大，在一定程度上打击了学生的自信心。 此外，我国高等职业教育起步较晚,英语教学系统还不完善,教学大纲、教材的编写与实际情况距离较远，一方面制约了英语教学。另一方面由于高职绝大多数学生对专业技术课程比较重视，对英语课程重视不够，只要考试可以通过即可，导致了我国高等职业院校英语教学质量不够高。要扭转这种局面。只有通过深化英语教学改革，优化教学手段等多方面工作,才能帮助学生树立学习、使用英语的信心，为我国高等职业院校英语教学打下了坚实的基础。 我国教育方针是培养合格的社会主义祖国的建设人才，需要继承传统文化的基础上，借鉴外国先进技术发展我国的经济。高职院校是培养社会建设的专门技术人才，因此我们教育的最终目的就是培养学生独立自主的终身学习能力，在学校不仅能学到知识，更要学会如何学习。所以，在英语的教学中就是让学生能够自己决定学习目标、选择学习方法和技巧以及对自己的学习负责。在具体的高职实施中，尽管教师以学生为中心，鼓励、帮助、介绍方法和技巧，但由于基础差和自觉性不强，学习材料仅限于课本，他们课堂以外基本不学英语，大多数学生依赖于老师，很少参加英语活动。对此，我认为他们有很大空间可提高。如果做到自主学习，学生的英语水平肯定会突飞猛进。 二、高职院校英语教学的重要性 当今的学生独立性、自主性增强，他们有自己的思想见解。随着知识的增长，眼界的开阔，教师在学生心目中的位置并不是像初高中时候那样的绝对“权威”。所以在学生学习的时候，我们要把学习英语的选择权、主动权交给学生，让他们学会学习，懂得学好英语的重要性。反之，事与愿违，将导致教育的失败。因此，我们有必要认真分析高职院校英语教学的重要性。 随着我国经济建设的蓬勃发展,各行各业需求着不同层次的专门人才。当前社会上，我国高等职业技术院校毕业的专业技术人才在人才市场上十分抢手，特别是一些外企需求量逐年增大。但是,由于我国高等职业技术院校毕业生在校期间只对专业课程下苦功学习，而忽略了英语的学习，导致了许多外企招聘不到合适的专业技术人才。据调查,在国内企业能够胜任专业技术工作的人当中，只有7%的人具有较为熟练应用英文的能力，而在外企就更差了。这种现象正是由于平时对英语重视程度不够,自认为专业成绩好就行，直到毕业后找工作时才发现,许多企业对于专业技术人才的英语能力也有一定的要求。由此可见，英语学习对于高等职业技术院校学生的重要性。 英语教学最终的目的就是让学者会听说，听说应是高等职业院校英语教学的重点之一，因为对于学生的学习和工作有着重要的影响。尤其是现在是经济全球化的时代,自我国加入wto以来都要求我国专业技术人员必须能够较为熟练的应用英语等外语与外国技术人员等进行沟通,以便更好的开展工作。所以作为专门培养专业技术人才院校,其英语教学对学生日后的工作有着多么重要的作用。大家知道，在与外国进行技术交流时，除了要语言上的沟通外，还进行读写上的交流。因此，在高职英语教学中,读写的教学对于学生的学习和工作也有着重要的影响。比如企业引进国外的先进技术与设备都需要专业技术人员有较高的英文读写能力。对此在实际的教与学中,教师不妨对专业定理定律、专业词汇等进行英文注解,以便于学生对于这些内容的学习与信息查询。这样做在很大程度上对于学生的工作有着很大的帮助。因此,高职院校培养的专业技术人员必须认识到英文听说读写的重要性,在日常的学习中有针对性的进行学习,为日后工作中英文材料的读写打下基础。 面对激烈的市场竞争,越来越多的企业喜欢聘用具有一定外语水平的专业技术人才。这是由于企业要生存、要发展,必须在保持原有国内业务的同时,积极拓展国外业务。因此就决定了企业专业技术人员除了完成日常的工作同时,还能在必要时运用英语进行企业技术介绍、技术问题解答等。加上从国外引进的设备英文说明书,这都需要专业技术人员具有很好的英文能力,所以他们在招聘时都需要专业技术人员具有一定的英文水平。可见,加强我国高等职业技术院校英语教学势在必行，使学生充分认识到英文的重要性。 三、提高高职院校学生英语能力的策略思考 英语能力是一种综合能力，也是现代合格人才的标志之一。如今国际间的交流日益频繁，这就要求从业者具备良好的外语交流能力。这就是摆在英语教师面前必须要解决的问题。 第一，培养兴趣。我国古代大教育家孔子说：“知之者不如好之者，好之者不如乐之者”。兴趣是一种积极的认识倾向，没有一定的认识，再奇特的现象出现在面前，也会熟视无睹，毫无兴趣，即使有瞬间的兴奋，也会因知识的贫乏而稍纵即逝。在高职英语教学中如何培养兴趣？我认为教师首先要重视free talk，谈话形式要多样，教师可预先布置谈话主题，让学生有所准备，活跃课堂气氛。如播放英文歌曲、角色表演、复述课文等。学生有了初步的兴趣，教师在教学过程中就应注意因材施教，平等对待每个学生。适时肯定每个学生的点滴进步，让每个学生都充分地体会到成功的喜悦，使其产生学好英语的欲望。经过持久的学习，将极大地增强了学生开口的勇气和口语能力。 第二，教学从听入手，以听促说。学习英语关键是敢于说，敢于交流。会说的前提就是要先学会听。教师可先让学生通过模仿地道的英语，要求模仿的每一句话都尽量做到“三最”，即“最大声、最快速、最清晰”，冲破一切心理障碍大胆地说，以克服胆小、羞怯的特点。经过一段时间的练习，学生的口语表达能力及听力将会取得很大的进步。 经验告诉我，提高高职学生英语听力能力最关键是加强语音基础知识的学习。语音知识不扎实往往是导致听力困难的直接原因。正确的发音是英语教学关键的第一步，这阶段要求学生平时多进行大声朗读，以提高语感的敏感性；同时让学生学会理解语调；平时也注意积累一些常用句型和习惯用法。此外，教师要结合实际，选择合适高职学生听力的材料。好的教材能激发学生的学习兴趣和动机。 第三，提高学生英语阅读实用能力。众所周知，阅读理解在外语语言的基本技能中占有十分重要的地位，在高职院校的英语也占有重要位置。现正在信息产业高速发展及全球经济一体化的新世纪，准确而快速的英语阅读己成为我们吸收和扩充知识信息及学习发达国家的先进科学技术的重要手段之一。阅读能帮助学生广泛增加语言知识，能使学生熟悉语言结构，熟悉语法规则等。结合高职高专的实际情况，在英语教学中，尽可能地利用好精读课程的学习。老师可提炼每一段落的主题句，分析篇章结构和句型特点，使学生掌握一些阅读的方法和技巧。要使学生在阅读能力上有较大的提高，必须结合学生本专业知识进行阅读，比如推荐一些相关专业的阅读文章在课上课下学习，至少应该分层次的进行学习阅读，对于英语基础较差的学生就是要推选一些有时代性、趣味性短小精悍的文章，使得全体学生的英语水平整体提高。 第四，改善高职教育中的教师队伍。目前，我国高等职业教育已经进入到以提高质量、强化特色、突出服务为主要特征的新的发展阶段，教师队伍建设也进入到了一个新的时期。虽然高职英语教育近年来取得了长足的发展，师资力量也大为增强，但师资还存在着一些不尽完善的地方，如学历不高、职称结构不尽合理等。有的教师教学实践能力弱，新知识、新技术难于融入教学中，课程开发能力不强，而兼职教师工作不稳定更是当前高职教师中普遍存在的问题。因此，调整教师层次，优化教师结构是当务之急，可安排教师挂职锻炼或开展跨国学术交流，也可通过各种渠道培训教师，让骨干教师、专业带头人在日常的教学工作中带领青年教师从备课、授课、作业批改、考试、实验实训等每一个教学环节做到规范到位。同时，我们还可以加强实习、实训基地建设，提高服务意识，建立良好的人际关系，具有传统课堂教学无法企及的优势。 四、结论 据现代人力资源调查以及有关企业的调查，具有一定英语水平的专业技术人才是当代专业技术人才发展的方向，也是高职毕业生努力提高自身素养的方向。为此，我们高职高专必须改变传统的教学理念,充分认识英语在日后工作中的重要性,促进教师的教和学生的学的积极性。通过专门的加强学习,使高等专业技术院校毕业生不仅仅具有较高的专业技术水平,同时还具有一定的英语基本能力,将高等职业技术院校毕业生培养成为现代企业迫切需要的英语加专业技能的复合型人才。